explosión: el legado de jackson pollok. los males del arte

Disturbis Grau
EXPLOSIÓN: EL LEGADO DE JACKSON POLLOK. LOS
MALES DEL ARTE
CRISTINA RODRÍGUEZ CONTRERAS
Pollock es uno de los más celebrados representantes del expresionismo
abstracto, denominación que acoge una pluralidad de creadores que
reivindicaron su propia singularidad. Dentro de la diferencia, les unió una
iniciativa autoritaria y un anhelo catártico nacido de un desasosiego por una
revelación perversa; la entelecheia de la pintura. El conflicto existencial llevó a
muchos artistas a sumergirse en la búsqueda del origen pictórico, desvistiendo
la pintura de cualquier atisbo mimético para hacer evidente su verdad.
La Escuela de New York se propuso darle caza al alcance basándose en
multitud de argumentaciones abstractas y en 1947 nace de las manos de
Pollock la denominada pintura de acción1. El transgresor dripping de Pollock
convierte el acto pictórico en un espacio de acción dónde el gesto, la
experimentación, el acto creador y los heroicos furores toman fuerza
generando una nueva conexión entre el creador y la marca, modificando la
comunión física entre artista y creación. En este acercamiento se establece un
insólito ritmo fundamentado en la espontaneidad, el azar y el automatismo,
pero sin renunciar a lo autográfico ya que la disposición expresiva del
inconsciente palpita en cada marca, es decir, el Yo dentro del cuadro. Esta
insistencia autoritaria nos presenta una pieza que habla más del genio kantiano
que de la similitud de cualquier cosa bajo el sol2. La línea no es un modo de
distinguir la forma del mundo exterior, alejándose doblemente de la verdad
platónica, sino que es el eco del principio vivificante del alma3; la fértil
endogamia entre entendimiento e imaginación, reflejada mediante la expresión
artística4 del genio, la facultad de invención...por lo que está cualificado para
1
AAVV. Arte desde 1900. 365 y ss.
Filostrato, el viejo.
3
Kant, Crítica del Juicio, 213, 219-221.
4
Íbidem.
2
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hacer nuevos descubrimientos... y obras de arte originales 5, revolucionando el
gusto y alterando los usos de la mundanidad.
El trabazón trasformado en mezcla, llevada al extremo en el body-art de Bruce
Nauman, donde utiliza su propio cuerpo como superficie pictórica, unificando la
existencia conceptual y física de artista y obra en un mismo signo6, como
medio cierto de aletheia ya que la obra de arte desvela la verdad de lo ente,
para el ser y desde el Ser que no llega, misteriosa, al desocultamiento. Así la
obra de arte se eleva teniendo un lugar privilegiado, un medio para presentar el
Ser en el mundo. La obra de arte deja de ser la ventana de un mundo expirado
y se maximiza como signo en la Tierra y genera Mundo a partir de las
realidades heideggianas en la obra de arte: creador y creación como resultante
de la arché. La acción creadora del ser como expresión de la propia vida7. Pero
Nauman no sólo unifica conceptos del arte sino que elimina la objetividad,
presentándose como objeto efímero en el sujeto, prevaleciendo eterna la
concepción del artista y practicando una crítica al materialismo, y a la
institución artística mercantilista despojándola de su género.
La figura del creador se pone en cuestión ya que las acciones pictóricopreformativas
crearon
unas
iconografías
gestuales
concretas
que,
supuestamente, son la irradiación rítmica entre la mano y las regiones del
espíritu artístico. Las marcas fueron imitadas por las máquinas de arteindustrial de Jean Tinguely.
5
Gerard, Un ensayo sobre el genio. 26-27, 33-35, 37-38.
El signo como elemento óntico utilizable, tanto de la totalidad de las referencias como de la
mundanidad. Vattimo, Introdución a Heidegger. 32-33.
7
Heidegger, Caminos en el Bosque, 75-76.
6
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Jean Tinguely, Méta-Matic nr 17, 1959. Foto de la autora.
La maquina expele la mano del artista, sustituida por el autómata y la creación
por el producto despojado de cualquier signo aurético y autoritario. El
manifiesto de Guiuseppe Pinot sobre el arte industrial recoge el testigo
benjaminiano; el arte industrial debía ser producido de manera mecánica y
facilitar su acceso a la masa, en el caso de que fuese una manifestación elitista
a la heideggiana, no sería arte8. Se destruye el arte como elemento
diferenciador entre clases, la especulación financiero-artística, y se apuesta por
democratizar las formas simbólicas desde un sentido profundamente
anticapitalista. Actualmente el arte se encuentra sometido al calvinismo y a los
excesos de nuestro tiempo basados en una supuesta originalidad, ha sufrido
una banalización o espectacularización pero no todo es desecho mercantil.
Ciertas cuestiones híbridas donde lo popular y lo masivo se retroalimentan en
8
La máquina puede muy bien ser el instrumento adecuado para la creación de un arte
industrial-inflacionista, basado en el anti-patentes, la nueva cultura industrial será estrictamente
hecho entre las personas o no en absoluto. El tiempo de los escribas se acabó. Guiuseppe
Pinot Gallizio, Manifiesto de la Pintura Industrial: Para un arte unitario aplicado, 1959. Extraído
de www.notbored.org/gallizio.html, consultado el 23/12/2012.
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la gestación de nuevas formas como el arte urbano9, puesto es imposible
entender el arte desde una sola coordenada.
El mencionado arrinconamiento del artista, nos plantea si es cierto que la
expresión es la materialización burguesa de un coito ergo sum10 que presenta
la obra como un organismo. Esta claro que en cada expresión artística hay una
resistencia; lo que el artista quiere trasmitir y lo que es capaz de trasmitir. Se
establece una relación unidireccional a tres entre el artista como emisor, la
expresión artística como medio y el espectador como receptor. A mediados del
siglo XX se planteaba un sometimiento de la mirada del espectador, una
meditación epicúrea a través del arte. Del proceso creativo surgían los
elementos profundos del espíritu, traducidos en expresión trascendental a partir
de los efectos del alma e intentando evocar los mismo efectos en el espectador
situado ante la obra. La muestra plantea una inversión de dicha disposición
comunicativa en la obra escrita de Lawrence Weiner que, desvela la
emancipación del espectador. Intrínsicamente hay acción en la mirada del
espectador11 y por ese motivo no se debe presentar como un simple
destinatario. A través de la palabra escrita se invierte la direccionalidad
comunicativa recurrente, el artista nos dice “- Hazlo tú. ”, estableciéndose el
relativismo absoluto en la generación de las imágenes. Se trata de una idea
heredada del profundo mal en las obras de Pollock. Si el artista de Wyoming
reivindicó el acto creativo como esencia, su legado material es un resultante
sesgado ya que la superficie no muestra la totalidad del movimiento y la marca
impulsada por el gesto queda cristalizada en los límites de la propia pieza.
9
Pollock decía que el futuro era la pintura mural y que su obra era la perfecta transición para la
futura ocupación del territorio.
10
Planteado una conyunta fértil, estableciendo la expresión artística como vergel y una relación
artista-obra fetichista y onanista.
11
Ranciére. El espectador emancipado. 19.
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Detalle de Silver over Black, White, Yellow and Red, Pollock, 1948 y uno de los
muros interiores de la Fundación Miró. Foto de la autora.
Esto presenta una pintura enferma y posteriormente inmolada en las acciones
creativas. Los límites del lienzo ya no sirven y es destruido en el acto
preformativo. Esto hace que espectador se vea importunado en su disposición
tradicional
a través Happening, una fusión entre arte y vida donde se le
involucra con lo que está sucediendo. Los creadores considerados herederos
de Pollock reciben este mal atávico impregnado de nihilismo, e intentan utilizar
la pintura como medio catártico. Paul McCarthy, pintando la guía telefónica
destruye la sociedad para construirla desde su estado Zero12, pero la ineficacia
purificadora del arte empuja al artista al nuevo arrebato destructivo. El creador
es conciente de la imposibilidad de escapar de si mismo como miembro de una
sociedad de males, puesto tras el estrago queda la realidad enferma.
12
El grupo Zero expandió la pintura en el tiempo y en el espacio. El movimiento y la luz se
convirtieron en los elementos definidores de su arte. «Cero es la zona inmensurable en la que
el antiguo Estado se transforma en un Estado nuevo y desconocido.». Extraído de Explosión!
El legado de Jackson Pollock.
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Detalle de Muttsu no ana de Saburo Murakami, 1955 – 2006. Foto de la autora.
Esta impotencia conduce al artista a cambiar la dirección del fluxus, obligando
al espectador a generar la obra de arte mediante el hazlo tú, revelando el total
cataclismo del artista ilustrado-romántico y modificando las capacidades
presumibles de cada estrella que compone la galaxia del arte.
Bibliografía:
AAVV. Arte desde 1900. Akal, Madrid, 2006.
BENJAMIN Walter, La obra de arte en la era de su reproductividad técnica.
Casimiro Libros, Madrid, 2010.
BRUNO Giordano, Los Heroicos Furores, Tecnos, Madrid, 1987.
GERARD Alexander, Un ensayo sobre el genio. Siruela, Madrid, 2009.
HEIDEGGER Martin, Los Caminos del Bosque, El Origen de la Obra de Arte,
traducción de Helena Cortés y Arturo Leyte. Alianza, Madrid, 1996.
KANT Immanuel, Crítica del Juicio. Espasa Calpe, Madrid 1984.
RANCIÉRE Jacques. El espectador emancipado. Ellago, Pontevedra, 2010.
Disturbis Grau
PLATÓN, Fedro. Istmo, Madrid, 2008.
VATTIMO Gianni, Introducción a Heidegger, traducción de Alfredo Báez.
Gedisa, Barcelona, 1987.
VARGAS LLOSA Mario, La civilización del espectáculo. Alfaguara, Madrid,
2012.
Artículos:
KAPROW Allan, “The Legacy of Jackson Pollock” en ARTnews, 1958.
Reimpreso en Allan Kaprow, Essays on the Blurring of Art and Life, ed. Jeff
Kelley, Berkeley-Los Angeles, University of California Press, 1993, pp. 1-9.
CERVANTES Berta, “Happening: La acción efímera como actividad artística”
en DC PAPERS, revista de crítica y teoría de la arquitectura, ISSN 1887-2360,
Nº. 4, 2000, pags. 104-113.
Webgrafía:
www.notbored.org/gallizio.html
www.fundaciomiro-bcn.org