postimpresionismo

I.E.S. Valle del Ambroz, . Historia del Arte. 2º Bachillerato.
Manuel Torres Zapata
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POSTIMPRESIONISMO
La denominación postimpresionismo es un gran saco en el entrar toda una serie
de pintores que renuevan de diferentes formas las aportaciones del impresionismo,
desarrollando o superando algunas de sus características. No es por lo tanto un estilo
homogéneo sino que cada uno de los pintores que incluimos aquí tiene una técnica y
unos objetivos bastante diferentes entre sí.
1. TOULOUSSELAUTREC. (18641901)
No muestra ningún interés por la pintura al aire
libre ni por los paisajes, sus temas preferidos son escenas
de circo, cabaret, bares de París, burdeles ... reflejo del
bullicio y de la vida bohemia. En muchos casos se trata
de simples dibujos con lápices de color, en los realiza
bocetos de esas escenas de vida nocturna, pero siempre
con un toque critico o melancólico ante la sordidez del
mundo representado. También realiza carteles
publicitarios para los espectáculos del FolliesBerges o el
Moulin Rouge, Encajaría incluso en la corriente
modernista o Art Nouveau. su estilo se define por una
línea sinuosa, por la tintas planas y la simplificación del
dibujo con un diseño bidimensional. En “La toilet”
demuestra la importancia que concede al dibujo, de
líneas ágiles y rápidas, innovando en la búsqueda de
encuadres y composición más novedosas, en este la
muchacha esta vista desde arriba de espaldas al
espectador.
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2. PAUL CÉZZANE (18391906)
Va a ser uno de los pintores más
influyentes de todo el Arte Contemporáneo y
en su estilo podemos rastrear el origen de
movimientos tan importantes como el
cubismo. Sigue más de cerca las aportaciones
del impresionismo, pero de una forma fiel,
sino que investiga en sus logros y los lleva a
sus últimas consecuencias; esto le hace
investigar sobre la estructura autentíca de los
objetos y del paisaje, llegando a la conclusión
de que todo está formado por tres formas
geométricas básicas, el cilindro, la esfera y el
cubo. Sus cuadros van a reflejan ese geometrismo y esa depuración de la forma hasta
reducirla a sus elementos más básicos, adquiriendo cierto rigidez escultórica sus figuras.
Abandona los matices de luz que había en los impresionistas, ya que no se adaptan a su
búsqueda de la forma básica. Podemos decir de Cezzane es el padre del arte moderno.
Estudia pacientemente los objetos desde todos sus ángulos, descomponiendo la
perspectiva tradicional. Realiza numerosos bodegones, en los que los objetos son de los
volúmenes más simples. Ese geometrízación no
sólo se aprecia en sus bodegones, sino que también
la figura humana sufre ese proceso ("Bañistas",
"Los jugadores de cartas") o incluso los paisajes,
como en la conocida serie de la "Montaña de
SainteVictoire", en los que el color contribuye a dar
esa sensación, utilizándolos de forma muy
personal, defendiendo la importancia del cuadro en
si como elemento estético, independientemente de
su tema..
El tema de los jugadores de cartas fue tratado en
varios cuadros, en los que se ve un proceso de
depuración de las formas y de eliminación de
elementos superfluo. En Cezanne cualquier tema es
capaz de alcanzar la máxima
expresividad por humilde que sea. Los
hombres sentados a la mesa adquieren
una realidad
absoluta que es
transformada por la forma de ver del
pintor. Las figuras se construyen con
planos de color casi uniforme en una
composición sumamente simétrica y
geométrica. Las formas se van
haciendo cada vez más geométricas, basándose en el cubo, el rectángulo
y el triangulo, y donde el color se va convirtiendo en algo secundario.
En otros casos opta por emplear encuadres más atrevidos,
empleando además una combinación de color bastante atrevida al unir
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azules con naranjas y amarillos, pero como en otros casos vemos la insistencia de
Cezanne por las formas geométricas, de forma evidente en esta naturaleza muerta con
eros
En los retratos también busca la geometría que según el estaba en todos los
elementos de la naturaleza, los brazos e incluso el rostro quedan reducidos a los
elementos más básicos al igual que el resto de objetos que pueda acompañar el retrato,
como en este retrato de Madanne Cezanne, el fondo neutro, la colocación simétrica de
los brazos, la simplicidad del tratamiento del rostro y las gamas de colores fríos y
terrosos nos hablan ya de los primeros pasos hacia lo que será posteriormente el
cubismo.
53. VAN GOGH (18351890)
Su obra artística va a estar muy condicionada por sus
personalidad inestable y cercana a la locura. Su vocación inicial
es hacia la vida religiosa, ejerciendo de misionero entre los
mineros belgas, pero acabará abandonando y dedicándose sólo a
la pintura con varias temporadas ingresado en centros
psiquiátricos. Van Gogh se deja fascinar por todo lo que conoce,
y prácticamente podemos encontrar influencias de cualquier
corriente en su obra: la luz y el color impresionista; el
divisionismo puntillista; la sencillez de la estampa japonesa; el
sintetísmo y las tintas planas de Gaugin... A todos estos
elementos superpone su propia personalidad y su propia idea de
la pintura, según la cual los colores tienen una capacidad
expresiva en si mismos, y el pintor se sirve de ellos para expresarse de un modo intenso.
Esa expresividad de sentimiento internos que quiera plasmar Van Gogh se refleja
además de en el color, en el tipo de pincelada empleado, una pincelada breve, nerviosa,
como una sucesión de comas, cargadas de pintura, que proporciona al cuadro un sentido
táctil y matérico. Su estilo enlazará como consecuencia de estos elementos con el
Expresionismo .Ya en sus primeros cuadros se ve la tendencia a expresar sentimientos,
estos primeros cuadros son profundamente realistas y en ellos intenta reflejar la realidad
de los mineros y de las clases populares, a través de colores muy oscuros y tenebrosos,
con rostros cercanos a la caricatura y un gran patetismo ("Los comedores de patatas")
Su evolución muestra su progresivo deterioro mental y su caída en la depresión que le
llevará al suicidio, su estilo se va haciendo cada más nervioso y agitado. Su relación con
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Gaugin, con el que convive una temporada en el sur de Francia hace que sus cuadros se
llenen de colores más brillantes y más luz, pero sin abandonar su expresividad ("El
dormitorio del artista en Arles" "Arlesiana" "Girasoles"...) En sus autorretratos puede
seguirse la evolución de su estilo, pero también de su enfermedad; sus últimos cuadros
reflejan a un hombre sumido en la desesperación, que ve la naturaleza como algo lleno
de fuerzas en tensión y amenazantes ("Noche estrellada", "Campo de trigales con
cuervos". . .) Finalmente se pegará un tiro en abril de
1890, muriendo varios días después.
Sus primeros cuadros los realiza en su época
de pastor protestante entre los mineros belgas,
fuertemente impresionado por las condiciones de vida
de los mineros y con un sentimiento de crítica social
sus cuadros reflejan esa realidad en la que vive en un
estilo en cierta manera cercano al de los realistas
franceses, emplea tonos oscuro y terrosos, con una
pincelada densa y pastosa, que poco tendrá que ver
con su estilo colorista posterior. En “Los comedores de
patatas” tenemos uno de los mejores ejemplos de esa
etapa, representa el interior de una humilde casa de
mineros que sentados alrededor de una mesa e iluminados por una triste lámpara comen
de una humilde fuente de patatas, la luz tenebrista, las tonalidades oscuras y el cierto
aire caricaturesco de los rostros son los propios de estos primeros cuadros de Van
Gogh.. En una de las cartas a su hermano Theo le habla de este cuadro diciéndole:
“Con mi trabajo he procurado dar a conocer a estas pobres gentes que, a la luz de la lámpara,
comiendo sus patatas, tomando el plato con las manos, las mismas que han cavado la tierra en la que
han crecido las patatas...”
Es esa época empieza la obsesión de Van Gogh por su propio
rostro, comenzando a pintar una larga serie de autorretratos que se
prolongarán hasta el momento de su suicidio y de reflejan un rostro
atormentado por los problemas de su mente enferma y que utiliza en
cierta medida como forma de autoconocimiento.
Es como consecuencia de su viaje al sur
de Francia y de sus convivencia con Gaugín
cuando sus colores empiezan a clarear y a
aparecer tonos más vivos. De esa época en Arlés es
“La habitación del artista” uno de los cuadros más conocidos de Van
Gogh, que refleja posiblemente su soledad, su alejamiento de los
demás y su encierro en sí mismo:
“Esta vez se trata simplemente de mi dormitorio; por lo tanto, solamente el color
debe hacerlo todo...,sugerir reposo o sueño en general,En fin; la visión del cuadro
debe hacer descansar la cabeza, o más bien, la imaginación... la cuadratura de los
muebles debe expresar el descanso inmóvil”
Vincent a Theo, 1888
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En Arlés pinta posiblemente alguno de sus cuadros más famosos, aunque jamás
consiguió vender ninguno de ellos en vida, como los “Girasoles” uno de los cuadros que
más precio ha alcanzado en el mercado del arte. El amarillo brillante domina el lienzo,
multiplicado en múltiples matices, la pincelada es
vigorosa, casi violenta, crea el dibujo y el
volumen de las flores.
“Gaugin me dijo el otro día que había
visto un cuadro de girasoles de Monet, en un gran
jarrón japonés muy bonito, pero que le gustan
más los mios”
Vincent a Theo, 1889
Con el paso del tiempo sus problemas psiquiátricos
se fueron agravando teniendo que ser internado en varias
ocasiones. Esta evolución personal se percibe como hemos
dicho en sus cuadros, la pincelada se va haciendo más
nerviosa, cortas manchas de color que componen el cuadro,
la cantidad de pasta empleada es cada vez mayor
adquieriendo un aspecto matérico. Es internado en un
sanatorio mental en Saint-Remy en donde sigue pintando
por consejo de sus médicos. Los temas se vuelven más
oscuros y siniestros, se trata de la obra de un hombre
atormentado por el mundo que le rodea y que no es capaz de
comprender ni de comprenderse a si mismo. En “Noche
estrellada” percibimos la angustia nocturna de Van Gogh, el
cosmos es algo casi terrorífico, las estrellas giran
sobre si mismas, los cipreses parecen temblar, y el
paisaje adquiere un carácter simbólico de la situación
del pintor. Los mismo podriamos decir de “Campo
de trigo con vuelo de cuervos” uno de los últimos
cuadros que pinta (dos días antes de suicidarse), en
donde la muerte se aproxima como esos cuervos que
sobrevuelan el trigal sobre un cielo tan oscuro que
casi es negro. No hay dibujo, solamente unas
pinceladas inconexas que forman ese paisaje,
pintadas con tal violencia que casi parecen
cuchilladas.
Pobre muchacho, no ha disfrutado de mucha felicidad y
no le queda mucha esperanza; la soledad le pesa tanto...
Me ha dicho que tú nunca has sospechado la tristeza de
su vida.
¡Ah! ¡Si pudiéramos darle ánimos!”
Theo Van Gogh a su mujer el día antes de la muerte de
Vincent
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4. PAUL GAUGIN (18481903)
Un pintor de vida agitada y novelesca que refleja un burgués que se revela
contra su mundo acomodado y se refugia en la naturalidad y la espontaneidad de las
sociedades primitivas. En su producción se pueden distinguir varias épocas o la
pertenencia a varios movimientos. Sus comienzos están dentro del llamado "Grupo de
Pont Aven" (1886) formado con otros artistas de ese momento, que se trasladan a
Bretaña, buscando un lugar alejado de las modas de París para inspirarse en la sencilla
vida rural, El estilo de Gaugin se forma en estos años de Bretaña, se define por una
utilización del color completamente personal y arbitraria, en grandes superficies planas,
sin sombras ni luces; la utilización del color es casi siempre simbólica y los encuadres
empleados son insólitos y los acontecimientos
narrados están a medio camino de la realidad y la
ensoñación. Esos colores puros se hallan
compartirmentados y encerrados en una sólida
línea, el estilo de los esmaltes. ("Visión después
del sermón")
Después de este periodo en Bretaña se
marcha Tahití y allí realiza su mejor pintura, en
un intento de volver a los origines de la
civilización, en una relación directa entre hombre
y naturaleza. Continua con la utilización de
colores puros, encerrando a las figuras en sus
contornos esenciales y abandonando el modelado
de las figuras (“Dos Tahitianas", "Nafea Faaipoipo" Tata te miti"...)
Este estilo de Gaugin va a tener mucha influencia no sólo en los pintores
contemporáneos sino también posteriores, y podemos considerarle como el antecedente
tanto del Fauvismo, como de parte del movimiento simbolista. Dentro de esta tendencia
a marcar estilo está la formación del grupo de "Los Nabis" con Bonnard y Vuillard, un
movimiento entre el simbolismo y el Art Novou, con escenas de interior, dedicándose
también a la decoración y al diseño de muebles y trajes
En “Visión desde del sermón” nos encontramos ante una de las obras más
interesantes de las que realizó Gauguin durante su estancia en Pont-Aven en 1888.
Siempre se considera como una de las primeras del estilo simbolista en el que empieza a
trabajar desde ahora. Fue pintado para una iglesia
de la zona pero el párroco la rechazó .En primer
plano vemos a una serie de figuras de mujeres
bretonas con sus características cofias, en actitud
de rezar, mientras al fondo coloca la supuesta
visión que tienen las devotas bretonas tras el
sermón donde vemos a Jacob luchando con el
ángel, siendo esta escena la parte simbólica,aunque
el artista represente ambas escenas de manera
simultánea.Gauguin utiliza, como en obras
anteriores,la influencia de la estampa japonesa ya
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que rehusa a utilizar la perspectiva tradicional, por lo que consigue un efecto de figuras
planas.Los colores también han experimentado un cambio importante al utilizar colores
puros, sin mezclar, que reafirman el efecto de la planitud. Los contornos de las figuras
empiezan a estar muy delimitados, siguiendo un estilo típico de estos momentos
llamado "cloisonnisme",inspirado en la realización de esmaltes y de vidrieras,
rellenando esos contornos de colores muy vivos.Gauguin está orgulloso de esta pintura
y sobre todo de las figuras "muy rústicas y supersticiosas" como él mismo escribe a Van
Gogh.
“El Cristo Amarillo” es una de las obras más famosas de Gauguin realizada
durante el otoño de 1889 en Le Pouldu (Bretaña) donde se había trasladado porque
Pont-Aven ya era demasiado turístico.El pintor se inspiró en una talla policromada del
siglo XVII, realizada por un escultor local, que encontró en la iglesia de Trémalo, cerca
de Pont-Aven. El Cristo se convierte en el protagonista de la escena, con ese color
amarillo y las líneas de los contornos muy marcadas, siguiendo la técnica del
"cloissone" inspirada en los esmaltes y vidrieras. Junto a Cristo aparecen tres mujeres
bretonas, lo que sugiere que nos encontramos ante
una nueva visión provocada por la fuerte devoción
de las mujeres, igual que en "La visión después del
sermón".Al fondo vemos una valla que es saltada
por una figura que puede sugerir el deseo de
evasión , continuamente presente en el ánimo del
artista .Lo primitivo, con las mujeres, y lo simbólico,
intentando transmitir un mensaje, están presentes en
la escena, al igual que lo real y lo imaginario.El
colorido es el típico del otoño bretón, con unos
maravillosos colores amarillos mezclados con
naranjas y verdes, en clara similitud con al Cristo.
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EL FAUVISMO.
Lo que hoy conocemos como grupo fauvista no fue realmente un grupo
organizado, ni sus miembros firmaron ningún manifiesto, ni se presentaron como un
movimiento artístico con entidad propia. El propio nombre de fauves (fieras en francés)
responde a la opinión de un critico sobre una exposición de estos pintores. La mayor
parte de la crítica y del público reaccionó muy en contra de su obra, lo que consiguió
que ellos reafirmaron aun más su posición. El núcleo más importante del grupo es el
formado por E. Matisse, a. Deraín y M. VIamick, La procedencia y la formación de los
pintores es muy diversa, aunque mantienen algunas relaciones desde 1890 su formación
como corriente artística se produce a partir de la exposición de 1905
La duración de esta experiencia fue lógicamente muy efímera y cada uno
evolucionó de una manera muy distinta. El elemento que los puso de acuerdo fue un uso
no descriptivo del color, es decir, el color ya no tenía nada que ver con lo visible del
motivo, sino que respondía al puro arbitrio del artista. En ocasiones nos encontramos
con el color es usado simplemente como una elemento decorativo y que el cuadro no
pretende nada más que crear una
composición basada en los contrastes y
en las gamas de color.
1 , HENRY MATISSE (18691954)
Matisse hizo de la liberación del
color un proceso de depuración
estructural y armoniosa del cuadro en
su conjunto en el que el color se podía
utilizar puro. Su objetivo es hacer algo
armonioso, estable, controlado. Es pintor que encabeza el movimiento fauvista, y el que
lo sigue de forma más característica, con grandes masas de colores vivos y luminosos,
con formas muy sencillas y un acentuado carácter decorativo. En su cuadro "La Danza"
de 1906 se combinan todos los elementos más primitivos, con figuras danzando y
contorsionándose de forma salvaje con violentos contrastes de color, de tintas puras y
planas, empleando tan sólo tres colores, posiblemente uno de los elementos más
geniales de este cuadro este en su gran sencillez, que sabe transmitir una sensación de
movimiento vertiginoso que está a punto de salirse de los márgenes del cuadro. Matisse
reúnen las experiencias de Van Gogh y de Gaugin en el uso del color y las lleva a sus
últimas consecuencias. A lo largo de su vida permaneció siempre fiel al fauvismo,
aunque no renunció completamente a incorporar algunos elementos novedosos tomados
por ejemplo del cubismo. Toda su producción estuvo dedicada al estudio del color y a la
búsqueda de las combinaciones más logradas armonizando colores primarios con
secundarios, en “El mantel, armonía en rojo” el rojo es el color dominante pero es
equilibrado por la importancia de los azules y del amarillo, y los verdes del paisaje que
se ve por la ventana, el color ya no hace referencia a la realidad sino que son
simplemente el motivo que compone el cuadro; al mismo tiempo en este caso
percibimos la influencia de otros movimientos artísticos, como el modernismo en los
ritmos curvos y vegetales o el gusto de Matisse por el arte islámico.
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Otras de las obras de Matisse son "La
mujer de la raya verde". "La Dama del
sombrero" 'Bodegón de los peces rejos"... En
sus últimos cuadros la reducción de elementos
es aun mayor, las figuras son reducidas a
siluetas de color plano, de tonos primarios,
siendo un buen ejemplo de estos cuadros la serie
“jazz” a la que pertenece este “Icaro”, o la
decoración de la iglesia de Vence en Francia.
2. DERAIN.(18801954)
Se va a dedicar sobre todo a vistas ciudadanas, o paisajes en los que los colores
forman armonías y disonancias bien coordinadas, aunque su relación con Picasso años
más tarde hace que se vea ínfluenciado por el cubismo, aunque siempre se mantuvo fiel
a los principios básicos del fauvismo.
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LA ESCUELA DE PARÍS.
La vía abierta por el Fauvismo convirtió definitivamente a París en el centro
artístico europeo, en la ciudad más abierta cualquier innovación estética, y foco mundial
de las vanguardias. A París llegan desde todas las partes de Europa pintores que intentan
triunfar y hacerse un huevo entre los grandes del momento. Algunos de ellos se
integraron en los movimientos de vanguardia que triunfaran en ese momento, otros en
cambio desarrollaron una obra completamente personal al margen de las modas,
formando un grupos completamente heterogéneo, sin ningún vínculo en común que el
desarrollar en París su obra rodeados del ambiente vanguardista que se geste en esos
años. Dentro de este grupo incluimos a Chagall, Mogliani, o el escultor Brancusi. El
italiano Amadeo Modigliani (1884-1920) se instala en París en 1906 con la intención de
dedicarse a la escultura, aunque se débil salud le obliga a dedicarse casi exclusivamente
a la pintura, dando lugar a una de las obras mas personales y delicadas de todo el siglo;
su tema central es la figura humana, en forma de retrato o de desnudo femenino, tomada
como base para el desarrollo de una plástica basada en la línea sinuosa, sensual, con
figuras de gran esbeltez y expresión melancólica, figuras femeninas con un erotismo
delicado que las coloca entre el ideal de belleza clásico y el cuerpo tangible.
El ruso Marc Chagall (1887-1985) es una de las figuras clave de la Escuela de Paris,
aunque estuvo en contacto permanente con los
pintores de vanguardia y participó activamente en
la vida cultural de París, ningún movimiento le
atrae lo suficiente como para subordinarse a su
estética, basada en la alegría, el optimismo y la
libertad de prejucios; para él el arte es más
interesante cuanto más libre y mas ilógico, en
cuadros de cierto ingenuismo y que rozan lo que
será el