PLASTICA DEL SIGLO XX ESCUELAS PICTORICAS PREGUNTAS Y RESPUESTAS Proposición del libro de Fernán Meza, entregado a José Camplá el 14-10-2009, como pre-proyecto para impresion concurso Juvenal Hernandez 1 2 3 impresionism Textos acerca del impresionismo El nombre proviene del cuadro de manet “ impresión del sol naciente, mostrado en la primera exposicion del grupo en 1874 en el taller del fotografo Nadar 4 Na feu facil ip eugiam voloreraese duismodolore modo odiamcon ulla consecte min henismo dolobore dolesed tat, conse magna faccum zzriureet ipis num eum elisim exerit ute digna am zzrit praestie core feummol uptate el dolendr eratum autatie digna facin ut iure ming et dolortie min henibh esequamet acidui tie duis ea feuisit numsandiatin exero cor adit atem delisim augiat. Re consequ ismodo odolummy num aute vel ullamet, core ero ea faccum vel ipiscilit la faciIm dolortinit nullaore dolortie dipsusto commod modipis nit dolessi scilis am nit nisit wis dit, quamcor sum euip el ent nullum volorem vel eum adiat. Lessi esequip sustrud essit lor aut utpat. Ercil iniat. Ut praesto esed dunt vullam, quis endre conse feum diat, consequat. Pit, qui eugue vel dolobor iustrud delis am quisis ex eum volent luptat lut exercilit erciduis nos nim dip ea amcorem quis et nullamet nullut nulla facin etum dolore tat prat num ing eratuercip ex ea aut ad do odolendre magna mo Nombre: IMPRESIONISMO El nombre proviene de un cuadro de Monet: “Impresión del sol naciente” mostrado en la primera exposición del grupo, en 1874 en el taller del fotógrafo Nadar. Un crítico: Louis LeRoy para ridiculizarlos los bautizó “Impresionista”. QUÉ ES EL IMPRESIONISMO Una escuela de pintura que surgió en París en el último cuarto de siglo XIX, que se caracterizó por la búsqueda de la instantaneidad, la luz y el movimiento. Los motivos son elegidos y pintados al aire libre, con pinceladas cortas y ligeras, el color negro se elimina de la paleta, las sombras pasan a ser violáceas. En principio al ojo le cuesta leer las imágenes impresionistas. La pintura ha ingresado al lenguaje propio de la pintura, comienza a alejarse de la realidad objetiva y fotográfica. DE DÓNDE VIENE EL IMPRESIONISMO Sus parientes mas próximos son los pintores de la escuela de Barbizon, que, se alejaron de los temas históricos y se acercaron a la naturaleza. Cabe considerar también: 1 Que la pintura se ha sobresaturado con los cuadros históricos hechos dentro del taller con modelos vivos, inmóviles, iluminados en forma convencional, ejecutados por pintores formados en el dibujo de los yesos clásicos. 2. La invención de la cámara fotográfica permite a la pintura apartarse de su papel de “Testimonio”, los impresionistas se adelantaron a ésta en la búsqueda de lo “instantáneo”. A DÓNDE VA EL IMPRESIONISMO El impresionismo nos lleva a los problemas propios de las pinturas, despojando ésta de la anécdota, al “Puntillismo”, por evolución natural, al “Intimismo” por los contrarios, (la misma técnica pero interiores: Bonnard y Vuillard). EL IMPRESIONISMO AMA La luz El aire libre Lo efímero Delacroix ODIA El claro-oscuro El estacismo de los cuadros históricos Burgereau aqui 8 exposiciones impresionistas 5 cezanne ecole de batignol Ed magnim veros ad ea faci blametu ercillutpat, quatie dolent velessi. Exeros ad digna ad minci tate facinissent ulputpat doluptat augait aliquis sequam exerat. Dui tio commolo rperius cillut in vel iustin ero eu feu feugiamet praessenit venis augiatue mod tet utpat in velit vent praessequat. Duisiscil ut wisl in volobore facipsustie core minibh et alit ut ulla faccum dolortionsed erit illa cortissed exero consect etummolore min henim eraesed magnim incip eum vulluptat wis nonsequisit nibh euipsusci etum quisit velisit, conulputpat. Na commy nim quissen iamcommy nonulla con henim delisl in veliqui ex exerit prat essi.Sandre ex et, quam zzrit alis nit augiati sciliquam ex etue ming exerili quamcon sectem eugiat. Aciliquip ea feu facin ullan enisi. 6 Ibh et diat aute modolutpat la consectem eugait dolorpero con ullan henim vel ipis atet vendit vel er si eugait praeseq uismodo doluptat la feuiscillam, con henisi. Tinci blam inim niscin ea consenibh ea faccum iure mod modit, quat vullaorperat autpat eu feuis nullam, sequisl et adit, quat, quating ero od esenit am, velisse digna con veliquis nulla at. Dolore dunt ea feugait luptat dolore dipsuscil in ulla faccum at. In henim autet, quisi. Ugiate velisl utpat. Ut lore dunt nos nullut veros nonsed molor augait utem dolum sisley por renoir 1839 - 1899 Edgar Degas 1834- 1917 caillebote cassat autoretrato claude monet 1840 -1926 pissarro 18301903 bazille berta morisot manet 1832 1883 Unt aut utpatum sandit pratem ametumsan henit niam nulla feu feugue et nonsenis accum vendit lum quam illuptat, quatum dolorperos nonum vero euis ad delent ut volobor alit aut eummolor iure vel ent nonsequis alit prate te magna feugiam, con henit lor accum dunt nullamconse tionsequat endio eniam, vel ex el del et, si. Ex eui blamet, quis aliquis modolum iniam, sit wiscing enim at. Rud magnisi ex eum vulput iureet, commy nonum veliquat. Tue magnim iure tem ent inim vel ulluptat aut iure tio consequipit v ESTOS SON LOS IMPRESIONISTAS Edward Manet (1832 – 1833); Claude Monet (1840 – 1926); Pierre Auguste (1841 – 1919), Alfred Sisley (1839 – 1899); Camille Pizarro (1830 – 1903); Edgar Degas (1834 – 1917); Susana Valdon (1834 – 1938) y Berta Morisot (1841 – 1995). 7 post impresi Nombre: POST-IMPRESIONISMO Obvio: Después del Impresionismo 8 ionismo QUÉ ES EL POST-IMPRESIONISMO No es una escuela, ni una tendencia, ni un grupo con un programa común, habitualmente se define con este nombre a cuatro pintores cuyo trabajo se desarrolla a fines del siglo XIX, que conociendo, estando vinculados y basándose en algunos descubrimientos de los impresionistas, llevan más adelante estas experiencias. Pero insistimos, estos cuatro pintores no tienen un patrón común, ni pueden agruparse en paquetes (con excepción de Seurat, que se hermana con Signac) como lo hacemos con todas las tendencias que aquí mostramos. INSISTIMOS Estos artistas no tienen entre sí un común denominador están impulsadas por distintas y personales obsesiones. DE DÓNDE VIENE EL POST-IMPRESIONISMO En gran parte proviene del Impresionismo, compréndase, que, sin Impresionismo, no había POST Impresionismo, considérense también influencias muy importantes y distintas en cada caso: Millet en la formación de Van Gogh y la estampa japonesa en Gauguin, véase también como Seurat continua por un lado la evolución natural del Impresionismo reduciendo la pincelada ligera de ésta a su expresión mínima: el punto. Por otro lado, trabaja a la inversa, dándole un vigor científico a la espontaneidad, tamizando “la impresión” en forma cerebral. De la misma manera Cezanne trabaja la idea de los contrarios, estructurando, introduciendo al Impresionismo en márgenes geométricos. DE DÓNDE VIENE EL POST-IMPRESIONISMO OJO: Muy importante. Aquí están los fundamentos de la mayor parte de las expresiones pictóricas que surgirán en los 50 años venideros. En Van Gogh están los gérmenes del Expresionismo y de la pintura de acción, Gauguin es el “padre” del movimiento Nabí y el más importante pilar del Fauvismo de las experiencias de Seurat se nutrirán los Futuristas y los pintores geométricos y en Cezanne están los antecedentes del Cubismo y la pintura óptica. A DÓNDE VA EL POST-IMPRESIONISMO Por no constituir un grupo con un programa común la pregunta no tiene vigencia. Al revés, sí podemos decir que estos pintores fueron “odiados”, rechazados por su medio contemporáneo, que su éxito artístico y comercial durante su vida fue igual a cero. Reivindicados post-mortem, son amados por los pintores modernos y ellos son tal vez los “pintores modernos” sobre quienes más se haya escrito, (exceptuando a Picasso), constituyendo incluso sus vidas personales una leyenda. ESTOS SON LOS POST-IMPRESIONISTAS Paul Cezanne (1838 – 1906), Paul Gauguin (1848 – 1903), Vincent Van Gogh(1853 – 1891), Georges Seurat (1859 1891) – 9 puntillismo 10 Nombre: PUNTILLISMO Este nombre se refiere a la técnica aplicada por este grupo de pintores. Ellos se llamaron a si mismos “Neo Impresionistas”. QUÉ ES EL PUNTILLISMO El puntillismo es una técnica creada por Seurat, que consiste en llenar las figuras de un cuadro estructurando previamente con pequeños toques regulares de color puro. El pincel no se desplaza por el cuadro para dejar superficie o línea de color, sino que se apoya sobre la tela para dejar una mínima mancha. Los colores no se mezclan en la paleta, sino en la retina del espectador. DE DÓNDE VIENE EL PUNTILLISMO El Puntillismo es hijo legítimo del Impresionismo; las manchas evolucionan hasta hacerse punto. La espontaneidad contra evoluciona para hacerse racional (gracias a las enseñanzas estructurales de Cezanne y a las teorías ópticas de Cheweul y Maxwell. A DÓNDE VA EL PUNTILLISMO El Puntillismo, el Neo Impresionismo o mejor dicho la obra de Seurat, es una de las bases de muchos de los movimientos pictóricos posteriores: Futurismo, Arte Op Su creadorGeorge Seurat (1859 – 1891) Su teórico Paul Signac (Autor de “Delacroix al Neo Impresionismo”) (1863 – 1835). PUNTILLISMO A M A ODIA Lo cerebral improvisación Lo científico La 11 simbolismo 12 Nombre: SIMBOLISMO Con esta denominación se conoce a un grupo de artistas particularmente franceses de las dos últimas décadas del siglo 19, cuya característica es su predilección por el misterio, la magia y su inspiración en la Biblia y la mitología. QUÉ ES EL SIMBOLISMO El Simbolismo es un “estado mental”, más que un estilo, su campo de acción la literatura y la pintura, ésta última se hace “literaria”, tiende a la descripción de los sentimientos y estados de conciencia del artista, que recrea el mundo exterior como proyección de su “yo”, convierte el arte en un paraíso artificial de lujo y refinamiento. DE DÓNDE VIENE Su antecedente literario más próximo está en los poetas malditos franceses Rimbaud ( En pintura, los nazarenos y los pre-rafaelistas buscaron una expresión poética. - ), Verlaine ( - ), Mallarme (1842 – 1898). El arte trata de suscitar emociones espirituales en obras de carácter místico – enigmático. La pintura recrea un paraíso artificial de lujo y refinamiento, (véase a Klimpt, El Beso) Lo ornamental predomina sobre la realidad. A DÓNDE VA EL SIMBOLISMO A influir a todos los artistas que desean la posibilidad de escapar de la realidad diaria, así como vemos caracteres simbolistas en muchos artistas cuyo aporte fundamental fue hacia otras tendencias: Paul Gaugin (1848 – 1903), Edward Munch (1863 – 1944), Auguste Rodín (1840 – 1917). Aquí podríamos incluir incluso al Picasso de la época azul, en donde el uso del color es más emocional que descriptivo, y cuyas figuras son mas bien símbolos de la condición humana más que retratos. EL SIMBOLISMO AMA Las religiones El mito y la leyenda Lo misterioso Lo decorativo Lo exótico Los mitos Lo sensorial ODIA La realidad Lo cotidiano La política Lo intelectual La objetividad ESTOS SON LOS SIMBOLISTAS Gustavo Moreau (1826 – 1898), Odilon Redon (1840 – 1816), Puvis De Chavannes Nota: Muy importante advertir que el “SIMBOLISMO” está continuamente limitado con el “ART NOUVEAU”. 13 ART NOUVEAU 14 Nombre ART NOUVEAU Es el nombre de una tienda de objetos de artes que abrió Samuel Bing a fines del siglo XIX en París, el estilo se llama también Jugendstil, Stile Florale Metro Style, Sezessine, Modernismo Liberty. Nombre ART NOUVEAU Es el nombre de una tienda de objetos de artes que abrió Samuel Bing a fines del siglo XIX en París, el estilo se llama también Jugendstil, Stile Florale Metro Style, Sezessine, Modernismo Liberty. QUÉ ES ART NOUVEAU Es un estilo que se desarrolla entre fines del siglo XIX y la Guerra Mundial, una moda que abarca todas las expresiones arquitectónicas, artes aplicadas, artes gráficas, vestuario y marca la vida cotidiana de esa época. DE DÓNDE VIENE EL ART NOUVEAU a) De un anhelo de “Modernidad” de la burguesía de fines del siglo XIX. b) De las ideas de William Morris (1834-1896), iniciador del movimiento “ART AND CRAFTS” que aspiraba a crear objetos de calidad, reaccionando contra los malos diseños de la era de las máquinas y la fabricación en serie. c) De la influencia del exotismo de los países de Oriente, el cual conoce Europa a través de sus colonias. A DÓNDE VA EL ART NOUVEAU A agotarse por saturación y sobrecargo, a extremar su amaneramiento. Por oposición engendra el “SPRIT NOUVEAU” el “PURISMO”, la expresión simplemente funcional. (Un repunte de las formas florales “ART NOUVEAU” se produce en la década del 60 en las expresiones hippies y el Arte Sicodélico). ARQUITECTOS Antonio Gaudí (1852-1826), Víctor Horta (1861-1947), Joseph Obrich (1867-1908), Joseph Hoffmann (1870-1956), Hector guimard (1867-1842), Henry Van de Velde (1863.1857). GRÁFICOS Alfonse Mucha (1860-1939), Audry Beardsley (1872-1898), William Bradley (1865-1962). AMA La ornamentación La elegancia La sofisticación ARTES DECORATIVAS Lo sinuoso René Lalique (1860-1945), Louis Tiffany (1848-1933), Emile Gallé (1846-1904) Lo exótico La retórica Las formas florales EL ART NOUVEAU Los cisnes y los pavos reales PINTURA Gustax Klimp (1862-1818) Jean Toorop (1858-1928) ODIA Las superficies puras y la línea recta 15 art deco ART DECÓ NOMBRE El término se utilizó por primera vez en la “Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas”. París 1925. Su popularización y la extensión de su significado se produjo en 1966, con ocasión de la retrospectiva “Los años 25”, realizada en el Museo de Artes Decorativas de París. Antes de su acuñación se usaron las expresiones: Borax, Jazz Moderne, Aztee Airlines y Zickzackj Ugendstil. 16 QUÉ ES Con este nombre se conocen las manifestaciones “artísticas”, el vestuario, el cine, la decoración, la mueblería, la alfarería, la tipografía, etc. que representan las aspiraciones de la clase media en la etapa comprendida en las dos décadas de las dos guerras mundiales (1920-1940). DE DÓNDE VIENE Su origen es tan híbrido como lo es el propio “Art Decó”. Entre sus antepasados están el movimiento “Arts and Crafts” y el “Art Nouveau” elementos decorativos egipcios, aztecas e incas; también préstamo de movimientos plásticos contemporáneos como cubismo, futurismo y Bauhaus, pero sólo en los aspectos formales, escenográficos, sin comprensión de su contenido. Todo está tomado en el sentido de “moda”. A DÓNDE VA A morir de muerte natural, sin gloria y sin siquiera un nombre a no ser el de “Art Moderne” con que se denomina a sí mismo, como se denominaron a si mismo todos los estilos “de turno”. A revivir en la nostalgia de los que fueron niños en la década 30 – 40, que inventaron un sentimiento de simpatía hacia el mal gusto: el “camp”. AMA El jazz La letra Z El zigzagueo Los zigurats Lo ornamental Lo geométrico ODIA Lo simple Lo elemental Lo natural REPRESENTANTES Algunos personajes “Decó”: Josephine Baker (1906 – 1975), Marlene Dietrich, Fred Astaire, Adolphe Menjou, George Gershwin, Cole Porter (1802 – 1964). Voluntariamente nos abstenemos de mencionar a los artistas mayores: el pintor Fernand Leger (1881- 1955), el escultor Arno Breker (1900…), el diseñador de vestuario de los ballets rusos Leo Bakst (1866 – 1924), pues caería fuera del “espiritu” Decó. 17 BAUHAUS quiere decir “Casa de la Construcción”. QUÉ ES LA BAUHAUS La Bauhaus es una Escuela de Arte y Arquitectura fundada por Gropius en 1919, en Weimar, lugar en que funcionó hasta 1925, año en que se trasladó a Dessau hasta 1932 a un edificio construido por el propio Gropius.En 1933, en su último año de existencia su sede fue una vieja fábrica de material telefónico, allí fue clausurada definitivamente por el nacismo. DE DÓNDE VIENE LA BAUHAUS En alguna forma, es una respuesta positiva, un enfrentamiento optimista a la derrota sufrida por los alemanes en la 1º Guerra Mundial (es el antípoda del Dadá). Es también la proyección de la personalidad de un gran pedagogo: Walter Gropius. Su origen físico: la Escuela de Bellas Artes de Weimar, cuyo último director fue Van De Velde, que a la vez era el arquitecto del edificio donde funcionaron ambas escuelas. 18 A DÓNDE VA LA BAUHAUS El objetivo del Gropius era: “encontrar una nueva actitud que despierte una conciencia creadora, que lleve a una nueva posición ante la vida”. Sin embargo, contra su voluntad se gestó “Estilo Bauhaus”, y se calcaron sus planes de estudio. Es importante destacar que con posterioridad a la clausura de la Bauhaus en Berlín, algunos de los profesores de ésta, trataron de prolongar su espíritu, en USA. Joseph Alberts en 1933, trabajó en Black Mountain College (Carolina del Norte) y posteriormente enseñó en Harvard y Yale. En 1937 llegó Gropius a Harvard a dirigir la sección de Arquitectura, haciendo de éste y el M:I:T: (Massachusetts Institute of Technology)UNA PROLONGACIÓN DE LA BAUHAUS Pero tal vez la más legítima sucesora de la Bauhaus sea la “New Bauhaus” de Chicago fundada en 1931, a la cabeza de la cual estuvo Moholy-Nagy por sugerencia del propio Gropius. La “New Bauhaus no alcanzó a durar un año, pero todo el plantel de profesores fundó el “School of Design” que en 1944 se llamó “Institute of Design” incorporándose al “Illinois Institute of Technology”, instalándose posteriormente en el “Crown Hall”, proyectado por Mies Van Der Rohe”, donde el propio Mies ejerció como maestro. 19 AMA La libertad creadora El servicio al hombre El oficio ODIA El dogmatismo El arte y el arte La improvisación futurismo QUÉ ES EL FUTURISMO QUÉ ES EL FUTURISMO El futurismo es un movimiento artístico – literario – musical, que tuvo también eco en la arquitectura, el diseño industrial, la tipografía y la moda, que se desarrolló en Italia entre 1910 y los comienzos de la primera guerra mundial (14 – 18), cuya característica más relevante fue la búsqueda del movimiento y la velocidad. Esta idea está muy bien expresada por Marinetti: “Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza de la velocidad, un automóvil de carrera, un automóvil rugiente que parece correr sobre una estela de metralla es más hermoso que la victoria de Samotracia. 20 DE DÓNDE VIENE EL FUTURISMO Por una parte proviene de la filosofía de Nietzche y de algunas ideas de D’Annunzio, en las cuales se inspiró Marinetti para escribir sus manifiestos. Desde el punto de vista formal los pintores aplicaron en forma mecánica algunos de los descubrimientos plásticos de los puntillistas y de los cubistas. Por otra parte, el Futurismo debe considerarse como una reacción al estancamiento cultural en que se había sumido Italia durante el siglo IXX. A DÓNDE VA EL FUTURISMO A ninguna parte, es una explosión que se consume en su propio juego. Razones: Los manifiestos de Marinetti, aunque brillantes están hechos a priori, lo mismo cabía decir de los escritos de Boccioni y Russolo más épicos que programáticos, más altisonantes que posibles. Los manifiestos; es decir, los planteamientos tienen más vuelo que las realizaciones. Los Futuristas de alguna manera se convierten en propagandistas de la guerra y muchos de sus conceptos sirven de publicidad al facismo y trabajan luego en pro de la política de Mussolini. El mismo Marinetti es candidato junto con Mussolini en las elecciones de 1919 y publicó en 1924 “Futurismo y Facismo”. EL FUTURISMO ESTOS SON LOS FUTURISTAS AMA ODIA Un teórico: Filippo Tommaso Marinetti (1876 – 1944) El vértigo La sociedad 3 pintores burguesa Giácomo Balla (1871 – 1958) Lo temerario El desnudo Carlo Carra (1881 – 1966) artístico Gino Severini (1881 – 1966) Las grandes ciudades industriales Lo estático La guerra Las mujeres 1 escultor (pintor y autor de manifiestos) Umberto Boccioni (1881 – 1916) 1 arquitecto (1888 – 1916) Antonio Saint’Elia (1888 – 1916) (Obra teórica: Manifiesto de la Arquitectura Futurista) 1 músico y pintor Luigi Russolo (1885 – 1947) (Obra teórica: Manifiesto del ruido) 21 cubismo 22 Nombre CUBISMO Término empleado despectivamente por el crítico Louis Vauxelles en 1909 para referirse a unos cuadros de Braque. QUÉ ES EL CUBISMO El Cubismo es una tendencia artística, referida principalmente a la pintura, que se desarrolla en las dos primeras décadas del siglo XX (fecha de nacimiento 1907, con “Las señoritas de Avignon de Picasso”). Resulta absolutamente imposible definir el Cubismo con una sola frase. Se ha dicho que es la búsqueda de la 3º dimensión en pintura, o que el artista se mueve mientras el modelo permanece inmóvil, esto no es exacto y no ayuda a la comprensión del Cubismo. Desde luego los artistas nunca dijeron lo que era el Cubismo, no publicaron un manifiesto, ni se unieron en torno a un programa, el grupo es bastante heterogéneo y las explicaciones acerca de sus propósitos vinieron del campo de la literatura, particularmente el poeta Guillaume Apollinane. Para contribuir a la mayor desorientación del lector transcribimos la clasificación de las 4 tendencias que distingue Apollinane en el Cubismo: 1. Cubismo científico: “Es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos extraídos no de la realidad de la visión, sino de la realidad del conocimiento”. 2. Cubismo físico: “Es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos sacados en su mayoría de la realidad visual”. 3. Cubismo Orfico: “Es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos extraídos no de la realidad visual, sino enteramente creados por el artista y dotados por el de un poderoso realismo”. 4. Cubismo Instintivo: “Es el arte de pintar conjuntos nuevos, sacados no de la realidad visual sino de aquella otra que sugiere al artista el instinto y la intuición. 23 purismo 24 PURISMO Por identificarse esta tendencia por la pureza, la claridad y el orden. ¿QUÉ ES? El Purismo es una escuela pictórica nacida en 1918 con el encuentro de los artistas OZENFANT y JEANNERET, quienes se proponen rescatar la pintura de su época, la que considera caótica y reducida a un orden geométrico. Textualmente manifiestan: “El Purismo no expresa las variaciones, sino lo invariable”. ¿DE DÓNDE VIENE? El Purismo es una consecuencia, un subproducto, una continuación del Cubismo, aún cuando nace un movimiento opuesto a las últimas expresiones de esta tendencia; particularmente contra el Cubismo sintético y el Cubismo órfico. Los puristas se proponen retornar el Cubismo hacia su orden original. La introducción de papeles regados (papiers collés) y otros materiales del período “sintético” (19131914) y la explosión cromática de los “orfistas” es considerada por ellos “impura” y plantean la vuelta a los principios básicos del Cubismo, el abandono de la individualidad, la fantasía y el decorativismo. El Purismo al igual que todos los “ismos” proviene de la necesidad de los pintores de marcar un destino al arte, su obra va acompañada de manifiestos, ellos se proponen purificar la plástica conduciéndola por el camino de una belleza funcional similar a la de las máquinas. ¿QUÉ ODIA? Odia la ambigüedad, la impureza formal y el trastorno o alienación de las cosas. Odia al Cubismo, principalmente sintético y al órfico. ¿QUIÉNES SON LOS SUYOS? Amedée Ozenfant Le Corbusier 25 pintura inge titulos en mayuscula y negrita 26 enua Nombre Neoprimitivisno, Art Naive, Arte instintivo, Pintura de Domingo, Pintura Popular, Pintura espontánea, las causas de estos nombres se explican por si solos. ¿Que es? Denominamos con estos nombres los cuadros de los pintores que no tienen “cultura pictórica”, que pintan espontáneamente sin haber pasado por escuelas o academias. Los cuadros se reconocen por la ausencia de conocimiento de las leyes de la perspectiva, y la insistencia en detalles que el ojo “conoce” pero no capta, por la frescura infantil del tema y su tratamiento. El arte ingenuo es un arte realizado por “ingenuos”, ingenuos en el mundo del arte, es decir, adultos que tienen un oficio ajeno al del arte y la cultura, de extracción modesta, sin educación o autodidactas tardíos. De donde viene Los pintores ingenuos y su pintura ingenua han existido siempre. Lo nuevo es la valoración que se hizo de este arte hacho por aficionados. Recordemos lo ya dicho en la ficha de “Impresionismo”: La invención de la cámara fotográfica permitió a la pintura liberarse de su papel de testimonio. Este es el origen de los ISMOS. La valoración de la pintura ingenua proviene principalmente de dos referentes. a) Del Surrealismo y los poetas Surrealistas. Los surrealistas valoraron las expresiones del instinto, la libertas y la mezcla de elementos de distintos mundos. El hecho de que Rousseau haya colocado una mujer desnuda en un sofá en medio de la selva es una confirmación de la frase de Lautreamont, tan venerada por Bretón: “Bello como el encuentro fortuito de un paraguas y una máquina de coser en una mesa de disección”. Alfred Jarry y Guillaume Apollinaire fueron amigos y admiradores de Rousseau. Ambos fueron retratados por él. b) De Picasso y los cubistas. Picasso fue el “inventor” de Rousseau, lo difundió y lo promovió, lo presentó al mundo artístico en una fiesta que se hizo famosa en el taller que tenía con Braque, “El barco lavador” Entonces fue cuando Rousseau le dijo:”nosotros somos los màs grandes pintores del momento, yo en el estilo moderno y usted en el estilo egipcio”. Picasso y los cubistas se interesaban entonces por el arte negro y por las expresiones primitivas, muy opuestas a la pintura intelectual que Picasso y sus seguidores profesaban en ese momento: el cubismo. aA DONDE VA zA ninguna parte, simplemente es una constante que se da en todos los países, con mayor o menor calidad. Es valorada por los intelectuales y despreciada en los medios no cultos. Hay que reconocer también que la pintura ingenua puede constituir un “estilo” y ser practicada por artistas no tan ingenuos como sería de desear. Representantes. En todos los países hay pintores ingenuos, pero estos son los consagrados, todos franceses: Henri Rousseau (1844-1910), Camille Bombois Seraphine (1811-1910), Louis Vivin (1861-1936) 27 expresionism Nombre: EXPRESIONISMO El término fue popularizado y divulgado por la revista “DER STURM”, alrededor de 1910, el director de ésta, HERWARTH WALDEN comenzó a utilizar las palabras Expresión y Expresionismo. 28 mo QUÉ ES EL EXPRESIONISMO El Expresionismo es un espíritu que se desarrolló durante los años 1910 a 1925 en Europa particularmente en Alemania, en donde fue aniquilado por el nacismo. Los artistas expresionistas no desean copiar la realidad, sino proyectarse a través de su obra. Es “su” realidad interna lo que expresan. Es la realidad “subjetiva” de las cosas la que retratan. Y las deformaciones que producen van dirigidas al “alma” y no a los ojos del espectador. DE DÓNDE VIENE EL EXPRESIONISMO En pintura tiene dos puntos de apoyo: Van Gogh y Matisse de quienes toman el uso libre y arbitrario del color. De Van Gogh las formas de pincelada y lo que es más importante el Un punto de apoyo muy importante para la formación del movimiento Expresionismo fue la aparición, en 1908, de la obra de Worringer “Abstracción y Empatía”. A DÓNDE VA EL EXPRESIONISMO El alejamiento del reflejo de la realidad visual por la valuación de la realidad interna, por lo psicológico, la búsqueda de lo puramente expresivo, lleva a una valoración de lo “feo”, (o mejor dicho a un replanteo de la belleza) que a la larga no sólo influye en el arte y la literatura, sino incluso en el vestuario y en “estilo” moda de los cuales el más extremado es el “Punk”. En pintura, particularmente por el nombre con que fueron bautizados estos pintores no podemos dejar de considerar a los Expresionistas Abstractos, como una evolución de el Expresionismo. PINTORES EXPRESIONISTAS EDUARD MUNCH Noruego (1863 – 1844) JAMES ENSOR Belga (1860 – 1939) EMIL NOLDE Alemán (1867 – 1956) CINE EXPRESIONISTA Paul Ewgener Robert Weine Joseph Stemberg Fritz Lang El Golem El gabinete del Doctor Caligari El ángel azul Metropolis AMA ODIA Lo teatral Lo racional Lo psicológico Lo clásico Lo exasperante Lo equilibrado La distorsión El espíritu expresionista está latente en Drácula y las películas de vampiros, en los trabajos de los enfermos mentales, de los alienados, de los neuróticos, en las situaciones límites de dolor y angustia. 29 expresionism 30 mo abstracto EXPRESIONISMO ABSTRACTO ¿QUÉ ES? Expresionismo abstracto es el nombre genérico con que se designa al movimiento pictórico nacido en Nueva York en 1945, cuya característica es su informalismo (pintura abstracta, no geométrica) y su fe en el “acto de crear”. Aquí el pintor debe entregarse a sus instintos y a los movimientos que estos generan. Esto último hace que sus telas sean en general de grandes dimensiones. ¿DE DÓNDE VIENE? Fundamentalmente se deriva de la idea de automatismo psíquico, planteada por Breton en su primer manifiesto surrealista, publicado en 1924 (ver ficha cultural, surrealismo) y es una consecuencia natural de las tendencias abstractas iniciadas por el Cubismo, las que van alejándose cada vez mas de la realidad exterior. Se dice que también que deriva lejanamente de la caligrafía china, en la cual el movimiento del brazo y de la mano (gesto) tiene una gran importancia y se “congela” en una forma. Es importante también destacar el momento de desorientación política que se vivía en Estados Unidos a consecuencia de una guerra recién finalizada. El camino de los pintores de entonces era: (1) el realismo social, una pintura de lucha y de denuncia; (2) la pintura racionalista, testimonio y reflejo de la vida americana diaria; (3) la pintura no dice nada, la pintura abstracta que ya tenía mucho desarrollo en Europa, que se conocía escasamente en Estados Unidos y que se difundió con violencia con la llegada de un grupo de artistas de vanguardia de primera línea, figuras clave del arte moderno, exiliados de Europa a causa de la Guerra. Entre otros: Breton, Ernst, Lipschitz, Mondrian, Masson, Matta. ¿A DÓNDE VA? Al triunfo total de las posibilidades de la no-objetividad, modificando la cultura visual del mundo occidental. Lo que en arte fue absolutamente escándalos en los años 20, pasa a ser rutinario a fines de los 40 y gastado y académico a fines de los 50. Es importante destacar que a causa del expresionismo abstracto, por primera vez un grupo de pintores norteamericanos, hacen que su país trascienda universalmente en el campo del arte, y hacen de Nueva York un centro de vanguardia, quitándole el cetro que París había conservado por tantos años. ¿QUIÉNES SON LOS SUYOS? Estas son las figuras más importantes del expresionismo abstracto en Norteamérica: Jackson Pollock, 1912-1956 Mark Rothko, 1903-1970 Adoph Gottlieb, 1903-1974 William Baziotes, 1912-1963 31 neo plasticis 32 smo 33 suprematism PONER FRASESDEL MANIFIESTO + NEGRO SOBRE BLANCO 34 mo Nombre SUPREMATISMO Supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura despojada de toda descripción naturalista, y de objetiva ajeno al arte. QUÉ ES EL SUPREMATISMO El Suprematismo es un movimiento pictórico iniciado por Malevich en 1915 enla Exposición “0.10” presentada en la galería Dogichina de Petrogrado. En donde expuso su cuadrado negro sobre fondo blanco que para él representa el sentimiento de la no-objetividad, lo colgó en una esquina, como un ícono religioso. El Suprematismo se desarrolla hasta 1918 y finaliza con el cuadrado blanco sobre fondo blanco. DE DÓNDE VIENE EL SUPREMATISMO El Suprematismo es el último peldaño del cubismo, que llega a la absoluta no-objetividad, liberando completamente a la pintura de la naturaleza. Muy importante destacar la relación de Malevich con los cultores del ZAUM (trabajo en conjunto en el montaje de “Victoria sobre el sol”) estos habían despojado el significado en el lenguaje en su poesía puramente fonética. Ama un mundo sin objetos. A DÓNDE VA EL SUPREMATISMO De alguna manera el Suprematismo toca fondo en el abstracción. Todos los pintores posteriores a Malevich que realizan cuadros monocromos o con intervenciones geométricas (Al Reindhart, Barnet Newman), no hacen más que repetir el gesto realizado antes por Malevich. ESTOS SON LOS SUPREMATISTAS : KASIMIR MALEVICH 1878 – 1835. Sus discípulos de Unovis ILIA CHASNICK 1902 – 1929 NIKOLAI SUETIN1897 – 1954 NINA KOGAN 1887 - 1942 35 constructiv 36 vismo ¿QUÉ ES? El Constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de octubre. ¿DE DÓNDE PROVIENE? De la influencia de las vanguardias artísticas de principio de siglo de Europa occidental como fueron el Impresionismo, el Cubismo o el Futurismo. La experimentación por parte de los artistas rusos dio como resultado nuevos movimientos como el Cubo – Futurismo , el Rayonismo, el Suprematismo y el Constructivismo Ruso. ¿QUÉ AMA? La industria, la revolución, la utopía de una nueva sociedad, la igualdad, la geometría, el orden, los colores primarios, el trabajo colectivo, las propiedades de lo material. ¿QUÉ ODIA? El arte como producción de objetos ornamentales. ¿QUIÉNES SON LOS SUYOS? Vladimir Tatlin, Iakov Chernijov, Alexander Rodchenko, Konstantin Melnikov, Moisei Ginzburg, Moisei Klutsis, entre otros. ¿HACIA DÓNDE VA? La vanguardia artística rusa comienza a ser perseguida bajo el gobierno de Stalin, y se impone el Realismo Socialista como única forma de expresión artística. 37 muralismo 38 mexicano Nombre. Su nombre proviene de que son pinturas o grabados hechos sobre muros y paredes, son de gran tamaño. Aunque el muralismo tiene raíces milenarias no es sino a fines del s. XIX y principios del XX, específicamente entre 1910 y 1920 cuando toma auge este movimiento pictórico también llamado “Pintura de realidad social”. ¿Que es? El muralismo es el punto de partida del esfuerzo de Méjico en la pintura, viene a acabar con la falta de originalidad existente en el arte mejicano, característica de la cultura colonial. Es más que todo una de corte político social, donde se refleja la injusticia, la guerra, marchas de liberación, etc. Como su auge vino después de las guerras revolucionarias, la mayoría de sus integrantes forman parte de ejércitos revolucionarios., lo que les permitió acumular y estudiar rostros desfigurados, cuerpos colgados de las ramas de los árboles, profusas escenas de muerte, destrucción y libertinaje, es decir una serie de experiencias visuales que más tarde plasmarían en sus murales y cuadros. También esta escuela recoge mitos aborígenes y horrores feudales de la colonia. Enalteció el arte, los oficios y las costumbres nativas. De donde viene Se puede decir que nace de la necesidad del hombre de decorar sus alrededores, paredes, su entorno. Pero específicamente podríamos hablar del Méjico precolombino, entre el año 300 y 900, donde los Olmecas, un pueblo que aparte de su arquitectura de plataformas y pirámides, se destacaron en la pintura de murales de gran tamaño Además de los Olmecas, en el sudoeste de la región Oaxaca los Mixtecas también hicieron murales, pero es con los Mayas que la pintura mural alcanza un grado de excelencia. La tradición pictórica continua aun bajo el dominio español. AMA Representar batallas de conquista, independencia, reforma, invasión francesa y de la revolución mejicana. Arte monumental, por que el arte es propiedad de todos. Nacionalismo ODIA Representar temas que no fueran mejicanos. Pintores de caballete y todo el arte aristocrático. ¿Quiénes son? José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo, Jean Charlot, Jorge Gonzales, José Luis Cuevas, José Chavez Morado, Alfredo Zalce, Miguel Covarrubias, Pablo O´Higgins, el doctor ATL, Julio Castellano, Carlos Merida, Ramón Alva de la Canal, Fernando Leal. 39 MURALISMO NORTEAMERICANO 40 Thomas Hart Benton 41 Nombre DADÁ DADA La palabra nació el 8 de febrero de 1916 en el café Voltaire, al introducir un cortapapeles en un “petit La designa a un caballito de balancín. QUÉ ES EL DADAÍSMO Dadá niega todos los valores, incluyendo el Dadaísmo. Dadá no crea un estilo. Más que la obra interes Dadá fomenta el uso de materiales inusuales (desperdicios…) DE DÓNDE VIENE EL DADAÍSMO Su filosofía es el anarquismo. Bakunin dijo: “La destrucción también es creación”. Dadá tiene su origen en el desencanto de toda una generación que sufrió la destrucción de la primera gu Los dadás ascienden a obra de arte algunas técnicas infantiles, tales como el collage y el frottage, y t (palabras en libertad) poemas fonéticos o música de ruidos. DADÁ ODIA El sentido común 42 Las leyes de la lógica La belleza clásica El orden establecido arousse”. Allí se define Dadá como el primer balbuceo de un niño o como este sa el gesto (poner bigotes a la Monalisa, declarar obra de arte a un urinario…) uerra mundial. toman en préstamo algunos recursos de los futuristas, tales como tipografías 43 surrealismo TRABAJAR IDEA : 44 Nombre: SURREALISMO El término quiere decir más allá de la realidad, fue utilizado por primera vez por Apollinaire, éste subtituló “Dramas Surrealista” a su obra de teatro “Les Mamelles du Tirasais. QUÉ ES EL SURREALISMO En su primer manifiesto Bretón lo define así: Puro automatismo psíquico por el que se intenta expresar, ya sea verbalmente o por escrito la función verdadera del pensamiento. Pensamiento dictado en ausencia de todo control ejercido por la razón, y al margen de toda preocupación moral o estética. Nosotros diremos que es una corriente artística surgida en los años 20, pero mejor se comprendería como una forma de sensibilidad, como una ideología, a veces como una “religión”. Ojalá que el estudiante capte, en estas líneas tan breves, la existencia de un “espíritu” surrealista que va más allá de los márgenes de duración de esta escuela, que comprenda que trasciende mucho más allá de los límites del arte. DE DÓNDE VIENE EL SURREALISMO Sus parientes literarios más próximos en el tiempo son Nerval, Bardelaire, Lautremont, Rimbaud, Jarry, Apollinaire, su padre plástico inmediato De Chirico, aunque entre sus antepasados cuentan con pintores tales como: Bosch (1940 – 1516); Archimboldo (1527 – 1593); Francisco Goyos (1746 – 1817); Blake (1778 – 1827) y escritores como Lewis Carrol y el Marqués de Sade. El movimiento surrealista nació directamente del Dadaísmo, sus iniciadores fueron jóvenes poetas que militaron en esas filas: Aragón, Soupault, Desnos, Peret, Crevel y el principal Bretón, el teórico autor de los manifiestos, que se constituyó también en patrón y Papa del Surrealismo incorporando o excomulgando a sus militantes. IMPORTANTE: Si nos preguntamos de dónde viene, sería incompleta la respuesta si no mencionamos a Freud, con cuyas teorías se familiarizó Bretón durante la 1º Guerra Mundial, en que siendo estudiante de medicina debió trabajar con soldados con alteraciones mentales. Interesándose entonces por los sueños y los problemas del subconsciente. A DÓNDE VA EL SURREALISMO A influir en todas las expresiones humanas, la decoración, la ciencia, la pedagogía y hasta el humor se replantean bajo el espectro del Surrealismo. A crear no sólo una nueva literatura, sino también una nueva perspectiva para juzgar las obras literarias del pasado. Sin el Surrealismo, no habrían podido surgir ni el Expresionismo Abstracto, ni el Pop, ni el Camp. 45 pop art 46 Nombre: POP Abreviación de la palabra “popular” usado por primera vez por el crítico inglés Laurence Alloway en 1955, para referirse a un grupo que exponía en el “Institute of Contemporany Arts” de Londres. QUÉ ES EL POP Una corriente artística, una moda, una forma de vida, una “filosofía” de un sector de la juventud norteamericana de la década de los años 60, una “toma de poder” imponiendo sus gustos. El Pop es una expresión típica de país opulento; de sociedad de consumo, no tiene nada que ver con la cultura política, está ligado a la Norteamérica de los Kennedy, como podría estar el realismo socialista a la Unión Soviética de Stalin. DE DÓNDE VIENE EL POP El Pop tiene antecedentes muy directos en el “Dadá” algunos críticos lo han llamado “Neodadaísmo”. Tienen el común denominador de la espontaneidad, el humor y la irreverencia; pero ahora con otros signos, lo que asustó en los años 20, divierte en los 60 El Pop tiene contra antecedentes en el arte no objetivo que ha agotado al público con manchas y formas abstractas, reaccionando ante esto el espectador quiere ver, tocar, reconocer. PARA DÓNDE VA EL POP Todavía no podemos verlo en perspectiva, su apogeo está muy cercano, lo que vemos si es que ha liberado y refrescado el Arte, por su falta de temor en el empleo de los medios y las mezclas. ESTOS SON LOS POPS Los realizadores: Robert Rauschemberg (Texas 1925); Claes Oldemburg (Estocolmo 1929); Jim Dive (Cincinatti 1935); Roy Lichtenstein (Nueva York 1923); Rosenquist (Dakota 1923);Andy Warhol (Filadelfia 1930); George Segal (Nueva York 1926); Tom Wesselmann (Cincinatti 1931); Eduard Kienholz (Estado de Washington 1927). EL POP ODIA Los tontos graves Lo opaco La reverencia Las obras clásicas El cine-arte Y en general todo lo “artístico”. EL POP AMA LA VIDA DE TODOS LOS DÍAS 47 op art 48 49 hiperrealism 50 mo 51 minimalismo ¿Qué es el minimalismo? en su ámbito más general, es referido a cualquier cosa que se haya desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes, o que proporciona solo un esbozo de su estructura. Es la tendencia a reducir a lo esencial. ¿De donde viene? De la adjetivación que dio el Filósofo William Wolheim en 1965 a las pinturas de Ad Reinhardt y los ready-mades de Marcel Duchamp. De norteamérica (reacción al pop art) De la post-guerra (pacifista) Del Constructivismo (abstracción) De la práctica del ascetismo (principalmente en doctrinas fisolófico-religiosas) De la filosofía de Mies Van Der Rohe (less is more) De la impersonalización del vínculo obra-artista de Lazlo Moholynagy (llegó a dictar por teléfono las indicaciones para hacer sus obras) De la estandarización De la modulación De la explotación del aburrimiento del espectador (video de 24 horas de la parte superior del Empire Estate) 52 ¿A dónde va? A hacer del arte un deleite sólo para “inicicados” dispuestos a aburrirse artísticamente. A conformar parte importante de la estética masiva contemporánea. A resistirse a la muerte sobre el barco del mercado, llevando consigo los últimos referentes teóricos de la arquitectura moderna, con los últimos referentes del neoclásico. (¿paradoja pop art?) Importancia “…Constituir una estética de la limpieza, ejemplarizar los valores del aseo y la seguridad de la clase media” <<textual de Harold Rossemberg en su ensayo “Timpo de Museo”>>. A partir de 1965, Joseph Kosuth realiza sus primeras “pre-investigaciones”. Estas propuestas consisten en trabajos constituidos Representantes Sol Lewit (N. Series: obra fabricada en industria segpun instrucciones del artista por1923) un objeto y sus representaciones: la fotografía y la definición, sacada de un diccionario, fotografiada y ampliada. Una y tres Donald Judd, Dan Flayin (N. 1923): Sin título: Tubos de neón sobre estructuras regulares sillas es una de sus piezas más conocidas. Con este tipo de obras, el artista conceptual pone de manifiesto que no es en absoluto Joe Baer Darby Bannard .Thomas Deyle , Helen de Frankenthaler(1), representante de la segunda de la de los campos de color, en- neutros necesaria la creación determinados objetos, pues resulta suficientegeneración la definición depintura tales objetos. La elección de objetos marcada en la Abstracción postpictórica. o cotidianos -sillas en este caso- se relaciona con la necesidad de desacralizar el objeto y alejarlo de cualquier connotación decoPeter Haley rativa. Donald Judd(2), conocido principalmente como escultor, también realizó cuadros minimalistas. Ellsworth Kelly(4), que se distingue por sus cuadros hard edge, esto es, borde duro oanalíticas. de perfil limpio. Como afirma el propio Kosuth, “las obras de pintura arte sondeproposiciones Es decir, si son vistas dentro de su contexto -como Peter Laly arte- no proporcionan ningún tipo de información sobre ningún hecho. Una obra de arte es una tautología por ser una presentación Sol LeWitt, también escultor de las intenciones del artista, es decir, el artista nos está diciendo que aquella obra concreta de arte es arte, lo cual significa que es Morris Louis(3), representante la segunda deque la pintura campos de color, en la Abstracción una de definición del generación arte. Por eso, es arte de es los ya una verdad a priorienmarcada (que era precisamente lo quepostpictórica. Judd quería decir al constatar Brice Marden que “si alguien dice que es arte, lo es”)”. Reacciona contra el formalismo de las artes objetuales, estableciendo una separación Agnès Martin, canadiense. completa entre estética y arte. Apoyada en una escisión previa entre percepción y concepto, conduciendo de este modo el objeto a Robert Mangold su máxima desmaterialización. Robert Morris Barnett Newman(5), miembro de la Escuela Nueva aYork, pionero de la colorfield (pintura de los de campos de color). El arte ante todo, de se dedica crearyproposiciones: “una obrapainting de arte es una especie proposición, presentada dentro del contexKenneth Nowland, representante de lacomo segunda generación sobre de la pintura losconceptual, campos de color, enmarcada envinculación la Abstracción postpictórica. to del arte un comentario arte”. Eldearte por tanto, no posee alguna de tipo referencial con el Jules Olitski mundo y las cosas. Al arte no le interesan los resultados obtenidos, sino el operar en sí mismo. El arte sólo existe en el contexto Hernández Pijuan del arte, pues “el arte existe por su propia búsqueda”, es una función de sí mismo y de ninguna otra cosa. Robert Ryman Frank Stella, miembro de laBibliografía Escuela de Nueva York; desarrolló el shaped canvas, esto es, el lienzo dado forma, traduciéndose la expresión, a veces, como «tela modelada». Larry Zox Kosuth, J. (1974), Investigations sur l’art et problématique depuis 1965. París. Musée d’Art Modserne de la Ville de París. Odia Ama Marchán Fiz, s. (1994), Del arte objetual al arte de concepto. Madrid. Akal. 6ª ed. col. Akal/Arte y estética 4. 483. P La espontaneidad La Lógica Milleyt, C. (1972), Textes sur l’art conceptuel. París. Ed. De Templon El sentimiento El número VV.AA. (1990), L’art Laconceptuel, expresión une perspective. Catálogo de la exposición. París. Musée d’Art Moderne de la Ville de París. El método La inteligencia Percepciones | Historia del arte | Estética 53 ARTE CONCEPTUALSILLA: (Del lat. sella). 54 1. f. Asiento con respaldo, por lo general con cuatro patas, y en que solo cabe una persona.2. f. silla de niño.3. f. Aparejo para montar a caballo, formado por una armazón de madera, cubierta generalmente de cuero y rellena de crin o pelote.4. f. sede (? asiento o trono de un prelado con jurisdicción).5. f. Dignidad de Papa y otras eclesiásticas. 6. f. coloq. ano.~ bastarda.1. f. La usada en tiempos antiguos, y que se distinguía principalmente porque en ella se llevaban las piernas menos estiradas que cabalgando a la brida y más que cabalgando a la jineta. ~ curul.1. f. La de marfil, en donde se sentaban los ediles romanos. 2. f. La que ocupa la persona que ejerce una elevada magistratura o dignidad. ~ de caderas.1. f. ant. silla con respaldo y brazos para recostarse. ~ de extensión.1. f. Cuba y Ven. tumbona (? silla con largo respaldo). ~ de la reina.1. f. Asiento que forman entre dos personas con las cuatro manos, asiendo cada uno su muñeca y la del otro.~ de manos. 1. f. Vehículo con asiento para una persona, a manera de caja de coche, y el cual, sostenido en dos varas largas, es llevado por hombres.2. f. Chile, Col. y C. Rica. silla de la reina.~ de montar.1. f. silla (? aparejo para montar a caballo).~ de niño.1. f. silla baja sobre ruedas, que, empujada por una persona, permite transportar a un niño acostado o sentado.~ de posta. 1. f. Carruaje, de dos o de cuatro ruedas, en que se corría la posta. ~ de ruedas.1. f. La que, con ruedas laterales grandes, permite que se desplace una persona imposibilitada.~ de tijera.1. f. La que tiene el asiento por lo general de tela y las patas cruzadas en aspa de manera que puede plegarse.~ eléctrica.1. f. silla dispuesta para electrocutar a los reos de muerte.~ gestatoria.1. f. silla portátil que usa el Papa en ciertos actos de gran ceremonia.~ jineta.1. f. La que solo se distingue de la común en que los borrenes son más altos y menos distantes, las aciones más cortas Qué es? Movimiento artístico iniciado a mediados de los sesenta en el que, en palabras del artista Sol LeWitt Kizae, prevalece la idea o el concepto como la parte más importante del trabajo. Cuando un artista utiliza una forma conceptual de arte, significa que todo el planteamiento y las decisiones están hechos de antemano; la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que hace el arte. De dónde viene? De la reacción al formalismo, con antecedentes en los ready mades de Marcel Duchamp y el dadaísmo en general. Se atribuyen como representantes los artistas agrupados en torno al expositor norteamericano Seth Siegealub pero principalmente a la obra “una y tres sillas” de Joseph Kosuth de 1965 (en la foto), donde muestra una silla, la foto de una silla y un texto con la definición de silla como total de la obra. A dónde va? A dejar una impronta indeleble en la mayoría de los movimientos actualmente vigentes por su auténtica profundidad y su apertura de campo representativo, pues admite prácticamente cualquier soporte comunicacional. Qué ama? • • • • • • Como su nombre lo dice, el concepto La reflexiòn La teoría del arte La irreverencia La comunicación cognitiva La multiplicidad de soportes Qué odia? • • • • La expresión El formalismo Los dogmas La objetualización de la obra Quienes son los suyos? Joseph Kosuth, Walter de María, Richard Long, Gilbert y George, el grupo Art y Lenguaje, Weiner. Del punto de vista teórico principalmente Sol LeWitt Kizae. 55 process art 56 Qué es? Una modalidad artística surgida en la década de los 70, cuya preocupación está centrada en el proceso de la obra de arte y no el resultado de ésta. De dónde viene? Tal vez su origen mas lejano está en los “métodos automáticos” impulsado por los surrealistas y aplicado posteriormente a los pintores de acción. Pero aquí el método no constituye una expresión. Pero aquí el método no constituye una expresión subconsciente, sino que por el contrario es la elección de un sistema cuyo proceso se puede leer posteriormente. A dónde va? A transforma al artista en una máquina de hacer arte. Una vez que el artista elige una idea, se carga con ésta y se procesa para llevarla a cabo sistemática y maquinalente sin consideraciones estéticas del resultado. Su importancia La obra de arte, en general se ha juzgado por los resultados. El valorar sólo el proceso, crea un replanteo de los valores que incluso puede tener vigencia en otros campos: Pedagogía, Ciencia… Es probable también que de alguna manera el process art sea el resultado o reflejo de los sistemas de computación. El process art se interesa solamente por los medios. El process art prescinde de los resultados. El process art dramatiza el acto creativo. Obras y Autores (1)En una caja de madera que contiene una grabación de sonidos de su construcción. Su autor, Robert Morris, también representante del arte ecológico. (2)Plomo diluido diluido vertido en el ángulo que forman el muro y el suelo. Al fraguar, el plomo constituye una escultura. Autor: Richard Serra (3)Dos minutos de pintura tirada al suelo directamente en el pote de spray que la contiene. Obra de Lawrence Weiner. (4)Un cuaderno que contien las copias Xerox sucesivas iniciadas con una copa en blanco y luego la copia de ésta y de las próximas que van aumentando gradualmente su textura. Nombre de la obra:”Xerox Box”. Autor: Ian Burn 57 body ART 58 Qué es? Es aquel arte que utiliza el cuerpo, pero aclaremos, el cuerpo del artista como obra de arte. Esta tendencia es reciente, nació a mediados de los sesenta, de tal modo que sus límites, como el “arte conceptual” no están bien definidos, muchos autores lo incluyen dentro de este. Algunos autores también lo llaman Behaviour art, es decir, el arte del comportamiento. De dónde Viene? Viene muy directamente de los Happenings y por lo tanto desciende en línea directa del dadaísmo. Al igual que todas las últimas tendencias el body art tiene una gran deuda con Duchamp: este, al fotografiarse con como Rhose Zhelavi, o con cuernos de jabón, o jugando ajedrez con una mujer desnuda, estaba en el mismo juego que a la vuelta de dos décadas realizaran los artistas del body art. Qué hacen los artistas del Body Art? La modalidades del body art han sido clasificadas por Simón Marchant en su libro “Del arte objetual al arte del concepto 1960-1974” (comunicación Serie B N| 17, Alberto Corazón editor) distingue 3 tipos de body art según se relacione con: a) la antropología, b) la fenomenología, c) La cinésica. Del dolor del drama del sadismo Proviene del teatro del Gran Guiñol, de la obra del Márquez de Sade del cine cruel. Vito Acconti (N1931) se aplasta escarabajos contra el pecho, muerde con furia su propio cuerpo. Dennis Oppenheim, por medio de presiones de aire comprimido, produce deformaciones momentáneas en su cara y su cuerpo (Presiones de Aire 1974 ). O bien muestra su rostro aterrorizado, mientras que de lo alo le tiran piedras, tratando naturalmente de no dar con el blanco (Circulo de Miedo 1970 ). Pero sin dudas la mas cruel de las obras de arte en general y del body art en particular Rudolph Schwarzkuger, su obra consistió en automutilarse el sexo centímetro a centímetro mientras un fotógrafo dejaba el testimonio para la posteridad y para la Expo Documenta 5 ( Kassel 1972 ), en donde se mostraron las fotos como un homenaje póstumo a este artista que murió victima de automutilaciones posteriores. Este primer grupo de artistas del Body Art que es mucho mas extenso de lo que aquí mostramos , dirige sus obras al instinto del espectador, los dos artistas que a continuación presentamos dirigen su trabajo a la inteligencia ( y por lo tanto son mas conceptuales ). 59 60 II De la ironía, la idolatría y el narcisismo Proviene de la literatura crítica, del teatro político y del arte del manifiesto. Sus representantes, dos ingleses, uno aparentemente de 30 y otro de 40 ( que ambos nacieron en 1942 ): Gilbert y George, quienes estudiaron escultura, resolvieron transformarse a si mismos en esculturas vivientes y parlantes haciendo de cada uno de sus actos una obra de arte. Ellos son los elementos constantes de un “paisaje artístico” que fotografían y difunden a través de las revistas de arte. Sus conversaciones se graban y sus momentos cotidianos se filman en video, Gilbert y George son ídolos de los jóvens ingleses; en retribución, estas “esculturas vivientes” ironizan y critican las instituciones tradicionales de las cuales ellos son beneficiarios muy directos. III De la Investigación del Campo Visual Este último grupo proviene de la gimnasia, la mímica y la pintura geométrica. Ellos andan en busca de las relaciones de su cuerpo con el plano, el video – que es su medio de expresión- . Los muestra horizontales, verticales, acercándose o alejándose de un muro, entrando o saliendo a “escena”. Uno de sus cultores, K. Rinke, refiriéndose a sus “Demostraciones Primarias” ( 1973 ) declara que en ellas se propone “ definir su cuerpo con relacion al espacio”. ¿Cuál es la importancia del Body Art? Al igual que todas las expresiones del arte conceptual, se trata de un serio y sincero esfuerzo por liberar el arte del mercantilismo y de su sometimiento a la ley de la oferta y la demanda. En el hecho no a ocurrido así, aunque parezca paradojal, el arte conceptual y el body art han resultado también un buen negocio para los comerciantes del arte. 61 LAND ART 62 Nombre Una simple definición explica la razón del nombre: “Arte ecológico es arte que se realiza con tierra o en la tierra”. ¿Que es? Diríamos que es una… tendencia artística -con objeto de no comprometernos con una definición que lo califique de escultura o pintura-, desarrollada a fines de los años 60, cuyo campo de acción y materia prima es la naturaleza. Se caracteriza por ser no comercial o de difícil comercialización. En EE.UU. Donde ha surgido, cuenta con el patrocinio de la EAT (Experiments in Art and Technology) De donde viene El arte ecológico ha sido practicado desde siempre por los agricultores: arando, sembrando, cosechando, cercando o arborizando han hecho dibujos y esculturas con la naturaleza. Basta tomar un avión y observar el agro desde lo alto para aprender la perfección de estos diseños. Sin embargo, tal vez por su falta de sofisticación, o por tener intereses extraartísticos, los campesinos inconsientemente han ignorado su calidad de artistas ecológicos. Otros precursores de estos movimientos han sido los asistentes a los museos, que no conformes con consumir arte, consumen maní y otras golosinas, cuyas cáscaras y envases tiran al suelo, creando sobre este una textura de desperdicios. -Esta costumbre fue observada por Walter de María, quien como artista la llevó a lo que consideró su conclusión lógica: en 1968 depositó en una galería de arte una tonelada y media de tierra, cubriendo totalmente el piso, iniciando de esta manera la era del “arte ecológico” 63