Jacob Van Campen

1. Jacob Van Campen
Biografía:
Arquitecto clasicista y pintor holandés nacido en Haarlem. Poseedor de una cuantiosa fortuna heredada
de sus padres, no recibió una formación específica como arquitecto, aunque en su estancia en Italia (16151621), entró en contacto con Vincenzo Scamozzi, cuya obra había seguido a través de libros de grabados.
Su estilo urbano está caracterizado por el empleo del ladrillo combinado con piedra y por un sencillo uso
de pilastras. Sus edificios más importantes son, la Casa Coymans (Amsterdam, 1624), la casa Mauritshuis
(la Haya, 1635), la iglesia de Santa Ana (Haarlem, 1645), construida junto a la torre diseñada por Lieven
de Key en 1613; el Ayuntamiento, actualmente Palacio Real (Ámsterdam, 1665) y las remodelaciones del
Orfanato Municipal (Ámsterdam, 1635) y del Palacio Noordeinde (la Haya, 1640). Jacob Van Campen
murió en la ciudad holandesa de Randenbroek en 1657.
Palacio Real de Ámsterdam
Palacio Noordeinde en la Haya
Pietro da Cortona. Pietro Berrettini
Nacionalidad: Italia
Cortona 1596 - Roma 1669
Pintor y arquitecto
Estilo: Barroco Italiano
Escuela:
Obras: 2
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Alfabético
Cronológico
Galería
Aunque su verdadero nombre es Pietro Berrettini, es conocido universalmente por el
lugar en que nació en noviembre de 1596, Cortona, una pequeña localidad de la Toscana.
A los dieciséis años, marchó a Roma, en donde se convirtió en discípulo del artista
Baccio Carpi. Tras unos años de dificultades, su consagración vendría de la mano de su
"Triunfo de Baco", hoy en la Pinacoteca Capitolina de Roma, y de una serie de obras de
asunto mitológico. Este hecho hizo que lograra, asimismo, una serie de encargos de
tema religioso para la Iglesia, en especial los frescos de Santa Bibiana, realizados entre
1624 y 1626. Sin embargo, la obra capital de este periodo es la decoración de la bóveda
del salón del palacio del Cardenal Barberini, su protector, que lo fue también de otros
pintores como Nicolas Poussin. De la serie de pinturas de esta obra, que le ocupó de
1636 a 1639, es destacable la de "El Triunfo de la Divina Providencia". Al año siguiente,
y hasta 1647, marcha a Florencia, para ponerse bajo el mecenazgo de los Médicis. Allí
trabaja en la decoración de la Camera della Stufa y los salones del Palacio Pitti. Su
mayor virtud fue revolucionar la pintura al fresco decorativa del Barroco, a partir de sus
efectos de perspectiva vista desde abajo y del elaborado juego de luces. Su estilo es la
creación de efectos ilusorios en la contemplación de las bóvedas. La impresión lograda
con la unión de guirnaldas, figuras alegóricas, estucos y escenas separadas por grisallas
es sumamente suntuosa. Este estilo es el que se impondrá en el norte de Europa. Vuelto
a Roma, pintó una serie de frescos para el Palacio Pamphili y se dedicó a la
construcción y decoración de diversas iglesia.
Pintor y arquitecto italiano cuyo nombre verdadero era Pietro Berrettini, uno de los pintores más
destacados del barroco en el siglo XVII. Nació el 27 de noviembre de 1597 en Cortona, estudió pintura en
Florencia y en 1613 se estableció en Roma, donde permanecería durante el resto de su vida. Las obras
más importantes de Cortona son frescos ilusionistas, una de las manifestaciones favoritas del arte barroco.
Hasta entonces, las pinturas de las bóvedas se habían dividido en compartimentos o secciones, cada una
representando una escena o episodio particular. Cortona, en su enorme fresco Alegoría de la Divina
Providencia y el poder Barberini (1633-1639) para el gran salón del Palacio Barberini en Roma, libera a
la pintura de sus compartimentos restringidos desplegando las escenas dentro de una gran composición
unificada que se desarrolla a cielo abierto. De este modo, destaca el movimiento, el colorido y un gran
sentido de profundidad. Como arquitecto, Cortona realizó diversas iglesias romanas, como Santa Maria
della Pace (1657). La fachada tiene un pórtico semicircular entre dos alas cóncavas, creando un efecto
escenográfico propio del barroco. La pintura de Cortona influyó en la evolución del arte europeo del siglo
XVIII, del mismo modo que su arquitectura influyó en su contemporáneo Gian Lorenzo Bernini.
Santa
lucas y martina
Santa maria Della pace
Francesco Borromini
Francesco Borromini fue uno de los arquitectos italianos más importantes del siglo
XVII. Su auténtico apellido era Castelli, que cambió luego por el de su madre,
Borromini. Nació el 25 de septiembre de 1599 en Bissone, junto al lago Lugano. Su
padre era cantero, heredando él este oficio, y trabajando en Milán como tallista de
mármol entre 1608 y 1614. En este último año se traslada a Roma, donde empieza a
trabajar al amparo de Carlo Maderno, pariente de su madre.
Borromini fue un arquitecto profesional que conocía todos los secretos de la misma por
propia práctica. Su vida se encuentra marcada por el constante conflicto con Bernini, al
cual asiste hasta 1633, realizando sus grandes obras desde esta fecha hasta su muerte.
Era de carácter huraño y solitario, contando con escasos amigos, como el marqués de
Castel Rodrigo, el cardenal Spada y el pintor Poussin. Su vida fue bastante atormentada,
suicidándose en 1667 como describió Plutarco que lo había hecho Catón el Joven,
filósofo estoico. Esta filosofía es en la que habría que inscribir la personalidad de este
artista, influida por un pensamiento muy rigorista.
La arquitectura de Borromini fue considerada despectivamente por sus contemporáneos
más afectos al clasicismo como gótica, de mal gusto y falta de respeto al lenguaje
canónico de los ordenes; es bizarra y anticlásica, antinormativa. Esta fama peyorativa se
extenderá casi hasta nuestro siglo.
San Carlo alle Quatro
Fontane (1634-1641)
El primer trabajo
importante de Bernini es
San Carlo alle Quatro
Fontane, realizado entre
1634 y 1641. Esta obra
es encargo de la orden de
los Trinitarios Descalzos
de San Juan de Mata,
orden española dedicada
a la redención de
cautivos, la cual habían
adquirido un pequeño
solar en la colina del
Quirinal romano donde
han de erigirse la
residencia, el templo, la
portería y el jardín. La
obra es financiada por un
amigo de Borromini, el
marqués de Castel
Rodrigo.
El convento es lo
primero en ser
construido, realizándose
entre 1634 y 1637. Los
materiales usados son
pobres, como el ladrillo
estucado y pintado,
materiales en los que
Borromini se encuentra
muy cómodo, siendo un
perfecto conocedor de la
técnica del agramilado.
Las ventanas se
encuentran distribuidos
mediante mesenas que
reticulan el muro. En esta
fachada se muestra su
sentido anticlásico al no
utilizarse columnas,
pilastras ni ordenes.
La puerta se halla
guarnecida por pilastras
cajeadas dispuestas al
bies, perpendiculares al
muro, coronadas por un
frontón curvado. Esto se
encuentra basado en
experiencias propias
realizadas en San Pedro
del Vaticano y el palacio
Barberini. También las
formas escultóricas se
encuentran sometidas a
las formas
arquitectónicas, como el
querubín cuyas seis alas
se adaptan a servir de
base.
El claustro es oblongo,
usando esquinas
achaflanadas convexas.
Las columnas se
encuentran pareadas
alternando tramos largos
con cortos y arcos con
entablamentos,
generando una variedad
visual y un ritmo que
evita la sensación de
agobio creada por la
estrechez del patio y la
escasa iluminación. El
ritmo se hace más
diáfano en el piso
superior adintelado y con
una balaustrada. Aquí
vemos el uso de una
tipología de origen
lombardo.
La iglesia es su siguiente
trabajo tras el convento y
el claustro, realizándose
entre 1638 y 1641. Esta
es la segunda iglesia
barroca de planta
centralizada tras San
Martino e Luca, siendo
sus plantas bastante
similares y constituyendo
San Carlo casi una
variación oblonga,
adaptada a la reducida
superficie. Esta se trata
de un rombo equilátero,
figura sobre la que se
genera todo el espacio
del templo, y sobre esta
figura se generan una
serie de espacios que no
son rectilíneos sino
curvos. En ella se plantea
un modelo geométrico
modular frente al
modular aritmético de los
ordenes clásicos,
recurriendo Borromini a
figuras a partir de las
cuales se generan
espacios. Este sistema se
encuentra inspirado en la
tradición de los canteros
medievales, asimilada
por Borromini a través
de su formación en los
talleres milaneses y quizá
de aquí derive el juicio
peyorativo de los adeptos
al clasicismo.
El muro se articula por
medio de columnas,
usando ritmos de
diferente
intercolumnado. Todos
los pies derechos tienen
continuidad en las
cubiertas. De mano
también de Borromini
vemos el uso de
casetonamientos
procedentes de la
antigüedad, usando
criterios de perspectiva
ilusionista para crear una
sensación de bóveda de
cañón más profunda,
decreciendo su tamaño
hacia su vértice. Los
casetones de la cúpula
repiten cruces griegas,
emblema de la orden de
los Trinitarios, y
octógonos, que también
reducen su tamaño hacia
su cenit, pareciendo la
cúpula más alta para el
espectador. Otro factor
que contribuye a esta
sensación es la luz
procedente de unos
tragaluces situados en el
tambor de la cúpula,
ocultos a la vista por una
crestería o angrelado
formado por pomos y
hojas de acanto,
privativas estas de la
corona de marqués.
Convento de los
Oratorianos (16371643)
El siguiente trabajo que
aborda por influencia del
cardenal Virgilio Spada
es la fachada y convento
de los Oratorianos en
Roma, trabajo que
comienza en el año 1637
y concluye en el 1643.
Los Oratorianos son una
orden nacida durante la
Contrarreforma, fundada
por San Filipo Neri, y
que considera que la
música es una manera de
mover a la piedad. La
iglesia aneja al convento
es Santa Maria en
Vallicella, ejemplo de la
tipología
contrarreformista.
La fachada cubre todo el
frente del convento y da
acceso al oratorio,
enmascarando una serie
de diferentes edificios.
La fachada se encuentra
curvada, siendo cóncava,
dando una sensación de
dinamismo. También se
introducen otras
novedades como los
caprichos en los remates
de las ventanas. Sin
embargo también utiliza
los ordenes, como las
pilastras gigantes. El
orden usado en el piso
inferior es caprichoso y
borrominiano, mientras
que el utilizado en el
superior es más clásico.
Estos dan cierta variedad
al muro. En el piso
inferior una convexidad
destaca en la parte
central, sosteniendo un
balcón cóncavo en el
piso superior. Los tres
tramos centrales se
encuentran destacados
por un frontón
miscilíneo.
La obra se encuentra
construida en ladrillo
estucado y visto, lo cual
nos muestra la modestia
de las ordenes que
encargaban sus trabajos a
Borromini. En la parte
principal del convento se
repiten los motivos
decorativos vistos en
Cortona, como la doble
voluta y la utilización de
merlones
descontextualizados.
El interior del oratorio es
un espacio oblongo en el
que se trata de evitar las
esquinas, achaflanadas
de manera cóncava,
transmitiendo una
sensación de continuidad
mural. La cubierta es una
bóveda de artesa cruzada
por una serie de tirantes
que no son más que la
continuación en la
cubierta de las pilastras
del muro. Estos tirantes
van a comunicar los
diferentes paños de
pared, creando en el
techo una especie de
diagrama geométrico
formado por rombos. El
acabado se encuentra
realizado en estuco
blanco, con la excepción
de algunos toques
dorados para destacar
algunos detalles de la
estatuaria,
completamente integrada
en la arquitectura. En el
interior el muro juega
con la alternancia de
lados cortos y largos.
El diseño de Borromini
se aprecia también en las
dependencias. La
chimenea francesa tiene
una planta encurvada que
recuerda a una tienda de
campaña y en ella
aparecen detalles
decorativos simbólicos
como las flores, símbolo
de la castidad. El uso de
las guardamalletas es
similar al que vemos en
el baldaquino de San
Pedro, en el cual
colaboró.
Santa Maria dei Sette
Dolori (1642-1643)
Entre las dos obras
anteriores Borromini
realizó entre 1642 y 1643
la iglesia de Santa Maria
de los Siete Dolores, una
pequeña capilla.
Esta puede ser
considerada como una
simplificación de San
Carlos. Borromini
vuelve a jugar aquí con
la creación de espacios
plásticos que se
agrandan. La figura
geométrica a partir de la
que se genera es un
rectángulo, matando los
ángulos con
concavidades.
Borromini realizaba
modelos de sus obras en
cera y barro, lo cual nos
acerca a la plasticidad y
morbidez de las que
hacen gala sus obras.
Sant’Ivo della
Sapienza (1642-1660)
El otro trabajo que
acomete Borromini es
Sant’Ivo della Sapienza,
capilla de la universidad
de Roma, construida a
finales del siglo XVI por
Ligorio y Della Porta.
Borromini realizara la
capilla entre 1642 y
1660, encargo éste fue
obtenido por Borromini
gracias a la influencia de
su amigo el cardenal
Spada.
Esta capilla tiene una
planta centralizada
generada a partir la
intersección de dos
triángulos equiláteros
que crean un hexágono,
una celdilla de abeja que
alude el escudo del papa
Barberini. A este
hexágono se le
intersectan también una
serie de círculos que
generaran una serie de
formas espaciales,
alternando espacios
cóncavos y convexos.
La cúpula es muy
caprichosa,
encontrándose concebida
para el interior y
enmascarada al exterior.
Esta cubre el cuerpo de
la iglesia sin un rasgo
estructural de transición,
continuando la forma de
estrella del plano,
abriéndose en la base de
cada segmento una gran
ventana. Las líneas
verticales de las pilastras
se continúan en las
molduras doradas de la
cúpula que repiten y
acentúan la división
tripartita en vanos de
abajo. A pesar de la
fuerte barrera horizontal
del entablamento, las
tendencias verticales
tienen una fuerza
tremenda. Al ir
elevándose los sectores
de diversas formas de la
cúpula, los contrastes
disminuyen
gradualmente hasta que
el movimiento descansa
bajo la linterna en la
forma pura del círculo,
decorada con doce
grandes estrellas.
La entrada principal de
Sant’Ivo se abre al final
del patio construido por
Della Porta. Al exterior
la estructura abovedada
se compone de cuatro
partes diferentes.
Primero un tambor alto,
hexagonal de enorme
peso que neutraliza por
su proyección convexa el
retroceso cóncavo de la
fachada de la iglesia en
el cortile, dividiéndose
cada uno de los lados en
dos vanos pequeños y
uno grande. En los
puntos donde los dos
sectores convexos se
encuentran, el orden está
reforzado aumentando la
sensación de vitalidad y
tensión. Sobre este
tambor se asienta una
pirámide escalonada,
dividida por vigas como
contrafuertes que se
apoyan en los puntos
reforzados. La pirámide
esta coronada por una
linterna con dobles
columnas entrantes
cóncavos entre ellas.
Todo el conjunto se
remata con una escultura
espiral monolítica que
nos recuerda a los zigurat
mesopotámicos. En el
exterior también vemos
motivos decorativos de
montañas y estrellas que
hacen referencia al
escudo de Alejandro
Chigi.
Sant’Agnese (16531655)
El siguiente trabajo de
Borromini es la
intervención, también
frustrada, en la iglesia de
Sant’Agnese. Esta se
encontraba en la Piazza
Navona, situada en el
antiguo circo de
Domiciano, donde los
Pamphili tenían su
palacio, siendo la capilla
de esta familia. Los
Pamphili pretendían
mostrar a través de esta y
otras obras el poder e
influencia de la familia.
La obra fue iniciada por
Girolamo y Carlo
Rainaldi en 1652, que
serían apartadas de ella
en 1653, haciéndose
cargo de ella Borromini
hasta 1657, año en la que
la retoma Carlo Rainaldi.
Éste es un edificio
centralizado que trata de
reproducir en parte el
concepto original de San
Pedro del Vaticano. La
planta se encuentra
generada a partir de un
cuadrado al que se abren
cuatro brazos, creando
una cruz inscrita.
En su plan original,
Borromini pretendía
hacer una obra más
bizarra e ingeniosa,
complementando la
fachada de la iglesia con
intervenciones en el
palacio anejo de los
Pamphili, con frontones
huecos y caprichos en los
cuerpos de las ventanas.
La parte inferior de la
fachada es la atribuida a
Borromini, que aquí se
esfuerza en crear una
fachada en la que se
integren la cúpula, la
fachada oblonga y las
torres, buscando resolver
los problemas planteados
en el Vaticano. La
fachada encurvada crea
una sensación de
dinamismo adelantando
las torres y retrotrayendo
la fachada, lo cual
permite la percepción de
la cúpula que se enmarca
entre las dos torres. Así
mismo, las pilastras de la
cúpula encuentran su
continuación en los
soportes de la parte
inferior, dando una
sensación de unidad y
continuidad al conjunto
del edificio.
San Juan de Letrán
(1646-1649)
Inocencio X financia
grandes obras en San
Juan de Letrán,
encargándose estas a
Borromini. Esta es una
construcción
bajorromana, de planta
basilical con un transepto
bastante marcado y una
capilla principal poco
profunda.
Esta reforma busca es un
reforzamiento de la
estructura de la basílica y
una puesta al día de la
decoración, siendo
llevada a cabo por
Borromini entre 1646
y1649 de una manera
muy caprichosa, teniendo
como única imposición
la de no modificar el
artesonado de madera del
techo, de Danelle de
Volterra, el cual en un
principio pretendía
abovedar. Borromini
hizo macizo uno de cada
dos intercolumnios con
el fin de crear un ritmo
más movido, utilizando
pilastras de orden gigante
y creando nichos. El
capricho y la invención
se pueden apreciar en
detalles decorativos
como las ventanas
ovaladas. Los materiales
utilizados son humildes,
como ladrillos y estuco.
Cúpula y campanile
de Sant’Andrea delle
Frate (1653-1665)
Esta era una iglesia
clasicista manierista que
se encontraba sin rematar
en su cúpula y
campanario, obra de la
cual se ocupa Borromini.
El campanario es muy
caprichoso y heterodoxo,
con cornapuntas,
movimientos del
entablamento,
cariátides... en una
concepción enteramente
orgánica de la
arquitectura.
Colegio de
Propaganda Fide
(1654-1664)
El Colegio de
Propaganda Fide era el
seminario de los jesuitas
en Romas, lugar donde
se formaban los
misioneros destinados a
propagar la fe católica.
Éste fue construido por
Borromini entre 1654 y
1664, constituyendo una
obra tardía dentro de su
producción. La
importancia esta obra es
grande al ser un encargo
de la orden de los
jesuitas y también al
encontrase en ella la
Capilla de los Tres Reyes
Magos.
En esta capilla había
intervenido
anteriormente Bernini,
pero es modificada de
acuerdo con los criterios
borrominescos. El
interior se nos muestra
como muy similar a
Santa Maria de los Siete
Dolores y otras obras. Un
detalle muy anticlásico
son las ventanas que
rompen el paño del muro
y aportan diafanidad a
éste, llegando a cortar el
entablamento hasta llegar
a la cornisa. Éste será un
gran avance para la
experimentación espacial
posterior.
La bóveda se articula por
medio de nervaduras que
sirven para coordinar las
pilastras de un muro con
el de enfrente, creando
una unidad coordinada
del conjunto
constructivo. La bóveda
de artesa se articula
mediante triángulos y
rombos que se
multiplican y subdividen,
dándole un aspecto
gótico.
La fachada es de una
enorme personalidad y
juega con los mismos
elementos perspectivos
que el Oratorio,
utilizando el movimiento
de planos a través de la
curvatura. El piso
superior es un añadido de
principios del siglo
XVIII, acabándose
originalmente con una
reja en el piso superior.
La fachada se organiza,
al igual que el interior,
mediante pilastras sin
capiteles, recibidas
directamente a la cornisa.
Los motivos decorativos
de las ventanas juegan
con las encurvaturas y
adornos manieristas,
contrastando las ventanas
con la estaticidad de las
pilastras. En la parte
principal se utilizan
estípites apilastradas con
remates de molduras
muy vistosos.
Fachada de San
Carlos alle Quatro
Fontane (1665-1667)
El último trabajo de
Borromini es la fachada
de San Carlos alle
Quatro Fontane, dejada
inacabada a su muerte y
finalizada por su sobrino.
La fachada es de clara
tradición toscana,
relacionándose con la de
los Santi Martina e Luca.
La fachada se compone
por tres calles con una
convexidad central
flanqueada por dos
cóncavas y con columnas
adosadas al muro.
En el piso inferior se
encuentra la estatua de
San Carlos Borromeo
flanqueado por otras dos
estatuas, encontrándose
estas subordinadas a la
arquitectura y claramente
confinadas en el espacio
reservado a ellas. En esta
fachada se hace uso de
los ordenes gigantes y
complementarios.
Borromini pretendía
originalmente rematar el
conjunto con un frontón,
pero queda finalmente
con un remate más
simple.
John Vanbrugh
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John Vanbrugh en un retrato obra de Godfrey Kneller
Sir John Vanbrugh (24 de enero de 1664 - 26 de marzo de 1726) fue un arquitecto y
dramaturgo inglés, famoso por haber sido el diseñador del Palacio de Blenheim.
Escribió dos polémicas comedias de la literatura de la Restauración inglesa, The
Relapse (1696) y The Provoked Wife (1697) que se siguen representando en los
escenarios, a menudo rodeadas de controversia.
Vanbrugh fue en muchos aspectos un radical a lo largo de su vida. De joven, siendo un
confiado whig, formó parte de la trama para derrocar al rey Jaime II de Inglaterra y
coronar a Guillermo III de Inglaterra, protegiendo así la democracia parlamentaria
inglesa. Estas actividades peligrosas le llevaron hasta la prisión de la Bastilla en París
como prisionero político. En su carrera de dramaturgo, ofendió a diversos sectores de la
Restauración y de la sociedad del siglo XVIII, no sólo por el carácter abiertamente
sexual de sus obras, sino también por su mensaje en defensa de los derechos de la mujer
dentro del matrimonio. Fue atacado por ambas cosas, y fue uno de los primeros
objetivos del panfleto Short View of the Immorality and Profaneness of the English
Stage. En su carrera arquitectónica, creó lo que se ha conocido como el barroco inglés.
Su trabajo como arquitecto fue tan atrevido como su activismo político y sus obras de
temas matrimoniales, y recibió numerosas críticas procedentes de los sectores más
conservadores de la sociedad.
Tabla de contenidos
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1 Primeros años
2 Activismo político
3 Vida pública
o 3.1 Londres
o 3.2 El club Kit-Cat
o 3.3 El teatro Haymarket
o 3.4 Matrimonio y muerte
4 Obras
o 4.1 Teatro
 4.1.1 The Relapse
 4.1.2 The Provoked Wife
 4.1.3 Cambios en el público
o 4.2 Arquitectura
 4.2.1 Castillo de Howard
 4.2.2 Palacio de Blenheim
 4.2.3 Seaton Delaval Hall
o 4.3 Reputación como arquitecto
5 Legado
6 Véase también
7 Notas
8 Enlaces externos
9 Referencias
o 9.1 En inglés
o 9.2 En español
Primeros años [editar]
Vanbrugh nació en Londres y creció en Chester, ciudad en la que su familia se había
refugiado huyendo de la plaga de peste que azotó la capital en 1665.1 Kerry Downes
duda de que las informaciones dadas por algunos historiadores anteriores sobre el
origen humilde de Vanbrugh sean ciertas y da como ejemplo el dato sobre la profesión
del padre del autor. Las biografías del siglo XVIII indican que el padre de Vanbrugh era
un confitero (en inglés, Sugar-baker). Según Downes, este dato se ha malinterpretado.
En inglés, ese término no sólo hace referencia a la persona que fabrica dulces sino que
también puede referirse al dueño de una casa de azúcar, un tipo de fábrica para el
refinado del azúcar en caña que existía en Barbados. El refinado del azúcar se solía
combinar con el comercio del mismo, lo que lo convertía en un negocio muy lucrativo.
Esto modifica la idea del origen humilde de John Vanbrugh.
No se conocen datos sobre la vida de Vanbrugh entre 1682 y 1686. No existe ninguna
evidencia que pruebe que estudió arquitectura en Francia como indica el Dictionary of
National Biography. Tal y como apuntó Laurence Whistler sesenta años más tarde, un
hombre de su talento no tenía necesidad de trasladarse hasta Francia para estudiar. Es
más, los primeros bocetos del Castillo de Howard en 1700 mostraban el trazo de un
principiante; si Vanbrugh hubiera estudiado en Francia, esos dibujos tendrían un
aspecto más profesional.
La idea de que en su juventud tuvo una vida acomodada se refuerza por el hecho de que,
en 1686, Vanbrugh se encargó de una comisión en el regimiento de un pariente lejano,
el conde de Huntingdon. Puesto que conceder las comisiones correspondía al oficial en
jefe del regimiento, la entrada de Vanbrugh demuestra que pertenecía a una familia bien
relacionada, condición indispensable para un joven de la época que empezaba a abrirse
camino.
Hay que señalar que, a pesar de los parientes nobles y de su posible relación con el
comercio del azúcar, Vanbrugh jamás poseyó un capital que le permitiera embarcarse en
proyectos como el del Teatro Haymarket y que siempre dependió de préstamos y
créditos. El hecho de que Giles Vanbrugh, su padre, tuviera doce hijos que mantener
explica, en parte, las numerosas deudas a las que John se enfrentó durante toda su vida.
La prisión de la Bastilla en la que Vanbrugh permaneció encarcelado durante más de
cuatro años
Activismo político [editar]
A partir de 1686, Vanbrugh colaboró de forma clandestina en la trama que organizó la
invasión armada de Guillermo de Orange, el derrocamiento de Jaime II y la Revolución
Gloriosa de 1689. Demostró así su intensa identificación con la idea whig de una
democracia parlamentaria, idea que perduró durante toda su vida.
Al regresar de entregar unos mensajes de Guillermo en La Haya, Vanbrugh fue
arrestado en Calais en septiembre de 1688, dos meses antes de que Guillermo invadiera
Inglaterra. Permaneció encarcelado en Francia durante cuatro años y medio antes de que
fuera liberado durante un intercambio de prisioneros políticos. Una parte de su encierro
lo pasó en la prisión de La Bastilla. Su vida quedó marcada de forma profunda por esta
experiencia carcelaria que le llevó a pasar la mitad de su vida adulta entre rejas
(Vanbrugh estuvo en prisión de los 24 a los 29 años). Aunque la vida en cautividad le
provocó un hastío profundo hacia el sistema político francés, también le proporcionó un
interés especial por los dramaturgos y arquitectos galos.
Tras ser liberado pasó tres meses en París ya que tenía libertad de movimiento pero no
podía abandonar el país. Aprovechó este periodo para visitar elementos arquitectónicos
"sin paralelismo en Inglaterra, por sus dimensiones, ostentación, riqueza, gusto y
sofisticación" (Downes 75). Se le permitió regresar a Inglaterra en 1693 y participó en
una batalla naval contra los franceses en la Bahía de Camaret (1694). En algún
momento de mediados de los años 1690, decidió cambiar su vida en el ejército por los
escenarios londinenses.
Vida pública [editar]
Londres [editar]
La carrera de Vanbrugh en Londres fue variada y diversa: escribió obras de teatro,
realizó diseños arquitectónicos y trató de combinar ambos intereses.
El club Kit-Cat [editar]
Vanbrugh era miembro del Club Kit-Cat, tal vez su miembro más popular y querido,
muy en la línea con su personalidad encantadora y su talento para conseguir amigos. El
Kit-Cat era un punto de encuentro cultural y político de los whigs más destacados del
siglo XVIII, incluyendo a numerosos artistas y escritores, como William Congreve, así
como políticos, como el duque de Marlborough.
Políticamente, el Club promovía los objetivos de los whig de conseguir un Parlamento
fuerte, una monarquía limitada, una clara oposición hacia Francia y la necesidad de
asegurar una sucesión protestante al trono. Downes sugiere en su estudio que los
orígenes del club se remontan más allá de la Revolución Gloriosa y que su importancia
política fue aún mayor antes de que se abriera al público en 1700 y mucho más tranquila
durante la época de los whig. Horace Walpole afirmaba que la mayoría de los miembros
de mediana edad del club, que se definían a sí mismos como "un grupo de talentos",
eran en realidad "los patriotas que salvaron a Gran Bretaña"; en otras palabras, la fuerza
activa que se escondió detrás de la Revolución Gloriosa. Los grupos secretos no suelen
estar muy documentados por lo que estos datos no pueden confirmarse. Pero el propio
Vanbrugh formó parte de la intriga que preparó la invasión de Guillermo II. Si las raíces
del club se remontan hasta entonces, se puede especular que la llegada de Vanbrugh al
Kit-Cat no fue simplemente porque quería formar parte de ese "grupo de talentos" sino
que iba a reunirse de nuevo con sus antiguos amigos conspiradores. A un héroe de la
causa, que además había pasado un tiempo en una prisión francesa, no se le podía negar
una cálida bienvenida.
El Queen's Theatre en Haymarket
El teatro Haymarket [editar]
En 1703, Vanbrugh empezó a comprar tierras y a buscar promotores para la
construcción de un nuevo teatro en la calle londinense de The Haymarket: The Queen's
Theatre. El teatro iba a ser diseñado por él mismo para la cooperativa de actores
liderada por Thomas Betterton. El arquitecto, al igual que su socio William Congreve,
esperaban que esta empresa ayudara a legitimar el teatro en Londres, que había quedado
desplazado por otros tipos de entretenimiento como la ópera, los juegos malabares, la
pantomima, actuaciones de animales, grupos de danza y los recitales de cantantes
italianos. También esperaban obtener un buen beneficio, y Vanbrugh, en un acto de
optimismo, compró la compañía teatral, convirtiéndose en su único dueño. Esto le llevó
a tener que empezar a pagar los salarios de los actores y a dirigir el teatro, tarea
compleja para alguien sin experiencia empresarial.
Sobrepasado por las circunstancias, la gerencia de Vanbrugh mostró "numerosas
muestras de confusión, ineficacia, pérdida de oportunidades y malas decisiones"
(Milhous). El arquitecto terminó malvendiendo el negocio en 1708 sin ni siquiera
conseguir que se la pagara el precio de salida. Invirtió un montón de dinero en esa
empresa, dinero propio y prestado, que no llegó a recuperar jamás. Mientras fue el
propietario, pagó siempre a tiempo los salarios de los actores al igual que siempre pagó
a los obreros que contrataba; este tipo de práctica no era la habitual en la Inglaterra de
principios del siglo XVIII. Vanbrugh tampoco persiguió a los que le debían dinero y
durante toda su vida sus finanzas fueron más bien precarias.
Matrimonio y muerte [editar]
En 1719, John Vanbrugh contrajo matrimonio con Henrietta Maria Yarborough; ella
tenía 26 años y él 55. A pesar de la diferencia de edad, fue un matrimonio feliz que tuvo
dos hijos. Al contrario de la vida de los protagonistas de sus obras, la de Vanbrugh fue
una vida exenta de escándalos. Falleció de asma en 1726 en una modesta vivienda
diseñada por él mismo en 1703, en las afueras de las ruinas del palacio de Whitehall.
Obras [editar]
Teatro [editar]
Vanbrugh llegó a Londres en una época en la que la única compañía teatral de la ciudad
estaba sumida en una serie de escándalos internos, como el conflicto que enfrentaba a
los actores con su director y que terminó con la ruptura de la compañía.
Durante una representación teatral de la obra Love's Last Shift de Colley Cibber,
Vanbrugh consideró que la obra necesitaba una continuación y se animó a escribirla.
The Relapse [editar]
El actor y autor Colley Cibber
Love’s Last Shift
La obra de Cibber Love’s Last Shift se escribió y representó en plena tormenta teatral.
La única compañía de teatro de la capital, la United Company, se había dividido en dos
en 1695 cuando los actores más veteranos decidieron crear su propia compañía, la
Betterton's Company. La siguiente temporada fue de competencia continua entre ambas
sociedades.
Cibber, un joven y discreto actor empleado en la United Company, eligió este momento
para iniciar su carrera como dramaturgo, gracias a la demanda existente de nuevas obras
que representar. Escribió una comedia que incluía un papel pensado especialmente para
que lo interpretara el propio Cibber. La obra fue un éxito así como la interpretación que
hizo el autor del personaje de Sir Novelty Fashion. Love’s Last Shift muestra como un
díscolo marido pone a prueba a su paciente esposa. La virtuosidad de la mujer queda
recompensada con un espectacular final en el que el marido le pide perdón de rodillas.
Fue un éxito de taquilla. Love's Last Shift no se ha vuelto a representar desde el siglo
XVIII y su lectura ha quedado limitada a la de algunos estudiosos.
Su secuela:The Relapse
En The Relapse (La Recaída), ingeniosa secuela que Vanbrugh ofreció a la United
Company seis semanas después del estreno de la obra de Cibber, se cuestionaba si era
justo el papel de la mujer en el matrimonio de la época. La obra de Vanbrugh mostraba
nuevas tentaciones sexuales que no sólo afectaban al marido sino también a la paciente
esposa, y permitía a los personajes actuar de un modo más creíble y menos predecible
que en el contexto original, llevando a los caracteres sin personalidad de Love's Last
Shift hasta una dimensión que algunos críticos consideran psicológica.
La obra estuvo a punto de no estrenarse. La United Company había perdido a todos sus
actores veteranos y tenía graves dificultades para encontrar actores con las cualidades
necesarias para representar The Relapse. Para completar el reparto, se recurrió a algunos
de los actores que habían abandonado la compañía. Se les halagó y compensó
económicamente para que asistieran a los ensayos que duraron cerca de diez meses.
La compañía estuvo a punto de entrar en bancarrota. Pero el estreno de la obra fue un
rotundo éxito que consiguió salvar la United Company; Colley Cibber interpretó de
nuevo el papel principal de esta secuela de su obra, repitiendo también el éxito obtenido
con su interpretación en Love's Last Shift.
The Provoked Wife [editar]
La actriz Elizabeth Barry
La segunda comedia de Vanbrugh, The Provoked Wife (La esposa provocada) llegó
poco después y fue interpretada esta vez por los miembros de la Betterton's Company, la
cooperativa de actores “rebeldes”. Esta obra es muy distinta del gran absurdo de The
Relapse, sobre todo en cuanto al tono; además, el autor la adaptó a las cualidades de los
actores que deberían interpretarla. Vanbrugh disponía de buenas razones para ofrecer
esta vez su obra a la Betterton's Company, que acababan de debutar con gran éxito con
la obra Love For Love de William Congreve. La cooperativa de actores disponía de las
mejores estrellas del momento y Vanbrugh diseñó la obra pensando especialmente en
sus talentos. Mientras que The Relapse podía ser interpretada tanto por actores noveles
como por veteranos, esta vez podía contar con actores de la talla de Thomas Betterton,
Elizabeth Barry y la joven estrella Anne Bracegirdle para que hicieran justicia a sus
personajes, dotándoles de personalidad y carácter.
The Provoked Wife es una comedia, pero Elizabeth Barry, quien interpretó a la esposa,
era especialmente famosa por sus papeles dramáticos y por su poder para “levantar
pasiones”, llevando a la audiencia hasta la tristeza y las lágrimas. Barry y la joven
Bracegirdle habían trabajado juntas otras veces, actuando como un dúo de heroínas
trágico/cómicas que conseguía llevar a la audiencia hasta esa experiencia dual que
tenían las obras de la Restauración. Vanbrugh se aprovechó de este esquema establecido
para conseguir que el público tomara simpatía por la desdichada esposa Lady Brute,
incluso cuando pronunciaba sus ingeniosas respuestas. Tanto en el diálogo íntimo que
se establece entre Lady Brute y su sobrina Bellinda (interpretada por Bracegirdle) como
en la parte inicial en la que interviene el esposo, The Provoked Wife es algo distinta en
su forma a lo que solían ser las obras de la Restauración. La base del argumento, una
esposa atrapada en un matrimonio abusivo que debe decidir entre dejarlo o buscarse un
amante, rompe con algunos de los esquemas de la sociedad de la época.
Cambios en el público [editar]
En 1698, las obras de Vanbrugh atrajeron la atención de Jeremy Collier en su panfleto
Short View of the Immorality and Profánense of the English Stage, especialmente por
considerar que no eran un ejemplo de moralidad al no aplicarse el castigo y la
recompensa adecuadas. Vanbrugh se burló de estas acusaciones y publicó una réplica
jocosa en la que acusaba al reverendo Collier de ser más sensible a las representaciones
teatrales que a la propia religión. Sin embargo, el público estaba cada vez más de parte
de Collier. El carácter intelectual y la sexualidad explícita propia de la comedia de la
Restauración estaba perdiendo aceptación entre el público que se decantaba cada vez
más por dramas con sentencias morales.
Aunque Vanbrugh siguió trabajando para los escenarios de diversas maneras, ya no
escribió ninguna obra más. Con el cambio de los gustos del público, se dedicó a
concentrar sus energías hacia la arquitectura.
Arquitectura [editar]
Castillo de Kimbolton
Aunque se cree que Vanbrugh no tuvo formación como arquitecto, suplió su
inexperiencia gracias a su infalible visión para la perspectiva y a su trabajo junto a
Nicholas Hawksmoor. Hawksmoor, antiguo empleado de Christopher Wren, colaboró
con Vanbrugh en numerosos proyectos, incluyendo los castillos de Howard y de
Blenheim. Durante sus casi treinta años practicando la arquitectura, Vanbrugh diseñó y
trabajó en numerosos edificios. En algunas ocasiones, su trabajo consistió en remodelar
o reconstruir las edificaciones, como en el caso del Castillo de Kimbolton en el que tuvo
que seguir las órdenes dadas por el patrón. Por eso, algunas de estas casas no muestran
las ideas y los conceptos arquitectónicos originales de Vanbrugh.
El estilo elegido por el arquitecto fue el barroco que se había extendido por Europa
durante el siglo XVII gracias a las obras de artistas como Bernini o Le Vau. La primera
casa de estilo barroco construida en Inglaterra fue la Chatswoth House diseñada por
William Talman tres años antes de que se construyera el Castillo de Howard. En la
carrera por conseguir el encargo de Howard, Vanbrugh consiguió de forma asombrosa
desplazar a un profesional como Talman y persuadió al señor de Carlisle para que le
diera esa gran oportunidad de trabajo. Vanbrugh inició la metamorfosis del barroco
europeo de forma sutil, llegando a crear un estilo propio conocido como el barroco
inglés. Tres de los proyectos de Vanbrugh que fueron determinantes en este cambio son:
1. El Castillo de Howard, encargo de 1699
2. El Palacio de Blenheim, encargo de 1704
3. Seaton Delaval Hall, de 1718
Castillo de Howard [editar]
Planos del Castillo de Howard
Charles Howard, tercer señor de Carlisle, miembro del club Kit-Cat, encargó a
Vanbrugh en 1699 que diseñara su mansión, clasificada a menudo como el primer
edificio barroco en Inglaterra. El estilo barroco del Castillo de Howard es el más
europeo de los que utilizó Vanbrugh.
Con sus inmensos pasillos con columnatas segmentadas que unen la entrada principal
con las alas laterales y una torre con cúpula en el centro, su estilo es muy parecido al
clásico barroco europeo. Combina aspectos de diseño que solo aparecen de un modo
ocasional en la arquitectura inglesa. Una fuente de inspiración posible para el diseño del
castillo pudo ser el Palacio de Vaux-le-Vicomte de Francia.
Los interiores del edificio son extremadamente dramáticos. La sala principal se alza
hasta los 24 metros de altura de la cúpula. Abundan las columnas corintias así como la
escayola. Las galerías se unen mediante arcos elevados que dan la impresión de una
gran sala de ópera.
El castillo fue un éxito. Este edificio, sin ningún parecido con otro en Inglaterra, con sus
fachadas y tejados decorados con pilastras, estatuas y ornamentos tallados, puso en
evidencia que el estilo barroco iba a triunfar. Mientras que la mayor parte del castillo de
Howard estuvo terminada en 1709, los retoques finales siguieron durante casi toda la
vida de Vanbrugh. El ala oeste no quedó completada hasta después de la muerte del
arquitecto.
El éxito en este trabajo llevó a Vanbrugh a conseguir el encargo más famoso de su
carrera: ser el arquitecto del Palacio de Blenheim.
Palacio de Blenheim [editar]
Patio central del Palacio de Blenheim
Las tropas del Duque de Marlborough derrotaron al rey Luis XIV de Francia en la
Batalla de Blenheim de 1704. El premio para el duque, como pago de una nación
agradecida, fue una espléndida mansión en el campo. El propio duque escogió a
Vanbrugh, su compañero en el club Kit-Cat, para que fuera el arquitecto de su
residencia. Las obras se iniciaron en 1705.
El palacio de Blenheim fue concebido no sólo como una gran mansión sino también
como un monumento nacional. El estilo barroco ligero que se había utilizado en el
Castillo de Howard no resultaba adecuado para lo que en realidad iba a convertirse en
un memorial de guerra. La casa tenía que mostrar tanto la fuerza como la gloria militar.
En realidad, es más un castillo o una ciudadela que un palacio. Las cualidades del
edificio quedan perfectamente reflejadas por la inmensa puerta este, colocada en el
muro del bloque de servicio, que recuerda la entrada impenetrable a una ciudad
amurallada. La puerta sirve también como torre de aguas, confundiendo así a los críticos
que acusaban a Vanbrugh de ser un arquitecto poco práctico.
Puerta este del palacio que recuerda a la de una ciudad amurallada
Blenheim, la mayor vivienda inglesa no perteneciente a la Casa Real, está compuesto
por tres bloques: un bloque central que alberga las habitaciones destinadas a vivienda y
dos alas laterales construidas alrededor de un patio central. Una de las alas está
destinada a establos mientras que en la otra se sitúan las cocinas, lavanderías y
almacenes. Si el Castillo de Howard fue el primer edificio barroco construido en
Inglaterra, Blenheim es el más perfecto. Se trata de una construcción mucho más sólida,
llena de ventanas altas y monumentales estatuas en los tejados que sirven para dar
ligereza a la inmensa mole de piedra amarillenta.
Las habitaciones situadas en el piso noble se diseñaron para mostrarse magníficas y
poderosas, no para ser cálidas y confortables. Al igual que la comodidad no fue la
intención al construir Versalles, el palacio del enemigo de Marlborough, tampoco se
tuvo en cuenta este aspecto al construir la residencia del duque inglés.
El confort personal se sacrificó en favor de la perspectiva, algo que era habitual en el
siglo XVIII. Las ventanas estaban pensadas para decorar las fachadas así como para
permitir la entrada de luz en el interior. Blenheim fue diseñado como una obra teatral,
desde los 20 metros de alto de la gran sala que llevan al salón de los frescos, diseñados
ambos alrededor de una columna de la victoria de 41 metros de alto, hasta los árboles
plantados siguiendo la formación mantenida en la batalla por los soldados de
Marlborough. Sobre el pórtico sur, una inmensa construcción de muelles y columnas, se
situaba un busto de Luis XIV, forzado a mirar el esplendor del premio por la victoria de
su conquistador. Se desconoce si la colocación de este busto corresponde a una
decoración diseñada por Vanbrugh o a una broma irónica de Marlborough. Sea como
sea, su composición arquitectónica es un ejemplo único de la ornamentación barroca.
En Blenheim, Vanbrugh desarrolló el barroco, pasando de ser meramente ornamental a
transformarse en una forma mucho más sólida, donde la piedra maciza se convierte en
estética. Las grandes puertas con arcadas y el pórtico sólido son decorativos por sí
mismos, y se tuvo más en cuenta el conjunto del edificio que la independencia de cada
una de las fachadas.
Seaton Delaval Hall [editar]
Vista general de Seaton Delaval Hall
Seaton Delaval Hall fue el último trabajo de Vanbrugh. Esta casa de campo está
considerada su obra cumbre arquitectónica. A pesar de que a simple vista la casa no
ofrece aspectos destacados, en la época de su construcción, Vanbrugh era ya un maestro
del barroco y en esta obra llegó al máximo de la sofisticación. Los ornamentos vulgares
fueron disfrazados: las aberturas o las columnas no cumplían solo una función de apoyo
sino que se utilizaban para jugar con las luces y las sombras. La silueta del edificio tenía
la misma importancia, si no más, que el diseño de las habitaciones. En muchos aspectos
de la casa, la delicadeza fue la clave.
Fue construida entre 1718 y 1728 para el almirante George Delaval y reemplazó al
antiguo edificio que existía en ese lugar. Es posible que el diseño de Seaton Delaval
estuviera influenciado por la Villa Foscari de Andrea Palladio, construida cerca de 1555.
Ambas construcciones tienen fachadas rústicas y unas ventanas muy similares en forma
semilunar, así como una puerta de entrada sin pórtico.
El concepto de diseño fue similar al del Castillo de Howard y al de Blenheim: un bloque
central situado entre dos arcadas más dos alas frontales. Sin embargo, Seaton Delaval
tenía que ser concebido a una escala menor. El bloque central contenía, al igual que en
Blenheim y en Howard, las habitaciones principales. Unas torres coronadas con
balaustradas y pináculos dan a la casa un cierto aire de castillo.
Bloque principal del edificio
Seaton Delaval es una de las pocas casas que Vanbrugh diseñó sin la ayuda de Nicholas
Hawksmoor. La sobriedad en sus trabajos conjuntos se ha atribuido muchas veces a
Hawksmoor y, de hecho, Seaton Delaval es una casa algo sombría. Mientras que el
Castillo de Howard podría haberse construido en Dresde o en Wurzburgo, Seaton
Delaval pertenece a los paisajes de Northumberland. La fachada entera se realizó en
piedra rústica, incluyendo la fachada principal, con dos pares de columnas que soportan
únicamente una cornisa de piedra. Las dos columnas son severas y útiles, a la par que
decorativas, ya que no poseen ninguna función estructural. Esta es una de las
características del estilo barroco de Vanbrugh: el ornamento aparece como una muestra
de la fuerza y del volumen.
La fachada del jardín, austera pero perfectamente proporcionada, tiene en el centro un
balcón con cuatro columnas. Aquí, las columnas levemente estriadas parecen un
elemento excesivo. Al igual que en Blenheim, el bloque central está dominado por la
parte superior de la gran sala, que añade dramatismo a la silueta del edificio. Sin
embargo, no hay estatuas que decoren el tejado al contrario de lo que ocurre en otras
construcciones de Vanbrugh. La decoración corresponde a una balaustrada y a las
chimeneas, disfrazadas como remates de la propia balaustrada en las torres más bajas.
La masa de piedra, las columnas de las alas laterales, el pesado trabajo en piedra y las
intrincadas hendiduras consiguen crear un efecto de luz y sombra que supone un
elemento decorativo más.
Reputación como arquitecto [editar]
El rápido triunfo de Vanbrugh como arquitecto se puede atribuir a sus influyentes
amistades. Al menos cinco de sus principales encargos llegaron de manos de algunos de
sus compañeros en el club Kit-Cat. En 1702, gracias a la recomendación de Charles
Howard, Vanbrugh fue designado controlador de los trabajos reales. En 1703 fue
elegido comisario del Hospital de Greenwich que se encontraba en construcción,
sucediendo a Christopher Wren como arquitecto supervisor de la obra. Los pequeños
pero sustanciales cambios realizados por Vanbrugh a la obra final están considerados
como una delicada interpretación de la idea original de Wren. Aunque se había
concebido como enfermería y hostal para marineros retirados, el hospital terminó
convirtiéndose en un monumento nacional. Se dice que el trabajo de Vanbrugh en esta
construcción impresionó de forma notable a la reina Ana y a su gobierno y que este
factor fue determinante en su éxito posterior.
La reputación de Vanbrugh sin embargo siguió siendo atacada, acusándole de
extravagante, poco práctico y de imponer sus propios deseos a los de sus clientes.
Irónicamente, todas estas acusaciones fueron provocadas al ser elegido como arquitecto
de Blenheim. La propia duquesa de Marlborough quería que fuera Wren el arquitecto de
la mansión. Pero una autorización concedida por el conde de Godolphin, el tesorero del
Parlamento, designó a Vanbrugh como arquitecto. Pero en la autorización no aparecía el
nombre de la reina o de la corona, por lo que el estado se pudo desentender del proyecto
al aumentar los costes y los conflictos políticos.
El duque de Marlborough
Aunque el Parlamento había designado una serie de fondos para construir Blenheim, no
se fijó una suma exacta ni se hizo ninguna previsión de la posible inflación. Casi desde
el principio, la llegada de fondos fue intermitente. La Reina Ana pagó algunos de ellos
pero con reticencia, ya que a menudo se enfrentaba con la que había sido su gran amiga,
la duquesa de Marlborough. Tras una discusión entre ambas damas en 1712, la
aportación monetaria por parte del Estado cesó por completo. Se habían gastado
220.000 libras y se debían cerca de 45.000 a los obreros. Los duques de Marlborough
partieron al exilio del que no regresaron hasta después de la muerte de la reina en 1714.
A su regreso, los Marlborough se integraron de nuevo en la corte de Jorge I. El duque
había decidido terminar el proyecto del palacio pagándolo de su propio bolsillo; en 1716
se reanudaron los trabajos con un presupuesto limitado a los fondos del duque.
Vanbrugh estaba desanimado por el recibimiento que los whig estaban dando al edificio,
pero lo peor estaba por llegar; en 1717 el duque quedó incapacitado tras sufrir diversos
infartos y el control pasó a manos de la tacaña duquesa. Lady Marlborough criticó a
Vanbrugh por la extravagancia del palacio y por su diseño general: mientras que tanto
su marido como el gobierno le había dado el visto bueno, a la duquesa le desagradaba.
Para ser justos se debe señalar que el duque había pagado de su bolsillo unas 60.000
libras que, sumadas a las entregadas por el Parlamento, servían para construir una casa
monumental.
Tras diversas reuniones con la duquesa, Vanbrugh abandonó la obra, alegando que los
obreros, carpinteros y artesanos que se habían contratado tenían menos habilidades que
los que él había empleado al inicio de la obra. Los principales artesanos rechazaron
seguir trabajando con los bajos sueldos que pagaban los Marlborough. Los artesanos
contratados por la duquesa completaron el trabajo imitando a la perfección a los grandes
maestros, por lo que tal vez existió una cierta intransigencia por ambas partes durante
esta famosa discusión.
Vanbrugh quedó muy afectado por estos sucesos. Los rumores que circularon afectaron
su reputación y el palacio que había consolidado con tanta insitencia le fue vedado. En
1719, mientras la duquesa se encontraba fuera de su casa, Vanbrugh consiguió ver el
palacio de forma secreta; pero cuando intentó realizar una visita junto a su esposa en
1725, entrando como una persona más del público, le fue prohibida la entrada, incluso a
los jardines. El palacio fue terminado por el ayudante de Vanbrugh, Nicholas
Hawksmoor.
Las críticas que recibió el trabajo de Vanbrugh en el Palacio de Blenheim se deben a
personas que, como la duquesa, no consiguieron entender la verdadera razón de su
construcción: celebrar una victoria militar.
Legado [editar]
Vanbrugh es recordado por su amplia contribución a la cultura británica, el teatro y la
arquitectura. Poco después de su súbita muerte se encontró lo que sería su primer y
dramático legado: una comedia en tres actos incompleta titulada A Journey to London.
Vanbrugh le había explicado a su amigo Collin Cibber que con esta obra pretendía
cuestionar los roles del matrimonio tradicional de un modo más radical de lo que lo
había hecho durante su juventud y que la obra terminaría con una ruptura matrimonial.
El manuscrito inacabado describe a una familia de campo que viaja hasta Londres que
cae presa de las tentaciones; mientras, en Londres, una esposa conduce a su paciente
esposo hasta la desesperación por sus juegos y sus adulterios con estafadores y oficiales.
David Garret en su famoso papel de Sir John Brute en la obra The Provoked Wife
Al igual que ocurrió con The Relapse, Collin Cibber se involucró de nuevo en la obra.
Esta vez fue él quien la terminó. Cibber, que ya era un poeta laureado y un actor de
éxito, completó el manuscrito de Vanbrugh bajo el título de The Provoked Husband
(1728), dándole un final feliz en el que la esposa provocativa se arrepiente y el
matrimonio se reconcilia: una elegía del matrimonio, opuesta por completo a las
intenciones originales de Vanbrugh. Cibber consideró que este final era demasiado
severo para una comedia, severidad que no se vio en los escenarios ingleses hasta la
llegada de las obras de Ibsen.
En la escena del siglo XVIII las obras de Vanbrugh únicamente se podían representar en
su versión expurgatoria, pero seguían siendo muy populares. Durante toda la exitosa
carrera de Colley Cibber, los espectadores siguieron solicitándole que interpretara el
personaje de Lord Foppington de The Relapse, mientras que el personaje de Sir John
Brute de The Provoked Wife se convirtió en uno de los papeles más famosos de David
Garrick.
Con el fin de las obras del Castillo de Howard, el barroco inglés se puso de moda de la
noche a la mañana. Había unido los casos aislados y variados del diseño monumental
con arquitectos como Christopher Wren. Vanbrugh concibió la masa, el volumen y la
perspectiva de una forma que nadie había hecho hasta entonces.
Poseyó algunas habilidades inusuales para un arquitecto. Su reputación sufrió debido a
sus desavenencias con la duquesa de Marlborough aunque se tiene que recordar que el
cliente original era la nación británica, no la duquesa, y la nación buscaba un
monumento para celebrar una victoria; y eso fue lo que Vanbrugh les entregó.
No es posible calcular la influencia que ejerció en los arquitectos que le siguieron.
Nicholas Hawksmoor, amigo y colaborador de Vanbrugh en numerosos proyectos,
siguió construyendo iglesias en Londres, diez años después de la muerte de Vanbrugh.
Otro de los pupilos de Vanbrugh, Edward Lovett Pearce, se convirtió en uno de los
mejores arquitectos de Irlanda. El nombre de Vanbrugh se recuerda por toda Gran
Bretaña, dando nombre a tabernas, calles, universidades y escuelas.
William Talman
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Chatsworth House, la edificación más notable de Talman
William Talman (1650 – 1719) fue un arquitecto inglés.
Pupilo de Christopher Wren, el trabajo más famoso de Talman es Chatsworth House
considerada la primera vivienda privada barroca en Inglaterra. Talman tenía fama de ser
un hombre rudo y malhumorado, difícil de tratar, y esta fue la razón por la que se eligió
a John Vanbrugh como arquitecto de la vivienda más notable del barroco inglés: el
Castillo de Howard.
A lo largo de su carrera, Talman trabajó en numerosas casas de campo inglesas como
Hanbury Hall, Worcestershire Herriard Park, Hampshire Kimberley Hall, Norfolk
Lowther Castle o Cumbria Milton Hall.