EL IMPACTO DE LOS EFECTOS ESPECIALES FRENTE A LOS EFECTOS VISUALES EN TENET TRABAJO DE FIN DE GRADO (TFG) DE COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Curso 2020-2021 Alumno: Álvaro Verdú Fillola Tutor: Dr. D. Juan Gabriel García Huertas Universidad Francisco de Vitoria 1 RESUMEN El cine desde su invención y a lo largo de su historia ha estado siempre en constante evolución, trayendo consigo infinidad de técnicas cinematográficas, como los “efectos digitales”; los cuales son empleados masivamente en la actualidad. Esta saturación en el empleo de estos recursos nos conduce a una falta de experimentación e implementación de novedades, siendo ahora lo novedoso el dejar de emplear estas nuevas técnicas, regresando al uso de sus predecesoras, llegando incluso curiosamente a obtener un resultado final superior. Christopher Nolan es un director de la “escuela antigua” que prefiere hacer uso de estos olvidados recursos a la hora de confeccionar sus películas. Este trabajo trata de indagar sobre cuáles son las razones principales y secundarias por las que un director de tal envergadura prefiere recurrir a estas técnicas analógicas y si le merece la pena desde un punto de vista artístico-económico y sobre todo que sean creíbles a los ojos del espectador. El estudio y posterior análisis se realizará a través de algunas de sus películas más relevantes en el ámbito de los efectos especiales, centrándose sin embargo en su última superproducción del año 2020 llamada Tenet. 2 INDICE 1. 2. INTRODUCCIÓN 6 1.1 MOTIVACIÓN 6 1.2 HIPÓTESIS E INVESTIGACIÓN 8 1.3 METODOLOGÍA Y LÍMITES DEL PROYECTO 8 1.4 DIFICULTADES EN LA INVESTIGACIÓN 9 DESARROLLO 2.1 BREVE HISTORIA DE LOS FX EN EL CINE 10 10 2.1.1 La aparición del cine 10 2.1.2 El inicio de los efectos especiales 11 2.2 BIOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA DE CHRISTOPHER NOLAN 18 Following 19 Memento 19 Insomnia 20 Trilogía de Batman 21 The Prestige (El truco final) 22 Inception (Origen) 22 Interstellar 23 Dunkerque 24 Tenet 24 2.3 EL USO DE LOS EFECTOS ESPECIALES EN LA FILMOGRAFÍA ANTERIOR A TENET. 25 BATMAN y el gusto por las miniaturas 25 Inception 30 Interstellar 33 2.4 PRODUCCIÓN DE TENET DESDE EL PUNTO DE VISTA DE LOS FX. 38 3 3. Cuestión de tiempo 38 Las peleas 39 Los coches y las persecuciones 41 Todo a lo grande 43 El engaño de Christopher Nolan 45 CONCLUSIÓN 48 BIBLIOGRAFÍA 51 FILMOGRAFÍA 51 WEBGRAFÍA 53 4 5 1. INTRODUCCIÓN 1.1 MOTIVACIÓN El cine, entendido como un arte, es una forma de creatividad artística con un lenguaje propio, el lenguaje de las imágenes fílmicas, un arte que consigue “pensar en imágenes”, combinar éstas como hace la literatura al combinar las palabras, creando un universo nuevo a veces distinto del mundo real que exigen el conocimiento y desarrollo de una serie de técnicas, además de un conjunto de saberes y habilidades (Salvat, 2003). Años más tarde de la aparición del cine y sobre todo con la adaptación de la ciencia ficción a esta nueva forma de hacer arte, aparecieron nuevas técnicas que ayudaron a desarrollar las películas. Estos nuevos métodos conocidos con el nombre de efectos especiales representan, un conjunto de técnicas y elementos que se usan en el cine con el objetivo de sustituir a un elemento real que no puede ser filmado (Bembibre, 2010), entendiendo al elemento real como algo que estaría dentro del universo ficcional de una película. A lo largo del siglo XX, los efectos especiales fueron evolucionando con la incorporación de mejoras y nuevas invenciones. En la década de los años 80, con la aparición del mundo digital y su rápida incorporación en la industria cinematográfica, surgieron en este ámbito, nuevas técnicas digitales que poco a poco irán desplazando a las analógicas. Esta revolución, por tanto, creará dentro del cine, dos conceptos diferentes que comparten una misma definición y objetivo, el de pasar por desapercibido o lo que es lo mismo, ser transparentes a los ojos del espectador, persiguiendo la búsqueda siempre del mayor realismo posible. Pero, al igual que comparten una misma definición y objetivo, se diferencian en algo fundamental y es en qué momento temporal de la producción de una película son incorporados. Los efectos especiales (o analógicos) se incorporan en el propio rodaje del filme, mientras que los efectos visuales (o digitales) se añaden en la postproducción, por medio de un ordenador. El mundo digital ha posibilitado un gran abanico de medios al cine, facilitando la recreación de universos difícilmente alcanzables con medios analógicos, por ello los directores han ido dejando de lado las técnicas tradicionales por las digitales. Pero a pesar de ello, sigue existiendo 6 una comunidad de directores que resisten al cambio, como lo es el director inglés Christopher Nolan. El ensayista Antonio José Navarro (2012) considera que a Cristopher Nolan se le podría definir como un mago o ilusionista cuyo propósito no es más que jugar con la mente de su público, creando hábiles ilusiones. Esta esencia de Nolan la define el propio director en las primeras escenas de su película El Truco Final (2006), donde el personaje de Cutter (Michael Caine) explica qué acciones debe de llevar a cabo un ilusionista para completar su truco. “Mostrar al público un objeto convencional, normal; hacerlo participar en un supuesto hecho extraordinario para que parezca extraordinario; y, sobre todo, lo más importante, encontrar un espectador que esté dispuesto a dejarse engañar, a participar en ese suceso increíble, algo jamás nunca visto...” (La Madraza, 2018). Partiendo de esta base y de la temática sobre cuestiones fundamentales sobre la existencia y el honor (Mullor, 2017), Christopher Nolan construye todas sus películas buscando así diferenciarse del resto de los directores. Uno de los medios que emplea Cristopher Nolan para ilusionar al espectador, es mediante el uso de los ya conocidos efectos especiales, con los que llega a conseguir, por ejemplo, retorcer la lógica de la gravedad, como ya hizo en su película Inception (2010). Pero es curioso que en pleno siglo XXI y con el alto grado de calidad y fidelidad que los efectos digitales han alcanzado, siga habiendo directores que, con un espíritu numantino, se resignan a emigrar de lo analógico a lo digital. En Tenet (2020), su última superproducción, su editora Jennifer Lame aseguró para la revista ICG Magazine que alrededor de unos 300 planos tuvieron que hacer uso de los efectos visuales, a lo que Cristopher Nolan añadió para esta misma revista que posiblemente tenga menos planos con efectos visuales que una película de comedia romántica (Martin, 2020, pág. 46). Si comparamos este dato con otra de las grandes superproducciones de Hollywood de los últimos años, Tenet se queda muy atrás: Avengers: Endgame (Russo & Russo, 2019) posee cerca de 2000 planos con efectos visuales. Este dato abre la puerta a investigar el por qué un director de la talla de Christopher Nolan antepone los efectos especiales a los visuales en Tenet, su última gran producción, rompiendo así, con la tendencia establecida durante los últimos años en el cine. 7 1.2 HIPÓTESIS E INVESTIGACIÓN El propósito del trabajo es exponer e investigar el impacto que tienen los efectos especiales frente a los efectos visuales en la última superproducción del director Christopher Nolan para entender de esta manera la preferencia de su uso es sus trabajos cinematográficos. Se parte de la hipótesis de que dadas las particularidades de sus producciones como la incorporación de temas fundamentales sobre la existencia o el honor y sobre todo por la constante búsqueda del juego con la mente de los espectadores, Christopher Nolan busca la diferenciación y la consecución de una seña de identidad caracterizándole así del resto de directores de la industria del cine, por ello continuar usando efectos analógicos en pleno siglo XX podría ser una de sus marcas identificatorias. Por todo ello, se plantean los siguientes objetivos: - Analizar las cualidades y defectos de los efectos especiales frente a los visuales desde el marco de la producción y postproducción, tomando como base la película Tenet. Para ello, se hará un viaje por la historia de los efectos especiales en el cine, desde sus inicios hasta nuestros días, para conocer su evolución y estado actual. - Investigar su razón para emplear los efectos especiales en vez de los visuales. - Estudiar la viabilidad, ventajas del uso de los efectos analógicos o efectos especiales frente a los digitales en el siglo XXI. Una vez reunido estos datos se podrá analizar y concluir si en pleno siglo XXI merece la pena el uso de los efectos analógicos o efectos especiales frente a los digitales. 1.3 METODOLOGÍA Y LÍMITES DEL PROYECTO Para poder realizar el presente trabajo se han consultado fuentes bibliográficas de diversa índole desde material académico, películas, revistas, entrevistas o documentales. Se ha querido tomar como referencia inicial la ayuda de otros trabajos de investigación como tesis 8 doctorales con el objetivo de crear una estructura cohesionada y de poder conocer otros posibles enfoques. Una vez determinado el anterior punto, se inicia el proceso de lectura o visionado y selección de información procedente de libros como Masters of FX (Failes, 2015) que recoge declaraciones y el proceso de preproducción y producción desde el punto de vista de los directores de efectos especiales de las películas. Otra fuente son las revistas especialistas en este ámbito como la revista estadounidense ICG Magazine, documentales especializados sobre el mundo audiovisual, en especial sobre el director Christopher Nolan y los efectos especiales. Un ejemplo de ello son los contenidos audiovisuales adicionales que nos proporcionan las productoras para conocer el proceso de preproducción, producción y postproducción de las películas. Este tipo de contenido proporciona una información de primera a mano gracias a sus imágenes y sobre todo declaraciones de las personas más relevantes para la investigación. Una vez analizada la información, se corrobora mediante el visionado de películas mencionadas y aportando las ideas correspondientes. 1.4 DIFICULTADES EN LA INVESTIGACIÓN La principal dificultad fue el obtener información sobre la película Tenet, ya que se trata de un filme cuyo estreno (26 de agosto del 2020) está muy próximo a la fecha del inicio de esta investigación (Noviembre del 2020). Por ello, se tuvo que retrasar la recolección de datos relacionados con la película hasta su salida a venta (15 de diciembre del 2020). Anteriormente, solo se contaba con la información proporcionada por lo protagonistas y adelantos otorgados por la productora durante su periodo de promoción. Una información que dio pie a establecer las bases de la investigación. También, a pesar de la suma importancia que tienen los efectos especiales y visuales en las películas de la actualidad, ha sido difícil acceder información técnica sobre dicho tema. Teniendo que hacer acopio de información proporcionada de diferentes entrevistas y tesis. 9 2. DESARROLLO 2.1 BREVE HISTORIA DE LOS FX EN EL CINE 2.1.1 La aparición del cine Una vez conocidas las diferencias fundamentales entre los conceptos más relevantes en la investigación, es interesante resaltar en qué contexto se fraguaron. El cine surgió tras una multitud de investigaciones e inventos que fueron apareciendo durante todo el siglo XIX. Todas estas ideas nacieron a partir de una investigación del médico inglés Peter Mark Roget sobre la persistencia de la visión en 1824, en la que el científico defendía que una imagen permanecía en la retina por una décima de segundo (Pascual) y que años más tarde fue superada por el fenómeno phi que fue definida por Max Wertheimer en la psicología de la Gestalt en 1912 (Pascual) como una ilusión óptica en la que el cerebro interpola imágenes creando un movimiento, todo ello recibiendo una pequeña parte de la información que se está viendo, como en este caso serían las imágenes (Wikipedia, 2020). Este fenómeno como el anterior constituye la base del cine. Estas teorías fueron viéndose reflejadas en una serie de artilugios como el fenaquistiscopio de Joseph Plateau (1829) o el praxinoscopio Charles Emile Reynaud (1834) donde todas ellas empleaban ilustraciones. Paralelamente surge la fotografía (Nicéphore Niepce, 1824) y estas ilustraciones van cayendo en el olvido dejando paso a las instantáneas. Se abriría una guerra por crear la cámara más rápida. Un ejemplo de ello fue Edward Muybridge que se puso como objetivo fotografiar el ciclo de pasos de un caballo, para ello tuvo que emplear 24 cámaras fotográficas. Al otro lado del océano, Thomas Edison también puso interés en inventar una máquina que fuese capaz de capturar fotografías en movimiento. Tras varias investigaciones surgió el kinetógrafo (1889), al cual no le vio mucho futuro por el escaso interés que pensaba que iba a tener sobre el público en general. Todo ello no le descentró en su propósito porque más tarde 10 creó el kinetoscopio (1981), una máquina eléctrica capaz de visionar películas a la vez. El fallo de Thomas Edison fue el de no patentar la máquina en Europa, ya que este vacío legal fue aprovechado por los hermanos Lumiére que adaptaron la idea creando el cinematógrafo (1895), una máquina portátil capaz de grabar y proyectar películas. La gran aportación de los Lumiére fue el nuevo mecanismo de movimiento de la película. Ahora, la cinta tenía unas perforaciones que permitían unirse a unas clavijas que hiciesen mover la película. Convirtieron las imágenes en movimiento en un espectáculo de masas, siendo Llegada de un tren a la estación de la Ciotat la primera película proyectada al público en el año 1895 durante el Salón Indien del Grand Café, en el Boulevard des Capucines (Paris) dando paso, a lo que hoy conocemos como cine. 2.1.2 El inicio de los efectos especiales Con el paso de los años el cine dejó de capturar solamente elementos costumbristas e ir dejando volar la imaginación introduciendo aspectos ficcionales, lo que trajo consigo la aparición de los efectos especiales. Estas nuevas técnicas expandirán los límites del cine hasta alcanzar la magnitud tal y como hoy lo conocemos. Se considera a la película de The Execution of Mary Stuart (Clark, 1895) como la primera en introducir un efecto especial. Se introdujo la técnica Stop Trick en la escena de la decapitación de María Estuardo. En el momento de cortar la cabeza, el rodaje fue detenido y el actor fue sustituido por un muñeco, pudiendo el verdugo bajar el hacha y simular que corta una cabeza (ilustración 1 y 2). 11 Ilustración 1 Fuente: The Execution of Mary Stuart (Clark, 1895) Ilustración 2 Fuente: The Execution of Mary Stuart (Clark, 1895) Pero si se habla de efectos especiales en los comienzos del cine, es imposible no mencionar a George Méliès que a lo largo de más de 500 películas fue introduciendo una multitud de ingeniosos e innovadores efectos especiales, como la múltiple exposición, colores pintados, fotografías con lapsos de tiempo, disoluciones. El Stop Trick lo descubrió durante una grabación por las calles de París (1896), donde accidentalmente paró la cámara. Cuando reveló la película, el autobús que había captado la cámara antes de pararse, había pasado a ser un 12 coche fúnebre y lo mismo ocurrió con los hombres que se transformaron en mujeres. George Méliès por su capacidad de crear falsas ilusiones a sus espectadores fue apodado como “El mago del cine” (“Cinemagican”). Le Voyage dans la lune (Méliès, 1902) será su película más famosa, su argumento se basa en parodiar el libro de Julio Verne, De la Tierra a la Luna. En ella se introducen un sin fin de efectos especiales que combinan la acción real con animaciones e incorporando una técnica primitiva con espejos de lo que hoy conocemos como Matte Painting. El Matte Painting fue creado por el cinematógrafo francés Norman Dawn, influenciado por George Méliès que en 1905 en medio de la fachada del edificio parisino que fotografiaba, se encontraba un poste de electricidad. Max Handshiegl un amigo del director, le propuso la idea de poner un cristal frente la cámara en el que estuviera pintado un árbol y un edificio, con el objetivo de tapar el molesto poste de electricidad. Esta revelación hizo que Norman Dawn introdujese esta técnica en el cine, el único problema es que había que mantener una iluminación constante y hacer un dibujo realista, para que el espectador lo pudiera asociar como un elemento real. Esta idea fue rápidamente copiada en Hollywood, donde vieron que con un menor presupuesto podrían crear grandes decorados. Durante siglo XX, el cine fue progresando y las técnicas en efectos especiales no se quedaron atrás. El teatro fue una gran fuente de inspiración para los nuevos efectos especiales en el cine, como por ejemplo el pepper's ghost, muy empleado en los espectáculos de ilusionismo. Este efecto consiste en ocultar una parte de una habitación con un cristal que, dependiendo del ángulo de proyección de la luz hace que su reflejo impida ver el otro lado del cuarto. La retroproyección fue otra de las grandes incorporaciones venidas del teatro, donde los fondos del teatro se sustituyeron por imágenes en movimiento, con el objetivo de crear fondos vivos. Uno de los grandes retos fue el del desarrollar escenarios grandiosos y vivos, como las batallas navales, donde los expertos diseñaron escenarios a una escala menor usando maquetas, para poder así simular grandes explosiones sin ningún tipo de peligro. También era habitual mezclar las maquetas con el matte painting. Esta combinación de técnicas se vio reflejada en la película Metrópolis (Lang, 1927) (ilustraciones 3 y 4). 13 Ilustración 3 Fuente: Metrópolis (Lang, 1927). Ilustración 4 Fuente: Metrópolis (Lang, 1927). Con la película King Kong (Cooper & Schoedsack, 1933) apareció el stop motion que consiste en animar un elemento real fotograma a fotograma. Estas técnicas tuvieron que refinarse aún más con la aparición del color en los años 30, debido a la capacidad de observación de las imágenes con mayor nitidez. De esta manera aparecieron nuevas técnicas como el proceso de vapor de sodio que Petro Vlahos desarrolló en exclusiva 14 para Disney y fueron empleadas en películas como Tú a Boston y yo a California (Swift, 1962) o en la aún más famosa Mary Poppins (Stevenson, 1964). El efecto consistía mediante una lámpara de sodio siluetear a los personajes pudiendo así, ser recortados del fondo (ilustración 5). Ilustración 5 Fuente: Mary Poppins (Robert Stevenson, 1964). Tras inventar la lámpara de sodio, Petro Vlahos fue reclutado por la productora MGM para crear los efectos de la película Ben Hur (Wyler, 1959), el problema que se encontró el experto, fue que la película se rodó en 65 mm y su efecto solo funcionaba en películas de 35 mm. Tras 6 meses de investigación, consiguió inventar una nueva técnica que consistía en separar las luces azules, verdes y rojas, para combinarlas en una nueva señal externa, inventando así el bluescreen, un prototipo de lo que hoy en el mundo digital conocemos como chroma key. La gran revolución vino con el género de ciencia ficción, donde los directores aprovecharon todas las múltiples posibilidades que los efectos especiales ofrecían, para construir mundos jamás imaginados. El punto de inflexión lo dio Stanley Kubrick en su película 2001: A Space Odyssey (1968) una película que sigue siendo visionaria después de todos estos años (...) [Un] clásico que 15 influenció a una generación de películas de ciencia ficción (…) (Bradshaw, 2014) como Interstellar (Christopher Nolan, 2014). Stanley Kubrick creó su propio equipo de efectos especiales en vez de la usual unidad que te ofrecían las productoras. En esta película se juntaron todos los efectos especiales conocidos, más los que el nuevo equipo de Stanley Kubrick crearon para poder llevar a cabo la película. En ella se recrearon múltiples maquetas pintadas a mano que, junto a la combinación de fotografías en diferentes escalas y perspectivas, podían formar escenarios reales a los ojos del espectador (ilustración 6). En las secuencias donde se tenía que recrear una sensación de gravedad cero, se emplearon grandes escenarios giratorios con cables escondidos mediante espejos (ilustración 7). Ilustración 6 Fuente: 2001: A Space Odyssey (Kubrick, 1968) 16 Ilustración 7 Fuente: 2001: A Space Odyssey (Kubrick, 1968) La otra gran película que empujó a los efectos especiales hacia su progreso fue La Guerra de las Galaxias (Lucas, 1977), donde años antes, el director George Lucas creó Industrial Light&Magic (ILM), una compañía formada por jóvenes estudiantes, artistas e ingenieros que se encargaron de hacer realidad toda la fantasía cinematográfica de La Guerra de las Galaxias. Estos jóvenes crearon Dystraflex, un sistema que, a través de una cámara controlada de manera digital, permitía facilitar el proceso de trucaje mediante la repetición del movimiento de la cámara de forma precisa. No fue hasta el año 1973 que no se incorpora por primera vez en la historia del cine un efecto visual en una película. Fue en Westworld (Crichton, 1973), donde se pixelaron algunas escenas con el objetivo de recrear el punto de vista del androide. En 1982 fue cuando se recreó y se incorporó por primera vez un personaje totalmente digital en una película (ilustración 8), esto ocurrió en la película de Disney, Tron (Lisberger, 1982). Por aquel entonces películas pioneras en efectos visuales como The Last Starfighter (Castle, 1984) o la Ilustración 8 Fuente: Tron (Lisberger, 1982) 17 anteriormente citada Tron, fueron un fracaso en taquillas y los expertos vaticinaban un corto futuro para los efectos generados por ordenador. A mediados de los 80 Pixar, la empresa fundada por Steve Jobs empezó a realizar las primeras pruebas de piezas creadas íntegramente por ordenador, estrenando el primer cortometraje Luxo Jr (Lasseter, Luxo Jr, 1986) que visualmente cuenta como el famoso flexo de las “intros” de Pixar explota una pelota. El cortometraje tiene una duración de alrededor de 2 minutos. Años más tarde se estrenó la ganadora de un Oscar, Tin Toy (Lasseter, Tin Toy, 1988) que posteriormente inspiró al primer largometraje de la historia de la animación, Toy Story (Lassester, 1995), una colaboración entre Disney y Pixar. 2.2 BIOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA DE CHRISTOPHER NOLAN Antes de entrar a fondo con la filmografía más relevante de Christopher Nolan en la temática del estudio, es recomendable retroceder y seguir una línea cronológica desde sus inicios hasta su presente, con el objeto de conocer los elementos más significativos de sus películas. Para poder así, tener una visión más amplia a la hora de comprender su forma de hacer cine. Christopher Nolan es un director de cine, productor y guionista. Nació en la capital de Reino Unido en el año 1970, segundo hijo de Brendan Nolan y de la estadounidense Christina Jensen. A los 7 años con la cámara de su padre empezó a jugar y a grabar sus primeros videos, usando a sus muñecos como actores. Años más tarde, su interés por el mundo de la cinematografía fue aumentando hasta realizar sus primeros cortometrajes en una escuela de cine, a la vez que estudiaba Literatura Inglesa en la University College de Londres. Durante estos años empezó a recaudar dinero para poder realizar sus futuras películas que posteriormente proyectó en festivales, como por ejemplo Tarantella (1989) o Larceny (1996), siendo Doodlebug (1997) las más conocida, donde Jeremy Theobald, un hombre angustiado trata de matar algo que desconoce con su bota. En este cortometraje ya se comienza a ver las intenciones de 18 Christopher Nolan de jugar con el espectador creando una especie de simbología de juego de muñecas rusas. En 1997 se casó con su actual mujer Emma Thomas, una productora con la que juntos llevaron a flote Syncopy, su propia productora. Christopher Nolan también colaborará con su hermano Jonathan Nolan, guionista de películas como Memento (Christopher Nolan, 2000), Interstellar (Christopher Nolan, 2014), La trilogía del Caballero Oscuro (Christopher Nolan, 2005; 2008; 2012) o El Truco Final (Christopher Nolan, 2006). También es director y guionista de la serie Westworld (2016) de HBO. Christopher Nolan a sus 50 años cuenta con 11 películas y 5 nominaciones a mejor director en los premios Oscar. Following Su primer largometraje fue Following (1999), una película de tan sólo 69 minutos de duración y 6000 dólares de presupuesto. En ella, Christopher Nolan nos presenta un thriller psicológico donde cuenta la historia de un joven americano sin trabajo. Esta película fue rodada en fines de semana durante 4 meses y con la ayuda de sus amigos. Nolan tuvo que hacer de cámara y montador, aparte de director y guionista. A causa del bajo presupuesto, para ahorrar costes, la película se tuvo que rodar en 16 mm y en blanco y negro. Memento Tras el repentino éxito de su primera película, Christopher Nolan no dudó en presentar a diferentes productoras un guion basado en una novela escrita por su hermano Jonathan Nolan, llegando incluso a pedir dinero público del gobierno de Hong Kong. Finalmente, la productora de cine indie, Summit Entertainment, decidió producirla dando a Christopher Nolan 9 millones de dólares. Esta película se trata de Memento (2000) de 2 horas de duración que narra la vida de Leonard, un ex agente de seguros que dedica su día a día a investigar la muerte de su mujer, asesinada a manos de una persona a la que Leonard no logra recordar. Mientras intentaba 19 detener al criminal, sufrió un golpe en la cabeza que le dejó inconsciente. Al despertar, su memoria estaba dañada, sufría una extraña e incurable enfermedad que le impedía retener recuerdos a corto plazo. De esta forma, la última imagen que guarda en su cabeza es la de la muerte de su esposa, pues los nuevos recuerdos que acumula en su memoria desaparecen al despertar. A pesar de saber su nombre y todos los detalles de su pasado, ya no puede crear nuevos recuerdos. Para dar con el asesino de su esposa cuenta con la ayuda de una cámara instantánea y varias notas tatuadas por todo su cuerpo (Sensacine, 2001). A pesar de ser una película rodada en 25 días, no causó una mala critica, siendo el filme que catapultó la carrera de Christopher Nolan. Fue nominada a mejor montaje y guion original para los premios Oscar. A raíz de esta película las grandes productoras empezaron a fijarse en él. Insomnia El éxito había llamado a la puerta de Christopher Nolan por ello, no tardó en poner en marcha su tercer filme, esta vez fue una adaptación de una película de 1997, Insomnia (Skjoldbjaerg, 1997) que gracias a la financiación de grandes nombres en el mundo del cine como George Clooney o Steven Soderbergh consiguió alcanzar el presupuesto de los 46 millones de euros, una cifra muy diferente de sus dos anteriores películas. Para la película también contó con grandes nombres en el reparto, como fueron Al Pacino o Robin Williams. La película trata sobre Will Dormer, un policía veterano y desengañado, es enviado a Alaska para investigar la sórdida muerte de una adolescente. Él y sus hombres le tienden una emboscada al asesino, pero este consigue escapar. Will corre tras él, pero le pierde de vista entre la espesa niebla. Creyendo ver una sombra que empuña un arma, dispara contra ella. Pero, al acercarse al cadáver, descubre que acaba de matar a Hap, su compañero. Instintivamente, coge la pistola que el asesino había dejado caer en su huída y la sitúa cerca de Hap, para disimular su culpabilidad. Sin embargo, Walter Finch, el asesino, lo ve y lo amenaza con denunciarle si no cierra de inmediato el caso acusando al exnovio de la víctima de ser el responsable de ambas muertes. Will no puede permitir que Walter se libre tan fácilmente, pero la falta de sueño le impide pensar con claridad (Sensacine, 2002). Esta película fue estrenada en 2002 y consiguió recaudar 113 millones de dólares (Wikipedia, 2021). 20 Trilogía de Batman El siguiente reto que se propuso Christopher Nolan fue el adentrarse en el mundo de los superhéroes. Para ello, propuso a Warners Bros el regreso a la gran pantalla del hombre murciélago, conocido como Batman. Tras numerosas dudas iniciales por parte de la productora, debido a la mala recepción que tuvo Batman Forever (Schumacher, 1995) y Batman y Robin (Schumacher, Batman y Robin, 1997) en el público durante los años 90, finalmente aceptaron el proyecto. Para su trilogía, Christopher Nolan se inspiró en la película Blade Runner (Scott, 1982), inspiración que quedará reflejada en la manera de realizar los efectos especiales. Para la primera película Batman Begins (2005), Warner Bros otorgó a Christopher Nolan el presupuesto de 135 millones de dólares y todo el control de la producción, algo de lo que no se arrepentirán más adelante, ya que la película logró recaudar 370 millones de dólares. La cinta, protagonizada por el actor Christian Bale, bajo el papel de Bruce Wayne (Batman) narra los orígenes de la leyenda de Batman y los motivos que lo convirtieron en el representante del Bien en la ciudad de Gotham. Bruce vive obsesionado con el recuerdo de sus padres, muertos a tiros en su presencia. Atormentado por el dolor, se va de Gotham y recorre el mundo hasta que encuentra a un extraño personaje que lo adiestra en todas las disciplinas físicas y mentales que le servirán para combatir el Mal. Por esta razón, la Liga de las Sombras, una poderosa y subversiva sociedad secreta, dirigida por el enigmático Ra's Al Ghul, intenta reclutarlo. Cuando Bruce vuelve a Gotham, la ciudad está dominada por el crimen y la corrupción. Con la ayuda de su leal mayordomo Alfred, del detective de la policía Jim Gordon y de Lucius Fox, su colega en una Sociedad de Ciencias Aplicadas, Bruce libera a su alter ego: Batman, un justiciero enmascarado que utiliza la fuerza, la inteligencia y la más alta tecnología para luchar contra las siniestras fuerzas que amenazan con destruir la ciudad (Filmaffinity, 2005). A Batman Begins le precedieron dos películas más sobre el personaje de DC, en ellas narra la historia entre Batman y dos villanos. En la segunda, El Caballero Oscuro (2008), aparece el Joker como antihéroe, encarnado por la fantástica actuación de Heath Ledger y la tercera y última entrega, El Caballero Oscuro: la leyenda renace (2012) en el que el malvado Bane, un terrorista enmascarado pretende destruir la ciudad. Estas dos películas recaudaron 1000 millones de dólares cada una (Wikipedia, 2021). 21 Esa gran influencia de Blade Runner (Scott, 1982) no solo se verá reflejado en la inspiración de la ciudad de Gotham sino también, en la incorporación del uso de maquetas a escala a la hora de integrarse como elementos escénicos vivos. The Prestige (El truco final) Tras el éxito de su primera película sobre el famoso murciélago, Nolan se puso manos a la obra para realizar su quinta película. En esta cinta, de nuevo trabajó en la adaptación de otra novela, en este caso fue The Prestige (1995) del escritor inglés Chirstopher Priest. Para esta adaptación contó con la ayuda de su hermano Jonathan Nolan y de nuevo con la participación de Warner Bros. Tras el gran éxito de Batman Begins, la productora no dudó en otorgarle un presupuesto de 40 millones de dólares. La película cuenta la historia de la rivalidad entre dos magos, el sofisticado Robert Angier (Hugh Jackman) y el más mundano Alfred Borden (Christian Bale), cuya amistad se va al traste tras ver cómo su truco más ambicioso fracasa. A partir de entonces, cada uno de ellos estará dispuesto a hacer cualquier cosa para superar al otro (Zorrilla, 2020). La película fue estrenada en el año 2006. Inception (Origen) Dada la gran fascinación de Nolan por la capacidad de elaborar ideas a partir de nuestra mente (La Madraza, 2018), decide crear una película de ciencia ficción que se adentra en el mundo de los sueños. Es así como nació Inception, cuyo guion fue fruto de Insomnia. Inception, estrenada en el año 2010, está considerada por gran parte del público como la mejor creación del director. La historia se basa en Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) un extractor de sueños que es contratado por las grandes compañías para introducirse en los sueños de sus competidores con el objetivo de robar información. En la película es contratado por el empresario japonés Saito (Ken Watanabe) que le ofrece una carta de libertad de cargos que le permitiese volver a ver a sus hijos. En Estados Unidos se encuentra en busca y captura por presuntamente asesinar a su mujer. La misión que le encarga su nuevo cliente no será la de robar información, sino la de plantar una idea en la mente de Robert Fischer (Cillian Murphy). 22 Con este filme consiguió hacerse con 3 estatuillas (sonido, fotografía y efectos visuales) y una recaudación de 817 millones de dólares (Wikipedia, 2021). En Inception al igual que en la trilogía de Batman rechazó la idea del uso de efectos digitales, empleando tan solo 500 planos, siendo lo más habitual 2000 planos como mínimo en una película de tal complejidad narrativa. Interstellar La otra gran película de Christopher Nolan. En un principio no la iba a dirigir él, sino Steven Spielberg que la rechazó, terminando finalmente en manos del director inglés, gracias a su hermano Jonathan Nolan, guionista original que propuso su nombre a Paramount Pictures (Larrad, 2014). Ésta no será la única productora que participó en la cinta cinematográfica ya que Christopher Nolan no quiso dejar de lado a Warner Bros y Legendary Pictures que tanto habían confiado en él. El argumento de la película está basado en la teoría Interstellar, creada por uno de los astrofísicos más importantes de nuestro tiempo Kip Thorne que habla sobre la relatividad del tiempo y la existencia de agujeros de gusano. La película se basa en la búsqueda de algún lugar habitable fuera de la Tierra, ya que, por el agotamiento de los recursos naturales ha dejado de ser un lugar poco propicio para la vida. Joseph Cooper (Matthew McConaughey), un expiloto, se verá implicado en una misión de la NASA, en el que tendrá que buscar un lugar nuevo para la humanidad. El profesor Brand (Michael Caine) lleva años estudiando posibles planetas, pero todo ellos fuera de nuestro Sistema Solar, por ello Joseph Cooper tendrá que atravesar agujeros de gusano como método de viaje en el tiempo, para así llegar hasta estos planetas lo antes posible, colonizados anteriormente por astronautas y así conocer si son habitables o no. La película fue rodada en 35 mm y proyectada en celuloide. Interstellar fue estrenada en el año 2014 y recaudó 673 millones de dólares (Wikipedia, 2021). 23 Dunkerque La penúltima película de Christopher Nolan hasta la fecha es Dunkerque, una película bélica, asfixiante que nos muestra la peor cara de la humanidad (Zorrilla, 2017) y la idea de que no hay lugar seguro. Es también, su tercer guion totalmente original tras Following y Origen. Se centra en un momento histórico de la Segunda Guerra Mundial, la defensa y evacuación de los soldados ingleses en Dunkerque en el año 1940. Se trata de una película que no narra una victoria en una batalla, sino la retirada, una evacuación de unos soldados, algo que difiere bastante de las películas ambientadas en este periodo de la historia, ya que el público lo podría entender como una derrota. El director inglés construye la película desde 3 espacios diferentes: tierra, mar y aire, buscando siempre transportar al espectador a la realidad de la guerra. Tanto es el realismo que busca, que Christopher Nolan pidió expresamente contar con varias de las embarcaciones originales de dicho acontecimiento. La película se estrenó durante el verano del 2017 y con un presupuesto de 100 millones de dólares consiguió recaudar 526 millones de dólares en todo el mundo (Wikipedia, 2021). Tenet Tenet es su última película, y fue estrenada finalmente en agosto de 2020 tras la incertidumbre como consecuencia de la pandemia de coronavirus. Es un filme que resume la esencia del cine de Christopher Nolan, tratándose de un puzle cinematográfico, una película muy cercana a Inception, como asegura John David Washintong, protagonista de la cinta para la revista Esquire (Washington, 2020). Al fin y al cabo, Christopher Nolan siempre ha aspirado a crear un universo cinematográfico en sus películas, al puro estilo universo Marvel. La película transcurre a través del protagonista (el nombre no se menciona en toda la película) interpretado por John David Washington que, tras pasar una difícil prueba, se le encargará una más difícil aún, evitar la tercera guerra mundial. La clave será una sola palabra: TENET. Será entonces cuando tenga que hacer frente a un terrible villano, Andrei Sator (al que da vida Kenneth Branagh), un tipo que parece que puede viajar en el tiempo y mandar información al futuro. Ayudado por la mujer de éste (interpretada por Elizabeth Debicki), el protagonista trama un plan para salvar la vida en la Tierra tal y como la conocemos (Sensacine, 2020). 24 Warner Bros puso sobre la mesa 205 millones de dólares sobre la mesa para realizar la película y a pesar de la situación pandémica actual la película lleva recaudados unos 365 millones de dólares (Wikipedia, 2021). Tenet recibió el premio Oscar 2020 a mejor película de efectos especiales (EFE, 2021). 2.3 EL USO DE LOS EFECTOS ESPECIALES EN LA FILMOGRAFÍA ANTERIOR A TENET. BATMAN y el gusto por las miniaturas Christopher Nolan al igual que el director estadounidense Wes Anderson, refleja nostalgia del cine clásico por la integración de maquetas como escenarios en sus películas (Martín, 2016). Paul Franklin, uno de los supervisores de efectos especiales de la película de Batman Begins, cuenta que Nolan, sufría el rechazo del uso de lo digital por miedo de que los efectos visuales no fueran lo suficientemente buenos como para que fueran creíbles, añadiendo una sensación de artificialidad en sus escenas (Failes, Masters of FX, 2015). Según Nolan, aún no ha visto ningún efecto que se acerque a la realidad (Failes, Masters of FX, 2015). Este miedo, también es una gran oportunidad como fábrica de nuevas técnicas de integración. La trilogía de Batman es un ejemplo claro de todo ello. Christopher Nolan contó con la colaboración de la compañía estadounidense especializada en efectos especiales New Deal Studios para las dos primeras entregas, la cual se encargó de crear los escenarios y vehículos a diferentes escalas, como el propio Tumbler. Específicamente, Nathan Crowley y Chris Courbould fueron los encargados de diseñarlo. Para su construcción idearon un coche propulsado con dos grandes ruedas traseras dobles. Al coche le incorporaron un sistema hidráulico que hacía mover las alas. Éstas, iban conectadas bajo un mismo eje central que copiaban el movimiento de las ruedas. El coche se movía gracias a un motor Chevrolet con 350 25 (pulg. cúb.) de cilindrada. Todo este trabajo estuvo basado en maquetas de poliestireno a tamaño real del Batmovil. El objetivo del equipo era crear un aparato capaz de aguantar un salto de 19 metros durante su rodaje por las calles de Chicago. Al Tumbler se le incorporó un motor. Debido a la minúscula luna delantera con forma de triángulo del coche, el experto en acrobacias George Cottle tuvo que desarrollar una técnica especial para su manejo, según explicó Chris Courbould (Failes, Masters of FX, 2015). Construyeron cuatro coches para el rodaje y uno como recurso publicitario (ilustración 9). Ilustración 9 Fuente: Warner Bros “David and Goliath”, este es el nombre con el que decidieron los hombres del equipo de New Deal Studios, apodar a la conocida escena del túnel de la película The Dark Knight, donde Christopher Nolan pidió expresamente estrellar el Tumbler contra un camión de basura. Lo llamaron de esta manera porque tuvieron que buscar la forma de sortear las leyes de la física para que el coche, mucho más pequeño, pudiera arrastrar al camión. Esta escena se rodó en dos ubicaciones diferentes, una parte en Chicago y otra en un plató (Ilustración 10) donde recrearon una maqueta a escala de todos los elementos y detalles del escenario real, incluido las manchas de óxido del camión de basura (ilustración 11). Para su construcción previamente lo diseñaron en 3D. 26 Ilustración 10 Fuente: Warner Bros Uno de los objetivos que Christopher Nolan y su equipo tenían en mente, era el de poder grabar las maquetas de tal manera que se pudiera intercalar con los planos grabados en Chicago. El problema se encontraba que la escena real se había grabado con grúas acopladas a unos coches. Por ello, tuvieron que recrear todos los mecanismos empleados a escala ⅓. Como ya comentaron, uno de los principales problemas fue saber con qué materiales se iba a construir el camión de basura, para que pudiera ser arrastrado por el Batmovil. Por ello fue construido con aluminio ligero y resina sobre una placa de acero, para que pudiera resistir el golpe y ser empujado por el coche de Batman (ilustración 11). Para esto, se necesitó la ayuda de un sistema hidráulico que se incorporó bajo el set de rodaje, además cumplía la función de absorber el golpe (ilustración 12). 27 Ilustración 11 Fuente: Warner Bros Ilustración 12 Fuente: Warnes Bros Tanto el ingenioso sistema de cámaras, como el coche, y el camión de basura iban conectados a un sistema de cables monitorizados por un ordenador a lo largo de los 37 metros de escenario. 28 Para la tercera y última entrega de su trilogía, Christopher Nolan contó con la ayuda de la compañía de efectos especiales New Deal Studios. El director creativo Ian Hunter fue la persona encargada de supervisar la escena inicial de The Dark Knight Rises, donde un avión privado en el que viaja un científico nuclear ruso y el villano Bane, es atrapado por un Hércules C-130. Durante esta escena, los secuaces del villano descienden de un avión a otro, mediante cuerdas, haciendo rápel (ilustración 13). Ian, cuenta que esta escena se grabó en Escocia de forma real (Failes, Masters of FX, 2015). El equipo de New Deal Studios también tuvo que realizar las miniaturas de esta escena creando maquetas previamente diseñadas en 3D y posteriormente construidas con material de fibra de vidrio. Toda esta escena se trató de una coreografía como si de marionetas se tratara, donde simularon todos los acontecimientos físicos, como la rotura de las alas y la cola, donde instalaron una serie de detonadores que no emitían ningún tipo de explosivo, con el objetivo de aproximarse al efecto de la acción de la fuerza del viento. Esta escena se grabó en luz día con un croma detrás para facilitar su integración con la escena real. Ilustración 13 Fuente: Warner Bros 29 Inception Inception es una película que trata de llevar los sueños a otro nivel; algo parecido ocurrió en el apartado de los efectos especiales, donde tuvieron que elevarlos hasta otro nivel, categoría con la que se alzó con la tan ansiada estatuilla dorada. A pesar de ser una película que se encuentra en la categoría de ciencia ficción, Nolan trata de ser lo más realista alejándose así de toda fantasía. Al igual que en cintas anteriores, el director rechazó todo lo posible el uso de los efectos visuales, de los cuales solo llevó el uso de estas nuevas técnicas digitales a 500 planos, cuando lo normal en una película de tales características fueran de mínimo 2000 planos. Chris Courbould fue el encargado de materializar la idea del pasillo giratorio (ilustración 15), una escena donde se tenía que simular la gravedad cero. El equipo de Corbould construyó un pasillo de 36 m y medio. Para que pudiera rotar se tuvieron que fabricar 6 anillos concéntricos de 9 m de diámetro. Dos motores eléctricos de 225 kW permitían que la construcción girase a 8 rpm. Corbould cuenta que cada anillo estaba sostenido sobre una gran cuna, en cuyo interior disponía de una serie de ruedas que giraban con el poder de los dos motores (Failes, Masters of FX, 2015). Fue muy importante que los dos motores estuvieran controlados por un ordenador para que se pudiera precisar la velocidad según lo requiera el acting de la escena, o por alguna emergencia. Para la grabación de la escena se tuvo que construir una cámara dentro del set que pudiera seguir las rotaciones. La escena se tuvo que ensayar semanas antes del rodaje, en uno de los ensayos descubrieron que la máquina tenía que girar a 3 rpm. 30 Ilustración 14 Fuente: Warner Bros La compañía New Deal Studios volvió a trabajar con Nolan para esta película, más en concreto en la escena donde el hospital es destruido (ilustración 15 y 16). Ian Hunter cuenta que Christopher Nolan quería que se destruyera de una forma muy espectacular, pero no con grandes explosiones, sino como si el edificio se colapsara y se desintegrase pieza por pieza, como si de un sueño se tratase (Failes, Masters of FX, 2015). Para poder llevar a cabo esta idea, la compañía tuvo que desarrollar nuevas técnicas materiales de construcción. Como en ocasiones anteriores, todo este proceso se diseñó previamente en 3D, para ello tuvieron que viajar a la ubicación original, en Calgary, para fotografiar y medir todo lo necesario. Dividieron la maqueta en diferentes secciones teniendo cada una un material diferente, con el objetivo de evitar la gravedad creando diferentes marcos de acero plegables controlados por bombas hidráulicas. Cada estructura de cada piso se podía liberar en una secuencia específica, utilizando cables de liberación montados sobre otras estructuras hidráulicas que estaban controladas por ordenador. Este sistema lo denominaron “El arpa”. 31 Ilustración 15 Fuente: warner Bros Según cuenta Ian Hunter, los materiales de la fortaleza tenían que verse fuertes, pero a la vez tenían que ser débiles para su fácil destrucción (Failes, Masters of FX, 2015). Por ello, utilizaron un nuevo método de moldeado: una base de uretano débil, cubierto por una fina capa de yeso. Todas estas piezas se montaron encima de una montaña con la ayuda de una grúa. Pero, al ser piezas separadas, podían venirse abajo en cualquier momento. Las explosiones se ensayaron previamente en una maqueta a escala ⅙. La escena se grabó en una misma toma con la ayuda de 5 cámaras para que posteriormente se montara sin ningún fallo de continuidad, siendo una montada sobre un helicóptero y otra sobre una grúa a 21 metros de altura. La planificación y la construcción duró 14 semanas para 5,5 segundos reales. Hubo 200 explosiones en total. 32 Ilustración 16 Fuente: Warner Bros Interstellar Christopher Nolan reduce Interestellar a una mera historia de seres humanos. Esta fue la razón principal por la que optó el uso de maquetas, para que pudieran ofrecer una sensación de tactilidad en los planos, con el objetivo de ser lo más natural posible. Christopher Nolan se opone al uso de objetos creados por las computadoras. Comenta que llevan realizándose décadas y desde hace tiempo llevan sin aportar nada nuevo, ni nada original al cine (Nolan C. , Interstellar Bonus Disc, 2014). Además, en Interstellar se buscaban técnicas atemporales con planos sin efectos digitales para que pudieran perdurar en el paso del tiempo. New Deal Studios, con Ian Hunter a la cabeza, se pusieron al frente de toda construcción de maquetas en la película. Un ejemplo de todo ello es la escena del acoplamiento de la nave Ragner al Endurance. Esta primera medía 15 metros que colocaron sobre una base movible que era manejada mediante un volante por el propio director a tiempo real, mientras se grababa la escena (ilustración 17). Se 33 realizó de esta manera con el objetivo de dotarle un realismo físico. En cambio, el Endurance, la otra nave, medía 37 metros, se construyó a una escala 1:15. Esta escena se trata de una demostración de la magia del cine de Christopher Nolan, de su acercamiento constante hacia el realismo. Ian Hunter comentó que, si a Nolan le hubiesen dado la oportunidad de haber grabado la película en el espacio, con naves espaciales de verdad, lo hubiera hecho sin dudar (Nolan C. , Interstellar Bonus Disc, 2014). Ilustración 17 Fuente: Warner Bros Con el paso del tiempo y las continuas mejoras en las cámaras de vídeo, la dificultad en el uso de maquetas en un rodaje profesional se ha ido incrementando. Ya que, al incrementar la resolución en las cámaras, hay que incrementar también, la cantidad detalles en las maquetas. La película se grabó en dos formatos diferentes: IMAX y VISTAVISION. Otra de las grandes complicaciones a la hora de grabar películas de acción con maquetas, es el simple hecho de dónde y cómo colocar la cámara. Por ejemplo, en la escena del acoplamiento, la cámara tiene que imitar el mismo movimiento rotatorio de la nave con gran precisión, por 34 ello tuvieron que acoplar la cámara sobre una grúa eléctrica manejada por un ordenador con una precisión milimétrica (ilustración 18). Ilustración 18 Fuente: Warner Bros El cine generalmente se rueda a 24 fps, pero en ocasiones esta premisa cambia. Durante el rodaje de esta secuencia, se trabajó con unos niveles de luz muy bajos para conseguir el ansiado realismo fotográfico de la luz natural en el espacio. Esto provocó un cambio muy relevante en los ajustes básicos de la cámara de Christopher Nolan y sobre todo en los tiempos del plan de rodaje. Ahora el obturador tenía que permanecer más tiempo abierto, por lo que se pasó de los 24 fps a los 3 o 4 fps. Todo esto generó varias consecuencias. Los movimientos, tanto de la cámara como los de las maquetas tenían que ser muy lentos, aumentaron los tiempos en preparar la iluminación, en cada plano se dedicó como mínimo 1 hora en preparar la luz y la última consecuencia fue que se tardó 8 veces más en grabar 1 segundo de plano. Todo esto tuvo como consecuencia final que un día se llegara a grabar 4 planos como mucho. 35 Para la escena de su desintegración tuvieron que construir una réplica más grande, una de doce metros de longitud. Se construyó lo más grande posible para que la desintegración alcanzara un mayor realismo. Cuanto más grande, los trozos de la nave serán más convincentes y ayudarán a acertar con la física real. Esta escena se grabó a 72 fps, para que la cámara pudiese captar el máximo de detalle posibles. Para romper la nave se emplearon pirotecnia y cables para que tirasen de la nave. Para el rodaje de la película se construyó a tamaño real parte del Endurance, la nave principal. Para su diseño se tomó como fuente de inspiración la Estación Internacional y otras naves de la NASA. Querían que tuviera forma modular, que diese la sensación de que estuviera construida por distintas piezas venidas de anteriores misiones. La forma circular es debido a que en una hipotética situación real de gravedad cero, la nave orbitará sobre su eje central. El diseño final está compuesto por 12 cápsulas y 4 motores, de las cuales, como ya se ha mencionado, 3 se construyeron a tamaño real (ilustración 19 y 20). Esas cápsulas fueron los camarotes, la cabina y por último la cápsula de criogenización. Ilustración 19 Fuente: Warner Bros Estas 3 cápsulas se montaron unidas sobre una mecedora hidráulica (ilustración 19), con el objetivo de que las cápsulas pudieran nivelarse y así conseguir tener una perspectiva de estar una encima de la otra. La mecedora conseguía una inclinación de unos 45 grados y midió 50 36 metros de longitud. La mecedora se construyó desde cero, al igual que la nave, la cual se construyó un interior con todo lujo de detalles. Piezas originales suministradas de aviones y naves desguazadas y compartimentos monitorizados. Una búsqueda por una fiel representación que la productora de Interstellar justifica diciendo que en ocasiones es más fácil construirlo todo por postproducción y poner a los protagonistas delante de un croma, pero en ocasiones como estas, para los actores es más fácil no tener que imaginárselo y poder interactuar con su entorno físico y sentir un espacio claustrofóbico como es el de una nave (Nolan C. , Interstellar Bonus Disc, 2014). No quisieron tampoco expandir el set de rodaje para facilitar su grabación con la cámara. Tanto Christopher Nolan como el director de fotografía Hoyle Van Hoytema, nunca se plantearon esta posibilidad, no quisieron buscar ángulos falsos que no existiesen en la realidad. Buscaban captar lo mismo que si la NASA enviara una cámara IMAX a una de sus naves. Hoyle Van Hoytema cuenta que, si se hubiera hecho, se hubieran grabado planos con un sentimiento muy en concreto y esto era lo que buscaban reproducir (Nolan C. , Interstellar Bonus Disc, 2014) (ilustración 20). Ilustración 20 Fuente: Warner Bros 37 2.4 PRODUCCIÓN DE TENET DESDE EL PUNTO DE VISTA DE LOS FX. Ya llevo mucho tiempo haciendo películas para la gran pantalla. Eso es lo que me inspira a nivel creativo cuando escribo el guion, cuando pienso cómo va a ser, cuando elijo al reparto. Todo se basa en la experiencia de “superior a la vida” que queremos darle al público al final. (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Según cuenta la productora Emma Thomas, Tenet no se podría haber logrado hace 10 años, se trata del resultado de los largos años de experiencia que no solo Christopher Nolan lleva a sus espaldas, sino de todas las personas con las que ha ido trabajando a lo largo de toda su cinematografía (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Uno de sus objetivos principales a la hora de hacer una película, no es solo el de ofrecer algo nuevo al público, también es el de mejorar sus técnicas a la hora de hacer cine. Ésta es una de las razones por las cual parte de su equipo habitual como Hoyte Van Hoytema, George Cottle, Emma Thomas, Scott Fisher, coinciden en la misma pregunta al terminar de leer cualquier guion de Nolan, “¿cómo va a hacer esto” (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Y es que Nolan solo recurre a los efectos visuales cuando la física le da la espalda. Cuestión de tiempo A medida que los años pasan, aprendes (o no) a valorar la importancia del tiempo y a saber organizarlo. Algo parecido ocurrió en la preproducción y producción de Tenet. A nivel técnico se trata de una película muy difícil de rodar, porque normalmente los guiones cinematográficos son lineales. En cambio, en Tenet, la línea temporal no va solamente de un punto A a un punto B, sino que también va de B a A cruzándose en una misma escena a personajes que van de A a B. Christopher Nolan dice que en cuanto a fotografía, la manipulación del tiempo es análoga a cómo se rodó la gravedad cero en Inception o Interestellar (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Nolan trata siempre de engañar al público usando múltiples técnicas para que no se no logre hallar el truco y así deje de ser una escena real a una artificial. Ésta es una de las razones del éxito de su cine y más en concreto de Tenet, crear algo que parezca posible, real pero que, en realidad, como dice Nolan, es imposible. 38 Durante el proceso de postproducción de una película no hay mayor complejidad a la hora de manipular el tiempo, puedes estirar y revertir un plano cuanto desees (o todo lo que los fotogramas por segundo te permitan). Pero durante el rodaje, manipular el tiempo es un tanto imposible. Como se ha mencionado con anterioridad, unas de las características del guion de Tenet, es la intersección en un mismo plano de varias líneas temporales y todo ello sin usar croma. Es decir que a la hora de rodar parte del acting irá de A a B y la otra parte de B a A. La dificultad incrementa por los deseos de alcanzar el máximo realismo en la escena y el de la interactuación y la combinación entre las dos líneas temporales. Para comprobar el realismo durante el directo del rodaje se tuvo que grabar marcha atrás, el problema es que no existen cámaras de formato IMAX capaces de grabar de esta forma, ya que son analógicas. Por ello la empresa IMAX encargó expresamente para el rodaje de esta película unas cámaras capaces de rodar de esta forma y con el formato IMAX. Para ello invirtieron el funcionamiento de los mecanismos de la cámara. Al invertir la cámara en directo podían comprobar si las dos líneas temporales funcionaban. Principalmente, durante la preproducción de Tenet se trabajó dos aspectos principales del guion para el rodaje: las peleas y las conducciones. Porque son dos aspectos donde se entrelazan los dos mundos, habiendo un contacto directo entre ellos. Las peleas Fue un gran reto para el supervisor de especialistas George Cotte diseñar los acting de lucha, donde dos o más personas pelean yendo cada una de ellas en un sentido temporal opuesto (ilustración 21). Fue un gran reto de planificación también, para ello contó con la ayuda de 4 especialistas y 2 acróbatas. El equipo de George Cotton inició un estudio del movimiento en sentido contrario del ser humano, para más tarde poder imitar a tiempo real, y así una vez invertida la cámara pudiesen comprobar cómo quedaban en ambas direcciones. Se tuvieron que estudiar múltiples movimientos, como caminar, correr, pelear, dar patadas, levantar y, caer del suelo. Así más tarde poder crear coreografías que pudiesen aprender tanto los dobles como actores principales. John David Washington, el “protagonista” cuenta durante el “making of” de la película que el entrenamiento fue crucial para él, tuvo que aprender hacer movimientos que nunca nadie había aprendido, como el dar un puñetazo invertido, y sobre todo que pareciese auténtico (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Los actores estuvieron ensayando durante 4 semanas para alcanzar el máximo nivel de cada uno. 39 Ilustración 21 Fuente: Warner Bros No solo tuvieron que aprender a luchar y a correr sino también a hablar. Para algunos personajes como el de Kat (Elizabeth Debicki) o el de Andreir Sator, interpretado por el británico Kenneth Branagh tuvieron que aprender no solo hablar al revés, sino también hacerlo con acento ruso (ilustración 22), como el propio actor añade en el “making” y a buen ritmo mientras luchas y caminas hacia atrás (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). 40 Ilustración 22 Fuente: Warner Bros La escena más compleja de realizar en este aspecto fue la del primer contacto que tiene “el protagonista” con su yo del futuro, durante el intento de robo en la terminal. Durante esta escena según cuenta George Cotte, John David Washington tuvo que aprender este mismo combate de cuatro formas diferentes, hacia adelante y hacia atrás en la piel del “protagonista” con el traje y más tarde repetir todo el combate, pero esta vez como el antagonista (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Los coches y las persecuciones Tener actores atléticos con intención de grabar todas sus escenas e incluso las que conllevan un cierto peligro físico para ellos, ayudan a que el rodaje de una película no se extralimite. Es algo que sucedió en Tenet. Cuenta la productora Emma Thomas, que siempre han tenido una gran suerte con los actores porque se han involucrado mucho en las películas, queriendo siempre prepararse para todas las escenas (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Un claro ejemplo es el actor Robert Pattinson que grabó todas las escenas de la película en las que su personaje iba manejando un automóvil. Por lo que tuvo que grabar también las escenas donde por cuestiones de guion tenía que ser conducido marcha atrás. Para estas escenas Robert 41 Pattinson practicó solamente un día. Los especialistas quedaron tan sorprendidos de su conducción que no dudaron en aceptar que Pattinson grabará todas las escenas sin la necesidad de usar un doble (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Al igual que con los movimientos naturales del ser humano, el equipo de especialistas de la película, capitaneado por Scott Fisher, tuvieron que estudiar y diseñar nuevos movimientos de conducción en los que no importara desde qué sentido temporal estuvieras observando la escena, ya que en ambas tendrían que ser naturales. No sólo diseñaron movimientos, sino que también tuvieron que modificar la mecánica interior de los coches, como el tren de potencia, para poder ser manejados a gran velocidad marcha atrás. Pero también tuvieron que añadir mecánicas como la del cañón hidráulico que ayuda a impulsar el coche para realizar el trompo (ilustración 23). Ilustración 23 Fuente: Warner Bros Horas y horas de trabajo presentes durante la escena de persecución y robo de la maleta. Esa escena fue grabada en Tallin, la capital de Estonia, durante 2 semanas. Se tuvo que cerrar al tráfico una de las autopistas más importantes de la ciudad. El rodaje se convirtió en una coreografía donde todos los especialistas tenían que trabajar perfectamente coordinados. Varias cámaras IMAX se escondieron en los maleteros, otras fueron articuladas en celdas sobre los techos de varios vehículos y otras se colocaron sobre grúas y un helicóptero (ilustración 24). 42 Ilustración 24 Fuente: Warner Bros Todo a lo grande Christopher Nolan acostumbra al espectador a escenas con explosiones impresionantes y Tenet no se va a quedar atrás. Una de las secuencias más llamativas de la película se trata, cuando Christopher Nolan manda estrellar un avión contra la terminal de un aeropuerto. Rápidamente el cerebro, tras haber consumido tantas películas con efectos visuales lo asocia a una técnica digital, pero lo sorprendente es que Nolan estrella de verdad un avión Boeing 747 contra un edificio real. Para conseguir un avión real, Nolan y su equipo viajaron hasta el Aeropuerto de Logística del Sur de California, en Victorville. Se trata de un pequeño aeropuerto donde se almacenan y venden a un precio bastante bajo, aviones ya en fuera de servicio. Finalmente, Christopher Nolan compró un Boeing 747, el que hace unos años fue el avión más grande del mundo, ahora superado por el Airbus A380 (Official Press, 2020), por 346 mil euros. 43 Una vez comprado el avión, el siguiente reto para el equipo de Nolan fue el de desarrollar una tecnología que les permitiera rodar por la pista fácilmente un avión de tales características. Hay que tener en cuenta que cuando un avión lo llevan a desguazar, lo primero que retiran es el sistema de frenos. Por ello el equipo se centró primero en reconstruir un nuevo sistema, pero ahora adaptado a las nuevas necesidades y funciones del avión. Un sistema parecido al que usaban para conducir los coches por control remoto, es decir una persona se encargaba de la conducción, otra de los frenos y otra parte del equipo propulsaba el avión tirando de cables. Todo ello operado desde dentro del avión a través de unas pantallas conectadas a unas cámaras en el exterior que les permiten tener una vista 360 grados de su alrededor. El comando central contaba con un botón de emergencia ante la posibilidad de algún contratiempo (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). La escena se rodó por la noche en el propio aeropuerto logístico de Victorville, un aeropuerto operativo, por lo que tuvieron que establecer una perfecta coordinación entre todos los departamentos y sobre todo ser muy rigurosos en cuanto criterios de seguridad. Christopher Nolan tiene la predilección de grabar todos los planos a una sola cámara, para guardar el máximo control sobre la imagen (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Pero en ciertas ocasiones, por motivos logísticos realizar de esta manera no es posible. Como en esta ocasión que la acción del estrello y la explosión en el hangar se tuvo que grabar en multicámara a una sola toma (ilustración 25). 44 Ilustración 25 Fuente: Warner Bros El engaño de Christopher Nolan Como se ha podido demostrar Christopher Nolan suele trabajar con escenarios reales que sean táctiles para el espectador. Buscando algo real al que añadir ciertos elementos que aporten peso a la historia, técnicas ya usadas a lo largo de toda la historia del cine. Muchos de esos elementos se recrean a una escala menor que con cierta perspectiva, hacen que el público crea lo que está viendo en pantalla. Cuando incorporas elementos con un componente futurista, elementos que no existen en la realidad del espectador, tienes que hacerlos familiares a sus ojos, elementos que puedan existir, según cuenta Nathan Crowley el encargado del diseño de escenarios para película (Nolan C. , Interstellar Bonus Disc, 2014). A raíz de este pensamiento surgió la idea de los tornos que invierten la temporalidad de tu realidad. Christopher Nolan deja como último recurso los efectos digitales, intentando que todo lo máximo posible que se vea reflejado en las pantallas sean fruto de lo que ha sido captado a través de su cámara. Por ello, el croma es un recurso que aparta a un lado para dejar paso a las escalas o pinturas con perspectiva. Este recurso analógico ayuda a evitar tener que construir grandes elementos decorativos y engañar al ojo humano con las perspectivas forzadas como lo denomina el propio Nathan Crowley (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Un ejemplo es el 45 despacho de Barba donde el escenario se mezcla con un fondo pintado a mano por el Director de Arte David Packard (ilustración 26), o en la secuencia de la primera batalla donde a un inmenso escenario al aire libre se incorporan edificios construidos a un 50% de su tamaño real. Ilustración 26 Fuente: Warner Bros Parte de la cueva de la película se rodó en un escenario real, pero otra gran parte se construyó en el Estudio 16 de Warner Bros, el estudio más grande de Hollywood en cuanto volumen (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Gracias a años de experiencia construyendo cuevas para películas de Christopher Nolan, el equipo pudo desarrollar un set de tales características, jugando con la magia que proporciona la ya nombrada perspectiva forzada (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). Como por ejemplo túneles que generan una ilusión de que no terminan nunca. La cueva fue construida con materiales de fibra de vidrio, espuma tallada y Vacuform ligero, unido todo con yeso. Otra de las características de Christopher Nolan es la de construir grandes cosas para luego explotarlas y la cueva no se salvó de ello. La batalla final contó 4 helicópteros militares, con 600 extras de los cuales una mitad tenían que correr por el desierto al revés, edificios que había que hacer explotar, otros edificios que tenían que rehacerse de una explosión anterior y todo ello coordinados como si de la orquesta de música más grande se tratara. La batalla final supuso la culminación de todo lo aprendido durante los seis meses de rodaje de Tenet (ilustración 27). 46 Ilustración 27 Fuente: Warner Bros Como ya se pudo comprobar en Interstellar, construir los escenarios a tamaño real, dejándolos táctiles al espectador, ayuda a los actores meterse con mayor facilidad en su papel, ayudando a sacar el máximo de cada uno de ellos en cada toma, según cuenta el actor John David Washington (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). 47 3. CONCLUSIÓN El cine es arte y como medio artístico que es, se debe dejar llevar por los sentimientos, por las pasiones y sobre todo por las convicciones que mueven hacerlo. El cine de Christopher Nolan se puede resumir en la definición que nos dejó el arquitecto austriaco Adolf Loos sobre el arte, el cual lo consideraba como “la libertad del genio” o también, como dijo el poeta alemán Friedrich Schiller “aquello que establece su propia regla” (Barrios, 2017). A razón de estas interpretaciones se mueven las 4 reglas básicas del cine del director inglés con las que rápidamente el público podría identificar una de sus películas del resto del panorama cinematográfico. La primera regla define su cine como un conjunto de películas con estructuras narrativas complejas y con gusto de jugar con los saltos en el tiempo (Mullor, 2017), llegando a crear historias difíciles de entender en un primer término. La segunda regla con la que podríamos identificar su cine se trata de los temas que aborda. Temas fundamentales basados en los límites de la realidad, del espacio o del tiempo; el honor y la responsabilidad (Mullor, 2017). Temas que se mezclan con personajes “rotos en un mundo fragmentado, caótico y a la deriva, incapaces de volver a casa porque esta, simplemente, ya no existe” (Gómez, 2020). Christopher Nolan no deja nada al azar, por ello desde el primer momento de la preproducción de sus películas, se encarga de dirigir un cuidadoso casting, donde los actores tienen que caber dentro del personaje ya creado, como si de un traje se tratara. Y es que paradojamente, el traje y la elegancia es una de sus características más habituales. El director inglés trata siempre de mantener una cierta elegancia y consonancia, como una “melodía épica” (Gallego, 2020) y es que sus personajes siempre visten de forma elegante y trajeados. Una elegancia que Christopher Nolan traslada a la hora de dirigir sus películas (Gallego, 2020). La cuarta y última característica definitoria de su cine, es un tanto más complicado de identificar para el público general, se trata de su modo de hacer cine, siempre desde una perspectiva tradicional (Gallego, 2020). Christopher Nolan graba en formato IMAX o en 65 mm y usa efectos analógicos en detrimento de los digitales, únicamente son usados cuando la 48 física no permite realizarlo con los analógicos. Esta disyuntiva entre los dos mundos de lo analógico y de lo digital y desde un punto de vista económico, fue la hipótesis principal del estudio, dando una conclusión negativa a la hora de plantearse la cuestión. No se debería buscar una rentabilidad entre efectos especiales y efectos digitales en el cine de Christopher Nolan. El cine es sentimiento, es pasión, es algo personal que creas a partir de tus convicciones. Christopher Nolan ha llegado a ser el director que es, uno de los mejores del mundo, porque nunca ha dejado de lado sus valores cinematográficos. Esto unido al éxito y al reconocimiento obtenido a lo largo de su más de 20 años de carrera profesional, le ha permitido hacer todo lo que ha imaginado sin necesidad de prestar cierta atención a las partidas presupuestarias. Christopher Nolan se trata de un director nostálgico del cine antiguo y es algo de respetar. Cree que el cine es verdad a través de la mentira, es un ilusionista que emplea elementos reales para engañar al público (La Madraza, 2018) y para que esa ilusión llegue a los ojos del espectador es necesario que los elementos que se incorporen en la pantalla sean de lo más fidedigno posible a la “realidad”. Christopher Nolan piensa que con los efectos digitales no se puede alcanzar esa sensación (Nolan C. , Interstellar Bonus Disc, 2014) y si con recreaciones en maquetas ya sean a tamaño real o a escala. Esto se ha podido comprobar a lo largado de su trayectoria, desde la trilogía de Batman hasta Tenet, destacando por encima de las demás esta última e Interstellar. Esta mirada por el pasado hace que Nolan y su equipo enriquezcan la historia del cine, creando nuevas técnicas para lograr alcanzar las ansiadas sensaciones ya comentadas. Ejemplos hay varios como el pasillo giratorio en la película de Inception, donde buscaban otorgar a la escena una sensación de gravedad cero o en Tenet donde modificaron la mecánica interior de los coches, además de introducir un cañón hidráulico en los bajos de estos que ayudasen a realizar trompos marcha atrás. Esta cuarta característica del cine de Christopher Nolan no solo le da valor y reconocimiento, además otorga profundidad, a un cine cada vez más lineal, donde la creatividad se resume a un ordenador, contribuyendo a que la historia del cine se siga enriqueciendo. Esta nostalgia del pasado permite no solo crear una armonía entre todos los departamentos sacando lo mejor de cada uno de ellos, sino también, sacar el máximo potencial de los actores que, unido bajo la 49 tactilidad de los escenarios, crean ambientes naturales imposibles de crear bajo la firma de un ordenador (Nolan C. , Interstellar Bonus Disc, 2014). Tenet no es solo la suma de todos los conocimientos y técnicas desarrolladas a lo largo de toda la historia del cine, sino también es el resultado de toda la pasión y experiencia aprendida a lo largo de la carrera cinematográfica de Christopher Nolan y de su equipo (Nolan C. , TENET Bonus Disc, 2020). 50 BIBLIOGRAFÍA Abas, J. (2018). CHRISTOPHER NOLAN (1 ed.). CATEDRA. Barrios, J. R. (2017). Schiller y la «política» singular del estado estético. Revista de Teoría del Arte(31/32), 6. Bembibre, C. (Septiembre de 2010). Definición ABC . EFE. (26 de Abril de 2021). "Tenet" arrebata el Óscar al español Santiago Colomo por los mejores efectos. Obtenido de EFE: https://www.efe.com/efe/espana/cultura/tenetarrebata-el-oscar-al-espanol-santiago-colomo-por-los-mejores-efectos/10005-4520831 Failes, I. (2015). Masters of FX. Hachette. Gómez, R. Á. (2020). Espacio, tiempo e identidad en el cine de Christopher Nolan: una aproximación filosófica a las claves narrativas de su puesta en escena. 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