Tema 63 Las artes plásticas del impresionismo a la

Tema 63
Las artes plásticas del impresionismo a la abstracción
Resumen
Introducción
En el siglo XX se producirá la mayor revolución estética de la
historia del arte que abandonará la imitación de la naturaleza
para centrase en el lenguaje de las formas y los colores, sin
intermediarios.
Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los
estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un
grupo de artistas. Los movimientos que vamos a ver son más una
actitud ante el arte que una estética. Los artistas se prodigan entre
escultura y pintura.
La revolución impresionista
El impresionismo hunde sus raíces en la escuela de Barbizon y
los grandes paisajistas como Corot, Courbet, Mollet y Boudin. A partir
del impresionismo la concepción de la obra de arte es totalmente
diferente a la que había surgido en el Renacimiento.
Los impresionistas tienen un nuevo concepto del artista. Salen de
su estudio y pintan directamente de la realidad. La ejecución de
un cuadro impresionista es muy rápida. El pintor vive de su arte, y
que depende de los marchantes, los coleccionistas y las galerías.
El impresionismo es un movimiento exclusivamente pictórico.
Implica una construcción visual y mental de la figura, lo que determina
una actitud ante la obra activa, en lugar de pasiva. Aplican el color
en pinceladas sueltas y colores puros, sin mezclarlos en la paleta. El
dibujo desaparece en favor de las manchas de color que abocetan la
figura. Sus temas principales son el paisaje y el cuerpo humano, pero
su sello definitivo se encuentra en el tratamiento de la luz y el color.
Los impresionistas surgen como grupo en 1874, en la exposición
del Salón de los Rechazados. El crítico francés Louis Leroy les llama
despectivamente impresionistas, por el cuadro de Monet Impresión: sol
naciente.
Su tema principal es el paisaje, del que hacen series sobre un
mismo motivo capturando la luz de las diferentes horas del día.
1
También pintan temas de la vida cotidiana, sobre todo el tiempo de
ocio de la burguesía.
Los impresionistas
Edouart Manet (1832-1883) está considerado como el precursor
del impresionismo, más que por su técnica por su actitud ante la
obra de arte, siempre escandalosa. Merienda en la hierba, La Olimpia.
Camile Pissarro (1803-1903) fue el pintor que más se acercó a la
naturaleza. El lavadero, La estación de Perge.
Claude Monet (1834-1906) es el pintor impresionista más
reconocido. Impresión: sol naciente, las series de la catedral de Rouen,
la estación de San Lázaro y de las Ninfeas.
Alfred Sisley (1839-1899) retrata la realidad sin efectismos. El
canal, Nieve en Louveciennes, Campo de trigo.
Edgar Degas (1834-1917) era un buen dibujante, y en sus cuadros
utiliza abundantemente el blanco y el gris. Sus temas favoritos son las
bailarinas y los espectáculos nocturnos. Bailarinas preparándose
para el ballet, Los jóvenes espartanos, Bañista arreglándose el pelo.
Pierre Auguste Renoir (1814-1919) es uno de los más puros
impresionistas. El palco, Baile en el molino de la Galette, Mujer desnuda
secándose los pies, La lavandera.
En España Joaquín Sorolla (1863-1923) es el pintor impresionista
más representativo. Nadadores, Y aún dicen que el pescado es caro...,
Cosiendo la vela.
La escultura
Algunos pintores impresionistas realizan esculturas con un aspecto
similar al de sus cuadros. Destacan Gauguin, Degas, que esculpe
bailarinas y Renoir que realiza relieves.
El escultor impresionista por excelencia es Auguste Rodin, (18401917): La edad del bronce, El pensador, La mano de Dios.
El neoimpresionismo
El neoimpresionismo o divisionismo o puntillismo, en realidad
se trata de un impresionismo radical que lleva a las últimas
consecuencias las teorías científicas sobre el color y la luz de
Chevreul. Sus cuadros se diferencian netamente del impresionismo
2
clásico. Vuelve a cobrar importancia el dibujo. Las figuras se hacen
geométricas. No se mezclan los colores ni en la paleta ni en el cuadro.
Se aplican unos junto a otros con pinceladas muy cortas: puntos.
Sólo usan los colores primarios y el ojo debe hacer la mezcla.
Los puntillistas
Georges Seurat (1859-1891) es quien antes plasma en una obra de
arte la nueva técnica. Sus puntos son extremadamente pequeños.
Una tarde de domingo en la Grande Jatte, Un baño en Asnières, y El
circo.
Paul Signac (1863-1935) utiliza pigmentos y colores puros. El
puerto de Saint-Tropez, Mujer ante el espejo.
El simbolismo y la reacción antinaturalista
El simbolismo mantiene los supuestos estéticos del
academicismo neoclásico, pero rompe con su significado.
Los simbolistas
Gustave Moreau (1826-1898) es un gran dibujante y de gran
virtuosismo técnico. La aparición, El rapto de Europa, Orfeo, Edipo.
Odilon Redon (1840-1916) representa lo mágico, lo visionario y
lo fabuloso. El sueño, El nacimiento de Venus, Las flores del mal.
Pierre Puvis Chavannes (1824-1898) utiliza tintas planas,
subordinadas a un buen dibujo. Bosque sagrado, Musas inspiradoras.
La escultura
Destacan Aristide Maillol (1861-1944), que es el gran maestro de
la escultura simbolista: La noche. Adolf von Hildebrand : Estatua
ecuestre del príncipe regente, Medardo Rosso: Cabeza de niño, EmileAntoine Bourdelle: Hércules arquero.
El individualismo posimpresionista
Los pintores huyen de París buscando el primitivismo del arte.
Las individualidades
Paul Cézanne (1839-1906) utiliza para definir sus figuras las
formas puras: el cono, el cilindro, las esferas, etc. Los jugadores de
naipes, Grandes bañistas, Naturaleza muerta con melocotones.
3
Paul Gauguin (1848-1906) redescubre la geometría y los colores
planos. Se traslada a vivir primero a Pont-Aven y luego a Tahití. Para
él el arte es abstracto por definición. La bella Angele, Los senos de
las flores rojas, El Cristo amarillo.
Vicent van Gogh (1853-1890), sus obras se caracterizan por la
explosión cromática, el trazado sensual de la pincelada gruesa y
larga, los colores muy luminosos, pero también muy tétricos.
Autorretrato, Vaso con girasoles, Los comedores de patatas, La silla de
Vicent, Los girasoles.
Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901), son característicos sus
arabescos y las tintas planas. El baño, Jane Abril con guantes, El
salón de la calle de los molinos.
La escuela de Pont-Aven y los nabís
Desde 1873 la villa de Pont-Aven es frecuentada por los
alumnos de la Escuela de Bellas Artes de París. Sus obras se
caracterizan por el uso libre del color. El color se aplica en grandes
manchas y con tintas planas. Utilizan el cloisonismo, técnica que
consiste en encerrar los colores planos por gruesas líneas negras. El
resultado es una obra altamente decorativa.
Emile Bernard: Bretones bailando en la pradera, Charles Laval:
Autorretrato, Jacob Isaac Meyer Haan: Bretonas tejiendo cáñamo,
Paul Serusier: Naturaleza muerta con escalera.
Los nabís son seguidores de las ideas estéticas de la escuela de
Pont-Aven, pero no pertenecen a la Academia, o son desertores.
Intentaron que el impresionismo se acercase al simbolismo. Utilizan
colores planos, con un gran sentido estético. Tienen una libertad
absoluta a la hora de utilizar el color y las composiciones.
Proyectaron vidrieras y usaron litografías y grabados. Decoraron
teatros, portadas de libros, revistas, trabajando por encargo.
Pierre Bonnard: Retrato de Nathanson y la señora Bonnard,
Edouard Vuillard: Autorretrato, Maurice Denis: Paisaje con árboles
verdes.
La ostentación decorativa modernista
El modernismo no se ocupó de la pintura más que en su
dimensión de escenas decorativa que complementa a la
arquitectura. Trabaja, fundamentalmente, la vidriera y el papel
pintado, así como el cartel para espectáculos.
4
Se caracteriza por el color, la fantasía y la riqueza, con un toque
snob y hortera. El cartel es el otro gran motivo modernista. Sirve para
anunciar los espectáculos, de propaganda política e ideológica y de
anuncio de productos industriales.
Gustav Klimt es el más representativo: El beso, Judith. Alfons
Mucha: Medea, Ramón Casas: etiqueta de Anís el mono, Santiago
Rusiñol: Jardín de Aranjuez, Joaquin Sunyer: Paisaje de Mallorca.
La escultura
Sí destaca, en cambio, el diseño de joyas y muebles y las
porcelanas, en las que sobresalen Lambert Escalé: Busto, y Pierre
Roche.
El siglo XX: Las vanguardias históricas
El hito que inicia la revolución del arte es la exposición universal de
1900 en París. La gente va a ver las máquinas que están expuestas
como si fuesen estatuas. Dos nuevas técnicas están vinculadas al
arte: la fotografía y el cine. Y dos son los motores del nuevo
concepto del arte: lo lúdico y la agresividad autodestructiva.
El fauvismo y la rebeldía del color
El fovismo nace en París en el Salón de Otoño de 1905, donde
un grupo de pintores exponen sus cuadro rabiantes de color.
Los fauvistas
Henri Matisse (1869-1959), sus temas preferidos son el amor y el
lujo, odaliscas y desnudos femeninos. La blusa rumana, Odalisca con
pandereta, Retrato de la raya verde.
Maurice Vlaminck (1876-1958) utiliza colores puros aplicados
con gruesas pinceladas. Retrato de Derain, El puente de Chatou
.
André Derain (1880-1954), sus cuadros presentan pinceladas
gruesas y cortas. Las riberas del Sena, El puente de Westminster .
El expresionismo
El expresionismo pretende conmover, para lo que utiliza la figura
y el trazo violento.
5
Las individualidades
Edvard Munch (1863-1944) en sus cuadros reflejan melancolía y
simbolismo, entristeciéndolos con colores apagados y sombríos,
logrando un ambiente fúnebre. El grito, Baile de la vida, La muchacha
moribunda, Vampiro.
James Ensor (1860-1949) presenta cuadros más alegres pero
deformes. El asombro de la cámara de Wouse, La máscara y la muerte.
Georges Rouault (1871-1958). Encierra los colores con gruesas
líneas negras a la manera cloisonista. Crucifixión, El divino rostro, El
viejo rey.
Amadeo Modigliani (1884-1920), sus obras son de gran
simplicidad, con las formas y las líneas estilizadas y los colores
puros. Desnudo acostado.
Óscar Kokoschka (1886-1980), más por los gestos y la postura de
sus figuras en los cuadros que por su técnica. La novia del viento,
Puerto de Marsella.
Las escuelas
Die Briucke (El Puente) es la escuela más destacada del
expresionismo alemán. Son artistas comprometidos con la
situación social y política de su tiempo. Les impacta mucho la primera
guerra mundial, de la que ejercen como cronistas. Ernst Ludwig
Kirchner: Mujer del busto desnudo con sombrero, Erich Heckel :
Mujer dormida, Emil Nolde: Bailarinas de las velas.
Der Blaue Reiter (El Caballero Azul): su importancia reside, más
que como grupo, en que sus componentes evolucionan
rápidamente hacia otras formas, expresionistas y abstractas. Vasily
Kandinsky: El caballero azul, Paul Klee: Frutas con fondo azul.
La escultura
El expresionismo escultórico posee una honda fuerza emocional y
un profundo sentido social. Ernest Barlach: Hombre en el cepo.
El cubismo
El cubismo es el movimiento más transcendental de todas las
vanguardias históricas. A partir del cubismo el concepto de arte y de
belleza cambia radicalmente. Hará un replanteamiento de la obra
6
de arte, de lo que son las formas, la luz, la perspectiva, el movimiento,
el volumen, el espacio, el color, etc.
En el cubismo se distingue, tres etapas, el cubismo cezaniano, el
analítico y el sintético. Tras la época clásica aparecen tres escuelas:
la Sección Áurea, el orfismo y el purismo.
Los cubistas
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura central del
cubismo, y uno de los grandes genios del arte universal. Las señoritas
de Aviñón, marca el comienzo del cubismo. Mujer del abanico, La fábrica
de Horta del Ebro, Las meninas y El Guernica.
Georges Braque (1882-1963) es el otro gran creador del
cubismo. Naturaleza muerta en mesa de árbol, Casas en el estanque, El
portugués, Ceret: los tejados.
Juan Gris (1887-1927), su cubismo es sintético y coloreado. Las
tazas de té, La celosía, Vaso y paquete de tabaco, El lavabo.
Sección Áurea: Marcel Duchamp; Retrato de jugadores de
ajedrez, Frenand Leger; Jóvenes en un interior, Desnudos en el bosque.
Orfismo: Robert Delaunay; Campo de Marte: la torre Eiffel roja,
Francis Picabia; Procesión en Sevilla. Purismo: Amédée Ozenfant;
Naturaleza muerta, Vida.
La escultura
Sus esculturas se caracterizan por la intersección de planos y
volúmenes, y la descomposición de las formas. El cubismo
descubre el hueco como elemento escultórico.
Alexandre Archipenko: Torso negro, Cabeza. Constantino
Brancuçi: La columna sin fin, Julio González: Mujer peinando sus
cabellos, y Pablo Gargallo: El profeta, Bailarina.
El futurismo
El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza
como tal, en 1910 a través del Manifiesto futurista. Se busca el
escándalo. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Sus obras
se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la
representación del movimiento y la velocidad.
7
Los futuristas
Umberto Boccioni (1882-1916) intenta representar los estados
anímicos y el movimiento. Dinamismo de un ciclista, Dinamismo de
una cabeza de hombre.
Carlo Carrá (1881-1966) quedará fascinado por la tecnología y los
espectáculos nocturnos. Idolo hermafrodita,Lo que me dijo el tranvía.
Giacomo Balla (1871-1957) investigó los problemas de la luz y
el color. Los ritmos del arco, Dinamismo de un perro con correa, Niña
corriendo en un balcón.
Los escultores
En las esculturas futuristas se intentará representar el
movimiento. Umberto Boccioni: Síntesis del dinamismo humano,
Vládimir Tatlin: monumento para la III Internacional.
Las pinturas naíf y metafísica
La pintura naíf se presenta como fruto de la intuición personal,
suelen ser pintores autodidactos que representan escenas pintorescas
del campo o lugares salvajes, de ahí su ingenuidad.
La pintura metafísica, por el contrario, es la representación
estudiada del mundo onírico. Su carácter estático la enfrenta con el
futurismo.
Los pintores
Henri Rousseau: La encantadora de serpientes, La gitana dormida,
Camile Bombois: El atleta foráneo.
Giorgio Chirico, sus obras se caracterizan por la geometría
arquitectónica, los volúmenes sencillos, y los climas oníricos. Sus
obras desprenden soledad, potenciada con las figuras de maniquíes y
estatuas: Héctor y Andrómaca.
Dadá
Este movimiento es más internacional. Más que una estética es una
actitud ante el arte. El azar es uno de los motores de inspiración del
arte dadá: el ready-made. Este concepto será transcendental en el
arte moderno. Protagoniza numerosas actividades escandalosas. El
centro del arte comienza a desplazarse primero a Londres y luego a
Nueva York.
8
Los dadaístas
Marcel Duchamp (1887-1968) crea el ready-made. LHOOQ, La
casada desnudada por sus célibes, La fuente urinario, El secador de
botellas, Rueda de bicicleta.
Hans Arp (1887-1966) no posee la agresividad de sus compañeros
pero sí más humor. Llamas cantantes, Bosque, Flor-martillo, Contracentauro.
Francis Picabia (1897-1953) fue el pintor más desconcertante de la
época. Los centímetros, Plumas, El ojo cacodilato, Máquinas, Girad
veloces.
El surrealismo
Se considera a André Breton como el creador del movimiento
surrealista. La obra nace del automatismo puro, del dictado del
pensamiento subconsciente con exclusión de todo control ejercido
por la razón, al margen de cualquier preocupación moral o estética. Lo
erótico está permanentemente presente.
Los surrealistas
Salvador Dalí (1904-1989), sus cuadros presentan figuras
imposibles fruto de su imaginación y de su prodigioso virtuosismo
para dibujar. Canibalismo otoñal, La persistencia de la memoria, La
última cena.
Joan Miró (1893-1983) es el máximo representante del
surrealismo abstracto. Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con
colores puros y tintas planas. Mano agarrando a un pájaro, La estatua,
Mujeres y pájaro al claro de luna, Noche y día (mural para la UNESCO).
Max Ernst (1891-1976). Utiliza la técnica del frottage. Katharina
ondulada, La primera palabra límpida, Napoleón en el desierto, Tentación
de san Antonio.
René Magritte (1898-1967) provoca el choque emotivo del color
aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos
inverosímiles y, en contrasentido. Noche de Pisa, Tiempo pasado, El
demonio encantado, El Siglo de las Luces.
André Masson (1896-1987) analiza la estructura del objeto para
convertirlo en una elucubración intelectual. Dibujo automático,
Desnudo, Ánfora.
9
La abstracción pura
La abstracción pura, o no figurativa, es el culmen ideal del arte.
Toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la
abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra
de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la
idea, con el concepto y la belleza.
Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte
abstracto. Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación.
El rayonismo
El rayonismo es en realidad el último estadio del futurismo. Sin
embargo, difícilmente se observa en él figura alguna. Mijaíl Larionov:
Rayonismo rojo, y Natalia Goncharova: La electricidad, Bosque verde.
El suprematismo
Kasimir Malévich es el inventor del suprematismo, que se
caracteriza por las figuras simples y los colores planos. Cuadrado
blanco sobre fondo blanco, y la serie de pintura suprematista.
El neoplasticismo
Piet Mondrian máximo representante del grupo De Stijl (El
Estilo). Su estética se conoce con el nombre de neoplasticismo o
constructivismo. Sus obras se caracterizan por las formas
ortogonales, las líneas gruesas y los colores planos. Composición nº1,
nº3, nº5. Theo van Doesburg: Composición XII.
El expresionismo abstracto
El cuadro se convierte en una masa informe de color y líneas.
Paul Jackson Pollock: Ojos en la cabeza, Catedral, Georges
Mathieu: Capetos por todas partes.
El informalismo
En el informalismo se pone de relieve la expresividad de los
materiales, sin necesidad de figuración. Ántoni Tapies: Pintura
abstracta, Cornelis van Beverloo: Juego del sol en las olas.
El op-art y el arte cinético
El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético
es más bien escultórico.
10
Op-art: Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Briget Riley: Current,
Jeffrey Steele: La volta, Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia.
Arte cinético es la escultura del movimiento, los móviles: Laszlo
Moholy-Nagy: Moduladores del espacio, Man Ray: Objeto de
construcción, Alexánder Rodchenko: Construcciones colgantes, Marta
Boto: Rotaciones cinéticas, y Alexander Calder: Móvil estable.
Escultura abstracta
La abstracción en escultura persigue los mismos fines que en
la pintura, aunque difícilmente pueden reconocerse lo mismos estilos.
Georges Vantongerloo: Relación de volúmenes, Antón Pévsner:
Proyección en el espacio, Construcción cinética, Naum Gabó: Cabeza de
mujer.
http://club.telepolis.com/pastranec/rt63.htm
11