Temario Licenciatura Historia-Antonio

Hª ARTE MODERNO: 1er. PARCIAL-ESQUEMAS
ALUMNOS QUE HAN PARTICIPADO EN ESTOS ESQUEMAS SON:
01. ANTOLÍN BARRERO PEGADO
02. MARÍA JUANA GARRIDO RODRÍGUEZ.
03. JOSE LUIS PINEDA REQUENA.
04. CARMEN BENCOMO PÉREZ ZAMORA.
05. ROSA MARÍA DE LA TORRE TERCERO.
06. FERNANDO CÁRCAMO CUBERO.
07. MERCEDES PORTERO TORNERO.
08. MARÍA JOSÉ HERNÁNDEZ SÁNCHEZ.
09. RAFAEL PICAZO DEL REY.
BIBLIOGRAFÍA:
a. Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD.- JOSE ENRIQUE
GARCÍA MELERO. UNED MADRID 2004
b. Hª DEL ARTE MODERNO II (PINTURA Y ESCULTURA DEL RENACIMIENTO)
UUDD JESÚS MIGUEL VIÑUALES GONZÁLEZ. UNED MADRID 2004
Descripción
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Arquitectura y urbanismo del Quattrocento en Italia
…………………....Antolin Barrero Pegado
Arquitectura y urbanismo durante el reinado de los Reyes Catolicos…………...MªJuana Garrido Rodriguez
Arquitectura y urbanismo del siglo XVI en Italia………………………...............Jose Luis Pineda Requena
Arquitectura y urbanismo del siglo XVI en España …………………..................Carmen Bencomo Pérez Zamora.
Arquitectura y urbanismo del siglo XVI en Europa ……………………………..Rosa Mª de la Torre Tercero.
La escultura italiana del Quattrocento ....................................................................Fernando Cárcamo Cubero
La pintura italiana del Quattrocento en Italia ……………………………………Carmen Bencomo Perez Zamora
La escultura del siglo XVI en Europa
…………………………………..…..Mercedes Portero Tornero
Pintura italiana del Cinquecento……………………………………………….......Rosa de la Torre Tercero
Pintura manierista italiana………………………………………………………....Rosa de la Torre Tercero
Pintura- siglo XVI en los Paises Bajos, Francia, Inglaterra y Alemania………..MªJose Hernandez Sanchez
Pintura española del siglo XVI……………………………………………………..Rafael Picazo del Rey
DIRECCIÓN, CORRECCIÓN Y CONTROL :
MONTAJE PDF, ORGANIZACIÓN Y PORTADA:
.FERNANDO CARCAMO CUBERO
ROSA M DE LA TORRE TERCERO.
LIBRETO DE ESQUEMAS_ HISTORIA DEL ARTE MODERNO _ CURSO 2007-2008
-1er parcial
UNED
Realizadas por: ALUMNOS DE HISTORIA DEL ARTE MODERNODE LA UNED.
TEMA1. Arquitectura y urbanismo del Quattrocento en Italia
1. LA ARQUITECTURA ESCRITA.
1.1 El tratado de arquitectura: conjunción entre teoría y práctica.
El tratado de arquitectura servía de instrumento de formación integral del
arquitecto. Constaba de dos partes. La teórica, escrita y la práctica.
Tales tratados cumplían una triple función:
Didáctica: formación del arquitecto.
Teórica: carácter humanístico y filosófico.
Práctica: se dirigían a los maestros de obras.
Otras características:
claridad expositiva.
Sistematización de conocimientos.
1.1.1 “De re architectura” (c. 1483 ó 1486) de Vitruvio: canon y punto de partida.
El modelo de tratado a seguir fue“De re architectura” de Vitruvio,
Canon ideal de la arquitectura Grecorromana. Estaba dividido en 10 libros:
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
10.
arquitectura general.
materiales.
templos.
ordenes arquitectónicos.
edificios públicos.
edificios particulares.
decoración de edificios particulares.
hidráulica.
gnómica.
máquinas
1.1.2. Alberti (1404-1472), teórico del Quattrocento: “ De re aedificatoria” (1452)
León Battista Alberti, fue el primer gran teórico del arte del Humanismo del
Siglo XV.
Escribió tres tratados:
De pintura.
De statua.
De re aedificatoria.
Tomó de Vitruvio la idea de la proporción y al igual que este
Estructuró su obra en 10 libros.
1, 2 y 3,
4 y 5,
6,
7.8 y 9,
Trataron sobre la firmeza.
Sobre las utilidades de la ciudad.
Sobre el concepto de belleza, adornos, etc.…
Tipologías, templos, iglesias y ordenes arquitectónicos.
1.1.3 “Il Filarete” (1400-1469) y su “Trattato d’Architettura” (c.1451-1464).
Detalle puerta Vaticano
Antonio de Pietro Averlino apodado “Il Filarete”, realizó su principal
actividad en Milán, iniciando u programa de renovación arquitectónico para
equiparar Milán a otras cortes italianas de la época.
Sforzinda
Realizó la fundición en bronce de las puertas del Vaticano.
Escribió su Trattato d’Architettura”.
Realizo el proyecto de la ciudad ideal: Sforzinda:
“Bella, buena y perdurable”
Sforzinda
1.1.4. El tratado de arquitectura civil y militar de Francesco di Giorgio Martini (1438-15019).
Palacio ducal Montefeltro
Martini redactó su tratado siguiendo también los pasos de Vitruvio, lo
Estructuró en siete libros bajo el mecenazgo del duque Federico de
Montefeltro.
Defendió el carácter antropomórfico de la arquitectura.
Las proporciones matemáticas dependían de la apreciación
óptica.
Importancia de su tratado para la ingeniería militar.
Inventa los baluartes defensivos.
2. FLORENCIA COMO NUEVA ROMA.
Cosme el Viejo
Florencia se convertirá en el siglo XV en la “nueva Roma”. Crecerá y
evolucionará gracias al mecenazgo de los Médici familia burguesa y de otros
linajes con los que rivalizaron, como los Pitti, Pazzi y Rucellai. Hacia
finales de siglo cobrará otra vez importancia Roma pero también bajo la
influencia ahora de los últimos Médicis.
El mecenazgo de los Médicis:
Cosme el viejo (1389-1464).
Pedro el “Gotoso” (1416-1469).
Lorenzo el Magnífico (1449-1492).
Los Médicis serían derrocados y desterrados de Florencia en el 1494.
Lorenzo de Medici
2.1. Lorenzo el Magnifico (1449-1492) y Jerónimo Savonarola (1452-1498)
Lorenzo nació en Florencia. Hijo de Pedro de Médici a cuya muerte asumió la dirección del banco de los
Médici, así como el gobierno de hecho de Florencia.
Contó con la oposición del dominico Jerónimo Savonarola. Este en sus sermones denuncio las
inmoralidades del papado proclamando el retorno a la austeridad de la iglesia.
También se enfrento a Sixto IV, quien desarrollo:
la Biblioteca Vaticana.
Capilla Sixtina.
Museo de Antigüedades de Roma.
Lorenzo más tarde contrarrestó la oposición y tras las buenas relaciones patrocinó la decoración de la
Capilla Sixtina.
3. LA ARQUITECTURA RELIGIOSA.
Características principales:
racionalismo geométrico y matemático.
grecorromanos
Empleo de la perspectiva central.
Estudio de las proporciones.
Estricta simetría de carácter central.
La figura humana como medida...
Recuperación de elementos
-
órdenes clásicos
Arco de medio punto
Techos planos
Bóveda de cañón.
Personajes más importantes:
Filippo Brunelleschi (1377-1446), artista italiano, como iniciador del proceso.
Leon Battista Alberti (1404-1472), arquitecto y escritor italiano, principal ensayista.
Tipologías:
se dieron dos modelos distintos de plantas.
Planta Basilical: San Lorenzo, Santo Espíritu. Ambas de Brunelleschi.
Planta Centralizada: Oratorio de Santa Mª De los Ángeles, Capilla Pazzi y San Sebastián de
Mantua. Construcciones de Alberti.
.
Planta Basilical . Iglesia de San Lorenzo
Planta centralizada. Capilla Pazzi
3.1. Construcción de la nueva catedral de Santa Maria de las Flores.
Con la construcción de la Catedral se produce el cambio de
mentalidad gótica a otras ya propias Humanismo del
Quattrocento.
Arnolfo di Cambio, fue el encargado de realizar su construcción.
Se inician las obras en 1296. En principio se construye una
planta centralizada cubierta con una gran cúpula.
A la muerte de Cambio el proyecto se transforma en un templo de
cruz latina de tres naves cubierta por bóvedas de crucería. En el
proyecto participan: Andrea Pisano, Francisco Talenti, Giovanni
di Lapo. Decidieron dejar el proyecto de la cúpula, pues por sus
dimensiones, 45m de diámetro por 100 de altura, resultaba
técnicamente imposibles. Más tarde otro equipo consiguen
ejecutarla aplicando soluciones particulares.
3.1.1. La cúpula de la Catedral de Florencia (1418-1464).
Hacia el 1418, con el patrocinio de los tejedores de lana, se encarga la ejecución del proyecto a
Lorenzo Ghilberti y a Filippo Brunelleschi. Este último será el responsable desde el 1423.
Técnica constructiva ideada por Brunelleschi.
Complejo sistema de contrarresto de fuerzas.
Utilización de aparejo ligero, trabado en forma de espiga de pez, auto sustentación,
Sistema de doble cúpula, entres ambas se instalan contrafuertes y una escalera.
La cúpula se apoya en un tambor octogonal con óculos que contrarrestan las fuerzas.
Sistema de descargas que descansan en ábsides y absidiolos.
Elementos decorativos:
empleo de materiales de doble colorido, blanco verde y rojo.
Materiales. Piedra, mármol y ladrillo.
Se acabó de construir en 1436. En este año se abre un concurso para ejecutar la linterna que se adjudica
a Brunelleschi
Vista exterior
Vista interior
Ejecución ladrillos trabados espiga de pez. Plementos, cúpula
Escalera entre cúpulas
Detalle linterna
3.2. Arquitectura religiosa de Brunelleschi (1377-1446)
Características de su obra.
3.2.1.
Perspectiva central en los edificios.
Aplicación de las matemáticas y de la geometría y la
óptica.
Eminentemente práctico no dejó obra escrita.
Empeño en el empleo de la proporción y la perspectiva.
Arquitectura propiamente racionalista.
Integración de elementos grecorromanos y románicos
toscanos.
Iglesia de San Lorenzo en Florencia (1422-1470).
Realizada entre los años 1422 y 1470. Encargo de los Médici a
Brunelleschi. Terminada por Antonio Manetti.
Planta de cruz latina con tres naves y capillas laterales.
Cúpula con linterna sobre el crucero.
Espacio modulado con referencia a la figura humana.
Elementos arquitectónicos armoniosos.
Utilizó bóvedas vaidas en las naves laterales.
Alternancia del colorido en la decoración.
Destaca en la construcción la sacristía vieja decorada con
esculturas en relieve, de Donatello. Se trata de un espacio
cúbico cubierto por una cúpula nervada sobre pechinas, al cual
se une al fondo otro espacio similar de planta cuadrada a modo
de ábside
Capilla vieja
Capilla nueva
3.2.2. Iglesia del Santo Espíritu en Florencia (1434-14849)
Obra más completa de Brunelleschi. Proyectada en 1434.
Planta de cruz latina.
Tres naves y capillas laterales.
Crucero y cabecera de planta central.
La luz accede al interior por la nave central más elevada.
Sacristía diseñada por Giuliano da Sangallo:
- planta octogonal de tres pisos
3.2.3. Oratorio de Santa María de los Ángeles en Florencia. (1434)
Pequeña capilla construida por los hermanos de la orden de los
eremitas camaldulenses. Proyecto de Brunelleschi.
Planta central octogonal con cúpula.
Su planta fue transformada en el siglo XVI
Sirvió de modelo su planta para el Renacimiento y Barroco.
3.2.4 Capilla de Andrea Pazzi para la iglesia florentina de Santa Croche (1429-1444).
Se construyó como mausoleo para los Pazzi. Adosada a la
iglesia franciscana de Santo Croche, se considera el ejemplo
más representativo de la arquitectura de Brunelleschi.
Fachada:
- pórtico de cinco tramos, entre seis columnas compuestas.
- Frontal simétrico, adintelado en los extremos y arco de
medio punto central.
- Sobre el pórtico se alza un ático decorado con pilastras
corintias.
- Planta rectangular con cúpula nervada sobre pechinas, e
iluminada con óculos.
- Intervinieron en la construcción: Giuliano da Maiano y
Luca della Robbia.
3.3. Michelozzo (1396-1472). Biblioteca de San Marcos.
Michelozzo sucedió a Brunelleschi como maestro principal de la catedral de
Florencia
Proyectos:
Palacio Médici,
remodelación del convento de San Marcos. Donde
construiría su celebre sala de la Biblioteca, la cual proyecta
como:
Planta basilical alargada.
Tres naves separadas por arcadas de
medio punto.
Columnas jónicas con fuste liso.
Capilla de la Santissima Annunziata
3.4. León Battista Alberti (Génova, 1404 – Roma, 1447)
Arquitecto humanista del Quattrocento por excelencia. Alterno la
practica con la reflexión de sus escritos.
Proyectó nuevas fachadas a modo de templos clásicos proporcionando
una nueva imagen a la ciudad.
Proyectos:
Santa María Novella, en Florencia.
San Francisco de Rímini.
San Sebastián de Mantua.
San Andrés en Mantua.
Características:
Desarrollo de la perspectiva.
Proporción matemática.
Recurrencia a los órdenes clásicos.
Uso de policromías en las fachadas.
3.4.1. Santa María Novella (1456-1470), en Florencia.
Rucellay encargó a Alberti ocultar la fachada de esta iglesia gótica y el a
modo de telón construyo esta fachada ecléctica. En el proyecto participó,
Giovanni di Bertino
Estudio de la proporción.
Conservo la portada gótica, el rosetón central y los seis
sepulcros florentinos.
Utiliza el cuadro como modulo geométrico.
Escala inferior en la decoración inferior que en la superior.
Decoración policroma, mármoles.
La parte superior se remató con un frontón triangular.
El cuerpo superior se separa del inferior por un friso
arquitrabado.
Entablamento a modo de cornisa con un gran óculo central.
Dos alerones laterales para armonizar las medidas,
3.4.2. San Francesco (templo Malatestiano), en Rímini (1450-1466)
Iglesia encargada a Alberti por Segismundo
Pandolfo.
Revistió la fachada en mármol blanco.
Fachada severa a modo de arco de triunfo.
El arco central está flanqueado por dos columnas
Compuestas
A ambos lados, sendos arcos que tras no
utilizarse
se cegaron posteriormente.
El segundo piso costa de dos medios frontones a
ambos lados que flanquean un segundo arco de
triunfo irrealizado.
Las fachadas laterales forman arquerías
3.4.3. San Sebastián de Mantua. (1460).
Iglesia de planta central, cuadrada con tres ábsides y capillas
laterales, dispuestas simétricamente a lo largo de la nave.
Deseo de vincular el presente con la antigüedad.
Los interiores debían ser blancos. Para la decoración se
empleaban cuadros y esculturas en vez de frescos.
Alberti dispuso dos plantas superpuestas.
La inferior de tres naves separadas por pilares
La superior central cubierta por una gran cúpula irrealizada.
Exterior:
El templo se asienta sobre un zócalo.
En cada lateral dispuso dos escaleras que flanquean tres
arcos de entrada a la iglesia inferior.
Sobre el friso, soportado por pilastras dispuso un frontón
triangular.
3.4.4. San Andrés, en Mantua (1470-1476)
Templo de planta de cruz latina de una sola nave cubierta con bóveda
de cañón .Capillas laterales y transepto.
La fachada combina dos topologías diferentes:
-Pronaos clásico y arco de triunfo.
-Responde al modulo ideal cuadrado.
Las calles laterales están dispuestas entre pilastras corintias
El gran arco central esta flanqueados por dos grandes pilastras
La parte superior está rematada por un frontón triangular con óculo
central.
La obra la ejecutó Luca Fancelli bajo el proyecto de Alberti
4. EL PALACIO EN LOS ESTADOS ITALIANOS DURANTE LA SEGUNDA MITAD
DEL SIGLO XV.
El palacio será la tipología arquitectónica que mejor reflejara la
nueva arquitectura de la segunda mitad del siglo XV.
La tipología de Quattrocento muestra en Italia una gran unidad de
modelos con cierta diversidad regional.
Las variaciones vendrán por los gustos tanto de los arquitectos
como de los propios mecenas.
Se darán dos tipologías dentro de los palacios italianos
Palacio florentino, tiene dos subtipos:
- Los proyectados por Michelozzo. El más
ejecutado.
- Y el Rucellai, por Alberti.
(Florencia)
Palacio veneciano.
Otra variante tipológica es la villa o residencia campestre
Palacio Pitti. Florencia.
4.1 E l palacio florentino.
Edificio de corte cuadrangular de perceptible horizontalidad con aspecto de bloque compacto.
Pequeña ciudad dentro de una gran ciudad.
El espacio interior se reparte en torno a un patio, de cuatro crujías y con arquerías al piso
inferior.
El palacio hace olvidar el aspecto militar de la ciudad de antaño.
Por lo general compuestos de tres plantas, separadas por molduras.
Rematados en la parte superior por una gran cornisa y tejado saliente
En las plantas superiores son habituales las ventanas ajimezadas.
En las plantas inferiores son habituales los bancos de piedra.
Sometido a las reglas de racionalidad y funcionalismo
Simetría y perspectiva estricta.
Estudio matemático de la proporción.
Las leyes de la geometría se utilizan estableciendo módulos que sirven de medida.
Preferencia de la pilastra frente a la columna.
El tipo de palacio florentino tuvo variaciones según cada región.
- ROMA:
Se adoptó la normativa general pero sin olvidar del todo las formas medievales: (Torres, ventanas
cruzadas y pilastras octogonales)
Alberti es el mejor representante del estilo florentino. No era partidario del localismo romano del torreón.
También le da un apartado en su tratado a la vivienda.
Estudio de la perspectiva.
Pantalla de Brunelleschi
4.1.1. Palacio Médici Riccadi (1444-1464) de Michelozzo.
Este modelo es el más utilizado durante el siglo XV.
De planta cuadrangular y configuración cúbica.
Sólo el almohadillado exterior y su corte macizo hacen
recordar la etapa medieval.
Patio interior abierto y porticado, cada crujía actúa de
distribuidor. El patio actúa como sistema de ventilación y
de iluminación.
Exterior:
Tres plantas separadas por molduras, van disminuyendo
de altura desde la primera a la tercera. También disminuye
el almohadillado...
Las ventanas inferiores están cubiertas por frontones y
enmarcadas por arcos de medio punto.
Las ventanas superiores son ajimezadas.
Predominio de la horizontalidad y la estricta simetría
4.1.2. El palacio Rucellai (1447-1460). Diseñado por Albert y realizado por Bernardo
Rosellino
Este modelo es el segundo subtipo dentro de los modelos
florentinos. Diseñado por Alberti y construido por Rossellino.
Se emplea el cuadrado como modelo geométrico.
Destaca horizontalidad.
La horizontalidad severa se matiza con la verticalidad de las
pilastras de fustes lisos.
Uso de las ventanas ajimezadas o venecianas.
Sobre el banco de piedra se aplico el “opus reticulatum” en el
zócalo
Almohadillado menos marcado
4.1.3. Palacio Antinori de Giuliano da Maiano (1432-1490) en Florencia.
Tuvo varios propietarios.
Modelo de ejecución muy simple.
Volumen geométrico, cúbico.
Fachada de piedra de carácter rústico.
Las ventanas están encuadradas en arcos de medio punto.
Tres plantas separadas por molduras.
La parte superior está rematada por un tejadillo saliente.
4.1.4. Palacio Piccolomini (1469) en Pienza (Siena), atribuido a Rossellino.
La importancia de este palacio se halla en que su
construcción dio lugar a la formación de una plaza.
Comprende en su entorno la catedral y otros palacios.
De esta forma la plaza concentra los poderes civil y
eclesiástico.
La fachada posterior del palacio, frente al carácter
urbano de la principal, se orienta hacia el campo a
modo de loggia. Disponiendo de un jardín colgante.
4.1.5. El palacio Pitti (1457-1783), en Florencia, atribuido a Luca Fancelli.
Palacio de apariencia rustica.
Proyectado en siete intercolumnios, que en el
siglo XVI, se amplio a once al convertirse en
residencia de los Médici.
Fachada almohadillada.
Tres plantas separadas por cornisas.
En 1558 Bartolomeo Ammanntti trazó alas
ortogonales para delimitar el espacio del nuevo
patio en la parte posterior del palacio
4.1.6. El palacio Strozzi 81489-1507) De Benedetto da Maiano (1442-1497)
La realización de Benedetto a su muerte fue concluida por
Simone del Pollaiolo.
Su factura sigue con fidelidad el modelo de Michelozzo para
los Médici.
Edificio elevado de forma cúbica.
Tres fachadas exentas con almohadillado decreciente en altura.
Las dos plantas superiores con hileras de ventanas ajimezadas.
La planta inferior tiene huecos rectangulares.
En su interior el espacio se distribuye alrededor de un patio.
El edificio se remata en su parte superior con una gran cornisa.
4.1.7. El palacio Venecia en Roma (1455)
En su historia tuvo varios usos. Comenzó siendo una
capilla palaciega, posteriormente se cedió a la
República veneciana como embajada.
Construcción eclíptica de influencia medieval y
renacentista, donde se mezclan: torres y almenas con el
volumen armonioso del edificio y sus tres plantas.
Superposición de órdenes en el gran patio.
La puerta de la entrada principal da acceso a otro patio
rectangular de arcos sostenido por pilastras.
4.1.8. El palacio romano de la Cancillería papal (1483-1486)
Ubicado en u solar trapezoidal, se le incorpora al edificio la
iglesia de San Lorenzo in Damaso.
Ambos edificios ocupan los dos lados menores y extremos.
Su fachada es alargada y comprende tres plantas con
huecos entre doble fila de pilastras
La planta baja forma un gran zócalo almohadillado con
pequeños ventanales de medio punto y sendas puertas.
Al piso principal se abren huecos más grandes a modo de
ventanas ajimezadas, sobre ellas la rosa, icono de la familia
Riario.
En el piso superior hay ventanas rectangulares y pequeños
huecos. Remate superior en alerón.
4.2. El palacio veneciano.
El estilo de la arquitectura de Quattrocento no se ve tan reflejado en los palacios venecianos como en los
florentinos.
En Venecia se entremezcla el estilo con el tradicional de la propia ciudad.
Las condiciones geográficas hacen necesario que los edificios posean dos entradas una por el canal y otra
por tierra.
Los edificios se cimentaban sobre pilares y carecen de sótano.
Carácter escenográfico de las fachadas producido por su ubicación y por la profusión de elementos
decorativos.
Su fachada principal multiplicaba sus vanos con ventanas ajimezadas y galerías vidriadas
Profusión de pequeñas columnas y chimeneas en forma de embudo.
4.2.2. Ca’ Darrio (1487) de Pietro Lombardo (1435-1515)
Situado en el gran canal de Venecia:
Fachada asimétrica, con influencias góticas y gran riqueza
cromática.
Estructurado en tres pisos sobre paramento.
Disposición de logias con ventanas ajimezadas
El estilo del Quatrocento se aprecia más en el interior que en el
exterior donde aún conserva las influencias del gótico
4.2.2. C’a Loredan Vendramin Calergi (1481-1509) de Mauro Codussi.
Su construcción se edificó sobre el agua.
Su fachada se estructura como los florentinos, en
tres plantas.
Ventanas ajimezadas entre columnitas.
Superposición de órdenes arquitectónicos.
4.3. La villa suburbana.
La villa es una variante del palacio que adquiere las características de
su ubicación.
Poco alejadas de la ciudad según el modelo romano:
Diseño libre y desenfadado.
Empleo de órdenes arquitectónicos
Empleo de pórticos con frontones
Cuenta con patio y salones.
Rodeada por fuentes y jardines.
Logias para la contemplación del paisaje.
Algunas disponían de explotaciones agrícolas.
Villa florentina de Corregí.
Villa Belvedere.
Villa Belvedere.
4.3.1. La villa Médici de Giuliano da Sangallo (c. 1445-1516)
Primer modelo de villa florentina del Quatrocento.
Trazado general cuadrado.
Planta baja porticada.
Empleo de órdenes arquitectónicos.
5. LA TIPOLOGÍA HOSPITALARIA.
Esta novedosa tipología tuvo gran difusión en la Europa del Quattrocento
Ideado por Il Filarete el hospital de planta de cruz griega transformo al de planta basilical y claustral
ulterior. El diseño perduró hasta el siglo XVIII. En ese momento se transformo el espacio en pabellones
aislados
5.2. El hospital de los Inocentes (1419-1427) en la Florencia de Brunelleschi.
Edificio de carácter benéfico.
Brunelleschi, proyectó y dirigió las obras. Fueron
concluidas por Francesco della Luna quien realizó el
segundo piso.
Espacio centralizado en torno a un patio central.
Predominio de la horizontalidad.
Pórtico de fachada de tipo logia, decorado con
medallones de terracota esmaltada.
La iglesia anexa es de tres naves con siete capillas
laterales, transepto y crucero con cúpula.
5.2. El modelo hospitalario de “Il Filarete”: El hospital mayor de Milán (1456).
Hay que destacar el Hospital Mayor para la beneficencia.
Introdujo novedades en la tipología.
Il Filarete proyectó dos edificios en forma de cruz griega
que se unían por un patio cuadrado presidido por una iglesia
de planta central en un espacio rectangular
El lugar de encuentro de cada brazo se cubriría con una
cúpula octogonal colocando un altar en este espacio.
La tipología del edificio permitía diferentes sales según el
sexo y edad... este modelo fue mantenido aunque
simplificado en el hospital de Santa Cruz de Toledo.
Hospital de Santa Cruz de Toledo
6. LA CIUDAD ITALIANA EN LA ÉPOCA DEL HUMANISMO
El nuevo pensamiento del Quattrocento pretendía dotar a la ciudad medieval con un carácter racionalista
con un sentido geométrico regular. Esta planificación del terreno se debió principalmente ala uvicación en
el espacio urbano de la nueva tipología.
Del momento.
La creación de estas ciudades se llevó a término en la práctica y también en la imaginación. Sobre el papel
quedó reflejada la ciudad ideal italiana.
6.1 Las plazas.
La plaza se convirtió en el espacio urbanístico más representativo de la ciudad en el Quattrocento.
La plaza de esta centuria es a diferencia de la medieval:
Más racional.
Uniforme en sus fachadas
Poseían una unidad geométrica reconocible.
La planimetría se estudiaba matemáticamente.
Las proporciones se corregían por la óptica.
Simetría centralizada.
6.1.1. La plaza de Pío II en Pienza (Siena) de Bernardo Rosellino
Realizada en el tercer cuarto del siglo XV por
Bernardo Rossellino.
Figura trapezoidal: Representación de los poderes
políticos, social y económico.
En su lado mayor se dispuso la catedral.
- doble arco del triunfo en fachada.
En su lado menor, el palacio comunal:
- con logia en planta baja
En los otros dos lados.
- Palacio Piccolomini.
“
Borgia de Rodrigo Borgia.
Tras el palacio de los Borgia, se ubicaría una segunda
plaza de carácter comercial con mercado.
Tras la catedral se halla el valle.
6.1.2. La plaza ducal (1492-1494) de Vigevano de Lombardía.
Circundada por logias uniformes al modo de foro romano.
Proyecto atribuido tanto a Bramante como a Leonardo.
Plaza cerrada.
Las calles parten de las arcadas.
Arcos triunfales pintados en las fachadas marcan las entradas.
La plaza sigue el modelo de foro vitruviano (arcadas y dos
pisos de viviendas).
Tras de una de las fachadas mayores sobresale la torre del
castillo de. Ludovico el Moro, sirve de referencia visual. Esta
configuración quiere significar la sumisión del municipio a la
autoridad Ducal de Sforza.
6.2. La ciudad palacio de Urbido de Federico de Motefeltro (1447)
De configuración medieval fue creciendo esta plaza sobre la cima
de una montaña.
Esta ciudad en forma de palacio según Baltasar Castiglione,
transformó su estructura mientras el palacio ducal se construía con
sus dos grandes torres circulares
La esbelta construcción sirve de anuncio y referencia visual en el
camino hacia Roma anunciando el poder ducal
Posteriormente se trazó una vía trasversal de penetración que en su
punto medio se encontraba con otra vía que recorría
longitudinalmente toda la ciudad. En torno suyo se fue
6.3. Intervenciones urbanas en Ferrera. La “Addizione Erculea”.
Duplicación de la ciudad de Ferrara promovida por el duque Ercole I d’Este.
La razón es la de solucionar el problema del aumento demográfico y la dotación de seguridad mediante un nuevo
recinto amurallado equipado con diecisiete torres y tres puertas que reflejaban el poder ducal.
Este gran proyecto urbanístico del Quattrocento estuvo precedido de otro, en el cual se desecó el delta del Pó para
su urbanización. Se creo una planimetría ortogonal formando manzanas de edificios. En la parte vieja se creó una
plaza con mercado. El diseño de ampliación se atribuye a Biagio Rossetti (1447-1516).
La principal novedad es el trazado viario, en el cual se separaba el tráfico para personas y carruajes.
Empleo del uso de la perspectiva para cambiar el trazado de calles según el interés de algunos edificios.
6.4. Las reformas de Roma durante los pontificados de: Nicolás V (1447-1455)
y Sixto IV (1471-1484)
Nicolás V
La ciudad de Roma se configuraba a partir de la segunda mitad del
siglo XV. En ella figuraban, la sede pontificia y el lugar de encuentro
con la antigüedad romana.
Los pontificados de Nicolás V y de Sixto IV serán los dos periodos
más significativos para el urbanismo romano de Quattrocento.
La labor de Nicolás V fue importante
-Política hidráulica importante.
-Desarrollo de la sede vaticana
-Ampliación de San Pedro
-Reconstrucción del castillo de Sant’Angelo
-Reestructuración de las comunicaciones.
De esta manera se crea una pequeña ciudad dentro de una ciudad
antigua creándose el lugar sagrado del cristianismo.
A pesar de la gran labor de Nicolás V habría que acusarle de
vandalismo ya que utilizó como cantera el foro, el coliseo y el
Averlino
Sixto IV también llevó a cabo una gran actividad constructiva:
-Trajo a Roma arquitectos de Urbino, para realizar trabajos
de restauración
-Hospital del Sano Espíritu.
-Capilla Sixtina.
-Palacio Della Rovere y grandes iglesias.
-El puente sobre el Tíber.
Sixto IV
6.5. La ciudad regular y unitaria en el tratado de Alberti.
Alberti se mostró partidario de la ciudad circular.
Concedió gran importancia al sistema defensivo.
La ciudad debía estar protegida por dos murallas, relacionadas por muros
trasversales a modo de contrafuertes.
La primera más baja que la segunda, precedida por un foso ancho y
profundo.
Entre ambas habría amplio espacio para que la defensa fuera posible.
Dispondría de torres más altas que los muros.
Cada puerta de entrada estaría flanqueada por dos torres y puerta habría
tantas como caminos reales accedieran a la ciudad.
Los caminos eran anchos rectos y lo más cortos posible, se trazaban en
lugares abiertos y accesibles para impedir emboscadas.
Alberti antes de desarrollar su ciudad se documento en las ciudades
antiguas con la finalidad de proporcionar a la suya todo lo necesario.
Dentro de su ciudad los espacios se estructuraban jerárquicamente.
Para el trazado particular de las calles utilizó los recursos de la perspectiva
para realizar soluciones ópticas.
Concedió gran importancia a la plaza porticada
Regulación matemática de las proporciones.
Ciudad estado de León Battista Alberti
6.6. Sforzinda, la ciudad imaginaria de “ Il Filarete”
Estaría ubicada en un valle entre colinas y junto a un rio
Su forma seria estrellada regular octogonal
En torno a ella se dispondría un foso circular donde se
inscribiría la figura estrellada del conjunto urbano
Prototipo de la autentica urbe fortificada del
Renacimiento
Las torres quedaban situadas en los ángulos agudos del
recinto amurallado y las puertas en los obtusos
Sus dieciséis calles se disponían radialmente, que
partían desde las puertas a la gran plaza central
Los principales edificios se ubicaban en torno a la plaza.
Su centro lo ocuparía el palacio comunal, quedando los
poderes centralizados.
Las plazas comerciales se situarían en sus alrededores
El teatro y el hospital ocuparían la periferia.
BIBLIOGRAFÍA:
•
•
Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD José Enrique García Melero UNED Madrid 2004.
Historia de los Estilos Artísticos II ED. ISTMO.
•
http://www.florencia.es/arquitectura-y-arte/los-palacios/
ESQUEMA REALIZADO POR: Antolín Barrero Pegado .Centro: Mérida.
TEMA 1-2
Arquitectura y urbanismo durante el reinado de los
Reyes Católicos
INTRODUCCIÓN.
Introducción de la
arquitectura del
Quattrocento
Difusión del
Humanismo en España:
Factores
Difusión de la
arquitectura
renacentista en España
Concurrencia de
múltiples influencias
artísticas
Estilo español de entender el gótico final y acercamiento a la
arquitectura del Quattrocento italiano recuperación del clasicismo
greco-romano.
Eclecticismo historicista síntesis de ambas tendencias: estilo
gótico con elementos clásicos.
Confrontación entre España y Francia por el dominio del reino de
Nápoles.
Uso de la imprenta.
Promotores: El cardenal Pedro González de Mendoza, el fraile
Francisco Jiménez de Cisneros, el filósofo Juan Luis Vives y el
filólogo Antonio de Nebrija.
Preceptores italianos: Pedro mártir de Anglería, Lucio Marineo
Sículo y los hermanos Geraldini.
Creación de la Universidad de Alcalá de Henares.
El pontificado de los papas españoles Calixto III y Alejandro VI.
Viajes de aprendizaje de artistas españoles a Italia.
Llegada a España de artistas italianos.
Encargo de obras realizadas en los estados italianos.
Importación de libros italianos.
Divulgación de grabados y estampas de monumentos antiguos.
Estilo gótico lenguaje bajomedieval del cristianismo.
Influencia del arte hispanomusulmán.
Elementos propios del gótico centroeuropeo (francés, flamenco y
alemán).
Renovaciones del arte humanístico de la Italia quattrocentista
(clasicismo).
Esto ha permitido hablar de estilo isabelino, estilo Cisneros,
protorrenacimiento, plateresco...
El renacimiento español establece una simbiosis historicista y
ecléctica entre varios clasicismos, el gótico y los elementos
mudéjares.
1. EL MODELO DE IGLESIA: SAN JUAN DE LOS REYES EN TOLEDO.
Estilo isabelino
Convento
Tendencia arquitectónica realizada durante el reinado de los Reyes
Católicos estableciendo una relación historicista y ecléctica entre el
gótico decorativo final de procedencia centroeuropea, el flamígero o
gótico florido y el mudéjar.
Los moriscos aportaron el uso del ladrillo, el yeso, la madera, el
artesonado y el azulejo.
Resultado de la colaboración entre dos artistas extranjeros que se
españolizaron al tomar elementos ornamentales propios y
establecer esa simbiosis: el arquitecto francés Juan Guas y el
escultor flamenco Egas Cueman.
Conmemoración victoria en la batalla de Toro.
Uso como templo votivo, residencia palaciega y panteón para la
monarquía.
Iglesia
Elementos decorativos:
Una nave cubierta con bóveda de crucería gótica.
Cuatro capillas laterales en cada lado entre los contrafuertes.
Transepto alineado y decorado.
Crucero cubierto por cimborio octogonal sobre trompas apuntadas,
sostenido por cuatro pilares (atribuido a Simón de Colonia).
Coro a los pies del templo.
Ábside del presbiterio de forma pentagonal, ligeramente elevado.
Nave dividida longitudinalmente en cuatro tramos con altura de dos
cuerpos:
• inferior con arco apuntado que da acceso a la capilla.
• superior con ventanales con vidrieras.
Abundante decoración heráldica y floral.
Claustro de planta cuadrada de dos pisos.
Emblema de los Reyes Católicos:
• Haz de flechas (Isabel).
• Yugo de doble nudo (Fernando).
Iniciales de los monarcas (F e Y).
Grandes inscripciones en fajas en los muros.
Águila de San Juan.
1.1.- El Monasterio Segoviano del Parral y la cartuja de Santa María de Miraflores
Monasterio del Parral
Cartuja de Santa María
de Miraflores
Diseñado por Juan Gallego en 1452.
Construido por los Reyes Católicos.
Sigue el modelo de las iglesias conventuales de las órdenes
mendicantes.
Proyecto original atribuido a Juan de Colonia; finalizado por Simón
de Colonia.
Capillas laterales en un solo lado.
Cinco ventanas flamencas en el otro lado, entre los nervios de las
bóvedas.
Compartimentada en varios espacios:
• Seglares, cerrado por una verja de hierro.
• Legos, con entrada desde el exterior, con sillería renacentista.
• Monjes Cartujos con sillería gótica flamígera y puerta ojival.
• Al fondo, presbiterio de carácter funerario, obra de Gil de Siloé,
para contener los sepulcros de Juan II de Castilla, Isabel de
Portugal (padres de Isabel I) y su hijo Alonso.
• Retablo mayor de madera policromada de Gil de Siloé.
1.2.- La capilla real de Granada y Enrique Egas
Capilla Real de Granada
Otras iglesias con este
modelo
Nave única con capillas laterales.
Cabecera poligonal elevada.
Crucero poco desarrollado.
Sacristía rectangular.
Coro a los pies de la nave.
Sin cimborrio.
Construida para uso como panteón real por deseo testamentario de
Isabel la Católica.
Proyecto contratado por Enrique Egas.
Ubicada en el solar de la mezquita mayor, y adosada a la catedral.
Muros interiores decorados por una inscripción, yugo y flechas y
emblemas policromados.
Convento de Santo Tomás de Ávila, fundada por Tomás de
Torquemada.
Convento de Santa Cruz la Real de Segovia, fundado por Tomás de
Torquemada.
2. EL PROGRAMA HOSPITALARIO.
Reyes Católicos
Tipología arquitectónica
Política de beneficencia:
• Atención sanitaria a enfermos.
• Asistencia caritativa a la mendicidad.
Realeza promotores del Estado amparo desfavorecidos.
Algunos nobles patrocinan hospitales
Edad Media:
• Forma basilical de tres naves.
• Claustral.
• Indeterminada irregularidad crecimiento anárquico
• Algunos diseñados para que los enfermos asistiesen a los
santos oficios desde sus camas altar visible para todos
• Asistencia medica asistencia espiritual.
Reyes Católicos:
• Planta en forma de cruz griega inscrita en un cuadrado.
• En dos pisos.
• Esto permitía clasificar a los enfermos o mendigos por sexo,
edad, enfermedad y grado de contagiosidad.
• Las cuatro crujías de cierre se destinaban a los servicios.
• Altar de la Capilla intersección de los brazos de la cruz.
• Cuatro patios.
• Construidos en el último estilo gótico, pero con armaduras
mudéjares eclecticismo entre lo moderno y lo antiguo.
Ejemplos en España:
• Hospital real de Santiago de Compostela.
• Hospital de Santa Cruz de Toledo.
• Hospital real de Granada.
• Hospital general de Valencia.
2.1.- El hospital real de Santiago de Compostela (1499-1516) y Enrique Egas.
Promovido por real célula de 1499.
Patrocinado con rentas procedentes de la reconquista de
Granada.
Enrique Egas diseñó la planta con tres brazos de cruz griega con
dos patios entre ellos.
2.2.- El hospital real de Granada (1511-1536).
Promovido por real cédula de 1504.
Construido extramuros de la ciudad.
Se finalizó con Carlos I.
Planta de cruz griega inscrita en un cuadrado con cuatro patios.
Crucero en dos pisos.
La capilla no está en el crucero.
2.3.- El hospital de Santa Cruz de Toledo (1505) de Enrique Egas y Alonso de
Covarrubias
Fundado por Pedro González de Mendoza para:
• Refundir centros hospitalarios.
• Albergar niños expósitos.
Se ubicó en el solar del antiguo alcázar de los godos.
Proyectado por Enrique Egas.
Participa Alonso de Covarrubias:
• Patio de dos pisos de galerías con columna en cada esquina.
• Portada: soluciones góticas + citas renacentistas arco de medio
punto.
3. EL MECENAZGO DE LOS MENDOZA Y LA IMPLANTACIÓN DEL ARTE
RENACENTISTA EN ESPAÑA.
Pedro González de Mendoza:
• Humanista: tradujo a Ovidio y a Virgilio (La Eneida).
• Introducción del arte renacentista en España.
Fray Alonso de Burgos
• Patrocina el colegio de San Gregorio.
• Se produce la colaboración de Simón de Colonia, Juan Guas y Gil de Siloé.
3.1.- El colegio de Santa Cruz de Valladolid y Lorenzo Vázquez hacia 1489.
Lorenzo Vázquez inició el cambio de los elementos decorativos:
• Aplicó el almohadillado quattrocentista entre los contrafuertes.
• Aplicó el grutesco en su puerta circular entre pilastras.
Los Mendoza:
• Originarios de Llodio.
• Defensores de los Tratamara.
• Nombrados Duques del Infantado por los Reyes Católicos.
Diego Hurtado de Mendoza patrocinó la construcción:
• Del Castillo de Manzanares el Real (Madrid)
• Del Palacio del Infantado (Guadalajara).
Otras obras patrocinadas por los Mendoza:
• Palacio de la Calahorra (Granada).
• Palacio de Cogollado (Guadalajara)
• Palacio y Convento de La Piedad (Guadalajara)
4. RENOVACIÓN DEL PALACIO GÓTICO.
En los palacios se introducen las primeras aportaciones del renacimiento.
Con los Reyes Católicos no hubo una capital fija corte itinerante.
Residencias de los Reyes Católicos:
• Alcázares: Segovia, Sevilla, Córdoba.
• Alhambra de Granada.
• Monasterios: Ntra. Sra. de Guadalupe (Cáceres), S. Jerónimo el Real (Madrid), San Juan
de los Reyes (Toledo) o Santo Tomás de Ávila.
4.1.- El palacio del Duque del Infantado (1480-1483) en Guadalajara de Juan Guas y
Egas Cueman
En su construcción trabajaron:
• El arquitecto Juan Guas.
• El escultor Egas Cueman.
• Posteriormente Lorenzo de Trillo realizó la doble galería.
Modernización de la estructura gótica flamígera por medio del
modelo palaciego italiano.
Patio central de dos plantas.
Abandono de las referencias defensivas en la fachada principal.
Encuentro entre el gótico de Guas y los decorados y artesonados
del mudéjar.
Planta con soluciones propias del humanismo italiano.
Salones con ostentación decorativa.
Fachada decorada con cabezas de clavos.
Portada descentrada a la izquierda entre dos columnas cilíndricas.
Arco conopial mixtilíneo rebajado.
Corona ducal sobre el tímpano.
Galería de columnas germinadas en alternancia con balconcillos
salientes.
Posteriormente se añaden las caballerizas.
Acercamiento al estilo renacentista italiano: artos de medio punto.
4.2.- El palacio de Cogolludo (Guadalajara) (c. 1492)
Palacio de Cogolludo
(Guadalajara)
Palacio de Guadalajara
Patrocinado por el Duque de Medinaceli.
Dos pisos sobre zócalo liso.
Fachada almohadillada.
Portada adintelada simétricamente central.
Frontón semicircular rematando la portada.
Laurea con escudo en el frontón.
Decoración gótica en las seis ventanas del piso principal y de la
cornisa.
Planta rectangular con patio central de arcos rebajados.
Primer palacio español con influencia renacentista.
El arquitecto posiblemente fue Lorenzo Vázquez.
Patrocinado por Antonio de Mendoza.
Atribuido a Lorenzo Vázquez.
Modesta fachada.
Portada con arco de medio punto enmarcado entre dos pilastras.
Frontón triangular (inexistente en la actualidad).
Patio interior cuadrado y de doble piso arquitrabado.
Uso de arquitrabes de madera y zapatas sobre los capiteles, para
dar más altura a las columnas.
4.3.- Los palacios de La Calahorra (Granada) (1509-1512) y de Vélez Blanco (Almería)
(1506-1515).
Palacio de La Calahorra
(Granada)
Patrocinado por Rodrigo Díaz de Vivar y Mendoza.
Lorenzo Vázquez hizo el proyecto y realizó la planta baja, y fue
sustituido por un artista genovés.
Desde el exterior parece una fortaleza gótica, con una torre en cada
ángulo.
Patio cuadrado central, con cinco arcadas en cada frente.
Muchos materiales empleados fueron importados de Italia y
realizados por maestros lombardos y genoveses.
Palacio de Vélez-Blanco
(Almería)
Patrocinado por Pedro Fajardo y Chacón.
Realización atribuida a Francisco Florentín.
Patio con trazado irregular.
BIBLIOGRAFÍA:
•
Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD Jose Enrique García Melero UNED Madrid 2004
ESQUEMA REALIZADO POR: Mª Juana Garrido Rodríguez.
Centro: Gregorio Marañón (Madrid).
FOTOS:
Artehistoria y otros
TEMA 1-3
Arquitectura y urbanismo del siglo XVI en Italia
INTRODUCCIÓN: CLASICISMO RENACENTISTA Y MANIERISMO
Dividiremos la arquitectura y urbanismo en las dos grandes tendencias de la época,
cuyas fechas de referencia serán:
-
Clasicismo Renacentista de 1480 a 1527 (fecha del saqueo de Roma por Carlos V)
Manierismo, a partir de 1527
Estas fechas sólo son una referencia ya que el límite es difuso, dándose obras
manieristas antes del citado saqueo y vuelta al Clasicismo en época Manierista.
Convivieron durante años y su diferenciación temporal a veces es muy ambigua.
CLASICISMO RENACENTISTA: Características
Entendimiento del arte grecorromano de una forma objetiva y uniforme.
Basado sobretodo en el arte griego del s.V a.C y el romano de la época de
Augusto
Equilibrio arquitectónico
Arquitectura religiosa de plan central. Palacios.
Visión monofocal de los edificios
MANIERISMO: Características
Actitud crítica ante las normas demasiado estrictas del clasicismo.
Interpretaciones libres e individuales del arte grecorromano
Basado más en la sutileza del arte griego del S.IV a.C.
Lo decorativo gana terreno a lo estructural
Se rompe con las principios de las proporciones y armonía y los edificios se
diseñan para ser contemplados desde distintos puntos de vista
Manipulación de los espacios para dar una sensación contraria a la realidad
de las auténticas dimensiones
1. EL CLASICISMO COMO ESTILO ÚNICO: DONATO BRAMANTE (1444-1514)
1.1. Estancia de Bramante en el Milán de Ludovico el Moro (1476-1500)
Coincidió Leonardo da Vinci
Formado como pintor en el círculo de Piero Della Francesca y como arquitecto por
medio del estudio de las obras de Bruneleschi y Alberti
Aplicó la pintura a la arquitectura creando así espacios ilusorios desde un único
punto de vista central
Arquitectura decorativa y escenográfica, un tanto pictórica.
Principales obras:
Prebisterio Santa Maria Presso San Satiro
Prebisterio Santa Maria delle Grazie
Santa Maria de Abbiategrasso
1.2. Bramante en Roma (1500-1514)
Abandona su concepción escenográfica casi pictórica
Da un aire nuevo a los principios de arquitectura clásica
Arquitectura universal y uniforme, sin tiempo concreto, sometida geométrica y
matemáticamente a los principios de la proporción.
Hombre tomado de forma armónica como medida ideal de los edificios
Clasicismo pleno
Principales obras:
2.
El templete de San Pietro in Montorio (1502)
El pórtico del Belvedere (1506)
Proyecto para San Pedro del Vaticano (1505)
MIGUEL ÁNGEL: LA ARQUITECTURA COMO REPRESENTACIÓN
2.1. Florencia (1523-1534, 1571)
Sacristía nueva de la iglesia de San Lorenzo
Aumentó la sensación de perspectiva con innovaciones significativas
Integración de arquitectura y escultura (sepulturas)
La biblioteca Laurenziana
Uno de los orígenes de la arquitectura del Manierismo
Juego ambiguo funcional de los distintos elementos
Contraste bicromático que favorecen un efecto pictórico
2.2. Roma (1534-1564)
Plaza del Campiodoglio
Miguel Ángel compaginó su labor principal como escultor y pintor con algunas obras
arquitectónicas entre la que destaca en encargo de Paulo III Farnese de reformar la plaza del
Campidoglio. Planta trapezoidal, pavimento en forma oval con ornamentos en forma de
estrella. Estatua ecuestre del emperador Marco Aurelio centrada en la forma oval. Ambigüedad
de espacio y perspectiva. Concepción manierista. Jerarquización de la ciudad a distintos
niveles (poder municipal, eclesiástico, urbe)
Para lograr la urbanización total de la plaza tuvo que remodelar las fachadas de los dos
palacios (Senatorial y de los Conservadores) y crear un tercero (Nuevo) que no se concluiría
hasta finales del XVII.
2.3. San Pedro del Vaticano (1546-1564)
Aceptó de muy mala gana el proyecto al contar ya con 72 años y no considerar la
arquitectura un arte de su especialidad. Abandonó los diseños realizados por los sucesores
de Bramante y volvió a su maqueta de 1547. Planta central en forma de cruz griega con
una cúpula de 42 metros con una gran carga simbólica. No llegó a verla terminada.
3.
RAFAEL (1483-1520), COMO ARQUITECTO, Y SUS DISCÍPULOS GIULIO
ROMANO Y BALTASARE PERUZZI
Ha quedado una visión parcial de sus composiciones arquitectónicas
Punto de vista prácticamente manierista. Sus obras no se contemplan desde una
perspectiva monofocalsino de forma fragmentada al destacar las partes sobre la
totalidad de los edificios
3.1. La villa Madama (c.1516), villa con ‘cortile’ circular y teatro
Obra arquitectónica más significativa de Rafael. Encargada por el cardenal que llegaría a ser
papa Clemente VII.
Se proyectó con un patio central en forma circular al que se anexionaba un teatro de planta
semicircular. No se llegó a realizar en su totalidad.
Relaciones entre esta obra y el palacio con teatro del Farnesio en Piacenza de Vignola y el
Belvedere de Bramante
3.2. Giulio Romano (1499-1546) y el palacio de Té en Mantua
Introdujo cambios en villa Madama a la muerte de Rafael. Patios porticados de planta circular.
El palacio de Té en Mantua fue una de sus grandes obras, d la que destaca el pórtico principal en
avance de la planta principal.
3.3. Baldasare Peruzzi (1481-1536): La Farnesina (1507-1511) y el palacio Máximo alle Colonne
La farnesina. Planta en forma de U. Inspirada en los textos de los poetas que describen las
antiguas villas. Ejemplo máximo del clasicismo.
Massimo alle Colonne. Manierista. Irregularidad de la fachada, en orden rústico y lisa como el
interior y el patio. Efectos de luces y sombras. Ejemplo máximo manierista.
4. PROYECCIÓN DE SAN PEDRO DEL VATICANO EN LA ARQUITECTURA
RELIGIOSA
Cola de Caparaola, Antonio Sangallo el Viejo y Antonio da Sangallo el Joven hicieron
obras de plan central, como influjo de obras maestras como la de San Pedro del
Vaticano.
La iglesia de la Madonna de San Biagio, llevada a cabo por Antonio Sangallo el Vejo
es casi una fiel reproducción el proyecto de Bramante para el vaticano.
5. ANTONIO SANGALLO EL JOVEN (1483 -1544) Y EL PALACIO DEL
CINQUECENTO
Había trabajado en San Pedro del Vaticano según el proyecto de Bramante y después
como ayudante de Rafael hasta su muerte, momento en el que fue nombrado director de
esa fábrica y responsable por tanto de todas las obras arquitectónicas que se hacían para
el papa.
Su obra principal es el Palacio Farnise, que fue concluido por Miguel Angel, Vignola y
Giacomo de la Porta. Concepción totalmente clásica. Planta rectangular con patio
cuadrado central. . En dicho patio superpuso los tres órdenes. Inspirado en el antiguo
teatro Marcelo.
6. EL PALACIO DURANTE EL SIGLO XVI
Parte del florentino del siglo XV pero abandona alguna de sus características más
significativas, como el empleo del almohadillado. El palacio romano se muestra más fiel a
la antigüedad.
6.1. Michele Sanmicheli (1484-1559) y sus palacios en Verona y Venecia
Clara diferenciación con los palacios florentinos
Patio interior pierde identidad a favor de la construcción de amplios vestíbulos
Verona: Belivacqua, Canossa y Pompei
Venecia: Grimani y Cornaro (sin foto)
7. PLASTICIDAD DE LA ARQUITECTURA VENECIANA
Asumió a partir de 1527 los principios de la arquitectura renacentista. Características
distintivas, tradición gótica, urbe escenográfica. Principal autor, Jacopo Sansovino
7.1. Jacopo Sansovino (1486-1570)
Se formó en Roma junto a Giuliano da Sangallo y también trabajó en Florencia como
escultor
Su principal obra se realizará en Venecia a partir de 1527
7.1.1. La librería Nuova de San Marco (1537)
Ubicada enfrente del Palacio Ducal
Utilizó el pilar cuadrado con columna adosada, una de las notas más características de
su arquitectura junto con la doble columna.
Integración de la escultura en la fachada y equilibrio entre su horizontalidad y los
elementos verticales.
7.1.2. Los palacios Dolfin y Corner
(Dolfin)
Planta irregular dentro de una forma general trapezoidal.
Superposición de los diferentes órdenes arquitectónicos (dórico, jónico y corintio)
(Corner)
Sistema de palacio veneciano tradicional pero con elementos romanos y florentinos
En la fachada principal juega con les elementos para crear efectos ópticos de perspectiva
8. LA COMPAÑÍA DE JESÚS (1534), EL CONCILIO DE TRENTO (1545-1563), Y LA
ARQUITECTURA DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVI
La compañía de Jesús
El papa Paulo III reconoció la compañía de Jesús, fundada por Ignacio de Loyola en
1534 en 1540.
Entre sus reglas figuraban la obediencia total y el servicio incondicional al pontífice y a
sus superiores.
Fue uno de los principales instrumentos de promoción de la Contrarreforma. Una
manera de conseguirlo era a través de las artes y las ciencias, que se ponían al servicio
de la iglesia.
Repercutió especialmente en la arquitectura religiosa por medio de la formulación de
una iglesia peculiar
El Concilio de Trento
Convocado en 1545 por Paulo III para corregir los desórdenes de la Iglesia y con el
objetivo de restablecer la unidad.
Tras un par de interrupciones, Pío IV lo clausuró en 1563 quedando perfectamente
definida la doctrina de la iglesia católica apostólica y romana.
Influyó más en las artes figurativas, debido a las posibilidades didácticas para enseñar el
dogma
Se establecieron unas normas para establecer la forma más adecuada de representar
tanto a la Trinidad como a la Virgen y a los Santos
9. VIGNOLA (1507-1573), COMO TEÓRICO DE LA ARQUITECTURA Y COMO
CREADOR DEL PROTOTIPO CONTRAREFORMISTA
9.1. La regla de los 5 órdenes de Arquitectura
Libro claro, sistemático y eminentemente práctico asumido como manual didáctico
para los estudiantes de esta disciplina.
Los órdenes eran toscazo, dórico, jónico, corintio y compuesto basado en la relación
constante, entre el pedestal, la columna y el entablamento para todos ellos. El
módulo era el radio de cada columna
Abrió el camino del barroco porque permitía libertad en el empleo de los órdenes y
defendió el uso de la columna salomónica.
9.2. El palacio Farnesio en Caprarola (1559-c.1575) y la villa Giulia (1550)
En el palacio, la severidad clásica convive con el carácter lúdico y la libertad del
llamado Manierismo.
La villa Giula fue encargada por el papa Julio III. Es una de las más representativas
del Manierismo. Contrasta el lujo decorativo del interior con la severidad del exterior.
9.3. Il Gesù en Roma (1568-1584) de Vignola y su fachada proyectada por Giacomo
Della Porta en 1571
Obra más importante de Vignola realizada por encargo de la Compañía de Jesús.
Fue un modelo muy imitado en otras iglesias del siglo XVI y XVII
Prototipo de templo contrarreformista. Severidad en su fachado y riqueza decorativa
en su interior.
Planta basilical de una sola nave longitudinal cubierta por medio de una bóveda de
cañón que se rodea de capillas entre los contrafuertes excepto para formar el brazo
del crucero
Ábside semicircular sin deambulatorio
Proyecto de fachada sirvió de modelo para muchas iglesias barrocas fue diseñado
por Giacomo Della Porta.
Tras un par de interrupciones, Pío IV lo clausuró en 1563 quedando perfectamente
definida la doctrina de la iglesia católica apostólica y romana.
Influyó más en las artes figurativas, debido a las posibilidades didácticas para
enseñar el dogma
Se establecieron unas normas para establecer la forma más adecuada de
representar tanto a la Trinidad como a la Virgen y a los Santos
10. ARQUITECTURA Y ESCENOGRAFÍA EN VENECIA: ANDREA PALADIO (1508-1580)
Palladio llegó a Venecia al final de las vidas de Sansovino y de Sanmicheli con
motivo de un concurso del año 1554 para reconstruir el puente de piedra de Rialto.
Su proyecto no fue elegido a favor del de Antonio da Ponte por no ajustarse a las
normas del estilo veneciano de la época.
10.1. Andrea Palladio: la última opción del clasicismo renacentista
Partió de forma sincrética de las propuestas tanto ortodoxas como heterodoxas de la
primera mitad de esta centuria para crear un lenguaje original y libre por medio de la
abstracción
Destacó principalmente como proyectista de palacios y villas , y también por
recuperar la tipología del teatro a partir de la Antigüedad clásica
Trabajó sobre todo en Vicenza, Padua y Venecia
10.2. Palladio como teórico: “I quattro libri dell’Architectura” (1570)
Tratado práctico por su concepción didáctica que muestra cómo construir diferentes
tipologías arquitectónicas como los palacios y las villas suburbanas y otros edificios
civiles y religiosos.
Gran influencia en la arquitectura civil de la Inglaterra de los siglos XVII y XVIII
Concedió una función principal a la columna exenta e ideó el denominado tramo
rítmico. Buscaba la armonía por medio de la repetición de un tema constructivo.
Arquitectura muy elegante con líneas muy severas.
10.3. Modelos de palacios y villas de Palladio
Creo una manera peculiar de entender la arquitectura, denominada palladianismo,
basada en la libre recreación de la Antigüedad grecorromana, que es asumida a la
manera helenística con mucha libertad interpretativa
Aplicó el racionalismo arquitectónico en pos de la funcionalidad
Proyectó más de 20 villas, compaginando la suntuosidad formal de sus edificios con
el empleo de unos materiales bastante más económicos aunque hay excepciones
como la de la rica familia Cornaro.
10.4. La nueva fachada de la basílica de Vicenza
Totalmente renacentista a base de la superposición de dos series de loggias de
arcos de medio punto
Motivo serliano (también llamado Palladiano), uso de un vano tripartido que separa
por medio de columnas delgadas su parte central más ancha que las dos laterales
Cierta similitud con el coliseo de Roma
10.5. Palacio Chiericati en Vicenza
Mismo esquema que la basílica, fachada con dos loggias superpuestas, en esta
ocasión arquitrabadas.
De nuevo alternó el uso de dos órdenes arquitectónicos: dórico-toscano con basa en
la planta baja y jónico en el piso superior.
Los elementos de la fachada ayudan a crear efectos de claroscuro
10.6. La Rotonda en Vicenza
El modelo de villa de Paladio, con su bello ideal clásico, fue el proporcionado por la
Rotonda en Vicenza
Significa la aplicación del plan central con cúpula, propio de la arquitectura religiosa
de la época, a un edificio de carácter civil.
Se inspira en el panteón de Roma en la forma de su planta
Juego de figuras geométricas: planta cuadrada y alzado cúbico, con una
monumental media esfera que cubre el salón central y principal, que es circular.
Cuatro fachadas iguales e independientes con un pórtico a modo de templete
hexástilo de orden jónico.
No hay precedentes pero sí sirvió como modelo para posteriores arquitecturas (Casa
Blanca de Washington)
10.7. Otras villas de Palladio
No resulta posible clasificar a todas estas villas tan funcionales dentro de un mismo
modelo, aunque casi todas ellas presenten un pórtico-logia en la fachada principal,
préstamo de la arquitectura religiosa a la civil.
Cornaro. Proporciones perfectas. Planta general central y cuadrada que se alarga
por medio de aplicación de módulos en los extremos
Villa Barbaro. Pórtico centrado entre dos galerías de arcos de medio punto.
Villa Emo. Se eleva sobre un podio al modo de templo griego.
Malcontenta. De planta rectangular, la sala central tiene forma de cruz.
10.8. El teatro Olímpico (1580) de Vicenza y Vicenzo Scamozzi
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Se mostró obsesionado por la recuperación del teatro antiguo tal como lo describía
Vitruvio.
Le fue encargada la reconstrucción el mismo año de su muerte.
Modelo representativo de la visión recreada renacentista del antiguo teatro romano.
Frente a la opción formal de cavea, diseñó un auditorio con figura semielíptica
longitudinal y truncada por el lado del espectador.
Cubrió el anfiteatro con un techo pintado a imitación del cielo
Continuó las obras Vicenzo Scamozzi. Construyó el foro scenae o escenografía fija,
articulado en tres niveles de altura.
Esta obra inauguraba el siglo del Barroco, durante cuyo transcurso se realizaron los
principales modelos de teatros.
Esquema realizado por: Jose Luis Pineda Requena
BIBLIOGRAFÍA:
•
Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD Jose Enrique García Melero UNED Madrid 2004
Hecho por: Carmen
Bencomo Pérez Zamora
Tema 12. Arquitectura y urbanismo del siglo XVI en Europa
1. Francia. El proceso de asimilación de las formas italianas.
• El máximo esplendor del Renacimiento Francés se produjo en los últimos años del
reinado de Francisco I.
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A partir del S. XVI se construyó en Francia una brillante serie de “châteaux”, equivalente, en
arquitectura civil, a la riquísima serie de construcciones eclesiásticas de la época medieval.
En estos edificios la decoración italiana invadirá todas las partes,
pero, en cambio, seguirá siendo francesa la disposición y el plan, así como los grandes tejados
muy inclinados, cubiertos de pizarra y surcados de chimeneas y grandes ventanales.
Por otra parte, el adorno será renaciente en cuanto al motivo,
pero no en cuanto al estilo, pues seguiremos viendo arcos flamígeros.
La organización es la siguiente:
1. disposición horizontal,
2. amplios vanos cuadriculados,
3. lumbreras coronadas con frontón y escalera monumental mirando al patio y
4. de forma helicoidal y poligonal.
Hacia 1528, Francisco I abandona estos castillos de la región del Loira, y se traslada a la Isla de
Francia.
Los castillos adquieren más sencillez y grandeza, pero pierden gracia y pintoresquismo.
La arquitectura de la región del Loira
Castillo de Chambord.
• La planta es rectangular, tiene un cuerpo central cuadrado. Posee cierto concepto
medieval de fortaleza defensiva.
• Es una zona muy fría por lo que existen muchísimas chimeneas, además el techo es
inclinado para que no se acumule la nieve, la ventana en cruz es típica de los Países
Bajos, es una construcción que no se puede confundir con ninguna construcción italiana.
• Debajo de la cúpula existe una escalera helicoidal que se relaciona con Bramante.
Castillo de Blois.
• La obra adapta soluciones italianas como la logia. Es una arquitectura abierta con dos
logias y una galería adintelada.
• El acceso se produce por el patio, por una escalera exterior de tipo helicoidal. Aparece el
símbolo de la monarquía francesa que representa a unas salamandras con corona.
Castillo Azay Le Rideau.
• Castillo que posee una torre apuntada en cada esquina.
Castillo de Amboise.
• Es una construcción en cuyo eje se encuentra la capilla, en dicha capilla se encuentra
enterrado Leonardo.
Castillo de Chenon Ceaux.
• El castillo se encuentra sobre el río. El diseño del castillo es original, posee sólidos
pilares, se abren arcos para que pase el río.
• Es un castillo que poseía un puente levadizo para entrar.
• Las buhardillas se cubren por frontones. Se encuentra entre la tradición medieval y la
modernidad.
Castillo de Fontainebleau.
• Acercamiento de la arquitectura francesa a un clasicismo más sencillo,
• La escalera, La gruta de los pinos. (De Serlio), La gruta de los pinos, La biblioteca. Sigue el
modelo italiano con bóvedas de cañón
Castillo de Blois -
Chambord (Escalera) -
castillo de Chambord,
patio cuadrado del palacio del Louvre -
Hôtel Carnavalet
Influencia Italiana- Serlio; y los grandes arquitectos franceses: Pierre Lescot y Philibert Delorme.
La influencia italiana: “Los ocho libros de arquitectura” (1540-1575) de Serlio y su pragmatismo.
• Serlio aceptó en Francia encargos privados,
• único que se mantiene actualmente en forma reconocible es Castillo de Ancy-le-France,
construido alrededor de 1546 cerca de Tonnerre en Borgoña.
Pierre Lescot (1510-1578).• Gozó del favor de la Corte y del trato con humanistas;
• tan sólo se conoce un edificio suyo, el que le encargó Francisco I (1546),
•
la remodelación del Louvre.
1. El resultado fue el ala oeste del patio cuadrado,
2. cuya fachada se resuelve con 2 órdenes superpuestos y
3. un ático, dispuestos con un delicado ritmo de pilastras y arcadas,
4. de frontones con arco o triangulares, y cubiertas inclinadas a la francesa.
Philibert Delorme (h. 1510-1570).• Buen conocedor del arte renacentista a causa de sus viajes a Italia.
•
Era un ingeniero, amante de estructuras complejas e ingeniosas,
•
supo combinar la ciencia de la ingeniería con la monumentalidad del Clasicismo italiano.
• Fue nombrado superintendente de obras por Enrique II.
• Construyó la tumba de Francisco I (con esculturas de Pierre de Bontemps)
1. cuerpos yacentes y la imagen áulica de los orantes,
2. estableciendo una afirmación del triunfo sobre la muerte y lo perecedero.
• Acabó el castillo de Villers-Cotterets e
•
intervino en diversos sectores de Fontainebleau.
• El Castillo de Saint Maur constituye el 1er. intento de decorar un edificio con un solo orden de
pilastras
• Castillo de Anet del que se ha conservado el “Frontispicio” (presenta 3 órdenes, dórico, jónico y
corintio,
• “La Capilla” (espacio circular cubierto por cúpula cuyo suelo muestra un diseño formado por
círculos que es la proyección del trazado de la cúpula), y la puerta de entrada.
Castillo de Anet: entrada, ala izquierda y capilla
Castillo de Ancy (Serlio)
Decorativismo y escultura en la Escuela de Fontainebleau.
•
En Francia, las formas italianas se funden a comienzos del S. XVI, con cierta supervivencia
borgoñona, en las figuras realistas, levemente melancólicas en los sepulcros.
• Es característico de la escultura funeraria de este tiempo,
1. el realismo extremo en la representación de los difuntos, a veces presentados como cadáveres
en putrefacción dentro del sepulcro, que contrasta con la monumentalidad heroica de las figuras
arrodilladas en la parte sup. (Tumba de Enrique II y Catalina de Medicis en Saint Denis,
1560-70).
2. Esto, que pudiera considerarse supervivencia del gótico final, culmina en Ligier Richiez (15001567) que representa la Muerte, en la tumba de Rene de Châlon.
2. Arquitectura del XVI en Inglaterra: resistencias y pervivencia de lo gótico
El estilo gótico Tudor. Las características de este estilo serán:
-
Su punto de partida estilo perpendicular
Se suele combinar ladrillo con la piedra caliza.
Hay una permanencia modelos medievales .
Siguieron empleándose los grandes ventanales maineles propios del gótico vertical.
Las columnas pequeñas dimensiones + muy decoradas, pasando a desempeñar
ornamental.
Decoración a base de filigranas + decoración strapwort, = cintas y correas.
Los edificios se llenaron de torrecillas, cresterías y chimeneas agrupadas.
Se aplicó la techumbre de madera imita la piedra y paneles de roble
Palacio. Las “prodigy houses:
Hengrave Hall en Suffolk (1534) y
Hengrave Hall fue construida para el comerciante
Thomas Kytson.
Hampton Court Palace (1514 – 1540).
responde al tipo medieval con su patio
central, la inclusión de torres en los
ángulos y amplia portada.
papel
Robert Smythson (1533 – 1614) y las “country houses”.
Longleat house:
-
prototipo de las prodigy houses del reinado de Isabel I.Copia el palacio de Ancy-le-Franc de Serlio
Wolaton Hall:
-
-
muestra ya una disposición simétrica que lo acerca al clasicismo.
se acomoda a la regularidad y simetría propias del clasicismo y
se muestra totalmente funcional
Longleat house (1568 – 1580) y
Wolaton Hall (1580 – 1588).
3. Arquitectura del XVI en Alemania: Residenz y Rathaus
El Renacimiento alemán asumió un matiz romántico e inconformista
La arquitectura del Imperio durante el siglo XVI reflejaría:
1. La puramente decorativa:
2. La estructural:
Los palacios residenciales:
- El castillo e Heidelberg. Muestra un claro eclecticismo entre las influencias flamencas e
italianas. Así emplea la superposición de órdenes a base de pilares y columnas
- Munich Residenz.
-
A.
Heidelberg
Munich Residenz
B. Los ayuntamientos o rathaus: de Colonia y de Nuremberg son dos ejemplos representativos de este tipo
de edificios.
El ayuntamiento, o Rathaus, de Colonia: cuerpo clasicista modo de gran pórtico. La fachada dos plantas que se abren como doble galería + grandes arcos semicirculares entre columnas
compuestas sobre altos plintos.
El ayuntamiento de Nuremberg la construyó Jacob Wolf. Aunque presenta una traza general
clásica al modo Renacentista, muestra alguna característica propia del Barroco.
4.- Arquitectura del XVI en los Países Bajos: el predominio de la arquitectura civil
•
La arquitectura religiosa fue muy reacia a abandonar el gótico, motivo por el cual las muestras
iniciales de la renovación estilística se hallan en la de carácter civil.
• La penetración de las nuevas tendencias se aprecia en:
1. la Ancienne Greffe de Brujas;
2. el Palacio Granvela (Bruselas); y
3. particularmente en la fachada del Ayuntamiento de Amberes (Cornelis de Vrient)
centrada por un cuerpo que se resuelve con el ritmo de un tema de arco de triunfo.
• En Holanda se crea durante el S. XVI una arquitectura que luego fue muy imitada en los países
germánicos.
Caracterízase por el empleo de ladrillo y sillares, que dan gran robustez a los edificios, al par
que le prestan un elemental adorno polícromo.
Así aparece ya el Ayuntamiento de La Haya y
más tarde la lonja de los Carniceros de Harlem (Lieven de Key).
En Amsterdam se conservan muchos edificios levantados por Hendrik de Keyser, acaso el
mejor arquitecto holandés.
Fachada del Ayuntamiento de Amberes.
•
Suele atribuirse a Juan de Herrera la participación en los proyectos de este monasterio,
cuya construcción fue llevada a cabo por Filippo Terzi y continuada a su muerte por
Baltasar Alvares.
Felipe II, Filippo Terzi y la supervisión de Juan de Herrera.
• La colaboración entre Felipe II, Filippo Terzi y Juan de Herrera tiene lugar durante la efímera unidad
entre los distintos Reinos españoles y Portugal:
1.
Monasterio de los Agustinos de San Vicente de Fora (182 – 1629): Juan de Herrera, Filippo Terzi y
Baltasar Alvares.
Otras obras de Terzi:
2.
Torreón de paço da Ribeira. Su
remodelación por Terzi y Herrera.
3.
Palacio del marqués de Castelo
Rodrigo.
5.- Arquitectura del XVI en Portugal
Construcciones principales: monasterio de Santa María de la Victoria en Batalha, el convento de
Cristo en Tomar, la Torre de Belém y el monasterio de los Jerónimos en Lisboa, la iglesia matriz de
Évora.
Monasterio de Batalha: concepción gótica primitiva con influjos cistercienses, asume después cierta
influencia del llamado estilo perpendicular inglés y llega a alcanzar hasta el decorativismo del manuelino
El monasterio de los Jerónimos (1501) y
De Diego Boytac : Cuenta con planta de salón
con tres naves de idéntica altura.
La torre de Belém (1515 – 1519) en Lisboa.
de Francisco de Arruda: Decoración a base
de cuerdas.
El claustro de Juan III en el convento del Cristo de Tomar. Diego de Torralba
(1500 – 1566) y Filippo Terzi (1520 – 1597: De doble piso y con la ortodoxa
superposición de órdenes arquitectónicos, dórico en el inferior y jónico en el
superior, las cuatro pandas se disponen a modo de un doble pórtico. En las esquinas
del claustro se ubicaron las escaleras.
BIBLIOGRAFÍA:
•
•
Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD José Enrique García Melero UNED Madrid 2004.
Historia de los Estilos Artísticos II ED. ISTMO.
FOTOS
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www.Wikipedia.es
ESQUEMA REALIZADO POR: Rosa M de la Torre Tercero. Centro Asociado ELCHE
TEMA 07-ESCULTURA ITALIANA DEL QUATROCCENTO
1. Características generales
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•
Al principio permanecen algunos elementos goticistas (gusto por lo curvilíneo,
elementos anecdóticos, etc.) pero pronto desaparecen.
No se elaboran tantas normas o cánones como en la arquitectura.
Profundo realismo que se aleja del espiritualismo gótico; esto no excluye cierta
tendencia a la idealización.
Humanismo: preocupación por la figura humana, por el desnudo y la anatomía, por la
expresividad.
El interés por el hombre queda patente en el desarrollo del retrato en el que se quiere
individualizar a un personaje. Los retratos pueden ser: de busto, ecuestres, funerarios,
etc.
En los relieves alcanzan gran perfección los estudios de perspectiva con la que se
logra la sensación de espacio y profundidad.
Temas: cristianos, mitológicos, retratos, temas de la infancia. En España no se dan los
desnudos por el enorme poder de la Inquisición.
2. La representación tridimensional del relieve.
Sacrificio de Isaac (versiones de Ghiberti y de Brunelleschi)
1. Convocatoria de un concurso para realizar relieves en las puertas del Baptisterio de la catedral de
Florencia al que se presentan Ghiberti y Brunelleschi.
2. Ambos escultores respetan la segunda parte de la leyenda bíblica.
1. Brunelleschi trabajó pieza por pieza sueltas para ensamblar al final el conjunto, lo que le permitió
extraer mayor expresividad y emotividad de cada figura. Ghiberti ha concebido el conjunto mejor
ensamblado en tres planos graduales donde la línea secuencial brilla con más claridad, y muestra
ya un cierto dominio de la perspectiva.
2. La obra de Brunelleschi es mas estática y de mas rigidez en la perspectiva, pero el golpe de vista
está mejor conseguido que el de Ghiberti, por que la composición triangular permite hacerse cargo
del asunto de una sola vez.
3. El relieve de Brunelleschi destaca a Isaac en el centro, en el de Ghiberti es Abraham el que ocupa
el centro.
4. Ambos cuidan las anatomías, las proporciones, el plegado de los ropajes.
5. Ghiberti mesura las actitudes y Brunelleschi apuesta más por una violencia notoria en las posturas
y en las miradas. Los dos citan a los antiguos, concretamente a la columna trajana, en cuanto a
proporciones, volúmenes, modelado.... y los dos pretenden mostrarnos una escena desde su punto
de vista, no solo subjetivo sino perceptual. Gracias al punto monofocal podemos percibir las
escenas casi continuas, como una historia conclusa.
6. El trabajo de Ghiberti es más difícil de interpretar pues el fino modelado, la continuidad
compositiva, la gradación de planos y la profundidad consiguen una escena cerrada. El de
Brunelleschi es más cortante y rígido en la planificación, aunque lo supere en la potencia expresiva
y en la unidad focal.
7. Brunelleschi interpreta ya según el modo renacentista, dirige la escena y sitúa a los personajes
donde le interesa. Ghiberti es aún goticista, permite que sea Abraham quien ordene el espacio.
Ghiberti (1378-1455),
Autor de transición entre el Gótico y el Renacimiento. Continúa la trayectoria iniciada por los Pisano.
Destaca por la visión pictórica de los relieves:
- Gradúa el relieve desde formas casi imperceptibles en el fondo hasta casi un bulto redondo en el
primer plano.
- Ordena las escenas en planos: aumenta el efecto de profundidad y perspectiva.
- Todo esto manifiesta una fuerte influencia clásica (Ara Pacis).
- Fondos de paisajes o arquitecturas sobre los que se dispone un gran número de figuras: perfecta
relación figura-espacio.
- Formado como orfebre, de ahí su preocupación por los detalles y lo puramente decorativo.
Sacrificio de Isaac (para el concurso de las puertas del Baptisterio de Florencia).
Relieves de la Puerta Norte. Baptisterio de Florencia.
Relieves de la Puerta del Paraíso. Baptisterio de Florencia.
Jacopo Della Quercia (1374-1438)
- Busca los efectos plásticos y la pureza de las figuras.
- Centra su atención en la figura humana: formas robustas, monumentales
- Prescinde de los paisajes, de los fondos arquitectónicos y de los detalles.
Tumba de Ilaria del Carretto.
Relieves de la puerta de San Petronio. Bolonia.
Fuente Gaia. Siena.
Fuente Gaia,
puerta principal de San Petronio
Monumento funerario de Hilaria del Carretto
Donatello (1368-1466)
Es el escultor más importante del siglo XV. Se caracteriza por el humanismo, realismo, naturalismo y
expresividad.
- Representa al hombre en todas las edades, tipos y actitudes de ánimo.
- Introduce el tema del desnudo, abandonado desde la época romana.
- Difunde el retrato: quiere representar el carácter del individuo.
- En el relieve utiliza la técnica del aplastado. De manera que las figuras apenas se destacan del
fondo; sin embargo, consigue sensación de espacialidad al colocar las figuras en planos superpuestos.
- Al final de su vida practica la técnica del inacabado para aumentar el carácter expresivo.
- Influirá en las obras de juventud de Miguel Angel.
San Marcos
San Jorge
David
El Zuccone
Cantoría de la Catedral de Florencia.
Estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata
San Marcos y San Jorge
El David
El Gatamellatta
Luca Della Robbia (1400-1482)
- Sus figuras reflejan el lado agradable de la vida.
- Aspecto popular: temas femeninos y de la infancia.
- Usa una nueva técnica cerámica vidriada y policromada
(figuras en blanco sobre fondo azul).
Cantoría. Catedral de Florencia.
Vírgenes con el Niño.
Andrea Verrochio (1435-1488)
- Parte del realismo de Donatello hasta alcanzar una gran expresividad.
- Figuras de actitudes nerviosas, violentas.
- Preocupación por la anatomía.
David.
Estatua ecuestre del Condottiero Colleoni.
El Colleoni
Antonio de Pollaiuolo (1413-1498).
o
o
o
o
Formado como orfebre y trabajador en metal
Obra en bronce Hércules y Anteo
También era pintor y grabador.
En el grabado la Batalla de diez hombres desnudos, conocimiento de la anatomía
Putto con Delfin
3. OTROS ESCULTORES DEL SIGLO XV ITALIANO.
- Desiderio da Settigano: dominó las figuras de niños por su dulzura, gracia y expresividad,
con un movimiento contenido dentro de un esquematismo riguroso y sencillo. Obras:
sepulcro de Carlos Marssupini, Busto de doncella florentina, Marieta Strozzi, relieve Cristo
y San Juan Bautista.
- Antonio di Duccio: seguidor de alguna técnica donatelliana. Obras: fachada del Oratorio
de San Bernardo en Perugia, Templo Malatestiano de Rimini.
- Mino da Fiesole: sigue un estilo amable sin añadir estructuras o cambios novedosos, las
decoraciones son exquisitas. Obras: sepultura de Salutati, sepultura de Ugo de Magdeburgo
en Florencia, Tabernáculo de los Santos Óleos en Santa Croce de Florencia, sepulcro del
Cardenal della Rovere en Santa Maria del Popolo.
- Benedetto da Majano: tiene magníficos relieves. Obras: relieves del púlpito de Santa
Croce en Florencia.
- Francesco Laurana: destaca como retratista delicado, ensoñador y manierista. Obras: Arco
triunfal del Alfonso V en Nápoles.
- Matteo Civitali: Obras: Adán y Eva de la catedral del Génova.
- Giovanni Gaggini: Obras: Palazzo Doria en Génova.
- Antonio Rizzo: Obras: Adán y Eva en el palacio de los Dogos de Venecia.
ESQUEMA REALIZADO POR:
Fernando Cárcamo Cubero (C.A.- Calatayud)
BIBLIOGRAFÍA:
Hª DEL ARTE MODERNO II (PINTURA Y ESCULTURA DEL RENACIMIENTO) UUDD
ESÚS MIGUEL VIÑUALES GONZÁLEZ. UNED MADRID 2004
FOTOS:
Artehistoria y Wikipedia.
TEMA 2-2 LA PINTURA DEL QUATTROCENTO EN ITALIA
1. GENERALIDADES ARTÍSTICAS.
El Siglo XV es el siglo de la eclosión del nuevo arte y de la experimentación.
Transformación de los aspectos formales y temáticos, y de la función del arte y del artista.
El arte como reflejo de una sociedad nueva.
La actitud humanista del artista dio lugar a fenómenos pocas veces vistos:
o La figura humana desnuda
o El retrato identificable
La luz como elemento de primer orden. Se utiliza de manera diáfana y repartida de forma homogénea
por toda la obra.
Se crean composiciones cerradas y de disposiciones triangulares.
El color es armonioso y se abandona el uso de la línea, la cual se utiliza sólo cuando se quieren separar
colores diferentes.
Temas tratados:
o Religiosos
o Clásico-mitológico
o Cívico-burgués (la más novedosa)
Las matemáticas, la física y la geometría fueron las principales armas para unas edificaciones nuevas.
La pintura adopta sus postulados y a través de ellos consigue lo que será uno de sus rasgos definitorios:
la perspectiva lineal.
Los precedentes pictóricos del Trecento, con Giotto a la cabeza, son los que determinan el avance
cualitativo del Quattrocento. Por primera vez, este genio reproduce en una superficie lisa formas
tridimensionales, pero todavía no alcanza una escala naturalista.
2. GENERALIDADES POLÍTICAS Y SOCIALES.
El Quattrocento es una cultura urbana, donde la ciudad es el centro de la República, y morada de la
autoridad: el signore.
El núcleo de poder destacado durante este periodo es, sin lugar a dudas, la Florencia de los Médicis.
Cosme de Médicis rige Florencia, llegando a ser el primer mecenas del Renacimiento. Después
llegaría Piero y más tarde, Lorenzo, llamado el Magnífico.
A comienzos del siglo, el artista es aún artesano, integrado en el sistema gremial florentino.
A lo largo del siglo, el taller medieval fue sustituido por el “Studio”, y el artista abandonó
progresivamente el gremio.
3. LA PERSPECTIVA.
El artista desea reproducir la naturaleza
tridimensional.
Con la perspectiva, el pintor realiza una
representación racional del espacio.
Hablamos de una perspectiva geométrica,
donde las figuras y objetos representados se
encuadran en un haz de líneas que
convergen en un punto.
Relacionada
con
la
anterior,
la
proporcionalidad y la equivalencia.
El artista crea el espacio y después incorpora
las figuras y objetos, frente al periodo
anterior, el gótico, donde el pintor coloca las
figuras para crear el espacio.
El espacio creado es real, está acotado, y se
rige por leyes matemáticas y ópticas.
León Battista Alberti
“De Pictura” (1.435)
Prototipo del hombre renacentista, fue pionero en la elaboración
de tratados artísticos, y “De Pictura” (1.435) fue uno de ellos.
Aborda problemas concretos, consejos prácticos, preceptos y
observaciones, y ofrece una respuesta a cuestiones
fundamentales sobre la estética.
La armonía la entiende como la base de la belleza, y no es otra
cosa que la disposición correcta de las partes y una proporción
perfecta.
La armonía la llamó concinnitas, convirtiendo prácticamente a esta
palabra en un lema del Renacimiento.
La composición desempeña un papel capital.
El arte está sujeto a principios racionales y reglas generales.
Abandono de la mentalidad gótica, que concebía el arte como algo
trascendental.
La belleza como la totalidad de las partes: “No añadir, no quitar,
no cambiar nada”, fórmula popularizada por el autor.
Para que un cuadro sea bello, armonioso, debe cumplir con los
tres principios necesarios:
o Compositione: proporción aritmética de las partes de la
obra.
o Circunscriptione: Finalización de la obra.
o Receptione dei lumini: Referido a la aplicación del color.
La belleza es una cualidad objetiva de las cosas y no una
reacción subjetiva de los hombres ante estas.
4. FLORENCIA: MASOLINO Y MASACCIO.
Masolino (1.383-1.440)
Influenciado por el gótico internacional, se interesa por la teoría de la perspectiva.
Colabora con Masaccio en la Capilla Brancacci.
Perteneciente a la misma generación que Fra Angélico.
Banquete de Herodes
La tentación de Adán
Anunciación
Masaccio (1.401- 1.428)
Con tan sólo 25 años revolucionó el arte de la pintura.
Creó un arte grandioso y dramático (como Donatello en la escultura)
Realismo, sobriedad y solidez formal.
Enorme fuerza expresiva.
Pintura robusta, maciza y solemne.
El sentido de existencia del espacio recuerda a Giotto, con la diferencia que Masaccio lo ejecutó sin el uso
de la línea, que sólo existe cuando una masa de cierto color y un grado de luz se superpone a una masa
diferente.
La forma la consigue por el impacto de la luz al objeto.
Obras relevantes en la Capilla Brancacci de la Iglesia de Santa María del Carmine.
Madonna y niño con Santa Ana.
Tributo de la Moneda.
Trinidad
San Pedro sanando con su sombra.
Expulsión del edén.
5. PERSISTENCIA DEL GÓTICO INTERNACIONAL.
El gótico internacional había conquistado el cenit de su desarrollo.
Nos encontramos con pintores inmersos en ése movimiento, pero que van asumiendo nuevos planteamientos
de la época.
Recordaremos algunas de sus características:
o Dibujo curvilíneo, colores brillantes y planos.
o Pocas preocupaciones espaciales.
o Luz plana, sin proyección de sombras.
o Detallista y minucioso.
o Línea del horizonte muy alto: sensación de punto de vista elevado.
o Utilización del fondo dorado.
o Representación del movimiento irreal.
o Escasa representación del volumen.
o Estilo elegante.
o Valoración de la belleza en ropajes y objetos.
Pintores:
o Gentile de Fabriano
o Fra Angélico
o Bennozzo Gozzoli
o Pisanello
Gentile de Fabriano (1.380-1.427)
Su mejor obra: La adoración de los Magos (1.423)
Técnica gótica (dorados, detallista, colorido,..)
Novedades: el escorzo de los caballos.
La escena de La Natividad, en la pedrela, nos
muestra un nuevo concepto en el tratamiento de la
luz.
o Se le considera la primera escena de noche
donde toda la iluminación del primer plano
procede de un origen único: el niño.
Natividad
Adoración de los Reyes Magos
Fra Angélico (1.400 – 1.455)
Maestro de la transición.
Desproporción anatómica.
Características trecentistas
o Amor por lo curvilíneo, alargamiento
de las figuras e importancia del oro.
o Arquitecturas
y
Anunciación (1.430 – 1.432) goticistas
miniaturismo en los detalles.
Sentido del volumen (cuatrocentista)
Pintor religioso, y por excelencia de Vírgenes
con niños y visiones celestiales (Coronación)
Sus pinturas murales más numerosas:
Monasterio de San Marco (Florencia)
San Pedro Mártir
Presentación en el Templo
Anunciación
Bennozzo Gozzoli (1.420 – 1.497)
Es el gran narrador del Quattrocento
florentino.
Gusto por el paisaje poblado de figuras y
escenas anecdóticas.
Encargado de pintar la capilla privada de Los
Médicis.
En el “Viaje de los Reyes”, retrata a los
dueños de la casa (los Médicis), a la Florencia
de su tiempo e incluso su propio retrato.
Descuidada la proporción y lejos de la
naturalidad.
Viaje de los Reyes Magos
Pisanello (1.380 – 1.455)
Discípulo y continuador de Gentile de
Fabriano.
Recibe influencias de Masaccio, lo que se
traduce en la volumetría de sus obras.
Detallista y minucioso en los detalles,
influencia de los pintores flamencos.
La primera medalla de Pisanello es la de
Juan VII Paleólogo en 1.438. Fue llamado por
las principales cortes de Italia, donde realizó
medallas de los príncipes de la época.
Extraordinario dibujante, sobre todo de
animales.
Visión de San Eustaquio
San Jorge y la princesa de Trebisonda
Retrato de una princesa
6. UCELLO Y CASTAGNO.
Ucello (1.396 – 1.475)
Obsesivo por la perspectiva.
Batalla de San Romano: obra principal.
o Sus figuras se recortan en el espacio como si hubieran sido talladas más que
pintadas.
o Se tomó mucho trabajo para mostrarnos las figuras y objetos tendidos en el suelo en
correcto escorzo.
o Nunca se había pintado figura semejante como el guerrero caído en el suelo, con una
representación muy estudiada del escorzo.
o Las lanzas, en tierra, apuntan hacia un común punto de fuga.
o Figuras sólidas y de duros perfiles.
o No empleó los efectos de la luz, la sombra y el aire para suavizar los contornos.
Batalla de San Romano
San Jorge y del Dragón
Castagno (1.417 – 1.457)
Heredero del estilo plástico y del sentido de la grandiosidad de Masaccio y Ucello.
Gusto por el monocromo.
Utiliza la técnica de la grisalla para matizar el colorido.
o La grisalla produce un efecto monocromático frío y sólido, que se ha utilizado desde el
periodo gótico para hacer que una pintura bidimensional parezca un relieve, escultura o
arquitectura tridimensional.
Experimenta con la descripción del movimiento (pintura del David, pintado sobre cuero)
La Última Cena
David
7. TALLERES DE POLLAIUOLO, VERROCCHIO Y GHIRLANDAIO.
A estos pintores se les conoce por “maestros de taller”, pues poseyeron talleres donde se formaron jóvenes
artistas.
El tema religioso sufre una fuerte desacralización, tomando un marcado acento laico.
La desacralización se hermana con el resto de cualidades de los pintores más representativos, como la
expresividad, el dinamismo y las estratagemas compositivas.
Pollaiuolo
Pintor preferido de Lorenzo de Médicis
Como obra representativa: El martirio de San
Sebastián.
o Figuras musculosas y en movimiento.
o Lo que menos importa es el santo: es el
hecho lo interesante.
o El paisaje similar a los maestros
flamencos.
o Los personajes forman una pirámide en
virtud de sus movimientos.
Obra ejemplar de su búsqueda de expresividad:
Batalla de los hombres desnudos.
Dominó mejor la técnica de la escultura, lo que
se refleja en el trato del cuerpo humano.
Batalla de los hombres desnudos
Apolo y Dafne
Verrochio (1.435 – 1.488)
Maestro de Leonardo da Vinci.
Sus obras están influenciadas por la escultura, su faceta
más desarrollada.
En su obra “Bautismo de Cristo”, destaca el trato de los
dos cuerpos, su gran volumetría y monumentalidad.
o Los dos ángeles fueron pintados por un joven
Leonardo.
Bautismo de Cristo
Ghirlandaio
Amigo de grandes conjuntos con multitud de personas.
Lo profano invade el tema religioso.
Sus personajes suelen ser retratos de la alta sociedad de la época y de sus amistades.
Su obra más característica: Nacimiento de la virgen.
o El tratamiento es como si se tratara de una escena de la corte.
o Como fondo, amplias arquitecturas ricas en perspectivas y decoración.
Entre los retratos, riguroso perfil y cuerpo erguido: totalmente de acuerdo con la moda.
Nacimiento de la Virgen
Retrato de Giovanna Tornabuoni
8. PIERO DELLA FRANCESCA Y SUS TRATADOS.
Piero della Francesca (1.416 – 1.492)
Ayudante del pintor Domenico Veneciano y coetáneo de Fra Angélico
o Su obra “Madonna y el niño” inauguró un nuevo tipo de retablo, el denominado “sacra converzatione”
Es el pintor más representativo del siglo XV
Enamorado de la luz
o Será la luz quien dicte las medidas y proporciones de las figuras en el espacio. También será la que determine el
color y la espacialidad.
o Prescinde de las sombras, o las indica someramente.
o Su tratamiento es uniforme, sin intensidades ni gradación lumínica.
La perspectiva lineal será su característica principal.
El tratamiento de las figuras es muy volumétrico, donde se aprecia un estudio de la anatomía.
Sus personajes son fríos e inexpresivos, llegando a estar muy estáticas.
Su obra más importante es la colección de frescos del santuario de San Francisco de Arezzo, realizados entre 1.452 y 1.459,
donde representa diversos episodios de la Vera Cruz.
En 1.478 abandona la pintura, debido a una enfermedad ocular. Posteriormente, escribe tres importantes tratados:
o De prospectiva pingendi.
o Tratado d’abaco.
o De quinque corporibus regularibus.
En estos tratados, el pintor plasma la realidad de las cosas a
través del orden matemático, siguiendo a Brunelleschi o
Alberti, y demostraba como aplicarla a los cuerpos y a las
formas arquitectónicas.
Sueño de Constantino
Retablo de Brera
Resurrección
9. BOTTICELLI.
Botticelli (1.445 – 1.510)
Natividad
Con 17 años entró en el taller de Fra Filippo Lippi, del cual hereda el control de formas tridimensionales, la
delicadeza en la expresión en los rostros y los gestos, y los detalles decorativos.
Inicia la relación con la familia Médicis, colaboración que será larga y fructífera.
Es llamado en julio de 1.481 por el papa Sixto IV para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina. Será en esta
década donde el pintor realice sus obras más importantes, y recibirá multitud de encargos. Su estilo en esta etapa se
encuadra entre los conceptos renacentistas y el gótico tardío.
En la década de 1.490 se iniciará la influencia del monje benedictino Savonarola en su obra, donde se aprecia un
giro hacia el ascetismo.
Trato exquisito en los paños, donde expresa la delicadeza de texturas y de movimientos.
Sus cuadros más célebres son La Primavera y el Nacimiento de Venus, donde las figuras están estilizadas, con
largos cuellos, torsos y hombros inclinados, cuerpos delicados. La composición se basa en una interrelación de
pautas lineales formadas por ropajes con los pliegues, pelo flotando, los troncos...
Piedad
Judit y Holofernes
Palas y el Centauro
Retrato de Julián de Médici
10. ANDREA MANTEGNA.
Andrea Mantgena (1.431 – 1.506)
Su pintura quiere ser arquitectura, donde la masa y la monumentalidad dominan.
Sus personajes son fuertes, rígidos, como fustes de columnas, con el propósito de producir impresión de fuerza.
Se aprecia la influencia en sus figuras del escultor Donatello, dando la impresión de ser estatuas de bronce o piedra por lo
que a esta primera época se la conoce como el "estilo pétreo"
El gusto por lo escultórico se pone de manifiesto en “San Sebastián”, donde se interesa por los fondos arquitectónicos
inspirados en el mundo clásico.
Sus fondos de paisajes son desoladas canteras.
Brillantez de las superficies y dominio de la perspectiva aérea y del escorzo.
Se instala en Mantua y permanece como pintor de corte de la familia Gonzaga hasta su muerte, donde realiza una de sus
obras más importantes: la decoración de la Cámara de los Esposos, donde los Gonzaga son retratados en diversas actitudes.
San Sebastián
Muerte de la Virgen
Detalle de la Cámara de los Esposos.
Detalles de la Cámara de los Esposos
11. ESCUELAS DE FERRARA Y DE UMBRÍA.
Escuela de Ferrara
Bajo la influencia de Andrea Mantenga, aparece el representante más puro del manierismo cuatrocentista:
Cósimo Tura (1.430 – 1.490)
o Uno de los fundadores de la escuela de Ferrara.
o Composiciones fastuosamente decoradas, tratamiento casi escultórico de las figuras, en un
realismo aparente, casi fantástico.
o Empleo de colores fantásticos, paisajes imaginados y una búsqueda minuciosa de los detalles.
Piedad
Escuela de Umbría
Escuela pictórica formada en la ciudad italiana del mismo nombre.
No es una escuela de iniciación o de plenitud, sino de transición.
Sus maestros son viajeros y reparten su producción.
Menor rigor en el dibujo y la línea y más preferencia por la luz y la atmósfera, lo que se manifiesta
en el color, que aparece como pieza fundamental en la composición.
Temas religiosos, piadosos.
Arte severo y monumental, tocando con lo decorativo.
La escuela constituye el camino a la pintura romana del pleno Renacimiento y el arranque de Rafael.
A los maestros de esta escuela se les denominó “pintores en serie”, por lo repetitivo de sus
composiciones y esquemas.
Principales maestros:
o Perugino
o Pintoricchio
Perugino (1.446 – 1.523)
En sentido estricto y más justo, la
Escuela es Perugino y su
influencia, su estilo concreto y
amanerado es importante como
nuevo concepto del espacio
pictórico.
Composiciones claras, escenarios
amplios (parece que tenía ansia
de espacio), y extrema simetría.
Se le considera maestro de
Rafael.
Entrega de llaves
Pinturicchio (1.454 – 1.513)
Apelativo despectivo de Bernardino
Betti
Destacamos dos obras: los frescos de
las estancias Borgia, en el Vaticano, y
los frescos de la Biblioteca
Picolomini, junto al Duomo de Siena.
Dibujo perfecto, colores brillantes y
composiciones claras con muchos
personajes.
Como pintor de paisajes, no tiene
comparación con ninguno de la época.
Frescos de la biblioteca del Duomo de Siena
Bibliografía
Historia del Arte Moderno volumen II – Pintura y Escultura del Renacimiento (Jesús Miguel Viñuales González)
Historia del Arte (E.H.Gombrich)
Historia de la pintura, escultura y arquitectura (Frederick Hartt)
Historia del Arte (Diego Angulo Iñiguez)
Esquema realizado por: Carmen Bencomo Pérez Zamora
TEMA 13. LA ESCULTURA DEL SIGLO XVI EN EUROPA
0. INTRODUCCION.
Marco Histórico
Se ha descubierto América (1.492) y se inicia la presencia de Europa
(España) en el nuevo continente: Colonización americana y expansión
portuguesa.
El Imperio Turco había acabado con el Imperio Bizantino, con la caída de
Constantinopla (1.453).
o Los otomanos se extienden por Europa Oriental (Balcanes).
o A la vez, Castilla toma el último reino musulmán peninsular
(Granada).
Monarquías autoritarias o territoriales: Reyes Católicos (España), Luis XI
(Francia), Enrique VII (Inglaterra).
En Europa Central: Mantenimiento teórico del Sacro Imperio, con una
monarquía electiva: Los Augsburgo (Maximiliano I, Carlos V).
Pequeños estados ricos por el comercio e incipiente industria,
verdaderamente independientes, aunque en teoría estuviesen vinculados a
otros poderes superiores (Imperio): Flandes, Países Bajos, Borgoña, estados
italianos, aparte de Venecia que inicia su decadencia comercial tras la caía
de Constantinopla.
Luchas por la hegemonía:
o Carlos V – Francisco I
o Felipe II – Protestantes con Inglaterra y Países Bajos
En lo cultural:
o El HUMANISMO y el RENACIMIENTO.
o Generalización de la imprenta, que en el siglo XV se había iniciado
en Alemania, facilitando la difusión de las nuevas ideas. Interés por
la Antigüedad clásica que se generaliza por toda Europa.
En lo religioso:
o La RUPTURA DE LA CRISTIANDAD OCCIDENTAL, el
PROTESTANTISMO, con consecuencias políticas y religiosas con
un enfrentamiento y pervivencia posterior. Una Europa Reformada
y otra Católica.
o Frente a la REFORMA PROTESTANTE una REFORMA
CATÓLICA (CONTRARREFORMA).
En lo económico:
o MERCANTILISMO Y CAPITALISMO INICIAL.
En el arte:
o Discusión acerca de si merecía mayor consideración artística la
escultura o la pintura.
o El Renacimiento que se había iniciado en Italia (Florencia) en el
siglo XV (Quatroccento) se generaliza por el resto de Europa
occidental en el siglo XVI (Cinquecento) a la vez que pervivía la
tradición gótica que se adentra en este nuevo siglo y convive en
principio con el Renacimiento.
o Las esculturas traducen las proporciones y formas canónicas a un
mundo moderno, aprovechando los nuevos descubrimientos
científicos y técnicos, complementando lo religioso y lo pagano
conforme al ideal humanista de la concordancia.
1. MIGUEL ANGEL ESCULTOR.
Datos generales
La Virgen de la
Escalera
La Batalla de
Centauros y Lapitas
Se considera mas escultor que pintor
Figura excepcional que hace que el resto de escultores del siglo XVI
italiano casi queden eclipsados por su fuerza y personalidad.
Formado en el taller de Bertoldo (Florencia)
Con gran formación humanística (Los Médici)
Estilo lleno de virtuosismo. Dominio técnico.
Exaltación de la fuerza física y espiritual por igual
6 estadios coincidentes con las dos ciudades en las que trabajó:
o 1ª etapa florentina: “La Virgen de la escalera” y “Batalla de
Centauros y Lapitas”
o 1ª etapa romana: “La Pietá”
o 2º etapa florentina: “El David”
o 2º etapa romana: “La Tumba de Julio II con el Moisés”
o 3ª etapa florentina: “Las tumbas Mediceas”
o 3ª etapa romana: “Las Piedades de Santa María dei Fiori,
Rondanini y Palestrina”.
Pasa por todos los estadios estéticos de su época:
o Renacentista al principio.
o Clasicista pleno en su madurez
o Barroco y manierista.
“Non finito”. 3 teorías:
o Deja las obras inacabadas para que el espectador las termine
mentalmente.
o Cuando consigue la forma que quiere en una escultura, pierde
su interés por ella.
o Falta de tiempo por exceso de trabajo.
Influencia de Donatello:
o “stacciato”, leve bajorrelieve poco marcado.
o Niño macizo
o Escorzo de la espalda
o Virgen con orla de santidad en actitud relajada y tranquila
o Perfil griego de la Virgen.
o Ropajes que caen finamente.
Obra exponente de tensión y dinamismo de cuerpos desnudos.
Dramática confusión de cuerpos que se confunden con un fondo neutro.
Ninguna anatomía equina.
Estudio de posturas y puntos de vista totalmente nuevos, al servicio de
impacto de potencias encontradas y grandeza heroica.
La Pietá
(1498-1500)
David
El Moisés
Las tumbas de los
Médici
Piedad de Santa
María dei Fiori
Piedad Palestrina
Única obra firmada por Miguel Angel. (En la banda que cruza el pecho de la
Virgen madre)
Encargada por el cardenal francés Jean Villieres, indica admiración de
Europa por los artistas italianos.
Se encuentra en San Pedro del Vaticano
Composición piramidal con la Virgen dolorida, de un dolor sereno,
contenido, con ropas amplias donde incide la luz produciendo efectos
sombreados. Contrapuesta con el Cristo desnudo yacente.
Ambos de fino modelado. Acabado pulido y perfecto.
Equilibrio vestido-desnudo, luz-sombra, vertical-horizontal, angustiaserenidad.
Momento más clásico de Miguel Angel.
A pesar de la parecida edad de madre e hijo la obra resulta intemporal. Idea
platónica que desestima la concreción de tiempos cronológicos.
Símbolo de Florencia. Colocado inicialmente en la Plaza della Signoría.
Esculpido en un mármol “sconciato”
Estatua imponente de 4 mts. de altura.
Joven apuesto, con la anatomía de un cuerpo perfecto y maduro. Curva
praxiteliana.
Conjunto armonioso atendiendo al volumen y la línea.
Dominio del cánon, la proporción, y cuidada anatomía.
No obedece la canónica clasicista, cambiando en pro de una expresividad más
fuerte. Algunos cánones transgredidos, como el diferente volumen de la parte
superior con la inferior o las manos demasiado grandes, porque iba a ser
contemplado desde abajo.
Escultura de 2,35 mts. Forma parte, junto con Los Esclavos, de la tumba de
Julio II.
Influenciado por la aparición del grupo escultórico El Laoconte., que le sirvió
de inspiración.
Abandona equilibrio clasicista a favor del dinamismo y expresividad.
Terribilitá anímica.
Contraste de luz y sombras.
Los esclavos, en distintas posiciones, forman un conjunto simbólico expresivo
de dolor, cansancio, esfuerzo y también esperanza.
Estatuas de Lorenzo y Julián de Médici, para ser colocadas en hornacinas.
Vestidos a la romana.
A destacar las cuatro estatuas que acompañan los sarcófagos, representando la
noche, el día, la aurora y el crepúsculo, representando la pena y el dolor por el
que atraviesa el alma atormentada de Miguel Angel.
Esquema piramidal.
Representa a Nicodemo (¿autorretrato?) y la Virgen sosteniendo el cuerpo de
Cristo inerte con los brazos desarticulados.
Destinada a su propia tumba.
Sin terminar y sin pulir. Algunos no se la atribuyen.
Su autoría se demuestra con la bella cara del Cristo muerto, la expresión
muscular y la sensación de desplome.
Piedad Rondanini
(1564)
Deja sin terminar. Esculpiéndola días antes de su muerte.
Forma lineal alargada verticalmente.
Resume el dolor interiorizado del artista. Espiritualidad humana, resignada y
trascendente.
2. EL MANIERISMO EN ESCULTURA.
Conceptos generales
Benvenuto Cellini
Juan de Bolonia
Representa una crisis, una ruptura con el clasicismo.
Movimiento con el que, intelectualmente, termina el siglo XVI e incluso es
extensible al resto de Europa.
Es una “aclasicismo” fuertemente intelectual cuyo inicio se ha querido ver en
Miguel Angel, Leonardo y Rafael y cronológicamente en el año 1.527, fecha
del saqueo de Roma por las tropas imperiales frente al Papa.
Orfebre.
Obras destacadas:
o Figura de Perseo con la cabeza de medusa (Florencia), que es una
alegoría del triunfo de los Médici en el gobierno de la ciudad.
o Salero de oro de Francisco I. (Viena)
Obras destacadas:
o Dinámico Mercurio con el caduceo que anuncia soluciones barrocas.
o Rapto de las sabinas (Florencia).
o Estatua ecuestre de Fernando I de Médici (Florencia)
o Estatua ecuestre de Felipe III (Madrid).
3. FRANCIA. ENTRE LO GOTICO Y LAS NUEVAS TECNICAS.
Conceptos
generales
Preferencia por enlace entre el gótico florido aristocrático y las nuevas
técnicas clasicistas, sin apostar por un Renacimiento pleno.
Penetración del Renacimiento por dos vías:
o Importación de obras renacentistas ya labradas.
o Obras realizadas por artistas italianos en la misma Francia.
El Renacimiento se percibe sobre todo en la decoración, permaneciendo la
escultura mas ligada a la Edad Media.
Triunfo de las formas manieristas en la corte de Francisco I, creando Rosso y
Primaticio la escuela de Fontaineblau.
Preferencia por las temáticas mitológica y pagana, con un particular regusto
por los temas macabros.
Michel Colombe
(1430 –1513)
Funde la gracia y elegancia francesa con la finura italiana.
Obras:
o Sepulcro de Francisco II de Bretaña
Ligier Richier
(1502-1567)
Incorpora maneras clásicas al estilo de Miguel Angel
Obras:
o El Santo Sepulcro (Mihiel)
o Sepulcro del Conde de Nassau
Jean Goujon
Estilo de finura admirable, con pliegues de gran delicadeza como en la escultura
clásica helena.
Obras:
o Cariátides de la sala del Louvre.
Germain
Pilon
Escultor completo y original. Partiendo de propuestas de Fontaineblau, tras un
periodo naturalista clásico, evoluciona al expresionismo precursor del barroco.
Obras:
o Monumento para el corazón de Enrique II (Las 3 gracias, del Louvre)
o Tumba de Enrique II y Catalina de Médicis (Saint-Denis)
o Sepulcro de Valentine Balbiani
4. OTROS PAISES. ALEMANIA. INGLATERRA.
Alemania
Conceptos generales
Peter Vischer el
viejo
(1460 –1529)
Peter Vischer el
joven
Trabaja el bronce.
Partiendo de la tradición gótica, asimila las propuestas clasicistas.
Obras:
o Tumba del arzobispo Ernesto de Sajonia, prácticamente gótica.
o Estatuas en la tumba de Maximiliano.
Importante difusión en el s. XVI en la India, Japón y China.
Obras:
o Madonna de Nuremberg, en madera.
o Sepulcro del elector Federico de Sajonia.
Unifica conceptos renacentistas (prestigio) con ideas cristianas (caballerosidad)
Obras:
o Altar de la capilla de los Fúcares en Augsburgo
o Relieve de Maximiliano I como San Jorge.
(1486 –1517)
Adolf Daucher
(1460 –1523)
Gran arraigo del gótico medieval.
Existe un ambiente general de admiración por el Renacimiento, pero difícil de
trasladar a la escultura, que no llega a perder la expresividad y realismo del
gótico muy del gusto alemán.
Gran influencia del protestantismo y su aversión por las imágenes.
Inglaterra
Conceptos generales
Pietro Torrigiano
(1472 –1522)
Situación general similar a la alemana:
o Tradición gótica
o Influencia de la Reforma en cuanto a la escultura
o Influencia del anglicanismo, que sólo pone interés en la estatuaria
funeraria.
Escasa tradición estatuaria
Carácter violento. Recala en Londres huyendo por la pelea con Miguel Angel.
Obras:
o Sepulcro del Dr. Young
o Tumba de Enrique VII
5. ESCULTURA DEL SIGLO XVI EN ESPAÑA.
Conceptos generales
Tradición gótica tardía, dentro del llamado estilo Reyes Católicos.
Causas: para la aparición de lo renacentista en la península ibérica en los
últimos años del siglo XV.
o Fuerte relación e interés de la monarquía de los Reyes Católicos con
Italia. La Corona de Aragón tiene desde tiempo atrás una fuerte
presencia en Italia con todos sus intereses en Nápoles y Sicilia.
o Tras la toma de Granada en 1.492, hay un interés evidente por parte
del poder real de cristianizar fuertemente aquel territorio con obras de
todo tipo que atraerán a numerosos artistas a esta nueva localidad
o Por la novedad intelectual y culta de ciertos sectores de la nobleza y
el clero.
Vehículos para la introducción del Renacimiento:
o Presencia de artistas italianos tanto en Castilla como en Aragón
o Importación de obras desde Italia.
o Emigración de pintores y escultores a Roma o Florencia.
El Renacimiento evoluciona en España desde la minuciosidad plateresca para
pasar desde un purismo a un romanismo fuertemente manierista.
La escultura de madera policromada y estofada es lo propio y común de la
escultura española del siglo XVI, aunque puntualmente se utilizan otros
materiales, como el bronce o la piedra con carácter ornamental en las fachadas
de los edificios, el mármol y el alabastro en monumentos funerarios y aun
retablos en Aragón.
Obras importadas
de Italia
Domenico Fancelli
( 1469 - 1519)
Sepulcro del cardenal Mendoza en la catedral de Toledo (¿Sansovino?). Primera
obra renacentista en España.
Sepulcros de los marqueses de Tarifa (Cartuja de Sevilla),
Mármoles de La Calahorra.
Mármoles y esculturas de la Casa Pilatos, en Sevilla.
Sepulcro de D. Ramón de Cardona.
Cerámicas de Luca della Robbia.
Virgen de Granada, en la Catedral.
Muestra formas del Quattrocento.
Obras:
o Sepulcro del arzobispo Mendoza, sobrino del cardenal, en la Catedral de
Sevilla (carácter parietal)
o Monumentos del Príncipe Don Juan, en Santo Tomás de Avila. (Tipo
túmulo)
o Monumento de los Reyes Católicos en Granada. (Tipo túmulo)
Pietro Torrigiano
(1472 –1522)
Jacobo Florentino
(1472 –1522)
Llega a Sevilla procedente de Londres.
Obras:
o San Jerónimo. (Barro cocido)
o Virgen con el Niño. (Barro cocido)
Mas conocido por “El Indaco”. Trabaja en Granada.
Obras:
o Anunciación, en la sacristía de la Capilla Real de Granada.
o Santo Entierro en Granada (se le atribuye).
6. LOS AGUILAS.
Felipe Vigarny
(¿1475? – 1543)
Bartolomé
Ordóñez
Diego de Siloé
(1495– 1563)
Juan de Juni
(¿1507? –1577)
Nacido en Borgoña, llega a Burgos en 1498.
Introductor del clasicismo en Castilla.
Obras:
o Relieves de la girola de la Catedral de Burgos. (Comparte el
enmarcamiento gótico con detalles renacentistas).
o Retablo mayor de la capilla real de Granada. (madera policromada con
relieves y figuras de bulto llenas de movimiento).
o Mitad de la sillería alta del coro de la Catedral de Toledo. (la otra mitad
la terminó Berruguete).
Fuerte estilo italiano con formas miguelangelescas.
Trabajó en Nápoles y después en Barcelona, donde trabaja tanto el mármol como
la madera.
Obras:
o Sepulcro doble de Felipe el Hermoso y la reina Juana
o Sepulcro del Cardenal Cisneros (Alcalá de Henares).
Burgalés, formado en Italia. Más conocido como arquitecto que como escultor.
Trabaja con Ordoñez en Nápoles.
Con Vigarny trabaja en la Capilla del Condestable, en la Catedral de Burgos.
Obras:
o Escalera dorada, de la Catedral de Burgos.
o La Sagrada familia con San Juan, en Valladolid. (Talla sin policromar)
o Sepulcro de Alonso de Fonseca, en Las Ursulas de Salamanca.
o Retratos orantes de los Reyes Católicos, en la Capilla Real de Granada.
De origen francés. Trabaja en Valladolid fundamentalmente.
Capta la esencia de lo español, superponiéndolo a lo italiano y a lo francés.
Composición voluminosa, ancha, paños amplios y movidos, detallismo en los
rostros.
Obras:
o Retablo de La Concepción, en Medina de Rioseco.
o El Santo Entierro (Museo de Valladolid)
o Retablo de la Antigua, en la Catedral de Valladolid.
o Virgen de Las Angustias, o de los cuchillos.
Alonso de
Berruguete
Damián Forment
(1480– 1540)
Otros autores
españoles
El mejor escultor español del Renacimiento.
Formado en Italia (Florencia y Roma).
En España trabaja para Carlos V de por vida en la Chancillería de Valladolid.
Características de su obra:
o Potencia y movimiento (influencia de Miguel Angel)
o Estudio de los rostros (influencia de Leonardo)
o Alargamientos y cánones manieristas.
o Gusto por el dolor. Realismo.
o Fuerza interior de sus personajes expresada a través del rostro,
anatomía, retorcimientos, ausencia de proporciones, etc, de
impresionante efecto emotivo.
o Frecuentes incorrecciones que se suplen con estofados y policromía.
Obras:
o Retablo de San Benito, en el que destacan sus obras maestras San
Sebastián y el Sacrificio de Isaac.
o Retablo de La Mejorada, de Olmedo.
o Conjunto de La Transfiguración (en alabastro), en la Catedral de
Toledo.
o El Salvador, de Ubeda.
o Mitad de la sillería alta de la Catedral de Toledo.
o Sepulcro del Cardenal Tavera, en Toledo. Su única obra conocida en
mármol.
Centra su trabajo en Aragón
Trabaja en alabastro, especialmente en retablos con expositor en lo alto.
Obras:
o Retablo del Monasterio de Poblet
o Retablo de la Basílica del Pilar
o Retablo de la Catedral de Huesca.
Gabriel Joly. Aragonés de origen francés (Retablo de la Catedral de Teruel).
Vasco de la Zarza. (Sepulcro de El Tostado, en la Catedral de Avila).
Becerra. (Retablo de la Catedral de Astorga).
Anchieta. (Retablo de la Catedral de Santa María de Tafalla).
Escultores en El Escorial:
o Leo Leoni. Trabajó en Milán (Escultura en bronce de Carlos V
dominando el furor)
o Pompeyo Leoni. Trabaja en España, en ocasiones terminando obras
dirigidas por su padre. (Grupos orantes de Carlos V y Felipe II en la
Iglesia de El Escorial; los Enterramientos reales a ambos lados del
presbiterio, sobre trazados de Herrera; Sepulcro de la infanta Juana de
Austria, en Las Descalzas Reales, de Madrid.
BIBLIOGRAFÍA:
VIÑUALES GLEZ. J. M.: Unidad Didáctica Historia del Arte Moderno. Volumen II. Madrid, 2004.
NIETO ALCAIDE, V.: El arte del Renacimiento. Historia 16, Madrid, 1996.
Internet.
ESQUEMA REALIZADO POR: Mercedes Portero. Albacete.
TEMA 2-4
Pintura italiana del Cinquecento
1. PANORAMA HISTÓRICO
EL RENACIMIENTO
El Renacimiento comienza en Italia en el siglo XV
Su mayor desarrollo es en Florencia, al inicio del mismo,
aparecen artistas que van desarrollar en su obra las
características propias del estilo renacentista.
El nombre se debe al escritor y pintor Giorgio Vasari, (15111574), quien realizará un famoso libro de biografías de
artistas de la época llamado " Vidas", acuña en el 1550 el
término Rinascita como resurgimiento de la tradición clásica
grecorromana.
PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS
HUMANISMO:
Revalorización del hombre y su obra.
El hombre considerado culto tiene amplio conocimiento de ciencias, artes,
técnicas, filosofía.
NATURALISMO:
Aparece en las obras la representación de la naturaleza preocupación de
respetar las proporciones y la morfología, logrado a través de: análisis +
observación.
Se evidencia gran esfuerzo por representar la anatomía.
RACIONALISMO:
La realidad comprendida a través de la razón.
En representación del espacio se desarrolla la perspectiva geométrica,
• se aplica principio a los fondos arquitectónicos de las pinturas.
• Los edificios renacentistas fueron (a veces), pintados antes que
construidos.
En la representación de las figuras hay síntesis geométrica
Las composiciones se basan en figuras geométricas regulares:
• Círculos,
• Cuadrados,
• Triángulos equiláteros
• Isósceles.
UNIVERSALISMO:
Se tratan temas válidos cualquier época y cultura por ser:
• Inherentes al género humano.
IDEALIZACIÓN:
Se representa la idea perfecta de cada ser, persona o cosa.
No aparecen imperfecciones ni deformidades.
ORDEN, PROPORCIÓN y ARMONÍA:
Que transmitan serenidad + mesura + equilibrio, … etc.
PERFECCIÓN:
En el acabado de las obras + su técnica + tratamiento de los detalles.
CARACTERÍSTICAS
SOCIOECONÓMICAS
DEL SIGLO XV
o
Cinquecento.
o
Características:
o
o
o
o
o
o
o
o
o
o
o
Auge de las ciudades-estado italianas con modos
de gobierno diferentes y autónomas.
Formación de las nacionalidades en Europa.
Fortalecimiento económico de la burguesía que:
• Comienza a realizar encargos particulares a los
artistas,
• a los que se suman las de los de los gremios +
asociaciones + gobierno comunal.
Surge el mecenazgo = contrato casi de
exclusividad, realizado por un protector pudiente =
el mecenas con un artista.
Momento culminante en la pintura del proceso
renacentista.
Se alcanza la síntesis entre el mundo clásico y el
cristianismo.
Se rinde culto a la belleza manifestada a través del
equilibrio, la grandiosidad y el orden.
El ideal de belleza encuentra su manifestación más
importante en el desnudo humano, sobre todo en el
femenino.
Se busca la simplificación de los temas eliminando Io
anecdótico.
Composiciones piramidales o geométricas: una sola
escena de pocas figuras monumentales o bien destacan
la escena y la figura principales.
Predomina el color sobre el dibujo.
Se utiliza la perspectiva aérea: los contornos de las
figuras más alejadas parecen disolverse en la atmósfera.
Se concede importancia a la luz y a la sombra: la luz
tiende a borrar el perfil de las figuras.
Las figuras pierden el carácter escultórico anterior.
Se alcanza un rico y variado movimiento.
Los paisajes ofrecen grandes matizaciones por los
efectos de luz. Las arquitecturas alcanzan también una
gran monumentalidad, aunque se emplean no tanto como
fondo sino para realzar la monumentalidad de las figuras.
Gran auge del retrato tanto físico como psicológico.
2. LEONARDO (1452-1519). MODELO Y MITO DEL RENACIMIENTO.
Escuela florentino-romana
o
o
o
o
o
o
o
o
Prototipo del hombre del Renacimiento: humanista y polifacético, destacó
principalmente como pintor trabajando en Florencia, Roma, Milán y Francia en
donde muere.
Se inició en el taller de VERROCHIO e incluso colaboró en algunas obras de su
maestro (Bautismo de Cristo) .
A pesar de partir del estudio directo, de la experimentación, llega a alcanzar una
concepción ideal y arquetípica. Parte del principio de que la pintura no puede
alcanzar el ideal de belleza si no deriva de un sistema compositivo integral sometido
a reglas y normas. Plantea la necesidad de una síntesis de todos los componentes
de la pintura: composición, perspectiva, proporción, luz y color.
Creador del “sfumato” o “difuminado” los perfiles se desdibujan fundiéndose figuras y
espacio en una misma atmósfera. Esto se consigue mediante el paso gradual de la
luz a las sombras, de los colores vivos a los apagados. El contraste de luces y
sombras da volumen a las figuras. Para Leonardo toda cosa lejana al pintor debe ser
considerada como inmersa en el aire, el cual tiende a dulcificar los contornos, a
fundir las masas, a tonalizar el color.
Composiciones piramidales en las que las figuras aparecen totalmente relacionadas
entre sí.
Estudia las figuras humanas tanto psicológica como anatómicamente. Representa
una gran variedad de tipos y movimientos.
Los rostros presentan una dulce y enigmática sonrisa.
Su concepción del claroscuro como una lenta fusión del negro y del blanco y no
como una lenta gradación de tonos coloreados, será el origen del tenebrismo
barroco.
Principales obras:
Anunciación.
San Jerónimo.
Adoración de los Magos.
Virgen de las Rocas
La Última Cena. Convento de Santa María de las Gracias. Milán.
Santa Ana, la Viren y el Niño.
3. AUTONOMÍA DEL RETRATO:
Gneralidades
Los retratos de Leonardo, son tomados del natural en dibujos previos,
caracterizados por:
la minuciosidad del detalle,
El sfumato donde el fondo oscuro imprime a las figuras efectos
volumétricos.
que inician la renovación retratística emprendida por Leonardo.
Obras:
El músico,
La dama de la redecilla de perlas,
La dama del armiño (Cecilia Galerani) y
la Belle Ferronnière
La Gioconda, Museo del Louvre. Mejor ejemplo del sfumato
La Dama de Liechtenstein
4. MIGUEL ÁNGEL Y LA CRISIS DEL RETRATO CLÁSICO:
Caracteristicas:
o
o
o
o
o
Muy influido por su carácter de escultor.
Predominio dibujo: volúmenes netos y bien definidos.
El tema básico es la figura humana:
Gran fuerza tanto física como espiritual.
modelos de formas
Gran interés por la anatomía.
Gestos dramáticos: TERRIBILITÁ
gran variedad de actitudes prefiriendo las que manifiestan un equilibrio
Dinámico, los escorzos; dinamismo, riqueza de movimientos.
Elimina casi totalmente el paisaje,
Prepara el camino para el Manierismo.
Obras:
Sagrada Familia (Tondo Doni),
Bóveda de la Capilla Sixtina:
• En la parte inferior ha dispuesto figuras de profetas y sibilas;
• en la parte central de la bóveda se representan escenas del Antiguo Testamento.
Juicio Final de la Capilla Sixtina.
5. RAFAEL Y LA HISTORIA (1483-1520)
ETAPAS:
o
o
o
o
Aúna el realismo y el idealismo.
Figuras con gestos de dulzura Y elegancia.
Dibujo preciso y colores claros.
Recibió influencias de PERUGINO, LEONARDO y MIGUEL ANGEL.
Primera etapa (1499-1504).
Influencia de Perugino.
Figuras blandas, de suave modelado y mirada ensoñadora.
Composiciones simétricas y ordenadas en amplios escenarios.
OBRAS:
•
•
•
•
Desposorios de la Virgen.
El sueño de un caballero.
Coronación de la Virgen
Retablo de colonna
o
Segunda etapa: Florencia (1504-1508).
influencia de Leonardo, uso del sfumato,
Colores cada vez más suaves y transparentase,
Temas: Virgen con el Niño, Virgen de aspecto melancólico con fondos de
paisajes.
Retratos: idealización.
• Sagrada Familia del Cordero. Museo del Prado.
OBRAS:
• Virgen del Gran Duque.
• La Bella Jardinera.
• Mujer con unicornio.
• Magdalena Doni.
•
o
Tercera etapa: Roma (1508-1520).
Influencia de Miguel Angel. Figuras más robustas y monumentales.
Composiciones amplias de grandes espacios.
En los retratos fusiona la figura con la atmósfera difuminando los contornos.
OBRAS:
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
Sala de la Segnatura: Escuela de Atenas,
Disputa del Sacramento.
Frescos del Vaticano
Sala de Heliodoro:
Liberación de San Pedro.
Expulsión de Heliodoro.
La Misa de Bolsena.
Sala del Incendio:
El incendio del Borgo.
Logias.
Virgen del Pez.
Sagrada Familia del Roble.
El Cardenal. Museo del Prado.
6. LA PINTURA SENSUAL DE CORREGIO (1489 -1534)
ESCUELA DE PARMA:
o
o
o
o
Figuras delicadas, sensuales: preferentemente mujeres y niños.
Colores claros envueltos en una luz blanquecina.
Violentos escorzos: movimiento, inestabilidad.
Puede ser considerado como un pintor manierista. Ilusionismo pictórico que influirá en el
Barroco.
Noli me tangere. Museo del Prado.
Frescos de la cúpula de San Juan. Parma
Ganimedes.
Júpiter e Io.
7. EL AMBIENTE VENECIANO: OTRO TIPO DE CLASICISMO:
•
•
•
•
•
•
•
Su característica distintiva es el predominio del color sobre la línea y el dibujo. Tonos
cálidos y brillantes aplicados en pinceladas anchas que desdibujan los contornos.
Grandes y lujosos escenarios: se concede la misma importancia al tema principal que a los
detalles secundarios.
Exaltación de la riqueza veneciana.
Anacronismos.
El mecenazgo estatal y privado como causa principal de la independencia de su evolución
artística.
Mantenida al margen de los grandes cambios económicos gracias a su habilidad política,
Venecia consigue en el S. XVI mantener su esplendor y produce contemporáneamente al
panorama crispado del Manierismo del resto de Italia, un arte de fuerza serena, equilibrada
sensualidad y goce inmediato de la realidad.
GIORGIONE ( 1447-1510):
o
o
o
o
o
o
o
Iniciador de la escuela veneciana del siglo XVI.
Parte de la ejecución directa de los cuadros, sin hacer dibujo previo.
Funde la luz y el color el claroscuro lo consigue mediante las tonalidades no mediante el contraste
del blanco y el negro.
Representa con frecuencia el desnudo femenino, introduce el tema de Venus en reposo.
Gran protagonismo del paisaje el que se integra la figura humana.
Preocupación por la atmósfera que rodea a las figuras de un cierto aire de misterio
Revaloriza los detalles.
OBRAS:
Virgen de Castelfranco.
La tempestad.
El concierto campestre
Venus dormida.
8. TIZIANO Y EL CLASICISMO CROMÁTICO (1490-1576):
o
o
o
o
o
o
o
o
Principal representante de la escuela veneciana. Fue el pintor más estimado por Carlos I.
Gran colorista: el color es el elemento principal del cuadro. Emplea muchos tonos de pocos
colores.
Evoluciona desde su inicial preocupación por el color y los contrastes lumínicos hasta su
preocupación por el movimiento, la perspectiva y los contraste: de luces y sombras.
También evoluciona su tipo de pincelada: de una pincelada uniforme a otra pastosa y que
parece deshacer las formas. Al final de su vida las pinceladas son casi impresionistas. El color y
la luz eliminan el dibujo.
Idealiza las figuras: formas blandas y redondeadas.
En sus composiciones abundan las diagonales y las formas ondulantes (serpentinatas). Anticipa
el Barroco.
Reproduce un ambiente lujoso.
Retratos:
Son una de sus facetas más destacadas.
Crea los tipos de retrato oficial: de tres cuartos, ecuestres, sedentes.
Posturas elegantes y refinadas.
Importancia de los elementos secundarios.
Capta la de los personajes.
• Carlos V en la batalla de Mühlberg. Museo del Prado.
• Felipe II Museo del Prado.
• Isabel de Portugal, Mº del Prado.
• Autorretrato.
OBRAS:
Religiosos
- Llega a alcanzar un profundo dramatismo.
• Ecce Homo
• Entierro de Cristo. Mº del Prado
• La coronación de espinas
• La Asunción.
• Noli me tangere
Mitológicos:
- Trata los temas con sensualidad: desnudos
femeninos de formas llenas y coloridos cálidos.
• Bacanal. Mº del Prado.
• Venus y la música. Mº del Prado.
• Venus y el Amor.
• Danae.
• Venus de Urbino.
• Adán y Eva
9. LA ESCENOGRAFÍA EN EL ARTE DE TINTORETTO (1518-1594):
o
o
o
o
o
o
Busca más lo expresivo que la belleza formal.
Mezcla el colosalismo y dramatismo de Miguel Angel y el color de Tiziano.
Se caracteriza por las luces violentas, los contrastes de luz los escorzo forzados, las
actitudes violentas e inestables, las insólitas perspectivas, el movimiento, las
composiciones en diagonal.
Los cuadros están llenos de luces centelleantes.
Perfila las figuras con lo que consigue captar mayor relieve y patetismo en las figuras.
Anticipa en muchos aspectos al Barroco.
OBRAS:
El lavatorio Mº del Prado
Milagro de San Marcos. ó
Encuentro del cuerpo de San Marcos
Traslación del cuerpo de San Marcos.
Judith y Holofernes.
Bautismo de Cristo.
Venus y Vulcano.
Baco y Ariadna.
Caballero de la cadena de oro.
Susana y los viejos.
10. EL VERONÉS. CLASICISMO Y LAICISMO (1528-1588)
Es el que mejor capta el lujo y la fastuosidad de Venecia.
Monumentales escenarios arquitectónicos.
No concentra la atención en el tema principal debido a la gran importancia que otorga a lo anecdótico.
Gran colorista: prefiere los tonos gris plata a los colores intensos.
Reproduce la vida veneciana incluso cuando trata temas religiosos.
o
o
o
o
o
OBRAS:
Jesús ante los doctores. Mº del Prado.
Noli me Tangere.
Bodas le Canaa
Moisés salvado de las aguas, Mº del Prado.
Joven entre el vicio y la virtud.
Susana y los viejos. Mº del Prado.
11. RUPTURA DEL MODO VENECIANO. BASSANO:
o
o
Gusto por lo anecdótico: el tema principal queda reducido un simple pretexto (tenebrismo).
Efectos del claroscuro, origen del tenebrismo barroco.
OBRAS:
El arca de Noé. Mº del Prado.
La adoración de los pastores. Mº del Prado.
BIBLIOGRAFÍA:
•
Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD Jose Enrique García Melero UNED Madrid 2004
•
Hartt, F- ARTE Hª de la Pintura Escultura y Arquitectura. Akal. Madid 1989
•
HISTORIA DEL ARTE.. Diego Angulo Iñiguez Distribuidor_ EISA. Madrid 1966
•
ULLMMAN Y KÖNEMANN. El Arte en la Italia del renacimiento... Ullmman and Könemann. Colonia 2007.
ESQ UEMA REALIZADO POR: Rosa Mª de la Torre Tercero (Centro Asociado de ELCHE)
FOTOS:
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1012.htm
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/gal3451-11.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento
http://www.arteguias.com/renacimiento.htm
http://www.museothyssen.org/thyssen/coleccion/recorridos7.html
http://dzunum.iespana.es/Galeria%20de%20Arte.htm
TEMA 2-5
Pintura manierista italiana
1. La Reforma y la crisis del Renacimiento: El manierismo
Caracteres Generales
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
•
Surge a fines del último tercio del siglo XVI prolongándose hasta el primer decenio del
siglo XVII, fue juzgado peyorativamente hasta su revalorización por la crítica del siglo XX.
Es el arte de una época de crisis refleja la y profundas contradicciones: refleja la crisis
religiosa y política de fin de siglo.
Su nombre deriva de la expresión italiana “alla maniera de ...” ya que los artistas de esta
corriente intentan imitar el estilo o “maniera” de los grandes maestros renacentistas, pero
amanerando y exagerando sus formas.
Supone el rechazo del ideal de belleza del Renacimiento: se abandona la serenidad, el
equilibrio. La claridad compositiva del periodo anterior.
Estilo subjetivo, artificioso, resultado de una elaboración intelectual. Esto hace que los
destinatarios de este arte sean los cortesanos e intelectuales pues resultaba demasiado
complicado y de difícil comprensión para el pueblo.
No toma sus modelos de la realidad sino de los grandes maestros anteriores. Por eso cae
en un profundo conceptualismo e irrealismo.
Resalta lo emocional, la expresividad y el dramatismo,
Las figuras presentan ritmos ondulantes, son alargadas y esbeltas con violentos escorzos
y posturas inestables. Aparecen deformadas con el fin de aumentar su expresividad.
Las composiciones rompen con la perspectiva renacentista y con la disposición,
equilibrada; preferentemente desplazan el tema principal hacia un rincón o hacia el fondo;
resultan inverosímiles e inusitadas.
Colores arbitrarios: vivos, estridentes, fríos.
La luz resulta extraña y convencional.
En resumen:
1. Influencia de los grandes maestros.
2. Pocas figuras.
3. Idealismo y dramatismo.
4. Retrato aristocrático.
5. Imitación y originalidad imaginativa.
6. Luces y composiciones inusitadas.
7. Fantasía.
-
2. PINTURA DE LOS MANIERISTAS FLORENTINOS: LOS INICIADORES
FLORENTINOS: FRA BARTOLOMEO DELLA PORTA Y ANDREA DEL SARTO.
BARTOLOMEO DELLA PORTA
Retrato de Savonarola c. 1498
Óleo sobre tabla.
Museo de San Marco, Florencia
La aparición de la Virgen
a San Bernardo 1504
Óleo sobre tabla.
Uffizi, Florencia
Fra Bartolommeo. Fra
Bartolommeo Baccio
della Porta
Nacionalidad: Italia
Florencia 1475 - Pian di
Mugnone 1517
Pintor
Estilo: Renacimiento
Italiano
Escuela: Cinquecento
Tras obras:
Piedad c. 1515
Óleo sobre lienzo.
Uffizi, Florencia
Noli me tangere
Navidad del Señor.
Navidad del Señor.
1.
2.
Noli me Tangere
3.
4.
Anunciacion
La Sagrada Familia de Roma de
la Galería Borghese.
La piedad (Piti)
Desposorios Místicos.
ANDREA DEL SARTO
1. La Natividad de la Virgen
1513
Fresco. Annunziata, Florencia
Andrea
del
(1486-1530).-
2.La Madonna de las Arpías 1517
Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia
3.La Madonna del Saco 1525
Fresco. Annunziata, Florencia
4. La disputa sobre el misterio de la Trinidad
1517. Óleo sobre tabla. Palacio Pitti, Florencia
2. Andrea del Sarto. Piedad 1523
Pintura sobre tabla.
Palazzo Pitti, Florencia
5. Retrato de Lucrecia di Baccio 1513-14
Óleo sobre tabla. Museo del Prado
6. utorretrato ?
Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia
Sarto
i. Andrea del Sarto. Andrea
d´Agnolo di Francesco
ii. Nacionalidad: Italia
iii. Florencia 1486 - Florencia
1530
iv. Pintor
v. Estilo: Renacimiento Italiano
vi. Escuela:
Cinquecento
,
Escuela Italiana
Sus
únicas
obras
documentadas son:
1. el Palacio de los
Cónsules en Gubbio,
que se inició en 1532, y
2. el Ayuntamiento de
Cittá di Castello.
Los frescos:
3. La Natividad de la
Virgen de 1514 y
4. La Madonna de las
Arpías (1517) de corte
clásico (Similitud con la
Escuela de Atenas de
Rafael.
5. la Virgen de Saco de
(1525) se encuentran en
Santa
Annunziata
de
Florencia y en ellos se
aprecian claramente las
características
del
Renacimiento. Otras obras
interesantes son
6. la Sagrada Familia,
su tema favorito.
7. Retratote
Lucrecia
del Baccio, (su mujer1518)
8. La Piedad.
3. EL SEGUNDO TERCIO DEL SIGLO XVI: FLORENCIA: EL PONTORMO. ROSSO.
EL BRONZINO.
JACOPO
PONTORMO
Pontormo.
Virgen con el Niño y dos santos
1522
Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia
Jacopo Pontormo (1494-1555)
Pontormo. Jacopo Carucci
Nacionalidad: Italia
Pontorme (Florencia) 1494 Florencia 1557
Pintor
o
o
o
Pontormo. Descendimiento
c. 1528
Óleo sobre lienzo. Cappella
Capponi, Sta Felicità, Florence
Pontormo.
Cosme el Viejo
c.1520
Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia
Pontormo.
Alabardero
1530s
Óleo sobre
lienzo. J. Paul Getty Museum, Malibu
Pontormo.
María Salviati
1537
Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia
Figuras
alargadas
de
actitudes forzadas.
Atmósfera
fantástica
y
misteriosa.
Rompe la unidad de acción
desarrollando
varias
acciones simultáneamente.
1. Sagrada Familia.
2. Madonna con Niño,
San José y Juan
Bautista.
3. Virgen en el trono son
Santos (similar a la de
Andrea del Sarto)
4. Frescos
de
la
Pasión de la Cartujade
Val
D´Ema
(alargamiento figurativo)
5. Descendimiento
(Florencia)
verdadero
manifiesto
de
manierismo.
6. Cosme
el
viejo.
(Uffizi)
7. irgen en el trono con
santos – Frescos de
la villa de Poggio a
Caiano…
BRONZINO
Agnolo
1572),
•
•
•
•
•
Bronzino
(1503-
Bronzino, Angiolo
Nacionalidad: Italia
1503 - 1572
Pintor
Estilo: Renacimiento Italiano
Nacido en la órbita del Cinquecento,
evolucionó con velocidad hacia el
nuevo estilo, el Manierismo, que se
introduce con Rafael y Miguel Angel.
Bronzino. Ugolino Martelli
c. 1535
Óleo sobre tabla.
Staatliche Museen, Berlin
Bronzino. Leonor de Toledo y su hijo
1544-45
Óleo sobre tabla.
Uffizi, Florencia
Entre sus obras podemos citar:
1. Leonor de Toledo y su
2.
3.
4.
hijo.
Venus abrazada
cupido.
Descendimiento
Noli me tangere
por
Bronzino. Bartolomeo Panciatichi
c. 1540
Témpera sobre tabla.
Uffizi, Florencia
Bronzino. Panciatichi
c. 1540
Óleo sobre tabla.
Uffizi, Florencia
Bronzino.
Guidobaldo della Rovere con su perro
1530-32
Óleo sobre tabla.
Palacio Pitti, Florencia
Bronzino. Venus abrazada a Cupido
1540-45
Óleo sobre tabla.
National Gallery, Londres
Rosso
1540),
Fiorentino
(1495-
Rosso Fiorentino (1495-1540).• Rosso Fiorentino. Giovanni Battista
Di Iacopo De Rossi:
• Nacionalidad: Italia
• Florencia 1495 - Fontainebleau
1540
• Pintor
1. La Asunción de la Virgen,
2.
3.
a
4.
5.
6.
7.
8.
realizada para completar el ciclo
iniciado por Andrea del Sarto para
el claustro de Annunziata.
Los Esqueletos
La
Virgen
con
cuatro
santos que se conserva en la
Galería de los Uffizi y
El descendimiento de la
cruz, una de sus creaciones
maestras de juventud.
Descendimiento de la Cruz.
Los desposorios de la
Virgen
Angel Musico
El Moisés y las hijas de
Jetró, en esta última obra se
reflejan ciertas repercusiones de
Miguel Angel, aunque le supera
en el manierismo de las figuras.
- Formas estilizadas y elegantes.
- Retratos.
•
•
Descendimiento. Obra que se
encuentra en Volterra. Es un
cuadro de altar, que recuerda a
una obra cubista. Los colores
son planos geométricos. Altera
los volúmenes del cuerpo. Es un
artista que se adelanta a su
tiempo. El cuadro huye del
centro. Un personaje subido a la
escalera parece no estar
apoyado en nada.
Ángel músico. El ángel posee
una enorme belleza.
ROSSO
FIORENTINO
Rosso Fiorentino.
Virgen con el Niño y santos
1518
Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia
Rosso Fiorentino.
Virgen en el trono y santos
1522
Óleo sobre tabla.
Palacio Pitti, Florencia
Rosso Fiorentino.
Descendimiento
1521
Óleo sobre tabla.
Catedral, Volterra
Rosso Fiorentino.
Moisés y las hijas de Jetró
1523-24
Óleo sobre lienzo.
Uffizi, Florencia
Rosso Fiorentino.
Angel músico
4. Roma: Sebastiano del Piombo. Volterra. Vasari.-
Sebastiano
Piombo.
del
•
Sebastiano del Piombo.
Sebastiano Luciani
• Nacionalidad: Italia
• Venecia 1485 - Roma
1547
• Pintor
• Estilo:
Renacimiento
Italiano
• Escuela:
Venecia
,
Escuela Italiana
Se formó en Venecia,
recibiendo:
• La influencia de Bellini
y
• Las enseñanzas de
Giorgione, con quien se
confunden a veces sus
obras.
Entre sus obras podemos
citar:
1. Polifemo de Villa
Franesina. Galatea
Rafael.
2. Piedad de Viterbo inspirado Miguel Ángel.
3. Resurrección
de
Lázaro. Ayuda de
Miguel Ángel.
4. Dama de Berlin.
5. Clemente
VII
(Capodimonte)
6. Bajada al Limbo.
7. Cristos con la cruz
SEBASTIANO DEL PIOMBO
Sebastiano del Piombo. Polifemo
1512-14
Fresco. Villa Farnesina, Roma
Sebastiano del Piombo.
Muerte de Adonis
1511-12
Óleo sobre lienzo. Uffizi, Florencia
Sebastiano del Piombo. Piedad
1517
Tabla. Museo Cívico de Viterbo
Sebastiano del Piombo.
Resurrección de Lázaro 1517-19
Óleo sobre lienzo.
National Gallery , Londres
Sebastiano del Piombo. Dama
1512-13
Gemäldegalerie. Berlín
Sebastiano del Piombo. Clemente VII
Óleo sobre lienzo. Nápoles. Italia.
Museo e Gallerie Nazionali di Capodimonte.
Volterra.
•
•
•
•
•
•
Daniele da Volterra. Daniele
Ricciarelli
Nacionalidad: Italia
Volterra 1509 - Roma 1566
Pintor
Estilo: Renacimiento Italiano
Escuela: Cinquecento
1. cubrir las figuras desnudas que
Buonarroti pintó en la pared del
Juicio Final lo que provocaría el
apodo del "Braghetone".
2. El Descendimiento de Santa
3.
DANIELE DA
VOLTERRA
Volterra.
Anunciación
Tabla.
Museo del Prado
Volterra
Descendimiento
1541
Fresko
Kapelle Orsini
Trinità dei Monti,
Trinitá dei Monti 1541 (Mov. en zigzag)
La anunciación de la Virgen
(misma iglesia)
Vasari
•
•
•
•
•
•
Vasari, Giorgio
Nacionalidad: Italia
Arezzo 1511 - Florencia 1574
Pintor y arquitecto
Estilo: Renacimiento Italiano
Escuela: Cinquecento
En 1550 aparece publicada la primera
edición de las "Vidas de los más
sobresalientes
arquitectos,
escultores y pintores",
En 1560 Vasari regresa a Florencia
donde llevará a cabo el proyecto
arquitectónico de la planificación de los
Uffizi así como
1. la
reestructuración
y
decoración del "Palazzo
Vecchio".
2. decorando la Sala Regia
del Vaticano.
GIORGIO
VASARI
Vasari. Autorretrato
1566-1568
Óleo sobre tabla.
Galería de los Uffizi,
Florencia
5. Giulio Romano y Il Sodoma
GIULIO ROMANO
GIULIO ROMANO:
Giulio Romano.
Batalla del puente Milvio
1520-24
Roma, Vaticano
-
-
• Giulio Romano. Giulio Pippi
• Nacionalidad: Italia
• Roma 1492-99 - Mantua 1546
Los dibujos de Romano han sido muy
buscados por los coleccionistas.
Los grabados de la época sobre su obra
fueron una contribución significativa para la
difusión del estilo
Sus innovaciones en relación al clasicismo
del alto Renacimiento ayudaron a definir el
estilo definido como manierismo.
1. Batalla del Puente Silvio
2. La caída de los Gigantes
3. Banquete de Boda
Giulio Romano.
La caída de los Gigantes
1526-34
Fresco.
Palazzo del Té, Mantua
IL SODOMA
Il Sodoma.
Deposición de la Cruz
c. 1505
National Pinacoteca, Siena
Il Sodoma.
San Sebastián
1525
Óleo sobre lienzo.
Palacio Pitti, Florencia
IL SODOMA:
•
•
(1477-1549), pintor italiano
Con sus obras establece un puente
entre el estilo del final del
renacimiento y el manierismo.
1. Descendimiento
Cruz
2. San Sebastián
de
la
6. Parma. El núcleo parmesano: Parmigianino.
PARMIGIANINO
Parmigianino.
Autorretrato con espejo convexo
1524. Óleo sobre tabla
Kunsthistorisches Museum.
Viena. Austria
Parmigianino.
•
•
•
•
•
•
Parmigianino. Antea
1524-1527.
Óleo sobre lienzo.
Pinacoteca de Capodimonte. Nápoles
Parmigianino. Conde de San Segundo
1533/35.
Óleo sobre tabla.
Museo del Prado
Parmigianino.
Esponsales de Santa Catalina
1527-1531.
Óleo sobre lienzo.
The National Gallery. Londres
1. Pintó a los 118 años ,
el Bautismo de
Cristo,
Sin embargo, precisamente
de estos últimos años es una
de sus mejores obras:
1. la
Madona
del
Cuello Largo.
2. Matrimonio
Mistico de Santa
catalina
3. Visita de l Virgen
a Santa Isabel
4. Vulcano.
5. Marte y Venus.
6. sagrada
Familia
con Zacarias.
7. Virgen del cuello
largo.
8. Dama con tres
niños
Parmigianino.
Virgen del cuello largo
1534-40
Óleo sobre tabla.
Uffizi, Florencia
El Parmesano.Parmigianino
(El).
Francesco Mazzola
Nacionalidad: Italia
Parma 1503 - 1540
Pintor
Estilo: Manierismo
Formas
desmesuradamente
alargadas.
Perspectivas
insólitas.
Estilo refinado y e
ante
7. Lorenzo Lotto y Il Barocci.
LORENZO LOTTO
Lotto.
Pala de San Bernardino
1521
San Bernardino in Pignolo. Bergamo.
LOTTO, LORENZO
Lotto.
Micer Marsilio y esposa
Lienzo. Museo del Prado
•
Nacionalidad: Italia
•
Venecia 1480 -Loreto 1556 .
•
Pintor
•
Estilo: Renacimiento Italiano
Su obra es en la mayor parte
religiosa, aunque algunos de
sus
retratos
resultan
inquietantes por su perfección y
nerviosismo en la ejecución.
1. Pala de San Benedetto
2. Marsilio y esposa
Federico Barocci
IL BAROCCI
Barocci.
Descanso en la huida a Egipto
1570
Óleo sobre lienzo.
Museos Vaticanos
•
•
•
•
•
•
Fiori Da Urbino. Federico
Barocci
Nacionalidad: Italia
Urbino 1528-35 - Urbino 1612
Pintor
Estilo: Manierismo
Escuela:
1. Descanso en la huida a
Egipto
2. Nacimiento
Barocci.
Nacimiento
1597
Óleo sobre lienzo.
Museo del Prado
3. la pintura de los frescos
del Casino de Pío IV, que
se
encontraba
en
los
Jardines Vaticanos.
-
Escorzos, movimiento.
Efectos lumínicos, colorido
claro y rico.
8. Zuccaro, Tibaldi, Cambiasso y Arcimboldo.
Federico Zúccaro
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Zuccari, Federico
Nacionalidad: Italia
Sant´Angelo in Vado, Urbino 154243 - Ancona 1609
• Pintor
• Estilo: Renacimiento Italiano ,
Manierismo
FEDERICO
ZUCCARO
Zuccaro, Federico
1588
Óleo sobre lienzo.
Uffizi, Florencia
Tibaldi.
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PELLEGRINO
TIBALDI
Tibaldi. 1548
Adoración del Niño
Óleo sobre lienzo.
Galleria Borghese, Roma
Tibaldi, Pellegrino
Nacionalidad: Italia
Puria in Vasolda 1527 - Milán 1596
Pintor
Estilo: Manierismo
Escuela:
1. frescos
del
claustro
iniciados por Zuccaro.
2. bóveda
de
la
biblioteca
escurialense
3. Adoración del niño
Su estilo es claramente manierista y se
caracteriza por sus violentos gestos,
posturas forzadas y los grandes
contrastes de luces y sombras.
Luca Cambiasso en Génova
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•
LUCCA
CAMBIASSO
Cambiasso.
Muerte de Lucrecia
Lienzo.
Museo del Prado
Cambiaso, Luca
Nacionalidad: Italia
Moneglia 1527 - El Escorial 1585
Pintor
Estilo: Renacimiento Italiano
Manierismo
1. retrato de Lucrecia (
Giuseppe Arcimboldi:
ARCIMBOLDO
Arcimboldo.
La Primavera
Óleo sobre tabla.
Kunsthistorisches Museum,
Vienna
566
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Arcimboldo, Giuseppe
Nacionalidad: Italia
Milán 1527 - Praga 11-7-1593
Pintor
Estilo: Manierismo
1. La Primavera.
2. Aguas y Fuegos,
3. Verano e Invierno,
,
MANIERISMO:
• Se desarrolló en Italia desde 1520 hasta finales del siglo XVI. El término manierista se ha empleado fundamentalmente con
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dos significados distintos, debido a que en su origen se encuentra unido al término italiano "maniera", que se aplicaba para
designar a los artistas que eran meros imitadores de los grandes maestros, esencialmente Miguel Angel, Rafael y Leonardo,
tanto para los que eran considerados como imitadores de una forma fría e impersonal como aquellos que incluían algún matiz
creador u original.
Se empleaba por tanto la expresión "manierista" con la significación equivalente a modo o manera, y como tal los artistas
que así eran designados se englobaban dentro del Renacimiento. Esta idea surgió a partir del siglo XVII, en que Bellori y
otros opinaron que el manierismo era un movimiento de ínfima calidad, que se producía después del Renacimiento clásico.
En el siglo XX se inició su valoración, sobre todo debido a autores como Hauser y Dvorak, que han dado forma a una
tendencia dominante que considera al Manierismo como un estilo artístico, independiente y con entidad propia. Es decir, se
ha pasado de una valoración peyorativa del término a una acepción mayoritaria que le define por una serie de valores
intrínsecos propios.
Simultáneamente a la evolución del significado del Manierismo, algunos investigadores han puesto de relieve que el
Manierismo no es sólo un estilo pictórico, como en principio se consideraba, sino que además hay que extenderlo a otras
manifestaciones artísticas, culturales y espirituales, como la arquitectura, la escultura, la literatura y la música.
El Manierismo supone, con respecto al renacimiento clásico, un distanciamiento que se empieza a producir a partir de la
fecha de la muerte de Rafael, 1520.
Esta quiebra en la armonía tiene su base en acontecimientos sociales, como fue la epidemia de peste de 1522, la invasión de
Italia por tropas francesas y españolas, el Saco de Roma en 1527, la ruptura en la unidad de la Iglesia con la Reforma
protestante, la crisis económica provocada por la introducción del racionalismo económico, el nacimiento de la concepción
científico-natural del mundo y la nueva forma de entender el patronazgo y la obra de arte.
El Manierismo ya se había iniciado en las últimas obras de Rafael y en toda la etapa final de Miguel Angel. La meta de los
artistas manieristas fue la ruptura de la unidad espacial y del equilibrio: el espacio lo entendieron como diverso y por tanto
con diferentes visiones. Frente al agrupamiento masivo de figuras se oponen espacios vacíos y los motivos principales pasan
a situarse en un segundo plano, mientras que los secundarios adquieren una capital importancia.
Dentro del Manierismo se han distinguido dos corrientes: el espiritualismo místico muy exacerbado, cuyo mejor
representante es el Greco, y el naturalismo panteísta, en el que las cosas reales aparecen muy detalladas, cuyo mejor
representante es Brueghel. Sin embargo estas dos tendencias no aparecen siempre separadas.
El manierismo puede ser definido como el mundo de las cosas reales, enmarcadas en un espacio ficticio. Se produjo desde
1520 hasta fines de siglo, en que adquirió fuerza el Barroco, estilo con el que tendrá una importantísima diferencia: mientras
que el manierismo se realiza exclusivamente para una clase social elevada, el Barroco es un estilo popular.
El Manierismo además coincide con el momento de internacionalización del Renacimiento, pues será a partir de 1520
cuando Éste se extienda por toda Europa.
El Manierismo es el producto de una sociedad escéptica y preocupada por el gozo y el refinamiento, sólo entusiasmada por
rodearse de belleza. Las obras de este período tendrán un marcado carácter subjetivo y antinaturalista.
La belleza no se descubre sólo mediante la simplicidad natural, sino creando un arte artificial en el que la naturaleza y la
imitación dejan de ser el modelo y el eje de la creación artística.
El ideal de belleza se forma en la mente del artista y es resultado, no de la imitación, sino de la especulación y el invento. Se
rechaza la pretendida superioridad del arte antiguo frente al consciente conocimiento y destreza del artista y a su libertad
creativa.
El Manierismo, fenómeno de origen italiano, sólo es entendible donde el lenguaje clásico se ha refinado y donde, como en el
caso de Italia y los artistas del alto Renacimiento, se han impuesto las bases de su superación.
Se extiende con facilidad por algunas cortes europeas, donde el gusto por la elegancia, lo complejo y lo sofisticado mantiene
la tradición tardo-gótica en el siglo XVI.
Son formas que comparten algunas características con las manieristas, pero a las que falta la experiencia clásica y la armonía
de la que parten los artistas italianos para sustituirla.
Difíciles de clasificar son las obras raras o con falta de conocimiento de las normas clásicas, o las que recogen elementos
manieristas y los incluyen dentro de tradiciones locales, en lugares que, como España, no han introducido y aceptado las
normas clásicas y dan lugar a formas híbridas de valoración distinta de la propiamente manierista.
La necesidad del manierismo de encontrar nuevas soluciones, sin valorar las del pasado, hizo indispensable el intercambio
de experiencias y la capacidad de enfrentarse con nuevas situaciones. Esto facilitó el encuentro con otras tradiciones y
culturas y contribuyó a la difusión de sus formas.´
ESQ UEMA REALIZADO POR: Rosa
Mª de la Torre Tercero (Centro Asociado de ELCHE)
BIBLIOGRAFÍA:
•
Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD Jose Enrique García Melero UNED Madrid 2004
•
Hartt, F- ARTE Hª de la Pintura Escultura y Arquitectura. Akal. Madid 1989
•
HISTORIA DEL ARTE.. Diego Angulo Iñiguez Distribuidor_ EISA. Madrid 1966
•
ULLMMAN Y KÖNEMANN. El Arte en la Italia del renacimiento... Ullmman and Könemann. Colonia 2007.
FOTOS: http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1012.htm
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/gal3451-11.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento
http://www.arteguias.com/renacimiento.htm
http://www.museothyssen.org/thyssen/coleccion/recorridos7.html
http://dzunum.iespana.es/Galeria%20de%20Arte.htm
TEMA 16
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Pintura del siglo XVI en los Países Bajos, Francia,
Inglaterra y Alemania
Pintura en los Países Bajos: La pervivencia de las formas góticas y la superposición del influjo
italiano: la pintura fantástica y alegórica, el retrato y el paisaje de horizonte alto.
Rivalidad artística entre las grandes ciudades comerciales. El mecenazgo burgués. Sus relaciones
con España.
La primera mitad del siglo XVI: Brujas: Adrian Isembrandt y Ambrosius Benson.- La escuela de
Amberes: Quentin Metsys (1465-1530), su expresionismo y su patetismo teatral. Marinus y las
escenas de género. El mundo visto a vuelo de pájaro: Los paisajes "soñados" de Joachín Patinir
(activo entre 1510 y 1524).- Escuelas de Haarlem, Leyden, Utrecht y Bruselas.
La segunda mitad del siglo XVI y la influencia del manierismo italiano: los paisajistas. Pieter Brueghel
el Viejo (1525/30-1569) y el paisaje costumbrista intelectual y dinámico. La miniaturización de las
figuras. "El triunfo de la muerte" (1562-1563).- El retrato: Minuciosidad en Antonio Moro (1519-1576).
Pintura en Alemania: Las relaciones comerciales y artísticas de la burguesía alemana de Colonia
con Venecia y Lombardía.
El retrato y el grabado en Alemania.
Alberto Durero (1471-1528) como teórico del Renacimiento: las "Instrucciones sobre la manera de
medir" (1525) y la "Teoría de las proporciones del cuerpo humano" (1528). Sus viajes a Venecia en
1494-1495 y 1505-1507. Los retratos realistas y los grabados de Durero.
Lucas Cranach el Viejo (1472-1553), pintor de la Reforma.- La expresión trágica en Matías
Grünewald (1475-1528): El retablo de Isenheim (1512-1515).- Albrecht Altdorfer (1480-1538) y sus
paisajes misteriosos.
Pintura en Inglaterra: El alemán Hans Holbein el Joven (1497/1498-1543), pintor de la corte de
Enrique VIII: Sus retratos italianizados y la penetración del clasicismo en Inglaterra.
Pintura francesa: Mecenazgo de Francisco I. Encuentro en Francia entre dos corrientes de signo
distinto: la italiana y la flamenca o la pintura mitológica y el retrato.
Fontainebleau y los manieristas italianos.
1. PINTURA EN LOS PAÍSES BAJOS
1.1. PERVIVENCIA DE LAS FORMAS GÓTICAS Y LA SUPERPOSICIÓN DEL
INFLUJO ITALIANO
LA PINTURA FANTÁSTICA Y ALEGÓRICA, EL RETRATO Y EL PAISAJE DE HORIZONTE
ALTO
El Renacimiento nórdico no es una ruptura, como el italiano, sino una evolución lógica por tantos
acontecimientos extraordinarios
Frutos del Renacimiento nórdico:
Primitivos flamencos: Justo de Gante, Van der Weyden…
Técnica del óleo
Vidriera gótica
Todo el occidente europeo imita como superiores las realizaciones italianas: las traducen a sus
idiosincrasias y, en algunos casos, las superan al ser Estados muy superiores (políticamente
sobre todo)
El Renacimiento pasa a Europa cuando en Italia ya bascula hacia el Manierismo:
La mayor parte de las veces, Europa sólo copia fórmulas integrándolas en viejas estructuras
Los acontecimientos (Reforma, potencia española, enfrentamientos entre grandes naciones),
ya han debilitado las bases ideológicas, humanísticas y culturales del Renacimiento
En Europa no hay un Renacimiento Pleno, sino un híbrido con residuos antiguos
(medievales) y novedades sin rigor del clasicismo renacentista
La entrada en la modernidad no se da hasta el Barroco, es decir, hasta que el hombre se
reconoce como individuo: influencia de las tesis erasmistas, es decir, del norte de Europa.
LOS PAÍSES BAJOS
Florece la industria y el comercio alrededor de Brujas y la Liga Hanseática: crecimiento económico
En el siglo XVI caen bajo el dominio del Imperio, al casarse Maximiliano I con María de Borgoña. Pasarán
a Carlos V y a Felipe II, independizándose los países del Norte de Flandes, tras las luchas religiosas, bajo
el nombre de Holanda.
Avances artísticos de los Primitivos Flamencos a los que los artistas del siglo XVI incorporan el impacto
del arte italiano:
• El óleo
• Disposición naturalista
• Elegancia de la corte borgoñona
• Aprecio por la miniatura
• Reproducción positivista de los objetos
• Clima preburgués, proclive al retrato
• Afición a la alegría, al símbolo y a lo fantástico
El erasmismo traduce el humanismo italiano en algo más racional que formal, más ideológico que
sensible y más individual que colectivo:
• La devoción por la Antigüedad clásica se conjunta con la atención a las raíces y a la
personalidad individual.
Simbiosis entre tradición y novedad en los países fuera de Italia: la estructura fundamental continúa
siendo gótica o medieval sin más:
• Influencia de los Primitivos flamencos (Van Eyck, Van der Weyden, Memling, el Bosco)
• Influencia italiana, con el máximo esplendor con la visita de Durero
1.2. LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XVI.
LA ESCUELA DE
AMBERES:
QUENTIN METSYS
(1465-1530)
Expresionismo y
patetismo teatral
MARINUS VAN
REYMERSWALE
(1509-1567)
Las escenas de
género
Los paisajes
“soñados”
JOACHÍN PATINIR
(1480-1520)
“Santa Magdalena”: influencia de Leonardo
“Cristo presentado al pueblo” (Prado): naturalismo exagerado llegando casi a la
caricatura
“Tríptico del entierro de Cristo”: la mayor y más importante de sus obras
“El cambista y su mujer”: su obra más original:
• Minuciosidad y ensimismamiento: el perfil humano centra toda la escena
• Superpone el naturalismo flamenco (brillos, reflejos, metales, maderas, trajes,
espejo, vidrio…), con un humanismo racional que revela el interior de los
personales
• Análisis y crítica de la realidad de un modo “costumbrista” e incisivo.
Las nuevas ideas religiosas reformistas, que desprecian las representaciones
religiosas, inclinan el gusto hacia las escenas cotidianas, el paisaje y el bodegón.
Escenografías y decoraciones teatrales, que se inscriben en la arquitectura y la
decoración clasicista
“El cambista y su mujer”, “San Jerónimo” y “La Virgen de la leche”, están en el Prado
Considerado el mejor paisajista de la Escuela Flamenca.
Influencias del Bosco y de Leonardo
Paisajes con un punto de vista muy alto, donde las figuras se mueven , las
arquitecturas se vislumbran, las escenas se representan, pero todo es alrededor
del paisaje
Preocupación por la perspectiva: el horizonte, los planos encadenados (famosa
escuela paisajística del siglo XVII en los Países Bajos).
“San Jerónimo”
“El paso de la Laguna Estigia” (Prado)
ESCUELAS DE
HAARLEM, LEYDEN,
UTRECHT Y BRUSELAS
Artistas como los anteriores, pero con toques manieristas
LUCAS DE LEYDEN: Retratista: “Los jugadores de ajedrez”
VAN ORLEY: “La Sagrada Familia (Prado)
1.3. SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVI Y LA INFLUENCIA DEL MANIERISMO
ITALIANO: LOS PAISAJISTAS
PIETER BRUEGUEL, EL
VIEJO (1525/30-1569)
El paisaje costumbrista
intelectual y dinámico
Bodas de campesinos
La caída de Ícaro
Triunfo de la muerte
El más grande pintor flamenco del siglo XVI
Sigue la tradición flamenca renacentista y se aparta de la manierista
italiana del momento
Compone, como Patinir, un paisaje realista y amplio que le permita
incluir a sus personales y sus fábulas moralizantes
Domina la miniatura flamenca y la sátira y la ironía influenciadas por el
Bosco
Traduce los proverbios populares, o bien el absurdo de un “mundo al
revés”, o las costumbres y fiestas campesinas sin idealizar, llegando
hasta la caricatura
Atempera las sátiras equilibrando con un paisaje naturalista y amable,
o con la alegría de composiciones de figuras abigarradas, sin
concesión a lo elegante o aristocrático
Refleja las nuevas ideas renacentistas:
• el hombre como individuo conjuntado con la naturaleza
• la crítica y el análisis de las costumbres y usos: “Boda de
campesinos”, “Juego de niños”, “El país de la cucaña”
• la serenidad del paisaje frente a las fábulas o historias
superiores. Sus paisajes son construcciones intelectuales,
razonadas y expuestas con equilibrio y lógica:
“La Caída de Ícaro”: la mitología ocupa una parte mínima
y la menos importante de la composición. Tiene
influencias de Massaccio y Gioto, y hasta de Leonardo
en las rocas puntiagudas, por ej.
“Las estaciones del año” (cuatro cuadros)
• el ideal de la vida burguesa
• la valoración del trabajo: “Cazadores en la nieve”, “Segadores”,
con afán didáctico
• la falsedad de la “vanitas”:
“Triunfo de la muerte” (Prado): influencia de El Bosco. El
desastre final no perdona a nadie ni a nada. Utiliza
colores impresionantes y objetos-símbolos de la
destrucción (horcas, ataúdes…). Plasma las famosas
danzas de la muerte medievales, pero induciendo a la
reflexión
“La Torre de Babel
La Torre de Babel
Adagios
El retrato
Minuciosidad en
ANTONIO MORO
(1519-1576)
El retrato es consustancial al Renacimiento, por el concepto de hombre nuevo y
por expresar la valía o “virtus”, por asemejarse a los clásicos o para manifestar
poder.
En los países nórdicos se añade el desprestigio de las imágenes religiosas (por
la Reforma): el bodegón, el paisaje y el retrato ocupan su lugar
Los Primitivos Flamencos ya cultivaban el retrato, pero eran hieráticos, sin fondo,
esquemáticos: Van Eyck, Memling…
Moro sigue a Tiziano:
• abandona los contrastes claro-oscuro, la rigidez de las vestimentas y de
las poses
• refleja la intimidad a base de distanciamiento manierista, con tonos
oscuros y fondos neutros y equilibrados matices de color más cálido
• toda la humanidad se refleja en el rostro, con los rasgos plasmados de
forma minuciosa
“Maximiliano II”, ”El bufón Parejón”, “María Tudor” (Prado)
2. PINTURA EN ALEMANIA
2.1. LAS RELACIONES COMERCIALES Y ARTÍSTICAS DE LA BURGUESÍA ALEMANA
DE COLONIA CON VENECIA Y LOMBARDÍA.
Las relaciones con los territorios italianos es histórica, ya que el Imperio Germánico dominó e incluyó
algunos de ellos. El Emperador Germánico se hacía coronar como Rey de Romanos.
En el siglo XV, los intercambios se acrecientan gracias al comercio, la banca, los tratados y los
intereses de las grandes potencias (Francia y España, con Carlos V, se enfrentarán por el dominio
italiano.
El humanismo erasmista tendrá un singular peso en estas regiones: conquistas científicas y
controversias ideológicas.
El arte presta un servicio a la glorificación del príncipe y a la manifestación del poder, gracias a su
fuerza propagandística y publicitaria.
2.2. ALBERTO DURERO (1471-1528) COMO TEÓRICO DEL RENACIMIENTO.
Su vida
El cuerpo
humano
Nacido en Nuremberg, pasa por talleres y varios viajes a Italia
En los últimos años de su vida escribió varios tratados
Su fama fue tal que proliferaron muchos grabados falsos con su nombre
Es el único pintor fuera de Italia que puede entrar entre los grandes del Pleno
Renacimiento
En sus viajes a Italia, tuvo contacto con Bellini, y estudió a Mantenga, Leonardo y
Rafael
Su obra puede dividirse en cuatro apartados: el cuerpo humano, el estudio de la
Naturaleza, la introspección y la temática religiosa
Lo representa según el nuevo concepto renacentista sobre proporciones, cánones,
anatomía…
“Adán y Eva”: grabado. Obra plena renacentista en la que los cuerpos desnudos
destacan del fondo oscuro del Paraíso. Anatomías perfectas.
“Adán y Eva” (Prado): dos tablas separadas. Evolución, con alargamiento del canon (casi
manierista) y dominio del color, la esbeltez y la finura aprendidos en su paso por Venecia.
Son los primeros desnudos de tamaño natural que se pintan en Alemania
Preocupación
por la
naturaleza
Personalidad
humana
Temática
religiosa
Preciosos grabados y pintura de fauna y flora
Minuciosidad nórdica unida a la observación científica. Interés por el caballo, sus
cánones y proporciones
“Rinoceronte”, “La liebre”,”El Caballero, la Muerte y el Diablo”.
Interés por la interioridad y por la expresión de
individuo consciente de su lugar en el mundo
Principalmente
retratos, incluyendo tres
Autorretratos (el mejor está en el Prado)
• Autorretrato: interior con “vedutta” y paisaje
alpino, vestido Durero elegantemente y en
pose refinada y mirada irónicamente
afectada
Son un paliativo a las exageraciones luteranas y sus imágenes tienen amplias
simbologías
Muestran los cánones clásicos: equilibrio, armonía, dibujo, paisaje, simbología,
perspectiva…
Es en los grabados donde Durero muestra toda su sabiduría técnica y su fervor
religioso: San Jerónimo, Melancolía, Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis
• Adoración de la Santísima Trinidad: numerosas figuras, anatomías cuidadas,
perspectiva, suave paisaje al pie de la escena y combinación de colores y gamas
tonales.
Adoración de la Santísima Trinidad
San Jerónimo
LUCAS CRANACH EL VIEJO (1472-1553)
Es el pintor de la Reforma.
Pinta con formas renacentistas, bellas y sensuales, pero no cuida la proporción y el canon
Es característico en sus obras el contraste entre las carnes nacaradas y esmaltadas, lisas y tersas con el paisaje
de fondo áspero
Descuidadas proporciones anatómicas, antiidealismo en la representación de la belleza corporal, con los
miembros muy alargados, el hieratismo de rostros y posturas y la falta de perspectiva
“Descanso en la huida a Egipto”, “Adán y Eva” y muchas reproducciones de Judit, como opositora a la Virgen
María.
3. PINTURA EN INGLATERRA. HANS HOLBEIN EL JOVEN (1497/1498-1543).
No hay grandes pintores, salvo HOLBEIN, pintor favorito de
Enrique VIII
Después de Holbein, no hubo en Inglaterra ningún pintor de
calidad durante mucho tiempo, sino pintores de segunda fila,
aunque muy famosos y cotizados por la clase social alta,
excesivamente manieristas, del gusto provinciano de la
Corte Inglesa
Holbein es alemán, pero debe su fama a los retratos
realizados en Inglaterra.
Sus primeras obras muestran expresividad, pasión dureza,
horror, retorcimientos y miembros deformes, colores que dan
sensación de dolor y tragedia: “Cristo en la tumba”
En contacto con Erasmo, atempera esta rigidez y elabora los
grabados para “El Elogio de la locura”, además de varios
retratos de los reformistas: Lutero, Erasmo…
En sus cuadros aplica conceptos humanísticos,
ensamblando estilo italiano y germano, con precisión
dibujística, colorido tamizado, perspectiva, escorzos…
En sus retratos compagina una visión terrena de las cosas,
la plasmación de la personalidad de los retratados, y un
“aire” aristocrático” y natural a la vez, anuncio del realismo
barroco.
Su mejor retrato es el de “Enrique VIII”: vestimentas lujosas
que se convierten en pequeños cuadros por si mismas,
plasmación de la fuerza y autoridad del ánimo extravagante
del monarca…
4. PINTURA FRANCESA. EL MECENAZGO DE FRANCISCO I.
Francisco I, captado por el Renacimiento italiano, trae a
varios artistas a Francia, Leonardo entre ellos. Comienza a
remodelar y construir palacios cercanos a París, entre ellos
el de Fontainebleau
ESCUELA DE FONTAINEBLEAU
Se convierte en el centro de difusión del Manierismo por
Diana de Poitiers
Europa a través de los Países Bajos. Su influencia en el arte
francés del siglo XVI es indudable.
Varios artistas decoran las distintas galerías del Palacio de
Fontainebleau:
• La Galería de Francisco I, con historias ensalzadoras
del prestigio de la Monarquía, mezclando escenas
religiosas y profanas, con minuciosas decoraciones
• El Pabellón de Pomona, con principios manieristas
• La Galería de Ulises: culmen del manierismo
decorativo, con un sentido paisajístico propio de la
Escuela. Horizontes panorámicos, desnudos sensuales
y elegantes, cantidad de ornamentación, colores
encontrados, cartelas, imitaciones marmóreas, etc.
Tres obras anónimas representan claramente a la escuela:
“Diana de Poitiers”, “Venus y su toilette”, “Diana cazadora”.
Son rasgos comunes de la escuela: espejos, símbolos
arcanos, “indirectas desvergonzadas”, cuerpos y miembros
alargados, rostros clasicistas con especial atención en nariz
puntiaguda y ojos almendrados, peinados fastuosos,
posturas teatrales, ricos objetos, telas transparentes y
desnudos sensitivos…
JEAN Y FRANCOISE CLOUET
Son autores autóctonos franceses, que unen las maneras de
Francisco I de Clouet
Holbein con las tendencias amaneradas de Fontainebleau.
El “Retrato de Francisco I”: retrato manierista, pero con
fuerza expresiva del carácter y personalidad de Francisco I,
entre mordaz y taimado, que alcanza admirablemente la
impresión intimista y poderosa del retrato de Enrique VIII de
Holbein
Otras obras son: “ Retrato de Carlos IX”, “Señora en el
baño”, “Retrato ecuestre de Francisco I”
BIBLIOGRAFÍA:
•
Hª DEL ARTE MODERNO II: PINTURA Y ESCULTURA DEL RENACIMIENTO. UUDD Jesús Miguel Visuales González
UNED Madrid 2004
ESQ UEMA REALIZADO POR: Mª
José Hernández Sánchez (Centro Asociado Gregorio-Marañón)
TEMA 2-7
¿Renacimiento?
Pintura española del siglo XVI
La expansión del movimiento artístico del Renacimiento no permanece ajena
a los artistas españoles como es natural. Más si tenemos en cuenta los
intereses de toda índole que mantiene España con Italia.
Sin embargo estas ideas renacentistas llegan contaminadas de
“Manierismo”.
España recoge las ideas y filosofía del renacimiento en un momento muy
controvertido, cuando se gestan las ideas de la Reforma, al tiempo que los
descubrimientos geográficos muestran nuevos pueblos exóticos, y las
ciencias plantean interrogantes de difícil aceptación por la ortodoxia de la
Iglesia Romana. Máxime cuando España apuesta por una defensa del
catolicismo.
Estas circunstancias nos dan al menos tres peculiaridades.
- El mecenazgo de la nobleza
- Un fuerte sentido religioso
- Dicotomía entre lo antiguo y lo moderno
Principales características
Patrocinio de la nobleza: El prestigio por “lo romano” entre la nobleza es una diferenciación
frente alo tradicional. Así los personajes de la nobleza y los grandes eclesiásticos, junto con
humanistas como mentores, propician los viajes de los artistas españoles a Italia, no sólo con
el fin de completar su formación, si no también para la adquisición de obras italianas que los
doten de prestigio y distinción. Consiguiendo mostrarse comprometidos con los nuevos
tiempos y su cultura humanista.
Carácter religioso: La fuerte religiosidad de las obras de arte, que descarta el esfuerzo de
compaginar lo antiguo con lo cristiano, llevado acabo por los artistas italianos. Dada la
ignorancia en España sobre el mundo antiguo y su mitología. Así el estudio de la anatomía y
el desnudo queda descartado, impidiendo una verdadera implantación del humanismo
renacentista.
Así la pintura toma una mitología de simbolismo religioso, obviando, no sólo desnudos si no
también paisajes. Cuando el retrato consigue individualizarse, muestra los personajes como
valedores de lo religioso y como defensores de la Contrarreforma.
Lo “antiguo” y lo “moderno”: Adquiere de las naciones del Norte de Europa la dicotomía
entre lo antiguo y lo moderno. Casi siempre se decanta por la estructura Gótica, y Mudéjar por
ser España, con formalidades clasistas en la ornamentación, medidas canónicas y algún
elemento estructural.
En el discurrir del siglo XVI, se tomo un rumbo hacia una mayor pureza renacentista, pero
marcada por el Manierismo, entendido como un deseo consciente y deliberado de
contestación de la ortodoxia clásica, y que cubre las necesidades ideológicas de la cultura
religiosa.
Conclusión: Por todo esto se deduce que en Espían no existe lo que se denomina Pleno
Renacimiento, es más, algunos historiadores se cuestionan que llegase a existir un periodo de
renacimiento como tal.
1. Principales pintores con ideas renacentistas
Los de transición
Pedro Berruguete. Paredes de la Nava, Palencia h. 1450- Madrid 1503.
Su mayor aportación es la introducción del renacimiento en Castilla. Realiza un viaje a Italia donde
realiza trabajos en el Palacio Della Urbino. Es aquí donde conoce a varios artistas Piero Della
Francesca y Juan de Gante.
Así, su obra es ejemplo de transición entre la corriente artística flamenca y la renacentista, la obra
de Pedro Berruguete se convertirá en uno de los primeros y principales ejemplos castellanos del
cambio que se estaba produciendo, a comienzos del S.XVI, en un país en el que los medievalismos
deudores del gótico previo daban paso a nuevos modelos culturales.
Formado en el estilo flamenco de la segunda mitad del s.XV, la introducción en sus composiciones de
elementos renacentistas novedosos le va a situar en el papel de precursor pictórico de dicha
tendencia en España, a pesar de que no abandonará nunca completamente el estilo aprendido durante
su juventud.
Hacia 1482-83 (a la muerte del duque de Urbino) se le puede situar de vuelta en España, donde
desarrollará su trabajo en Castilla, pudiéndose apreciar en las obras de esta nueva etapa
(principalmente retablos) un cierto influjo a la italiana inexistente con anterioridad, aunque
permanecerá fiel a la base flamenca en la que se educó inicialmente durante toda su producción
(tendencia que se verá acentuada en determinadas ocasiones debido a una necesidad de adecuación a
los gustos de su clientela). De este fin del s.XV son magníficas muestras el retablo mayor de Paredes
de Nava y el retablo del Convento de Santo Tomás, en Ávila. Es en esta ciudad igualmente donde
Berruguete realizará su última obra (morirá en el año de 1503), inconclusa y terminada posteriormente
por Juan de Borgoña: el retablo mayor de la Catedral.
Principales obras:
- Aparición de la Virgen
- Auto de Fe
- El Duque de Montefeltro y su hijo
- Virgen con el Niño
- Autorretrato
Juan de Borgoña.
Su origen nos es completamente desconocido, tanto la fecha de nacimiento como el lugar, aunque por el
apellido es razonable suponer que su procedencia es francesa, concretamente de la región de Borgoña.
Conociendo su muerte hacia 1535.
Por su estilo, podemos decir que se formó en los vecinos territorios italianos, tal vez en Lombardía, tal
vez en Roma o en Florencia.
Hacia 1495 se afincó en Toledo, entonces capital española e importantísimo centro político y cultural europeo.
Sus primeras obras aprovechan los últimos restos del Gótico aunque introduce las novedades recién
aprendidas del Renacimiento Italiano: sintetiza los personajes de rostros caricaturescos y cuerpos
nerviosos típicos del Hispanoflamenco, con los paisajes idealizados y brumosos de la escuela italiana,
paisajes en los que introduce algunas ruinas clásicas que adornan la visión.
Sus obras se reparten por toda Castilla, siendo uno de los artistas más apreciados por la corte de los Reyes
Católicos y la alta jerarquía eclesiástica española.
Principales obras:
- Magdalena y santos.
- Sagrada cena.
- Toma de Oran. (Fragmento).
- Juicio Final.
2. El Foco Andaluz
Alejo Fernández, Córdoba 1475 h. - Granada 1545.
Parece ser que el origen de Alejo Fernández es nórdico, posiblemente alemán. Instalado desde
muy joven en Sevilla, se introdujo en el competitivo gremio de la pintura mediante el matrimonio
con la hija de uno de los maestros de la ciudad.
Su estilo recoge el último manierismo imperante en Sevilla, así como los rasgos flamencos
que tienden a deformar rasgos y figuras, según la tradición nórdica. Se percibe su
preocupación por la perspectiva, el dominio de las masas y el volumen. Además, pudiera ser
que Alejo Fernández viajase a Italia, lo cual se deduce de las arquitecturas y las perspectivas que
suele ejecutar en sus obras.
Iniciando sus obras más conocidas en Córdoba, como el “Cristo atado a la Columna”, pronto le son
encargados trabajasen Sevilla, como el “Retablo de Maese Rodrigo” o la “Virgen del Buen Aire”
Principales obras:
-
Cristo atado a la columna
Flagelación de Cristo
Retablo de Maese Rodrigo
Retablo de la Virgen del buen aire
Pedro de Campaña (Peter Kempereer). Bruselas 1503 - Sevilla 1563.
La experiencia de Pedro de Campaña en Flandes aparece pronto templada por su aprendizaje en Italia,
pues se sabe que estuvo en Bolonia en 1529 colaborando en algunos de los arcos de triunfo erigidos en
la Coronación de Carlos V y en Venecia como pintor del cardenal Grimaldi.
Después de Italia desarrolló su actividad artística en Sevilla entre 1547 y 1563, año en que murió.
Aunque tenía una influencia clara de las emociones y del sentimiento que venía del mundo
flamenco, al instalarse en España cultivó una imagen vigorosa y monumental.
Pacheco, en su libro de retratos, nos dio una imagen de él como de un hombre culto y erudito. En Sevilla
pintó una serie de cuadros ”El Descendimiento”, del que hay varias versiones en la Catedral de Sevilla,
Museo Fabre, Montpellier y Colegio del Patriarca, Valencia, obra en la que domina el dramatismo sobre
la monumentalidad.
El Retablo de Santa Ana y la Purificación de la Catedral de Sevilla muestran al pintor influido por la
estatuaria y el relieve clásico.
Campaña pintó también retratos como la figura del Mariscal Don Diego Caballero y su familia que
aparecen en el Retablo de la Visitación. Estas imágenes son la única muestra de retablo manierista en
España.
Principales obras:
- San Pedro orando ante Cristo flagelado
- Adoración de los Reyes
- Descendimiento de la Cruz
Luís de Vargas.
Sevilla 1506 – 1568. Durante dos décadas se estableció en Italia. A su regreso a España emprende una
destacada trayectoria profesional. El primer trabajo que se le atribuye es el Retablo de Nacimiento de la
catedral de Sevilla de 1555. En esta obra se aprecian las influencias del manierismo italiano y la
pintura de Rafael. Otro de los autores que más le influyen es Perin del Vaga. Pacheco se refirió a él
como “Padre de la pintura sevillana” que cuando menos parece algo exagerado. Se dice que el italiano
Mateo Pérez de Alesio exclamó, al contemplar la pierna de Adán que domina la composición de la obra
“Generación temporal de Cristo” o también conocida como “Alegoría de la Inmaculada Concepción”, «piu vale la tua gamba che tutto il mio San Cristoforo» (Vale más tu pierna que todo mi San Cristóbal)
valiéndole a la obra el sobre nombre de “La Gamba”.
Principales obras:
- Juicio Final
- Generación temporal de Cristo
- La Piedad
- Nacimiento de Cristo
3. Las Opciones Italianas del Levante
El levante entra en contacto con el arte italiano con gran intensidad, gracias a su proximidad,
comercio y política. Por tanto no es de extrañar el ir y venir de los artistas valencianos, que traen
consigo nuevos estilos definidos en Italia. Así los representantes de la pintura levantina muestran
dos claras vertientes, la de los seguidores de Leonardo y los seguidores de Rafael.
Sin embargo anteriormente a estas dos corrientes, cabe destacar la obra de “Los Osona” de los
que sabemos poco, si eran miembros de la misma familia o si eran una o dos personas. Aún así
sus obras son un claro enlace entre lo medieval y el renacimiento, marcadas por tendencia
italiana, que será la que se siga en ele foco levantino. Así las Obras les son atribuidas a Rodrigo
Osona, el viejo o el joven.
Adoración de pastores
Rodrigo Osona, el Viejo.
Oración en el Huerto.
Rodrigo Osona, el viejo.
Cristo ante Pilatos.
R.Osona, el joven.
Influencia Leonardesca.
Son estos dos Pintores Fernando Yánez de la Almedina y Fernando Llanos, con los se consigue
definitivamente un estilo renacentista. Ambos inician sus carreras juntos, llevando acabo obras
conjuntas, como el retablo de la catedral de Valencia.
De Yáñez sabemos que estuvo activo entre 1506 a 1526, y aunque los dos inician un mismo estilo
Yánez se muestra más delicado y sereno, y lentamente se aparta de la imitación a Leonardo.
De Llanos también desconocemos una biografía clara, pero sí que es coetáneo de Yánez.
Es más es posible que ambos realizaran un viaje a Italia juntos. De Leonardo ambos artistas
españoles aprendieron su “sfumato”, la elegante y monumental concepción de las figuras y
su interés por plasmar en sus composiciones un tipo de belleza ideal y serena.
Llanos a diferencia de Yánez se mantiene más fiel a la tesis de Leonardo, destacando una
mayor precisión naturalista y cierta rigidez en sus obras.
Los servicios de ambos pintores serán reclamados en otras ciudades lo que facilita que el espacio
vacío que dejan sea ocupado por otros pintores valencianos, con la particularidad de que estos
tomaran la vertiente rafaelesca.
Principales obras:
Cristo resucitado. F.Yañez
Descanso en la huida a Egipto. F.Llanos
Puertas del retablo mayor de la
Catedral de Valencia. F. Llanos
Santa Catalina de Alejandría.
F.Yañez de la Almedina
Influencia Rafaelesca.
Vicente Massip. 1475 h. - 1550 h.
.
Padre del también pintor Juan de Juanes, Vicente fue uno de los primeros en mostrarse sensible a
las influencias del Alto Renacimiento, comienza con las formas de Leonardo cambiando por a las de
Rafael,
faceta
en
la
destacará
sobre
todo
su
hijo.
Vicente Massip pertenecía a una familia de pintores afincada desde el período Gótico en el reino
valenciano. Valencia era una rica capital portuaria, con un gran volumen de barcos que forma anual
introducían mercancías y novedades, e incluso periódicamente, la peste bubónica, que causó varias
veces el despoblamiento de la ciudad, con consecuencias sobre la actividad artística.
Massip trabajó un estilo que arrancaba del Gótico italianizante aprendido de otros pintores que
trabajaban en el área valenciana: Fernando de los Llanos, Yäñez de la Almedina, o el italiano Paolo de
San Leocadio. A través de ellos y de las pinturas o grabados que llegaban vía marítima desde la cercana
Italia fue como Massip aprendió las novedades del Cincuecento, que aprovechó para sus propias
obras, y que transmitió a su hijo Juan de Juanes.
Algunas de sus obras más representativas de este primer Renacimiento español son la Visitación y el
Martirio de Santa Inés, ambas en el Museo del Prado de Madrid.
Juan de Juanes. Vicente Juan Massip. Valencia 1523 h. - Bocairente 1579.
Vicente Juan Massip, más conocido como Juan de Juanes, es hijo del magnífico pintor valenciano Vicente
Massip. Adoptó los modos italianizantes que su padre apenas había comenzado a conocer; le
cautivaron en especial el sfumato de Leonardo y la gracia de Rafael, que supo asimilar
perfectamente en sus lienzos religiosos, de los cuales destacamos sin la menor duda la Última Cena,
basada a partes iguales en los esquemas compositivos leonardescos y el dibujo rafaelesco. Juanes
colaboró con su padre, Vicente, durante sus años de formación y madurez. Su estilo fue muy similar,
aunque el del hijo resulta mucho más blando y amanerado por la influencia del primer Manierismo, que
el padre no llegó a asimilar en su pintura.
Así su éxito se asienta en una disposición excelente en el manejo del color, su composición
regularizada y sencilla y la muestra de una religiosidad clara y directa.
Principales obras:
Última Cena. Juan de Juanes
Martirio de Santa Inés
Vicente Massip
Martirio de San Esteban.
Juan Juanes
Visitación
Vicente Massip
Entierro de San Esteban
Juan de Juanes
4. El mundo visionario y el color en El Greco
El Greco. Domenico Theotopuli. Creta 1541 - Toledo 1614.
El Greco es el apodo por el que popularmente se conoce a Domenico Theotopuli, uno de los
artistas que mejor supo entender y desarrollar el Manierismo. Nació en 1541 en la localidad de
Candía, actual Heraklion, capital de la isla de Creta, que en aquel momento era posesión de la
Serenísima República de Venecia. Los Theotopuli pertenecían con toda probabilidad a la colonia
católica de Candía, recibiendo el joven Domenico una acertada y amplia formación humanística.
Artísticamente parece probable que se formara en el taller de un pintor de iconos llamado Juan
Gripiotis aunque parece tener también contacto con Georgios Klontzas. Domenico trabajó en las
dos vías existentes en la pintura cretense de la segunda mitad del siglo XVI: la tradicional "alla greca" siguiendo los modelos bizantinos - y la moderna - "alla latina" según los
modelos llegados del Renacimiento italiano -. Trabajando en esa doble dirección, El Greco
pronto alcanzó una importante posición entre los pintores cretenses, siendo denominado "maistro"
hacia 1563. Entre enero de 1567 y agosto de 1568 El Greco parte hacia Venecia. No existen datos
fidedignos de la estancia en Venecia, aludiéndose más tarde a una estancia en el taller de Tiziano;
concretamente su amigo Giulio Clovio le presenta como "discípulo del Tiziano" mientras Mancini
añade que "había estudiado en Venecia y particularmente las cosas de Tiziano". El Greco
realizará en Venecia un trabajo de asimilación de la pintura renacentista, como se observa
en sus obras. Brown considera, con buen criterio, que no se formó plenamente en el taller de
Tiziano ya que una relación prolongada entre ambos hubiera permitido a Domenico establecerse
en la ciudad. Sería más lógico pensar que El Greco reaccionó recogiendo de manera ecléctica
lo que le pareció interesante de los diferentes maestros que trabajaban en la Serenísima
República: Tiziano, Tintoretto, Veronés, Bassano, Pordenone o Schiavone, interesándose
especialmente por el Manierismo. Tres años después, Domenico se traslada a Roma.
Desconocemos las razones de este viaje, posiblemente por la importante competencia que existía
en Venecia mientras que en la Ciudad Eterna, tras el fallecimiento de Miguel Ángel en 1564,
existían más posibilidades de recibir buenos encargos. Durante el viaje parece casi seguro que se
detuvo en Parma, donde estudió las obras de Correggio y Parmigianino.
En noviembre de 1570 está en Roma, contacta con el miniaturista Giulio Clovio, iniciando una
estrecha amistad que permitió a Domenico ingresar en el palacio de uno de los mecenas más
importantes de su tiempo: el Cardenal Alejandro Farnesio. Allí conocerá a uno de sus pilares
durante su estancia romana, el bibliotecario Fulvio Orsini, un auténtico humanista. Domenico
aprovechó las oportunidades de formación que se le brindaron, estudió las colecciones del
cardenal y su bibliotecario, admiró la obra de Miguel Ángel y los manieristas romanos, y fue
admitido en la Academia de San Lucas en 1572, eso sí, dentro de la modesta categoría de
miniaturista.
El Greco no destacó mucho en el competitivo mundo romano. Los años pasados en Roma serán
fundamentales para su llegada a España. En las tertulias que tenía Fulvio Orsini en el Palacio
Farnesio acudían eruditos de diversas nacionalidades, entre los que destacaba el español Don
Luís de Castilla, joven clérigo e hijo del deán de la catedral de Toledo, cuya estancia en Roma está
documentada entre 1571 y 1575, convirtiéndose en amigo y defensor del artista durante toda su
vida, hasta el punto que participó como albacea en su testamento.
Hacia 1575 El Greco empezaría a considerar su marcha a España; en primer lugar, por las
posibilidades existentes para trabajar debido a la construcción del Monasterio de El Escorial, en
cuya decoración estaban participando pintores romanos como Tibaldi o Zuccaro; en segundo lugar
es probable que don Luís de Castilla invitara a su amigo a trasladarse a Toledo, donde podía
encontrar también trabajo fácilmente.
Su próximo destino es la Península Ibérica, adonde llegaría en 1577 pasando una temporada por
la Corte madrileña para después trasladarse a Toledo, donde recibirá sus dos primeros encargos:
el Expolio de Cristo y los retablos del convento de Santo Domingo el Antiguo, siendo el cliente en
ambos casos la misma persona: don Diego de Castilla, el deán de la catedral toledana y padre de
don Luís.
El Greco estableció su hogar en la Ciudad Imperial. Allí formó su próspero taller, dedicándose a la
elaboración de cuadros, diseño de retablos y escultura.
Pacheco observó que "era extraordinario en todo, y tan extravagante en sus pinturas como en sus
costumbres". Paulatinamente se irá afianzando entre la clientela toledana, de la que recibe sus
mejores encargos: entre 1586-1588 el famoso Entierro del señor de Orgaz, diversos retablos para
instituciones religiosas tanto de Toledo como de Madrid o pueblos limítrofes como Illescas o
Talavera la Vieja.
Sus figuras se hacen cada vez más estilizadas, en un estilo muy personal con figuras
desproporcionadas, colores violentos y vibrantes, fuertes escorzos, que consigue calar
profundamente en la mística sociedad toledana. Algunos especialistas han llegado a especular
sobre una posible enfermedad visual como causante de esas deformaciones pero recientes
estudios han demostrado que El Greco empleaba ese estilo porque era de su agrado y también del
de su clientela.
En Toledo fallecerá El Greco el 7 de abril de 1614 a la edad de 73 años. Gran pintor cretense cuya
vida resume en unos versos su buen amigo el poeta Fray Hortensio Felix Paravicino: "Creta le dio
la vida y los pinceles, / Toledo mejor patria, donde empieza / a lograr con la muerte eternidades".
El Greco supone pues una corriente de aire fresco para pictórica española de la época y
una de las figuras cumbres de la pintura mundial. Incomprendido en su época y figura olvidada
hasta mediados del siglo XIX, donde se le comenzó a valorar en su justo lugar llegando inclusive a
aprender a gratificar con su obra a expertos y profanos. Un éxito que ha sido debido también a los
aspectos místicos que rodean tanto a su obra como al propio pintor.
- La Fábula
- Muchacho soplando una candela
( El Soplón)
- Laoconte
- Visión del Apocalipsis
Principales obras:
- Adoración de
Pastores.
- Alegoría de la
Santa Liga.
- Anunciación.
- Crucifixión.
- Expolio.
- Cristo abrazando
La Cruz.
- Cardenal Fernando
Niño de Guevara.
- Fray Hortensio
Felix Paravicino.
- Jorge Manuel
Theotopuli.
- Vista de Toledo
- Vista y plano de Toledo.
5. El Misticismo en Luís de Morales
Luís de Morales. 1515 – 1586. Extremadura.
Este extremeño fue apodado por sus coetáneos "el Divino". Los motivos fueron su dedicación casi mítica a
los temas devocionales así como la ejecución extraordinaria de sus pinturas. Solía trabajar el óleo sobre
madera y sobre cobre, y terminó por especializarse en detalles concretos de la religión, como el Cristo
coronado de Espinas, la Piedad, la Virgen con el Niño, etc., visiones que excitaban la devoción del fiel. La
leyenda de Morales fue creada en vida, y le achacaba cualidades de místico, que era lo que dotaba a sus
imágenes de esa casi "divinidad" que las hacía tan comerciales. Sus clientes eran fieles a la producción de
Morales, y los encargos le llegaban de todos los rincones de España. Su estilo amanerado y personal se
debió a haberse formado lejos de los principales núcleos artísticos, como Madrid, Sevilla o Valencia. Tanto
es así que fue reclamado por Felipe II para pintar en El Escorial. Sin embargo no triunfó en la corte por lo
que regresó a Badajoz.
En todas sus obras se aprecia un goticismo a la flamenca con gran minuciosidad por los detalles,
una sencillez casi primitiva que le valió el apelativo de primer “naíf”.Con su particular forma de
representación es sencillo identificar su obra: una característica fija es la piel blanca azulada de
sus personajes o los dedos extremadamente delgados, con nudillos salientes, como si fueran
tallos de cañas secas. Al tiempo que los colores, alargamientos de los cuerpos, decoro en las
figuras, rostros ovales, ojos almendrados y caras limpias le aproximaban al propio Greco.
Principales obras:
La Virgen de
la Leche
Cristo atado a la
columna
Calvario
Piedad
6. Pintores en El Escorial.
Para llevar acabo la ingente obra de El Escorial, Felipe II hace lo posible por contar con los mejores
artistas del momento, entre ellos los pintores. Y salvo El Greco, que no se acomodo a la idea del
monarca, tuvo que conformarse con pintores de menor relevancia.
De estos son dignos de citar Cambiaos, Zuccaro y Tibaldi de Italia así como el español Navarrete “El
Mudo”.
Juan Fernández Navarrete. El Mudo. 1526?-1579.
El apodo de "Mudo" por el que se conoce a Juan Fernández de Navarrete viene motivado por ser
sordomudo desde muy joven.
Apenas existen datos sobre su vida; parece claro que estudió en Roma, Florencia, Venecia, Milán y
Nápoles, y posiblemente que trabajó en el taller de Tiziano cuyo estilo se aprecia claramente en sus
trabajos. Pellegrino Tibaldi afirma haberle conocido en Roma en la década de 1550 lo que avala la
información. En 1566 regresa a España y en 1568 es nombrado pintor del rey Felipe II e inicia una
serie de encargos para El Escorial.
La entrada de Navarrete en la Corte motivó la influencia de los maestros de la Escuela
veneciana, mayor dramatismo y el aumento de su dominio en el empleo del claroscuro, sin
abandonar esa dependencia de Tiziano que marcará su estilo. También debemos añadir cierta
relación con el Manierismo lo que motivará un estilo bastante ecléctico.
Navarrete se inclina por un realismo de corte naturalista y enseguida por un intimismo puesto de
relieve en los contrastes lumínicos.
Los trabajos para El Escorial serán lo más interesante de su producción aunque no tuvo tiempo de
finalizar los encargos al fallecer el 1579.
- Autorretrato
- El bautismo de Cristo.
- Martirio del apóstol Santiago.
- San Pedro y San Pablo.
Luca Cambiasso. Moneglia 1527 - El Escorial 1585.
Es el pintor de los italianos que contaba con mayor prestigio. Con tan sólo 17 años, Luca Cambiaso
recibió el encargo de decorar con frescos el Palacio Doria de Génova, lo cual le convirtió en uno de
los artistas más jóvenes e influyentes en esta importante república italiana. Cambiaso adaptó sus
conocimientos de matemática y geometría a sus composiciones y figuras, que pueden llegar a
asimilarse a ciertas concepciones del espacio y el volumen del cubismo. Heredero de la
tradición monumental de Miguel Ángel, que él combina con la suavidad del Correggio, su fama
trascendió las fronteras. De este modo, recién terminado El Escorial, Felipe II le hizo llamar a España
para que decorara al fresco seco algunas de sus paredes, en 1583. Sin embargo aquí perdera su
originalidad al plegarse a al gusto de Felipe II. Desgraciadamente, murió a los dos años de su llegada
a la Corte. Su puesto y su estilo fueron ocupados en el monasterio madrileño por otros dos italianos,
Zuccaro y Tibaldi.
.
- Alegoría de la
la verdad.
- Fresco del coro de El Escorial.
Trinidad.
– Sagrada Familia.
Federico Zuccaro. Urbino 1542-43 - Ancona 1609.
Famoso pintor italiano de gran éxito en las cortes europeas del siglo XVI. No siendo un artista de
primera fila, supo vender su arte con talento y las principales figuras de Europa se disputaban sus
servicios. Asociado con su hijo, también pintor, estuvo en Inglaterra y España. En Italia remató los
frescos inconclusos que Vasari había trazado para la catedral de Florencia. En ese trabajo recibió la
llamada de Felipe II de España, que estaba reclutando pintores para decorar su recién terminado
palacio-monasterio de El Escorial. Zuccaro fue a España como una gran figura, sin embargo sus
trabajos no gustaron demasiado. De nuevo en Italia, fundó en Roma la famosa Academia de San
Lucas, destinada a la enseñanza de la pintura. Además, dos años antes de su muerte publicó un
tratado sobre arte titulado "L'Idea de'Pittori, Scultori ed Architetti". Su hijo Taddeo también fue un
pintor afamado y terminó muchas obras de su padre.
En Zuccaro encontramos un deseo de contrastes en claroscuros muy fuertes y decididos
como anticipación a los gustos barrocos.
- Resurrección.
– Retablo del Escorial.
– Anunciación.
Pelegrino Tibaldi. Vasolda 1527 - Milán 1596.
Pintor formado en Roma - 1549 y 1553 - en el taller de Danielle de Volterra, colaborando con él en la
elaboración de una serie de frescos. La influencia de Miguel Ángel se pondrá de manifiesto en
estos años. Pellegrino se trasladó más tarde a Bolonia y a Milán, donde fue nombrado maestro mayor
de la catedral, iniciando una intensa labor como arquitecto e ingeniero militar. En 1581 llega a El
Escorial para trabajar como pintor por expreso deseo de Felipe II, completando los frescos del
claustro iniciados por Zuccaro. Posteriormente fue el encargado de la decoración de la bóveda de la
biblioteca escurialense en colaboración con Bartolomeo Carducho. Su último encargo será la
ejecución del retablo para el altar mayor de la basílica, finalizado en 1595 tras tres años de duro
trabajo que dejaron muy satisfecho a Felipe II, de modo que Tibaldi regresó a Italia convertido en un
hombre rico. Su estilo es claramente manierista y se caracteriza por sus violentos gestos,
posturas forzadas y los grandes contrastes de luces y sombras. La importancia de este pintor
radica en que difundió el Manierismo fuera de Roma, especialmente en España.
- Martirio de San Lorenzo.
– Biblioteca del Escorial.
– San Miguel
7. El retrato cortesano
El género del retrato pictórico está muy extendido por toda la Europa del siglo XVI. No en vano
en el Manierismo es una cualidad, que consigue mostrar la intimidad, la psicología, el
dinamismo y la elegancia de la cortes del momento, al tiempo que es un forma de prestigio.
Así pues en la Corte de Felipe II no queda fuera de esta moda, de donde destacan dos
pintores, Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz, especializados en el retrato áulico, sin dejar
de lado las obras religiosas.
Es ahora cuando se utiliza el retrato en los matrimonios de la nobleza para que los esponsales
se conozcan en la distancia. Estamos ante el antecedente del la escena familiar.
Alonso Sánchez Coello. Benifayó 1531 - Madrid 1588.
Es sin duda uno de más destacados en el retrato del Renacimiento español. Marchó a Lisboa para iniciar
allí su aprendizaje como pintor. En Portugal fue protegido por Juan III, quien le envió a Flandes para
aprender de Antonio Moro, su auténtico maestro, de quien es imitador, pero también estudia a los
maestros italianos, así, sus retratos siguen indirectamente el estilo de Tiziano, destacando el
detallismo de los trajes y la capacidad de penetración en la psicología del modelo, adquiriendo un
sentido del color y la iluminación que le conduce aun retrato más cercano. Desde 1555 se
encuentra en Castilla, trabaja al servicio de Felipe II y se convierte en su pintor de cámara y retratista
favorito. Fueron enviados a todas las cortes europeas por lo que se difundió un tipo de retrato que
consiguió aceptación internacional - Príncipe Don Carlos, por ejemplo - y que fue desarrollado en España
por Pantoja de la Cruz e incluso por Velázquez. Su pintura religiosa destaca por el Manierismo típico de
los primeros años de la Contrarreforma. Falleció en Madrid en 1588.
Principales obras:
-
- Isabel Clara.
Príncipe
Don Carlos.
- Duque de Alba.
- Catalina Micaela.
- Desposorios
Santa Catalina
Juan Pantoja de la Cruz. Valladolid 1553 - Madrid 1608.
El arte del retrato español del Renacimiento tiene en Juan Pantoja de la Cruz a uno de sus máximos
representantes. Fue discípulo de Sánchez Coello en Madrid, heredando su taller y sucediéndole como
pintor de cámara del rey Felipe II. En sus retratos se destaca la minuciosidad a la hora de mostrar
los encajes, vestidos o joyas, lo cual disimula el poco acierto de los acabados, situando a la
figura en pie y sobre un fondo oscuro. Más tarde imitará al El Greco introduciendo “galerías” en
cuadros religiosos y inclinándose hacia el intimismo y lo psicológico en sus retratos. Igualmente tiene
influencias del manierismo precubista de Cambiasso. Se interesó también por la temática
religiosa, atraído por los juegos de luz y el realismo inspirados en Navarrete el Mudo.
Principales obras:
-
Caballero
de Santiago..
- Nacimiento de
La Virgen.
- Resurrección
de Cristo.
- Infanta Ana María.
- Fray Hernando de Rojas.
BIBLIOGRAFÍA y FOTOS:
Hª DEL ARTE MODERNO II (Pintura y escultura del Renacimiento). UUDD Jesús Miguel Visuales González UNED Madrid 2004.
Hª DEL ARTE MODERNO (Guía Didáctica). UUDD. VVAA. UNED Madrid 2002.
http://cvc.cervantes.es/actcult/museoprado/citas_claroscuro/siglo_XVI/siglo_XVI.htm
http://www.espanolsinfronteras.com/
http://www.oronoz.com/
http://www.artehistoria.jcyl.es/
ESQUEMA REALIZADO POR: Rafael Picazo
del Rey (Centro Asociado de Jacinto Verdaguer)