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ART
MAGAZINE
Boletín de actividades de la red arte, diseño y comunicación visual
año II volumen II nn
úm 3. Noviembre de 2010
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D Seño
&comunicación
GRÁFICA
BOLETÍN DISEÑO & COMUNICACIÓN GRÁFICA
Director Fundador Maestro Enrique Hernández R
Concepto Gráfico y Diseño Editorial
Enrique Hernández R.
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Diagramación
Laboratorio de Producción Gráfica
Enrique Hernández R. Mayerly Albino,
Compilación - Fotografía y Retoque Digital
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LABORATORIO PRODUCCIÓN GRÁFICA
DISEÑO DE MEDIOS EDITORIALES
TALLER TRIDIMENSIONAL II
GRÁFICA CONTEMPORÁNEA
Edición TALLER DE LA IMAGEN
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boletín Diseño & Comunicación Gráfica,
es una publicación semanal creada para la
divulgación de la producción plástica del área
del arte, el diseño y la Comunicación Visual
de la Red Laboratorio de Producción Gráfica
Arte Diseño & Comunicación Visual
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BOGOTÁ - COLOMBIA
2009 / II
UNIVERSITARIO
Bogotá - Colombia distribución gratuita
EL IMPRESIONISMO
Édouard Manet, El bar del Folies-Bergère (1881–1882) Courtauld Institute de
Londres.
Movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento
impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo.
El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas
clásicos y con las fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. Los impresionistas escogieron la
pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer
objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce
la luz natural sobre los objetos. Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot,
Camille Pissarro, y Auguste Renoir.
Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia
de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus
formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y
refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de
penumbra. Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las
sombras.
El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos
y con las encorsetadas
fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas
Artes. La Academia
fijaba los modelos a
seguir y patrocinaba las
exposiciones oficiales del
Salón parisino. Los
impresionistas,
en
cambio, escogieron la
pintura al aire libre y los
temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo
fue conseguir una representación del mundo
espontánea y directa, y
para ello se centraron en
los efectos que produce
la luz natural sobre los
objetos.
Millet, Les Glaneuses (1857),
Museo de Orsay.
Édouard Manet, Le Déjeuner sur l'Herbe (1863). Museo de Orsay.
Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas,
empleando para ello los colores primarios —cyan, magenta y amarillo— y los complementarios —naranja, verde y violeta—. Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.
Los impresionistas evolucionaron hacia distintos estilos individuales y compartieron
como grupo sus experimentos sobre el color. Sólo Monet fue ortodoxo en la aplicación de
la teoría impresionista. Pintó varias series —la catedral de Ruán, la estación de SaintLazare, los álamos— en diferentes horas del día y estaciones del año. Pissarro utilizó una
paleta más delicada y también se concentró en los efectos de luz sobre las formas. Los
sutiles paisajes de Morisot se destacan por la intensa pincelada más que por la precisión
lumínica.
El impresionismo ejerció una fuerte influencia durante décadas. Los postimpresionistas
Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Mary Cassatt y Vincent van
Gogh estuvieron muy influidos por la vivacidad del colorido impresionista. La obra de
Cézanne anticipó el cubismo, mientras que la de Gauguin y Van Gogh representaron el
comienzo del expresionismo.
BODY
ART
BODY ART
Kadakali
El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1960 en Europa y, en
especial, en Estados Unidos.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta,
se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el
lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a
modo de acción o performance, con una documentación
fotográfica o videográfica posterior.
Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Youri MessenJaschin tuvieron su fase en este movimiento.
PIERCING
Una perforación, perforado o piercing (cuya adaptación gráfica propuesta por las Academias de la Lengua Española es "Pirsin") es una abertura en el cuerpo humano para colocar
un pendiente. Estas perforaciones son una forma de modificación corporal y reflejan tanto
valores culturales, como religiosos y espirituales. Siendo además parte de la moda, erotismo, inconformismo o identificación con una subcultura.
En la historia occidental, tradicionalmente sólo se practicaba a las mujeres un único agujero
en las orejas desde pequeñas para toda su vida; sin embargo, en otras culturas del mundo
y en la cultura occidental en la actualidad y en épocas antiguas, también se perforan varias
partes del cuerpo ambos sexos.
Regularmente, suelen ser pequeños aros rematados con una esfera, metálicos o plásticos.
Sin embargo los de mayor tamaño varían en forma y material.
Quien decide colocarse un pendiente debe prestarle cuidado y atención, al estar colocando
un elemento ajeno al cuerpo y que podría reaccionar de manera negativa, por eso siempre
ha de limpiarse muy bien y correctamente, no maltratarlo, tampoco excederse en las curaciones de la perforación y por supuesto no intentar intercambiar la pieza con otra persona
como medida sanitaria de evitar infecciones e incluso transmisión de enfermedades. Sobre
todo Hepatitis C considerada como más frecuente estadísticamente que el SIDA y causa de
cáncer de hígado o hepatocarcinoma.
BODY
ART
PINTURA
CORPORAL
TATUAJE
Ciclistas en Seattle, Estados Unidos, 2007.
La 'pintura corporal o body painting’ es una pintura artística aplicada a la piel y se
considera una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros
antepasados. El hombre prehistórico descubrió la tierra coloreada, el carbón de
madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros pigmentos que tal vez
sirvieron, como pinturas de guerra, para impresionar al enemigo o se utilizaron
como señal reconocimiento en la propia tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo
pudo también servir de camuflaje para la caza.
Probablemente incluso antes de que se grabase la primera piedra, el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenencia a su
grupo y situarse con relación a su ambiente. Esta práctica servía como instrumento
de transformación; los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o se utilizaban sencillamente
como ornamento.
La pintura corporal reapareció en Occidente a finales del siglo XX. Se trata de un
arte transitorio, en el que el pintor crea un dibujo sobre su modelo, y al que se dedican varios festivales, entre ellos el de Seeboden en Austria "World bodypainting
festival" y el de Bruselas en Bélgica en el Festival Internacional de la película fantástica, "The International Body Painting Contest".
Tatuaje en la espalda.
Un tatuaje es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o
un texto con tinta o con algún otro pigmento bajo la epidermis de una persona o de un
animal.
PERFORMANCE
TEATRO
Performance en la avenida reforma (México D. F.).
Una performance es una muestra escénica, muchas veces con un
importante factor de improvisación, en que la provocación o el
asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.
El término performance se ha difundido en las artes plásticas a
partir de la expresión inglesa performance art con el significado
de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings,
al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra
performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir
ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta.
Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.
La historia del "performance art" empieza a principios del siglo
XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al
dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas
se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan
Tzara.
La palabra teatro proviene del latín theātrum, y
éste del griego θέατρον,
de θε�σθαι, mirar). El
teatro es un edificio o
sitio destinado a la
representación de obras
dramáticas o a otros
espectáculos
públicos
propios de la escena.
Además es un sitio o
lugar en el que se realiza
una acción ante espectadores o participantes.
También es un escenario
o escena. Y es un lugar en
el que ocurren acontecimientos
notables y
dignos de atención.
•
El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones
de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.
•
La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en
cualquier momento y puede tener cualquier duración.
•
Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.
•
La performance tiene parentescos con la acción poética, la intermedia, la poesía
visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones
(idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.
•
El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que
típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta
de que se está ejecutando una performance.
En el arte contemporáneo, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.
Performance de mimo y pintura.
BODY ART
INSTALACIONES
INSTALACIONES
Hace relación a los sitios en donde se presentan las obras de teatro.
Desde la antigüedad se han diseñado sitios específicos para tal
efecto, como el denominado teatro, que podía ser al aire libre o en
sitio cerrado.
Hoy en día, a pesar de existir gran cantidad de teatros para tal fin,
también existe el teatro callejero, por lo tanto, la escenificación de las
obras de teatro se hace en la calle.
MÚSICA CON INSTRUMENTOS NO
CONVENCIONALES
Diferentes culturas desde los más remotos tiempos han improvisado
sus interpretaciones musicales ancestrales con una serie de instrumentos que se salen de lo común.
Por ejemplo. Muchos usaron cuernos de rellenos con piedras, piles templadas adaptadas a bases de marfil, etc., dando con ello sonidos espectaculares.
Hoy en día muchos países continúan con estas prácticas musicales, utilizando todo tipo de materiales como arena, bolas de cristal, botellas,
etc.
BODY ART
HAPPENING
La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el
producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento
a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de
ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través
de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común
confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de
la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.
El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa
índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación
espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente
se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción
en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por
Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.
Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso). Manifestación artística, frecuentemente
multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la
participación de los espectadores.
Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de
participación.
EXPOSICIONES
SENSACIONAL
MEXICO
El Museo de Arte del Banco de la República se llenará con todo
el color, cultura y emoción de la vida cotidiana en México. La
exposición, Sensacional del diseño mexicano traerá a Bogotá
volantes, empaques, rótulos, dibujos en las paredes, carteles y
una inmensa cantidad de imágenes -de gran colorido y llenas de
humor-, que demuestran el ingenio/ingenuidad de los improvisados artistas/publicistas de los barrios y los pueblos de ese
país.
Sensacional de diseño mexicano es probablemente el primer
esfuerzo que se realizó en México por otorgarle a la gráfica
popular el sitio que se merece tanto en el mundo del diseño
como del arte contemporáneo. La idea original de Sensacional,
que nació a raíz de la publicación del libro homónimo de Trilce
Ediciones, fue dibujar la delgada línea que divide el arte popular
del considerado gran arte; asumiéndolo como un fenómeno
global que trasciende su sentido funcional (que puede ir desde
avisos comerciales y campañas políticas hasta la promoción de
eventos musicales), para ir más allá e introducirse como artefacto sociocultural, testigo de la cultura globalizada.
Una
interesante
muestra que nos da
a entender la importancia y relevancia
que tiene el arte y el
diseño en México,
así como el colorido
y la estructura conceptual que representa su configuración pictórica.
La muestra se divide en 12 unidades temáticas, entre ellas: oficios y objetos; comida;
estética y mamacitas; lucha libre; sonideros y grupos; tipografías; patria; y religión.
Cada sala ofrece al espectador información valiosa que ayuda a contextualizar las
obras. Las imágenes están acompañadas por carteles explicativos, volantes, impresos
comerciales, videos y música que, en conjunto, buscan simular una calle típica de
México.
EXPOSICIÓN
EXPOSICIÓN MAN
MAN RAY
RAY
Esta retrospectiva, primera de su tipo que se presenta en el país,
con 127 obras, además de las famosas fotografías de Man Ray
incluye pinturas, dibujos, litografías, esculturas, collages, y objetos intervenidos. La exposición permitirá ver cómo el artista, de
quien se dice que cambió el arte del siglo XX junto a su amigo
Duchamp, fue a la vez protagonista y testigo privilegiado de su
tiempo.
“Es complicado responder en pocas líneas cuantos Man Ray existen, podríamos decir que dentro del mismo artista coexisten
distintos creadores todos igual de imaginativos e innovadores”,
afirma Marisa Oropesa, curadora de la exposición. Su polifacética personalidad lo llevó a explorar e innovar las técnicas tradicionales de pintura y fotografía, vigorizando la estética de las vanguardias y atacando las formas tradicionales del arte.
Las obras, muy pocas veces presentadas juntas, son piezas que
revolucionaron la historia del arte del siglo pasado, pioneras en
corrientes y actitudes que permean muy hondamente la forma
de pensar y practicar el arte hoy.
Man Ray, pseudónimo de Emmanuel Radnitsky, nació en 1890 en Filadelfia, y a los siete
años se trasladadó a Brooklyn junto a su familia. La primera gran exposición de arte
moderno que tuvo lugar en New York, la “Armony Show” de 1913, tuvo un efecto decisivo en su manera de asumir el arte. Además allí se encontró con la obra Desnudo bajando una escalera, primera aproximación a Marcel Duchamp, quien muy pronto sería uno
de sus amigos más cercanos y cómplice de múltiples revoluciones al establecimiento
artístico. Ese mismo año se instaló en el campo, en las afueras de New Jersey, con la
escritora Dona Lacroix, con quien se casó al poco tiempo.
Esta retrospectiva presenta las múltiples facetas del artista con ejemplos de sus obras en muy
distintos formatos y estilos, evidenciando la multiplicidad de técnicas y
estrategias, donde son
constantes la inquietud
(intelectual y formal), la
agudeza (para captar
tanto el espíritu de los
tiempos como el carácter
de los personajes y los
cuerpos) y el humor
(evidente en su infinita
capacidad de juego y de
disfrute).
Inspirado por la obra de Duchamp y el manifiesto dadaísta, la modernidad latente en
Man Ray estalló de múltiples maneras. En 1915, instalado de nuevo en Manhattan,
sorprendió al utilizar para pintar una pistola de aire (herramienta ordinaria de su trabajo
en una editorial de mapas). Su instinto creador lo llevó al “objeto-cuadro”, una nueva
forma de expresión en la que desvió los objetos de su función habitual. Y la necesidad
de hacer reproducciones de sus obras lo condujo a incursionar como fotógrafo, talento
que desarrolló retratando los trabajos de los demás y las personalidades de la época
que más le interesaban.
En los años veinte, radicado en Europa e integrado a la vanguardia parisina, tuvo lugar
la etapa más fructífera de su obra, donde su imaginación y su capacidad intuitiva lo
llevaron del dadaísmo al surrealismo; del dibujo a los ready-mades; de la fotografía de
moda -que publicó en revistas como Vogue y Bazaar- a rayografías y solarizaciones,
técnicas experimentales que él mismo creo.En 1940, atraído por la meca del cine, se
instaló en Hollywood durante ocho años, y volvió a la pintura, dedicándose muy parcialmente a la fotografía. Durante sus últimos años, radicado nuevamente en París, incursionó en la fotografía a color, continuó con la experimentación de técnicas y se negó a
ser encasillado en un estilo determinado.