ARTE EN LA PREHISTORIA Arte Paleolítico y Arte Neolítico Introducción La Prehistoria se ha dividido de acuerdo con los tipos de materiales que utilizaron los primeros seres humanos para la fabricación de utensilios y herramientas en: edad de la piedra y edad de los metales, cada una de estas edades a su vez ha sido a sub dividida en varios periodos: EDAD DE PIEDRA • Paleolítico o piedra antigua desde la aparición del ser humano aproximadamente en el año 250.000 hasta el año 10.000 antes de nuestra era. • Mesolítico (etapa intermedia del año 10.000 al 7.000 antes de nuestra era) • Neolítico o piedra nueva (a partir del año 4.000 antes de nuestra era) EDAD DE LOS METALES • Edad de cobre (a partir del año 4.000 a. n. e.) • Edad de bronce (inició en el año 3500 a. n. e., en Asia Menor) • Edad del hierro (inició en Europa y el próximo Oriente, año 1.500 a. n. e.) Paleolítico Superior, el protagonista fue el “Homo Sapiens”. Su aparición coincidió con los momentos finales de la última glaciación aproximadamente 40.000 años a. n. e., la aparición de las primeras manifestaciones artísticas se considera una de las más importantes, ya que constituye un testimonio inapreciable de su capacidad intelectual y creativa para expresar ideas y emociones mediante la utilización de procedimientos técnicos, como la pintura, el grabado y la escultura. El hombre habitó cavernas (cuevas de varias cámaras), se dedicó a la caza y se convirtió en nómada, adornó las cuevas que habitaba con pinturas y relieves, los medios que utilizaban eran rudimentarios, como por medio de golpes, espátulas de hueso, puntas hendidas, raspadores y buriles Se denomina Arte y Cultura Prehistórica a los pueblos que no dejaron documentación escrita y que vivieron en el inicio de la humanidad. El Hombre primitivo, siempre tuvo un fuerte sentido mágico con el que aprendió a enfrentarse a las fuerzas naturales pues creía que teniendo el símbolo o la representación de las cosas, se poseía la misma cosa. La Pintura Rupestre se ha entendido como un rito mágico- religioso o explicar cómo se llevaba a cabo la caza, santuarios destinados a celebrar o la imagen representaba un medio para comprender su entorno. ARTE PALEOLÍTICO Marco histórico cultural El Período Paleolítico, el modo de vida del hombre primitivo era la caza y la recolección. En el último período del magdaleniense Lo que subsiste del arte de este período se ha agrupado en: A) Arte mobiliario o arte miniatura, comprende, pequeños objetos que dejaron los cazadores del Paleolítico en los lugares que habitaron. B) Arte rupestre o mural, se encuentra en los muros de las cuevas. Las figuras representadas, fluctúan entre las formas más pequeñas y las más grandes. Casi todos los animales aparecen representados de perfil, aparecen incompletos y no se identifican con facilidad y unos pocos son seres imaginarios como los unicornios de Lascaux. Los signos y símbolos son más abundantes que las figuras lo primero que pintaron fueron animales como caballos bisontes y mamuts. Los pigmentos que utilizaban eran carbón y ocres. Instrumentos de caza, cómo los arpones y punzones esculpidos en marfil, en dientes o huesos de animales que cazaban. Escultura: sobresale la Venus de Willendorf, sus características anatómicas son exageradas y no se distingue el rostro, además el relieve adquiere importancia en la piedra, de ese realismo y naturalismo se llegó a la estilización, y finalmente a la abstracción escultórica. Símbolo de la belleza y procreación. Pintura: el significado de la Pintura Paleolítica, se encuentra en el campo de la magia y de la religión. El hombre pensaba que después de muerto tenía una segunda vida de acuerdo con el sentido del animismo En el sentido mágico, el creía en el hechizo y lo representaba en las cuevas por medio de la pintura y al ser invocado este animal se dejaría cazar. La gran Pintura Prehistórica inicia en el Paleolítico y termina en el Neolítico. El tema más frecuente de Lascaux, es el toro de grandes proporciones, lo admirable no es el tamaño de esta pintura, sino la seguridad del trazo. Las pinturas de Altamira, España, algunas pinturas de figuras humanas semejan hechiceros, lo que demuestra el aspecto mágico de este arte. El animal típico de la región de Altamira fue el bisonte, el cual fue captado tanto en movimiento como el reposo. El artista primitivo consiguió en su pintura el claroscuro, lo que hace resaltar el volumen del animal, ya no se conformaba con poner figuras yuxtapuestas de animales u hombres, sino que trató ahora de escenas complicadas que representaban episodios de la caza. Realista y Naturalista, son algunas de las características principales de la Pintura Prehistórica, utilizaron varias técnicas cómo es la utilización de los dedos o técnicas digitales, la de la brocha y la técnica del esfumado, la cual consistía en soplar la pintura por una caña o hueso hueco. Luego la figura humana comienza a tener importancia. Predominan los fondos blancos y los rasgos negros. Los colores como el rojo y el amarillo se lograron con las tierras colorantes y con polvo de carbón, así como con carbonato de calcio y ocres de varias tonalidades.k Las pinturas fueron pigmentadas de rojo y ocre con la técnica del soplado, a través de huesos huecos sobre la roca o con ramas aplastadas después de mezclarlas con grasa animal. ARTE NEOLÍTICO Marco histórico cultural Después de la última glaciación se registró un cambio climatológico, por el cual se dió un aumento generalizado de la temperatura de nuestro planeta entre 9.000 y 8.000 años a. n. e. Al extinguirse los grandes animales de clima frío, se trasladaron en manadas en busca de alimento, esto provocó que la vida nómada de los cazadores desapareciera. La agricultura favoreció la formación de comunidades que desarrollaron formas más organizadas de religión y rituales públicos (Irán , Turquía y Europa) Las superficies de las paredes de sus construcciones eran pintadas de ocre rojo con representaciones de escenas de caza, en ellas figuraban hombres que rodeaban al toro salvaje. Cerámica: la alfarería, se cocía a temperaturas bajas y se decoraba con franjas pintadas de arcilla blanca, sobre arcilla oxidada para lograr un color rojo. La primera manifestación del arte Neolítico fue la cerámica que se ha encontrado en todas las regiones en dónde se establecieron los pueblos del Neolítico. La cerámica fue elaborada en diferentes formas: cómo de cesta, calabaza, campana, esta última tenía dibujos geométricos y se extendió a toda Europa. Los hombres del Neolítico crearon una alfarería multicolor. En la alfarería se completa con una pintura de bellas formas geométricas. Las figurillas eran planas y esquematizadas algunas muestran los dedos de las manos y del pie, figurillas de terracota. Arquitectura: al final del Neolítico se inició la arquitectura llamada dolménica o megalítica, que se desarrolló al norte y al oeste de las comunidades prósperas de Europa. Se llama dolménica o megalítica por estar constituida por grandes piezas de piedra. Las hay de varias formas: Los dólmenes que eran sepulturas Los alineamientos, qué son sucesiones de piedras enterradas verticalmente, Los trilitos, se componían de dos piedras verticales sosteniendo una horizontal, se cree qué pudo servir, para calcular los solsticios y equinoccios. También quizá fueron utilizados para predecir las estaciones como un calendario. Menhires, eran piedras aisladas verticales, monumentos. El dolmen, evolucionó y dio lugar a la tumba de corredor, en la que la cámara funeraria estaba precedida de un pasillo formado también por grandes piedras. Otros tipos de esta arquitectura megalítica son, el menhir, piedra aislada que servía de punto de referencia para la observación, y el crómlech, que era un verdadero templo en relación con el firmamento formado por grandes piedras colocadas en círculo. En cuanto a la Pintura, de forma esquemática se extendió por casi toda Europa, aparecen ídolos y símbolos que representaban el agua. Las figuras son muy sintéticas, tanto que gran parte de ellas resultaron identificables Cestería textiles y metales: en su inicio se utilizó el huso para hilar, el cual tenía un sistema de rotación, y para aumentar su efectividad contaba con pesas perforadas de arcilla o de piedra. El lino, fue el material textil más usado, aunque en otros lugares se utilizaba el algodón. Escultura: Las primeras esculturas de hombres y de animales fueron hechas en piedra o marfil. Unas, son de estilo naturalista y otras de estilo esquemático. Las figuras talladas en piedra, generalmente representaban mujeres, en los relieves europeos aparece la figura humana de frente. El arte decorativo de este período, relacionado con el ritual y el culto doméstico para el hombre del Neolítico el mundo consistían en una dualidad, el mundo de la realidad visible y el espíritu invisible, en un cuerpo mortal y en un alma Inmortal. Rendía culto a los muertos, adoraba a los espíritus y creían en la inmortalidad del alma. ARTE METALÚRGICO Otro descubrimiento importante fue la utilización del Cobre por el hombre, el trabajo del cobre ha tenido trascendencia por lo que a este período Neolítico posterior se le llamará también Edad de Cobre. En Este periodo de la metalurgia, los objetos tenían un carácter utilitario, muchos de los objetos ornamentales están relacionados con los cultos primitivos. Las armas como las espadas, tenían en su empuñadura ricas joyas y los escudos de madera eran recubiertos por chapas con adornos geométricos y con joyas del mismo metal. Las nuevas necesidades culturales y las posibilidades técnicas alteraron tanto el estilo del arte, cómo los materiales que se empleaban ARTE EN MESOPOTAMIA La antigua Mesopotamia, la de los sumerios, se desarrolló en las tierras delimitadas por los ríos Éufrates y Tigris. Marco histórico y cultural. Mesopotamia, (vocablo que etimológicamente significa” entre ríos”), se ubicó en el Continente Asiático, en la zona llamada de Oriente Medio Las condiciones de la tierra fueron determinantes en el desarrollo de la actividad económica, mientras en la zona norte agreste y montañosa, se impulsó la ganadería, en el sur la agricultura predominó siendo la fuente de riqueza. Se produce la llamada “revolución urbana” y con ella se introducen cambios en el Oriente Medio, como la aparición del Estado, Uruk fue el centro de expansión de este fenómeno. Surge la estratificación económica, social y el uso de la escritura. Estos elementos son el soporte, para iniciar el proceso de división entre la producción primaria de alimentos y las técnicas especializadas de la producción artesanal. Las aldeas productoras de alimentos quedaron supeditadas a los grandes centros urbanos, y la producción excedente de alimentos, permitió que los artesanos de las ciudades vivieran sin la preocupación de producirlos. El prestigio social y cultural logrado por los artesanos fue muy importante, aunque la clase dominante fue la constituida por los sacerdotes, (escribas, administrativos). Aparecen las grandes organizaciones de los templos y los palacios. Los templos fueron para el culto, considerados lugares de los dioses, mientras que los palacios fueron habitados por los reyes y sus cortes y operaban como centros administrativos. EL ARTE EN MESOPOTAMIA Ciudades Ur, lagash, kish y Uruk, esta región desarrollo la agricultura y fue relevante en la vida de lo sumerios. El tema que prevaleció en el arte: la relación del hombre con las deidades, la fuerza de la naturaleza como parte fundamental de su entorno que en ocasiones era mostrada como de carácter malévolo. La función del arte mesopotámico fue básicamente de sentido religioso, más que en una idea de recreación estética, no deslumbra con sus formas y colores, sino con su poder expresivo. Arquitectura La construcción se desarrolló con base en ladrillos y adobes, los primeros eran secados al sol, la piedra se utilizaba poco, de ahí que sus edificios fueran poco sólidos. Los muros eran de gran grosor, se empleaba la bóveda como sistema de construcción, inventaron el arco y la bóveda de cañón. Ejemplo-Cementerio Real de Ur, en Irán. Sus construcciones fueron desarrolladas en terrazas, con el fin de evitar las inundaciones, con predominio de planos inclinados. Se construyeron templos, torre escalonada, llamada zigurat”, esta técnica consistió en que sobre una planta cuadrada se levantaba una torre de siete u ocho pisos, alrededor de la misma una rampa que comunicaba hasta la celda sagrada. Usaban la columna o el pilar en forma cilíndrica, imitando troncos de palmera, rasgos que resaltan en los sumerios y caldeos, mientras que en los asirios hubo algunas variantes, se sigue con el ladrillo y las ventanas eran colocadas en los pisos superiores; respecto al pilar se sustituyó con columnas de capitel esférico. La decoración de los templos era frecuente, los elementos comunes eran: Un altar de mármol o piedra en diversas formas, se encontraba un globo alado, representación del dios solar, protector del rey, símbolo con influencia egipcia. Por lo general el árbol sagrado se encontraba en los templos. Por último la presencia de estelas, en donde se representaban hechos notables, generalmente de guerreros y obeliscos con el mismo sentido de las estelas. Las casas caldeas y asirias se presentaban con cubiertas con terrazas sobre vigas, y otras cubiertas en forma de cúpula. En cuanto a los palacios incluía patios, salas y una buena cantidad de habitaciones para la servidumbre. El palacio mesopotámico estaba rodeado por muros y patios de enormes dimensiones que se comunicaban mediante grandes puertas. En estas construcciones se distinguen tres partes principales: las audiencias, la sala central del trono o selamlik y las habitaciones privadas del rey y su harén. Babilonia pudo ser la ciudad más hermosa de su tiempo debido a sus jardines colgantes, La arquitectura más imponente de estas culturas fue la asiria, dado que sus palacios debían expresar la fuerza y el poder de los habitantes Escultura: se refleja una fisonomía de hombres gruesos, de baja estatura, anchos rostros de boca pequeña, nariz prominente y dotada de ojos grandes y oblicuos, (dioses) Se afeitaban el cráneo y la barba, aunque también se encontraron retratos de hombres barbados. Eran hábiles orfebres y crearon hermosos brazaletes, collares y anillos, que utilizaban las mujeres Con la escultura perpetuaron las hazañas de sus monarcas, decorando en grandes bajorrelieves los muros de los palacios. También eran policromados Otro elemento distinto fue la representación de animales de gran altura como leones y toros alados, con cabeza humana tallados en un solo bloque de piedra y utilizados para decorar las puertas exteriores de los palacios. Pintura: ladrillos esmaltados, de gran colorido y brillantez, utilizados para revestir las paredes, los colores empleados fueron el azul y el amarillo, se presentaban, la vida cotidiana, o bien ceremonias religiosas. Elaboración de tapices con gran colorido. EGIPTO Esta gran cultura floreció cuando las tribus latinas aún vivían en chozas antes del desarrollo de la civilización griega y romana Egipto logro preservar incólumes sus logros y su sabiduría durante más de dos milenios y medio Marco Histórico y Cultural Ubicado, al noreste de África, se extendió a lo largo del Nilo, al sur colindaba con Nubia, al este con Mesopotamia y al oeste con el desierto de Libia. La vida de esta civilización está vinculada al río Nilo. Las características de su medio geográfico fueron determinantes en el desarrollo de su civilización y de la personalidad de su cultura. Pequeñas comunidades fueron creciendo hasta convertirse en colectividades llamadas “nomos”, logrando alianzas políticas con otras, hasta conformar verdaderas organizaciones. Se registraron las tres épocas principales: el Imperio Antiguo, el Imperio Medio y el Imperio Nuevo, separados por dos períodos intermedios. • El Imperio Antiguo duró aproximadamente de 2700 a 2200 a. n. e., período considerado como el de la construcción de las grandes pirámides. • Con el Imperio Medio más o menos desde el año 2000 hasta el 1800 antes de nuestra era se dio una gran fuerza política y expansión económica. • El Nuevo Imperio comenzó aproximadamente del 1600 al 1100 a. C. que es de mayor esplendor del poder político. Los faraones fueron considerados más que simples hombres eran dioses vivos, su palabra era ley y su presencia en el ámbito político y social dejaba huella en la creación artística y cultural. EL ARTE EN EGIPTO Los egipcios destacaron como los mejores artistas de cualquier época por su excelencia estética por sus maravillas técnicas con la realización de magníficas obras Arquitectura Las estructurales piramidales (monumentos funerarios), revelan su ingenio y esfuerzo, ante la dificultad para tallar rocas con instrumentos muy rudimentarios de cobre y piedra, lo que implicó mover pesadísimos bloques hasta el lugar de la obra por la fuerza humana Las tumbas fueron construidas como mastabas No había transcurrido un siglo desde el primer faraón del Imperio Antiguo, cuando los constructores egipcios pasaron de los ladrillos de adobe a las complicadas construcciones de piedra. La Pirámide de Escalones de Sakkara, Dos siglos más tarde edificaron las pirámides auténticas con base en estructuras enormes de grandes bloques pétreos que se iban elevando uniformemente hasta culminar en un solo punto, como la de Gizéh, los más gigantescos sepulcros reales Khufu, Khafra y Menkaura (Cheopos o Keops, kefrén y Micerino) de la IV dinastía. La gran época de la construcción de las pirámides duró unos 400 años; después, en menor escala. Durante el Imperio Medio, las tumbas reales empezaron a sufrir una transformación en su diseño. El faraón Nebhepetre Mentuhotep, quién construyó en Deir el Bahari, un monumento funerario original y maravilloso, compuesto por un conjunto arquitectónico sostenido en un acantilado rocoso, dispuesto en tres niveles y adornado con árboles. Durante el Imperio Nuevo el emplazamiento de las tumbas reales cambió las necrópolis reales, se ubicaron en el Valle de los Reyes y en el Valle de las Reinas en Tebas, y los edificios monumentales tendieron a desaparecer. Los templos fueron continuamente reformados por los faraones: Se construyeron dos tipos de templos: el mortuorio dedicado al culto del faraón difunto y el templo de algún dios donde alojaban y veneraban la imagen de la divinidad. El templo más significativo de esta época es el de karnak, centro religioso y económico de este periodo. Los faraones Seti y Ramsés II, incorporaron un suntuoso vestíbulo con 134 pilares semejantes a gigantescos troncos de árboles en un bosque, esculpidos todos ellos con escenas donde se describe al rey adorando a Amón. Escultura El antiguo Egipto dejo millares de estatuas, en piedra, bronce, barro cocido entre otros materiales. Desde el inicio del Imperio Antiguo, fueron sentadas las bases de los cánones escultóricos Los escultores egipcios debían manifestar la esencia del sujeto y no los accidentes de su rostro. Por ello las figuras egipcias son inmóviles y desprovistas de pasión, comunicaban carácter y majestuosidad, solían tener posturas solemnes y la majestad del faraón; por ello, eran representadas en posición sentada, con las manos en la rodilla o bien erguidas, adelantando un pie y las manos caídas a los costados, o dobladas sobre el pecho. Hay figuras que aparecen arrodilladas, en actitud de sacrificio y presentando en ambas manos una ofrenda, o escribas sentados con las piernas cruzadas y un papiro sobre ellas. Durante la época del Imperio Antiguo, la figura que representaba al faraón era de constitución musculosa, casi atlética, con rostro sereno Los nobles eran representados como hombres corpulentos En el Imperio Medio esta característica evolucionó: la representación mediante estatuas y figuras del faraón tomaron un cariz más humano y menos divino cabeza en diorita negra de Amenemhat III y el retrato colosal de Senusret III En cuanto al Imperio Nuevo escultura delicada y refinada a diferencia de la antigua, más severa, sobria y sencilla, se emprendió un estilo de escultura colosal y lo mismo sucedió con la arquitectura. Relieves: técnica decorativa empleada en las tumbas y en los templos En algunos de los relieves se observa la gran dimensión en que aparecía el faraón, simulando ser un gigante en medio de pigmeos; su cabeza se reproduce de perfil mientras que el pecho, los hombros y el ojo se encuentran de frente, como mirando al espectador. Se representan rebaños, éstos son reproducidos en hilera, de manera que se puede contar el número de animales y no aparecen en masa de forma confusa de cabezas, patas y cuerpos. Al finalizar el Imperio Antiguo el relieve egipcio sufrió innovaciones y cambios que dieron más animación a las pinturas; poco a poco, las representaciones de los faraones tendieron a perder énfasis y exaltación. Durante el Imperio Medio, se dio un auge a la obra escultórica y a la producción de cerámica, debido a que un sector más grande de la sociedad demandaba esta producción artística. Ya en el Imperio Nuevo cambió tanto al estilo como el espíritu de la decoración de las tumbas, manteniendo un carácter más sombrío, desapareciendo la alegría y en su lugar prevaleció el humor fúnebre. Los autores de los murales de las tumbas de los Imperios Antiguo y Medio, centraron su interés en las escenas de la vida cotidiana, como los juegos, el trabajo y ceremonias públicas, las que se plasmaban de forma alegre y brillante; sin embargo; en la XIX dinastía, el culto a Osiris, hizo poner el énfasis más en la muerte que en la vida. Pintura En la pintura egipcia las formas de dibujar la figura humana no eran realistas en absoluto, su estilo fue esquemático. La pretensión del artista fue resaltar la esencia de las personas, representados siempre en plena juventud. Las formas simplificadas y estilizadas se dibujaban con contornos rellenos de color; los hombres se pintaban convencionalmente de rojo ocre y las mujeres de amarillo ocre, el cuerpo se retrataba de perfil, pero los hombros, el busto y el ojo aparecían en posición frontal. Las proporciones del cuerpo humano se ajustaban a un canon, es decir, a una serie de reglas basadas en la división de la figura en 18 partes. En cuanto al concepto del espacio, las figuras y los objetos eran puestos en un único plano paralelo al observador. La técnica usada por los egipcios era muy similar a la que hoy se conoce con el nombre de temple, qué consiste en la mezcla de pigmentos y agua, aglutinados con cera o con cola. Los pigmentos eran minerales, para el negro se usaba el carbón; para ocres mena de hierro; para el castaño, el rojo y amarillo, malaquita en polvo para el verde, y yeso o tiza para el blanco. Durante el Imperio Medio la pintura era sencilla, contaba con dibujos geométricos y servía para decorar la piedra y los vasos de alfarería. A partir de las dinastías II y III, representación de escenas de la vida cotidiana, la caza, juegos y ceremonias, Durante el Imperio Nuevo, el faraón Ekhnatón promovió el tratamiento naturista de la pintura e impulso ser pintado con su familia en escenas de alegría imágenes nunca antes pintadas en el arte egipcio. Fueron pintadas escenas completas en paredes, en vez de filas o registros; algunas pasaban de una pared a otra y las figuras se integraban en paisajes de grandes dimensiones. Medio siglo después de Ekhnatón, el arte había tomado otro rumbo: la civilización egipcia había alcanzado la cúspide y el sentido de la expansión, el espíritu de grandeza produjo grandes obras en la pintura: se plasmaron los sucesos históricos importantes de la época. CHINA China es considerada la civilización más avanzada y de mayor influencia en el Asia Oriental sus inicios se registran desde el 1.500 al 1.000 a. C. Esta grandiosa nación vivió por mucho tiempo sin contacto con el mundo occidental ni el sur asiático, de ahí el singular carácter de su cultura y de su filosofía. Marco histórico y cultural La conformación de la civilización china fue de gran importancia. En este vasto territorio se pueden distinguir tres regiones: • La del sur, ubicada en la Península de Indochina • La región del norte montañoso • La llanura que se encuentra ubicada entre los ríos Huang He y Yang Tse kiang, (río Amarillo y el río Azul) El territorio chino comprende costas, colinas altiplanos y montañas, contando con extensa variedad de climas, favorables para todo tipo de cultivos. .Otro aspecto singular de los chinos es, su dedicación a sus tradiciones y su arraigado respeto a sus antepasados y a su religión. Había una alta estima a la familia. China se sustentó en una estructura económica, social y política basada en la en unidades económicas de autoconsumo, produciendo sus propios medios de subsistencia. El arte en China Cultura del bronce, sin abandonar utensilios neolíticos. Los bronces jades y cerámicas, el Jade debió considerarse ya entonces como materia mágica que habría de labrarse con delicadeza. Lo esencial del arte chino se haya contenido en las manifestaciones artísticas del período Han, que va desde el siglo II al año 220 d.C. La pintura del retrato, la escultura con figuritas sobre bronce, la cerámica recubierta de barniz plumífero y la ornamentación laqueada y piezas de Jade, son algunas muestras de ello. Arquitectura Pagodas y los palacios, todo es concebido para realizar una demostración de la metafísica y de la naturaleza a través de los esmaltes y la cerámica de los tejados verdes, azules y amarillos. Tiene como principal misión la alegría visual y la de simbolizar fenómenos meteorológicos o encarnar los bosques, los cultivos, las aguas. Los colores igual a la devoción: azul cielo para los templos del cielo, rojo en los templos del Sol, café para los de la Tierra, blanco en los de la Luna, con el fin de establecer armonía y serenidad en el corazón de los devotos. En la construcción se cuidaban: la ubicación, el número impar de los tejados escalonados, las máximas pintadas por todas partes, las crestas, las siluetas engarzadas y erizadas. Todo responde a la constante preocupación de atraer o repeler de las viviendas a los genios del aire y del agua. A esta misma preocupación obedecen los grandes parques artificiales queriendo manifestar respeto hacia la naturaleza. Construcciones importantes la ciudad Imperial en Pekín, las cuevas budistas o las grutas de Mogao, la ciudad vieja de Lijiang Naxi y algunos templos y pagodas y la Gran Muralla China. Esta última es una obra arquitectónica que se inició hace 2.500 años, con la finalidad de contener los ataques de los pueblos nómadas del norte (tártaros). Mide más de 7.300 km de longitud, 16 m de altura y de 5 a 8 metros de ancho y se alzan 25.000 torres. Sirvió de defensa estratégica Del período Han, se conserva la tumba monumental, destinada preservarse a través de los siglos. La precedía, el camino de los muertos bordeado por grandes esculturas de animales. Las típicas casas chinas. Los muros eran ligeramente ensanchados por su base, con amplias aberturas a modo de ventanales, sostenidos por pilastras o columnas de leño, techumbres en saledizos recubiertos de tejas, con remates en forma de pájaros u otros animales decorativos. Pintura Pintores que disponían de rápidas pinceladas de tinta y acuarela sobre seda, el verdadero sentido era captar tanto el espíritu como la forma de los temas que dominaron. Uno de los críticos más destacados en este terreno Hsieh Ho, del siglo V, sostenía que para lograr ser un verdadero pintor se debía cumplir con 6 cánones. Era preciso contar con un grado excelente de maestría en la pericia de la composición, la representación del color, el manejo de los pinceles, técnica estrechamente vinculada al lenguaje- ilustración de la escritura china. lo más importante era que el artista depositara su propio espíritu, es decir el Ch¨i. A diferencia de la pintura occidental, no eran las luces y sombras, la base de la estructura, sino la línea o la caligrafía. Se tenía en un alto valor la maestría en el manejo del pincel, cuyo mango era de hueso o madera y al que hace adaptaban cerdas suaves y flexibles. Los pintores chinos practicaban durante años el control muscular necesario para dar pinceladas rápidas y delicadas; el propósito era perfeccionar el manejo de los pinceles hasta que estos llevarán un sello personal en su escritura manual. La capacidad de dibujar buenos parecidos se fue desarrollando gradualmente. Para el siglo IX cuando se pintaban obras como la escena de la Corte, los artistas cumplían con creces lo estipulado en los cánones marcados por Hsieh, lo cual quedaba simbolizado con los caracteres de Fidelidad- Tipo; Representación- Forma. Durante la dinastía Tang, el color desempeño una función importante en la pintura china, y el arte budista En las pinturas budistas se usó el color para simbolizar las fuerzas de la naturaleza. El verde, rojo, amarillo, blanco y negro significaban madera, fuego, tierra metal y agua respectivamente Con el tiempo color, este se suavizó y los tonos fueron diluidos hasta llegar de nuevo al blanco y negro, para representar los elementos opuestos de la naturaleza. Para conseguir la perfección en el arte de la composición División-Planificación ColocaciónDisposición; reglas para equilibrar los elementos de un cuadro, se prestaba especial atención al logro de la sensación del espacio tridimensional. Los chinos crearon otros medios para expresar distancias, al irse desenrollando los rollos, entraban en juego las variaciones de estos medios de composición. Los espectadores no quedaban confinados a un solo punto fijo de observación, ya que los ojos vagaban por todo un paisaje. Escultura La escultura china floreció a partir del siglo I, como consecuencia de la nueva devoción religiosa del budismo. Destacan los santuarios de Bamiyán (siglos II y III) cuenta con grandes esculturas al aire libre, inspiradas en las figuras búdicas de Gándhara, luego realizando budas más esbeltos, íntegramente envueltos en los pliegues del largo y amplio ropaje, con rostros alargados y de pómulos salientes, párpados casi cerrados y labios que insinúan una tierna y mística sonrisa. Se cree que existió una mayor influencia en el arte hindú gupta, donde los budas son representados con el torso desnudo y cuyo cuerpo se contornea. Aparecen entonces, en toda su variedad, las grandes figuras Lokapala y Dvarapala, es decir, los genios guardianes de los templos, en actitudes enérgicas o violentas En cuanto a las figuras de terracota que se han hallado en las tumbas lujosas, hacia el siglo II a.C., se trataba de un séquito numeroso, en los que se encontraban los animales del difunto, caballos, camellos, yaks y una gran variedad de personajes y seres irreales. LA INDIA Gran Mosaico de Culturas, no existe una cultura básica única. Las influencias culturales sucesivas han creado un intrincado modo de vida al combinar la adoración el rito y la religión Marco histórico cultural La India, de norte a sur está formada por un mosaico de montañas, llanuras, desiertos y lagos entre fértiles costas limitadas por mares Tórridos calores lluvias monzónicas. Las montañas dominan el norte de la India, los Himalaya de 230 m de altura y 2.000 de largo, salpicados con los picos más altos del mundo La región del Ganges y las llanuras nororientales es el centro espiritual de la India, las cosechas son abundantes porque los cultivos de arroz y trigo reciben aguas del río y del Monzón La presencia de diversos grupos culturales invasiones de pueblos y la fuerte y arraigada tradición religiosa influyeron para que se formaran diferentes estados, con cierta autonomía en la organización política y social. EL ARTE EN LA INDIA En el s. VI a. n. e., se presentó un auge en la civilización en la India, con el budismo y el jainismo, dos fenómenos religiosos, el budismo provocó una gran revolución en la población y dejó huella en toda la expresión cultural y artística. Arquitectura Esta contó con una organización urbana muy adelantada con edificaciones de ladrillo Las primerísimas ciudades de esta cultura de indo, tenían un plano regular, están provistas de grandes estanques y piscinas, de un sistema perfecto de desagües Reino de los Andra, está dinastía permaneció por 300 años, del 25 al 320 de nuestra era, creando el llamado Arte de Amaravati. Destaca en particular el templo de Sarnita, coronado en capitel con cuatro leones sobre una rueda de la ley, esculpido en brillante piedra pulida, mide 2,10 m. de altura, emblema actual de la India acompañado de una frase sánscrita que dice “sólo triunfa la verdad”.e De la época Maurya, pertenecen los primeros monumentos del arte hindú: stupas, chaytias y viharas, todo de inspiración budista. Los stupas o templos conmemorativos son construcciones semiesféricas, hechas para contener reliquias de Buda y de sus discípulos Las otras dos construcciones típicamente búdicas, son el chaitía o Santuario y el vihara o monasterio, estas no son estructuras arquitectónicas, Sino escultóricas excavadas en la roca viva., Las chaitías se conformaban de una nave con columnas terminadas en un ábside en el que hay un pequeño stupa rodeado de un deambulatorio para que puedan circular los fieles, mientras que los viharas, son unas salas sostenidas por columnas qué sirve de vestíbulo a una serie de celdas excavadas en torno. Los chaitías construidos de roca volcánica curvada su interior son de una increíble riqueza de relieves y pinturas. Del Arte Amaravati, se clasifica en cuatro períodos. El más característico corresponde al del s. II, se trata de un arte narrativo de escenas búdicas La arquitectura gupta, arquitectura rupestre o tallada en roca. Se construyeron dos tipos de templos: El estilo del Norte o Indo-Ario y del Sur Dravídico. El indo-ario, se caracteriza por ser un Santuario de planta cuadrada cuyo alto tejado se eleva en forma de torre que se va curvando hacia la cúspide. Está torre curvilinea se llama Sikhara. Su coronamiento la forma una especie de almohadón aplastado con surcos verticales que reproduce el fruto sagrado amalaka. La pequeña Isla Elefanta,s. VIII, fue tallada una gruta maravillosa dedicada a Shiva. Es una gran nave cuadrada de 43 m de lado con columnas cuadradas y un ancho capitel en forma de bulbo aplastado. La escultura principal es el busto tricéfalo de Shiva En las colinas de Ellora, la dinastía Rastra Cúcuta El templo más extraordinario es de Kailashanatha, único por su estilo y por el modo en que fue construido, tallado verticalmente en la roca. Los soberanos de Palava, en los siglos VII, VIII y IX, creadores del estilo del sur o dravídico que se aprecia en el templo de virutas y que hemos observado en el de Virupasksha, en Pattadakal. Los elementos arquitectónicos características son el vimana piramidal y los gopuram o pirámides de fuerte pendiente colocados sobre las puertas de las entradas de los recintos de los templos. Escultura y pintura: figuras de Buda en Sarnath durante la época Gupta. La representación del manto del monje varía absolutamente, ahora sólo se observa un ligero relieve alrededor del cuello y la curva del borde inferior marcan el hábito de Buda, sus ojos entornados y los labios que apenas asoman una sonrisa expresan serenidad. Al surgir el culto neo brahmánico, impulsa un nuevo estilo de Santuario que fuese propicio para la liturgia de Brahman en que se requería que estuviese por separado y aislado de la masa de fieles. Los templos y santuarios decorados con relieves, como el de Bhuvaneshvar, ninfas, demonios, serpientes enanos bailarinas de piedra que se pierden entre los pliegues de las pilastras de la fachada los templos. Durante el s. I a. C., se destacó el período Kushana, que corresponde al “Arte Gándara” el cual fue una fusión del arte hindú con el helénico. En el estilo Amaravati la principal contribución fue la stupa, En el arte Gándara el Buda es representado de pie o sentado con las piernas cruzadas en posición de loto, para significar la meditación en busca de la verdad. En el Arte Amaravati, se caracteriza porque los cuerpos humanos son plasmados esbeltos y flexibles sonrientes por la acentuación de las comisuras de los labios y en actitudes muy libres y alegres llenos de gracia. El mayor esplendor de la cultura de la India se alcanzó con La Dinastía Gupta que abarcó desde el siglo V al VIII, de nuestra era, La Gruta de Ajanta destaca por la obra escultórica en las que se da una triple flexión, a la cabeza, tronco y piernas, recordando la silueta sinuosa de las esculturas griegas. Se produjo, una riqueza en las artes visuales y en la literatura en sánscrito, de poesía lírica y fábulas qué han influido en el mundo musulmán ARTE EN MESOAMÉRICA OLMECAS Marco histórico cultural La cultura olmeca-la cultura madre, estaban las normas y tendencias que determinaron la actitud de artística de Mesoamérica. Su presencia Data de los años 1.200 y 600 a. C. y su ubicación se localiza en la región de la costa del Golfo de México, en el estado de Veracruz y al norte de Tabasco Las construcciones encontradas refieren a pirámides templos, campos de juego de pelota y habitaciones de los sacerdotes y los seminarios. Gracias a su cercanía con varios ríos, los olmecas cultivaron maíz, frijol, calabaza y chile. Fueron grandes artesanos creando una hermosa cerámica, tejieron telas, las canastas, petates, trabajaron piedras semipreciosas y el Jade. En la Venta aparece la plástica o escultura monumental con grandes cabezas, la cabeza es una masa cilíndrica sobre la cual se abomba una semiesfera, su sección transversal es un óvalo cortado en su parte inferior. La fisonomía comprende gruesos labios y comisuras hundidas nariz ancha y roma, ojos grandes seguramente, llevaban un gorro de cuero y por su gesto y sus proporciones resultan impresionantes. Escultura: de una gran maestría, de tamaño menor en Jade, hay otras piezas de Jade azuloso y de otros tonos que representaban figuras humanas con la boca tipo Jaguar, algunas están pintadas de rojo, color que se cree tenía un significado mágico religioso. También existen esculturas en otras piedras, como la figura sedente en granito rojo de El Tejar, Veracruz, de proporciones bien estudiadas en la cual se dio importancia sobre todo a la cabeza, que muestra los gruesos y abultados labios de la boca, la nariz es de tipo aguileño. Otra Escultura excepcional es la del luchador, lleva sólo una banda que le sirva de taparrabos, la cabeza parece estar rasurada y tiene barba y bigote, se observa de un tipo étnico. La estructura de la cabeza es diferente y tiene los ojos muy hundidos, las hachas, están talladas en diferentes piedras hechas de modelo natural y de gran diseño, desde el más abstracto hasta el más refinado gusto intelectual. TEOTIHUACÁN Su asentamiento quedó comprendido en las cercanías del lago de Texcoco Alrededor de manantiales y arroyos, lo que benefició la agricultura y el desarrollo de la cultura. El florecimiento de Teotihuacán registró entre los años 600 y 900 a. C., esta ciudad se consolidó como la metrópoli y el mayor centro comercial y manufacturero. La sociedad estaba dividida en sacerdotes, burócratas, artesanos, campesinos, peregrinos y comerciantes, el gobierno estaba en mano de reyes y sacerdotes Gracias a la cerámica encontrada se han establecido 4 etapas: En la primera, fue levantada la pirámide del sol, sobre una base plana que después a lo largo del resto de las etapas fueron superponiendo otras estructuras. Durante la etapa segunda se construyó la Pirámide del templo Tláloc- Quetzalcóatl. En la tercera etapa surgen las formas severas clásicas arquitectónicas y geométricas del Teotihuacán, así como las pinturas murales y una gran variedad de piezas cerámica. En la última etapa de la decadencia justamente con el advenimiento de la cultura tolteca. Se pueden distinguir dos tipos de expresión artística, de espíritu muy diferente la pirámide de Tláloc Quetzalcóatl, con una rica ornamentación simbólica y la de Teotihuacán, severo, simple y geométrico Arquitectura Las principales construcciones arquitectónicas de Teotihuacán fueron la “Pirámide del Sol”, de planta cuadrada, 224 m por lado en su base. Carece de estructuras interiores y descansa sobre una amplia plataforma artificial La pirámide de la luna mide 42 m y está compuesta por troncos piramidales con escalinatas, al norte conduce a un eje con una longitud de 2 kilómetros de largo y 40 m de ancho la llamada “Calzada de los Muertos”. La pirámide de Quetzalcóatl santuario consagrado a los dioses Quetzalcóatl Tláloc, los dioses del aire y del agua, se alinean 364 cabezas alternativamente la de Quetzalcóatl y Tláloc, y a una misma distancia sobresalen los frisos en relieve que representan la serpiente emplumada, se evita todo el elemento dinámico, la postura de las figuras es estática, todas las partes están dispuestas simétricamente en torno a un eje central. Escultura y pintura La imagen de Chalchiuhtlicue, diosa del agua viva, un monolito de 3 metros de altura se hallaba delante de la pirámide de la luna, el contorno insinúa la figura de la diosa, la cara anterior del bloque es un relieve que representa inmóvil, hierática, majestuosa Los murales teotihuacanos, son en las más diversas variaciones himnos a Tláloc, dios de la lluvia, qué hace brotar las plantas. El más importante es aquel en que figura el Tlalocan, el paraíso terrenal en Teotihuacán tepantitla, la gran superficie rojiza, interrumpida por un triángulo de color azul claro presentación simbólica del agua que constituye un eje de simetría vertical está organizada en zonas horizontales. ARTE MAYA Basada en la gran obra edificada en grandes monumentos, esculturas pinturas y en general por todo el arte producido por esta cultura. La cultura maya se distingue en dos momentos fundamentalmente y se desarrolló en la vasta región que va de Yucatán hasta Honduras, en cuyo avances fue del s. II al IX de nuestra era, y el posclásico se ubicó en la Península Yucateca y próspero en el siglo IX al XV, en qué el arte maya tuvo su edad de oro. Lograron notables avances en el aspecto astronómico y en los cálculos calendáricos. Arquitectura: ejemplo de ellos son las pirámides. Palenque con el “Templo de las Inscripciones”. La cámara descubierta bajo el templo, tiene por cubierta el arco falso o arco maya, qué consiste en dos muros inclinados en forma de talud hacia el centro, con los que se construyeron puertas y corredores Guatemala: la arquitectura Maya desarrolló, dos estructuras principales, una de base rectangular construida sobre escalonada como el Palacio de Palenque, la otra fue de cuerpo cúbico alzada sobre plataformas piramidales, con escalinatas pronunciadas como el Templo del sol, con espacios cubiertos con falsas bóvedas, del período clásico. Pirámide funeraria el templo de las inscripciones, único en Mesoamérica También se desarrolló en Palenque, el arte de modelar el estuco, pintado con rojo y azul se utilizaba para decorar las columnas de los palacios y las criptas de los templos.. Pintura: de Bonampak, Chiapas, representan ceremonias y escenas de guerra. El artista maya aprovechó el dibujo al máximo, a la línea misma y manejó el pincel libremente para lograr trazos con gran soltura y seguridad. Entre todas las figuras existe una de gran belleza, que es el prisionero muerto y desnudo, tendido sobre las escaleras de los pies de los grandes jefes militares. Los mayas del período clásico fueron buenos escultores, las estelas conmemorativas son obras de un gran arte como ejemplo se encuentra una piedra circular con relieves y una cenefa de numerales, qué marca una fecha, que en nuestra cronología corresponde al año 570. AZTECAS Los aztecas Llamados mexicas, pertenecen a la familia náhuatl. Llegaron al Valle que se llamaría México y se establecieron en una isla del lago de Texcoco, en la que a principios del siglo XIV, fundaron Tenochtitlan. Su desarrollo, conquistas y alianzas, fueron rápidos logrando formar un gran Imperio, que abarcó desde las costas del Golfo de México, hasta las del océano Pacífico y desde la región central hasta el Itsmo, pero su influencia llegó hasta Yucatán, asimilaron la riqueza artística y cultural de otras civilizaciones más avanzadas. Arquitectura Los templos aztecas fueron piramidales y las construcciones para la gente noble o sacerdotes eran hechas de piedra, mientras el pueblo vivía en casas de diversos materiales endebles y fácilmente destructibles. Utilizaban materiales como la troquita, el tezontle o el tepetate y la cal. El Palacio de Moctezuma tenía lugares para negocios públicos, aposentos particulares, trojes, casas de mayordomos de cantores, de bailarines de cautivos y estancias para las fiestas, huertas jardines baños y estanques. Escultura Habilidad plástica y algunas veces realismo, como la del “Caballero Aguila”. En la “Piedra del Sol” o “Calendario Azteca”, están resumidos los conocimientos cosmográficos de esta cultura, con una Imagen del Sol en el centro, el monolito llamado, “Piedra de los Sacrificios”, es otra obra de las grandes creaciones artísticas de los aztecas. Pintura Decoración geométrica en vasijas de barro, así como en los códices elaborados con pieles de venado, estos se pintaban en largas tiras de piel de venado adobada, con una cubierta blanca o bien en papel hecho de la corteza del amate, de fibra de maguey o de palma. A los pintores se les llamaba tlacuilos, utilizaban pinceles hechos con pelo de conejo o de venado y delineaban previamente las figuras que querían representar, llenando los espacios en blanco. ARTE EN EL ÁREA ANDINA De las culturas de la zona de América del Sur, destacan las del área andina, allí surgieron desde el siglo IX a. C., diversos grupos humanos que formaron pequeñas culturas de carácter local. Se les denominó pre- incas porque fue el punto de partida de una tribu qué se instaló en el Cuzco hacia el siglo XII. Esta tribu fue la de los incas que se constituyó en un gran Imperio, gracias a su capacidad organizativa. Arquitectura: el material utilizado fue la piedra, con tres tipos de tallado, tosco, irregular y en grandes bloques. Para los templos de los edificios más importantes, la piedra era trabajada en forma de sillares regulares. La arquitectura inca no innovó y su belleza estaba en su grandiosidad, en el buen tratamiento de la piedra y en su adecuación del paisaje andino. Sus restos se encuentran en Cuzco y en la Fortaleza de Machu Picchu. Escultura y pintura: Tuvieron poco desarrollo entre los incas, elementos decorativos de una cerámica poco interesante. Las labores textiles confeccionadas con fina lana de alpaca y vicuña o con algodón. Los Tejido se decoraban con motivos geométricos o con representaciones humanas de una gran riqueza de colorido. Orfebrería: Las piezas más corrientes son figuras pequeñas de hombre y mujer, acaso amuletos realizados en oro y plata, también se conocen vasos ceremoniales y túmis, qué son cuchillos en forma de media luna con mango central. Estos eran decorados con cabezas de llamas y alpacas. ARTE EN LAS CULTURAS CLÁSICAS DE LA ANTIGÜEDAD Introducción “Arte Clásico” floreció en Grecia hacia el s. V a. n. e., cosmovisiones de griegos, en relación con los valores estéticos de armonía, belleza, estabilidad, permanencia, utilidad y bienestar. El Arte Paleocristiano GRECIA CLÁSICA Atenas, donde se conformaron principios filosóficos, se formularon teorías y se introdujeron nuevas perspectivas, en la visión de los dioses del mundo y de los hombres. Marco histórico cultural Los pueblos que ocuparon las regiones griegas se fueron fusionando, Grecia abarcó tres grandes zonas::La continental, La insular: y Las regiones colonizadas En la evolución de la historia griega se han establecidos las siguientes etapas: Edad de Bronce Época Oscura Periodo Arcaico Período Clásico 3000 a 1100 a.n.e. 1100 al 800 a.n.e. 800 al 650 a.n.e. 650 al 336 a.n.e. Se desarrollan las culturas minoica y micénica. Invasión de los dorios. Comenzó la colonización griega. Prevaleció el sistema político monárquico. Comenzó la consolidación de las ciudades estado griegas dominio de las oligarquías. Apogeo de las Ciudades Estados griegas. Formación de confederaciones dirigidas por Esparta y Atenas. EDAD DE BRONCE Cultura Minoica Los cretenses contaban con poderosa flota y recorrerían el Mediterráneo, favorecía el comercio con otros pueblos de Asia. Sistema social jerarquizado, por la realeza y la nobleza, sacerdotes y jefes militares, campesinos artesanos y esclavos. Deportes, pugilismo, las carreras y los juegos acrobáticos con toros. Cultura Micénica A finales del siglo XV a. n. e. los aqueos invadieron el sur de Grecia estableciéndose en la Península del Peloponeso, fueron conquistando los territorios de las Islas y la región de Micenas. Sociedad jerarquizada con una realeza, funcionarios escribas y sacerdotes un marcado militarismo, formado por hombres libres y esclavos, dirigidos por un rey y un Consejo de Ancianos o Gerusia. ÉPOCA OSCURA Sus principales ciudades fueron Esparta y Corinto. Retroceso cultural ÉPOCA ARCAICA Hacia el año 800 a. C., las reformas políticas sustituyen a las monarquías, se consolidan las Polis en Ciudades-Estados Entre los años 800 y 650 a. C., las monarquías fueron sustituidas por oligarquías. Cerca del año 650 a.C. estas oligarquías fueron sustituidas por la dirección de plebeyos que prosperaron gracias a la actividad comercial. ÉPOCA CLÁSICA: Atenas y Esparta siglos V y IV a.C., destacan Atenas y Esparta, este último fue un estado militarizado, desarrollaron el modelo de democracia limitada. La religión era politeísta. HELENISMO Alejandro Magno (336- 323 a.C.), llegó a ocupar, Grecia, Egipto, Asia Menor, Oriente Próximo y Medio y algunos enclaves en la India. La cultura griega se extendió por todos los territorios conquistados y duró hasta la conquista romana en el s. I, a. n. e. Arte Los griegos lograron establecer los cánones de belleza clásica, con base en los enfoques Periodo Helenístico 336 a 30 a.n.e. Imperio de Alejandro Magno que se extiende por Asia filosóficos del: Humanismo-El hombre debía ser respetado como ser individual Racionalismo-Los principios básicos de este plan racional, la simetría la proporción y la unidad, basados en la interrelación de las partes entre sí y con el todo. Naturalismo-Trataron de copiar la naturaleza fielmente Idealismo-Aunque sus representaciones partían del mundo objetivo las idealizaban conforme a los cánones de perfección. ARTE MINOICO La civilización cretense o minoica se desarrolló en Europa, durante la Edad de Bronce (- 3000 - 1100 a.C.), en la isla de Creta La pintura, muy estilizadas y de gran colorido (1500 a.C.). El palacio de Cnosos, con patio central, megarón, los muros decorados con frescos, representaban escenas de gran expresividad y naturalismo. Reflejaban su conocimiento de los mares y de su fauna. Sus dibujos carecen de perspectiva. Los objetos de cerámica se decoraban con peces crustáceos y moluscos. Las esculturas eran pequeñas hechas de barro, con representaciones de personas o de animales, elaboración de hermosas joyas (conocimiento de la metalurgia). El toro fue representado con frecuencia en pinturas y piezas de cerámica (juegos acrobáticos). Ausencia de motivos bélicos en sus obras. ARTE MICÉNICO La civilización micénica, año 1400 a.C., fue una adaptación del arte minoico. Las características de las construcciones militares, de carácter defensivo. Las tumbas de túmulo, arcas de la comunidad, eran construcciones circulares formadas por bloques de piedra que sobresalían en gradación hasta formar una cúpula cónica (tholos). En las pinturas micénicas, predominaron las escenas de caza a o de guerra. Escultura, miniaturas de marfiles, terracota y gemas talladas. Orfebrería, famosas máscaras funerarias. El arte griego, se desarrolló en torno al ideal de belleza que significaba lograr el perfecto y armonioso equilibrio entre el contenido y la forma. En el desarrollo del arte griego, hace referencia a tres etapas: Arcaica (s. VIII al VI a.C)-Fase inicial del estilo griego en el que se crearon las primeras formas artísticas. Clásica (s. VI y V a.C.)-Fase de madurez en la que se consolidaron las formas artísticas y se establecieron los cánones estéticos. Helenística (s. IV a II a.C.)-Fase en la que se cambia el modelo de belleza ideal por los que es de manera más realista, expresaron sentimientos y estados de ánimo de los seres humanos. Arquitectura Sin un plan urbanístico, alrededor de una fortaleza natural llamada Acrópolis. La vida de los ciudadanos se desarrolla en entorno: La zona civil con el ágora o plaza, edificaciones públicas, viviendas, etc. La zona Sagrada con los templos y santuarios para el culto a los dioses El teatro, presentaciones dramáticas, entretenían al pueblo. Los Edificios más significativos de la arquitectura griega fueron los templos y los teatros. Templos: situados en un recinto elevado y fortificado, la Acrópolis, alberga la imagen de la divinidad y las ofrendas, en su interior no se realizaba ningún culto, eran de mármol blanco y estaban pintados de vivos colores. Desarrollaron tres órdenes arquitectónicos1 y los elementos que distinguen estos órdenes arquitectónicos son: 1- La columna y su capitel 2- El cornisamento, sostenido por las columnas y formado por: • Arquitrabe, parte apoyada directamente sobre el capitel de la columna. • Friso ornamental, constituido por paneles llamados metopas y triglifos. 3- El frontón la parte más alta y con forma de triángulo cuyo espacio interior llamado tímpano se adornaba con esculturas. Orden dórico-Las gruesas columnas carecían de base, el fuste se formaba por bloques superpuestos, eran anchos de abajo e iba disminuyendo su diámetro hacia arriba, la superficie tenía estrías con aristas afiladas. El capitel terminaba en una moldura llamada equino. Orden jónico-De mayores dimensiones que el dórico, descansaba sobre una doble hilera de columnas más esbeltas, que tenían una base y el fuste con numerosas estrías, sin aristas afiladas, el capitel culminaba en dos volutas y un friso decorado. Orden corintio-Las columnas altas y elegantes con un capitel jónico enriquecido por hojas de acanto talladas en mármol y la cornisa con modillones. Teatros-Semicírculo con gradas, representación de tragedias griegas. Escultura-La figura humana, representa siempre el ideal absoluto de belleza lo cual significaba: • En el plano físico, fijaron un canon o sistema de relaciones matemáticas entre todas las partes del cuerpo humano, con base en el estudio de su anatomía en estado de tensión y de movimiento. • En el plano espiritual, expresar la armonía serenidad y equilibrio, reflejados en rostros. Las esculturas, modelo de hombre, el atleta, el guerrero. Los frontones de los templos para instruir. Artistas: Fidias, Praxíteles, ejemplos de obras: • Zeus Olímpico, esculpido en marfil y oro por Fidias. • Afrodita diosa del amor y de la belleza, fue esculpida desnuda por Praxíteles. • Dionisios, dios de la vid y de la embriaguez, era reconocible por la corona de hiedra la copa de vino y la piel de pantera, que le servía de lecho. Materiales: madera, piedra, oro, marfil, etc., prefirieron el mármol y el bronce. En el proceso evolutivo de la escultura griega se pueden reconocer los siguientes períodos: Periodo arcaico (s. VII al V a. C.)-Al principio las esculturas fueron de madera, luego trabajaron la piedra. Se caracterizaban por su rigidez y la sonrisa arcaica. Período clásico (s. V y IV a.C.)-Con el estudio de las proporciones se pudo copiar fielmente la anatomía humana La proporción por medio de la ordenación matemática Concepto del “contrapposto”: consiste en representar a la figura humana con una pierna ligeramente flexionada, da lugar a que la figura describa una línea curva en plena acción. Otro principio rector, la diartrosis o articulación y la representación de la vitalidad del atleta que nunca permanece estático. Obras, El Discóbolo de Mirón, los relieves del Partenón en Atenas de Fidias Praxíteles y Lisipo con los primeros retratos. Policleto, representación del equilibrio y del movimiento en las esculturas Doríforo y Diadumeno, gran conocedor de la anatomía humana, elaboró un Canon de las proporciones de la figura masculina (la altura del cuerpo debía ser igual a 7 veces la medida de la cabeza). Praxiteles (390 - 330 a.C.), presentaban una postura flexionada y descentrada con respecto al eje vertical, descansando sobre un punto de apoyo. Pintura y cerámica Decoración de vasijas y platos, servían para educar y deleitar, libros ilustrados Se reconocen tres períodos: Geométrico (s. VIII a.C.)-Elementales formas geométricas, luego aparecieron los primeros dibujos de plantas y animales enmarcados por guardas denominadas “meandros”. Arcaico (s. VII y VI a.C.)-Perfiles esquemáticos de dioses y atletas, héroes algunos animales. Las figuras eran de color negro sobre fondo amarillo o rojo. Clásico (desde finales del s. VI al IV a. C)-Se introdujo uno de los mayores artificios de la perspectiva, el “escorzo” que fue promovido por Polignoto, pintor, reemplazo del punzón por el pincel. Las vasijas tienen las figuras rojas sobre fondo negro. EL HELENISMO Con la conquista de Alejandro Magno en Asia, la cultura griega se difundió por todos los territorios conquistados, principalmente en Asia y el norte de África en Egipto. Contexto histórico cultural La conquista de las ciudades estados griegas independientes (- 356-357 a. C.), por Filipo II de Macedonia, comienzo de cambios culturales importantes. Alejandro hijo de Filipo II (336 a. C.) tomó las riendas del Imperio, su dominio se extendió de la Península Balcánica a Egipto, al este en Asia, sobre el Imperio Persa y hasta las márgenes del río Indo. El período Helenístico abarcó desde el 323 a. C., fecha de la muerte de Alejandro Magno hasta el año 31 a. C., cuándo Grecia, cayó bajo el poder de Roma. Después de la muerte de Alejandro, el Imperio quedo dividido en varios reinos, Egipto, Siria y Asia, Macedonia y Grecia. Rasgos comunes de estos reinos fueron en los ámbitos políticos, económicos, sociales, culturales y religioso Arte Helenístico Dejaron de basarse en modelos ideales, para hacerlo en modelos más naturalistas, la figura humana, incluida la vejez y la fealdad. La característica principal del estilo helenístico fue la expresión exagerada de los sentimientos y conflictos internos del ser humano. Arquitectura Las ciudades helenísticas fueron planificadas algunas de forma circular, construyeron, palacios,h gimnasios pórticos, bibliotecas, teatros y arcos de triunfo. Escultura-Realidad exagerada, monumentalidad y belleza Escultores del helenismo: Lisipo, perfecciona la disposición de las figuras en el espacio, que obligaba al espectador a contemplarlas desde diferentes ángulos. Canon (cuerpo de 8 cabezas).Obra,” El Apoxiomeno” Escopas, rostros de expresión pasional y emotiva, escenas de combate retorciéndose (movimientos violentos). Cares de Lindo, su obra más famosa fue El coloso de Rodas en bronce 32 m de altura. La escultura evolucionó, una de las disposiciones escultóricas favorita fue la llamada posición en aspa, en la que se representaba la figura humana con el torso retorcido, grupos escultóricos, Laconté y sus hijos. Pintura Total dominio de la luz el color y la perspectiva, agudo sentido de la composición, el ritmo y el color de los pintores helenos. Grandes vasijas de lujo, se sustituyeron las pinturas por los relieves en colores negro o rojo. Apeles sus cuadros tenían un atractivo brillo que conseguía mediante el atramentum, una capa de barniz negro sobre sus cuadros. Se trabajaron dos ramas: La megalografia o pintura de lo grande -ámbito funerario, escenas del Hades La riparografía o pintura de lo pequeño, bodegones paisajes, caricaturas. ROMA Sus características fueron, la racionalidad y la funcionalidad, satisfacer las necesidades del gobierno y la sociedad. Expresar el poderío y supremacía. Contexto histórico cultural Los conocimientos, culturales y técnicos de los diferentes pueblos conquistados, en especial de los griegos, adaptados a sus necesidades, surgió la llamada cultura grecorromana. Fundación de Roma: los etruscos conquistaron la región de Lacio y en el año 753 a.C., fundaron Roma por los hermanos gemelos Rómulo y Remo. La sociedad, conformada por tres grupos: Patricios: descendientes de los fundadores, familias ricas, propietarias. Plebeyos: extranjeros, hombres libres sin los derechos de ciudadanos Esclavos: hombres sin libertad, que eran vendidos o capturados en las guerras. La Monarquía: primera forma de gobierno, rey Rómulo. A finales del s. IV a.C. Cuando la monarquía se debilitó, instauraron la República. La República: la figura del rey, reemplazada por dos cónsules que presidían el Senado. Los Triunviratos: en el año 60 a.C., se formó el primer triunvirato dirigido por: Julio Cesar; Pompeyo y Craso, entre los tres se repartieron las tierras conquistadas Octavio, permaneció en Roma a cargo de las provincias de Occidente. Marco Antonio se convirtió en monarca oriental al trasladarse a Egipto Lépido, jefe de la caballería se fue a África. Octavio, obtuvo la destitución de Marco Antonio se apoderó de Alejandría capital egipcia y convirtió a Egipto en una provincia romana, después Lépido se retiró y Octavio quedo con todo el poder. El Imperio: en el año 27 a. n. e., Octavio se hizo investir emperador antepuso el nombre de su padre adoptivo, César. Luego se sucedieron varias dinastías. Constantino quedó como emperador en el año 324 fundó Constantinopla, (Bizancio). Después de la muerte del emperador Teodosio en 395, el Imperio quedó dividido entre sus dos hijos uno recibió la parte Occidental con Roma como capital y el otro la Oriental con sede en Constantinopla. El Imperio Romano de Occidente, dejó de existir en el año 476, cuando cayó bajo el dominio de los germanos. El Imperio Romano de Oriente duró 1.000 años más, hasta 1453, cuando Constantinopla fue conquistada por los turcos musulmanes. Aspectos culturales Las tierras conquistadas eran reconstruidas a imagen de Roma. Entre el legado tangible de Roma, edificaciones construidas para perdurar, El legado intangible, fue la unificación, Roma estableció modelos de instituciones públicas, de actuar ciudadano y de respeto al derecho y la ley. Arte: durante la monarquía, el Arte Romano, estuvo influenciado por el mundo helenístico y de sus artistas que llegaron a Roma, asimiló los influjos itálicos, etruscos y helenísticos. ARTE ETRUSCO Pueblo proveniente de Asia, se asentó al norte de la Península Itálica s. VIII y IX a. n. e. En algunas tumbas de cúpula, las paredes fueron revestidas de estuco y pintadas al fresco. La abundancia de arcilla en la zona, favorecía la producción de estatuas y relieves en terracota, expresión de los rostros sonrientes y afectuosos., vasijas funerarias con “cabezas retrato” esculturas en metal. Arquitectura: el propósito de la arquitectura fue transmitir, sensación de fuerza eficiencia y capacidad de dominio, así como de ostentación y riqueza. Técnicas de Construcción: a partir del s. III a.C., los arquitectos romanos, se apropiaron de los órdenes arquitectónicos griegos dórico jónico y corintio, que utilizaron haciendo diferentes combinaciones, a su vez aplicaron novedosas técnicas de construcción para cubrir espacios muy amplios, tales como: Arco de medio punto: de los etruscos, los romanos aprendieron la técnica del arco de medio punto, apoyado en pilares Bóvedas y cúpulas: creación de la arquitectura romana, estas construcciones estaban cubiertas por bóvedas ya sea de cañón o crucería, o bien coronadas por cúpulas. Conglomerado de cemento: formado por pequeños fragmentos de roca calcárea y ladrillos triturados que se mezclaban con una argamasa de cal y arena, Arquitectura civil y religiosa: en torno al Foro, que concentraba los espacios y edificios públicos realizaban actividades políticas, religiosas, administrativas, judiciales y comerciales. La arquitectura romana sobresalió en tres aspectos: Tratamiento arquitectónico del espacio: nuevos tipos de edificios, basílicas o las termas, palacios imperiales, las grandes termas, mercados y viviendas. Planificación urbana: creación de ciudades, imprimiéndole un sello propio. Pragmatismo y utilidad: en las ciudades romanas nuevas, o edificadas sobre los asentamientos existentes de los pueblos conquistados se realizaron Obras Públicas como: puentes, acueductos, calzadas, murallas. Los acueductos utilizaban la estructura del arco y los pilares que multiplicados a lo largo de varios kilómetros transportaban el agua desde los manantiales hasta las ciudades romanas por medio de tuberías de terracota y de plomo. Edificios emblemáticos de los romanos: Basílicas: edificio de tres naves, separadas por columnas, su planta era un rectángulo, terminaba en un ábside. Función-tribunales, transacciones comerciales. Termas: destinados a la higiene corporal, al ejercicio y al esparcimiento. Ejemplos Caracalla, Trajano y Diocleciano. Templos: sobre un alto podio con un único acceso frontal, la sala donde se encontraba la imagen de la divinidad (cella).El panteón de Roma Teatros: tenía la orquesta y el graderío de forma semicircular, ejemplo el de Marcelo en Roma. Anfiteatros: forma elíptica, realización de diferentes espectáculos, anfiteatro Flavio-Coliseo de Roma. Circos: estaban destinados a las carreras de caballo (hipódromo griego) Viviendas: las casas de los antiguos romanos eran de tres tipos: • Casa señorial “domus”, albergaba a una familia y la servidumbre • Villa o residencia de Campo • Ínsula, de varios pisos y subdividida en modestas habitaciones. Escultura: retrato y relieve histórico. Durante la época Republicana, se caracterizaron por su austeridad, y en el Imperio, por la mayor profusión de detalles Retrato: “mayorum” máscaras de cera qué obtenían del rostro de los difuntos Su propósito fue transmitir la imagen de un antepasado o de un conciudadano ilustre. Preferencia por el realismo. El “Retrato Imperial”, combinó hábilmente los rasgos fisonómicos, del emperador de turno, con las formas idealizadas de la tradición griega Para el s. IV, los retratos se deshumanizan, se tiende a la esquematización. El busto, representaba la cabeza el cuello y la parte superior del tórax. Los tipos de retratos esculpidos para los emperadores y que tomaron como modelo entre los patricios fueron tres: Con toga y manto: si el manto cubría la cabeza tenía sentido religioso Militar: con coraza Apoteósico: representación divinizada, de cuerpo desnudo corona de laurel y atributos de un dios al estilo griego. En el retrato femenino, quedaron patentes las modas en los peinados. • Los materiales más utilizados fueron el bronce y el mármol. Relieve: Las características más importantes de los relieves fueron el uso de la perspectiva y la profundidad qué derivó en un estilo realista y rico en movimiento y claroscuros. Exaltar los triunfos militares y también honrar personalidades, cabe destacar: Altar Ara Pacis de Augusto-Columna de Trajano - Arco de Triunfo de Tito. Pintura: ornamentación de los palacios, casas señoriales y villas, pintura mural y con mosaicos. Los frescos, representaban temas mitológicos históricos paisajísticos. Mosaicos en el pavimento y murales, incrustaciones de mármoles de colores y frescos policromos. Se pueden distinguir las siguientes fases: • Influencia etrusca y helenística • Prevalecen los motivos historicistas o mitológicos • Inclusión de fingidas perspectivas, recreaban espacios urbanos imaginarios. Figuras alegóricas, heroicas o de atletas, representación de jardines y paisajes exóticos con felinos y con motivos mitológicos. En exteriores las fachadas, pinturas populares, obras pintadas al temple. Mosaicos: un mosaico, era una obra compuesta de piedrecillas terracota o vidrios de varios colores, o madera. Los romanos construyeron los mosaicos con pequeñas piezas cúbicas llamadas “teselas”, las cuales fabricaban en diferentes tamaños y colores para que el artista pudiera colocarlas y pegarlas con cemento como un rompecabezas, escenas mitológicas, costumbristas. ARTE PALEOCRISTIANO Surgió con las primeras comunidades cristianas La característica principal del arte paleocristiano fue su “simbolismo religioso”, medio para transmitir la doctrina cristiana. Contexto Histórico Social Tras la muerte de Jesucristo, se fue expandiendo del cercano Oriente hacia Roma. Así comenzó el Paleocristianismo, en el que se reconocen dos etapas: • Clandestinidad a causa de las persecuciones (s. II y III) El cristianismo llegado a Roma, fue sometido a una fuerte represión imperial, sus seguidores fueron culpados y castigados por los romanos de toda clase de desastres, debido a las persecuciones los grupos cristianos se vieron en la necesidad de organizarse en sociedades cerradas y secretas. • Aceptación pública del cristianismo (s. IV y V) A partir del Edicto de Milán, promulgado por el emperador Constantino (313 d. C.) se otorgó la tolerancia religiosa al cristianismo y permitió la realización pública de sus cultos. El emperador Teodosio, proclamó a la religión cristiana como la oficial del Imperio. Estado Romano, benefactor y protector del cristianismo, la Iglesia, se convirtió en una institución de poder, estrechamente ligada a la administración imperial. Arquitectura En el período de clandestinidad las manifestaciones arquitectónicas fueron: • Domus ecclesiae: viviendas de dos pisos, para la celebración del rito cristiano. |• Catacumbas: cementerios cristianos excavados, al principio en los jardines de algunas casas de los patricios como las de Domitila y Priscila en Roma. Las catacumbas estaban conformadas por estrechas galerías, con nichos longitudinales. En el s. IV, en el cruce o al final de las galerías se hicieron unos ensanchamientos para celebrar algunos ritos litúrgicos. A partir del Edicto de Milán, nuevas formas arquitectónicas, lugar de culto: Basílica- Baptisterio,-Martyria. Escultura: las estatuas fueron escasas. Pintura: en las catacumbas, se encontró la primitiva pintura cristiana. Se caracteriza por ser un arte tosco de carácter más artesanal que artístico. Los colores más usados, fueron el rojo el verde y el ocre, el dibujo carencia de perspectiva y estaba contorneado con trazos negros. Las figuras estaban enmarcadas y en ocasiones se separaban por medio de guirnaldas o follaje. Tras el Edicto de Milán, surgió la iconografía cristiana propia. El arte salió de las catacumbas y se comenzó a pintar en los lugares públicos como las basílicas. ARTE DE LA EDAD MEDIA ARTE BIZANTINO Marco histórico y cultural El Arte Bizantino, se caracterizó por la fusión de elementos orientales y occidentales, heredero del Imperio Romano. El Imperio Bizantino, retoma la tradición helenística, forma un arte cristiano y una cultura separada de la latina. El sentido religioso del Imperio Bizantino se manifestó, en el arte de la época, en el aspecto social y político. Arquitectura: se distinguen tres períodos sucesivos: En el primer período, se realizaron construcciones desde el s. VI hasta mediados del IX, Basílica de Santa Sofía en Constantinopla, de planta cuadrada, con cúpula central, tiene un anillo de ventanas en la parte exterior, un gran atrio y dos naves laterales. Durante el período medio (s. IX y XII), iglesias, un estilo derivado de la planta en cruz con cúpula, menos luz y pocas ventanas En el período tardío, el cambio principal consistió en la mayor verticalidad en la construcción de los edificios tanto en el interior como en el exterior. Escultura: imágenes o Iconos de Santos, eran representados como mártires así como esculturas de gran belleza. Luego esculturas de relieve, en marfil. La iglesia ortodoxa impuso sus reglas. Se representó primero a Cristo y María luego a Los Ángeles y Santos. El mosaico: se adornaban los templos y palacios, tanto en los muros como en bóvedas o pisos, las figuras eran tridimensionales, con un doble sentido: religioso y político. Ejemplo, ábside de San Vital de Rávena. Pintura Se distinguen dos aspectos: La pintura mural y la de miniatura Entre los géneros de pintura como la de Macedonia, qué dejó magníficas obras en Serbia y Rusia, su estructura fue a base de largos frisos en las que se narraban historias bíblicas. La pintura tuvo amplia aceptación, ya fuera al fresco o mediante mosaicos. En relación con el arte de la miniatura se lograron bellas obras sobre todo en Bizancio. ROMÁNICO Marco histórico y cultural El arte románico, floreció en varios países de Europa durante la época feudal. Donde, feudos en manos de los nobles, marcada diferencia de clases sociales, descentralización del poder político y una economía agrícola. En este contexto surge el arte románico durante el s. X, el cual llegó a su apogeo en el s. XII, y XIII. Fusión de la tradición romana con influencia oriental. Arquitectura: elementos principales de las construcciones románicas son: los arcos de medio punto y las bóvedas de cañón corrido, construidas sobre planta cuadrada. Iglesias y monasterios, las iglesias románicas, la planta de estas construcciones era de cruz latina con, una, tres, o cinco naves y columnas interiores que dividían a las naves correspondientes. El techo casi siempre era abovedado, una o varias torres formaban parte del conjunto las ventanas eran escasas y pequeñas con muros gruesos Al fondo de la iglesia se encontraba el ábside dónde se encontraba el altar mayor y el coro. Catedral Vieja de Salamanca en España, la catedral de Worms en Alemania, la de Durham en Inglaterra, la de Saint Germain en Francia. Escultura: la escultura románica tiene dos aspectos: el de los altos y bajos relieves y el de las figuras de bulto que se mezclan y se encuentran en puertas capiteles y cornisas. Los temas en la escultura son variados, unas veces presentan a Cristo, en otras el tema es el juicio final o escenas de la virgen rodeado de los cuatro símbolos de los evangelios. Pintura: frescos en el interior de la iglesia y en miniaturas realizadas en libros. La pintura mural al igual que la escultura, sintetiza las escenas y da poca importancia al realismo de las formas y nada de paisaje, los colores utilizados son planos y primarios, el fondo se pinta de un solo color. Pinturas en la pared del ábside, posterior al altar mayor. Los temas, los de Cristo majestad con los símbolos de los cuatro evangelios o la Virgen María con el niño Jesús. ARTE GÓTICO Marco histórico y cultural El arte gótico comprende desde los últimos años del siglo XII, es decir durante la Baja Edad Media. Hasta el principio del s. XVI, surgió en Francia y poco a poco se extendió a diversos países en diferentes momentos. La burguesía afirma su posición política, frente a la nobleza y el clero. El gótico tiene elementos diferentes y algunos opuestos cómo son luz, calor, elevación, expresividad y naturalismo. .Arquitectura, también llamada Ojival por el arco apuntado, característico de este estilo, además de la bóveda de crucería, los contrafuertes y arbotantes, qué son apoyos exteriores separados del cuerpo del edificio, permite que las naves sean mucho más amplias y elevadas y de columnas delgadas, para qué de margen a la perforación de grandes ventanales, que luegoc serán cubiertos con vitrales de colores, se realizan cimientos profundos. Escultura: las características de la escultura gótica son la búsqueda del naturalismo y la humanización del mundo divino de la época, ligada a la arquitectura, desarrolló estilos regionales. La estilización de la naturaleza inspirada en la figura humana y en motivos propios de la fauna y flora de cada región. Pintura: la pintura mural pierde importancia, excepto en Italia. Los artistas de esta época preferían pintar sobre tablas. Se remite a los vitrales códices y retablos. Escuelas, la Toscana y la de Siena, se esfuerzan en imprimir a las figuras, naturalidad en el gesto y la expresión. Cimabue, Cavalini. Producción Flandes, centros Artísticos en París y Colonia- Hoover y Jan Van Eyck, La pintura de la Península, adquiere características particulares, pintores, Pedro y Jaime Sierra, Luis Borrosa, Fernando Gallegos y Bartolomé Bermejo. Los elementos principales de la catedral gotica son: Arco ojival Las puertas y ventanas llevan el arco Columna Muy alta con adornos la figura remata en capiteles de varias formas. Cornisas Pueden presentar adornos de festones y largas guirnaldas de hojas. Gárgolas Canales dotados y alejados de los muros del edificio qué sirven como desagüe de la lluvia y presentan escultórica mente diversas figuras. Grandes aberturas circulares colocadas en las fachadas a media altura se cubren con vitrales de colores. Rosetones Tímpanos Formas geométricas con arco apuntado enmarcan las portadas y descansan sobre el dintel de la puerta. Torres En donde predomina la línea vertical, se colocan al lado de las fachadas coronadas con altas flechas o agujas. Torrecilla Delgadas y terminadas en una flecha que remata el signo de la Cruz se encuentran en el exterior de las catedrales. Ventanales Son un soporte arquitectónico qué ilustran la vida de los santos y permiten el paso de la luz exterior. ARTE ISLÁMICO Marco histórico cultural El Arte Musulmán se caracteriza por el uso de la cúpula, emplea los arcos lobulados y de herradura, así como la columna con capiteles de distintas formas, todos materialmente calado, con rica y exuberante decoración, cómo soportes utiliza el pilar y la columna. Perfecciona el arco de herradura y el peraltado. Se encuentran arcos de herradura apuntada mixtilíneos, y decorados con festones que rematan en forma de picos Las bóvedas y cúpulas que se utilizan son de cañón y arista. La mezquita es un edificio destinado a la oración cuyos elementos esenciales son: El mirhab, un nicho qué señala a los fieles la dirección de La Meca, en las grandes mezquitas, el mirhab se sustituye por una capilla Las mezquitas se clasifican en dos tipos: a) con un patio cuadrangular limitado por cuatro pórticos. b) la mezquita contiene en el centro un patio con una piscina donde se realiza el acto de purificación. Los pórticos han sido convertidos en naves, la planta suele ser cruciforme. La casa árabe, con un sector interior privado y exterior con el patio de aljibes. Los palacios, carecen de simetría en su planta con una gran La Escultura en el islam es muy escasa, ya que la religión mahometana prohíbe la representación plástica de personas y animales se reduce a artes menores, cerámica vidrio Marfil, cofres entre otras. La Pintura de caballete no existió en el arte islámico Ilustración de libros, escritos científicos, griegos traducidos al árabe, las fábulas de Bidpai, con el nombre de Caliva y Dina. ARTE RENACENTISTA Marco histórico cultural El Renacimiento se inició en Italia en el s. XIV y se difundió por el resto de Europa durante los s. XV y XVI.- Sociedad feudal. Hubo grandes descubrimientos geográficos y adelantos técnicos como la invención de la imprenta que propagó los nuevos conceptos artísticos. Su desarrollo en Italia comenzó en Florencia, centro artístico más importante, se caracterizó por el estudio y perfecta semejanza de las formas clásicas grecorromanas Quattrocento manifestaciones artísticas, del s. XV -Florencia y Cinquecento, o Alto Renacimiento, siendo Roma su centro artístico. En Florencia Surgieron tres corrientes: el humanismo inspirado en el mundo clásico, el materialismo, que viene de la ciencia y el individualismo, basado en los criterios establecidos por los propios individuos. Arquitectura y escultura La arquitectura renacentista adapta al templo o al palacio diferentes elementos romanos, sustituyendo los elementos góticos La planta de las iglesias, ya no eran cruciformes. Filippo Brunelleschi, arquitecto (Florencia, 1377 - 1446), sus obras de arte fueron de culto religioso, con decoraciones pictóricas. En Santa María de las Flores, concibió la arquitectura, elaborando teorías científicas sobre la perspectiva, es decir como un elemento geométrico del espacio León Battista Alberti, dejó escritas sus teorías sobre arquitectura, pintura y algunas ideas sobre la belleza y la armonía. Obras más destacadas: Templo Malatestiano, en Rimini, la Iglesia de San Andrés en Mantua Características generales de la arquitectura renacentista: • Utilización de arcos de medio punto, de bóvedas de cañón, de arista, y de cúpulas semiesféricas • Empleo de columnas con capiteles, dórico jónico y corintio • Utilización de entablamentos clásicos y de cornisas • Frontones triangulares o curvos en exteriores • Medallones y guirnaldas • Iglesias de planta de cruz latina, rectangular al exterior • Iglesias de planta central con cúpula Las construcciones renacentistas formaban conjuntos racionales, con elementos acordes a las rigurosas normas de proporción. A principios del s. XVI, comenzó la construcción de la Basílica de San Pedro en Roma, en esta obra participaron Bramante, Rafael, Antonio Da Sangallo, Miguel Ángel y Carlos Maderno. Escultura: imita los modelos romanos, en las obras se retoman el mármol el bronce y se recurre al desnudo, representando a las figuras con toga romana, para las sienes se colocan coronas de laurel. Donatello descubre la relación existente entre la expresión escultórica y la naturaleza. Otros escultores son Andrés Verrocchio, Luca Della Robbia, y por supuesto Miguel Ángel, sus obras se distinguen por una anatomía detallada y y gran capacidad técnica. Miguel Ángel mostró su gran habilidad técnica en el David, estatua esculpida en un solo bloque de mármol. Durante el s. XV, la escultura italiana estuvo basada en el realismo, y en el s. XVI, fue más idealista y monumental. Pintura: imágenes religiosas con nuevos estilos de presentación, desarrollándose temas mitológicos e históricos. Las ideas humanistas apuntaban a un nuevo género pictórico, el retrato sin dejar de lado la importancia de la naturaleza. En Florencia durante las dos primeras décadas del s. XV, se impuso el gusto de la escuela de Siena, lineal y cromático. Posteriormente, Masaccio prácticó el volumen y la perspectiva realizada por Giberti, Brunelechi y Donatello. Pintores florentinos utiliza técnicas visuales y temáticas, la primera generación conducía al movimiento, a la anatomía y la ordenación del cuadro, tomando en cuenta las teorías matemáticas Los pintores que representaban esta etapa son: Leonardo Da Vinci, Sandro Botticelli Filippino Lippi, Pietro Dannuci y El Peregrino. Para Miguel Ángel su obra más importante fue la Capilla Sixtina. Otro artista de Gran importancia fue Rafael Sanzio, responsable de la decoración de varias salas del Vaticano con una gran cantidad de pinturas de asuntos religiosos y mitológicos, sobresaliendo las madonas. Características generales de la pintura renacentista: • Pintura italiana del s. XV • Pintura mural al temple • El hombre es el tema principal • Estudio de la forma humana • El paisaje pierde importancia • Hay perspectiva lineal • Sentido del movimiento • Temas mitológicos • Aparecen personajes desnudos en temas religiosos MANIERISMO Marco histórico cultural Corriente desarrollada en toda Europa, en el s. XVI, entre las características del manierismo, estilo capaz que rompe con las proposiciones renacentistas, de formas muy complicadas, establecidas en espacios recargados, dónde surgía la ruptura del equilibrio. Pintura Tiziano refleja un gran colorido con variadas tonalidades y la riqueza de los matices de sus obras. Fue un gran retratista en ese tiempo, elaboró varios cuadros para la corte española, entre ellos El retrato de Carlos V y el de Felipe II, pinto desnudos fue el Amor Sagrado y el Amor Profano. Tintoretto destaca por las profundas perspectivas, los efectos lumínicos y figuras alargadas, fue también un gran retratista, entre sus creaciones destacan Cristo ante Pilatos, y él Lavamiento de Pies. El Greco nació en Creta .En sus obras refleja los colores pálidos, figuras alargadas de composición vertical, como el entierro del Conde de Orgaz; El Martirio de San Mauricio y el Descendimiento de la Cruz. En la escultura plasmó figuras de grupos enteros, se aprecia en El Rapto de las Sabinas, obra esculpida en mármol. ARTE BARROCO EUROPEO Marco histórico cultural Durante los siglos XVII y XVIII, en Europa y en otros países del mundo, hubo grandes cambios políticos y sociales, además de que apareció el Nacionalismo Moderno. Las comunicaciones marítimas, se intensificaron, como resultado de los descubrimientos de los dos siglos anteriores, por el hecho de que las colonias europeas en América y Asia aportaron muchos productos anteriormente no conocidos. Socialmente, la nobleza comenzó a perder fuerza, mientras que la burguesía, fue supliéndola. Propio del arte barroco es su sentido de movimiento, energía y tensión y los fuertes contrastes de luces y sombras, presentes en muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. El naturalismo es otra característica del arte barroco, El origen del barroco, se localiza en el arte italiano, sobre todo en Roma. Los artistas más destacados en este primer Barroco fueron, Aníbal Carracci y Caravaggio, en sus obras aparecen personajes reales, comunes y con actividades cotidianas, además de escenas mitológicas y religiosas. Arquitectura y escultura del Barroco en Italia Jean Lorenzo Bernini, realizó el baldaquín, donde se encuentra un dosel sobre columnas salomónicas, que cubre el altar mayor de la Basílica de San Pedro. Entre 1.566 y 1.660. Proyectó, la construcción de la gran plaza que se encuentra delante de la Basílica Vaticana, fue también un gran retratista La Capilla del Santo Sudario, de la Catedral de Turín realizada por Guarino Guarini, donde se observa la cúpula cónica de forma original, trabajó en la iglesia de San Lorenzo, en Turín. Otros arquitectos sobresalientes de la Roma Barroca, fueron Francesco Borromini y Carlos Reinaldi, diseñadores de la iglesia de Santa Inés en la Plaza Navona. Pinturav Michelangelo Merisi (1571 - 1610), nacido en Caravaggio, en la zona de Bérgamo, de la que el artista tomó el sobrenombre. Lo original de su estilo, se basó en el contraste entre Luz y sombra, que se aprecia en sus cuadros San Mateo y El Ángel, El Martirio. Gracias a los pintores italianos como Oracio Gentileschi, Bartolomeo Manfredi y Batistella. El naturalismo tuvo enorme influencia en algunas zonas de Europa durante el s. XVII. Una de las obras maestras fue la Asunción de la Virgen, qué Giovanni lanfranco pintó en la gran cúpula de la Iglesia de San Andres del Valle en Roma. La pintura al fresco de bóvedas fue una técnica muy empleada por los pintores del barroco. Son ejemplo de lo anterior, los frescos, Alegoría de la Divina Providencia y El Poder Barberini, de Pietro da Corlona, en el gran salón del palacio Barberini, en Roma. Arquitectura y Escultura del Barroco en España Entre los trabajos más destacados de la escultura barroca española, figuran los altares de las iglesias. Los principales escultores fueron Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Pedro de Mena, Juan de Mesa y Alonso Cano, quiénes aportaron gran originalidad al mundo barroco. En España a finales del s. XVII, los hermanos Churriguera propagaron un estilo sobrecargado, lleno de movimientos y curvas, que recibió el nombre “Churrigueresco”, antecedente del Rococó. Ejemplos del Barroco español, son el Convento de San Esteban en Salamanca y el Hospicio de San Fernando en Madrid, entre otros. Pintura: destacaron las escuelas de Valencia, Sevilla Granada y Castilla, de las que surgieron sus más importantes exponentes, cómo Francisco de Rivalta, con “La Visión de San Francisco”, obra de gran colorido y seguridad en el dibujo, José de Ribera conocido como El Españolete, gran retratista que en sus creaciones tales como El Martirio de San Bartolomé y San Juan Bautista, imprimió gran realismo. Bartolomé Esteban Murillo se inclinó por los temas religiosos, y representó la imagen de la Virgen María, pintada con un manto azul y rodeada por pequeños ángeles. Diego de Silva Velázquez, fue el pintor más destacado del Barroco español. Se distinguió por la elegancia de sus dibujos y por el gran realismo con el que interpretó la naturaleza, al plasmar el ambiente que rodea a sus personajes. En sus obras sobresalen, La Rendición de Breda, el Triunfo de Baco y Las Meninas. Arquitectura y Escultura del Barroco en Francia Los Monarcas absolutistas, favorecieron el desarrollo del estilo barroco, que llegó a su esplendor bajo el gobierno de Luis XIV en Francia, sometido al capricho de este, quién aprovechó esta corriente artística para promover el culto a su personalidad. El rey debía aprobar qué obras se realizarían, según la razón del Estado. Durante el s. XVIII, pueden distinguirse tres estilos franceses: A) Luis XIV B) Luis XV, Rococó, de una fantasía desbordante C) Luis XVI, que ya reflejaba el tipo neoclásico con mayor austeridad y líneas depuradas. En esta época el Arte Francés, comenzó a independizarse del italiano. La arquitectura el mobiliario y el ceremonial de la vida cortesana, así como la presencia de jardines espectaculares con juegos de agua, alcanzan un gran significado político, todo este lujo constituía el símbolo del poder monárquico y de sus riquezas. En la arquitectura destacan François Mansart, creador de la Iglesia “Valde Grace”, de estilo barroco, el padre Martellange, inspirado en la arquitectura romana para construir la Iglesia de “Saint Paul Saint Luis”, en París. Ahí mismo, el jardín mansart proyecto de la Iglesia de los Inválidos. El Palacio de Versalles, construido para albergar la Corte de Luis XIV, participaron Luis Le Vau, André Le Notre y Charles Lebrum. Este inmueble es considerado el monumento arquitectónico más importante del Barroco Francés. Escultura: la escultura del s. XVII, representó, resistencia al barroco europeo y con un marcado clasicismo escultórico.François Girardon y Antoine Coysevox trabajaron en las escultura de los jardines del Palacio de Versalles. Pintura: la pintura representó resistencia al barroco europeo. Simón Vouet, aportó composiciones mitológicas, Charles Lebrun y Pierre Mignard, decoraron el Palacio de Versalles. Otros artistas como Claudio de Lorena y Nicola Poussin se inspiraron en el humanismo de Tiziano y en el amor a la naturaleza de los pintores flamencos. El último exponente de la pintura barroca francesa, fue Antoine Coypel, influido por Rubens, cómo se advierte en las pinturas para la Capilla Real de Versalles. Pintura del Barroco en los Países Bajos. La calidad de la luz, fluida y difusa en los paisajes marítimos, reproducción de paisajes y costumbres, fueron sellos distintivos de la escuela pictórica holandesa. Así nació en Holanda la pintura de género, que abarcó toda la vida rural y urbana. Destacando Adriane Van Ostede, Gerard Terborchy, Pieter de Hooch, así como los retratistas Franz Hals y Rembrandt, que representaron cofradías y síndicos. A la pintura de paisajes, se consideró con valor propio y no un asunto pictórico, sobresaliendo Jacob Van Ruysdael y Meindert Hobbema, sin olvidar al pintor y grabador Rembrandt Van Rijn, también retratista y paisajista se ocupó de alegorías y naturaleza muerta. Le otorgó importancia a la luz y a los efectos de tenebrismo, el tono dorado siempre predominó sobre la amplia gama cromática. Rembrandt ocupa uno de los sitios más notables en la historia de la pintura, entre sus obras destacan, La Ronda Nocturna, La Lección de Anatomía, Los Síndicos de los pañeros y varios autorretratos. EL ROCOCÓ Marco histórico cultural Es un estilo artístico europeo, segunda mitad del s. XVIII. Se caracteriza por el uso de la curva asimétrica, así como por el estilo de una ornamentación naturalista, basada en elementos de la rocalla y por la suavidad de sus colores. Se aplicó a la arquitectura y a la pintura. En París, Francia, fue construido el palacio del Soubise, por Delamair, con los mejores acabados del rococó francés especialmente en el Salón Oval. Pintura: en la pintura el rococó reflejó la situación política y social francesa. En vez de los cuadros históricos o religiosos, surgieron escenas burguesas y galantes. Destacó Antoine Watteau, cuya obra pictórica posee un colorido con cuadros como Los Campos Elíseos, Las Fiestas del Amor y Gilles. Otros Pintores franceses, fueron François Boucher, Jean-Honoré Fragonard. Su principal representante es Juvara, autor de la Basílica de Superga cerca de Turín. En los países germánicos, las iglesias y los palacios plasmaron en este estilo un grado mayor de exuberancia y recargamiento. A fines del s. XVIII,surgió un cansancio de los estilos Barroco y Rococó. ARTE NEOCLÁSICO EN EUROPA Marco histórico cultural A fines del s. XVIII y comienzos del XIX, se registraron cambios sociales e intelectuales que modificaron radicalmente al arte. Tuvo gran desarrollo en el norte de Europa y no tardó en llegar a América. Fue adoptado por los gobiernos enmarcados por la Revolución Francesa, que pretendían enaltecer el espíritu de la Libertad y formar un nuevo orden político, con base en los cánones de la Ilustración. Aunque el neoclásico nació en Italia, fue en Francia la que le dio gran impulso durante la época revolucionaria. Los arquitectos suprimen los elementos excesivos del barroco, volviendo a la simplicidad constructiva del arte antiguo, se busca una simplicidad de volumen, una simetría, una ornamentación sobria, y las fachadas volverán a coronarse con balaustradas. Arquitectura y Escultura del Neoclásico en Francia Charles Percier y Pierre Fontaine, sentaron las bases del Modelo Imperio. La arquitectura de Estilo Imperio, el Arco de Triunfo del Carrusel del Louvre y los Campos Elíseos, (1806). Todas las construcciones napoleónicas se adecuaron al estilo del Imperio Romano, como la iglesia de la Magdalena, Al Palacio Bourbón. En París, es levantado el Arco de la Estrella, situada en el cruce en forma de estrella con diversas avenidas simétricas, Entre 1.762 y 1.764, J. A. Gabriel construyó el “Pequeño Trianón”, formas rectas más simples y semejantes al estilo griego. Respecto a la escultura francesa, los artistas se inspiraron en los modelos griegos que en los romanos, Juan Antonio Houdon, los retratos de Moliere y Voltaire, Las estatuas de Cánova son bellas, como se aprecia en el retrato de “Paulina Bonaparte”, hermana de Napoleón, Bosio hizo un busto de la emperatriz Josefina. Pintura: Luis David, revolucionario, amigo de Napoleón. En 1784 expuso su obra “Juramento de los Horacios”, exalta el tema del patriotismo. Arquitectura y Escultura del Neoclásico en Alemania Los arquitectos Karl Gotthard Langhans, en Berlín “La Puerta de Brandeburgo” y el teatro “Charlottenburgo”. Karl Friedrich Schinkel, proyectó el viejo museo y el teatro además decoró el Palacio Real. Leo Von Klenze en Múnich construyó la “Gliptoteca”, “Los Propileos” y “El Pórtico de la Gloria”, por orden del zar Nicolás I, levantó en Leningrado, Rusia “El Palacio del Hermitage”. La escultura neoclásica surge en Alemania con Johann Heinrich Dannecker, obras “La muchacha con un pájaro”; “Ariana sobre una pantera, gran retratista de figuras femeninas y masculinas Christian Daniel Rauch, qué en Charlottenburgo esculpió el sepulcro de su protectora la reina Luisa de Prusia. En Unter der Linden, Berlín, erigió la estatua de Federico II el Grande, sobre un pedestal de granito donde aparecen varios grupos en bronce de los filósofos, políticos, y militares de la época del monarca. Reinhold Begas, proyectó en Berlín, “Fuente de Neptuno y el monumento al káiser Guillermo I, y el monumento de Bismarck. Pintura: Johann Asmas Carstens, su mayor producción fueron los dibujos, consiguiendo efectos luminosos mediante el lápiz y el color de la acuarela. Pedro de Cornelius, pretendía impulsar la pintura mural en Alemania. Una de sus obras fue “La interpretación de los sueños del faraón”, en el Palacio Zúccaro en Múnich. Arquitectura y Escultura del Neoclásico en Inglaterra En Inglaterra, el restablecimiento de la simplicidad básica, la inició sir Williams Chambers, arquitecto del magno edificio llamado Summerset House en el muelle del Támesis. Robert y James Adams, manejaron en el aspecto decorativo los lazos, medallones y guirnaldas. Todos estos elementos afinados del estilo Adams pretendían parecerse más al estilo griego. Thomas Harrison construyó la iglesia de San Patricio en Londres y el castillo de Chester. La arquitectura rural inglesa fue impulsada por John Nash. El príncipe de Gales, le encarga edificar el Regent’s Park de Londres y también el Regent Street. Levantó el Pabellón Real de Brighton con cúpulas bulbosas, arcos de herradura y numerosos capiteles. La escultura Inicia con Tomás Banks, al esculpir sus dos más célebres obras, “Caractacus ante Claudio”, especialmente la tumba de Sir Eyre Coote, en la abadía de Westminster. Otro escultor y dibujante fue John Flaxman, participó en la Catedral de Gloucester con el monumento de “Mrs. Morley y su Hijo”. John Gibson, esculpió la estatua de la reina Victoria en el Palacio de Westminster, singular obra por la serenidad que transmite. Pintura: durante el s. XIX, la pintura en Inglaterra estuvo influenciada por dos tipos de temas, los paisajistas y los llamados prerrafaelistas. John Constable, “El arcoíris”, “Campo de trigo”,”La catedral de Salisbury” y “Quinta en un valle”, ricas en encontraste cromáticos, misticismo y serenidad. Paisajista inglés del siglo XIX. Joseph Mallord William Turner, pintó al óleo y en acuarela, una de sus primeras obras fue “Mañana en Coniston, obras mitológica es “Eneas y la Sibila”. No se basó en lo natural para pintar, sino en su imaginación, con una luminosidad casi blanca, típica en toda su producción como el “Ulises y el Polifemo”. Arquitectura y Escultura del Neoclásico en España En arquitectura se puede citar a Ventura Rodríguez Tizón, inició su obra en el Palacio de Aranjuez, años después colaboró con Juvara y Sabatini. Francisco Sabatini, con sus obras neoclásicas, “La gran escalera”, “La Puerta de Alcalá” de Madrid, qué consta de cinco ojos los tres centrales son de arcos. Juan de Villanueva, realizó en “El Escorial”, la “Casa de Infantes”. Para el príncipe de Asturias proyectó, “La Casita del Príncipe”, construyó en Madrid, “El Observatorio”, “El Oratorio del Caballero de Gracia” y el edificio de la “Real Academia de la Historia”. Antonio López Aguado, erigió el “Teatro Real o de la Opera en Madrid”. La escultura neoclásica en España utilizó al principio la madera. Para Juan Pascual de Mena, “La fuente de Neptuno, y el busto del rey Carlos III. Francisco Gutiérrez intervino en los monumentos funerarios de Fernando VI, sus obras más célebres es la estatua de la “Cibeles”, fuente dedicada a la diosa. Pintura: en España el pintor Antonio Rafael Mengs, impuso sus teorías estilísticas al ser nombrado por Carlos III, como el pintor de la corte. Uno de sus frescos es el de “San Pedro Predicador. Bayeu, decoró el claustro de la catedral de Toledo y el Pilar de Zaragoza. Mariano Salvador Maella fue el pintor oficial de los diferentes palacios reales de Madrid y sus alrededores, creó frescos y un retrato del Rey Carlos IV. Francisco de Goya y Lucientes, nacido en Fuendetodos, Zaragoza. Fue aprendiz en el taller del pintor José Luzán. En 1771 marchó a Roma y entró en contacto con el neoclasicismo. Obras, el retrato de Manuel Vargas Machuca su primera obra conocida, pintó su primer autorretrato, considerado como una obra magistral. Goya también participó cómo pintor de las obras de los cartones para tapices, inició una carrera ascendente, fue nombrado Teniente de Pinturas de la Academia de San Fernando. En 1792 goya quedó sordo a causa de una grave enfermedad, lo que influyó sobre su estilo pictórico, inclinándose por los temas oníricos y fantásticos. ‘Los acontecimientos relacionados con la invasión de Francia a España en 1808, produjo en Goya afectaciones en su sensibilidad, presentes en sus obras, “La carga de los mamelucos”, “Los fusilamientos del 3 de mayo” y “Los desastres de la guerra”. En 1819, predominan los temas de brujería.- ARTE COLONIAL MEXICANO Marco histórico cultural El Arte de la Nueva España, surgida como consecuencia de la conquista española de Mesoamérica en el s. XVI Las obras de la Nueva España se pueden resumir en 4 grandes periodos por lo que crearon según su medida: El arte medieval-- renacentista: combina formas arcaicas, románicas y góticas con las clásicas del Renacimiento, resultaron obras originales con características propias El arte barroco, llega hasta las complicaciones ultra barrocas, en las que se incluyen las formas churriguerescas. En este arte aparecen formas mestizas, mexicanismos, inexistentes en otras partes del mundo. Expresa la vida, la fortaleza económica y cultural del Virreinato El arte neoclásico, surge en un corto período con obras de gran importancia que expresan a las corrientes modernas del gusto y del pensamiento El arte indígena y el novohispano enriquecieron al arte mexicano, nuevas creaciones de primer orden al arte universal. Arquitectura y Escultura del s. XVI Apareció en la Nueva España un arte religioso marcado por las órdenes religiosas europeas. Los primeros monumentos construidos fueron los monasterios o conventos con sus iglesias con grandes atrios frente a ellas, con patios rectangulares limitados por muros altos con almenas y tres puertas en sus ejes principales. En cada una de las cuatro esquinas de los atrios, se construyeron capillas “posas” al fondo del atrio, se ubicaba la iglesia de una sola nave y cubierta con una bóveda de estilo gótico, las fachadas se decoraban con componentes platerescos, herrerianos y mudéjares, y en el interior se localizaban en los altares esculturas estofadas y pinturas al óleo de temas religiosos. A un lado de la iglesia se encontraba una capilla abierta, con el fin de alojar a la multitud que asistía las ceremonias religiosas, y en el extremo estaba el convento, el cual albergaba a los monjes. El estilo Plateresco en la Nueva España, se distingue por los relieves escultóricos de las fachadas de las iglesias y conventos, así como por sus detalles decorativos de las capillas posas, consistentes en diversas formas ornamentales como las guirnaldas, conchas y escudos entre otras, mezclados con figuras religiosas. El estilo Herreriano, surgió en la segunda mitad del s. XVI, fue utilizado en los detalles arquitectónicos de algunas Iglesias y conventos. Entre sus características están la austeridad y la monotonía y lo colosal Portadas el Palacio de Cortés en Cuernavaca, Morelos, que conserva restos de la construcción original cómo los arcos de medio punto que conforman la entrada y los del segundo piso. Portada de la casa de Montejo en Mérida, Yucatán, con características renacentistas. La escultura colonial presenta obras realizadas por artistas mestizos e indígenas. Los púlpitos y las pilas bautismales de las iglesias en las que se distinguen la tradición de la colonia y las formas europeas, estás dieron origen a un estilo decorativo llamado tequitqui (vocablo náhuatl) que nace en América al interpretar los indígenas las imágenes de una religión importada. Por otra parte la escultura colonial refleja la influencia renacentista, manifiesta en la Virgen María, trabajada con madera dorada y policromada. Pintura del s. XVI: en la pintura mural de mediados del s. XVI, en Nueva España, se observan también dos rasgos: en las pinturas al fresco de los conventos se combinan formas medievales y renacentistas, el color se limita al blanco y negro con toques de ocre, rojo, y sepia, los que ya mezclados, producen un agradable efecto decorativo, como en las pinturas de la bóveda del coro de la iglesia de Tecamachalco. La pintura cumplió una función ornamental y simbólica en las iglesias y conventos. En cuánto A la realizada al óleo sobre tabla, se distinguen algunas imágenes aisladas en los grandes cuadros. Frescos realizados en los muros y bóvedas de los templos y conventos. Otras pinturas como las de Santa Cecilia y San Lorenzo de la Pinacoteca Virreinal. ARTE NEOCLÁSICO MEXICANO Marco histórico cultural Durante las primeras décadas del s. XVII, dejaron de utilizarse los estilos plateresco y herreriano y se adoptó uno nuevo el barroco. La exuberancia es característica del Barroco Mexicano, se había logrado el ascenso económico y social, presente en el lujo y la decoración. El Barroco rompió con las reglas clásicas de la composición y desarrolló nuevas creaciones, en donde destacan, la luz, el color y la combinación de la escultura y pintura con la arquitectura. Arquitectura y Escultura del s. XVII El Barroco Mexicano fue evolucionando. Pasó de un estilo severo y clasicista, hasta el exuberante ultrabarroco, dentro del cual se encuentra el estilo churrigueresco. En el Barroco Mexicano destaca la yesería policroma, la tintura de almagre (sustancia de óxido rojo de hierro utilizada para teñir), y el azulejo, está siendo un reflejo de la combinación por un lado del estilo español, cómo se ejemplifican las iglesias de San Sebastián y Santa Prisca, en Taxco, la Catedral de Zacatecas y la Capilla del Sagrario de la Catedral de la Ciudad de México. Por otro lado la influencia indígena se advierte en las iglesias de Santa Rosa y Santa Clara en Querétaro, en la fachada de Tepotzotlán y en la Colegiata de Ocotlán. Otros ejemplos del barroco criollo y el popular mexicano se encuentran en la capilla del Rosario, de Puebla y en la de Santo Domingo, de Oaxaca. La escultura y la pintura barroca del s. XVII, quedaron vinculadas a la arquitectura. Por eso no siempre se distinguen y no se pueden fijar los límites entre unas y otras. De carácter distinto son las esculturas en relieve doradas y policromadas, que ornamentan el exterior de la iglesia de Santo Domingo en Oaxaca. En cuanto a la escultura del s. XVIII, tenemos las grandes portadas como las del Sagrario Metropolitano, o los bellos retablos dorados y policromados como el de “Los reyes” en la Catedral Metropolitana, los de Tepotzotlán y los de Taxco. Pintura del s. XVII: se desarrolló con las aportaciones e influencias recibidas de España. La pintura se limitó a temas religiosos donde el artista sólo copiaba los pasajes y personajes que eran indicados por la sociedad novohispana. Entre los artistas europeos se encuentran Baltasar Echave Orio, obra,” La adoración de Los Reyes”. El mexicano Luis Juárez, discípulo del pintor vasco Baltazar Echave Orio, sus obras se distingue por el empleo de brillantes colores y una cierta delicadeza en el tratamiento de las figuras. Algunas de sus pinturas más importantes son: “San Miguel Arcángel”, “Oración en el Huerto”, José Juárez, la obra más importante de José Juárez, es “La adoración de Los Reyes”. ARTE NEOCLÁSICO MEXICANO DE LOS S. XVIII Y XIX Marco histórico cultural En la segunda mitad del s. XVIII, surge el arte neoclásico, fin del barroco. Esta corriente era coincidente con las ideas de la Ilustración, la modernidad y de la Independencia Nacional. El neoclásico fue popular y aceptado porque era la señal de los nuevos tiempos. Arquitectura y Escultura: la arquitectura de este periodo duró poco tiempo, termina en la segunda década del s. XIX, Tolsá terminó las obras de la Catedral Metropolitana con elementos del neoclásico. Otro gran arquitect,o escultor y pintor fue Francisco Eduardo de Tresguerras, su principal obra fue la iglesia del Carmen, en la portada lateral, recreó el estilo barroco elegante y esbelto semejante al arte francés. La Estatua de Carlos IV, también fue creación de este artista. Manuel Tolsá gran arquitecto y escultor Pintura: Rafael Ximeno, utilizó los colores claros que sustituyeron al tenebrismo de la pintura novohispana. Ximeno revivió la pintura mural, pintó la cúpula de la Catedral Metropolitana, desarrollando ahí el tema de “La Asunción de la Virgen”, José Luis Rodriguez Alconedo es el último pintor novohispano de importancia, dos de sus obras son autorretrato y retrato de la señora Hernández Moro, también Tresguerras fue pintor y su autorretrato es de buena calidad. Santa Prisca Catedral de Zacatecas
