ARTE ABSTRACTO

ARTE ABSTRACTO
El arte abstracto emplea formas y perspectivas que no son una copia de la
realidad, propone una realidad distinta a través de un lenguaje propio e
independiente de formas, colores y líneas, se proponen obras mucho más libres e
innovadoras, cuya interpretación queda a cargo del espectador, este estilo surgió
a inicios del siglo XX y perdura hasta nuestros días.
Los abstraccionistas buscaban dejar atrás el reino reconocible de las formas y
perseguir el “arte puro”.
Algunos de los artistas más representativos de este movimiento artístico son:
Robert Delaunay (1885 –1941) fue un pintor francés. Junto a su pareja, Sonia
Delaunay, fueron pioneros del arte abstracto y creadores del simultaneísmo. Las
pinturas abstractas de Delaunay se basaban en las características ópticas de
colores brillantes tan dinámicas que funcionaban como la forma. Siendo el líder y
la figura más famosa del Orfismo, Delaunay es clasificado entre los artistas
abstractos más influyentes.
Una obra realizada durante
su estancia en España, es un
trabajo de gran importancia
dentro de la trayectoria
artística de los Delaunay
porque marca su breve
regreso a la figuración, eso sí,
con el que no abandonan
por completo las prácticas
abstractas, como puede
verse en la configuración de
algunas zonas del lienzo.
Formas circulares N2 Sol,esta
obra se encuentra en el Centro
Georges Pompidou de París y
forma parte de la serie en la
que Robert Delaunay realizó sus
primeras pinturas de carácter
no figurativo, al mismo tiempo
que rompía con las estructuras
de inspiración cubista que se
basaban en la presencia de
objetos reconocibles.
En la series, Les Fenêtres (1912),
Delaunay transforma ya
plenamente el espacio pictórico
tradicional para convertirlo en
una composición abstracta y
plana sobre la superficie de una
ventana.
Contrastes simultáneos, es el
ritmo del cosmos, porque el
marco circular de la pintura
es una señal para el
universo, y su flujo de rojos y
naranjas, verdes y azules,
está en sintonía con el sol y
la luna, Pero la estrella y el
planeta, refractados por la
luz, no se describen de
manera literal. "La ruptura
de la forma por la luz crea
planos de colores", dijo
Delaunay. "Estos planos de
colores son la estructura de
la imagen, y la naturaleza
ya no es un tema de
descripción sino un pretexto".
Kazimir Severínovich Malévich (1879 -1935) fue un pintor ruso de origen polaco,
creador del suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo
XX. En el otoño de 1930, el NKVD interrogó a Kazimir Malévich en Leningrado. Se lo
acusa de espionaje polaco y se le amenaza con la ejecución. Permaneció en
prisión tres meses.
Cuadrado negro, es una
pintura icónica del pintor
ruso Kazimir Malévich. La
primera versión fue hecha
en 1915. Malévich hizo
cuatro variantes, de las
cuales se cree que la
última fue pintada a fines
de la década de 1920 o
principios de la de 1930.
El suprematismo, la invención
del artista ruso Kazimir
Malevich , fue uno de los
desarrollos más tempranos y
radicales del arte abstracto.
Su nombre deriva de la
creencia de Malevich de que
el arte suprematista sería
superior a todo el arte del
pasado y que conduciría a la
"supremacía del sentimiento o
la percepción pura en las
artes pictóricas".
Blanco sobre blanco es
una pintura abstracta de
óleo sobre lienzo de
Kazimir Malevich. Es uno
de los ejemplos más
conocidos del
suprematismo. Fue
pintado un año después
de la Revolución de
Octubre.
Los suprematistas no seguían los
estilos tradicionales de la pintura, y no
trasmitían mensajes sociales. Las
obras suprematistas fueron
aumentando su colorido y
composición con el paso del tiempo.
Georgia Totto O'Keeffe (1887-1986) fue una artista estadounidense, conocida en
especial por sus pinturas de flores, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo
México. O'Keeffe ha sido reconocida como la "Madre del modernismo
estadounidense".
Blue and Green Music es una
pintura de 1919–1921 de la
pintora estadounidenseGeorgia
O'Keeffe. Pintada en sus años en
Nueva York con la idea de que la
música y el sonido podrían
traducirse en algo para la vista,
Blue and Green Music es una que
utiliza el contraste de bordes
duros y suaves y formas
geométricas para transmitir ritmo
y movimiento.
Serie Pelvis - Rojo con
amarillo muestra muchas
de las características del
trabajo de O'Keeffe. La
imagen del hueso de la
pelvis se recorta
firmemente usando las
mismas técnicas de
composición que se
estaban haciendo
populares en ese
momento en la
fotografía.
Cielo sobre las nubes IV
Pintado en el verano de
1965, cuando Georgia
O'Keeffe tenía 77 años,
este trabajo
monumental culmina
una serie inspirada en las
experiencias del artista
como pasajero de avión
durante la década de
1950.
“Iris negro” (1926, óleo sobre
lienzo, 91 x 76 cm, Metropolitan
Museum, Nueva York) A
mediados de los años 20 del siglo
pasado, la pintora
norteamericana Georgia
O'Keeffe empezó a pintar sus
famosos cuadros de flores. Por lo
general, son obras de formato
grande en las que O'Keeffe
representa a gran escala el
interior de una flor, como si
hiciese zoom sobre ella.
Victor Vasarely (1906–1997) Op art, una forma corta para el arte óptico, en un
género del arte abstracto en el que el artista crea una ilusión óptica a través de la
manipulación precisa de patrones, formas y colores. Después de haber trabajado
inicialmente como diseñador gráfico y cartelista, Victor Vasarely se convirtió en
uno de los fundadores y la figura más famosa del movimiento Op art, uno de los
movimientos más influyentes del arte abstracto.
Vega-Nor , 1969
óleo sobre lienzo
Colección Albright-Knox Art
Gallery, Buffalo, Nueva York
Vonal-Stri (1975 - se muestra a la
derecha), la sensación de
movimiento y profundidad se
crea mediante el uso de líneas
de escala decreciente que
avanza hacia el centro del lienzo
de Vasarely: cuanto más
miramos hacia el centro, más
lejos aparece el campo ser de
nosotros El uso de colores
cambiantes en todo el campo
también sirve para proporcionar
al espectador la sensación de
energía cinética, profundidad y
espacio.
Op Art Es la visión casi de un
científico que descompone la
realidad dando una imagen
ilusoria que engaña nuestro
ojo. Ilusión de movimiento,
perspectivas opuestas y
relaciones binarias que en sus
primeros años serían mediante
la utilización del blanco y el
negro, y que más tarde, a
partir del 1960, incorporaría el
color como una de las
características más atrayentes
de sus obras.
Falsos volúmenes y
perspectivas, obtenidos con
gradaciones de color, nos
muestran imágenes en las
que parece que podamos
sumergirnos.
Marcus Rothkowitz (1903-1970), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que
vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el
movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, a pesar de que en
varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor
abstracto.
Naranja, rojo, amarillo es
unapintura de campo de color
de 1961de Mark Rothko . El 8 de
mayo de 2012, se vendió en
Christie's de la finca de David
Pincus por $ 86,882,500, [1] un
precio nominal récord para el
arte contemporáneo de
posguerraen una subasta
pública.
Sin título (Negro sobre gris) es una
pintura de un rectángulo negro y un
rectángulo gris. Hay una
acumulación de capas delgadas y
translúcidas de negros sombreados
de manera diferente, que son
luminosos y cálidos.
El propio Mark Rothko nos explica
el porqué de este tipo de obras:
"mi arte es abstracto, vive y
respira", aunque de igual modo
afirmaba que, ante sus obras
"callar es bastante acertado".
Hace refencia el autor, con
ambas ideas, a la necesidad de
que sea el propio espectador el
que construya la significación de
la obra.
Multiformas A finales de los años
cuarenta Rothko elimina de su
pintura cualquier elemento
figurativo dando paso, con sus
obras de transición realizadas entre
1946 y 1949 conocidas
posteriormente como Multiformas, a
su enfoque basado en los colores
puros en el espacio.
Paul Jackson Pollock (1912-1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un
influyente pintor estadounidense y principal artista del Expresionismo abstracto.
Pollock alcanzó reconocimiento por su estilo de chorrear pintura (dripping). Fue
autor de 400 pinturas y alrededor de 500 dibujos. En 1945 se casó con la artista
estadounidense Lee Krasner, quien se convirtió en una influencia importante en su
carrera y en su legado.
Lo profundo (1953)
Elaborada en su época de apogeo
abstracto, esta pintura fue hecha en
aceite y esmalte sobre lienzo. Los
contrastes negros sobre blanco dan
precisamente una sensación de
profundidad. La pintura reposa en el
Centro Georges Pompidou, en París.
“Blue poles (number 11)” (1952)
Para Pollock, titular sus obras no
era una de sus tareas más
queridas, comúnmente les daba
nombres numéricos o de fechas.
Blue poles, o la número 11, tuvo
una polémica de compra en 1972
donde la Australian National
Gallery adquirió la imagen por 1.3
millones de dólares.
“Autumn Rhythm (number
30)” (1950) El ritmo de otoño
es una de las más icónicas
pinturas de la etapa
dropping painting de
Pollock. La predominancia
de tintes negros y blancos
sobre fondo café inspiran
precisamente el paso
estacional del otoño en
occidente. La pintura se
exhibe actualmente en el
MoMa de Nueva York.
Número de 1A, 1948 Esta
obra, es una de las más
representativas de Pollock,
realizada en Óleo y
esmalte sobre lienzo. Se
encuentra en el Museo de
Arte Moderno de Nueva
York, Modern Art, y tiene
una dimensión de 172.7 cm
× 264,2 cm.