RENACIMIENTO Y CLASICISMO: ROMEO Y JULIETA

RENACIMIENTO Y CLASICISMO: ROMEO Y JULIETA
1.SOBRE EL AUTOR Y SU CONTEXTO
El Renacimiento S XV - S XVI
Movimiento literario, artístico y científico; se caracterizó por el resurgimiento de la antigüedad grecolatina.
En la Edad Media todo lo humano se concentraba en Dios (Teocéntrica). En el Renacimiento el hombre
quiere centrarse en sí mismo, no en Dios. (Antropocéntrica).
Las causas del Renacimiento fueron las siguientes:
1.
2.
3.
4.
El alto grado de cultura de los siglos anteriores.
Después de la toma de Constantinopla, muchos griegos trasladaron muchos manuscritos a Italia.
Invención de la imprenta permitió, expandir el conocimiento de la sociedad antigua.
Los mecenas: reyes, papas y principes que brindaron protección a los artista para que pudieran
desarrollar su arte
Italia fue la cuna del Renacimiento, allí aparecieron los más grandes artistas; pero en el siglo XVI, el
Renacimiento se extendió a Francia, Alemania, Países Bajos, Inglaterra, España y Portugal.
El Renacimiento supone la sustitución del sistema formal del mundo gótico por otro distinto, apoyado en
los modelos de la antigüedad grecorromana, que comienzan a estudiarse buscando en ellos unas
definiciones “científicas” de la belleza y la armonía. La naturaleza será estudiada en sí misma, al margen
de su vinculación a lo divino. Se encontrará en una ciencia nueva, la perspectiva, el modo adecuado de
su representación. El cuerpo humano desnudo será el “sumun” de las perfecciones y el objeto
fundamental de los artistas, como reflejo del antropocentrismo.
CONTEXTO HISTÓRICO
Italia, avanzada económica y socialmente por su organización en las ciudades abiertas, y enriquecida por
el comercio europeo a lo largo de toda la Edad Media, en el siglo XV madura sus formas por el contacto
con los abundantes restos romanos presentes en el suelo. Fue la cuna del Renacimiento, allí aparecieron
los más grandes artistas; pero en el siglo XVI, el Renacimiento se extendió a Francia, Alemania, Países
Bajos, Inglaterra, España y Portugal.

INGLATERRA
El Renacimiento se encontró con algunas dificultades en Inglaterra. Durante la segunda mitad del siglo XV
la nación era escenario de una seguidilla de guerras civiles conocidas como las Guerras de las Rosas, lo
que generaba un ambiente inadecuado para el desarrollo de las artes.
La guerra finalizó a finales del siglo XV y la familia Tudor comenzó a gobernar la nación. El nuevo rey,
Enrique séptimo, estaba fascinado con el ambiente cultural y político que se estaba dando en Italia, por lo
que promovió un desarrollo similar invitando y patrocinando a humanistas italianos. Esto resultó en un
florecimiento de ciertas disciplinas artísticas, que en Inglaterra abarcó todo el siglo XVI y los comienzos
del XVII.
A diferencia del renacimiento italiano, que se destacó por las artes visuales, en Inglaterra predominaron la
música y sobre todo la literatura. Uno de los autores de teatro más famosos fue William Shakespeare. Sus
obras agradaban al público y muchas personas asistían a verlas.
DIFERENCIAS ENTRE EL RENACIMIENTO Y EL BARROCO
1− Exaltación del mundo y del hombre
2− Admiración por la Antigüedad clásica
3− Movimiento importado de Italia
4− Religiosidad en segundo plano
5− Razón
6− Sencillez expresiva
7− Optimismo
8− Armonía
1− Exaltación de la Divinidad frente al mundo
2− Indiferencia hacia el mundo grecolatino
3− Raíces hispánicas
4− Religiosidad profunda basada en la
meditación
5− Sentimiento
6− Complejidad expresiva imágenes
abundantes
7− Pesimismo
8− Desequilibrio
EL TEATRO INGLÉS
El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a finales del siglo XVI.
En aquel tiempo, se escribían tragedias academicistas de carácter neoclásico que se representaban en
las universidades; sin embargo la mayoría de los poetas isabelinos tendían a ignorar el neoclasicismo o,
en el mejor de los casos, lo usaban de forma selectiva.
A diferencia del teatro continental —creado con el objetivo de ser presentado ante un público de elite—
el teatro inglés se basó en formas populares, un teatro medieval vital, y en las exigencias del público en
general.
Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del momento, así como de
una evolución de la lengua, dramaturgos como Thomas Kyd y Christopher Marlowe dieron lugar al
nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el variado y complejo trabajo del
más grande genio del teatro inglés, William Shakespeare.
Las obras seguían una estructura clásica en cuanto se refiere a actos y escenas,
1-se empleaba el verso (aunque a menudo se intercalara la prosa),
2-se recogían recursos escénicos de Séneca, Plauto y la commedia dell'arte;
3-se mezclaban tragedia, comedia y pastoral;
4-se combinaban diversas tramas;
5-las obras extendían su acción a través de grandes márgenes de tiempo y espacio;
6-convivían personajes de la realeza con los de las clases bajas;
7-se incorporaba música, danza y espectáculo;
8-se mostraba violencia, batallas y especialmente sangre.
9-Los temas de la tragedia solían ser históricos más que míticos,
10-la historia era utilizada para comentar cuestiones del momento contemporáneo.
11-Las comedias eran frecuentemente pastorales, e incluían elementos como ninfas y magia.
Dramaturgos ingleses posteriores a esta época, en especial Ben Jonson, observaron de forma más
estricta los preceptos neoclásicos.
Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros circulares y al aire libre.
El escenario era una plataforma que invadía parcialmente el equivalente al actual patio de butacas, por
entonces un área para estar de pie destinada a las clases bajas.
En los meses más fríos, las obras se montaban en teatros privados para un público de elite.
El estilo de interpretación en los principios del teatro isabelino era exagerado y heroico como las obras
mismas pero, ya en tiempos de Shakespeare, actores como Richard Burbage habían empezado a
modificar su trabajo hacia un estilo más natural y menos contenido, tal y como se refleja en el famoso
discurso a los intérpretes en la obra de Shakespeare Hamlet.
El decorado era mínimo, y constaba de algunos accesorios o paneles.
Las localizaciones eran sugeridas, y por tanto quizá cobraban más vida en la propia mente de los
espectadores por la poesía de la obras.
Tras la muerte de la reina Isabel, el teatro, como reflejo del clima político y social cambiante, se volvió
más oscuro y siniestro, mientras que la comedia, especialmente las de Jonson, se tornó más cínica.
Asimismo, también se desarrolló un elaborado teatro de corte, la mascarada.
Parecida a los intermezzi italianos y los ballets franceses, las mascaradas presentaban historias
alegóricas —con frecuencia eran tributos a la realeza— con música y danza.
Jonson fue el principal escritor de este tipo de espectáculos, y el arquitecto Inigo Jones diseñaba el
escenario y la maquinaria con un estilo fantástico e italianizante.
En 1642 estalló la guerra civil y el Parlamento, bajo el control de los puritanos, cerró los teatros hasta
1660.
Durante ese periodo, la mayoría de los edificios teatrales fueron destruidos, y con ellos gran parte de los
testimonios del teatro inglés del renacimiento.
Cuando se volvieron a producir obras de teatro tras la restauración, se atendió a un pequeño grupo de
elite.
Fueron construidos pocos teatros nuevos basados en modelos italianos o franceses.
La plataforma isabelina fue conservada pero se combinó con los decorados y los cambios de perspectiva
italianos.
Se permitió la entrada sobre el escenario a las mujeres por primera vez desde la edad media.
Las obras observaban de forma relajada las normas neoclásicas.
Aunque las obras de este periodo puedan parecer para el público actual académicas y rígidas, las
comedias de costumbres ingeniosas, sofisticadas y con clara carga sexual, en particular las de William
Congreve, todavía gustan a muchos espectadores.
TEATRO DEL SIGLO XVIII EN EUROPA
El teatro del siglo XVIII era, básicamente, y en gran parte de Europa, un teatro de actores.
Estaba dominado por intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su estilo; a menudo estos
actores adaptaban clásicos para complacer sus gustos y adecuar las obras a sus características.
Las obras de Shakespeare, en especial, eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para
complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos.
A Rey Lear y Romeo y Julieta, por ejemplo, se les cambiaron los finales trágicos por unos felices,
anulando por lo tanto la intencionalidad del autor.
Sin embargo, también se produjo una reacción contra el neoclasicismo y un creciente gusto por lo
sentimental; esto se debió en gran parte a la aparición de una pujante clase media.
SHAKESPEARE
William Shakespeare (también deletreado Shakspere, Shaksper y Shake-speare, porque la grafía en
tiempos isabelinos no era ni fija ni absoluta3 ) nació en Stratford-upon-Avon, en abril de 1564. Nació
cuando su familia vivía en la calle Henley de Stratford; no se conoce el día exacto, puesto que entonces
sólo se hacía el acta del bautismo, el 26 de abril en este caso. El padre de Shakespeare, que se
encontraba en la cumbre de su prosperidad cuando nació William, cayó poco después en desgracia.
Acusado de comercio ilegal de lana, perdió su posición destacada en el gobierno del municipio. El 28 de
noviembre de 1582, cuando tenía 18 años de edad, Shakespeare contrajo matrimonio con Anne
Hathaway, de 26, originaria de Temple Grafton, localidad próxima a Stratford. Los últimos años de la
década de 1580 son conocidos como los 'años perdidos' del dramaturgo, ya que no hay evidencias que
permitan conocer dónde estuvo, o por qué razón decidió trasladarse de Stratford a Londres. Hacia 1592
Shakespeare se encontraba ya en Londres trabajando como dramaturgo. En 1596, con sólo once años de
edad, murió Hamnet, único hijo varón del escritor, quien fue enterrado en Stratford el 11 de agosto de ese
mismo año. Algunos críticos han sostenido que la muerte de su hijo pudo haber inspirado a Shakespeare
la composición de Hamlet (hacia 1601), reescritura de una obra más antigua que, por desgracia, no ha
sobrevivido. Pronto se convertiría en actor, escritor, y, finalmente, copropietario de la compañía teatral
conocida como Lord Chamberlain's Men, que recibía su nombre, al igual que otras de la época, de su
aristocrático mecenas, el lord chambelán (Lord Chamberlain). La compañía alcanzaría tal popularidad
que, tras la muerte de Isabel I y la subida al trono de Jacobo I Stuart, el nuevo monarca la tomaría bajo su
protección, pasando a denominarse los King's Men (Hombres del rey). Shakespeare falleció el 23 de abril
de 1616. Estuvo casado con Anne hasta su muerte, y le sobrevivieron dos hijas, Susannah y Judith. La
primera se casó con el doctor John Hall. Sin embargo, ni los hijos de Susannah ni los de Judith tuvieron
descendencia, por lo que no existe en la actualidad ningún descendiente vivo del escritor. Se rumoreó, sin
embargo, que Shakespeare era el verdadero padre de su ahijado, William Davenant. A continuación se
listan las tragedias completas de Shakespeare, ordenadas según la fecha aproximada de su composición:











Tito Andrónico (1592)
Romeo y Julieta (1595)
Julio César (1599)
Hamlet (1601)
Troilo y Crésida (1602)
Otelo (1603-1604)
El rey Lear (1605-1606)
Macbeth (1606)
Antonio y Cleopatra (1606)
Coriolano (1608)
Timón de Atenas (1608)
http://blaschillerato.blogspot.com/2010/11/temas-en-romeo-y-julieta.html
OBRAS: CLASIFIACIÓN
Hamlet trata sobre una venganza que ha de ser cumplida por Hamlet. Su padre, el rey de
Dinamarca, había sido asesinado por su hermano Claudio. De esta forma, cuando Claudio lo asesinó
paso a ser el rey y a casarse con la viuda Gertrudis. Hamlet temeroso, intentaba siempre posponer la
venganza, hasta que un día en el palacio se escenificó el asesinato de su padre, era una buena ocasión
para observar la reacción de Claudio ante aquella versión. Claudio advierte que su crimen ha sido
descubierto y planifica la misión de enviar a Hamlet a Inglaterra acompañado por los personas y una vez
allá sería asesinado. Pero por el camino es raptado por unos piratas que matan a sus acompañantes y lo
devuelven a Dinamarca. Finalmente, Claudio decide hacerle frente a Hamlet y se alía con Laertes hijo de
Polonio, que le acusa a Hamlet de la muerte de su padre y de su hermana. Laertes y Claudio deciden
matar a Hamlet y preparan un duelo. El plan consiste en envenenar una de las espadas y tener un copa
de vino envenenado para el caso de que la espada falle. En el duelo, Laertes hiere a Hamlet. La reina,
Gertrudis, toma por equivocación el vino envenenado y Los duelistas intercambian las espadas. En su
agonía, Laertes revela la traición del rey. En un arranque de cólera, Hamlet arremete con la espada
envenenada contra Claudio y mata al rey.
Otelo: esta obra trata sobre Otelo, un esposo con celos enfermizos sobre su amada
Desdémona. Yago, el antagonista de la obra, le convierte en una persona insegura y atormentada por los
celos que siente y termina asesinando a su amada.
MacBeth; esta obra escrita por Shakespeare hacia 1606 describe el proceso de un hombre
esencialmente bueno que, influido por otros y debido también a un defecto de su propia naturaleza,
sucumbe a la ambición y llega hasta el asesinato. A lo largo de la obra, Macbeth, por obtener y, más
tarde, retener el trono de Escocia, va perdiendo su humanidad hasta llegar al punto de cometer todo tipo
de imperdonables actos.
Romeo y Julieta: esta es una obra clave para el teatro trágico de cualquier época. Como en el
resto de obras de este autor, el final es trágico y el tema principal es la locura y el amor. Romeo y Julieta
fue influenciado por otras obras del mismo autor, como Hamlet, Otelo, MacBeth, etc, esto lo podemos
apreciar por ejemplo en
Una vez explicado el argumento de cada obra podemos destacar una idea clara, todas las obras
de Shakespeare son teatros trágicos, es decir, todos luchan contra un destino que finalmente vence y les
lleva a la muerte. En Hamlet muere Laertes, Claudio, Gertrudis, etc. en Otelo muere Desdémona, la
amada de éste, en MacBeth, el protagonista que da el título a la obra, pasa al lado oscuro, cometiendo
asesinatos y siendo una persona cruel y despiadada, y finalmente en Romeo y Julieta, mueren muchos
personajes que ya hemos nombrado anteriormente, pero los más destacados son los dos protagonistas,
Romeo y Julieta. Yo creo que el mensaje que Shakespeare quiere dar en la mayoría de sus obras es que
siempre antes de actuar hay que saber cómo son las cosas en realidad, por ejemplo en Romeo y Julieta,
si él no hubiera actuado de forma impulsiva y guiándose por sus nervios, no se hubiera suicidado y se
habría evitado así, la muerte de Julieta. Lo mismo pasa con Otelo, si éste se hubiera dado cuenta de que
Yago le estaba influenciando negativamente para acabar con la vida de su amada, no habría ocurrido
ninguna tragedia. En MacBeth vemos un caso muy parecido al de Otelo, una persona es influenciada por
un antagonista que acaba consiguiendo llevar al protagonista por el mal camino e incluso llevarlo a
cometer asesinatos o a la locura.
El autor de Strattford-on-Avon se inspira en las características del petraquismo que son las
siguientes:
Temas propios del amor cortés medieval, con una idealización de la amada, desamor,
lamento poético, etc. Refiriéndonos a la obra maestra de Shakespeare esta característica del
petrarquismo forma el tema principal del Romeo y Julieta, es decir, su amor desenfrenado, es un
amor cortés, un amor imposible por el que los protagonistas luchan para sacar adelante. Y
respecto a la idealización de la amada, podemos observar esto en los primeros fragmentos de la
obra. Una frase que muestra algunas de estas caracteristicas, como el desaliento amoroso, el
desamor, el lamento poético es esta: “Ven, noche gentil, noche tierna y sombría dame a mi
Romeo y, cuando yo muera, córtalo en mil estrellas menudas: lucirá tan hermoso el firmamento
que el mundo, enamorado de la noche, dejará de adorar al sol hiriente.”
Recursos propios de los autores clásicos, alusiones alegóricas, mitos, etc. En la obra
trabajada en clase hace alusiones a algún personaje mitológico como Cupido, el dios del amor.
En alguna expresión se hace uso de su nombre para dramatizar, en algunas ocasiones, y para
engrandecer la idea del amor, en otras. En este ejemplo, se ve claramente que hay un tono de
lamento y dramático: “¡Ay de mi! Rima solo “amor” con “dolor”. Dile un piropo a mi comadre
Venus, algún apodo para su hijo y heredero ciego, el joven Abraham Cupido que disparo también
su flecha, quedando yo enamorado”
Uso de los sentimientos como tema de los poemas: tristeza, soledad, celos…para
expresar dulzuras y penas amorosas. Como ya hemos comentado antes, el tema principal de
Romeo y Julieta es el amor desenfrenado. A lo largo de esta obra podemos apreciar muchas
expresiones amorosas, por ejemplo al inicio de la obra, para idealizar a Julieta. Como por
ejemplo esta “Dadme a mi Romeo, y cuando muera lleváoslo y divididlo en pequeñas estrellas. El
rostro del cielo se tornará tan bello que el mundo entero se enamorará de la noche y dejará de
adorar al estridente sol.”
Abundantes figuras retóricas: antítesis, correlaciones, aparentes paradojas, metáforas
y símiles sobre los efectos del amor en los amantes. En Romeo y Julieta las principales figuras
literarias que hay son:



La enumeración que hace entre el alma y el corazón
La personificación: “el dolor te atenaza”
La reiteración: “ponle sonido de plata/ponle sonido de plata” (aunque la obra
trabajada en clase este escrita en prosa, muestra muchos rasgos y formas de
escribir que recuerdan a los versos de la obra original escrita por Shakespeare)
Formas métricas nuevas: uso del endecasílabo, la composición mas frecuente es el
soneto, pero también se utilizan silvas, estancias, canciones, églogas, etc. Respecto a esta característica
no podemos decir mucho, puesto que la obra que hemos leído está escrita en prosa, ya que es una
adaptación.
2.SOBRE EL TEMA
El argumento de esta obra trata sobre dos familias, la familia Montesco y Capuleto que entre
ellas hay una mala relación, están enfrentadas y peleadas constantemente. Romeo, es un joven hidalgo,
perteneciente a la primera familia. Y Julieta, una hermosa doncella, que pertenece a la familia Capuleto.
Cierto día los Capuleto ofrecen una fiesta a la cual Romeo acude disfrazado. En esta fiesta conoce a
Julieta, aquí es donde estos dos se enamoran. Más tarde se casan en secreto con la ayuda
de Fray Lorenzo. Después aparece Mercurio, un amigo de Romeo, que sostiene una pelea callejera con
Tibaldo, de la familia Capuleto, el tema de la disputa es la presencia encubierta de Romeo en la reciente
fiesta. Cuando la disputa parecía estar en el peor momento, aparece Romeo. Para acabar la disputa
Romeo mata a Tibaldo. Las autoridades de Verona, donde se desarrolla la trama, lo castigan con el
destierro. Aconsejado por el fraile y tras despedirse de Julieta, parte con destino a Mantua. Por su parte,
los padres de Julieta, que ignoran el matrimonio secreto, pretenden casarla con el conde de París. El
fraile le aconseja aceptar, pero le indica que la noche anterior a la boda tome una poción que la
mantendrá como muerta por 42 horas. Él se encargará de avisarle a Romeo que acudirá a por ella para
llevarla consigo a Mantua, una vez que haya despertado de su letargo. Sin embargo, el mensaje no llega
a tiempo y Romeo cree que en realidad Julieta está muerta. Entonces este se dirige a la tumba de está
donde encuentra a París, que tiene un trágico final, puesto que Romeo acaba con su vida. Después una
vez que Romeo se sitúa junto al supuesto cadáver de su amada, decide beber un veneno y cae muerto.
Más tarde Julieta despierta, intuye lo que ocurrió y se suicida empleando una daga. Tiempo después el
fraile revela todo lo ocurrido y las dos familias enemigas se reconcilian.
Los temas principales de esta obra son:
 El Odio: el enfrentamiento que mantienen Capuletos y Montescos enmarca la relación
extraordinaria entre Romeo y Julieta.
El Amor: la pasión que hay entre los amantes es frenética, se puede observar en el corto
periodo de seis días donde se enamoran, se casan, tienen su noche de bodas y sucede la tragedia. Las
pasiones humanas cumplen en Shakespeare la misma función que el destino para la tragedia griega: se
trata de una fuerza irresistible que desde el principio encamina la acción hacia el desenlace trágico. Si
para los griegos esta fuerza era un impulso externo, dependiente sólo de los dioses, en Shakespeare la
fuerza de la desgracia está en el propio corazón humano, víctima de las pasiones cuando éstas son
demasiado intensas.
Dentro del tema del amor, podemos comparar la historia de ésta obra con otras historias similares de
otras obras, como por ejemplo de:


Píramo y Tisbe: esta obra es mencionada por primera vez por Higinio y escrita
por Ovidio. Consiste en una leyenda muy similar a la de Romeo y Julieta,
puesto que trata sobre un amor prohibido entre Píramo y Tisbe, que finalmente
termina en una tragedia, que únicamente podían comunicarse por gestos y
miradas, hasta que decidieron quedar una noche junto a una fuente. Esa
misma noche, Tisbe fue la primera en llegar, pero divisó a un león y salió
huyendo atemorizada, dejando caer su velo. Más tarde llego Píramo, que vio al
león jugueteando con el velo de su amada ensangrentado, el joven pensó en lo
peor y decidió suicidarse.
Calisto y Melibea: muchos dicen que esta obra, escrita por Fernando de Rojas,
es la versión española de Romeo y Julieta y es que tienen grandes similitudes,
ambas acaban en una tragedia, y el amor desenfrenado de los personajes es
un amor prohibido entre un hidalgo y una doncella, aunque aquí no hay un
malentendido que provoca la muerte de amos personajes, y la otra diferencia
respecto a Romeo y Julieta, es que en Calisto y Melibea aparece la figura de la
Celestina. El argumento de la obra trata sobre Calisto y Melibea que tenían una
relación a escondidas para evitar así, ser separados por las respectivas
familias. Un atardecer que los dos protagonistas habían decidido verse ocurrió
la tragedia, quedaron en el jardín de la doncella, pero nervioso por la bulla que
había en la calle dio un traspiés y callo perdiendo así la vida. Cuando su
amada se dio cuenta, corrió a la torre y fue a acompañar a su amado en el
lardo camino de la muerte.
La Tragedia: el amor entre Romeo y Julieta es trágico desde el principio al ser obligados a
encontrasen a escondidas y como una burla del destino de estos dos el fallido plan con final trágico.
Como ya he dicho antes, esta tragedia está impulsada por una fuerza, el corazón humano.
El destino y el azar: en esta obra el destino desempeña el rol de decidir si realmente los
protagonistas están destinados a morir juntos o si todos los sucesos ocurridos se deben a una serie de
sucesos desafortunados. Aunque el autor sustituye la fuerza del destino por la fuerza ciega de las
pasiones y los sentimientos, a lo largo de la obra podemos encontrar distintas alusiones al azar a las
estrellas, a los Dioses, etc.
Orden establecido: Antiguamente los autores dramáticos dependían de los poderosos para
representar sus obras. Shakespeare contaba con el favor real, que le permitió construir dos teatros
gracias a la reina y poder representar Romeo y Julieta, entre otras. El autor le devuelve a la reina este
favor dentro de su obra, es decir, ofreciendo una imagen positiva del poder, del orden establecido y de las
instituciones.
Locura y razón: Los principales rasgos que caracterizan a los protagonistas muestran que no
estaban muy cuerdos, puesto que eran impulsivos, exagerados, insensatos, etc. Sabemos que dentro de
las obras de Shakespeare encontramos contrastes y luchas de contrarios, por eso mismo, no falta quien
trata de hacer entrar en razón a los protagonistas. Estos otros personajes, que representan la razón y la
inteligencia, oponen su buen sentido a la fogosidad de los amantes.
3.SOBRE LA FORMA
ESTRUCTURA ARISTOTELICA
La obra conserva la estructura básica de una tragedia clásica: desenlace trágico, cinco actos y tono en
general elevado; por lo demás, sin embargo, Shakespeare se muestra libre con respecto a las normas
pseudoaristotélicas: el romance se desarrolla a lo largo de varias jornadas, cuyo número no se determina
claramente, y los escenarios se suceden conforme a las necesidades de la acción, sin que se advierta en
ningún momento esfuerzo alguno del autor por reducir la diversidad de ambientes. Por otra parte, el autor
quiebra también la preceptiva separación entre tragedia y comedia: los personajes de elevada y noble
condición aparecen junto a los criados y gente humilde y, contra la norma clásica, el lenguaje elevado,
propio de la tragedia, convive con un registro coloquial o sencillo, aunque nunca excesivamente vulgar,
reservado a la comedia en las obras clásicas.
EL LENGUAJE SHAKESPEAREANO
Como todo el teatro en la época del Barroco, la obra está escrita casi enteramente en verso: por un lado,
se trata de una forma más de contentar y encandilar a un público heterogéneo y exigente, el cual tenía el
oído mucho más habituado a escuchar versos de lo que lo está la audiencia actual; de otra parte, para los
actores se trata de un eficaz medio de memorización, habitual en la épica juglaresca y en la literatura oral
de todos los tiempos y todo lugar.
DESBORDAMIENTO DE LA UNIDAD DE ESTILO
La norma clásica establecía que una tragedia debía mantener un lenguaje siempre elevado y una
comedia emplear un registro coloquial o sencillo, aunque nunca excesivamente vulgar. El autor inglés,
como sabemos, rompe con esta exigencia: si bien el tono general de la obra es elevado y el estilo
adornado y elegante, no faltan nunca el contrapunto cómico y la broma oportuna. Los personajes adoptan
un registro lingüístico diferente para cada situación, en una variedad que va desde el adorno poético
hasta la broma soez, pasando por el lenguaje sencillo y directo y por la solemnidad en algunos casos.
PROFUNDIDAD DEL PENSAMIENTO
Francisco Ruiz Ramón, en su Historia del teatro español, describe la comedia lopesca con las frases
"Mucha acción y poca filosofía" y "Mínimo de profundidad y máximo de intensidad"; estas descripciones
no valen para la obra de Shakespeare (tampoco para la de Calderón), cuyos textos, además de constituir
un estudio del alma humana, están llenos de pensamientos profundos y reflexiones agudas. Muchas citas
y aforismos de sus obras han pasado a formar parte del uso cotidiano, tanto en el inglés como en otros
idiomas. De hecho, Shakespeare es uno de los autores más citados en las colecciones de frases agudas,
ingeniosas o inteligentes.
Algunas de las sentencias que contiene la obra:






Se burla de las llagas quien nunca recibió una herida.
No hay cosa tan buena que, desviada de su buen uso, no trastorne su verdadero origen,
cayendo en el abuso.
La virtud mal aplicada se convierte en vicio, y en ocasiones el vicio se dignifica por la acción.
El amor de los jóvenes no está en el corazón, sino en los ojos.
Tan tarde llega el que va demasiado aprisa como el que va demasiado despacio.
Un sentimiento moderado revela amor profundo, en tanto que si es excesivo indica falta de
sensatez.