24_Arte Abstraccionista_Cubista, Geométrico, Suprematista y

Universidad Veracruzana
Facultad de Historia
HISTORIA DE ARTE
ARTE ABSTRACCIONISTA
Maestro: Dr. Raúl Romero Ramírez
Fin del Siglo XIX y principios del Siglo XX
Ideas
Estéticas
Abstraccionismo
Sentido
La representación espacio - temporal de la realidad no
figurativa como su esencia
Gusto
El uso de la geometría angular y los remolinos de color
Ideal
Realizar una obra de arte sin un significado representativo,
líneas y figuras geométricas bajo una apariencia visual común
Valor
Análisis, extracción, separación, selección, simplificación y
geometrización de la esencia de la naturaleza y de las
experiencias de sensoriales
Pasión
La no objetivación de la realidad, sino hallar la esencia
subjetiva geométricamente extraída
Sentimientos
Figurativos y visuales contradictorios
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y
encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial
pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había
bautizado a los fauvistas
El Guernica de Picasso, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el
bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a
los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las
deformaciones expresionistas.
PABLO PICASSO (1881-1973)
De nombre completo, Pablo
Diego José Francisco de Paula
Juan Nepomuceno María de los
Remedios Cipriano de la
Santísima Trinidad Ruiz y
Picasso, creó el estilo
expresionista denominado
cubismo que crearía una
escuela diferente, el
abstraccionismo.
El abstraccionismo cubista se
fundamenta en el cubo como el
elemento dimensional básico
para generar espacio.
Nótese en la pintura, en las dos
figuras femeninas de la derecha
como aparece la primera
tentativa cubista de dotar a la
tela de una tercera dimensión sin
recurrir a la perspectiva
tradicional.
Les Demoiselles D´Avignon
(1907)
PABLO PICASSO
Desde un punto de vista formal
puede considerarse al cubismo
como una nueva propuesta basada
en la perspectiva clásica pero
representada bajo una dimensión
moderna, por lo que es el
movimiento pictórico más
revolucionario del siglo XX.
Para evitar un arte abstracto
clásico, a causa de la
fragmentación geométrica, se creó
el llamado cubismo sintético o
“eidético” que pretende presentar
planos y al mismo tiempo
dimensiones.
Hombre con una pipa (1915)
GEORGES BRAQUE (1882-1963)
La exposición fauvista de 1905 le
impresionó tanto que se adscribió a este
estilo, usando preferentemente los
colores rosa y violeta. Realizó en 1906
con Othon Friesz un viaje a Amberes y,
durante el verano boreal de 1907, a La
Ciotat y a L'Estaque. En otoño de ese
mismo año, la exposición retrospectiva
de Cézanne y la amistad que trabó con
Pablo Picasso, que acababa de pintar
sus Señoritas de Aviñón, le hicieron
cambiar de estilo.
La Mandolina (1910)
JUAN GRIS (1887-1927)
De nombre real José Victoriano
González-Pérez, en inicia en el cubismo
con varias pinturas presentadas en el
Salon des Indépendents de París.
En el verano de 1913 lo pasó en Céret,
donde empezó a trabajar la técnica del
papier collé: recortes de cartón y papel,
en ocasiones obtenidos de periódicos,
que se pegan sobre el lienzo para
combinarse con el óleo.
Guitarra y pipa (1913)
Tras unos pocos años de estrecha
conexión, Juan Gris y Picasso se
distanciaron tanto en lo artístico como
en
lo
personal.
Picasso
fue
evolucionando hacia un arte figurativo
de gusto clasicista, en sintonía con la
vuelta al orden que emprendieron
muchos otros artistas como André
Derain. Mientras, Juan Gris se mantuvo
fiel al cubismo en una clave más
colorista.
ROGER DE LA FRESNAYE
(1885-1925)
A partir de 1908, fue alumno de
Maurice Denis y Paul Sérusier en
la Academia Ranson.
Se hizo construir un taller de
pintura y un taller de escultura en
el château de Beauvernay en
Saint-Nizier-sous-Charlieu,
propiedad de sus ancestros
maternos donde pasaba la mayor
parte de las vacaciones desde su
infancia.
Acogió allí a Jean Hugo y su
esposa Valentine Gross, ambos
pintores, Irène Lagut, Alfred
Courmes su único alumno.
Conquista del aire. (1913)
FERNAD LÉGER (1881-1955)
Los estudios de pintura bajo la
perspectiva expresionista ilustrada
y el espacio cubista sin recurrir a la
fragmentación sino sólo al volumen,
crean estas obras propias de un
postcubismo o una abstraccionismo
de mediados del siglo XX.
En la realidad vulgar, Léger fue
capaz de hallar una belleza más
allá de toda idealización, buscó un
lenguaje popular que pudiera ser
comprendido por todos y enfatizó el
color y la forma desentendiéndose
una de la otra como el la obra de
abajo aquí mostrada.
Dicho recurso lo adoptará
repetidamente el arte del cartel
expresionista y publicitario.
El ocio (1948) Arriba.
Tres mujeres con flores (1948)
Abajo.
A pesar de que Picasso y Braque
intentaron evitar que el Cubismo se
convirtiera en una moda, la visión
utilitarista de los jóvenes de los
ochentas y de inicios de la
segunda
década
del
2000,
consideraron atractiva la ropa,
zapatillas y tacones cubistas.
ROBERT DELAUNAY (1885-1941)
El cubismo experimentó con la
fragmentación geométrica y asimétrica
dando por resultado una obra
extraordinariamente cinética.
Partiendo de la fórmula cubista y
basándose en la observación directa, el
pintor tomó como tema principal
edificios arquitectónicos como la iglesia
de Saint Severin y la Torre Eiffel.
Aquí, la fragmentación de la torre y de
las construcciones que la rodean aporta
un elemento dinámico que viene a
romper el enclaustramiento del espacio
cubista. El gusto por el color no sólo
enriquecerá su obra, sino la dirigirá
hacia la abstracción total.
Campo Marte. La Torre Eiffel Roja
(1911)
ROBERT DELAUNAY (1885-1941)
El abstraccionismo creó un juego
de colores primarios y un
dinamismo en el mismo pincelazo
que trazó nuevas formas basadas
en la geometría pero de ninguna
manera clásicas.
Aquí, éstos círculos concéntricos se
subdividen en sectores que
corresponden a diferentes armonías
de color y que logran crear un
dinamismo rotativo.
Los acordes visuales del color se
subordinan a un ritmo análogo al
musical.
A esto se le conoce como
abstraccionismo geométrico.
Formas circulares (1912)
Ritmo. Robert Delunay 1939.
Las Composiciones de Delaunay,
son tomadas por su familiar, Sonia
Delaunay creadora de los afamada
diseñadora de vestuario y trajes de
baño de los años treinta en Europa.
Auto pintado al estilo Delaunay
1930.
Sonia Delaunay swimsuits, 1928.
BART VAN DER LECK
(1876-1958)
Fundador en 1931 de la
revista holandesa “De Stijl”
que tomó con el que tomo el
nombre su arte y empleó el
color primario puro antes que
Mondrian y se valió de una
composición de elementos
aislados que ni se cruzan ni
se cortan, pero que crean
ritmo, dinamismo, tensión y
un máximo de atención.
Composición Geométrica II
(1917)
Van Der Leck fue un pintor, diseñador y ceramista neerlandés, perteneciente al
neoplasticismo y con Theo van Doesburg y Piet Mondrian fundó el movimiento artístico De
Stijl cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total.
Van Der Leck. Composición No. 7. (1917)
Este estilo de arte trajo consigo el
Stijl o Arquitectura neoplástica.
Casa Rietveld Schröder.
El único edificio dee entonces
realizado completamente de
acuerdo con los principios de
De Stijl (1924).
Silla roja y azul diseñada
por Gerrit Rietveld en 1917.
PIET MONDRIAN (1872-1944)
El abstraccionismo geométrico clásico
corrió a manos de Mondrian. Los
colores primarios, azul, amarillo y rojo
dominan su obra. El negro se reserva a
las anchas líneas de separación. No
existe una forma central. El ángulo
recto representa el equilibrio, pero no
hay nada más inmóvil que un
fragmento tomado por separado ni
más dinámico que el conjunto de la
composición.
Las pinturas de Mondrian exhiben una
complejidad que desmiente su
simplicidad aparente, conocido por sus
pinturas no figurativas, a las que llamó
composiciones, que consisten en
formas rectangulares en rojo, amarillo,
azul o negro, separadas por gruesas
líneas rectas negras, todo esta dentro
de un estilo neoplasticista
Tableau II (1924)
Mondrian. Composición en rojo, amarillo y azul. (1921)
Modelo Mondrian
1964-1965.
Las Composiciones de Mondrian. inaugurarán una
moda en el vestido de mediados de los años
sesenta, así como de zapatillas.
Kazimir Severínovich Malévich
(1878-1935)
Fue un pintor ruso, creador del
Suprematismo, uno de los movimientos de
la vanguardia rusa del siglo XX.
Publica un pequeño folleto que titula Desde
el cubismo al suprematismo en arte, el
nuevo realismo en pintura, hacia la absoluta
creación, en donde explica el significado de
su nuevo trabajo; al año siguiente edita un
nuevo folleto titulado Desde el cubismo y el
futurismo al suprematismo, el nuevo
realismo pictórico.
Con el suprematismo, Malévich reduce los
elementos pictóricos al mínimo extremo (el
plano puro, el cuadrado, el círculo y la cruz)
y desarrolla un nuevo lenguaje plástico que
podría expresar un sistema completo de
construcción del mundo
Suprematist Composition (1916)
En 1927 Malévich viaja a
Polonia y a Berlín; en abril
visita la Escuela de la
Bauhaus de Dessau y
conoce a Gropius y a
Moholy-Nagy, quien se
encarga de conseguir
publicar en Alemania algunos
de sus escritos, entre ellos
«Die gegenstandslose Welt»
(El mundo no-objetivo).
En 1929 los historiadores del
Instituto de arte soviético,
que no están de acuerdo con
sus ideas, se las arreglan
para echarlo.
Paisaje de Verano. (1929)
Sin embargo en 1932 se le
concede un laboratorio para
experimentar en el Museo
Estatal Ruso hasta su
muerte.
El artista vanguardista
Kazimir Malevich pintó entre
1928 y 1932 la obra “”La
carga de caballería Roja”
para homenajear el cuerpo
de caballería soviético,
participante en la Revolución
Rusa ocurrida diez años
antes.
La imagen nos muestra a un
grupo de jinetes pintados de
color rojo socialista, cruzando
una estepa, en una muestra
visual del supremacismo
pictórico de Malevich.
La Carga de la Caballería Roja. Kazimir Malevich
/ Unión Soviética (1932).
Aunque la obra se encuadra
claramente en el arte oficial
soviético que pretendía
idealizar ciertos
acontecimientos de la
Revolución, hay quien ve en
ella una velada crítica a la
fugacidad del movimiento
comunista.
El Abstraccionismo Constructivista
nacerá con Antoine Pevsner junto con su
hermano Naum Gabo, quienes reciben
una primera formación científica que les
aporta el espíritu de investigación con el
que toda su obra se desarrolla.
En 1911 Pevsner viaja a París, donde
admira los trabajos de Delaunay,
Gleizes, Metzinger y Léger y en una
segunda visita a París en 1913, conoce
a Modigliani y a Alexander Archipenko,
que estimulan su interés hacia el
cubismo.
En ese mismo año ve la exposición de
Umberto Boccioni iniciador del
movimiento futurista, y observa algunas
construcciones arquitectónicas, que le
interesa profundamente.
'Unique Forms of Continuity in Space', bronze
sculpture by Umberto Boccioni, 1913.
Se puede suponer que Antoine Pevsner aportó su conocimiento sobre técnicas artísticas
propias del impresionismo constructivista o constructivismo arquitectónico y de diseño,
mientras Naum Gabo Pevsner su aproximación científica a los materiales y a la forma, lo
que lo lleva a desenvolverse mas tarde en al arte cinético.
Antoine vuelve a Rusia en 1917 y enseña, con Kandinsky y Malevich, en la Academia de
Bellas Artes de Moscú.
Obra constructivista cinética
de Naum Gabo Pevsner.
Cuadro espacial.
(1920)
ANTOINE PEVSNER (1888-1962).
En su manifiesto realista de 1920, Pevsner y su hermano Gabo proponen un arte que responda
a la vida real basado en dos elementos fundamentales: el espacio y el tiempo. Son por ello
creadores de nuevas formas y nuevos sistemas espaciales sin principio ni fin, que probaron de
una vez para siempre que el volumen no era la única expresión del espacio.
En 1923, Antoine Pevsner se
instala definitivamente en París,
obteniendo
la
ciudadanía
francesa en 1930.
En 1926 sus obras están
incluidas en una exposición en la
Little Review Gallery de Nueva
York.
Junto con Gabo, diseña la
escenografía para el ballet La
Chatte, producido por Sergei
Diaghilev.
Antoine Pevsner. Developable Column. (1942)
En París, los dos hermanos estarán a la cabeza del grupo constructivista AbstracciónCreación, un grupo de artistas que representan diversas corrientes del arte abstracto. En los
años treinta, las obras de Pevsner se muestran en Ámsterdam, Basilea, Londres, Nueva York
y Chicago.
Esculturas de Antoine Pevsner en La Haya, Países Bajos (izq) y en la ciudad
universitaria de Caracas, Venezuela (der).
VASILI KANDINSKI
(1866-1944)
Fue un pintor ruso, precursor
de la abstracción en pintura y
teórico del arte, con él se
considera que comienza la
abstracción lírica.
En 1901 funda el grupo
Phalanx,
cuyo
propósito
principal es introducir las
vanguardias francesas.
Improvisación 14 (1910)
Acuarela considerada generalmente como la primera
composición puramente abstracta del arte
contemporáneo. Corresponde al grupo de
realizaciones que el mismo autor llamó como
“impresión directa de la naturaleza exterior”.
En 1902 expone por primera
vez con la Secession de Berlín
y
realiza
sus
primeras
xilografías. En 1903 y 1904
viaja por Italia, Países Bajos,
África y visita Rusia. En 1904
expone en el Salón de Otoño
de París.
En 1909 es elegido presidente
de la Nueva Asociación de
Artistas de Múnich.
WASSILY KANDINSKY
Impresión 5 (1910)
Imagen lírica que aparenta una transposición poético-musical de la época aún romántica. Puede
hablarse de esta tela como una emancipación progresiva del color y de la forma, así como de la
aparición de una geometría inspirada en las montañas románticas, quizá en los Alpes Bávaros
donde vivió algún tiempo pues al respecto escribió: “Amo demasiado la naturaleza para verla con
objetos”.
WASSILY KANDINSKY
Esta “composición” es una obra
abstraccionista del periodo de
las “improvisaciones”, es decir,
de las expresiones espontáneas
de carácter espiritual o, en otras
palabras, de un carácter que
exige no se reproduzca nada
material.
Por ello, esta es una
composición abstracta que
propone una temática inspirada
únicamente en elementos
plásticos, línea color, etc., y no
en una realidad exterior a la
pintura, es aún una obra tan
cargada que no se nota con
certeza la estructuración
arquitectónica que adoptará el
maestro del Bauhaus.
Con mancha roja (1921)
WASSILY KANDINSKY
Composición basada en el
Bauhaus, que da inicio a la
racionalización del proceso
creador arquitectónico que
combina la rigidez con la
fantasía y da ritmo a una
composición cual música que
tomara en cuenta Klee.
Hornform (1924)
WASSILY KANDINSKY
Amarillo, rojo y azul (1925)
Esta pintura constituye un claro ejemplo de la abstracción constructiva de las
“composiciones”, denominadas así por el autor. Los signos del lenguaje se han hecho
precisos y una cuidada estructuración del espacio ha sustituido aquella espontaneidad
anterior. El mismo autor explica que la elaboración de estas telas ha sido lenta, que
trabajaba una y otra vez desde los primeros esbozos. El círculo es un elemento
dominante que parece actuar como foco o como centro de gravitación.
WASSILY KANDINSKY
Composición compleja que viene a
ser como una arquitectura de
elementos abstractos. Con el uso
de dichos elementos, forma un
vocabulario que expresa un
universo de círculos y triángulos,
de curvas y rectas, de grafismos
angulosos, perfectamente
estructurado.
Con esta obra Kandinsky parece
haber alcanzado aquella “ruptura
hacia el interior” de que él mismo
hablaba, considerándola como la
máxima aspiración de su obra, una
de las más interesantes del siglo
XX.
Puntas de Arco (1927)
En 1911, Wassily Kandinski y Franz Marc fundaron
en Múnich la Der Blaue Reiter, formada por un
grupo de artistas vinculado al Expresionismo y al
Abstraccionismo. Paul Klee no fue oficialmente
miembro de él pero se sentía muy cercano a los
artistas que la integraban, de hecho, participó con
ellos en sus exposiciones.
Tras la Primera Guerra Mundial, en la que participó
como soldado, Klee era ciudadano alemán, que
enseñó en La Bauhaus, y a partir de 1931, en la
Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, hasta
que fue denunciado por los nazis y ser catalogados
sus cuadros como “arte degenerado”.
En 1933 tras abandonar la enseñanza, regresó a
Berna, donde realizó una gran exposición en La
Kunsthalle en 1935.
Se interesó en la teoría de la pintura (sobre la que
escribió) y en el aspecto formal, donde fue muy
innovador. Sus obras invocan el mundo onírico, con
un estilo que oscila entre el surrealismo, el
expresionismo, el cubismo y la abstracción, lo que
dificulta su clasificación. El color juega un papel
central.
PAUL KLEE (1879-1940)
Pintor alemán nacido en Suiza tuvo
un estilo que varía entre el
expresionismo, la abstracción y el
surrealismo,
Arquitectura espacial (1915)
Esta acuarela abstracta se basa
en una composición elemental de
yuxtaposición con cuadros y
rectángulos mediante un juego de
colores fríos para obtener una
complejidad de ritmos y tensiones
propios del uso geométrico
abstracto de Klee.
Después de su viaje a Túnez, Klee
declaró que el color le poseía y
para demostrarlo no dejó de pintar
acuarelas como ésta a las que
deba más importancia incluso que
los óleos. El color representa como
un recuerdo, una evocación, que lo
impregna todo”, declaró.
PAUL KLEE
El expresionismo muestra en Klee un
ritmo, fuerza en el delineado y
figuratismo que sugieren sutilmente
diluidos una telaraña en el ambiente a
propósito de la aventura de esta
joven.
Esta es una obra de fantasía
expresionista basada en elementos
abstractos que dan pie a una
demostración propia de lo que
devendrá en l pintura.
Aventura de una joven (1922)
A lo largo de su vida, Paul Klee usó
el color de maneras variadas y
únicas, y mantuvo con él una
relación que progresó con el tiempo.
Para un artista que amaba tanto la
naturaleza parece algo extraño que
en sus comienzos Klee despreciara
el color, creyendo que no era sino
una decoración.
Con el tiempo Klee cambió de idea y
llegó a manipular el color con una
enorme precisión y pasión, hasta tal
punto que terminó enseñando teoría
del color y de su mezcla en la
Escuela de la Bauhaus.
Esta progresión, por sí misma, es de
gran importancia porque le permitió
escribir sobre el color con una
mirada única entre sus
contemporáneos.
Conquistado 2. (1930)
PAUL KLEE
Aquí se muestra un esbozo
figurativo velado por una
extrema depuración de las
formas que hace una
composición maestra de las
formas, colores y ritmos;
Entre los expresionistas que
utilizan la abstracción
geométrica orgánica en su
trabajo, el título de su obra
parece dado siempre cuando la
obra ha sido concluida.
Estigmatizado (1932)