Música instrumental en el siglo XIX

Música instrumental en el siglo
XIX
Generalidades
4.1 El piano romántico y sus etapas.(en otro tema)
4.2 La música de cámara y evolución del violín.
4.3 Agrupaciones instrumentales
4.4 Evolución de la forma sinfónica.
4.5 La sinfonía programática y el poema sinfónico
4.6La obertura, la suite orquestal y el concierto solista.
Generalidades
Es la época de los sentimientos de la primacía de yo y del
concepto del genio y del artista. Ahora se pone de moda no venderse a
ningún mecenas. El creador debe ser autónomo y libre.
A priori es interesante dividir la producción musical del Romanticismo
debido a la multitud de escritores y tendencias:
a)Romanticismo temprano: Schubert, Mendelsohnn, Schumann entre
otros. Se intentan superar las formas del clasicismo de una forma
gradual, teniendo como referente a Beethoven. Centroeuropa se
convierte en un hervidero productivo.
b)Romanticismo pleno: Chopin, Liszt. la hegemonía es clara de Alemanía
y Austría, no obstante van surgiendo diferentes tendencias en el
extrarradio de estos paises. Se asientan los ideales musicales del
Romanticismo.
c)Romanticismo tardío: Brahms, Chabrier, Clara Schumann, Fanny
Mendelsohnn, Albeniz, Grieg, Tchaikowsky, Mussorgsky, Dvorak,
Smetana. Se observa una nueva tendencia por parte de aquellos paises
que rodeas a Centroeuropa. Esta tendencia viene acompañada de un
impulso a las propias características de los paises. Asistimos pues, a un
creciente nacionalismo que conlleva un creciente número de obras y
autores de esos “otros paises” (España, Paises escandinavos, Rusia y
paises eslavos, Inglaterra, etc.)
4.2 La música de cámara y evolución del violín
En Italia la técnica de los instrumentos de cuerda se siguió
perfeccionando sobre todo la del violín y prueba de ello la tenemos en la
producción del compositor violinista Nincola Paganini. Modelo para gran
cantidad de compositores. Muy importante en esta época es la figura del
genio y del virtuoso. Gracias a figuras como Paganini el fenómeno de
masas y el de ídolo comenzó a ponerse de moda por toda Europa.
Además de Paganini, Liszt o Chapín fueron ejemplo de ello.
Paganini, niño prodigio nacido en Génova era considerado la
esencia del artista del Romanticismo con su imagen misteriosa, casi
demoniaca y una técnica deslumbrante. (algunos pensaban que había
hecho un pacto con el diablo, ningún ser humano era capaz de tocar
como él). Revolucionó la escritura y la manera de tocar el violín.
Destacan sus 24 caprichos.
Francia: Destacó su escuela violinistica heredera de la del
Clasicismo y centralizada en París, es aquí donde Cesar Franck ha
dejado una bella sonata para violín muy del gusto francés en cuanto al
colorido y a la sutileza en la expresión.
Alemania: Serán Schubert y Brahms los que más se preocupen
por la música para violín y cuerda solista.
4.3 Agrupaciones instrumentales
1. Música de cámara con piano: A pesar de no ser tan espectacular la
música de cámara como la escrita para orquesta si es cierto que se
escribió muchísima para el uso privado de la burguesia y para concierto
en salones de la alta sociedad. La burguesía acomodada de la época va
tomando como característica principal un mayor conservadurismo que se
traduce en lo musical en un apego a formas más clásicas sin tantas
experimentaciones y a un sonido mas equilibrado. Las agrupaciones de
cámara por tanto son ideales para este hecho.
Otra vez más ha sido Beethoven el modelo a seguir por todos los
compositores posteriores. Ahora se busca un mayor virtuosismo y un
protagonismo mayor del piano dentro de la producción camerística
debido a su sonoridad muy del gusto de la época.
Destacamos de Schubert el quinteto la trucha (violín, cello,
contrabajo y piano). Mendelshonn también escribiría música para cuerda
y piano.
En la segunda mitad de siglo cobra un nuevo auge la producción
de música de cámara con Brahms.
En Rusia los compositores introducen elementos folclóricos en su
producción. Así destacaron las producciones de Tchaikowsky, Rubinstein
y Dvorak.
2. Cuarteto de cuerda: Debido al equilibrio inherente a este tipo de
formación desde su creación en el clasicismo, no es de extrañar que los
compositores para este tipo de agrupación sean aquellos que igualmente
defienden una estética más clásica como Schuman o Brahms. Ya que la
escritura para cuatro instrumentos de cuerda produce una mayor
homegeneidad de sonido los compositores más innovadores, aquellos
que buscan la creación de efectos nuevos se alejan en cierta forma de
este tipo de agrupación (Wagner, Liszt, etc).
De Schubert se conservan unos 15 cuartetos, siguiendo los doce
primeros la tradición clásica. Los trees últimos (Rosamunda, la muerte y
la doncella y el que está en Sol Mayor muestran unas dimensiones
mayores así como una espíritu mucho más romántico.
Mendelsohn escribió 7 cuartetos que toman como punto de
partida las obras de la última época de Beethoven.
Schuman escribiría 3 cuartetos dedicados a Mendelsohn con una
clara inspiración Beethoveniana.
En la segunda mitad del siglo XIX debemos destacar a Brahms,
donde se ensalza a Beethoven. Después de una larga preparación de
más de 20 años acomete la realización de 3 cuartetos en do menor y la
menor.
En Francia serían Saint Saens, Franck y Fauré los principales
compositores en este género.
De Rusia y los paises eslavos debemos destacar su gran colorido
y riqueza tímbrica. Tchaikowsky, Borodin, Dvorak y Smetana serían
creadores de una importante producción.
3. Quinteto, sexteto de cuerda: La ampliación de la plantilla del cuarteto
con una segunda viola o un segundo violoncello se convierte en un
elemento de uso común a lo largo del siglo XIX. La sonoridad de esta
agrupación adquiere rango y protagonismo propio, sobre todo de la
mano de Schubert. Otros creadores serán Bruckner, Brahms
( destacamos sus dos sextetos) o Dvorak.
4. Agrupaciones de viento: Se continúa la tradición d ela Harmoniemusik
(recordemos, música para instrumentos de viento interpretada al aire
libre) no obstante ahora abundan las adaptaciones de fragmentos de
ópera interpretados al aire libre. Empiezan a tener un especial
protagonismo la música para instrumentos de metal y en general el
mayor avance técnico
4.4Evolución de la forma sinfónica.
A lo largo del siglo XIX se entabla una disputa entre los partidarios de
una música ligada a la palabra y al texto denominada msica programtica
frente a aquellos partidarios de una msica carente de todo significado
extramusical. Esta corriente musical pasa a ser denominada música
absoluta y tendrá a Brahms, entre otros muchos, como uno de sus
seguidores. Se ha producido por tanto un conflicto entre la forma de
entender la música de una forma mas clásica frente a otra más
moderna. Este proceso se extrema entorno a 1850. Vuelve a ser
Beethoven el centro de atención. El poema sinfónico triunfa basandose
en las últimas composiciones de Beethoven. Consistía el poema sinfónico
en una composición orquestal en la que la música seguía los dictámenes
de un programa o poema. Liszt sera uno de los verdaderos impulsores
de este nuevo género musical.
a) Romanticismo temprano
Schubert: escribirá ocho sinfonas. Las seis primeras estan orientadas
segn el ideal clsico. Las otras dos se convertiran en modelos para todos
los compositores románticos. Muy conocida es la octava como la
incompleta. Está escrita en el periodo de transición de Schubert y refleja
perfectamente la conciencia de una crisis en la labor creativa del
compositor.
Mendelsohnn: Escribirá, a parte de sus doce sinfonas de juventud, sus
cinco grandes sinfonas. La cuarta será conocida como la escocesa. La
quinta como la italiana. Estas dos últimas ya llevan el reflejo de un
programa que sirve de desarrollo a la música.
R. Schumann: 4 sinfonas. Destacamos la 3ª conocida como Renana.
b) Romanticismo tardío
En la segunda mitad de siglo se experimenta un nuevo cambio, sobre
todo con Bruckner y Brahms.
Bruckner: Austriaco profesor y organista. Escribió nueve sinfonías
precedidas de otras dos (una de ellas concidas como cero). Destacamos
la cuarta denominada romántica. Un enorme estudioso de la música
religiosa católica (recordamos que era organista y ferviente catlico)
además del estudio de la música del Barroco hicieron de su estilo un
estilo denso y lleno de elaboración y contínuas revisiones. Se conservan
por tanto numerosas versiones de sus obras donde se diferencian
diferentes correciciones en lo concerniente a la instrumentación.
Bruckner estuvo pendiente de dos corrientes creativas. De un lado
defendía la música absoluta como música carente de significado
extramusical. De otro, sus sinfonías son eminentemente íntimas y
expresivas. Parecieran que pretende hacer entender al oyente aquellos
sentimiento e ideas que el autor intenta plasmar con la orquesta. Ese
último argumento es eminentemente programático frente a la idea
comentada de su defensa de la música absoluta. Bruckner sigue
escribiendo sus sinfonías atendiendo a la forma sonata y a las demás
formas clásicas. La única diferencia está en las proporciones. Sus obras
son de mucha mayor extensión que la mayoría de las sinfonías de sus
contemporáneos. Este elemento será tenido muy en cuenta por el
compositor posterior, también austriaco, Gustav Mahler a la hora de la
composición de sus obras orquestales.
Brahms: Defensor de la música absoluta, compuso 4 sinfonías basadas
en el trabajo de Beethoven. Brahms pretendió ser el defensor de una
nueva claridad de una nueva tendencia que buscaba mayor sencillez en
la música.
c)La sinfonía en Francia y en los paises eslavos.
En Francia, junto a la tendencia tiunfante de la música programática,
triunfa un deseo de indagar en el pasado de la música francesa. Este
hecho, en general, se conoce con el nombre de tendencia historicista.
Cesar Franck o Saint Saens son fieles representantes de este hecho. De
Saint Saens destacamos su sinfonía nº 3 para órgano y orquesta
(recordemos el gusto francés por este instrumento y como escribieron
abundante música para este instrumento siguiendo la tradición de los
clavecisnistas barrocos como Couperin o Rameau).
En la región centroeuropea de Bohemia destacamos la música de
Smetana y Dvorak.
Smetana tiende a la música programática con sus poemas sinfónicos.
Esta es una forma en la que la división de las partes internas no es
como en la sinfonía (cuatro partes) sino que puede variar en función de
un programa que se siga. Un ejemplo claro puede se el poema sinfónico
de Smetana titulado Mi Patria.
Dvorak por el contrario se inclina más por las formas clásicas de
sinfonías en cuatro movimientos, también en la música absoluta pero
incluyendo elementos propios del folclore de su país. Escribió nueve
sinfonías, la última conocida como la del nuevo mundo.
Rusia: Aquí nos encontramos con Borodin, Korsakov y sobre todo
Tchaikowsky. Los compositores rusos quisieron establecerse como un
grupo independiente frente a las corrientes centroeuropeas. Este grupo,
conocido como grupo de los cinco, tenía como prioridades realizar una
música acorde con las principales caracteisticas estéticas de su época
(roamanticismo) pero sin olvidar sus raices y haciendo del folclore y de
las historias de la vieja Rusia el guión para toda su música.
Tchaikowsky quiso desmarcarse simpatizando más con la forma de hacer
centroeuropea. En sus seis sinfonías lo podemos apreciar claramente.
Algunas de sus sinfonías llevan encabezamientos programáticos y
también incluyen elementos de su tierra así como una referencia a
Beethoven sobre todo en la 5º y en la 6ª concida como patética.
4.5La sinfonía programática y el poema sinfónico
Es el románticismo una época donde la poesía por encima de otros
géneros literarios triunfa y se ve apoyada por el uso que hacen los
músicos de ella en sus composiciones. los primeros ejemplos de la mano
de Schubert con sus colecciones de lieder (canciones) basadas en la
obra del poeta Goethe habían marcado una referencia para todos los
compositores europeos.
En Francia, que por aquel tiempo era la capital cultural de Europa, se
habían congregado numerosos artistas. Un compositor, fiel seguidor de
la figura de Beethoven, llamado Berlioz decide componer su sinfonía
Fantástica basada en un contenido extramusical (cada parte viene
titulada con referencias literarias). Se escribe así la primera gran obra
programática. Otro compositor residente en París durante un tiempo y
pianista aclamado, Liszt crea a su vez el Poema sinfónico. Obra para
orquesta basada en un contenido extramusical pero con una agrupación
formal distinta, generalmente en un único movimiento frente a los
diferentes movimientos de la sinfonía o música programática.
Berlioz fue un gran estudioso de la orquesta y uno de los mejores
orquestadores que han existido. La composición de la sinfonía fantástica
surge de su romance con una actriz escocesa y el desastre de tal
relación. De esta forma lo intimo, lo personal pasa a ser descrito con lo
músical. Una novedad que introduce en esta obra es que su amada,
llamada Harriet Smithson, se convierte en su sinfonía en lo que
denominará idea fija (idee fixe). Esta idea fija no es otra cosa que una
melodía que va reapareciendo a lo largo de la obra variándose en la
instrumentación, en la velocidad, en la altura o en la intensidad. Otras
obras programáticas de Berlioz serán sus escenas de Fausto, Harold en
Italia con pasajes de viola solista para Paganini, Romeo y Julieta o la
gran sinfonía funebre y triunfal.
Liszt: De origen húngaro, fue director musical en la ciudad alemana de
Weimar entabló relaciones de amistad con Wagner y su afición a la
experimentación musical le hizo ser el creador de un nuevo género
musical conocido como Poema sinfónico. (Recordamos: como una
sinfonía programática pero en un único movimiento). Desatcamos: Los
preludios, Prometeo, Mazzepa. Escribió alguna sinfonía programática
como la sinfonía fausto. (el gusto por el tema de Fausto viene de la
fama que adquirió la obra del poeta alemán Goethe).
Rusia: Mussorgsky: Noche en el monte pelado. Fue Mussorgsky un
compositor admirado por unos repuadiado por otros. Su autodidactismo
lo llevo a una constante experimentación en cuanto a la instrumentación
y a la forma. Se convertiría a la larga en un referente para los autrores
del siglo XX. Uno de sus rivales, Korsakov escribiría una bella música
progrmática conocida como Scherezade (el gusto por lo exótico, lo
oriental, lo español, lo japones triunfa en esta época). Scherezade se
convierte en una bella melodía interpretada por el violín que debe sonar
a lo largo de la obra de forma similar a lo que debía hacer la bella
Scherezade durante mil y una noches para evitar ser asesainada por el
sultán.
Otros compositor ruso de poemas sinfónicos fue Borodin con En las
estepas del Asia central.
En Bohemia ya hemos señalado la labor de Smetana con mi Patría (Ma
Vlast).
Escandianvia: Destacamos a Sibelius en Finlandia con sus cinco sinfonías
y sus poemas sinfónicos cargados de imágenes sugerentes como
Kullervo o Finlandia. Destacar a este autor por su interés por nuevas
estructuras donde los temas musicales discurren de forma gradual y
suave. Otro autor escandinavo será Nielsen con sus 6 sinfonías.
4.6La obertura, la suite orquestal y el concierto solista.
Recordamos que la oberrura es una composición instrumental para
orquesta y destinada a inaugurar o a preludiar un conjunto de piezas
como una suite o bien una obra dramático musical como una ópera,
oratorio, ballet. etc. Ya que este último grupo de piezas tienen en común
su relación con elementos extramusicales no es de extrañar que
triunfará en el Romanticismo el género de la obertura.
Si nombramos a Beethoven como uno de los creadores de la moderna
obertura no sorprendermos a nadie, habida cuenta de la importancia de
este compositor para los músicos del siglo XIX. De Beethoven eran las
oberturas Coriolano, Fidelio, Leonora, Egmont. Muchas de estas
oberturas eran interpretadas en grandes eventos y conmemoraciones.
Obertura Académica de Brahms, Sueño de una noche de verano de
Mendelsohnn, (con la famosa marcha nupcial), Manfredo de Schubert,
Obertura de 1812 de Tchaikowsky, etc. Eran piezas orquestales
interpretadas a modo de preludio de piezas posteriores, no obstante
muchas de ellas se habían escrito como piezas independientes y de
concierto. De lo expuesto surge la confusión que puede haber entre
piezas de este tipo y el poema sinfónico. Generalmente la Obertura de
concierto no solía seguir un hilo argumental claro, eran más bien piezas
que pretendían expresar una atmósfera o un estado anímico, tal es el
caso de la obertura académica de Barhms donde se interpreta el himno
universitario Gaudeamus Igitur y que fue escrita para celebrar el
nombramiento de Brahms como doctor Honoris Causa. La obertura 1812
de Tcahikowsky fue escrita para la conmemoración de la vistoria del
ejercito ruso sobre las tropas de Napoleón.
Otro caso de música orquestal sería el de la Suite (recordamos conjunto
de danzas o bailes). En este caso la suite orquestal no está creada para
bailar y ve en Francia, y sobre todo a partir de la segunda mitad de
siglo, un mayor impulso debido al creciente interés por la música del
pasado (historicismo) que tienen los compositores franceses. Suites
escribió Saint Saens. Fauré escribiría la suite sobre Pelleas et Melisande.
También en los paises escandinavos se escribieron suite como Peer Gynt
del compositor Edward Grieg. Este conjunto de números se basaban en
uno de los relatos mas famosos del escritor danés Ibsen.
Concierto solista para piano: Destaca en el siglo XIX el concierto para
piano sobre el resto de conciertos. Los de Mozart y Beethoven sirven de
modelos. Conciertos de piano que podemos destacar en la primera
mitad de siglo son los de Schuman, Grieg, Chopin, Tcahikowsky o
Mendelsohnn.
A partir de la segunda mitad de siglo, y sobre todo por las dos
tendencias que surgen (Programática-Absoluta) representada por la
música de Liszt y Brahms respectivamente. Van aperciendo diferentes
peizas que no se someten a una estructura clara de concierto en tres
movimientos. Igualmente esa diferenciación entre las partes, en el caso
de Liszt se rompe. La música no se corta en ningún momento en sus
conciertos para piano. El virtuosismo es cada vez más elevado
igualmente.
Conciertos para violín: Referencias es el concierto de violín de
Beethoven y la imagen de virtuoso que pone de moda Paganini. Autores
destacados son Tcahikowsky, Bruch entre otros.
Los conciertos para otros instrumentos pasan a un segundo plano.