Indice 1
Arquitectura:
Basílica de San Pedro de Roma (Michelangelo) 2
Escultura:
El David (Michelangelo) 4
Pintura:
El Juicio Final (Michelangelo) 6
Bibliografía 8
Plano o Planta:
Hoy tiene planta de cruz latina aunque originalmente fue de cruz griega.
Alzado:
• Elementos sustentantes: muro de sillar y columnas de orden clásico.
• Elementos sustentados: Todos los arcos de medio punto así como la cúpula que se puede observar a
simple vista: está formada por el tambor, la cúpula de media naranja y la linterna.
• Iluminación espacial: tiene numerosos vanos que dejan pasar la luz al exterior aunque éstos no son
muy grandes.
• Elementos decorativos: en la fachada principal se puede observar el entablamento y las pilastras
adosadas que quieren imitar a los templos romanos. También se ve decorando puertas y ventanas
como encima del arco de medio punto que las dibuja, se colocan pequeños entablamentos. El tambor
de la cúpula está ornamentado con motivos vegetales y pares de columnas que hacen que se asemeje
mas al arte clásico.
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Estilo y cronología:
Pertenece a la corriente renacentista del Cincueccento S.XVI. por su predominio de columnas, entablamentos
y cúpula de media naranja típicos del arte de esta época.
Autor:
Miguel Ángel, figura más destacada del renacimiento italiano. En su condición de arquitecto, escultor, pintor
y poeta. Ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte occidental posterior
a su época.
Evolución:
Siguiendo el esquema de Bramante, Miguel Ángel diseñó un templo de planta de cruz griega coronado por
una espaciosa y monumental cúpula sobre pechinas de 42 metros de diámetro. Posteriormente, Carlo Maderno
modificó la planta original y la transformó en una planta de cruz latina
Análisis histórico:
La dirección de las obras, iniciadas por Donato Bramante y continuadas, entre otros, por Antonio da Sangallo
y Rafael, le fueron encomendadas por el Papa en 1546; por ello, siguiendo el esquema de Bramante, Miguel
Ángel diseñó la cúpula de San Pedro del Vaticano que se convirtió en modelo y paradigma para todo el
mundo occidental.
•
Forma:
Escultura exenta o de bulto redondo.
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Tema e iconografía:
Representa a un joven que estudia a su rival, preparando las fuerzas para el asalto. Esta preparación para la
acción hace que constituya un tema clásico.
Valores técnicos:
• Material: Mármol.
• Composición: El David es una gigantesca escultura de 4,34 metros, hecha de una sola pieza y
realizada entre 1501 y 1504. El héroe del Antiguo Testamento aparece representado como un joven
atleta desnudo, musculoso, en tensión con la mirada fija en la distancia, buscando a su enemigo,
Goliat La intensa y penetrante mirada, la fuerza expresiva que emana del rostro del David es el mejor
ejemplo de la terribilitá miguelangelesca, rasgo distintivo de muchas de las figuras del artista toscano
así como también de su propia personalidad. Muestra el conjunto del cuerpo ligero de un adolescente,
aún sin sazonar que estudia desde lo lejos a su rival. Este joven héroe bíblico demuestra que la fuerza
interna espiritual vale más que cualquier otra arma. La crítica reconoce un excesivo desarrollo de
manos pies y cabeza, así como un alargamiento excesivo de los brazos. Pero si tenemos en cuenta la
perfección con que Miguel Ángel hace todas sus obras, cabe la posibilidad de que este defecto haya
sido confeccionado con la intención de mostrar un cuerpo adolescente que todavía no ha culminado su
completo desarrollo.
• Nunca se ha expresado tan bien el equilibrio de la fuerza en tensión. La anatomía se revela
cuidadosamente estudiada, como se puede apreciar principalmente en la mano y en todo el brazo
derecho que sujetan una piedra. Es una de las más bellas estatuas que se han hecho jamás.
•
• Estilo y cronología: La obra pertenece al movimiento renacentista del Cincueccento en el S.XVI por
su naturalidad, estudio del cuerpo humano, su desnudo y aislamiento.
• Autor: Miguel Ángel, figura más destacada del renacimiento italiano. En su condición de arquitecto,
escultor, pintor y poeta. Ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el
arte occidental posterior a su época.
• Análisis histórico: En este tiempo, Florencia estaba pasando por un difícil periodo y sus ciudadanos
tenían que estar alerta y movilizarse contra las continuas amenazas. Él usó el David como un modelo
de heroico coraje con la esperanza de que los Florentinos entendieran su mensaje. El David, la
escultura más famosa de Miguel Ángel creada por este entre los años 1501 y 1504 después de su
regreso a Florencia. Llegó a convertirse en el símbolo de Florencia, colocada en un principio en la
Plaza de la Señoría, frente al Palazzo Vecchio, sede del Ayuntamiento de la ciudad. En 1910 se
colocó en ese lugar una copia del original que se encuentra en la Academia. Con esta obra Miguel
Ángel demostró a sus coetáneos que no sólo había superado a todos los artistas contemporáneos
suyos, sino también a los griegos y romanos, al fusionar la belleza formal con una poderosa
expresividad, significado y sentimiento.
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Tema e Iconografía:
Es un tema religioso cuyo nombre lo dice todo: El Juicio Final. Obra terriblemente trágica en la que se aprecia
el terror, vértigo y pavor a lo que podría ser el juicio final del Apocalipsis. Al tener tan elevado número de
desnudos, el papa determinó que éstos debían ser tapados con vestidos.
Valores técnicos:
• Técnica: Se realiza al fresco, obteniendo una mayor profundidad y utilizando el claroscuro. Tiene que
hacer una reparación de la parad para darle una cierta inclinación, de forma que, al sobresalir la parte
superior, el fresco se viera protegido del polvo.
• Composición: El mural no es desordenado puesto que aparece estructurado en varias franjas: Cristo,
en actitud de Juez, levanta su brazo para descargar el peso de su justicia y se convierte en el centro de
la composición. Su figura tiene más del Júpiter vengador que del Dios misericordioso; a la izquierda,
la salvación de las almas que van ascendiendo al cielo; a la derecha, los condenados que van cayendo
a un infierno dantesco. La misma Virgen aparece acobardada ante su ira. Cataratas de desnudos
pregonan la fuerza del exterminio final.
• Luz: La luz que se percibe de este mural es muy poca ya que para representar el caos del Juicio Final
se representa todo con pocas luces y contrastes. Predomina la sombra aunque hay contrastes para
resaltar las escenas más significativas del mural como es la figura de Dios que se pone en el centro y
con mayor luminosidad que otros cuerpos.
• Color: Lo más representativo es que está realizado con la gama de colores fríos: azules, morados,
negros, etc. Los contornos están muy difuminados y no se distingue muy bien cuando acaba un cuerpo
y empieza otro. Se consigue el volumen por medio de la pintura tonal: tonos de una misma gama de
colores.
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• Perspectiva: Se nota una cierta perspectiva ya que no solo se representa una sola dimensión sino que
intenta semejarse a la realidad todo lo posible.
Estilo y cronología:
Pertenece al movimiento renacentista del Cincueccento del siglo XVI en Italia. Se denota por la aparición del
desnudo con figuras muy proporcionadas, así como las técnicas del esfumato, claroscuro y la intención de
conseguir el volumen con colores de la misma gama pero de distintas tonalidades.
Autor:
Miguel Ángel, figura más destacada del renacimiento italiano. En su condición de arquitecto, escultor, pintor
y poeta. Ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte occidental posterior
a su época.
Evolución:
Ya en Roma, Miguel Ángel comenzó a trabajar en 1536 en el fresco del Juicio Final para decorar la pared
situada tras el altar de la Capilla Sixtina, dando por concluidos los trabajos en 1541. Como era normal en él,
Miguel Ángel representó a todas las figuras desnudas, desnudez que fue tapada una década después con los
paños de pureza, realizados por Daniele da Volterra (conocido como "Il Braghettone" precisamente por este
motivo) en un momento en el que el clima cultural se había convertido en mucho más conservador. El propio
Miguel Ángel aparece retratado en la piel desollada de san Bartolomé, a los pies de Cristo.
A finales de la década de 1970 comenzaron los trabajos de restauración de los frescos de la capilla Sixtina que
con el paso del tiempo se habían deteriorado enormemente. Al limpiar los frescos, para lo que se emplearon
las técnicas más modernas, aparecieron los colores originales de las pinturas. También se quitaron gran parte
de los paños que cubrían los desnudos de las figuras, y sólo se han conservado los que tapaban las partes de
algunas de ellas que no sólo se cubrieron, sino que incluso se borraron. La restauración se llevó a cabo en dos
fases: en la primera se restauraron la bóveda y las paredes, en la segunda se restauró el Juicio Final, que fue
presentado al público el día de Pascua de 1994 por el papa Juan Pablo II.
Historia del Arte: JJ Martín González. Editorial Gredos.
Enciclopedia Encarta 97
Página web: www.michelangelo.com
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