Fundamentación de la práctica curatorial o del

Ejemplo 9
Exposición
Alumna C (NS)
Fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico
Mi trabajo artístico se ha basado en varias ideas diferentes, todas ellas relacionadas con el tema de la corrupción
de la infancia. He tratado de abordar este tema de diferentes maneras: analizando el acoso, creando obras
inspiradas en el orfanato de Nepal, analizando algunos efectos de la tecnología en los niños de hoy en día y, por
último, explorando mi propia infancia y cómo hacia el final de ella te das cuenta de que pronto dejarás de ser
niño. Mis obras incorporan elementos escultóricos y texturas y he utilizado una serie de procesos para adaptar
el medio a mi intención, por ejemplo, destruyendo deliberadamente partes de la superficie de mis cuadros y
añadiendo hojas y tierra a la pintura. Empecé el curso de Arte del IB como fotógrafa, y la fotografía constituye la
base de la mayoría de mi trabajo. Uso referencias fotográficas y generalmente tomo fotografías antes de
empezar una obra para tener una imagen en la que basarme al pintar.
Mis tres obras sobre el acoso, Feral 1, Feral 2 y Feral 3 [Salvaje 1, 2 y 3], están inspiradas en las creaciones de
Egon Schiele. Este artista tendía a explorar el tema de la sexualidad, pero decidí utilizar su estilo para explorar
algo más personal para mí y analizar el acoso. Quería representar a los acosadores como personas a la vez
vulnerables y amenazantes, porque creo que a menudo tratan de ocultar el hecho de que tienen miedo o les
han hecho daño.
Desarrollé estas obras teniendo siempre presente al espectador. Quería que el significado se captara mediante
la observación, en lugar de por su pertinencia personal; por eso, lo primero que consideré fue cómo transmitir
mi mensaje eficazmente al espectador. Usé fondos lisos para destacar las figuras y elegí tonos terrosos cálidos
que invitaran al espectador a mirar, mientras que las figuras proyectan sombras en tonos azules fríos para
restarle armonía al fondo. Diseñé las figuras para que pareciera que estaban reaccionando ante una amenaza;
así, los coloqué de manera que pareciese que la amenaza estaba frente al lienzo: sus cuerpos están orientados
con la espalda y los codos apuntando al espectador, hacia el que están mirando.
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Ejemplo 9
Fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico
Las siguientes obras están inspiradas en la semana que pasé en Nepal como parte de un proyecto de mi
colegio. Trabajamos con los niños de un orfanato y niños desplazados por otras circunstancias lamentables.
Me llamó la atención lo universales que son algunos aspectos del ser humano: nosotros veníamos de un
entorno privilegiado y estos niños procedían de hogares rotos, pero enseguida fuimos capaces de hacernos
amigos y divertirnos juntos. Quería que mis obras basadas en esta experiencia los retrataran simplemente
como personas, y no como gente por la que se debería sentir lástima o pena.
En estas obras quería que el espectador sintiera que no formaba parte de la experiencia, lo contrario a mi
intención para la colección Feral. Las figuras no miran directamente al espectador, sino que se miran unas a
otras. He usado tonos azules y grises para que las imágenes resulten menos atractivas y las personas
parezcan más serenas.
Las obras relacionadas con mi propia infancia (Matsubokkuri Koen, Juvenescence [Adolescencia] y Collision
[Colisión]) incorporan elementos que aportan texturas para que la experiencia resulte más interesante al
espectador. Traje hojas, piñas y tierra del bosque que pinté y las utilicé en Matsubokkuri Koen y
Juvenescence. Collision tiene un estilo más abstracto e impresionista. Esta obra se ve mejor desde la
distancia, así las formas empiezan a parecer algo, mientras que vista desde cerca no se encuentra sentido a
los distintos detalles. La coloqué sola en la pared occidental de la exposición para que el espectador pueda
verla desde la distancia y concentrarse solamente en esta obra.
N.º de palabras en la lengua original: 670 Material de ayuda al profesor de Artes Visuales
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Ejemplo 9
Fotografía de la exposición
Mi espacio de exposición
Tengo la pared norte de esta sala y espacio en las paredes oriental y occidental. El
fondo blanco y los focos de luz ayudan a resaltar las obras sin distracciones. Las dos
obras que se ven mejor en la distancia (Collision y Feral 3) aparecen solas, cada una
en una pared.
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Ejemplo 9
Obra 1
Feral 1 [Salvaje 1]
Medio: Pintura acrílica sobre tabla de madera
Tamaño: 89 x 59 cm
Esta fue mi primera obra con pintura acrílica y
presenta a una víctima de acoso.
Inspirándome en Egon Schiele, utilicé texturas
rugosas, finas capas de pintura y pinceladas
desiguales para crear una sensación de
intranquilidad constante. La anatomía
distorsionada, la textura de la piel y la
combinación de colores terrosos dan un
aspecto más animal a la figura. Quería que
pareciera que tenía miedo o era vulnerable,
pero también que transmitiera una cierta
amenaza para crear la sensación de que es
como un animal herido que puede atacar si
tratamos de ayudarlo.
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Ejemplo 9
Feral 2 [Salvaje 2]
Medio: Pintura acrílica sobre tabla de madera
Tamaño: 109 x 35 cm
Obra 2
La segunda obra de la colección sobre el acoso inspirada en Schiele
comparte muchas técnicas con la primera.
Traté de crear
incertidumbre: no sabemos si la figura es autora o víctima del acoso.
Esto refleja el hecho de que, a menudo, los acosadores han aprendido
de otros que les han acosado. Su postura indica que está a la
defensiva: da la espalda al espectador y tiene los brazos cruzados.
Está colocada de forma que parte de su cuerpo queda fuera del
cuadro; esto hace la composición más asimétrica y desequilibrada. La
gama limitada de colores opuestos (naranjas cálidos y azules fríos)
también contribuye a crear una sensación de discordia.
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Ejemplo 9
Feral 3 [Salvaje 3]
Pintura acrílica sobre tabla de madera
80 x 245 cm
Obra 3
Esta obra continúa las dos anteriores. Con ella traté
realmente de usar la escala para transmitir la emoción.
Quería que el espectador se sintiera intimidado por la figura,
porque me parecía que las dos obras anteriores más
pequeñas no lo conseguían. Me concentré en los ojos para
que pareciera que nos miran fijamente, y utilicé el tamaño
del cuadro para reforzar la sensación de amenaza. De las
tres figuras, esta es la que presenta la anatomía más
distorsionada, y creo que es la más amenazante y la menos
vulnerable. Este retrato te hace sentir físicamente
amenazado porque se alza imponente ante ti.
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Ejemplo 9
Breakthrough [Ruptura]
Pintura acrílica sobre lienzo y tinta
41 x 80 cm
Obra 4
Este lienzo está inspirado en una obra del artista
indonesio Wahyu Widiyanto. Estuve con niños de
un orfanato en Nepal y la paradoja de la obra, en la
que se rasga la imagen de una niña sonriente, me
recordó a esos niños. Utilicé una fotografía de una
niña que había tomado durante esa semana, la
rasgué y utilicé carboncillo en la parte superior de la
composición para reforzar la sensación dominante
de destrucción y corrupción alrededor de la niña.
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Ejemplo 9
Moments [Momentos] (colección)
Fotografías, impresión de inyección de tinta
117 x 28
Obra 5
Me atraen las colecciones: me gustan las posibilidades que ofrece una sola obra compuesta de
muchas otras para contar una historia. Analicé la obra de Richard Avedon, que usa fondos
completamente blancos para aislar a las personas que retrata. Así, la fotografía se centra
totalmente en la persona y concentra la atención en la cara, lo que hace más fácil usar los ojos
de quienes aparecen en las fotografías como método para dirigir la mirada de una foto a otra.
Esta colección presenta un flujo de movimiento, no se trata solo de fotografías estáticas
aisladas.
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Ejemplo 9
Obra 6
Nepali Girls: Sunita & Susmita [Niñas nepalíes: Sunita y Susmita] (díptico)
Pintura acrílica sobre lienzo
100 x 120 cm
Jan Schlegel es otro fotógrafo que
compone sus fotografías de manera
que aísla a las personas retratadas.
Fotografió a miembros de tribus
indígenas de África y Asia, y me gusta
la forma en que la composición
aislada y los colores apagados de las
fotografías
eliminan
todo
sensacionalismo de las personas
retratadas, que visten prendas muy
diferentes
a
las
que
está
acostumbrado el espectador.
Yo
quería conseguir algo así: las chicas
que pinté son de orígenes muy
distintos al mío, pero son personas y
por tanto podía conectar con ellas. La
niña de arriba está mirando a la de
abajo, que a su vez mira al
espectador. Esto hace que la obra sea
dinámica.
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Ejemplo 9
Symptoms [Síntomas] (colección)
Papel para acuarela, impresión de inyección de tinta, café molido
125 x 34 cm
Obra 7
Empecé analizando imágenes médicas de la época victoriana. Quería representar los
síntomas de la adicción a la tecnología de la sociedad. Las imágenes representan el deterioro
de la naturaleza, un miembro fantasma que sugiere cómo nos sentimos cuando olvidamos el
teléfono en casa, y varias imágenes sugieren cómo la tecnología aísla a las personas de la
sociedad. Utilicé Photoshop para crear el efecto de papel a la sal e imprimí las imágenes en
papel para acuarela que había manchado con café.
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Ejemplo 9
Obra 8
Wired [Con cables] (colección), fotografía 1
Fotografía impresa sobre lienzo, pintura acrílica, alambres, cables de computador
71 x 84 cm
Una de las imágenes que utilicé
en la colección Symptoms era de
una mujer dando la espalda a la
cámara. Imprimí mis fotografías
sobre lienzo y raspé algunas
partes
para
sugerir
la
desintegración del ser a medida
que se va envolviendo con los
cables. Me gustó esa imagen, así
que tomé otras fotografías para
usarlas en un proyecto con un
tema similar.
Esta obra está
inspirada en Valerie Hegarty, que
utiliza una gran variedad de
medios e instalaciones y cuyas
obras siempre transmiten una
sensación de dinamismo y
aislamiento.
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Ejemplo 9
Wired [Con cables] (colección), fotografía 2
Fotografía impresa sobre lienzo, pintura acrílica, alambres, cables de computador
145 x 38
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Ejemplo 9
Obra 9
Juvenescence [Adolescencia] (díptico)
Pintura acrílica sobre lienzo, hilo de algodón, piña
56 x 30 cm
Del tema de la tecnología pasé al de la
infancia. Mis compañeros y yo nos acercamos
al final del colegio y el comienzo de la
universidad, por lo que en estos momentos
tenemos muy presente el miedo a hacernos
mayores. Quería crear una obra que pareciese
un retrato de la infancia en la época victoriana,
porque tienen un estilo muy serio y formal. El
hilo muestra que, a medida que nos hacemos
mayores, las cosas van pasando y quisiéramos
aferrarnos a la serie de cosas que dejamos
atrás. La piña es del bosque que había
pintado, y la incluí como algo simbólico de mi
infancia.
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Ejemplo 9
Matsubokkuri Koen
Pintura acrílica sobre lienzo, acuarela, piñas, hojas de pino, hojas secas
41 x 123 cm
Enero de 2012
Obra 10
En mi infancia, solía ir a este parque a buscar piñas. Es un parque pequeño, pero cuando era
niña me parecía enorme. Por eso traté de concentrarme en la profundidad para transmitir la
sensación de tamaño infinito que sentía en este parque. Me inspiré en Euclide, que utiliza una
técnica de esfumado en sus paisajes para ayudar a crear la sensación de profundidad. Añadí
hojas y piñas de este bosque de Japón para acercarlo un poco a la obra, y para darle algunas
texturas interesantes.
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Ejemplo 9
Collision [Colisión]
Óleo sobre lienzo
100 x 70 cm
Obra 11
Empecé este curso como fotógrafa y lo terminé, espero, como pintora. No me basé en ninguna fotografía
para crear esta obra. Quería probar algo más abstracto y experimentar con la pintura al óleo, que no había
usado hasta ahora. Este lienzo es vago y abstracto; usé técnicas impresionistas en las pinceladas, la
luminosidad y los tonos terrosos para sugerir la idea de un paisaje. Si Kien es un símbolo de mi infancia y
una imagen realista de un lugar en el que pasé mucho tiempo, Collision es un símbolo de mi edad adulta:
solo puedo ver una idea de cómo va a ser desde la distancia, y esta idea es indefinida e incierta.
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