ARTE NEOCLÁSICO 1.- Características generales del

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ARTE NEOCLÁSICO
1.- Características generales del Neoclasicismo. Las Academias.
2.- Arquitectura: Juan de Villanueva. Escultura: Canova. Pintura: David.
3.- La personalidad libre e independiente de Francisco de Goya.
Explicar este tema como una nueva vuelta a los ideales clásicos tras el cansancio y agotamiento de las
fórmulas barrocas, haciendo notar al alumno el flujo y reflujo que han tenido los grandes ciclos y ritmos de la Historia del Arte entre lo clásico y los barroco.
Dentro de las consideraciones generales del Neoclasicismo y utilizando a Francia como epicentro, señalar la función social del nuevo movimiento estético, puesto al servicio de las clases medias y populares
que, tras la Revolución y la caída del Antiguo Régimen, ven en él la derrota de la aristocracia y del
gusto barroco.
Exponer la influencia de la cultura de la Ilustración en las artes y el control de la enseñanza de las
mismas por las Academias.
Plantear los caracteres de la arquitectura neoclásica en torno a la obra de Juan de Villanueva.
Caracteres de la escultura neoclásica y reseña artística de Antonio Canova. Jacques-Louis David, por
su vida de compromiso político y por las propuestas formales y morales que desarrolla en su pintura,
viene a ser el mejor representante de los pintores del Neoclasicismo.
La vida y la obra de Goya condensa con categoría genial los sentimientos artísticos y los aportes plásticos de la generación que vivió los difíciles decenios del paso de siglo.
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- Es la segunda oleada de recuperación de la antigüedad clásica en la Historia del Arte.
- Aparece en Italia a ½ XVIII y tiene como causas:
* El rechazo intelectual a los efectos ilusionistas del barroco tardío. En la pintura, sobre todo, se veía
reflejada la moral infame de la aristocracia (Boucher, p.ej.), pidiendo los enciclopedistas un “rearme
moral” de la sociedad. Diderot se destacó en estos ataques criticando la sensualidad del rococó al que
contrapone el ideal platónico que vincula la belleza en el arte a la bondad y a la virtud; así pues, la responsabilidad del creador será subordinar sus obras al bien y a la educación de la colectividad. La pintura histórica es alternativa a la rococó pues aquella constituye una escuela de costumbres.
La civilización clásica, además, era modelo de orden y virtudes cívicas: la libertad del habitante de
las polis griegas y la dignidad del ciudadano romano.
* El descubrimiento de Pompeya y Herculano aceleró su aparición.
- Hay dos etapas en su desarrollo:
1ª) Tiene como centro Roma y como representantes a dos teóricos alemanes:
· Winckelmann, padre de la Arqueología y la Hª del Arte, escribió en 1755 Reflexiones sobre la imitación de los griegos en la pintura y escultura, ideario estético del nuevo estilo y donde defiende que a
los artistas, para ser grandes, solo les queda el camino de la imitación de arte clásico, cuyas características fundamentales son la noble sencillez y la serena grandeza.
· Mengs en su tarea de pintor acabó con las perspectivas fingidas anteriores, y como tratadista defendió la superioridad del arte frente a la naturaleza, de tal manera que el pintor debía depurar con la
imaginación y la inteligencia las imperfecciones de la realidad.
2ª) La segunda fase se inicia hacia 1770 pues se aceptan internacionalmente estos principios a través
de la Academias. Contribuyeron éstas a que las tres nobles artes dejaran de ser oficios mecánicos para
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convertirse en artes liberales y, en consecuencia, a que el artista dejara de ser un artesano para convertirse en un profesional independiente.
Estaban protegidas por el Estado, regidas por un claustro de profesores-académicos pertenecientes a
las distintas disciplinas artísticas y con un objetivo primordial: inculcar a los alumnos la correcta educación neoclásica.
El sistema educativo, basado sobre todo en el dibujo, constaba de tres niveles:
- el más elemental consistía en que aprendices de pintor y escultor copiaran partes anatómicas simples
del cuerpo humano según patrones que aparecían en cartillas.
- el segundo consistía en copiar moldes de escayola de estatuas antiguas y ser instruidos en el tratamiento de los ropajes.
- los alumnos que lograban superar los niveles anteriores se dedicaban a la reproducción del cuerpo
humano al natural. Al acabar éste escalón recibían un título acreditativo.
Los arquitectos, por su parte, se afanaban en el estudio de los tratadistas romanos y renacentistas italianos, básicamente Palladio, y en su puesta en práctica a través de proyectos de edificios. El neopalladianismo se extendió por toda Europa y los Estados Unidos.
Convocaban anualmente concursos como estímulo a los artistas jóvenes, tras los cuales se exponían las
obras de los vencedores, dándoles como primeros premios becas para que pudiesen estudiar en el extranjero.
Las principales academias europeas fueron: la de S. Lucas en Roma, la Royal de París, la Royal de
Londres y la de S. Fernando en Madrid.
Sin embargo, el mundo de reglas que supone el academicismo contrasta con un fenómeno cultural simultáneo, el Prerromanticismo, que busca el retorno a lo cotidiano, el distanciamiento de la civilización, la búsqueda de la ingenuidad perdida, el desbordamiento de los sentimientos y, de alguna forma,
la libertad creadora.
Si bien el Neoclasicismo se convierte en un estilo revolucionario, también será aprovechado por Napoleón para igualarse a los emperadores romanos (estilo imperio).
La arquitectura: Juan de Villanueva (1739-1811)
Se formó en la Academia de S. Fernando, posteriormente obtuvo una beca de estudios de siete años en
Roma que le permitió conocer la arquitectura antigua de Pompeya y Herculano y empaparse de Palladio. Al regresar a España se le nombra arquitecto de El Escorial donde continúa ampliando su formación tanto con el propio edificio como en su biblioteca.
En 1773 proyecta para los hijos de Carlos III, próximas al anterior monasterio, La Casita de Arriba y la Casita de Abajo (o del Príncipe); en esta
última coloca un orden tetrástilo griego, mostrando el recuerdo de la Rotonda de Palladio; mientras que en la de Arriba adopta ya para siempre la
disposición griega in antis. En 1784 edifica para el futuro Carlos IV la Casita del Príncipe en el Real Sitio de El Pardo, donde sustituye la planta
central por la rectangular.
El éxito de estas construcciones le valió la dirección general de la Academia y el título de Maestro Mayor del Ayuntamiento de Madrid, en un momento en que la capital estaba
cambiando profundamente. Las construcciones de éste momento son las siguientes:
El Palacio de las Ciencias (1785).- A su monumentalidad
clásica hay que sumar su modernidad y funcionalidad. El
proyecto forma parte de un ambicioso plan de modernización científica, confeccionado a la medida del rey ilustrado y su gabinete de intelectuales y artistas renovadores.
En principio no había de funcionar como pinacoteca, sino
que se trataría del Gabinete de Historia Natural. Así, formaba parte de otro gran complejo que incluía
el Observatorio Astronómico y el Jardín Botánico. Todo ello inmerso en el jardín inmenso del Buen
Retiro, donde se incluían el Palacio Real levantado por Felipe IV, así como las Reales Fábricas de porcelana y vidrio. Como podemos observar, el proyecto supera con creces cualquier planteamiento actual
de complejo cultural.
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Su estructura se compone de un cuerpo central que incluye pórtico (de robustas columnas dóricas inspiradas en El Escorial) en el que el frontón se sustituye por un ático como los de los arcos de triunfo
pero decorado con relieves, y un salón posterior cerrado en semicírculo; dos grandes cuerpos extremos
cuadrados palladianos, que se unen al central por sendos corredores con columnatas exteriores, dan
sentido de tránsito. El conjunto goza de gran uniformidad gracias a esa columnata gigante que recorre
sus paredes de principio a fin.
En 1818 Fernando VII, a pesar de odiar todo lo francés, aceptó la idea de José Bonaparte de reunir las
colecciones reales en un solo edificio, transformándose en Museo del Prado. Se añadió el ático de ladrillo que va por encima de la cornisa principal y la decoración ornamental de la fachada. Desde el
año 1836 las colecciones se incrementan con la desamortización de los bienes artísticos de la Iglesia;
sin embargo, muchos de ellos se perdieron por el camino. Otros muchos legados particulares, así como
compra de obras para llenar lagunas, p.ej. de pintura inglesa, lo convierten hoy en la primera pinacoteca.
- El Observatorio Astronómico (1790).- Fue construido a instancias del astrónomo Jorge Juan y en él
se puede constatar la mentalidad teosófica del momento, en virtud de la cual ciencia y razón son tratadas con mentalidad religiosa como se comprueba en las evidentes resonancias de templos clásicos. La
planta está claramente inspirada en la Villa Rotonda y es, por tanto, de planta cruciforme, con gran
salón central rematado por templete tholos que Villanueva utilizará con profusión adaptado a diversas
necesidades. En su frente, pórtico hexástilo corintio.
Maltratado por las tropas napoleónicas, fue restaurado y ampliado sin mucho acierto.
- Reconstrucción de la Plaza Mayor de Madrid tras el incendio de 1790: eliminó la última planta y la
cerró dejando cuatro arcos de esquina.
- Hay un aspecto claramente romántico en éste autor: los jardines del palacio de Aranjuez en los que sigue un modelo anglo-chino, con
sus trazados serpenteantes, los caprichos de rocas, kioscos, casas de madera, etc.
- El Cementerio General del Norte (1804), hoy desaparecido, fue el primer edificio de este estilo construido siguiendo la política de
salubridad pública ilustrada que prohibía los enterramientos en iglesias y proximidades, obligando a trasladarlos al exterior de las ciudades.
La escultura: Canova (Possagno (cerca de Venecia), 1757- Venecia, 1822).- Desde sus primeros trabajos defiende su rol de artista
creador frente al de artesano, buena prueba de ello
es su obra Dédalo e Ícaro (1777-79): alegoría de la
escultura en la que bajo los pies de Dédalo (personificación del genio universal, versado en las artes y
en las ciencias) descansan las herramientas de escultor, mientras Ícaro pega las alas que permiten volar
al escultor. Con el premio obtenido por éste trabajo
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pudo marchar a Roma, donde conoce a Winckelmann y a Mengs, para estudiar la escultura clásica,
convenciéndose al poco tiempo de que había seguido el camino acertado en su arte. Son buenos exponentes en su producción mitológica Teseo y el Minotauro, Amor y Psiquis abrazados, etc.
Otra clave de su estilo es la calidad sensorial que transmite a sus estatuas, conseguido a base de un
lustroso acabado que después patina con piedra pómez; estas superficies desvanecen el tópico de frialdad con que se han calificado las esculturas neoclásicas.
Cultivó el género funerario en los sepulcros de Clemente XIII y Clemente
XIV entre 1783-87 con tanto éxito,
sobre todo en el primero, que fue llamado a Viena para realizar el Monumento funerario de María Cristina de
Austria que le abre las puertas de las
cortes europeas.
Así como Luís XIV llamó a Bernini a
París, Napoleón hizo lo propio con
Canova para que retratara a su madre,
a él mismo y a su hermana Paulina
Bonaparte, a quien había otorgado la
sociedad francesa el título de reina de
la belleza, por lo que la representó
recostada, semidesnuda como si se
tratara de la diosa Venus sosteniendo
la manzana regalada por Paris; probablemente su mejor obra, en la que aparece reflejada toda una época bajo la
sensualidad, heredada en parte de su
Venecia, del cuerpo femenino, y en la
que encarna el canon clásico por la
contemplación frontal y dorsal.
Es invitado desde Inglaterra para opinar sobre los mármoles traídos del
Partenón; el impacto fue enorme confesando que no tenían nada de afectación, de exagerado o de duro, sino que, por el contrario, eran verdadera carne. Bajo esta influencia
realiza Las Tres Gracias.
En sus últimos años recibe el encargo de representar al Presidente Washington; es un retrato sedente,
vestido de emperador romano e inspirado en el Diónisos del Partenón. Aparece renunciando al tercer
periodo presidencial, símbolo de la honestidad del pueblo americano.
La pintura neoclásica
Características:- Basada en los relieves romanos al no quedar restos de pintura; esto hace que sea importantísimo el
dibujo (según Ingres es ¾ partes más la mitad del cuadro), al contrario que el color que es convencional, incluso solo grisalla; por su parte, la luz es una mera claridad difusa. Simetría, falta de profundidad, ordenación de las figuras en filas paralelas, etc.
- La inspiración se busca en Roma: becas que pocas veces caen en manos importantes.
- El Estado es el primer demandante de arte para utilizarlo como propaganda (Napoleón).
David, Jacques Louis (1748-1825)
Basándose en Winckelmann es el promotor del neoclasicismo en Francia y, por otra parte, es un pintor
político, comprometido con los ideales de la Revolución Francesa y el Imperio Napoleónico, que pone
su arte al servicio de la propaganda.
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El manifiesto de la pintura neoclásica en El Juramento de los Horacios (1785), promesa que hacen tres
hermanos, sorteados entre el pueblo romano para combatir con otros tantos sabinos y decidir de esta
manera el resultado de la guerra. El momento escogido es la recepción de las espadas de manos del
padre y el juramento de defender Roma hasta la muerte: glorificación del patriotismo y el sacrificio;
pero lo que impactó verdaderamente a cuantos lo contemplaban y que le convierte en precursor de la
modernidad es el abandono intencionado de la narración literaria de la historia para concentrarse en la
expresión pasional de un instante de fuerte contenido dramático, es la impresión trágica que lo colocó
en olor de multitudes.
En 1787 pinta La Muerte de Sócrates, momentos antes de consumir el veneno y rodeado de doce discípulos al igual que Cristo en la Cena. Su condena por el simple hecho de dedicarse a la enseñanza, le
asemeja a los mártires políticos de la
Revolución a quienes también
representa: Marat asesinado, donde
la emoción se sitúa por encima del
clasicismo (prerromanticismo).
Durante la Revolución, las clases
medias y populares ven en el Neoclasicismo de David el espíritu de la
nueva época que está sobreviniendo, y que sustituye al Antiguo Régimen identificado con el Barroco.
Su influencia social es tan grande
que impone modas en el vestir, en
los peinados, en el mobiliario como
se resume en el retrato de Madame
de Récamiert (1800) al que tanto
debe Paulina Bonaparte de Canova.
En la época napoleónica se convirtió
en el mayor propagandista, representando a Napoleón cruzando los
Alpes (1800) y La coronación en
Notre-Dame (1805-7).
Vencido Napoleón huyó a Bruselas donde murió no sin antes anticipar el Romanticismo.
FRANCISCO DE GOYA (Fuendetodos, 1746 – Burdeos, 1828)
BIOGRAFÍA.- Él mismo dejó escrito que sus maestros fueron Velázquez (su
pintura sonará después con notas diferentes, más exasperadas, Velázquez fue un hombre sereno, impasible, Goya un exaltado), (los
aguafuertes de) Rembrandt y la Naturaleza, pero a ellos hay que
añadir, entre otros, modelos del barroco italiano aprendidos de su
maestro José Luján (o Luzán) y de sus viajes a Italia (el primero
en 1771) y su trabajo en la Real Fábrica de Tapices con Mengs.
Antes de 1771 había optado inútilmente por dos veces (1763 y
1766) a la beca de la Real Academia de S. Fernando para estudiar
en Roma, por lo que hubo de ir por su cuenta; estando en Italia
tampoco obtiene éxito en el concurso de la Academia de Parma al
que se presenta con Aníbal cruzando los Alpes (1771).
- Entre 1772-74 realizó el gran ciclo mural de La Vida de la Virgen de la cartuja de Aula Dei, próxima a Zaragoza, que lo convierte ya, probablemente, en el mejor pintor del XVIII.
- En 1773 se casa con Josefa Bayeu, hermana de varios pintores; uno de ellos, Francisco, artista de
éxito en Madrid, lo atrae a la Villa y Corte en 1775.
- En 1777 sufre una primera enfermedad (?). Convaleciente, realiza su primera serie de grabados sobre
obras de Velázquez (Conde-Duque en el sitio de Fuenterrabía).
- En 1780 ingresa como miembro de número en la Real Academia de S. Fernando
- En 1785 es pintor de Carlos III y en 1789 pintor de cámara de Carlos IV (en 1799 primer pintor de
cámara), convirtiéndose además en el pintor de moda de la aristocracia: finura y elegancia son sus
principales características. Estos encargos privados le permiten afirmar su propio estilo, libre de academicismos oficiales. La nobleza ilustrada le transmite, además, su ideología; esta influencia se ve en
algunos cartones como La nevada, el albañil herido, La Boda...
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- 1792: tras un viaje a Sevilla y debido a una misteriosa enfermedad (sífilis, esquizofrenia, saturnismo1) se queda sordo; pasa la convalecencia
en Cádiz, ciudad a la que vuelve en 1796
para pintar los cuadros de la Santa Cueva y
para pasar medio año en la grata compañía
de la recién enviudada Duquesa de Alba
quien le serviría, parece ser, de modelo en
Las Majas.
Si añadimos a las secuelas de su enfermedad las convulsiones revolucionarias de la
época (destierro de sus amigos ilustrados,
p.ej.), entenderemos el profundo cambio
que se opera en su personalidad; el aislamiento y la introspección a que se ve sometido hace que considere a la sociedad no algo amable como antes, sino lo negativo de los convencionalismos: crítica
amarga e imaginación turbada van a producir entre 1793-96 Los Caprichos.
- Con el cambio de siglo se va desligando poco a poco del mundo oficial. ¿Ruptura con el rey? ¿Prudente alejamiento ante la persecución de sus amigos ilustrados? ¿Aparición de Vicente López que se
ganó con su perfección dibujística los aplausos del soberano? Con todo ello, su arte se va haciendo
íntimo, casi para sí mismo y sus próximos.
- En 1808, segunda gran crisis de su espíritu, el dolor personal se agrava con el colectivo provocado
por la guerra: intensificación de su pesimismo y actitud crítica. De este periodo son los Cuadros del
Dos de Mayo y la colección de grabados Los desastres de la guerra
- La serie de grabados Los disparates arranca de 1814 y a partir de 1815 inmortaliza la fiesta de los
toros en la Tauromaquia (serie de 33 y otros 11 que no llegaron a publicarse).
- Da rienda suelta a su fantasía en unos pequeños cuadros de 1815-19 titulados Entierro de la Sardina,
Disciplinantes, Tribunal de la Inquisición, Casa de los locos, etc. que son visiones de la vida española,
llenas de imaginación y no refrenadas ante lo repulsivo. En el último citado entra de lleno en la pintura
romántica.
- Tras la guerra, Fernando VII le repone, a pesar de su liberalismo, como pintor de cámara, pero el absolutismo y sus excesos le inclina a aislarse en la Quinta de El Sordo (destruida en 1910) cuyas paredes decora con las Pinturas Negras (1820-23). El periodo del 1814 al 23 es de los más desconocidos
de su vida.
- Después de 1823 y con la reinstauración del absolutismo, marcha primero a París para instalarse luego en Burdeos donde muere en 1828, no sin antes dejarnos La lechera de Burdeos, el anticipo más
claro del Impresionismo.
EVOLUCIÓN ARTÍSTICA.- Arte en continua revisión y lleno de contrastes entre lo alegre y lo trágico, lo tierno y lo terrible, etc.
Las diferencias entre su obra de juventud y madurez y la de vejez es tan profunda que si hubiera muerto con 40 años probablemente sería casi desconocido.
- A pesar de su frecuente fantasía, predomina el realismo, pues esa fantasía se puede interpretar como
un realismo al revés, que intenta cambiar la realidad.
- En cuanto a composición, empleó comúnmente procedimientos neoclásicos, es decir, ordenación
geométrica regular agrupando las figuras en triángulos regulares, cuadrados, rectángulos, rombos, pirámides, etc. Pero en la etapa de madurez busca la libertad compositiva, lo que no indica una composición caótica, pues siempre habrá unas líneas rectoras (sinuosas en el 2 de Mayo, p.ej.).
- Dos grandes periodos:
A) Triunfos profesionales y optimismo ante la vida: colores rojos y grises, cuadros acabados,
dibujo continuo y temas amables.
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Intoxicación por plomo, metal que formaba parte de los colores del pintor
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B) El doble sufrimiento personal y colectivo vuelve su
visión patética: negros, cuadros de manchas, dibujo roto y temas
dramáticos de fantasía siniestra, lo que no impide que se mantenga
otra orientación amanerada y plácida para las obras de encargo.
- Sus cartones para tapices (63 en total de los que 40 están en El
Pardo) servirían para decorar las casitas que para los infantes construyera Villanueva en El Escorial y El Pardo. Una primera serie de
39 la pinta entre 1774-80. Los primeros se basan en bocetos ajenos,
las composiciones van ganando en cantidad y calidad, los colores se
vuelven más claros y brillantes. El Cacharrero, 1778, muestra en
primer plano un valenciano vendiendo vajilla, mientras dos mujeres
y una anciana miran la mercancía, lo que se ha interpretado como
una escena de prostitución; a contraluz y dentro del coche aparece
una dama difuminada. Da muestra de gran capacidad para representar la vida cotidiana. Está lleno de bellas transparencias, muy distantes de sus primeros cartones en lo que debe mucho a Velázquez.
La misma influencia hallamos en La Vendimia, 1786, con el Guadarrama al fondo, la luz gaseosa y los
personajes desdibujados por la distancia. El gris es todavía un color alegre. En los personajes populares hallamos la influencia de uno de los Tiépolo, Lorenzo, que pintó una serie de tipos madrileños. Del mismo género de diversiones le
encarga cuadros (no cartones) la aristocracia
madrileña para decorar sus palacetes, p.ej. La
cucaña y El columpio, pintados para los Duques de Osuna, sus protectores.
La segunda serie va desde 1780, fecha en que
se reabre la Real Fábrica de Tapices, hasta el 92. Va derivando hacia un estilo más hondo como lo demuestra El albañil herido donde no solo cambia el tema, la denuncia social, sino la pintura con colores
oscuros; parece que ilustraba con esta especie de descendimiento de Cristo un decreto de Carlos III
sobre accidentes laborales. La nevada con tonos fríos, sensación de viento y un hallazgo expresivo: la
ocultación de rostro como expresión de dolor; el invierno es visto bajo la óptica del sufrimiento del
campesino. Sus colores son cada vez más dificil trasladarlos al tapiz.
- Sus retratos tienen la elegancia de los ingleses pero con mayor vivacidad. Desdeñó el retrato de aparato donde lo accesorio acapara todo el interés. La expresión psicológica es lo que más le preocupa,
aunque en las telas logra espléndidas calidades. Los anteriores a 1800 son elegantes y estáticos, los
posteriores arrancan del Conde de Fernán Núñez: sueltos, dibujo roto y penetración psicológica. Predilección por lo femenino. En los de niños pudo estar influenciado por la escuela de retratistas ingleses.
Goya es un visionario de los rostros humanos, donde queda fijada para siempre la persona, los rasgos
propios, su máscara que es más rostro que los rostros mismos. Por ello lo irá sustituyendo Vicente López, mucho más detallista y halagador.
- Pintura religiosa.- Destacan los Frescos de S. Antonio de la Florida (1798), síntesis
religiosa y popular en
una atmósfera argentada. Muestra su fervor religioso en La
comunión de S. José
de Calasanz o en El
Prendimiento de la
catedral de Toledo,
así como Cristo crucificado (1780) inspirado en el de Ve-
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lázquez y con el que ingresó en la Academia de San Fernando.
- Grabados.- Los Caprichos (80 en total), concebidos como un libro ilustrado: cada grabado lleva un
comentario irónico para proporcionar temas de debate a las tertulias. Es una divagación libre por un
mundo sin sentido, rompiendo con el canon de belleza
tradicional y uniendo la representación directa de la realidad con el mundo irracional y subconsciente. Aborda
temas como la concentración de poderes, la crítica social
(abuso de los débiles, ignorancia, superstición...), censura
de la lascivia...
Los desastres de la guerra: expresión del dolor de un
pueblo y la degradación de los sentimientos, acaba con la
consideración de la guerra como espectáculo bello; son 82
planchas, grabadas entre 1810 y 1820, divididas en dos
grandes grupos: el de las acciones violentas o de muerte
entre paisanos y militares y, por otra parte, las epidemias
y miserias que asolaron el Madrid ocupado.
Los disparates están alejados de las modas, camino de un futuro estético, de gran profundidad expresiva y frescas composiciones no basadas en nadie, ni siquiera en anteriores obras propias: libertad absoluta de creación, representa lo más personalista de Goya; recurre a seres monstruosos y deformes,
creando seres embrionarios, a medio constituir o constituídos por dos o tres caras que realizan crímenes, pecados, locuras lo que le convierte en el primer “afeador” de la pintura moderna. El aragonés
puede considerarse como precursor de surrealismo, por esta tendencia a plasmar estados sin posible
realidad.
La Tauromaquia (serie formada por 33 grabados y
otros 11 que no llegaron a publicarse), en la que plasmó
su pasión por la Fiesta Nacional de la que fue incondicional seguidor durante toda su vida; su inspiración está
en su experiencia, en colecciones anteriores de grabados como la de Antonio Carnicero o en textos literarios
como el de Nicolás Fernández de Moratín. La aportación personal más importante es la masa que aparece
detrás de la barrera, especie de hidra de mil cabezas, emparentada con las figuras de los Caprichos,
Desastres o las Pinturas Negras. A este tema dedicó otras cuatro litografías, Los toros de Burdeos, en
1825.
- Pinturas patrióticas.- Representadas por las Escenas del 2 y 3 de mayo de 1808 y que se anticipan al
surrealismo y expresionismo.
- Pinturas negras.- Llamadas así no tanto por el color como por el tema: para algunos críticos es la
culminación del pesimismo sombrío por su visión desesperanzada del género humano y del mundo, al que el pintor
considera un sumidero de brutalidad y salvajismo; la pincelada, óleo sobre enlucido de yeso si más, es larga y suelta,
el expresionismo totalmente patente; brujas, hechiceras,
viejas y desdentadas, la fealdad hecha arte, todos los males
de la tierra encarnados en la mujer, que para Goya es el
incentivo del mal (¡vaya ruptura con su pasado!). Son murales en donde predomina el negro, el nocolor, descubierto por Goya en sus últimos temas costumbristas cuando el apagamiento de los tonos le
servía para crear una atmósfera adecuada (El albañil herido p.ej.). Gran simbolismo poseen Saturno
devorando a sus hijos, El Coloso, Duelo a garrotazos, Viejas comiendo sopa, El aquelarre, etc. Se
conservan en El Pardo porque fueron “arrancadas” y trasladadas a tela.
SIGNIFICACIÓN SOCIAL.- Contribuyó con su crítica a desmontar el Antiguo Régimen.
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- En su vida abarcó todo el abanico social: por su origen la clase artesanal y por su trato la aristocracia,
la realeza y los intelectuales ilustrados. Al pueblo lo trata con gran afecto, tanto cuando se divierte como cuando sufre, parece que anticipa la importancia que las masas tendrán en el s. XIX; por el contrario, la nobleza y la realeza son pasadas por su crítica sutil.
- Importancia de los pies de los grabados pues en ellos se encuentran los amores y los odios del autor;
pero hay que tener en cuenta que hace defensa de los contrarios, es decir, cuando critica la guerra canta
la excelencias de la paz, lo monstruoso e irracional frente a lo racional, etc.
- Su obra es simbólica pues no critica lo personal sino lo que representa, ni tampoco exalta o critica lo
individual sino lo colectivo.
TRASCENDENCIA DE SU PINTURA
- Según Lafuente Ferrari es el precursor de todos los caminos del arte moderno, aunque muy pocos en
su tiempo lo valoraron con justicia; sin embargo, ya en 1.857 Baudelaire lo colocó junto a nada menos
que Miguel Ángel, Rubens y Leonardo.
- Abandonó las leyes ópticas: representa lo que ve de forma diferente y subjetiva.
: la fantasía y la crítica son más importantes que lo visual.
- Se saltó el Neoclasicismo enlazando directamente con el Barroco no solo por la negación de dibujo
sino por considerar el color como esencia de la pintura
y como forma de expresar los sentimientos (colorismo
de los cartones vs. pinturas negras, p.ej.); notas barrocas serían asimismo su inspiración, el movimiento, etc.
- Los movimientos artísticos posteriores parten de él:
* El Romanticismo por sus imaginaciones alucinantes,
despiadada visión del hombre, peculiar concepto de la
composición y la luz. Delacroix presenta importantes
identidades con Goya: predominio del color sobre la
línea, pincelada suelta y rápida, presentación de la masa
popular como sujeto de la composición, los desastres de
la guerra, etc.
* El Realismo francés por su afeamiento de la realidad. Daumier, en sus trabajos en la prensa atacando al
régimen de Luís Felipe, se asemeja mucho a los grabados y dibujos goyescos.
* El Impresionismo como disolución de las formas en
manchas de color. Manet en El Torero muerto, Olimpia
y El fusilamiento de Maximiliano en Querétaro muestra
su influencia claramente.
* El Expresionismo, tras la Primera Guerra, plasmará
el dolor y el miedo, el mundo interior de seres turbados
prescindiendo de lo concreto; lo mismo que el expresionismo manifiesta no un tigre sino la “tigredad”, Goya con sus viejos muestra la vejez, la decrepitud, el
temor, la indefensión, la fealdad, etc. El tratamiento
dramático de la imagen en el cine expresionista alemán o ruso también les son deudores.
* El Surrealismo: Goya nos muestra un mundo onírico antes de las teorías del psicoanálisis.
* Fauvismo por su independencia entre color y realidad.
* Con Picasso le hermana el rechazo de la guerra y la intolerancia. Podemos apreciar muchas semejanzas entre los Fusilamientos y el Guernica: caras deformadas y vueltas al cielo, expresividad de manos y bocas, la iluminación violenta y desigual producidas por un farol en uno y una bombilla en otro,
etc.
COMENTARIO DE ALGUNAS DE SUS OBRAS
Frescos de San Antonio de la Florida (1798). Para Lafuente Ferrari es un resumen de todo su arte.
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- El tema es la resurrección milagrosa de un testigo llevada a cabo por el santo en Lisboa, donde su
propio padre es acusado falsamente de un crimen. Evade toda ortodoxia, la de su pintura contemporánea y la impuesta por la jerarquización religiosa de los temas.
- Estructura: en la cima el milagro con la gente, la masa popular, que lo contemplan y protagonizan.
: debajo, una gran balaustrada circular a la que se asoman una multitud de figuras como
para ver el interior de la iglesia o perderse en sí mismas bajo sus máscaras: majas, mendigos, viejos,
celestinas, niños, damas... gentes del siempre.
- Terminemos diciendo que en
esta ermita se encuentran los
restos decapitados del pintor2.
:el plano inferior
es el contrapunto luminoso
del intermedio. Bullen ángeles
y querubines que vuelan en
escorzo para levantar unas
gruesas cortinas y mostrar al
visitante, convertido en espectador, la representación de
arriba. Ellos son los que sostienen todo lo representado.
Se nos muestran como mujeres según la tradición del siglo
XVI o antes. Estos ángeles
son de las mejores realizaciones de Goya en cuanto a color
y movimiento.
La familia de Carlos IV
Los bocetos de retratos individualizados los realizó a ½
de 1800, acabando la versión
difinitiva a ½ del año siguiente. Son trece miembros: los
dos reyes, seis de los hijos,
dos hermanas del rey, dos
consortes, y un nieto de los
primeros; la figura femenina
medio vuelta de espaldas bien
pudiera ser la proyectada y
aún inelegida esposa del heredero.
La luz, elemento impalpable
pero muy eficaz, contribuye a la jerarquización de los personajes; no es un juego de luces tan espectacular, según Camón Aznar, como el de Las Meninas, pero las figuras están dispuestas como en un friso, según ese precedente, y a un lado el pintor con parecido bastidor e igual ángulo de visión. Goya se
representa de espaldas a la familia real, sobre un fondo oscuro.
Capta genialmente el juego de dominio de unos sobre los otros, así como la sutil definición de los caracteres que allí se nos presentan, testimonios fidedignos del presente y trágico anuncio del futuro, lo
que demuestra su capacidad de análisis del ser humano. Destaca en este realismo insobornable la captación de la crueldad de la reina, a la que sitúa en el centro de la composición, su ridícula presunción
(indumentaria de jovencita en una cincuentona), altanería y egoísmo que contrasta con la nobleza man2
Se dice que la cedió a u n médico para su estudio.
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sa e inexpresiva del rey. Ha buscado la esencialidad de los personajes, omitiendo todo afán secundario
de ambientación espacial.
Espléndida definición de las sedas, joyas y condecoraciones, cuya abstracta sencillez revela una portentosa maestría para captar la realidad, que se impone otra vez a todo protocolo.
El Coloso (entre 1808-10) (autoría muy discutida)
- Se le conoce también como El gigante, El pánico, etc. y se interpreta o como la aparición del genio tutelar de España para luchar contra Napoleón o
como símbolo del propio Napoleón o, en general, como el de los horrores de la guerra; su posición de espaldas se debería quizás a que estaría hostigando a
otras caravanas en otra dirección.
- Entre la dispersión hacia todos los lados, sólo el asno permanece inmóvil: durante la guerra Goya considera a este animal y a todos los animales parlantes
los símbolos del cataclismo social y la inversión de valores, lo único que no huye es lo menos válido y que tendría un papel rector en el futuro.
- Inicia con esta obra las Pinturas Negras por la mayor intensidad en la utilización del negro y por la agresividad de las manchas, lo que provoca la descomposición de las formas
- Forma revolucionaria de aplicar el color: p.ej. en las nubes existentes alrededor de las caderas se distinguen empastes dados con pincel y extendidos con
espátula, algo insólito entonces; las figuras, por otra parte, llevan sobre la pasta “pigmento”, o sea, color en polvo, que les otorga fuerza dinámica, la
sensación de movimiento agitado se obtiene precisamente con estos toques. Obtención de efectos intensos solo superponiendo cosas o masas cromáticas:
el bosque de la derecha con algunas manchas de negro da la impresión de estar en tinieblas.
- En la muchedumbre que huye es admirable el dinamismo de cada grupo, la sensación de miedo que le ha imprimido el autor. Es admirable comprobar
cómo unas pequeñas manchas de color adquieren forma cuando el espectador se distancia del cuadro.
Los fusilamientos de la Moncloa
Tal vez sea Goya el primer cronista de guerra contemporáneo; alejado tanto de la traición como del
patrioterismo, se distingue esta obra por su autenticidad. Se ha contrapuesto de forma genial la arrolladora y ciega fuerza opresora con la inocente indefensión del atacado.
Momento escogido: el brutal e imparable en que ha sido dada la voz de fuego. Es inmediatamente antes del alba, hora fijada para fusilar en los países civilizados. Los disparos se producen casi a quemarropa, quizás el pintor aproxima la distancia para producir más horror.
El hombre de blanco posee ojos y manos de gran expresividad; es medio gitano o medio negro o, tal
vez se distorsione su apariencia para producir más horror. Brazos abiertos en señal de desafío o resignación. Hay quien ha visto en él una escena de la crucifixión pues las manos aparecen hinchadas y
horadadas.
Otras figuras muy expresivas son el fraile, el hombre de puños apretados, el del rostro tapado, el de
aspecto cultivado que mira a los soldados... todos ellos arrodillados ¿se trata de que parezcan santos o
apóstoles? ninguno decididamente valiente, todos humanos. En el centro del cuadro también hay figuras destacables: ojos de temor del hombre con las manos en la boca, hombre muerto en primer término.
La sucesión respectiva de los tres grupos de figuras sugiere la sucesión cinematográfica.
Los ejecutores no muestran los ojos como si estuvieran avergonzados o formaran parte de una máquina
impasible o fuesen una
masa ciega, obstinada,
nadie en particular, parece la misma calidad de
horror ineluctable que
hallamos en el Guernica.
En el extremo izquierdo
del cuadro aparece una
figura o una sombra
¿Virgen sola o con Niño
como testigo/s de hechos
tan condenables?
Fondo desnudo e inhóspito, sin vegetación; la imponente presencia de los
edificios nos recuerda que
Dios permite tamañas
inhumanidades o los humanos a merced de sombrías instituciones opresoras. Delante de los edificios hallamos cierta agitación humana, es como una
lejanía onírica que pertenece a la estirpe de las pinturas negras