Pintura Flamenca - Historia de la Arquitectura USPS

|
Catedrática: Arq. Alejandra Vaquero
Asignatura: Historia de la Arquitectura 3
Tema: Pintura Flamenca
Estudiantes: Jorge Sagastume
Dayri Ayala
Fecha: 30 mayo de 2012
San Pedro Sula, Cortes
1|Página
|
Índice___________________________________________________________________________


























Introducción
Características
El Realismo En La Pintura Flamenca
Técnicas Usadas
Temas
Reivindicación Del Paisaje
El Retrato
Políptico De Gante
Paneles Superiores
Paneles Inferiores
Paneles Inferiores Laterales
Jan Van Eyck
Retrato De Giovanni Arnolfini Y Su Esposa
El Estilo
Los Protagonistas
El Realismo
El Simbolismo
Identificación De La Obrab
Retrato De Hombre Con Turbante
Roger Van Der Weyden
Descendimiento De La Cruz
Historia
Obra en Exposición
Conclusiones
Bibliografía
Glosario
2|Página
pag 3
Pag 4
Pag 5
Pag 5
Pag 6
Pag 6
Pag 6
Pag 7
Pag 8-10
Pag 11
Pag 12
Pag 13
Pag 13
Pag 14
Pag 14
Pag 15
Pag 15 - 17
Pag 18
Pag 18- 19
Pag 20
Pag 21
Pag 21 - 22
Pag 23- 27
pag 28
Pag 28
|
INTRODUCCIÓN___________________________________________________________________
Pintura flamenca o escuela flamenca de pintura son los nombres que la historiografía del
arte da al conjunto de pintores flamencos, los maestros que se formaron y mantuvieron
sus talleres en las ciudades flamencas en los siglos XV, XVI y XVII, lo que cubre los estilos
artísticos del Gótico final, el Renacimiento, el Manierismo y el Barroco.
Escuela flamenca es un nombre genérico, al estilo de las escuelas italianas (escuela
florentina, escuela sienes a, etc.) o dela más reciente Escuela de Barbizon francesa.
Flandes es un ambiguo término territorial cuyo uso historiográfico no coincide con la
actual Región Flamenca ni con el antiguo Condado de Flandes, sino con la zona
septentrional del Estado Borgoñón que a partir de finales del siglo XV puede denominarse
Países Bajos de los Habsburgo, y que forma en la actualidad la práctica totalidad de los
tres estados de
Bélgica, Luxemburgo y Países Bajos. Era una región europea especialmente urbanizada
desarrollada social y económicamente. Sus ciudades (Amberes, Brujas, Gante, Bruselas,
Ámsterdam, Delft, Haarlem, Leiden, etc.) fueron la cuna
del comercio de arte a partir de los siglos XV y XVI.
Los talleres flamencos formaron a los pintores más destacados del Norte de Europa,
atrayendo a muchas jóvenes promesas de la pintura de países vecinos, especialmente de
las ciudades del Rin. Los maestros flamencos y sus obras eran altamente
Valorados, comprándose y demandándose su presencia como pintores de corte en toda
Europa, lo que extendió su influencia.
El predominio de los vanos en las catedrales góticas hizo que se desplazara la pintura
mural por las vidrieras, lo que impulso hacia un nuevo estilo en el que predomina la línea
que marca espacios cromáticos planos. Vidriera y códices miniados son
las mejores muestras de la época. La decoración de ábside se solucionaría con el cuadro
sobre la tabla, cuyo desarrollo dio lugar al retablo formado por varias tablas soportadas
por un entramado arquitectónico, que organiza los temas iconográficos de forma
secuencial.
3|Página
|
CARACTERÍSTICAS_________________________________________________________________
• La región de Flandes, donde, entre otras ciudades, destacan Brujas y Gante, dependiente
políticamente del duque de Borgoña, alcanza una riqueza considerable durante el siglo XV, como
resultado de la artesanía y del comercio.
• Ese esplendor económico coincide con la consolidación de una escuela pictórica con una
extraordinaria personalidad, que tendrá gran influencia en toda Europa, pero especialmente en la
península Ibérica, al mismo tiempo que, desde Italia, se empieza a difundir el
Renacimiento.
El sistema de producción artística es heredero de latradición medieval, con un sistema gremial
donde prima la concepción artesanal frente a la conciencia individual, fuertemente
intelectualizada, del mundo italiano coetáneo. Técnicamente, los pintores flamencos alcanzan una
perfección tal en el trabajo del óleo que constituyen una referencia histórica indiscutible:
veladuras (tintas transparentes que suavizan el tono de lo pintado), una mayor riqueza e
intensidad de colorido y, sobre todo, un virtuosismo sin precedentes en la ejecución.
• Y, en la percepción concreta, tienen una voluntad de representar las cosas tal y como las ve el
ojo humano, entendido el término en su precisión detallista: de ahí la importancia que adquiere el
retrato, así como de los distintos pormenores que intervienen en una composición pictórica, pero
ello favorece, el simbolismo de los elementos representados.
Wikipedia
El rasgo más característico de la producción artística de los siglos XIV-XV es la búsqueda de la
creciente del realismo. Si en
el periodo bizantino predominaba la belleza abstracta, de afán decorativo y ejecución pianista, por
el contrario, ahora se
busca una pintura naturalista, síntesis de color de dibujo, y una valoración de volumen. Dichas
diferencias hacen pensar que la nueva época representa una ruptura con la maniera greca,
rechazada en este momento, pues, en su última etapa se observa una evolución hacia el
naturalismo y la perspectiva, como lo muestra la decoración de la Basílica de San
Marcos en Venecia. No obstante el gótico diferirá del bizantino en lo ornamental y los valores
naturalista y plástico. El retorno a la naturaleza y a la realidad lleva implícita la dignificación del
hombre, quien se siente angustiado ante los enigmas que el mundo y la vida le presenta y sobre
los que no siempre encuentra respuesta, lo cual le provoca cierta preocupación por su destino.
El interés por representar al hombre y el espacio traerá no solo la nueva forma de pintar, sino
nuevos temas. La evolución hacia las nuevas formas no se realizo de manera general, sino que
destacan dos zonas: Italia y los Países Bajos, que partiendo de tradiciones distintas, llegaron a un
acercamiento de la naturaleza y el hombre.
Farga y Fernández (2008)
4|Página
|
EL REALISMO EN LA PINTURA FLAMENCA___________________________________________
La pintura flamenca parte del naturalismo gótico, el cual queda un tanto enmascarado por l fuerte
dosis de simbolismo y la falta de movimiento. L a idea de que el espíritu divino está presente en el
más insignificante fragmento de la naturaleza, anima a los pintores a representarlo fielmente:
plantas, ropa, objetos, rostros, entre otros aspectos. Esa captación de la realidad se logro
mediante lo siguiente:

El gusto por el detalle: el intento de ofrecer un apariencia de las cosas, es decir, lo más
cerca a la imagen óptica que poseemos de ella, los llevo a representarlos con todos sus
detalles (arrugas, pelos, calidad del vestido, etc.) en un ambiente de luz natural. Detalles y
luz crean un realismo exacerbado.

religiosos, acabo teniendo autonomía total. Interés de los donantes por aparecer en las
obras. El hombre se convierte en el centro del universo.
o
o
o
La naturaleza muerta, como consecuencia de la importancia que se concede a los
objetos.
El paisaje representa el abandono definitivo de los fondos lisos.
Cuadros religiosos, continúan siendo la mayoría, los donantes aparecen formando
parte de la escena.
Temas de origen cortesano, sufren modificaciones, introducen escenas populares, etcétera, en
general se trata de escenas tranquilas.
c) Creación de un espacio pictórico: mientras en Italia se logra mediante los estudios de la
perspectiva, aquí se prefiere la difusión gradual de la luz sobre los objetos, lo que crea una
sensación de profundidad al resaltar los contrastes luminosos. El algunos cases se recurre al uso de
espejos para introducir al espectador en la obra.
Farga y Fernández
TECNICAS USADAS_______________________________________________________________

Cuadros sobre tablas: con la reducción del espacio mural gótico se desarrollo el retablo
pintado sobre tabla. Su progresiva reducción del tamaño hizo que de estos pintores los
creadores del caballete.

El uso del oleo: consiste en mezclar el color con aceite de linaza y aplicarlo a la madera.
Conocida la técnica desde antes, fue utilizada y perfeccionada, en exclusiva, por Van Eyck y
la Escuela Flamenca. Su importancia reside en que permitió realizar una superficie muy
lisa, casi esmaltad, con gran riqueza cromática y captar el aire y la luz. Con esta técnica el
artista podía captar un trabajo lento necesario para representar fielmente los detalles.
Farga y Fernández
5|Página
|
TEMAS_______________________________________________________________________
El tema religioso predomina en esta etapa, desde la recreación de pasajes bíblicos, hasta los
referentes a la vida de santos o anacoretas.
Algunos, como el Bosco o Brueghel el viejo, pintan cuadros ejemplarizantes donde se describen los
pecados y sus consecuencias o concepciones más bien filosóficas del mundo basadas en creencias
o dichos populares. Para ello se ayudan de una desbordante fantasía de elementos y composición
que logra comunicar a través de un lenguaje muy simbólico y sofisticado.
Wikipedia
REIVINDICACIÓN DEL PAISAJE________________________________________________________
En un cuadro flamenco encontraremos una escena que siempre remite al paisaje, bien sea a través
de una ventana, bien porque se desarrolle efectivamente al aire libre. Estos paisajes se realizaban
sin apuntes del natural, con lo cual sus elementos estaban completamente estereotipados: la
forma de las rocas, aristadas y sin vegetación, las ciudades en la lejanía, torreadas y de colores, los
árboles en forma de pluma, con troncos delgados y largos, etc.
Los personajes se distribuían equilibradamente, bien en el centro si era uno sólo, bien
simétricamente si eran varios. Las acciones eran muy comedidas y apenas se dejaban lugar al
movimiento. Los personajes podían compartir pero jamás robar protagonismo al paisaje.
Wikipedia
EL RETRATO______________________________________________________________________
Flandes es, además, una de las primeras regiones en llevar a cabo retratos con penetración
psicológica del modelo. El retrato típico flamenco, que será adoptado con éxito en España durante
siglos, es el que capta al personaje de menos de medio cuerpo, no frontalmente, sino ligeramente
girado sobre sí mismo, sobre fondo neutro de color oscuro, e incluyendo el rostro y las manos con
algún símbolo.
El hecho de que el personaje aparezca levemente girado permite involucrarle en el espacio, el cual
no se representa mediante trucos de mobiliario o fondo arquitectónico. Tan sólo la presencia de la
figura, sobre un fondo perdido, insinúa la existencia del volumen y el espacio que ocupa.
Posteriormente, ya en el siglo XVII, en la escuela de Amberes el retrato flamenco evolucionaría
hasta su máximo esplendor en un estilo más naturalista y colorista.
Wikipedia
6|Página
|
POLÍPTICO DE GANTE_______________________________________________________________
El Políptico de la Adoración del Cordero Místico, también conocido como Políptico de Gante o el
Altar de Gante es un retablo o conjunto de cuadros o tablas pintadas al óleo por los hermanos
Hubert y Jan van Eyck, para el altar mayor de la Catedral de San Bavón de la ciudad de Gante.
En el marco inferior interno está escrita una cuarteta rimada que dice que fue comenzado por
Hubert van Eyck "del cual no existe mejor" y que Jan, "segundo en el arte", lo acabó en 1432. Se
supone que Jan siguió el trabajo a la muerte de Hubert. También en la inscripción se dice la
identidad de los comitentes: Joos Vyd y su esposa.
Sus 24 paneles forman la obra de mayores dimensiones de la pintura flamenca. La tabla central
que representa la escena de la Adoración es una obra fundamental en la historia de la pintura ya
que presentaba un nuevo campo de visión naturalista, resultado de ampliar sobre una tabla,
escenas y representaciones que hasta entonces solo fueron accesibles a los conocedores de las
miniaturas.
El panel central interior del políptico, junto con los paneles interiores de las puertas representa
una composición basada en
un pasaje del Apocalipsis de San Juan (7.9) que dice :
"Después de esto, vi que había una multitud tan grande que nadie no la habría podido contar. Eran
gentes de todas las naciones, tribus, pueblos y lenguas. Permanecían de pie delante del trono y
delante del Cordero, vestidos de blanco y con palmas en las manos, proclamaban en voz alta:
La salvación viene de nuestro Dios, que se sienta en el trono, y del Cordero."
El políptico normalmente se mostraba cerrado, con las escenas menores de la parte exterior de las
puertas visibles, pero en las festividades se mostraba abierto, con los paneles interiores visibles,
entonces se revelaban sus mejores figuras, escenas y colores.
Farga y Fernández, Wikipedia
PANELES SUPERIORES______________________________________________________________
Virgen Maria
7|Página
Jesus
Pedro el Bautista
|
LA DEESIS________________________________________________________________________
La Deesis es una escena de origen oriental, que representa la intercesión de la María y Juan el
Bautista ante Dios. Las tres figuras centrales muestran a la Virgen María y a Juan el Bautista, a la
izquierda y derecha respectivamente y una figura central más ambigua y objeto de debate.
Contiene elementos tradicionalmente atribuidos a Jesús, pero otros se refieren a Dios. También
pudiera ser que los pintores quisieron representar una figura identificable tanto con Jesús como
con Dios, lo cual no es muy común en la pintura gótica.
En las tres figuras hay inscripciones con significado teológico. Así, en el trono de María aparece el
pasaje que la compara con los astros, usado por el pintor en otros cuadros. Por su parte, las de la
figura central son contradictorias. Por un lado, en el borde inferior del manto aparece REX REGUM
ET DOMINUM DOMINANTIUM, propio de Dios padre, pero en el brocado aparece un pelícano,
asociado a las palabras JHESUS REX.
Suele considerarse que es Hubert van Eyck el autor de estas figuras entronizadas, más estáticas y
monumentales que todas las demás.
Wikipedia
8|Página
|
ÁNGELES CANTORES Y MÚSICOS______________________________________________________
A los lados de las tres figuras hay ángeles cantores y músicos. En el facistol de los ángeles cantores
se representan figuras talladas de san Miguel venciendo al demonio y dos profetas sentados en las
aristas del hueco portalibros. Los ropajes, instrumentos y suelo están reflejados con gran detalle.
En el pavimento se represe nta repetida la figura del Cordero y otras alusiones a la divinidad.
Wikipedia
ADÁN Y EVA______________________________________________________________________
Los paneles superiores de los extremos representan a Adán y Eva, a la izquierda y derecha
respectivamente. Están desnudos, no idealizados, sino con cuerpos extremadamente reales; el
vientre hinchado de Eva hace referencia a su papel como madre de toda la Humanidad.[8] Han
sido pintados con su púdica hoja y Eva sostiene la manzana que le hizo salir del Jardín del Edén.
Adán parece como si anduviera, dotando a la pintura de mayor perspectiva tridimensional.
Los paneles de Adán y Eva están rematados con La ofrenda de Caín y Abel (sobre Adán) y el
asesinato de Abel en manos de su hermano Caín (sobre Eva). A diferencia de otras figuras, estas
escenas fueron pintadas para dar la apariencia de ser bajorrelieves.
En el siglo XIX, las representaciones desnudas de Adán y Eva fueron consideradas inaceptables y
los paneles fueron sustituidos por reproducciones vestidas, que aún se conservan en la catedral de
Gante.
Wikipedia
9|Página
|
Eva
La Ofrenda de Caín y Abel
Adam
El asesinato de Abel
10 | P á g i n a
|
PANELES INFERIORES_______________________________________________________________
El panel inferior central muestra la escena principal, la Adoración del Cordero Místico,
representando al Hijo de Dios y su Eucaristía. La sangre de Jesús es recogida en la copa, lo que se
relaciona con el mito del Santo Grial.[9] En el cielo surge la
paloma, símbolo del Espíritu Santo, que ilumina la escena. El Cordero está rodeado por catorce
ángeles, algunos de ellos con los símbolos de la Pasión (la cruz, la columna, la corona de espinas, la
lanza, la esponja). Delante, la fuente de la vida de la que nace un arroyo, cubierto de joyas.
Los cuatro grupos que adoran al Cordero son:




Un grupo de judíos, sosteniendo el Libro Sagrado. Junto a ellos, los paganos, representado
por sus caras orientalizantes y diversidad de sombreros y tocados. Dentro de este grupo,
destacamos la figura de blanco que pudiera ser probablemente el poeta romano Virgilio.
La iglesia católica, donde vemos a los doce apóstoles en primer término y detrás a santos y
papas. Podemos reconocer entre los santos a San Esteban portando las rocas con que fue
martirizado.
Mártires masculinos, portando palmas.
Mártires femeninos, que también portan palmas.
11 | P á g i n a
|
PANELES INFERIORES LATERALES___________________________________________________
Junto al panel central, existen paneles laterales que también representan a grupos de personas.
Los paneles de la izquierda muestran a Los "jueces justos" y a los "caballeros de Cristo". A la
derecha, podemos ver a los "ermitaños" y a los "peregrinos", que son acompañados del gigante
San Cristóbal, patrón de los viajeros.
El panel de los "jueces justos" fue robado en 1934 y a pesar de las investigaciones y de las
denuncias sobre su paradero, se cree destruido. Fue reemplazado por una copia en 1945 hecha
por Jef Vanderveken.
Wikipedia
DETALLES________________________________________________________________________
Los Van Eyck se tomaron mucho trabajo en representar exhaustivamente todos los detalles de
dichas escenas: las telas y joyas, el paisaje, las iglesias y la naturaleza. Los paisajes, en particular,
muestran una enorme riqueza de vegetación, en ocasiones con especies no europeas.
Wikipedia
12 | P á g i n a
|
JAN VAN EYCK (1385 – 1441)_________________________________________________________
Jan van Eyck (o Johannes de Eyck, Maaseik cerca de Mastrique, h. 1390 – Brujas, antes del 9 de
julio de 1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas. Está considerado uno de los mejores
pintores del Norte de Europa del siglo XV y el más célebre de los Primitivos Flamencos. Es
considerado el fundador de la Escuela Primitiva Flamenca. Sirvió en la corte de Felipe el Bueno,
Duque de Borgoña, y falleció en Brujas.
Se le reconoce como el primero en utilizar la pintura al oleo. Sus obras destacan por el tratamiento
de la luz, su minuciosidad y la veraz representación que hacen de la realidad. Entre sus obras
principales se cuentan, con temas religiosos, La Virgen de canónigo van Der Paule, Santa Barbará.
Entre sus retratos mas destacados están: El matrimonio Arnolfini, Le hombre del turbante rojo y
Margarita Van Eyck.
Farga y Fernández (2008)
RETRATO DE GIOVANNI ARNOLFINI Y SU ESPOSA_________________________________________
El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck;
fechado en 1434, representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenami, que
se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472. Al día de
hoy, los historiadores del arte
discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo
dominante, introducida por Erwin Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen
corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin
embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto acerca del mismo, y el consenso actual
es que la teoría de Panofsky es difícilmente sostenible.
En todo caso, la pintura desde 1842 en la National Gallery de Londres seconsidera una de las
obras más notables de van Eyck. Es uno de los primeros retratos de tema no hagiográfico que se
conservan, y a la vez una informativa escena costumbrista. La pareja aparece de pie, en su alcoba;
el esposo bendice a su mujer, que le ofrece su mano derecha, mientras apoya la izquierda en su
vientre. La pose de los personajes resulta teatral y ceremoniosa, prácticamente hierática; algunos
especialistas ven en estas actitudes flemáticas cierta comicidad, aunque la extendida
interpretación que ve en el retrato la representación de una boda atribuye a ello su aire pomposo.
Farga y Fernández (2008)
13 | P á g i n a
|
EL ESTILO__________________________________________________________________
La obra es un fiel reflejo de las características estilísticas de los primitivos flamencos y, sobre todo,
es un compendio del estilo de su autor. En su composición sobresalen:




La minuciosidad; al ser una pintura concebida para la exhibición doméstica, lo que permite
verla de cerca, los
detalles se plasman con una escrupulosidad microscópica, sólo posible gracias al empleo
del óleo y de plumillas especiales. Por ejemplo, en el espejo del fondo —en cuyo marco
están representadas diez escenas de la pasión de cristo— se refleja toda la habitación
vista desde atrás, incluyendo todo el mobiliario, el matrimonio, otras dos personas y el
ventanal con una vista de brujas; El deleite en la reproducción de objetos; los flamencos se
enorgullecen del bienestar material que han logrado, de sus pequeñas posesiones, y las
representan en sus obras: la lámpara, los muebles finamente labrados, la ropa, etc. En
esta obra aparecen, además, otros objetos aparentemente injustificados; la tesis de
panofsky se apoya en alto grado en ellos.
El naturalismo; van eyck se preocupaba mucho por representar la realidad con la mayor
exactitud posible, aunque al ojo moderno la imagen parezca escasamente realista por la
actitud hierática de los retratados —incluso el perro. El movimiento es nulo en la imagen;
las formas tienen una solidez escultórica, y la escena, en general, es rígida, teatral y poco
espontánea;
La preocupación por la luz y la perspectiva; propias de van eyck, que en ello se adelantó a
su tiempo: la luz que penetra por la ventana es suave y envuelve las formas
delicadamente, la claridad se disuelve, poco a poco, en una atmósfera tangible; el marco
arquitectónico y el recurso del espejo del fondo dan una sensación de profundidad muy
verosímil. El propio Velázquez se inspiró en esta obra al pintar las meninas.
Wikipedia
LOS PROTAGONISTAS________________________________________________________
Giovanni de Arrigo Arnolfini, rico comerciante italiano (oriundo de Lucca), afincado en
Brujas hacia 1421.Desempeñó cargos de importancia en la corte de Felipe el Bueno, duque
de Borgoña, a cuyo archiducado pertenecían entonces los Países Bajos.
Jeanne o Giovanna Cenami procedía de una acaudalada familia italiana que vivía en
París; su matrimonio se había concertado con sumo cuidado. Por desgracia, no resultó
como se esperaba: no tuvieron hijos y, años después, Arnolfini fue llevado a los tribunales
por una amante despechada que buscaba compensación.
Wikipedia
14 | P á g i n a
|
EL REALISMO_____________________________________________________________________
Llama la atención el realismo óptico basado en la minuciosidad microscópica y en una magistral
captación de la luz y la perspectiva, la quietud y, sobre todo, el orgullo por el bienestar material
que han logrado, y por sus pequeñas posesiones: la lámpara, los muebles finamente tallados, la
ropa… Éste es un aspecto muy llamativo en esta obra; ya que aparecen infinidad de objetos sin
motivo aparente.
EL SIMBOLISMO___________________________________________________________________
Pero, gracias, precisamente, a estos pequeños objetos, propios de una sociedad que vive en la
opulencia, el experto en Historia del Arte, Erwin Panofsky, logró desvelar el significado de este
cuadro: el cual interpreta como una alegoría del matrimonio y de la maternidad. Para ello, nos
desvela el sentido de multitud de detalles que, aparentemente, carecen de importancia, pero que
dan una nueva dimensión al cuadro, algunos de estos pormenores son:

En primer lugar, la representación de los esposos, que es antagónica y revela los diferentes
papeles que cumple cada cual en el matrimonio. No olvidemos que hablamos de una sociedad de
hace más de 500 años, a caballo entre la Edad Media y la Edad Moderna: él es severo, bendice o,
quizá, jura (fides levata) —en cualquier caso, ostenta el poder moral de la casa (potestas)— y
sostiene con autoridad la mano de su esposa (fides manualis), que agacha la cabeza en actitud
sumisa
y posa su mano izquierda en su abultado vientre, señal inequívoca de su embarazo (que no es
real), que sería su culminación como mujer. Las mismas ropas que llevan refuerzan este mensaje,
a pesar de que la ambientación sugiere un tiempo veraniego o, cuando menos primaveral, lleva
pesadas túnicas que revelan su alta posición socioeconómica, el tabardo de él es oscuro y sobrio
(aunque los remates de piel de marta resultaban particularmente caros), y ella luce un ampuloso
vestido, de colores vivos y alegres, con puños de armiño (complementados con un collar, varios
anillos y un cinturón brocado, todo de oro).
Hay, en segundo lugar, multitud de objetos que aparecen sin justificación aparente, si bien todo lo
que contiene el cuadro
proclama la riqueza de la joven pareja, desde la ropa y los muebles hasta la fruta en el alféizar de
la ventana. Lo cierto es que esta pareja parece haber recopilado objetos de muchos países de
Europa: Rusia, Turquía, Italia, Inglaterra, Francia... Sin duda, Arnolfini, rico mercader, trabó
amistad o negocios con empresarios de toda Europa. Como se sabe, Brujas, donde se instaló
Giovanni, era un hervidero de burgueses de todas partes; y este mercader que protagoniza el
cuadro se jactaría de sus relaciones con todos ellos. En definitiva, lo cierto es que todos tienen un
significado nítido que da una nueva dimensión a la obra:
15 | P á g i n a
|
Las naranjas, importadas del sur, eran un lujo en el norte de
Europa por lo que simboliza la riqueza de la familia y la
prosperidad económica que les aguarda, o quizás aluden al
origen mediterráneo de los retratados. Conocidas como
"manzanas de Adán", representaban además la fruta prohibida
del edén (quizá sean una evocación del paraíso perdido), en
alusión al pecado mortal de la lujuria, probable motivo de la
pérdida de la gracia.Los instintos pecaminosos de la humanidad
se santifican mediante el ritual del matrimonio cristiano.
Wikipedia
La cama tiene relación, sobre todo en la realeza y la nobleza, con
la continuidad del linaje y del apellido. Representa el lugar donde
se nace y se muere. Los tejidos rojos simbolizan la pasión además
de proporcionar un poderoso contraste cromático con el verde
de la indumentaria femenina. En todo caso, era costumbre de la
época, en las casas acomodadas de Borgoña, colocar una cama
en el salón donde se recibían las visitas. Aunque, generalmente,
se usaba para sentarse, ocasionalmente, era también el lugar
donde las madres recién paridas recibían, con su bebé, los
parabienes de familiares y amigos.
Wikipedia
Los zuecos esparcidos por el suelo —ellos van descalzos—
representan el vínculo con el suelo sagrado del hogar y también
son señal de que se estaba celebrando una ceremonia religiosa.
La posición prominente de los zapatos es también relevante: los
de Giovanna, rojos, están cerca de la cama simbolizando que era
la encargada del hogar; los de su marido, más próximos al
mundo exterior, simbolizan que es él el encargado de trabajar
para llevar la prosperidad económica a la casa. En aquel tiempo
se creía que pisar el suelo descalzo aseguraba la fertilidad.
Wikipedia
16 | P á g i n a
|
El espejo es uno de los mejores ejemplos de
la minuciosidad microscópica conseguida por
van Eyck (mide 5’5 centímetros y cada una de
las escenas de la pasión que le rodean mide
1’5 centímetros), y enlaza con el siguiente
asunto. En torno al espejo se muestran 10 de
las 14 estaciones del Vía Crucis (las paradas
del camino de Cristo hasta su muerte en el
Gólgota). Su presencia sugiere que la
interpretación del cuadro debe ser cristiana y
espiritual en igual medida que legal y
recuerda el sacrificio que tienen que soportar
los esposos.
Wikipedia
La lámpara sólo tiene una vela, que
simboliza la llama del amor era costumbre
flamenca encender una vela el primer día de
la boda .
Pero también recuerda la candela que luce
siempre en el sagrario de la iglesia, la
permanente presencia de Cristo.
Wikipedia
Giovanna lleva un elegante vestido verde (el color de la fertilidad), propio
de un retrato de aparato y un cuadro de boda. No está embarazada, su
postura se limita a delatar el vientre, que entonces se tenía por una de las
partes más bellas del cuerpo. También cabe pensar que su pose y la
exagerada curvatura del vientre sugieran su fertilidad y deseada preñez
que nunca resultó.
Wikipedia
17 | P á g i n a
|
IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA______________________________________________________
El Retrato del Matrimonio Arnolfini es, sin duda, una obra maestra del arte de los primitivos
flamencos. Según la propia firma del autor, fue pintada en 1434. Formó parte de la colección real
española, pero fue robada por el ejército francés durante la Guerra de la Independencia Española.
En 1842 la National Gallery de Londres la adquirió por 730 libras.
Van Eyck representa la boda de Arnolfini, un próspero banquero italiano establecido en Brujas
hacia 1421. Pero lo más significativo es que da fe de la revolución que estaba viviendo el arte
flamenco, paralela a las innovaciones italianas.
El cuadro, lleno de simbolismo, actúa en varios planos:




como retrato de dos importantes miembros de la sociedad ejecutado por el más eminente
artista local
como testigo de su boda
como sumario de las obligaciones que entrañaba el matrimonio a mediados del siglo XV.
Como ilusión, como engaño, como promesa, como exorcismo, en resumen, como un
misterio.
Van Eyck hace además gala de su suprema destreza como pintor y maestro de las últimas técnicas
(en especial la pintura al óleo), por la que alcanzó renombre en toda Europa.
Wikipedia
RETRATO DE HOMBRE CON TURBANTE_____________________________________________
El Retrato de un hombre con turbante, Turbante
Rojo, Retrato de un hombre, etc. es una pintura al
óleo realizada en 1443 por el pintor flamenco, Jan
van Eyck. Fue adquirida por la Galería Nacional de
Londres en 1851, después de haber estado en
Inglaterra desde que Thomas Howard conde de
Arundel la compró, probablemente durante su exilio
en Amberes entre 1642-1644.
Se ha preservado junto con su marco original, los
lados verticales son de hecho una sola pieza de
madera con el panel central, y tiene la inscripción
pintada JOHES DE EYCK ME FECIT ANO MCCCC.33.
21. OCTOBRIS «Jan Van Eyck me hizo el 21 de
octubre 1433» en la parte inferior y en la parte
superior el lema AlC IXH XAN, que puede significar
«como puedo», que aparentemente es una frase
modesta «hago lo que puedo», pero en realidad
18 | P á g i n a
|
puede ser falsa modestia «hago esto porque puedo» que aparece en otras pinturas de van Eyck,
siempre se escrito en letras griegas e incluye un juego de palabras con su nombre, al igual que en
otros marcos van Eyck las letras están pintadas o talladas.
Al igual que todos los retratos de Van Eyck, este retrato presenta un análisis preciso y detallado de
las líneas físicas. Sin embargo no da ningún indicio sobre los pensamientos del sujetoo su estado
de ánimo. Con frecuencia se piensa que el modelo es el mismo van Eyck, aunque no hay evidencia
directa de esto. El traje es apropiado para un hombre de la posición social de van Eycky, y el lema
es su lema personal, el cual solo en dos pinturas religiosas que han perdurado hasta nuestra
época, dos solo conocidos a partir de copias, y el retrato de su esposa. En ninguna es tan
prominente como en este caso.
En realidad no está vestido con un turbante, pero con un chaperon cuyos extremos que
normalmente cuelgan anudados sobre su cabeza, lo que sería una precaución sensata si se usaba
mientyras se pintaba. Un chaperon similar es usado por un personaje en el fondo de la obra "Rolin
Madonna" de van Eyck, y también se ha sugerido que este se trata de un autorretrato. En lo que
ya es usual en Van Eyck, la cabeza es un poco grande en relación con el torso. La técnica se
muestra la "habilidad, la economía y la velocidad" de las mejores obras de Van Eyck. Campbell
describe la pintura del ojo izquierdo de la siguiente manera: "El blanco del ojo ha sido pintado en
un tono blanco mezclado con pequeñas cantidades de rojo y azul. Una delgada esfumino de rojo
aparece en la capa inferior, que sin embargo, queda expuesta en cuatro puntos para crear brillos
secundarios. Las venas están pintadas en color bermellón en el esfumino mojado. El iris es ultramarino, bastante puro en su circunferencia, pero mezclado con blanco y negro hacia la pupila. Hay
pintas negras cerca de la circunferencia y la pupila está pintada en negro sobre el azul del iris. Los
brillos principales son cuatro puntos de blanco de plomo aplicados como toque final, uno en el iris
y tres en el blanco del ojo, donde se complementan con los cuatro brillos secundarios para crear el
efecto de brillo. "
Wikipedia
19 | P á g i n a
|
ROGER VAN DER WEYDEN Y EL BOSCO_____________________________________________
Roger van der Weyden (Tournai, hoy en la provincia de Henao, Bélgica, 1399/1400 - Bruselas, 18
de junio de 1464), fue el pintor más célebre e influyente de la escuela flamenca en el período
gótico. También se le conoce como Roger de la Pasture o Rogier de le Pasture.
Se distingue tanto por la interpretación de temas religiosos (patéticos y marianos) como por sus
notables retratos. Pinta al óleo sobre madera, en panel único, dípticos o polípticos. En sus
primeras obras, su estilo es marcadamente gótico: hierático, y realiza fondos dorados.
Posteriormente evoluciona hacia líneas sinuosas y fluidas en cuerpos y en drapeados. Sus
personajes presentan un marcado corte realista.
Jeroen Anthoniszoon van Aeken, conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch (Bolduque, h. 1450 agosto de 1516) fue un pintor neerlandés.
La protagonista de sus cuadros es la humanidad que incurre en el pecado y es condenada al
infierno; la única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con
vidas de santos, a través de la imitación de sus vidas dedicadas a la meditación, aunque estén
rodeados por el mal. Ejemplo son las tablas con la Pasión de Cristo a través de la meditación sobre
las penas sufridas por Cristo, para rescatar al género humano del pecado universal.
En los últimos años de su actividad, su estilo cambia pintando cuadros con un menor número de
figuras pero de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador. Llama
la atencio su gran fantasia imaginativa, con la que satiriza a la sociedad de si tiempo, como
muestra su obra El carro de hen.
DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ (ROGER VAN DER WEYDEN)________________________________
El descendimiento de la cruz (en neerlandés, De Kruisafneming), es considerada la obra maestra
del pintor flamenco Roger van der Weyden. Es un óleo sobre tabla, pintado con anterioridad al
año 1443, probablemente hacia 1436. Mide 220 cm de alto y 262 cm de ancho. Se exhibe
actualmente en el Museo del Prado de Madrid. Es conocido, generalmente, como El
Descendimiento.
Farga y Fernández (2008)
20 | P á g i n a
|
HISTORIA________________________________________________________________________
Es la tabla central de un tríptico, cuyas alas laterales han desaparecido. Se trata de una pintura al
óleo sobre madera. Tiene forma rectangular, con un saliente en el centro de la parte superior, en
el que se encuentra la cruz y un joven encaramado en la escalera, que ha ayudado a bajar el
cadáver.
Van der Weyden se enfrenta con el problema de encajar un gran número de personajes y una
escena de gran complejidad en una tabla de dimensiones no muy grandes estipulada por el
comitente. El cuadro mide unos 2,6 metros de ancho por 2,2 de alto.
El tema es religioso, típico de la pintura gótica: Cristo bajado de la cruz. Los Evangelios hablan de
ello: José de Arimatea pidió a Poncio Pilato que le dejara llevarse el cuerpo de Jesucristo para
enterrarlo. A pesar de que el Nuevo Testamento no lo describe con detalle, la pintura, y el arte en
general lo ha representado una y otra vez.
Se pueden encontrar representaciones tempranas del tema en la pintura sobre madera medieval.
Las clavos ya se han quitado y el cuerpo de Cristo es bajado de la cruz, recibido por los brazos de
José de Arimatea. Dio lugar a composiciones de solo tres figuras: Cristo, José de Arimatea y
21 | P á g i n a
|
Nicodemo. Posteriormente se añadieron personajes auxiliares entre ellas, la Virgen María y el
apóstol Juan.
Roger van der Weyden encaja a las figuras en un espacio apaisado, en forma de urna. El fondo es
liso, de oro, elemento típicamente gótico; de este modo, las figuras parecen esculturas
policromadas. Tradicionalmente, los retablos escultóricos eran más costosos y cotizados que los
pintados; se puede decir que el artista recreó con trucos ópticos un grupo escultórico que hubiese
resultado mucho más caro. El fondo de oro tiene además un sentido simbólico, como ya se le daba
en Egipto: simboliza la eternidad y es propio de lo divino.
En el primer término, abajo, hay un pequeño fragmento de paisaje, con pequeñas plantas, un
hueso alargado y una calavera junto a la mano de María desmayada. Presentar un pequeño
matorral vivo junto a la calavera podría aludir a la vida después de la muerte, tal como sostienen
las creencias cristianas. La ausencia de paisaje en el resto del cuadro centra toda la atención en las
figuras, que se alojan en un espacio reducido. Tal como se describe en los Evangelios, José de
Arimatea envuelve el cuerpo de Cristo en un paño blanco del lino, impregnado de sustancias
aromáticas. Aparece un anciano de barba blanca identificado como Nicodemo. José de Arimatea y
Nicodemo sostienen el cuerpo exánime de Cristo con la expresión de consternación a que obliga el
fenómeno de la muerte.
Wikipedia
Hay dos parejas de figuras que se representan paralelamente: María Magdalena y Juan en los
extremos englobando el grupo en una especie de paréntesis, y la Virgen María y su hijo Jesucristo
en el centro. Al lado derecho, María Magdalena se dobla, consternada por la muerte de Cristo. Es
la figura más lograda de todo el cuadro en cuanto a la expresión del dolor. Su movimiento corporal
se repite en la joven figura de Juan, vestida de rojo, en el borde izquierdo. Por su parte, la Virgen
María es representada sufriendo un desfallecimiento y doblándose. Jesucristo aparece en la
misma posición que su madre, lo que significa que los dos sufren el mismo dolor, ilustrando así en
la Compassio Mariae, esto es, en el paralelismo entre las vidas de Cristo y la Virgen.
Las figuras recrean un grupo escultórico y resaltan sobre el fondo liso. Ayudando al efecto de
profundidad, el artista incluye en trampantojo sendas tracerías góticas en los dos ángulos
principales; estos ornamentos eran comunes en retablos escultóricos y en nichos funerarios. Su
composición axial vertical y horizontal, rigurosamente estructurada y equilibrada, se inscribe en un
óvalo. Las posiciones del brazo de Jesucristo y de la Virgen expresan las direcciones básicas de la
tabla. Puede trazarse una diagonal de la cabeza del joven que ha liberado a Cristo hasta la Virgen y
el pie derecho de San Juan. Los rostros están alineados horizontalmente, alineación que viene
suavizada por la línea ondulada de las expresiones corporales de los personajes.
Van der Weyden ha representado a María Magdalena con un cinturón que simboliza la virginidad y
la pureza. Este cinturón se encuentra alineado con los pies de Cristo y la cabeza de la Virgen, y en
él aparece una inscripción que hace referencia a ambos: IHESVS MARIA. La vestimenta de los
personajes sirve como símbolo de su clase social. Ninguna de ellas permitía representar las
22 | P á g i n a
|
calidades de los objetos y de las telas como la pintura al óleo. De esa manera, Van der Weyden en
esta pintura se explaya, en la concreción de las calidades y dependiendo de la clase social del
personaje selecciona visón, seda, brocados, raso de azul, lapislázuli para la Virgen...
Otra muestra del preciosismo de la pintura flamenca, gracias a los avances de la técnica del óleo,
se muestra en las calidades de los objetos. Hasta este momento la técnicas utilizadas en la pintura
eran el temple y el fesco o pintura mural.
Los ropajes y el claroscuro proporcionan los efectos lumínicos. Los colores fríos caracterizan a los
personajes más patéticos:
las mujeres y el joven subido a la escalera; los demás personajes visten colores cálidos. Es un
cuadro cargado de simbolismo religioso. El pintor desplegó en esta escena toda una gama de
exquisitos matices y de doloridas expresiones, con una profunda emoción religiosa, provocando la
emoción del espectador ante las expresiones de los personajes.
Wikipedia
MARGARITA VAN EYCK_____________________________________________________________
 Autor: Jan Van Eyck
 Fecha:1439
 Museo: Museo Groeninge de Brujas
 Características:32,6 x 25,8 cm.
 Material: Oleo sobre tabla
 Estilo: Pintura Flamenca

Este es un retrato extraordinario por varias razones. En primer lugar, muestra a la esposa del
pintor, lo cual lo convierte en uno de los primeros retratos de este cariz en la historia del arte
europeo. No era natural que un artista tomara a su esposa para retratarla en estos años, por lo
que el cuadro se convierte en un auténtico acto de amor conyugal. Margarita van Eyck se casó con
Jan en 1434 y ese mismo año nació su primer hijo.
Se desconoce el apellido de soltera de Margarita, aunque se ha considerado que el Hombre con
turbante rojo era el retrato de su padre, y suegro del pintor. Margarita fue pintada cuando
contaba 33 años, una edad bastante madura para la época. Su rostro posee los rasgos de la vejez
ya. No es una mujer hermosa, pero el pintor la retrata con amabilidad y su rostro traduce
inteligencia, voluntad y eficacia.
En su retrato podemos apreciar la última moda femenina para los Países Bajos: frente rapada para
darle mayor amplitud, y una toca en forma de cuernos, que es la misma que llevan otras damas de
los retratos de Van Eyck, como la joven desposada del Matrimonio Arnolfini. El otro dato que
convierte este retrato en una obra excepcional es la manera en que se conservó a lo largo de los
siglos. Por no sabemos qué medios, el cuadro pasó a ser propiedad de la guilda de pintores de
23 | P á g i n a
|
Brujas. Lo mantenían en un cofre cerrado por cinco llaves que custodiaban cinco miembros
diferentes de la guilda. Sólo podría abrirse con la presencia de todos los guardianes, y se exponía
una sola vez al año, el día de San Lucas, patrón de los pintores.
Y aun así, se exponía atado a una gruesa cadena. Este tratamiento casi de reliquia religiosa
demuestra la temprana apreciación que se sentía por la obra de Van Eyck, que llegó al nivel de
mito de la pintura.
Artehistoria.es
24 | P á g i n a
|
LA ADORACIÓN DE LOS PASTORES____________________________________________________
La Adoración de los Pastores es la tabla central del Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari),
obra del pintor flamenco Hugo van der Goes. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas
entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, en panel central mide 253 cm de alto por 304 cm
de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi
de Florencia.
HISTORIA________________________________________________________________________
El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco.
Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por
Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas. Es su único cuadro
documentado, lo que permite la atribución y datación del resto de sus cuadros.
Una vez acabado el cuadro, se envió a Florencia, pues tenía como destino la iglesia del hospital de
Santa Maria Nuova. Estuvo expuesto al público en la ciudad toscana, y ejerció una enorme
influencia en los pintores florentinos, quienes se fijaron en el realismo puesto en evidencia en los
pastores y el paisaje. Ghirlandaio copió el grupo de pastores en su cuadro de 1485 para la capilla
Sassetti de la iglesia de Santa Trinità. Filippino Lippi, incluso Botticelli y, sobre todo, Leonardo da
Vinci, y otros estudiaron la obra, una de las primeras obras flamencas llegadas a Italia. Lorenzo di
Credi y Mariotto Albertinelli copian el tipo de paisaje nórdico.
Wikipedia
25 | P á g i n a
|
Robert de Masmines__________________________________________________________
Considerado uno de los primeros retratos autónomo de la
pintura flamenca, la identidad del personaje representado
ha sido objeto de especulación, pudiendo tratarse de
Robert de Masmines, destacado militar al servicio de
Felipe el Bueno. Llama la atención la presentación en
primerísimo primer plano de la cabeza del personaje,
atendiéndose a los detalles de su fisionomía, como la
pronunciación de sus arrugas, la caída de los párpados o la
barba y cabello. Sin embargo, la austeridad de la
composición queda realmente compensada por la
extraordinaria calidad del cuello de piel del abrigo.
educathyssen.org
MAGDALENA_____________________________________________________________________
La Magdalena leyendo es uno de los tres fragmentos
conservados de un gran retablo de roble al óleo de
mediados del siglo XV, obra del pintor flamenco Roger van
der Weyden. Completado algún momento entre 1435 y
1438, se conserva en la National Gallery de Londres desde
1860.
Muestra a una mujer con la piel pálida, huesos de las
mejillas altos y párpados ovalados típicos de los retratos
idealizados de la mujer noble de la época. La mujer se
identifica María Magdalena por el tarro de ungüento
colocado en primer plano, que es su atributo tradicional en
el arte cristiano. Se la presenta como completamente
absorbida en su lectura, un modelo de vida contemplativa,
arrepentida y absuelta de pasados pecados.
En la tradición católica la Magdalena fue confundida tanto con María de Betania, que ungió los
pies de Jesús de Nazaret con aceite, como con la «pecadora anónima» de Lucas 7:36–50. La
iconografía habitual de la Magdalena le presenta con un libro, en un momento de reflexión, con
lágrimas, o evitando la mirada.
Van der Weyden presta gran atención al detalle en muchas partes de la obra, en particular los
pliegues y tela de vestido de la mujer, los vidrios del rosario que sostiene la figura de pie y la
exuberancia del exterior.
Wikipedia
26 | P á g i n a
|
LA ANUNCIACIÓN______________________________________________________________
La Anunciación es una obra del pintor flamenco Jan van Eyck. Es una pintura al óleo realizada hacia
1434. Originalmente se hizo sobre tabla pero ha sido transferida a lienzo. Mide 93 cm de alto y 37
cm de ancho. Se exhibe actualmente en la Galería Nacional de Arte de Washington DC.
Se cree que pudo ser el ala interior izquierda de un tríptico. El origen de la pintura, hasta donde
puede saberse, es:
1791 Un visitante en la cartuja de Champmol, monasterio cartujo en Dijon, hoy en Francia, pero
en el siglo XV la capital del Ducado de Borgoña, documentó su presencia en la habitación del Prior,
originariamente en la capilla ducal del monasterio: "... cuadros sobre tabla del tipo de los pintores
flamencos primitivos, que provienen de las capillas de los duques; trienen unos cuatro pies de alto.
El primero, de un pie de ancho, es una Anunciación..."
Se cree que la pintura de Washington, aunque las medidas (en el pie francés del día) no coinciden
con mucha exactitud. Es posible, pues, que Jan van Eyck hiciera esta obra por encargo de Felipe el
Bueno.
Wikipedia
27 | P á g i n a
|
Conclusiones_________________________________________________________________


Arte descriptivo que parte de la observación directa y sensible del mundo circundante
Anunciación de R. Campin
Acentuado interés por la realidad Descanso en la huída a Egipto de G. David
Dibujo preciso y detalladísimo. Colorido nítido, saturado. o Perfección cromática, gran
luminosidad Matrimonio Arnolfini Van Eyck
Uso de veladuras y barnices. Acabado esmaltado dibujo preciso y detalladísimo
Temas religiosos, a menudo presentados de manera intimista, con aire piadoso y recogido,
en interiores burgueses. O
El rasgo más característico de la producción artística de los siglos XIV-XV fue la búsqueda


periodo Bizantino de afán decorativo, por el contrario, ahora se busca una pintura
naturalista, síntesis de color de dibujo, y una valoración de volumen.
Las técnicas usadas fueron : Cuadros sobre tablas de Roble
Uso del oleo




Bibliografía_______________________________________________________________________
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/5057.htm
http://www.educathyssen.org/getpictureresources/265/Retrato%20de%20un%20hombre%20rob
usto.%20Robert%20de%20Masmines%20(?)
http://www.nationalgallery.org.uk/paintings/rogier-van-der-weyden-the-magdalen-reading
http://www.artbible.info/art/large/321.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Anunciaci%C3%B3n_(Van_Eyck,_Washington)
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/5057.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Descendimiento_de_la_cruz_(Roger_van_der_Weyden)
http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_Giovanni_Arnolfini_y_su_esposa
http://es.wikipedia.org/wiki/Pol%C3%ADptico_de_Gante
28 | P á g i n a
|
29 | P á g i n a