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i El Impresionismo D Seño & I N T E R UNIVERSITARIO comunicación GRÁFICA ¡ vive el boletín de actividades de la red arte, diseño y comunicación visual labproducciongrafica.ning.com año II volumen II número 1 agosto 13 de 2008 Bogotá - Colombia distribución GRATUITA Movimiento pictórico iniciado y desarrollado primeramente en Francia durante el último tercio del siglo XIX, y cuya influencia se extendió por buena parte de Europa y América, hasta bien entrado el sigo XX. Tendencia general, en arte, a percibir las impresiones fugitivas, la movilidad de los fenómenos, antes que el aspecto estable y conceptual de las cosas. Los términos impresionismo e impresionista fueron en su origen términos despectivos de los que se sirvió el crítico francés Louis Leroy para denominar a los artistas de la Sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores, C.Pissarro, C.Monet, A. Sisley, E. Degas, P.A.Renoir, P. Cézanne, A. Guillaumin, Berthe Morisot, que por aquel entonces exponían en el estudio del fotógrafo Nadar las obras rechazadas en el Salón de ese mismo año 1874; serIa precisamente una obra de Monet, Impresión, amanecer, la que facilitaría tal denominación. En la génesis del movimiento se encuentra un claro afán de ruptura con el arte oficial, con el arte que se enseñaba en las academias y se exponía en los salones oficiales, fruto de unos postulados eminentemente literarios y que situaba el tema por encima de cualquier otro aspecto plástico. En un momento en el que cierto tipo de realismo veía tambalearse sus cimientos por el advenimiento de la fotografía, e, igualmente, cuando la lección extraída de las estampas japonesas volvía a poner en evidencia el valor de la bidimensionalidad fundamentada en el empleo de colores planos, en general de tonalidades clras, frente al clásico efecto tridimensional logrado por el claroscuro, un grupo de jóvenes artistas propugnarían la alternativa de un arte de clara orientación realista, en el que el motivo del cuadro no fuese más que un pretexto para la captacíon directa de una naturaleza fragmentada en infinidad de instantes, fijando en la propia subjetividad del pintor los límites de la interpretación. Así pues, sus primeros guías fueeron aquellos artistas que anteriormente también habían abdicado del arte oficial: E. Boudin, S. Lépine, Jongkind, las escuelas de Barbizon, Fontainebleau. Bazille, Monet y Sisley frecuentaban el taller del pintor Gleyre en París, y en 1863 conocieron a Renoir; y Guillaumin trabajaban en Suiza. i D Seño & comunicación GRÁFICA XIOMAR XIOMARA AVILA ROZO arte ! En 1879, 1880, 1881, 1882 y 1886 se celebraron las cinco siguientes y últimas exposiciones de un grupo cada vez más mermado en sus componentes, pues de los miembros originales sólo subsistían Pissarro, Degas, Guillaumin y Morisot. Después, sus caminos tomarían diferentes direcciones; Monet y sisley fueron los únicos que mantuvieron su obra dentro de los cauces del estudio de las variaciones de la luz y de sus efectos en la apariencia de las cosas. En todo caso, el gran valor de los impresionistas franceses radicó más en su actitud frente a la pintura que en un procedimiento o una técnica, siendo, paradójicamente, esto último lo que alcanzaría mayor difusión y aceptación en el resto del mundo. Edouard Manet (1832-1883) A R T I S TA S IMPRESIONISTAS Claude Monet (1840-1926) Nació en Paris el 14 de Noviembre de 1840. Siempre se ha considerado a Monet como el máximo representante del Impresionismo. Indudablemente, Monet es un impresionista puro. A lo largo de su carrera, pintó cerca de tres mil cuadros. En sus temas la luz engendra el color y la forma. Sus temas preferidos son las marinas, escenas fluviales y paisajes. En su infatigable investigación de la luz, observa que ésta varía con el paso del tiempo, y así se producen múltiples efectos que intenta rescatar con su ágil y rápida pincelada. Pintor francés, cuyo trabajo inspiró el estilo impresionista, pero que rehusó identificar su trabajo con este movimiento. El largo alcance de su influencia en la pintura francesa y en el desarrollo del arte moderno en general se debió a su forma de retratar la vida cotidiana, a su utilización de amplias y simples áreas de color y a su técnica de pincelada vívida. Manet nació en París el 23 de enero de 1832, hijo de un alto funcionario del gobierno. Para no estudiar derecho, tal y como deseaba su padre, intentó hacer la carrera de marino, aunque no superó las pruebas de ingreso. Después, estudió en París con el pintor académico francés Thomas Couture y visitó Alemania, los Países Bajos e Italia para estudiar la pintura de los viejos maestros. La obra de Frans Hals, Diego Velázquez y Francisco de Goya fueron las principales influencias en su arte. Manet empezó pintando temas de género, como mendigos, pícaros, personajes de café y escenas taurinas españolas. Adoptó una atrevida técnica de pincelada directa en su tratamiento de los temas realistas. En 1863 su famoso La merienda campestre (Musée Orsay, París) fue exhibido en el Salón de los Rechazados, una nueva sala de exposiciones abierta por Napoleon III accediendo a las protestas de los artistas rechazados en el Salón Oficial. Todos ellos admiraban a Edouard Manet, a quien defendieron cuando en 1863 sus obras fueron rechazadas en la Exposición oficial; del consiguiente revuelo surgiría el Salón de los rechazados, creado por las propias jerarquías dirigentes para dar cabida a los nuevos pintores y evitar escándalos; pero la llama ya había prendido, y obras como La mirienda campestre de Manet crearían vivas polémicas, aun tratándose de un cuadro de técnica tradicional, pero sin duda moderno por su valoración del tema. Los primeros en exponer en el nuevo Salón fueron Monet, Pisarro, Jongkind, Cals, Chintreuill, Fantin-Latour, etc., los cuales se reunían en torno a Manet en el parisino Café Guerbois; de allí surgió la denomada escuela de Batignolles. En la Exposición Oficial de 1866 participaron Degas, Bazille, Berthe Morisot y Sisley, pero Manet, Cézanne y Renoir fueron excluidos; fue entonces cuando el propio Emile zola tomó partido por aquellos innovadores, más revolucionarios en sus concepciones que en su pintura, todavía heredera del pasado. Sin embargo la vida del grupo sería breve, debido a la falta de cualquier tipo de implicación social, ideológica o política de sus componentes. La guerra franco- prusiana de 1870 conllevó la dispersión de aquella unidad; durante su desarrollo, Pissarro, Monet y Sisley permaneciaron en Londres, donde pudieron admirar en directo las obras William Turner y resultaron vivamente influidos por los tratamientos que de los efectos lumínicos realizara el pintor británico. Tras la contienda, y de nuevo en París, la mayor parte de estos artistas se agruparon para pitar al aire libre en diferente lugares: en Argenteuil, Monet, Renoir, en Marly, Sisley, o a las orillas del Oise, Pissarro, Guillaumin, Cézanne. Crearon la sociedad anónima de pintores y grabadores, ya comenzaban a sentarse las bases del movimiento impresionista, y expusieron en el estudio de Nadar, exposición en la que Manet se negó a participar, las diferencias con el grupo eran cada vez más grandes. En 1877 tuvo lugar una nueva exposición, en la que se dieron ya importantes ausencias, Manet Cézanne. Fueron años de viva actividad en la marginación y en la penuria económica, motivos que acelerarían la disgregación del grupo, aunque no faltaron críticos, como T. Duret, que supieron apreciar desde un primer momento la amplitud de la revolución que se estaba gestando,. Precisamente fue en torno a dos críticos, Duranty en 1876, y G. Rivieré en 1877 que se comenzaron a estudiar sistemáticamente los procedimientos plásticos que los artistas habían elaborado de una manera intuitiva, y que conincidían en muchos aspectos con ciertas tesis científicas, Teoría de los ccolores del físico Chevreul; así se aceptaron como postulados básicos d ela plástica impresionista: la primacía de la observación directa de los fenómenos lumínicos en la naturaleza; la fragmentación de la pincelada; la utilización de los colores puros y los complementarios evitando utilizar el negro para oscurecer los colores a la sombra, cuya combinación no se produce en el cuadro, sino en la propia retina del espectador. EL TEATRO . Pronto, y ante el éxito que estas manifestaciones literarias y religiosas estaban tomando, se comienzan a construir los primeros edificios destinados exclusivamente al teatro: se trataba de estructuras de piedra semicirculares asentadas sobre la falda de una colina. El lugar de la representación se encontraba en la parte inferior de la construcción. La orkestra estaba destinada a los danzantes y tenía una forma circular interrumpida por la skene, con forma de rectángulo alargado. El escenario, normalmente de madera, se elevaba tres o cuatro metros sobre la orkestra. Para lograr algunos efectos especiales, se utilizaban ganchos, poleas y plataformas. La dramática constituye uno de los principales géneros literarios. Presenta, de manera directa, uno o varios conflictos a través de uno o varios personajes que desarrollan sobre la escena el argumento gracias, fundamentalmente, al diálogo. El teatro o dramática se presenta ante los posibles receptores de dos maneras: mediante la actuación de los actores sobre un escenario delante del público o a través de la lectura de la obra como si se tratase, por ejemplo, de una novela. De todos modos, las obras teatrales están concebidas para ser representadas, y cualquier lectura personal no es más que un ejercicio incompleto, ya que hemos de prescindir de elementos tales como la música, la iluminación, el movimiento de los actores... En el teatro romano (siglos I a. C – I d. C.) se produce la ampliación del escenario a costa de la orquesta, que pierde importancia, y se mejoran los aspectos técnicos referentes a la visibilidad y a la acústica, aunEl teatro clásico griego (siglos VI y V que la estructura del teatro contia. C.) tiene como primer marco de re- núa siendo prácticamente la misma, presentación cualquier lugar cercano con la única diferencia de que ya no al altar de Dionisos, dios del vino y de se aprovechan las laderas de las cola fecundidad. Eran las fiestas dioni- linas, sino que los teatros son edisíacas o bacanales, en las cuales los ficios exentos. Tras la decadencia hombres se cubrían con pieles de ma- de Roma sobrevienen varios siglos cho cabrío y cantaban y bailaban. Los de inactividad teatral y decadencia. cantos eran dirigidos por el corifeo. HISTORIA DE EL TEATRO Renoir (1841-1919) Si lo comparamos con la obra de Manet Concierto en las Tullerías (1860, National Gallery, Londres), de tema y composición parecidos, presenta al igual que ésta, un encuadre interrumpido por los bordes del formato, recurso que produce la impresión de que la escena sigue y se expande más allá de los propios límites del lienzo. En comparación con la obra de Manet, que la pintó en un alarde de pinceladas imprecisas e indefinidas, la de Renoir libera todavía más la pintura, con una sucesión de manchas centelleantes que parece deslizarse sobre la tela al ritmo de la música o de los movimientos de los árboles que dejan pasar parcialmente la luz que ilumina la escena. Sisley y Pisarro ( Limoges, 1841 - Cagnes-sur-Mer, 1919) Pintor francés. Hijo de artesanos, vivió sus primeros años en barrios proletarios donde trabajó como decorador de porcelanas y pintor de abanicos. Después pudo acceder al taller del pintor Gilbert y, luego, al de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley, con quien más tarde compartió su casa en París. Sus primeros intereses como pintor se inclinaron por la escuela de Barbizon y, consecuentemente, por la pintura al aire libre. Durante los días agitados de la Comuna, pintó con Monet a orillas del Sena. En 1873 terminó Jinetes en el bosque de Bolonia, excluida del Salón oficial y expuesta en el de los Rechazados. Durand-Ruel se interesó por su obra y en 1874 participó en la primera exposición impresionista, en los estudios del fotógrafo Nadar, donde expuso, entre otras obras, El palco (1874, Courtauld Institute Galleries, Londres). Se trata de un gran lienzo donde representa a Niní López y a su hermano con una técnica de pinceladas sueltas fundidas entre sí, de contornos imprecisos y poco definidos. La composición, piramidal, se caracteriza por los ritmos ascendentes y sinuosos del vestido negro de ella y los de la chaqueta de él, así como señala la importancia de las cabezas: la de ella expresa serenidad y atención, mientras que En 1876 se celebró la segunda exposición del grupo impresionista en la que Renoir participó con una de sus obras más conocidas, El moulin de la Galette (1876, Museo de Orsay, París), que recoge los momentos de un baile al aire libre en una terraza parisiense. Tan fiel como Monet a la técnica del Impresionismo se mantuvo Sisley (18391899), que fue exclusivamente un pintor paisajista y será Pisarro (1830- 1903), quien lleve hasta las últimas consecuencias el estudio de la luz y el color llegando al post-impresionismo y al puntillismo. Los autores impresionistas no tenían conciencia de grupo, aunque todos reivindican la libertad a la hora de seleccionar el motivo pictórico, cada uno plasmará lo que ve. Es un arte íntimo arraigado en el sentimiento de la originalidad individual, que se inicia con las vivencias personales y con las experiencias en soledad. A principios de 1880 estas diferencias estilísticas y las cuestiones personales comenzaron a agudizarse y el Impresionismo como movimiento de vanguardia acabó diluyéndose. De sus cenizas comenzaron a gestarse las propuestas de otros artistas que darán lugar al post-impresionismo y al neoimpresionismo. PERFORACIONES EN EL TATUAJES CUERPO Hace siglos que diferentes culturas alrededor del mundo utilizan perforaciones en el cuerpo. Si miras un libro de historia, encontrarás que los egipcios, los griegos, y los romanos practicaban el arte corporal, que incluía cosas como tautajes y perforaciones. La gente se perforaba el cuerpo para decorarlo, para demostrar su importancia en un grupo, o porque creían que los protegía del mal. ¿Qué es la perforación del cuerpo y qué puedes esperar? Una perforación del cuerpo es exactamente eso: una perforación o un pinchazo realizado en tu cuerpo con una aguja. Después, se coloca una alhaja en la perforación. Las partes del cuerpo que se perforan con más frecuencia son las orejas, las fosas nasales y el ombligo. Si la persona que realiza la perforación proporciona un ambiente seguro, limpio y profesional, debes esperar lo siguiente de una perforación en tu cuerpo: La zona que elegiste perforar (salvo la lengua) se limpia con un jabón germicida (un jabón que mata bacterias y microorganismos que provocan enfermedades). Después, se perfora tu piel con una aguja limpia muy afilada. La alhaja, que ya fue esterilizada, se coloca en esa zona. La persona que realiza la perforación desecha la aguja en un recipiente especial para que no existan riesgos de que otra persona entre en contacto con la aguja o la sangre. Se limpia la zona perforada. La persona que llevó a cabo la perforación verifica y ajusta la alhaja. La persona que realiza la perforación te da instrucciones sobre cómo asegurarte de que la nueva perforación se cure correctamente y qué hacer si surge algún inconveniente. Los tatuajes son dibujos, de cualquier índole, los cuales son realizados en diversas zonas del cuerpo humano. Y decimos cualquier tipo de dibujo, ya que no existe una regla sobre que tatuaje realizarse. Los tatuajes son absolutamente subjetivos. Dependerán del gusto de la persona. No sólo su forma, sino que también su tamaño, colores a utilizar y la zona a tatuar. La mayoría de los tatuajes, son de color oscuro, ya que resaltan de mejor manera, en aquellas pieles un tanto oscuras y por sobretodo, en las más pálidas. Los tatuajes, son realizados, mediante la rotura de la epidermis, con un objeto punzante, o sea, una aguja, la cual en su punta lleva tinta insoluble. Al ir rompiendo la piel, específicamente la epidermis, que es la primera capa de piel del cuerpo humano, estos tatuajes quedarán de manera indisoluble, en el cuerpo del tatuado. Es por lo mismo, que hay que comprender que los tatuajes son dibujos permanentes. No existen métodos mágicos para eliminarlos. En la actualidad existen ciertas cirugías plásticas, que intentan eliminar el tatuaje por medio de láser. Pero al hacerlo, queda una cicatriz vistosa, en el lugar que ocupaba el tatuaje. O sea, una marca por otra. Es por lo mismo, que al hacerse tatuajes, hay que pensar muy bien, si uno desea realmente hacérselo o no. Ya que una vez terminado el proceso, no se puede echar marcha atrás. Otro aspecto importante, es la elección del lugar donde se realizan tatuajes. Uno no puede ir a cualquier parte. Lo recomendable en cuanto a los tatuajes, es ir a un local el cual tenga permiso sanitario para efectuarlos. Permisos que entregan las municipalidades, ayuntamientos y organismos de salud pública de cada país. Ya que hay que pensar, que los tatuajes, al ser realizados con agujas, pueden llegar a transmitir hepatitis A o B, al igual que el virus del Sida. Lo cual ocurre en contadas ocasiones, cuando la persona que realiza los tatuajes, no tiene los implementos de esterilización o el manejo prolijo de los instrumentos a utilizar. Aparte que se pueden llegar a producir infecciones cutáneas bastante severas, si no se tiene el cuidado necesario y mínimo al momento de realizar los tatuajes. Lo que sí no se puede dejar de pedir al tatuador, es el hecho que utilice guantes de látex, cada vez que realice los tatuajes. Guantes que deben ser utilizados solamente una vez, por cada tatuaje realizado. Asimismo, si uno observa en el, algún corte o herida, pedirle que se la cubra. En aquel caso, lo más prudente, es no realizarse ningún tatuaje y esperar que el tatuador sane o buscarse otro local habilitado para realizar tatuajes. DOGVILLE Dogville es una de esas películas que no deja indiferente a ningún espectador. Muy de cuando en cuando este arte se descubre y aparece una de estas pequeñas joyas que demuestran que no todo está inventado. Dogville lanza como un dardo a la esencia misma del alma humana. Es una alegoría sobre la sociedad y en mayor medida de los estados y gobiernos. El margen de interpretaciones es extenso, y suscita en el espectador ese tipo de cuestiones esenciales realizadas desde el principio de los tiempos y que les hace humanos. es una película del año 2003 dirigida por Lars von trier y protagonizada por Nicole kidman Poco a poco, gracias al impulso de la liturgia católica, el teatro reaparece como conmemoración divina en los altares de las iglesias. Se trataba de representaciones muy sencillas, sin ningún tipo de escenografía, en las cuales eran los propios oficiantes, o los monaguillos, los que representaban pasajes de la Biblia relacionados con festividades religiosas (principalmente Navidad y Semana Santa). Tal éxito obtuvieron estas sencillas representaciones que, a partir del siglo XIV, pasaron a las calles, donde seglares realizaban pequeñas representaciones sobre tablados portátiles, la mayor parte de las veces carros de madera. Los artificios técnicos eran casi inexistentes, aunque poco a poco se fueron perfeccionando. Se trata sin duda de una detallada puesta en escena, en la forma y en el fondo, con tendencias absolutamente teatrales. En referencia a la escenografía, todos los acontecimientos se desarrollan en un mismo lugar, Dogville, construido como decorado interior de una forma muy particular: han obviado todas las paredes y objetos superficiales del pueblo y en su lugar las han representado mediante líneas pintadas sobre el suelo negro. Así mismo, cada zona delimitada está señalada con su nombre, como la “Casa de Tom Edison”, el “Calle del Olmo”, etc. Es, en efecto, una apuesta arriesgada, tanto desde el punto de vista temático como estetico pero la magnífica ambientación decadente y claustrofobia que se ha conseguido, hacen olvidar al espectador la falta de dichos elementos y centran la atención en los personajes y los diálogos. No hay un solo detalle caprichoso, desde la iluminación o los planos, o incluso el rótulo que luce inscrito a la entrada de la mina del pueblo “dictum ac factum”, refleja ese humor irónico y algo negro existente en toda la película. El Renacimiento italiano redescubre a los grandes autores clásicos grecolatinos: Esquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes, Menandro, Séneca, Plauto, Terencio... además del manuscrito de Vitruvio titulado De architectura, en el que su autor describe con detalle la arquitectura teatral. El arte teatral se vuelve a desarrollar, y en las representaciones se incorporan decoraciones pintadas, además de una pared al fondo del escenario con puertas y ventanas, que servían como tales o como árboles o montañas, según las necesidades de la obra en cuestión. En España aparecen los corrales de comedias, patios de vecinos en los que, de manera más o menos habitual, se realizaban representaciones. De pie o sentados, delante del escenario, se encontraban los hombres pertenecientes al pueblo llano. En las galerías laterales se situaban los espectadores de más categoría social, sentados. Frente al escenario, en el primer piso de la galería, se encontraba la cazuela, ocupada por las mujeres, y en el segundo piso, la tertulia, donde se situaban los religiosos y los hombres de letras. BODY PAINTING BODY Los orígenes de Cuerpos Pintados se remontan al menos una década antes de su primera presentación pública en 1991. Al recorrer los inicios de este proyecto, puedo establecer algunos hitos relevantes que me motivaron a llevarlo adelante, empezando por el descubrimiento de obras claves de dos personas durante la segunda mitad de los ‘70. Más aún, la tradición de aplicar colores y diseños sobre sus cuerpos no se circunscribía a los rituales, como es habitual en la mayoría de las tribus; Riefenstahl descubrió que los Nuba se pintaban diariamente según su estado de ánimo. El conocimiento de este hecho fue una revelación de gran trascendencia para mí. La primera fue el dramático ensayo de la fotógrafa alemana Leni Riefenstahl sobre la vida de los Nuba, en los confines del Sudán. En azarosos viajes a territorios aún aislados de la intervención occidental, Riefenstahl pudo registrar una cultura que tenía el cuerpo como protagonista, pintándolo y adornándolo con una creatividad y originalidad únicas. El segundo trabajo que me impactó en esa misma época fue el desarrollado por la artista Vera Lehndorff, también alemana, junto al fotógrafo Holger Trülzsch. Lehndorff, por entonces famosa en el mundo de la moda como la modelo Veruschka, se fotografió contra una gran variedad de escenarios como muros y puertas, o paisajes abiertos, y también se disfrazó con diversos trajes que pintaba directamente sobre su piel, en un juego creativo que hacía reflexionar sobre la realidad, la ficción, y nuestra percepción de ambas. La motivación de los Nuba para pintarse el cuerpo y los trabajos de Lehndorff y Trülzsch confluyeron finalmente en mi concepción del proyecto Cuerpos Pintados, mostrándome el potencial expresivo que podían ofrecer estos lenguajes al arte contemporáneo. Empezado a desarrollar en los años setenta, como variante radical de la performance, el arte corporal (Body-Art, en inglés) ha tenido un amplio desarrollo en las últimas décadas del siglo XX. Uno de los antecedentes inmediatos son las antropometrías de Yves Klein (19281962), en las que el artista utilizaba el cuerpo del modelo teñido de pintura para dejar una impronta sobre lienzo. El cuerpo como soporte artístico presenta distintas posibilidades. Por ejemplo, las «esculturas vivas» de Gilbert & George (n. 1942 y 1943, respectivamente): se exponen ellos mismos con las manos y la cara cubierta con una pintura dorada, sobre un pedestal, y repitiendo una cantinela. En una buena parte, el Body-Art constituye una reflexión sobre el dolor y los límites físicos de la condición humana, a menudo en relación con la condición femenina ART La obra de estos artistas trata temas como la violencia, la autoagresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos. Así el cuerpo puede estar transformado por un disfraz, ser utilizado como instrumento o unidad de medida, agredido o puesto a prueba hasta los limites del sufrimiento, etc. Podemos diferenciar en el body art una línea más analítica que se practica en Estados Unidos por artistas como Vito Acconci, Chris Burden o Dennis Oppenheim que ponen el acento en las posibilidades del cuerpo, y otra más dramática, la europea representada por Herman Nitsch, Gunter Brus, Rudolph Schwarzkolger o Gina Pane, que incide en la reelaboración de arquetipos, junto a aspectos relacionados con el travestismo, el tatuaje o la sublimación del dolor. Como precursores del body art encontramos el dadaísmo, el happening y más tarde esta muy relacionado con la práctica de las “performance” (acciones), el teatro y la danza. MAN RAY Su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1890 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía, su padre era de Kiev, Ucrania y su madre de Minsk, Bielorrusia. Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Man Ray estudia en la Hihg School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz. Este artista usa distintos objetos y klos representa de distintos modos un ejemplo claro que es esta imagen de Dios. usa distintos tipos de colores, pero colores basicos y llamativos. En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo famoso su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos. Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayogramas. Erróneamente se consideró inventor de la técnica aplicada para ello, que ya la habían experimentado otros artistas anteriormente, entre otros Talbot (hacia 1840) y Schad (1918). Publicó 12 de sus rayogramas bajo el título “Champs delicieux”. Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas. Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse. Adquiere su primera cámara para hacer reproducciones de sus cuadros. Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp, Man Ray se mudó París en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí.
