TEMA 7 EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES
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CAPITULO 7 EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES ESQUEMA DE CONTENIDOS 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. Introducción 1886: Crisis y superación del Impresionismo Seurat y el Neoimpresionismo Cézanne: la construcción de la forma Van Gogh y la fuerza del color El Simbolismo, un movimiento coetáneo La nostalgia de lo primitivo: Paul Gauguin, el Grupo de Pont-Aven y lo Nabis Otros precursores: 8.1. A obra de Henri de Tolouse-Lautrec 8.2. Henri Rousseau, el aduanero 1. INTRODUCCIÓN El Postimpresionismo aúna a un grupo de pintores posteriores a los impresionistas cuya actividad se desarrolla en las dos últimas décadas del siglo XIX hasta los primeros años del siglo XX. Se ha señalado que el Postimpresionismo es uno de los episodios más complejos y confusos de la historia del arte contemporáneo, ya que conviven durante 20 años, el Neoimpresionismo, el Puntillismo, el Sintetismo y Cloisonismo, la Escuela de Pont-Aven y los Nabis, El Simbolismo y el Salón de la Rose+Croix, además de la producción individual de artistas como Cézanne, Van Gogh o Gauguin. Estos tres artistas tuvieron gran influencia en la pintura del siglo XX, hasta el punto de que Bernard Denvir, dice que ‘’no hay ningún aspecto en el arte del siglo XX que no se pueda remontar a alguno de los elementos constituyente del Postimpresionismo’’. Las ideas comunes de los artistas del Postimpresionismo, además de las innovaciones estilistas fueron las de superar el diálogo entre el pintor y la naturaleza, característico del Impresionismo y en exigir más, buscando un arte que provocara emociones y sentimientos. Intentaron pintar lo que creían ver y no lo que veían en la realidad. Dando primacía al sentimiento, consiguiendo una liberación contundente del color. Al repudiar el compromiso con el realismo, se supero el compromiso con los temas de la vida contemporánea, esta generación de pintores se interesó en la temática religiosa, leyendas o temas de resonancias históricas, literarias y académicas. La exigencia de ir más allá del Impresionismo les hizo renunciar a los métodos tradicionales que se habían impuesto en Europa desde el Renacimiento, obviando la perspectiva, el claroscuro, es decir la profundidad y el volumen. Los artistas miraron más allá del siglo XV remontándose a las artes de civilizaciones primitivas, del arte egipcio o del medieval. EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 1 CAPITULO 7 La motivación esencial que explica la aparición del Postimpresionismo fue el desgaste y la crisis del Impresionismo. Además hay que analizar también los fenómenos históricos y sociales que acabaron con el naturalismo impresionista. Parlsons y Gale comentaron que durante las dos últimas décadas del siglo y hasta el 1914 no hubo guerra en Europa, siendo un periodo que propició el desarrollo de la industrialización, el aumento de la producción, del progreso económico, del transporte y el comercio y un crecimiento de la población y una fuerte migración del campo a la ciudad. Resumiendo, las innovaciones y el espíritu de inquieta experimentación que caracteriza la pintura de este periodo pueden verse como un reflejo de las fuerzas dinámicas y a violencia latente que afectaba a la sociedad europea y las transformaciones habidas hicieron que los artistas se cuestionaran su papel e incluso el valor del arte en una sociedad moderna e industrializada. 2. 1886: CRISIS Y SUPERACIÓN DEL IMPRESIONISMO En la década de 1880, el Impresionismo se fue asentando en el panorama europeo, sus innovaciones sobre la luz y la incidencia que tuvo sobre la forma y el color. Los impresionistas consiguieron dar salida a su obra a través de la venta estructurada de galerías. Pero a mediados de esta década ya se gestó la crisis de este movimiento. La fecha clave fue 1886, ya que se produjeron varios factores que influyeron en ello. El escritor Émile Zola, publica la novela La Obra, la historia de un pintor fracasado que acaba loco y suicidándose (remitiendo a la vida de Manet y de Cézanne), lo cual propicio que el protagonismo literario de un pintor maldito se interpretó como un ataque directo al impresionismo. También en este año 1886, el crítico Félix Fénéon publica una serie de artículos en los que informa de que una serie de nuevos pintores estaban superando el ‘’impresionismo naturalista’’. Esto unido a las enemistades entre los integrantes del grupo impresionista provocaron que en la Octava exposición no estuvieran presentes las grandes figuras (Monet, Sisley, Caillebotte, Cézanne y Renoir) Otro factor fue el abandono de varios pintores iniciados en la técnica impresionista abandonaron París (como Cézanne). Resumiendo, el grupo impresionista se estaba resquebrajando. En 1884, se creó el Grupo de Artistas Independientes, organizado por una serie de pintores rechazados por el jurado del Salón Oficial que continuaron la política impresionista de organizar sus propias exposiciones ante la negativa oficial. El Postmodernismo debe ser entendido como un movimiento que supera las fronteras francesas, para convertirse en un fenómeno internacional. A la vez que en París se organizaba el Salón de los Independientes, en Bruselas se organizó el grupo de Los XX, cuya novedad era la de invitar a un artista extranjero en cada certamen, de esta manera pudieron exponer sus obras pintores impresionistas más renovadores como Renoir o Monet, pero también los nuevos postimpresionistas como Pisarro, Gauguin, Cézanne o Van Gogh. En 1886 se publica el Manifiesto del Simbolismo (Jean Moréas) que proclamaba la importancia de la imaginación sobre la realidad material y enaltecía a artistas con temática misteriosa, irracional, fantástica y visionaria. EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 2 CAPITULO 7 Finalmente en el año 1886, se celebra el segundo certamen del Salón de los Independientes, en el que Georges Seurat presenta una obra sorprendente e inaudita en el panorama parisino: Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, conocida comúnmente como La Grande Jatte. En este cuadro muchos vieron que este cuadro traicionaba claramente los postulados del Impresionismo. Con esta obra se cierra un período y se abre un LA GRANDE JATTE. GEORGES SEURAT 1886 nuevo capítulo de la historia de la pintura. 3. SEURAT Y EL NEOIMPRESIONISMO Georges Seurat (1859-1981) es el fundador del estilo llamado Puntillismo o Divisionismo. Los críticos lo consideraron como un nuevo impresionismo. Seurat aplicó puntos diminutos de color para componer sus temas en cuadros en cuadros de grandes dimensiones después de realizar bocetos, alejándose así del pequeño formato y la contemplación espontánea de los impresionistas. En su primera composición, Baño en Asniére, intentó aplicar las teorías científicas del BAÑO EN ASNIÈRES. GEORGES SEURAT. 1883 color. Una de las teorías que aplicó fue la de Chevreul, en la que se decía que los colores actúan conforme al principio del contraste simultáneo y se dividen en primarios ( rojo, amarillo y azul) y en secundarios (naranja, verde y violeta) que surgen de la mezcla de los primarios y son a su vez complementarios de los primarios. Unos y otros colores componen el espectro cromático del arco iris y unidos dan como resultados la luz blanca del sol. Lo que muchos pintores del siglo XIX lo aplicaron de forma intuitiva, Seurat lo hizo de forma científica, la fórmula de que al usar los complementarios se intensificaba el color consiguiendo una mayor luminosidad. No había que mezclar los colores sino que con pequeñas pinceladas los colores conseguían la mezcla óptica en la propia retina. Cuando realizó La Grande Jatte, la expuso en el Salón de los Independientes, siendo un alegato de una nueva doctrina artística en la cual el color se somete a un ideal científico y a la primacía de la razón. Lo que consiguió en sus obras, sorprendió por los resultados de la composición, solemne y armónica, dominada por el orden y la geometría y ordenada por el contraste. Su método le llevó a una geometrización composiva, EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 3 CAPITULO 7 pero en La Grande Jatte, la composición es estática y paralizada. Las figuras están trabajadas de perfil o con absoluta frontalidad. Seurat continuó estudiando las teorías científicas, fijándose por ejemplo en las de Charles Henry, quien sostenía que los diferentes tipos de líneas y colores tenían propiedades expresivas y que podían transmitir ciertas emociones, como por ejemplo felicidad y alegría. Obras realizadas con este estudio es por ejemplo El Circo, realizada entre 1888 y 1891. Sin embargo, no consiguió esos efectos expresivos o emocionales, sino más bien lo contrario, la monotonía. Resumiendo, Pierre Francastel vio en el neoimpresionismo la codificación pseudo-científica de lo que los artistas anteriores realizaron por instinto EL CIRCO, GEORGE SEURAT. 1888-1891 Sin embargo la técnica puntillista no fue un fracaso. Seurat dejó a un discípulo, Paul Signac que se convirtió en el principal representan de la práctica divisionista y el teórico por excelencia del movimiento. Signac aplicó los principios del puntillismo en cuadros dedicados a estancias interiores, como por ejemplo Domingo, pintado en el año 1888, donde se pinta un interior iluminado donde la luz procede de la ventana, consiguiendo potentes contrastes entre zonas claras y oscuras, aunque la composición sigue siendo inmóvil y artificiosa. Signac consiguió aplicar en su obra la fórmula divisionista al DOMINGO, PAUL SIGNAC. 1888 retrato, como sucede en la obra del Retrato de Félix Fènèon, captado de perfil y sobre un fondo de formas abstractas arremolinadas. Una de sus obras más interesantes es Tiempo de Armonía, que ofrece su propia ideología política a través de una metáfora utópica que proclama un ideal anti urbano, una visión de futuro en un paisaje al margen de cualquier industrialización. A Signac se le unió Camille Pissarro y más tarde Henri Edmond Cross, Dubois-Pillet, y Lucien Pisarro. En Francia el puntillismo fue realizado por Maximieln Duce con obras como La fundición de hierro de 1889 RETRATO DE FELIX FENEON, P. SIGNAC.1981 EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 4 CAPITULO 7 o La Rue Mauffetard, de 1889-1890. El neoimpresionismo ha sido visto como el ensayo que facilitó las pautas técnicas para los artistas de generaciones siguientes. La herencia se encuentra en el Futurismo, los suprematistas rusos y los miembros del grupo holandés Die Stij, especialmente Piet Mondrian. 4. CÉZANNE: LA CONSTRUCCIÓN DE LA FORMA Paul Cézanne (1839-1906) se trasladó a París con el fin de convertirse en pintor. No consiguió ingresar en la Escuela de Bellas Artes, formándose con ayuda de Camille Pissarro en la práctica del impresionismo. Se le puede considerar como uno de los fundadores del movimiento impresionista, pero su actitud y su pintura discurrieron de forma independiente. En sus lienzos pintados en la década de los 70, retratos y bodegones, manifiesta su interés por el color y la forma, así como por composiciones muy tectónicas con gran simplificación, como sucede en Madame Cézanne en un sillón rojo, pintado en 1877. En 1886 muere su padre, regresando él a su hogar en Aix-enProvence e inicia en solitario su trayectoria artística e la que supera el estilo impresionista. Paisajes, retratos y naturalezas muertas, como el Florero Azul pintado entre 1883-1887, constituyen el grueso temático de su producción que consigue dar volumen a todos los elementos de cuadro. Para ello sólo usa el color y elimina el dibujo, la línea y cualquier delimitación, pero aislando los objetos con contornos. La forma y el volumen los obtiene únicamente del color, que organiza en superficies lisas, para Cézanne el color equivale a forma y volumen y estos se convierten en los dos conceptos esenciales en sus obras. Hace uso particular de la pincelada que nada tiene que ver con el toque corto de los impresionistas, siendo primordial la dirección de la pincelada. Esta pincelada es constructiva que articula en planos, en superficies, con color uniforme y que acentúa la densidad corpórea de los objetos. MADAME CÉZANNE EN SILLON ROJO. CÉZANNE FLORERO AZUL. PAUL CÉZANNE. 1883-1887 El aspecto esencial de sus composiciones es la renuncia al punto de fuga, sin embargo no ignora la profundidad que consigue con el juego de las diferentes superficies cromáticas. Con estos planos construye el espacio. Consigue un nuevo orden plástico, sólido y geométrico, una postura que ataca directamente a los ideales impresionistas que están interesados en los efectos de la luz. Fue evolucionando de una gama cromática oscura y sombría hacia los colores más vivos. EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 5 CAPITULO 7 Una de sus obras cumbres fue Los jugadores de cartas, pintado entre 1890-1892. Son innumerables sus paisajes, como la serie dedicada a la montaña SainteVictoire (1900-1096) o como la serie dedicada a las Bañistas donde ensaya la introducción de las figuras y el desnudo en el paisaje, eligiendo posturas arbitrarias, con una simplificación cromática muy rigurosa que distorsiona las anatomías de las figuras. LOS JUGADORES DE CARTAS. PAUL CÉZANNE. 1890-1892 Toda la teoría de Cézanne se simplifica en una frase que él mismo pronunció ‘’En la naturaleza todo está dibujado según 3 módulos fundamentales: la esfera, el cono y el cilindro. Hay que aprender a pintar estas figuras tan simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera’’ En 1895, Ambroise Vollard organiza una exposición con obras de Cézanne, que tuvo un gran éxito entre los pintores coetáneos a la vez que una revelación para los pintores jóvenes. Su influencia tuvo papel importante a la hora de la aparición del cubismo y en las corrientes constructivistas y abstractas del siglo XX. 5. VAN GOGH Y LA FUERZA DEL COLOR Vincent Van Gogh (1853-1890) tuvo como característica la primacía del color. Su formación fue autodidacta. Algo que influyó en sus obras, fue su formación espiritual que hará que la religión sea uno de sus parámetros vitales que incidirá en su exploración artística. Las obras de su primera etapa presentan una clara orientación realista, con asuntos cenrados en los obreros y campesinos, con temas cargados de contenido social. En Los Comedores de patatas, de 1884, su primera gran obra maestra, se observa este estilo, sombrío, con colores oscuros, pardos y tenebrosos pero con una gran expresividad que acentúa el dolor y la miseria. Se observa una tendencia a la exageración. Finalmente se observa como el realismo expresivo se encuentra acentuado por el foco de luz central que ilumina los rostros de los personajes. LOS COMEDORES DE PATATAS. VINCENT VAN GOGH. 1884 En 1886 marcha a París y se instala en casa de su hermano, asistiendo a clases de pintura en el Museo de Louvre. En París comienza a apasionarse por los colores luminosos y brillantes, que traen como consecuencia el cambio cromático en su paleta. Realiza pinturas de corte realista, como Un par de zapatos (1886) así como vistas de la ciudad, como El molino de la Galette (1886). Pero Van Gogh se encuentra desorientado y sin encontrar aún su verdadero estilo. EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 6 CAPITULO 7 Conoce las teorías divisionistas, como muestra la serie de Autorretratos entre 1887-1888 con las técnicas de Seurat, o las vistas de la periferia como las Huertas de Montmartre (1887) o en escenas interiores, como el Interior de un restaurante de 1887 que se considera un auténtico homenaje a Seurat. INTERIOR DE UN RESTAURANTE. VINCENT VAN GOGH. 1887 Pero este estilo tampoco le convence ni tampoco ninguna de la tipología que se pronuncian en esta década. Así que continúa su búsqueda. Y es en París, donde configurará su estilo, admira la estampa japonesa que encuentra en tiendas o galerías, como la de Tanguy que retrata en 1887, en la obra Retrato de Père Tanguy, sobre un fondo empapelado de estampas niponas. Esta influencia oriental persiste cuando en 1888 se traslada a Arles (Provenza) donde el paisaje y su luz le impresionan, repercutiendo en sus obras con un estallido de un nuevo potencial, con colores vivos y una luz dorada en composiciones impregnadas de japonesismo. Vicent Van Gogh ha encontrado de esta forma su lenguaje, deshecha el toque impresionista dándole a sus composiciones colores puros con pinceladas muy empastadas. La temática es muy variada, paisajes, naturalezas muertas, flores, escenas rústicas, retratos, interiores…Hace un uso violentamente psicológico del color, de adueña de la libertad del color conquistada por los impresionistas, pero sustituye la pincelada rápida y pequea por una alargada, ondulante y circular. RETRATO DE PÈRE TANGUY. VINCENT VAN GOGH. 1887 En Midi, los nocturnos exteriores se convierten en su pasión. Busca el colorido de la noche y las estrellas realizando unos ensayos: Terraza del café de la Plaza del Forum de Arles por la noche o Noche estrellada sobre el Ródano de 1888, que fueron investigaciones para su obra La Noche Estrellada de 1889, considerado como un paisaje fantasmagórico con un cielo de oleajes ondulantes, de curvas y espirales que componen una metáfora de la Vía Láctea LA NOCHE ESTRELLADA. VINCENT VAN GOGH. 1889 EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 7 CAPITULO 7 En París conoció a Paul Gauguin, con quien ideó montar un taller de pintores en 1888, pero el proyecto fracasó. Debido a este fracaso y la discusión con Gauguin, Van Gogh se corta la oreja en Diciembre de ese año 1888. Pero a pesar de esto, en el último semestre de 1888, Van Gogh pinta sus temas más famosos, La habitación de Vincent en Arles, La silla vacia, La silla de Vincent con pipa, los autorretratos con la oreja vendada, y las distintas versiones de Los Girasoles. LA HABITACIÓN DE VINCENT EN ARLES. 1888 LA SILLA CON PIPA. 1888 AUTORRETRATO. 1888 LOS GIRASOLES. 1888 Tras el episodio de la oreja, es recluido en el Hospital mental de Saint-Remy, donde experimenta un fuerte cambo, un uso obsesivo de una pincelada que se retuerce y arremolina las formas, algo que se menciona en la Noche Estrellada, pero que concreta en la serie de los Trigales, Los Cipreses y en su Autorretrato de 1889. El trazo en esta obras, es apasionado, incluso violento, rasgo que mantiene al abandonar el hospital. Al salir de él, queda bajo la tutela del Dr. Gachet, retratándolo y comienza sus últimos paisajes, realizados con una pincelada rabiosa abruptas, en los que sólo hay color. EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 8 CAPITULO 7 En el Trigal con cuervos (que son dibujados con agresivos trazos negros con una fantástica abstracción) e una composición de 1890 en las que mezcla con pinceladas los trigales y los senderos del campo, un cuadro considerado como premonitorio de su trágico EL TRIGAL CON CUERVOS. VINCENT VAN GOGH. 1890 final. En el verano de 1890 se suicida con un disparo de pistola. Para Mario de Micheli, Vincent Van Gogh es un testigo viviente de la crisis de valores espirituales del siglo XIX y la figura que abrió el camino a esa larga corriente artística de contenido, que es la corriente expresionista moderna, una corriente que tendrá éxitos distintos, pero que reconocerá siempre en el hombre el centro de sus ideas. 6. EL SIMBOLISMO, UN MOVIMIENTO COETÁNEO Hay que destacar el movimiento simbolista, aunque haya problemática a la hora de delimitar su área de influencia y su cronología. El Simbolismo no es un estilo, sino una corriente, una expresión del espíritu que surgió en la Europa industrializada de la segunda mitad del siglo. Los años más determinantes para el éxito y difusión del movimiento fueron los años entre 1880 y 1910. La causa común del Simbolismo fue el enfrentamiento hacia las corrientes principales de las dos últimas décadas de siglo, el realismo y el impresionismo. Con la imaginación, el símbolo y la alegoría los simbolistas aportaron una estética decadente basada en una iconografía mítica y en una mitología del misterio y ocultismo ajena a la realidad. El Simbolismo hunde sus raíces en el romanticismo literario. El simbolismo germina de la obra de artistas que son sus predecesores, tales como Füssli, Goya, Blake o Ingres. La temática simbolista es muy heterogénea que conlleva una interpretación literaria. La imagen de la mujer adquiere un papel simbólico y decadente, es tratada como algo perverso e inocente. El pintor más precoz de este movimiento es Gustave Moreau. GUSTAVE MOREAU LA APARICIÓN. G MOREAU Es el patriarca de la vertiente francesa formado a la manera ortodoxa, demuestra su admiración por Géricault, Ingres y Chassériau en obras como Edipo y la Esfinge, Hércules y la hidra de Lerna. Cuando su obra obtuvo reconocimiento se retira a su estudio para encontrar un nuevo lenguaje visual. El resultado se traduce en cientos de acuarelas y óleos de pequeño tamaño que muestran una investigación de la pasta pictórica en capas gruesas, como observamos en Júpiter y Semele. La temática favorita se centraba en la figura de Salomé pero representada como la imagen de una EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 9 CAPITULO 7 mujer imprevisible y castradora, como se representa en La Aparición. PUVIS DE CHAVANES La utilización del color de Puvis de Chavanes fue un tratamiento uniforme de extensas superficies planas de colores fríos que eliinaba la perspectiva ilusoria. El decorativismo es su rasgo esencial y lo demostró en una pintura a gran escala, en grandes paneles decorativos para los interiores de edificios, cuyos temas son paisajes silenciosos de figuras cn atuendos clásicos y en ambientes de mínimo movimiento. Una de sus pinturas más inquietantes es El Pobre Pescador, en la que rechaza el argumento creando un paisaje gris, pero con una gran carga emocional. EL POBRE PESCADOR. PUVIS DE CHAVANES. ODILON REDON Es un artista independiente, con una visión muy personal. Su obra son grabados o litografías donde manifiesta su interés por el mundo botánico o animal, y por el de extraños seres disparatados sobre fondos negros que producen el mundo de los sueños o del subconsciente. Es ilustrativa la litografía de 1983 Los Orígenes. El pólipo deformado anda por la orilla, un cíclope sonriente y horrible. En la década de los 90 evoluciona hacia una pintura al pastel y al óleo, colorista y luminosa, dominado por los sueños, como El Cíclope (1900), Orfeo (1903) o El nacimiento de Venus (1910). Redon fue uno de los simbolistas con mayor proyección posterior, considerándosele como el precursor del surrealismo. LOS ORIGENES. EL POLIPO DEFORMADO ANDA POR LA ORILLA, UN CICLOPE SONRIENTE Y HORRIBLE. REDON. 1983 EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 10 CAPITULO 7 SALÓN DE ROSE+CROIX Es un grupo de breve existencia con dependencia estilística del academicismo. Se encuentra impregnado por el encantamiento de Edgard Allan Poe, y fascinado por las ideas de Nietzsche y la música de Wagner. Es considerado como el marco ideológico del simbolismo y entre sus esencias sobresalen la repudia de la pintura histórica, la patriótica y militar, el orientalismo, las escenas rústicas, los bodegones y los flores, apoyando los temas legendarios, mitos, alegorías y los sueños. Arnold Böcklin (1827-1901) tuvo enorme repercusión en el grupo de los Rosacruces con sus alegorías sonre la muerte. Su obra maestra fue La Isla de los Muertos (1880) LA ISLA DE LA MUERTE. BÖCKLIN. 1880 El interés del Salón de los Rosacruces radica en que en él presentaron sus cuadros varios artistas. Por ejemplo Jean Delville, que tenía deshinibida imaginación que mezcló en sus temas lo erótico y lo demoniaco, como por ejemplo en El ídolo de la perversidad. Otro artista fue Fernand Khnopff, cuya obra insiste en la cualidad andrógina de la figura femenina a través de un ser mítico, la esfinge. El Simbolismo fue una de las expresiones más decadentes para buscar una solución distinta al naturalismo. A través del mito y de la leyenda, intentaron expresar un estado mental. Pero hubo otros artistas que dieron un paso más adelante, creando una revolución en el lenguaje plástico, una forma nueva, un estilo nuevo opuesto al impresionismo, pero convencidos que lo importante era la idea y la emoción. Hablamos de Paul Gauguin, el Grupo de Pont.Aven y los EL IDOLO DE LA PERVERSIDAD. Nabis. DELVILLE. 7. LA NOSTALGIA DE LO PRIMITIVO: PAUL GAUGUIN, EL GRUPO DE PONT-AVEN Y LOS NABIS Durante el Postimpresionismo se dieron otros debates con premisas muy similares al Simbolismo, que incluían la huida de la realidad, rechazo de la plasmación mimética de la naturaleza. Defendían que alejarse de la civilización moderna y descubrir otros mundos. La idea de evasión y búsqueda de lo rústico tuvo un punto de encuentro en la ciudad bretona de Pont-Aven. Bretaña era una región ancestral, aislada, con rígido catolicismo, de gentes supersticiosas y vestidas con trajes tradicionales. En este enclave los artistas encontraban inspiración ante el paisaje y la vida rural de sus habitantes. EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 11 CAPITULO 7 PAUL GAUGUIN En 1888 llegó a Pont-Aven, convencido que allí estaba el estado salvaje que necesitaba. Se había iniciado como pintor a mediados de los 70 con Pissarro, de quien aprendió la técnica impresionista. Estaba interesado por el arte primitivo que conoció en sus viajes, y no sólo de la escultura egipcia y del Próximo Oriente, sino también del arte prehistórico de la América Central. Cuando llegó a Bretaña, su estilo no estaba definido, pero con el contacto que mantuvo con Émile Bernard le proporcionó un cauce para buscar su estilo. Bernard era un joven pintor apasionado por la Edad Media que desarrolló una pintura con figuras de gran simplificación, sin modelado, que eran con grandes manchas brillantes perfiladas con contornos oscuros, por ejemplo Mujeres bretonas en el prado. Este estilo se le denominó cloisonnisme, que estaba basad en fórmulas de la estampa japonesa unida a los elementos vitrales medievales. La simplificación obtenida por Bertrand creaba unas composiciones alejadas de las normas del realismo, impresionó a Gauguin y le inspiró para su obra, tal y como se observa en La visión después del sermón: Jacob y el Ángel de 1888. Este lienzo fue muy revolucionario en el que aparece la visión de unas campesinas al salir de la iglesia, es una composición que acomete un sistema de varias perspectivas yuxtapuestas con amplias superficies de color con contornos oscuros. La composición está dividida diagonalmente por un tronco de árbol. La lucha del ángel con Jacob se LA VISIÓN DESPUÉS DEL SERMÓN: JACOB Y EL ÁNGEL. PAUL GAUGUIN. encuentra en la parte de arriba a la derecha, 1888 sobre un amplio tapiz de color rojo, mientras que en lado inferior, aparecen las mujeres de espalda y de perfil que ocupan el primer plano. No existen sombras, las líneas y los colores son alegóricos, según el significado que ha de tener y el estado de ánimo del pintor. Algunos críticos definieron la obra como un claro ejemplo de simbolismo. Gauguin siguió con su interés en la iconografía cristiana, pintando El Cristo Amarillo, con una tosquedad propia popular a través de la figura hierática de Cristo. El color queda totalmente desvinculado de la función descriptiva. EL CRISTO AMARILLO. PAUL GAUGUIN. EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 12 CAPITULO 7 Entre los pintores de la Escuela de Pont-Aven destaca PAUL SERÚSIER, pintor que aprendió de Gauguin el exagerar el color que percibía. En 1888 pintó la obra El Talismán, sobre una pequeña tabla de una caja. La pintura representa a un bosque sin forma , y de colores puros. Puede ser considerado el auténtico anticipo del arte abstracto. El Talismán fue una obra fundamental para la creación en 1889 del grupo de Los Nobis, con Serùsier a la cabeza y con pintores como Jean Édouard Vuillat y Pierre Bonnard. Está considerado como un nuevo movimiento simbolista que dominará el panorama artístico en París en la década de 1890. EL TALISMÁN. PAUL SERÙSIER. 1888 Su idea principal fue: ‘’Un cuadro antes de ser un caballo de guerra, una mujer desnuca o alguna otra anécdota, es esencialmente una superficie cubierta con colores distribuidos con un cierto orden.’’ En el cuadro de Denis, Las Musas, pintado en 1893, se podía ver esta idea. Arremetía contra las reglas del Ilusionismo. El gran éxito de Los Nabis fue debida a su temática tradicional de asuntos religiosos y escenas domésticas, todo muy del gusto de la burguesía- LAS MUSAS. DENIS. 1893 Gauguin, obsesionado por lo primitivo, marchó en 1891 a Tahití. Volver a lo salvaje era su método de evasión. Allí comienza a pintar una naturaleza virgen, poblada de mujeres oceánicas, temas impregnados de exotismo. Tahití le proporcionó nuevos temas, que se fundieron con los tradicionales franceses y con las pinturas religiosas, como ocurre en Ia Orana María de 1891 continuación de los temas bretones pero cambiando la sensualidad y el colorido tropical. En este ambiente comienza a escribir varios textos donde explica su imaginario artístico, sus preocupaciones estéticas y su obra. En 1893 regresa a París donde expone sus lienzos, tales como Nafea Faa Ipoipo, Manao Tupapau o El espíritu de los muertos vigila, Mujer con mango, todos ellos de 1982, que no tuvo gran aceptación salvo por los simbolistas y los jóvenes pintores. En 1895 regresa a Oceanía donde realiza sus obras más importantes, como El Sueño (1897) y la monumental ¿De dónde somos?¿Qué somos¿ y ¿A dónde vamos? IA ORANA MARÍA. GAUGUIN. 1891 EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 13 CAPITULO 7 Paul Gauguin fue uno de los pintores que consiguió encontrar un sistema de representación de igual magnitud al Impresionismo. En 1906 se hizo una exposición retrospectiva de su obra que tuvo influencia en los fauves franceses y en los expresionistas alemanes y centroeuropeos. Su obra preludia el EL ESPÍRITU DE LOS MUERTOS VIGILA. 1982 MUJER CON MANGO . 1982 camino de la creación de la forma por el artista y determinó los enfoques del fauvismo y del expresionismo. 8. OTROS PRECURSORES 8.1. La obra de Henri de Toulouse-Lautrec Nació en 1864 y murió en 1901. Su obra no se inscribe en ningún estilo ni grupo concreto, pero resultó decisivo para las vanguardias del siglo XX (Fauvismo o Expresionismo) y en el desarrollo del grabado, litografía y el cartel. Comienza a pintar en la década de los 80, partiendo de la técnica impresionista, rechazando el trabajo au plain air y los esfumados. Se interesó por el color, la línea y la plasmación de la vida contemporánea. Murió con 37 años, y ha pasado a la historia como el pintor que supo reflejar la vida nocturna parisina, las gentes de circos, locales y cabarets y los personajes marginados. YVETTE GUILBERT. TOULOUSELAUTREC. 1894 Los asuntos que trata son interiores, nocturnos con una fuerte luz artificial, realizados con líneas nerviosas, pintados de forma subjetiva mostrando la visión personal del pintor, que roza la caricatura como sucede en el carboncillo de Yvette Guilbert. La estilización de personajes, acentuando los rasgos de sus rostros y la expresividad de los gestos, son ensayos fisonómicos tratados con sátira moral, simpatía o compasión. En el empleo del color se observa influencias de la estampa japonesa al incorporar primeros planos de figuras recortadas en perfil, en escorzo o de espaldas sobre superficies de color, como se puede observar en la obra Divan Japonais. Gracias a su dibujo con el pincel, la libertad de líneas, a las EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES DIVAN JAPONAIS. TOULOUSELAUTREC. Página 14 CAPITULO 7 perspectivas arriesgadas y los ángulos de visión inesperados nos da la sensación de un espacio compositivo distorsionado. Puede decirse que su gran aportación fue una renovaciñon figurativa. Además de óleos también nos dejó miles de dibujos. La popularización del grabado fue un factor decisivo para el gran impacto de su obra, ya que está considerada el predecesor del cartel publicitario moderno, como por ejemplo la litografía Moulin Rouge, La Goulue, de 1891. MOULIN ROUGE. TOULOUSE-LAUTREC. 1981 8.2. Henri Rousseau Nacido en 1844 y muerto en 1910. Es considerado el primer pintor naïf. Rousseau plantea otra realidad, próxima a la de las culturas populares del mundo occidental. Para algunos autores representa de forma inconsciente muchas de las características de la pintura postimpresionista. Rousseau plantea una obra de una singular ejecución y gran poder expresivo, una transformación imaginaria de lo cotidiano en algo irreal que sorprenderá a los artistas de las primeras vanguardias. Desde 1886 expuso regularmente sus paisajes, retratos y composiciones consideradas hoy en día como obras maestras, como La encantadora de serpientes, que son lienzos en los que deja clara su práctica antiimpresionista. Demuestra interés en el detalle, gran nitidez del dibujo, dominio del colorido en composiciones frontales de espacios planos que niegan la perspectiva y la profundidad. De su obra llama la atención la variedad temática en los que se asoman figuras y animales que recuerdan muñecos entre un espeso mundo botánico de enorme fantasía. Son representaciones que tendrán considerable impacto en la aparición del Surrealismo. LA ENCANTADORA DE SERPIENTES. ROUSSEAU. 1886 EL POSTIMPRESIONISMO Y SUS DERIVACIONES Página 15
