BIOGRAFIA Carl Philipp Emanuel Bach Nacimiento 8 de marzo de 1714 Ver Fallecimiento 14 de diciembre de 1788 A los diez años entró en la escuela de Santo Tomás de Leipzig, de la que su padre era Cantor desde 1723. Estudió Derecho en las universidades de Leipzig en 1731 y, a partir de 1734, en la Universidad Viadrina de Fráncfort del Oder. Se licenció en 1738, a los 24 años, pero no desarrolló ninguna carrera jurídica, dedicándose, en cambio, plenamente a la música. Ya había empezado a componer en 1731. Ese mismo año de 1738 fue nombrado clavecinista en la corte del príncipe heredero Federico de Prusia ("Federico el Grande"). Al ascender al trono en 1740, Carl Philipp Emanuel formó parte de su corte. Era por entonces uno de los clavecinistas más importantes de Europa. Su reputación quedó definitivamente establecida por dos series de sonatas, dedicadas, respectivamente, a Federico el Grande (Preußische Sonaten, 1742) y al gran duque de Wurtemberg (Württembergische Sonaten, 1744). En 1746 fue nombrado músico de cámara, y durante veintidós años compartió el favor real con músicos como Carl Heinrich Graun, Johann Joachim Quantz y Johann Gottlieb Naumann. En este tiempo que residió en Berlín, compuso principalmente obras para teclado y para flauta, instrumento favorito de Federico II y del que el rey era un intérprete bastante aceptable. Después de la muerte de su padre en 1750, Carl Philipp Emanuel pretendió el cargo de Cantor de Santo Tomás, pero no se le concedió el puesto, probablemente porque el Concejo había quedado cansado de los Bach. Carl Philipp Emanuel no asumió como heredero una parte de los bienes familiares, especialmente gran cantidad de partituras y cantatas. Acogió en su casa a su joven medio hermano Johann Christian, del que fue profesor entre 1750 y 1755. Se alejó de la corte, donde se encontraba poco considerado, y se fue a residir a Zittau y después a Leipzig. En 1753 publicó su Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen1 (Ensayo sobre el verdadero arte de tocar los instrumentos de tecla), un tratado sistemático y magistral que tuvo enorme éxito. Para el año 1780 había alcanzado la tercera edición. Es la base para los métodos de Muzio Clementi y Johann Baptist Cramer. Sigue siendo todavía válido. En 1768 Carl Philipp Emanuel Bach, tras la muerte de Georg Philipp Telemann, lo sucedió en el cargo de maestro de capilla en Hamburgo. Esto hizo que se le conociese como el ‘Bach de Hamburgo’, para diferenciarlo de su hermano Johann Christian, conocido como el ‘Bach de Londres y de Milán’. En este nuevo cargo, tuvo que prestar mayor atención a la música sacra. Al mismo tiempo, la carrera de Joseph Haydn estimuló su propia composición instrumental para toda su gente. Franz Joseph Haydn Nacimiento: 31 de marzo de 1732. Fallecimiento: 31 de mayo de 1809, Franz Joseph Haydn nació en la localidad de Rohrau el 31 de marzo de 1732 y murió en el arrabal vienés de Gumpendorf, el 31 de mayo de 1809. Fue un músico virtuoso, un compositor de gran magnitud considerado como uno de los máximos representantes del Clasicismo y el Padre de la Sinfonía moderna. El segundo de doce hermanos, fruto del matrimonio formado por M. Haydn y A.M. Koller, realizó sus primeros estudios en su ciudad natal, aunque a los pocos años, destacó en el ámbito musical y sus progenitores aceptaron una oferta del director del coro, J. M. Frankh, trasladando a su hijo a Hainburg para estudiar Música. Allí pudo iniciarse en el clavecín, violín y compuso sus primeros cantos corales. Destacó como niño-cantor y al ser admirado por el Maestro de Capilla, G. von Reutter, Haydn se trasladó al Coro de la Catedral de San Esteban de Viena, propulsando así su incipiente pero brillante carrera profesional. En la capital del Imperio austríaco inició una nueva etapa de su vida estudiando distintas asignaturas (latín, clases de canto, violín y teclado). Vivió en Viena desde temprana edad y con el transcurso del tiempo evolucionó su técnica comenzando la producción de sus primeras obras, promoviendo así su carrera musical en las cortes de las principales familias aristocráticas europeas (Esterházy). A partir de 1756, fue considerado uno de los Maestros de Viena. Tres años después fue nombrado vice-director de orquesta por el Conde Morzín y posteriormente Maestro de Capilla, cargo que ostentó durante treinta y cinco años. Durante este periodo se produce el matrimonio canónico de J. Haydn con M. A. Keller. En 1790 viajó a Londres donde construyó diversas obras: “Sinfonías de Londres”, “El Cuarteto Reiter” o “Rondo gitano para trío con piano”. En 1795, regresó a Viena dedicándose a la realización de obras sacras para coro y orquesta. Finalmente a partir de 1802 contrajo una grave enfermedad que le impidió seguir componiendo, consumiéndole la vida hasta que falleció en 1809, siendo enterrado en el Cementerio de Viena. Franz Joseph Haydn fue iniciado el 11 de febrero de 1785 en Zur wahren Eintracht (Logia de La Verdadera Concordia) de Viena. Realizó diversos trabajos rituales pertenecientes al Rito de Zinnendorf y estuvo confeccionando algunos cantos de carácter ritual masónico como “La Creación”, basada en el libro bíblico del Génesis. Su obra musical es amplísima destacando las siguientes obras: ciento veinticinco sinfonías, treinta y un conciertos, setenta y siete cuartetos, treinta tríos y más de trescientas composiciones para instrumentos de cuerda y viento. En lo referente a la Música eclesiástica, el compositor austriaco produce catorce misas, un “Stabat mater”, dos “Te Deums” y treinta y cuatro ofertorios e himnos. También destaca en el campo de la escritura vocal resaltando algunas canciones de tres y cuatro partes. Construyó una veintena de óperas (Acis y Galatea, La cantante…). Finalmente, las obras que han inmortalizado la figura de J. Haydn, han sido “El Regreso de Tobías” (1775), “Las últimas Siete palabras de Cristo” (1787) y “La Creación” (1791). En conclusión, F. J. Haydn es considerado un destacado compositor austriaco muy laureado por la abundancia y calidad en sus obras que actualmente han sido clasificadas con un destacado estilo y brillante composición. Luigi Boccherini Nacimiento: 19 de febrero de 1743 Fallecimiento: 28 de mayo de 1805 Nació el 19 de febrero de 1743 en Lucca, Toscana, en el seno de una familia de artistas, donde pudo desarrollar su vocación. Su padre fue contrabajista y chelista y su hermana bailarina de ballet. Su hermano Giovanni Gastone inicialmente participaba en el cuerpo de baile, pero más tarde en la poesía y la escritura al grado en que llegó a escribir libretos para Antonio Salieri y Joseph Haydn. Boccherini se interesó por el violonchelo desde temprana edad. Su padre le dio las primeras clases. Posteriormente, Boccherini adquirió un nivel magistral en su instrumento, bajo la tutela de Domenico Francesco Vannuci (1718-75), chelista, maestro de armonía y contrapunto, así como compositor de música sacra.Progresó tanto que en las fiestas de Lucca de 1756 consta su participación como violonchelista contando con tan solo catorce años de edad. También quedó su nombre registrado como músico de capilla, tocando violonchelo y contrabajo, en los anuarios de Lucca que datan del 22 de abril de 1755. Durante sus primeros años de estancia en España, ejerció como instrumentista en la Compañía de teatros de los Reales sitios (1768-1769). En 1770, Boccherini es nombrado violoncelista y compositor de la capilla real del infante Luis Antonio. Con este nombramiento comienza la etapa de mayor creación musical del artista. Hacia 1770 empezó a componer música de cámara, cuartetos y quintetos para cuerda, obras con las que ha sido ampliamente relacionado. Todas sus obras compuestas desde su llegada a Madrid (incluidos sus seis cuartetos op. 6) y hasta el fallecimiento del infante, incluían la inscripción “A H.R.H Don Luis, Infante de España”. Yves Gérard estima que Boccherini había escrito alrededor de cien obras cuando en 1770 entró formalmente al servicio de Don Luis de Borbón. Antes de esta fecha, había sido básicamente un virtuoso y su producción temprana incluye sobre todo obras para su propio instrumento (violonchelo). El año 1785 cambia sustancialmente su vida: fallece su esposa Clementina en Arenas de San Pedro, y meses después, el 7 de agosto, su patrón Don Luis. Tras su muerte, Boccherini solicita que no se le retiren los ingresos que recibía de este, a lo que accede el rey Carlos III, nombrándolo violón de la Real Capilla, aunque sin tomar posesión de la plaza en espera de alguna vacante. 4 Boccherini regresa a Madrid solo y con seis hijos: Joaquina, Luis Marcos, José Mariano, María Teresa, Mariana e Isabel. Una vez restablecido, consigue dos importantes patronazgos: a través del embajador de Prusia, Boccherini mandó algunos de sus trabajos al rey de Prusia, los cuales le dedicó; y en un periodo corto de tiempo, el compositor recibió una carta del rey. En un decreto de la corte datado del 21 de enero de 1786, es nombrado compositor de la Corte de Federico Guillermo II de Prusia,1 quien era un violonchelista aficionado y fue su mecenas entre 1786 y 1797;3 se cree que poco tiempo después dejó España para vivir en Potsdam y Breslau, y tuvo una relación íntima con los miembros de la corte. En 1786 entra al servicio de María Josefa Pimentel, duquesa de Osuna y Condesa de Benavente (1752–1834) como director de su orquesta y compositor, y a partir de 1787 establece su residencia en la capital. Hacia 1796 inició su correspondencia con el editor parisino Ignaz Pleyel (1757-1831) y también trabajó para el Marqués de Benavente, guitarrista aficionado. En 1797, Boccherini se casó en segundas nupcias con María del Pilar Joaquina Porretti, hija del violonchelista y antiguo amigo suyo Domingo Porretti. En los primeros meses de 1801 trabajó para el embajador francés de España, Lucien Bonaparte (1775-1840), para amenizar las veladas en su residencia oficial, el palacio de San Bernandino. Escribió varias obras que dedicó a Bonaparte, como los seis quintetos para piano en 1799, el 'stabat mater' en 1800 y 12 quintetos para dos violines, dos violas y violonchelo en 1802.4 A pesar de permanecer en Madrid la mayor parte de su vida, la mayoría de la obra de Boccherini, incluyendo manuscritos autógrafos y copias, se conserva en Berlín y París. Parte de la explicación se debe a que sus obras estaban destinadas a ser publicadas fuera de España, por lo que sus manuscritos se remitieron a editores ingleses, franceses o alemanes. Solo se conocen dos impresos con música de Boccherini que fueron producidos por imprentas madrileñas, que fueron sus seis dúos para dos violines (G.56-61) y seis tríos de cuerda dedicados al Príncipe de Asturias (G.89-94). Carl Philipp Stamitz (7 de mayo de 1745 — 9 de noviembre de 1801), compositor Bohemia (cultura) virtuoso del violín, hijo de Johann Stamitz, violinista de la famosa orquesta de Mannheim. Viajó a París, donde alcanzó renombre. Visitó como concertista los principales países de Europa. Compositor de óperas (Der verliebte Vormund y Dardanus), 70 sinfonías, numerosos cuartetos, tríos y otras obras musicales. Stamitz escribió sinfonías , sinfonías concertantes y conciertos para clarinete , violonchelo , flauta , oboe , fagot , trompa , violín , viola , viola d'amore y diferentes combinaciones de estos instrumentos. Algunos de sus conciertos para clarinete y viola son particularmente admirados. También escribió dúos , tríos y cuartetos . Dos óperas , Der verliebte Vormund y Dardanus, ahora están perdidos. Estilísticamente, su música se asemeja a la de Mozart o Haydn y se caracteriza por melodías atractivas , aunque su escritura para los instrumentos solistas no es excesivamente virtuosa. Los movimientos iniciales de sus obras orquestales, que son en forma de sonata , son generalmente seguidos por movimientos medios expresivos y líricos y movimientos finales en forma de rondó . Muzio Clementi Nacimiento: 23 de enero de 1752 Fallecimiento: 10 de marzo de 1832 fue un pianista, compositor clásico, fabricante de pianos y editor musical italiano, reconocido como el primero que escribió específicamente para piano. Es más conocido por sus Sonatinas y su colección de estudios para piano Gradus ad Parnassum. En 1766, Sir Peter Beckford (1740–1811), un acaudalado inglés primo del excéntrico William Beckford, mostró interés en el talento musical del muchacho y trató de convencer a Nicolò para llevarlo a su mansión de Blandford Forum en Dorset, Inglaterra; donde Beckford acordó proveer pagos trimestrales para solventar la educación musical de Clementi. A cambio de esta educación, Clementi se encargaba de los eventos musicales en la Mansión. Clementi pasó los siguientes siete años dedicándose enteramente al estudio y práctica del clavicordio. Sus composiciones de este período inicial, sin embargo, fueron pocas y casi todas se han perdido. En 1770 Clementi se presenta por primera vez en público como pianista. La audiencia estuvo muy impresionada con su ejecución, fue el comienzo en ese entonces de una de las carreras como concertista de piano más exitosas en la historia. En 1774, Clementi fue liberado de sus obligaciones para con Peter Beckford y se trasladó a Londres, donde entre otras realizaciones hizo varias presentaciones en público como clavicordista, intervino en conciertos para cantante y arpa, y sirvió como «director» — desde el teclado — al Teatro del Rey, en Haymarket, durante al menos este período. Su renombre creció, al menos en parte a la popularidad de sus Sonatas Opus 2 recientemente publicadas. Su fama y prestigio aumentaron rápidamente y fue considerado por muchos círculos musicales como el pianista virtuoso más grande del mundo. Clementi inició una gira europea en 1781 que le permitió viajar por Francia, Alemania y Austria. En Viena, Clementi convino con José II para entrar en un duelo musical con Wolfgang Amadeus Mozart para entretenimiento del Emperador y sus invitados. Cada ejecutante fue invitado a improvisar y a ejecutar selecciones de sus propias composiciones. La habilidad de ambos compositores y su virtuosismo fue tan grande que el Emperador se vio forzado a declarar un empate. A partir de 1782 y en los siguientes veinte años Clementi permaneció en Inglaterra tocando el piano, dirigiendo y enseñando. Dos de sus estudiantes alcanzaron un importante renombre: Johann Baptist Cramer y John Field (quien, a su vez, ejerció una gran influencia sobre Frédéric Chopin). Clementi también comenzó la manufactura de pianos, pero en 1807 esta fábrica fue destruida por un incendio. Ese mismo año inició contactos con Ludwig van Beethoven, uno de sus más grandes admiradores, quién le dio los plenos derechos de publicación de toda la música de Beethoven. El nivel alcanzado por Clementi dentro de la historia de la música como editor e intérprete de Ludwig van Beethoven no es ciertamente menor que como compositor (aunque también fue criticado por algunos trabajos de editorial permisivos, por ejemplo, haciendo «correcciones» armónicas a algunas obras de Beethoven). El hecho que Ludwig van Beethoven empezara, en el final de su vida, a componer (en su mayoría música de cámara) especialmente para el mercado británico, pudo haber estado relacionado con el hecho que su editor estaba radicado allí. En 1810, Clementi dejó de realizar sus conciertos para dedicarle todo su tiempo a la composición y a la fabricación de pianos. En 1830 se trasladó a las afueras en Lichfield y pasó sus últimos años en Evesham, donde murió a los 80 años de edad. Fue enterrado en la abadía de Westminster. Clementi se casó tres veces. Wolfgang Amadeus Mozart Nacimiento: 27 de enero de 1756 Fallecimiento: 5 de diciembre de 1791 más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, fue un compositor, pianista, director de orquesta y profesor del antiguo Arzobispado de Salzburgo (anteriormente parte del Sacro Imperio Romano Germánico, actualmente parte de Austria), maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia. La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para fortepiano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional. En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. Según críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—.Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años». Ludwig van Beethoven Nacimiento: diciembre de 1770 Fallecimiento: 26 de marzo de 1827 fue un compositor, director de orquesta, pianista y profesor de piano alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el Clasicismo hasta los inicios del Romanticismo. Es considerado uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la evolución posterior de este arte. Siendo el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del Romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo xix. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara. Su producción incluye los géneros pianístico (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (incluyendo numerosas obras para conjuntos instrumentales de entre ocho y dos miembros), concertante (conciertos para piano, para violín y triple), sacra (dos misas, un oratorio), lieder, música incidental (la ópera Fidelio, un ballet, músicas para obras teatrales), y orquestal, en la que ocupan lugar preponderante Nueve sinfonías. Romanticismo 1830 - 1900 Louis Spohr Nacimiento 5 de abril de 1784 Fallecimiento 22 de octubre de 1859 fue un compositor, violinista y director de orquesta alemán. Aunque alemán y bautizado Ludwig, Spohr siempre firmó sus obras con la forma francesa de su nombre, Louis, por lo que es generalmente conocido como Louis Spohr. La obra de Spohr se encuentra a medio camino entre la claridad y el formalismo del clasicismo, profundamente inspirada por Mozart, y la experimentación asociada al romanticismo del segundo cuarto del siglo XIX. Spohr fue uno de los compositores más famosos de su tiempo. Sus contemporáneos lo consideraban un igual a Haydn, Mozart, y Beethoven, fama que también sostuvo durante las décadas inmediatamente posteriores a su muerte. Sin embargo, la popularidad de su música decayó rápidamente hacia finales del siglo XIX, sobre todo debido a sus manierismos y a sus continuas repeticiones estilísticas, de tal forma que su fama póstuma es aún hoy en día mucho más modesta, similar a la de Cherubini o Hummel (ambos, extremadamente famosos en su tiempo, pero, hoy día, menos valorados). Para principios del siglo XX, su obra había dejado de ser representada. La publicación del catálogo temático Göthel a partir de los años 1980 marcó un renacer en el interés musical de la obra y de la importancia histórica de Spohr. Esto propició la grabación y representación de sus óperas y obras sinfónicas, lo cual ha permitido una valoración más informada de su obra y de su influencia en sus contemporáneos. En sus mejores momentos, la obra de Spohr es de calidad igual a la de los grandes compositores de su época. Karl Maria von Weber (Karl o Carl Maria von Weber; Eutin, actual Alemania, 1786 - Londres, Gran Bretaña, 1826) Compositor, pianista y director de orquesta alemán. Karl Maria von Weber es considerado, junto a Schubert y Beethoven, el más destacado representante de la primera generación romántica de músicos alemanes. Nacido en un ambiente musical -su padre era violinista y maestro de capilla en Eutin, y su madre, una buena cantante-, Weber fue un niño prodigio que a los doce años de edad dio a conocer sus primeras obras. Alumno de Michael Haydn en Salzburgo y del abate Vogler en Viena, sus aptitudes le hicieron sobresalir no sólo en la composición, sino también en la práctica del piano y la dirección orquestal, disciplina ésta de la que llegó a ser un consumado especialista, ocupando desde 1816 hasta su muerte el cargo de director musical de la Ópera de Dresde. Desde fecha temprana, Weber se sintió atraído por la creación operística, en la que cosecharía sus mayores triunfos, hasta el punto de que su aportación en este terreno ha eclipsado sus valiosas incursiones en otros géneros. En 1802 había compuesto ya tres óperas. En 1810 vio la luz Silvana, un ambicioso trabajo en el que se anunciaban las características que definirían El cazador furtivo, la obra que le valió ser considerado el padre de la ópera nacional alemana. Partiendo del tradicional esquema del singspiel, caracterizado por la alternancia de partes cantadas y declamadas, el compositor consiguió una partitura en la que las danzas y coros de inspiración popular, al empapar toda la acción dramática, constituían la verdadera esencia de la música. Consciente del valor de su obra, Weber siguió la senda abierta en El cazador furtivo en su siguiente trabajo escénico, Euryanthe, una «gran ópera heroico-romántica» que, pese a no despertar el interés del público, ejerció una influencia decisiva en la evolución del joven Richard Wagner. La tuberculosis puso fin a su vida prematuramente en Londres, donde se había trasladado para asistir al estreno de su última aportación lírica, Oberón. Gioachino Rossini Nacimiento 29 de febrero de 1792 Fallecimiento 13 de noviembre de 1868 fue un compositor italiano que ganó fama por sus 39 óperas, aunque también escribió muchas canciones, algunas piezas de música de cámara y piano y algo de música sacra. Estableció nuevos estándares tanto para la ópera cómica como para la seria antes de retirarse de la composición a gran escala cuando aún estaba en la treintena de edad, en el apogeo de su popularidad. Nacido en Pésaro de padres músicos, su padre trompetista y su madre cantante, Rossini comenzó a componer a los 12 años y fue educado en la escuela de música de Bolonia. Su primera ópera se representó en Venecia en 1810 cuando tenía 18 años. En 1815, se comprometió a escribir óperas y dirigir teatros en Nápoles. En el período 1810-1823 escribió 34 óperas para la escena italiana que se representaron en Venecia, Milán, Ferrara, Nápoles y otros lugares. Esta productividad requería un enfoque casi formulado para algunos componentes (como las oberturas) y una cierta cantidad de autopréstamo. Durante este período produjo sus obras más populares, incluidas las óperas cómicas La italiana en Argel, El barbero de Sevilla y La Cenicienta, que llevó a su máxima expresión la tradición de la ópera bufa que heredó de maestros como Domenico Cimarosa y Giovanni Paisiello. También compuso obras de ópera seria como Otelo, Tancredi y Semiramide. Todas estas atrajeron admiración por su innovación en melodía, color armónico e instrumental y de forma dramática. En 1824, la Ópera de París lo contrató, para la que produjera una ópera para celebrar la coronación de Carlos X, El viaje a Reims (reutilizada más tarde para su primera ópera en francés, El conde Ory), revisiones de dos de sus óperas italianas, Le Siège de Corinthe y Mosè in Egitto, y en 1829 su última ópera, Guillermo Tell. La retirada de Rossini de la ópera durante los últimos 40 años de su vida nunca ha sido completamente explicada. Los factores que contribuyeron pudieron haber sido su mala salud, la riqueza que le había aportado su éxito y el surgimiento de una grand opéra espectacular con compositores como Giacomo Meyerbeer. Desde principios de la década de 1830 hasta 1855, cuando dejó París y se estableció en Bolonia, Rossini escribió relativamente poco. A su regreso a París en 1855 se hizo famoso por sus salones musicales de los sábados, a los que asistían regularmente músicos y círculos artísticos y de moda de París, para los que escribió las entretenidas piezas Péchés de vieillesse. Entre los invitados se incluyeron a Franz Liszt, Antón Rubinstein, Giuseppe Verdi, Meyerbeer y Joseph Joachim. La última gran composición de Rossini fue su Petite Messe Solennelle de 1863. Franz Schubert Nacimiento 31 de enero de 1797 Fallecimiento 19 de noviembre de 1828 fue un compositor austriaco de los principios del Romanticismo musical pero, a la vez, continuador de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. A pesar de su corta vida, dejó un gran legado, que incluye más de seiscientas obras vocales seculares (principalmente lieder), siete sinfonías completas, música sacra, óperas, música incidental y gran cantidad de obras para piano y música de cámara. Entre sus obras principales figuran el Quinteto La trucha, la Sinfonía inacabada, la Sinfonía Grande, las tres últimas sonatas para piano (D. 958, 959 y 960), la ópera Fierrabras (D. 796), la música incidental de la obra de teatro Rosamunda (D. 797) y los ciclos de canciones La bella molinera (D. 795) y Viaje de invierno (D. 911). Nació en el suburbio Himmelpfortgrund de Viena, y sus dotes poco comunes para la música fueron evidentes desde una edad temprana. Su padre le dio las primeras lecciones de violín y su hermano mayor le dio lecciones de piano, pero Schubert pronto superó sus habilidades. En 1808, a la edad de once años, entró como alumno en la escuela Stadtkonvikt, donde se familiarizó con la música orquestal de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Lo abandonó a finales de 1813 y regresó a su hogar para vivir con su padre, donde comenzó a estudiar para hacerse maestro de escuela. A pesar de esto, continuó sus estudios de composición con Antonio Salieri. En 1821, la Gesellschaft der Musikfreunde lo admitió como miembro intérprete, lo que lo ayudó a darse a conocer entre la ciudadanía vienesa. Dio un concierto de sus propias obras con gran éxito de crítica en marzo de 1828, la única vez que lo hizo en su carrera. Murió ocho meses después a los 31 años, y la causa oficialmente atribuida fue la fiebre tifoidea, aunque algunos historiadores creen que fue por sífilis. La valoración de su música mientras estaba vivo se limitó a un círculo relativamente pequeño de admiradores en Viena, pero el interés en su obra aumentó significativamente en las décadas posteriores a su muerte. Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Franz Liszt, Johannes Brahms y otros compositores del siglo xix descubrieron y defendieron sus obras. Hoy, Schubert se encuentra entre los mejores compositores de música clásica occidental, y su música sigue siendo popular. Hector Berlioz Nacimiento 11 de diciembre de 1803 Fallecimiento 8 de marzo de 1869 fue un compositor francés y figura destacada del romanticismo. Su obra más conocida es la Sinfonía fantástica, estrenada en 1830. (fue un aficionado a la acupuntura) y envió al joven Héctor en 1821 a París a estudiar medicina. Berlioz quedó horrorizado por el proceso de disección y a pesar de la desaprobación de su padre, abandonó la carrera para estudiar música. Asistió al Conservatorio de París, donde estudió composición y ópera, quedando muy impresionado por la obra y las innovaciones de su maestro Jean-François Lesueur. Se dice que Berlioz había sido un romántico innato, que experimentaba intensas emociones desde la más tierna infancia, por ejemplo cuando leía pasajes de Virgilio, y más tarde en una serie de aventuras amorosas. A los 23 años se enamoró de la actriz irlandesa shakesperiana Harriet Smithson. A Smithson las cartas de Berlioz le parecieron tan exageradamente apasionadas que lo rechazó por completo. Sin embargo, fue la musa inspiradora de la sinfonía que Berlioz estaba preparando en esa época. En 1830, esta Sinfonía fantástica generada por esas emociones fue considerada «asombrosa y vívida», pero Smithson no quiso asistir al debut en París. En aquel momento la naturaleza autobiográfica de esta obra de música programática (que requería que los oyentes leyeran un folleto con su «argumento» antes del concierto) se consideró con justicia sensacional e innovadora. En 1830 (el mismo año del debut de la sinfonía) Berlioz ganó el Premio de Roma, la beca más importante del mundo de la música. Debido al rechazo de Smithson, Berlioz se unió sentimentalmente a Marie Moke. Pero este romance fue terminado abruptamente por la madre de Moke, quien la casó con el pianista y fabricante de pianos Camille Pleyel. Berlioz, que en esa época ya estaba becado en Roma, planeó cabalgar hasta París, disfrazarse de sirvienta doméstica, matar a Moke, a su madre y a su novio pianista y suicidarse. Llegó a viajar un par de miles de kilómetros hasta Niza, hasta que fue persuadido de abandonar la idea. Después de su retorno a París —luego de dos años becado estudiando ópera italiana en Roma—, se enteró de que Harriet Smithson finalmente había asistido a una presentación de la Sinfonía Fantástica. Ella rápidamente se dio cuenta de que era una clara alegoría de las apasionadas cartas que Berlioz le había escrito. Pronto se casaron, pero pocos años después, desilusionados, se separaron. Durante su vida, Berlioz fue más famoso como director de orquesta que como compositor. Periódicamente daba ciclos de conciertos en Alemania e Inglaterra, donde dirigía óperas y música sinfónica, tanto suya como de otros compositores. Varios fueron sus encuentros con el compositor y virtuoso del violín Nicolo Paganini. De acuerdo con las memorias del francés, Paganini, tras asistir a una representación de su Sinfonía fantástica, le ofreció una importante suma para que le compusiera una pieza para viola. Algo reticente al principio, a las pocas semanas Berlioz escribió una obra, una sinfonía concertante, inspirándose en pasajes de la novela en verso de Lord Byron Childe-Harold's Pilgrimage. La obra no fue del gusto de Paganini, quien la desechó por considerarla de escasa complejidad técnica. En 1838, estrena su primera ópera, Benvenutto Cellini, cuyo libreto se basa en las memorias del escultor florentino del siglo XVI del mismo nombre. La respuesta por parte del público y la crítica es fría. El dinero pagado por Paganini le permite pagar deudas y trabajar con mayor tranquilidad en su siguiente obra, la "sinfonía dramática" Romeo y Julieta (cuyo "Sueño de Amor" será considerado por el mismo Berlioz como su "composición favorita"). A su estreno asistió, entre otras personalidades, Richard Wagner, quien quedó fuertemente impresionado, lo que no hizo más que reforzar su gran admiración por el francés. En 1840, el gobierno francés le encarga la composición de una obra que conmemore los diez años de la Revolución de 1830. Así nace su Grande symphonie funèbre et triomphale, estrenada bajo la conducción del mismo compositor en la plaza de la Bastilla. Felix Mendelssohn-Bartholdy Nacimiento: 3 de febrero de 1809 Fallecimiento: 4 de noviembre de 1847 cuyo nombre completo era Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy, fue un compositor, director de orquesta y pianista de música romántica alemán, y hermano de la también pianista y compositora Fanny Mendelssohn. Era nieto del filósofo Moses Mendelssohn y nació en el seno de una destacada familia judía que más tarde se convirtió al luteranismo, adoptando el apellido Mendelssohn-Bartholdy. En su infancia fue considerado un prodigio musical, pero sus padres no trataron de sacar partido de sus habilidades. De hecho, su padre declinó la oportunidad de que Felix siguiera una carrera musical hasta que quedó claro que tenía la firme intención de dedicarse seriamente a ella.1 Al temprano éxito en Alemania, le siguió un viaje a través de toda Europa; Mendelssohn fue recibido particularmente bien en Inglaterra como compositor, director y solista, y sus diez visitas allí, durante las que estrenó la mayoría de sus obras, formaron una parte importante de su carrera adulta. Fundó el Conservatorio de Leipzig, un bastión de su lucha contra las perspectivas musicales radicales de algunos de sus contemporáneos. Las obras de Mendelssohn incluyen sinfonías, conciertos, oratorios, oberturas, música incidental, música para piano, música para órgano y música de cámara. También tuvo un importante papel en el resurgimiento del interés en la obra de Johann Sebastian Bach. Sus gustos musicales esencialmente conservadores lo separaron de muchos de sus contemporáneos más aventurados, como Franz Liszt, Richard Wagner o Hector Berlioz. Después de un largo periodo de denigración debido al cambio de los gustos musicales y el antisemitismo a finales del siglo xix y comienzos del xx, su originalidad creativa tiene un buen reconocimiento,2 ha sido evaluada de nuevo y se ha convertido en uno de los compositores más populares del periodo romántico. En 1811, cuando Felix tenía dos años, su familia se trasladó a Berlín, donde creció y se educó dentro de un entorno con gran influencia intelectual. Los padres, además, habían recibido una educación que les había proporcionado diversos conocimientos culturales; por ejemplo, la madre hablaba varias lenguas, tocaba el piano y dibujaba de «modo admirable», habilidad esta última que también poseía su hijo. Además, las grandes mentes de Alemania visitaron con frecuencia el hogar familiar de Mendelssohn en Berlín, incluyendo a Wilhelm y Alexander von Humboldt. Su hermana Rebecca se casó con el matemático belga Peter Gustav Lejeune Dirichlet. La educación de los hermanos Mendelssohn fue muy rígida: los padres adecuaron la creación de un entorno de trabajo para el desarrollo de sus hijos, con la finalidad de que aprovecharan la gran cultura que podían darles con sus recursos económicos. Fanny se convirtió en una destacada pianista y en una compositora aficionada, y en un principio Abraham llegó a pensar que ella, en lugar de su hermano, debería haberse dedicado a la música. Sin embargo, en ese momento, no se consideró apropiado (ya fuera por Abraham o Felix) que una mujer tuviera una carrera musical, por lo que Fanny permaneció como una compositora aficionada. Seis de sus primeras canciones fueron publicadas posteriormente con su consentimiento bajo el nombre de Félix. Robert Schumann Nacimiento: 8 de junio de 1810 Fallecimiento: 29 de julio de 1856 fue un compositor, pianista y crítico musical alemán del siglo xix, considerado uno de los más importantes y representativos compositores del Romanticismo musical. Schumann dejó sus estudios de derecho, con la intención de seguir una carrera como virtuoso pianista. Su maestro Friedrich Wieck le había asegurado que podría convertirse en el mejor pianista de Europa, pero una lesión en la mano terminó este sueño y centró sus energías musicales en la composición. Se casó con la hija de Wieck, Clara, después de una larga y dura batalla legal con el padre. Comenzó una asociación musical para toda la vida, ya que Clara era una pianista y prodigio musical consolidada. Clara y Robert también mantuvieron una estrecha relación con el compositor alemán Johannes Brahms. Hasta 1840, Schumann compuso exclusivamente obras para piano. Más tarde, escribió para piano y orquesta y muchos lieder. Compuso cuatro sinfonías, una ópera y otras obras orquestales, corales y de cámara. Sus obras más conocidas incluyen Carnaval, Estudios sinfónicos, Escenas infantiles, Kreisleriana y Fantasía en do. Fue conocido por llenar su música con personajes a través de motivos, así como referencias a obras literarias. Estos personajes emanaron en su redacción editorial en la Neue Zeitschrift für Musik, una publicación ubicada en Leipzig que cofundó. Schumann sufrió una enfermedad mental que se manifestó por primera vez en 1833 como un episodio depresivo melancólico severo, que se repitió varias veces alternando con fases de «exaltación» y cada vez con más ideas delirantes de ser envenenado o amenazado con elementos metálicos. Lo que ahora se cree que fue una combinación de trastorno bipolar y quizás envenenamiento por mercurio condujo a períodos «maníacos» y «depresivos» en la productividad compositiva de Schumann. Después de un intento de suicidio en 1854, Schumann fue admitido a petición propia en un hospital psiquiátrico en Endenich, cerca de Bonn. Diagnosticado con melancolía psicótica, murió de neumonía dos años después a la edad de 46 años, sin recuperarse de su enfermedad mental. Su vida y obra reflejan en su máxima expresión la naturaleza del Romanticismo: pasión, drama y alegría. En sus obras, de gran intensidad lírica, confluyen una notable complejidad musical con la íntima unión de música y texto. Frédéric Chopin Nacimiento: 1810, Żelazowa Wola Fallecimiento: 17 de octubre de 1849 fue un profesor, compositor y virtuoso pianista polaco, considerado uno de los más importantes de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo musical.3456 Su maravillosa técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica se han comparado históricamente, por su influencia en la música posterior, con las de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms, Franz Liszt o Serguéi Rajmáninov. La descendencia pedagógica de Chopin llegó hasta pianistas como Maurizio Pollini y Alfred Cortot, por medio de Georges Mathias y Emile Descombes, respectivamente. Recibió el nombre de Fryderyk Franciszek Chopin.La fecha de su nacimiento es incierta: el propio compositor (y su familia) declaraba haber nacido el 1 de marzo de 1810 y siempre celebró su cumpleaños en aquella fecha.nota 48 Pero en su partida bautismal figura como nacido el 22 de febrero. Lo más probable es que esto último fuese un error del sacerdote. Esta discordancia se discute hasta el día de hoy,9 aunque el 1 de marzo es la fecha generalmente aceptada.10 Frédéric Chopin y sus hermanas crecieron en un entorno en el que el gusto por la cultura en general y, la música en particular, era considerable. Su primera maestra de piano fue su hermana Ludwika, con quien luego tocaba duetos para piano a cuatro manos. Al destacar pronto sus excepcionales cualidades, a los seis años sus padres lo pusieron en manos del maestro Wojciech Żywny, pianista, amante de la música de Johann Sebastian Bach (hecho entonces poco común) y de Wolfgang Amadeus Mozart, y que basaba sus enseñanzas principalmente en dichos compositores. Fue su profesor de 1816 a 1821.17 Un año más tarde, cuando tenía siete años de edad, compuso su primera obra. Como no sabía escribir muy bien, la pieza la escribió su padre. Se trataba de la Polonesa en sol menor para piano, publicada en noviembre de 1817 en el taller de grabado del padre J. J. Cybulski, director de la Escuela de organistas y uno de los pocos editores de música polacos de su tiempo. Ese mismo año compuso otra Polonesa en si bemol mayor. Su siguiente obra, una Polonesa en la bemol mayor de 1821, dedicada a Żywny, es el primero de sus manuscritos que se conserva.17 A estas siguieron otras polonesas, además de marchas y variaciones. Algunas de estas composiciones se han perdido. A los ocho años tocaba el piano con maestría, improvisaba y componía con soltura: dio su primer concierto público el 24 de febrero de 1818 en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia, donde tocó el Concierto en mi menor de Vojtech Jirovec. Pronto se hizo conocido en el ambiente local de la ciudad, considerado por todos como un niño prodigio y llamado el «pequeño Chopin». Comenzó a dar recitales en las recepciones de los salones aristocráticos de la ciudad, para las familias Czartoryski, Grabowski, Sapieha, Mokronowski, Czerwertynski, Zamoyski, Radziwill, Lubecki, Zajaczek, Skarbek y Tenczynski, tal como hiciese Mozart a la misma edad. Así se ganó un número creciente de admiradores. En 1817, el gobernador ruso de Varsovia requisó el palacio Sajón para uso militar y el Liceo de Varsovia se estableció en el Palacio Kazimierz (hoy el rectorado de la Universidad de Varsovia). La familia Chopin se mudó a un edificio, que aún sobrevive, adyacente al palacio Kazimierz. Durante este período, a veces invitaron a Frédéric al palacio Belwederski como compañero de juegos del hijo del gobernante del Zarato de Polonia, el gran duque Constantino Pávlovich de Rusia. Tocó el piano y compuso una marcha para Constantino Pávlovich. Julian Ursyn Niemcewicz, en su dramática égloga, «Nasze Przebiegi» (1818), atestigua la popularidad del «pequeño Chopin».18 También desde su niñez se manifestó ya un hecho que marcó su vida: su frágil salud y su propensión a las enfermedades. Desde niño había sufrido inflamaciones de los ganglios del cuello y había tenido que soportar frecuentes sangrías. Niccolò Paganini Nacimiento: 27 de octubre de 1782 Fallecimiento: 27 de mayo de 1840 fue un compositor italiano. Es considerado uno de los arquetipos del virtuosismo del violín y uno de los máximos representantes del movimiento instrumental del Romanticismo. Contribuyó con sus aportaciones al desarrollo de la "técnica moderna del violín". Los 24 caprichos para violín son una de sus obras más conocidas y han servido de inspiración a numerosos compositores. Además del violín compuso música para mandolina, guitarra, viola y fagot. Destacan sus duetos para violín y guitarra y sus composiciones para cuarteto de cuerdas. En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con otros instrumentos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y hermana de Napoleón. En 1813 abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de interpretar atrajo la atención de quienes le escuchaban. En 1828 fue a Viena, más tarde a París y en 1831 a Londres. En París conoció al pianista y compositor húngaro Franz Liszt, quien fascinado por su técnica, desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. En 1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola y orquesta; el compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca la interpretó; al parecer no estuvo conforme con los primeros avances de la composición. Sin embargo, sí asistió al estreno, y se arrepintió de no haber participado como solista. Berlioz narra lo sucedido: “El concierto terminó y yo estaba exhausto y sudoroso, temblando de excitación todavía, cuando Paganini, seguido por su hijo Aquiles, subió al escenario gesticulando violentamente, había perdido completamente su voz, por la enfermedad que finalmente lo mató, y como nadie podía entender sus gestos, le hizo una seña a su hijo, que subió a una silla, puso el oído en la boca de su padre y escuchó atentamente. Aquiles bajó de la silla y volteando hacia mí, me dijo: Mi padre desea asegurarle, señor, que nunca en su vida ha estado más poderosamente impresionado en un concierto, que lo ha usted conmovido y que, si no se contuviera, se inclinaría ante usted para agradecerle esta música” Paganini renunció a las giras en 1834. Fue además tutor del violinista italiano Antonio Bazzini, a quien motivó para que iniciara su carrera como concertista. Su técnica asombraba tanto al público de la época que llegaron a pensar que existía algún influjo diabólico sobre él, porque a su vez, su apariencia se notaba algo extraña, y sus adelantos musicales eran una verdadera obra de arte. Se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13". Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín (retirando primero las otras tres, de manera que estas no se rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban. Además en la mayoría de sus espectáculos usaba la improvisación. Esto indica lo cercano que estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras incluyen 24 caprichos para violín (1802-1817), seis conciertos y varias sonatas. Además creó numerosas obras en las que involucraba de alguna manera a la guitarra, exactamente 200 piezas. Llegó a poseer cinco violines, dos Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius (su violín favorito) llamado Il Cannone. Su salud se fue deteriorando a causa de una tuberculosis diagnosticada en 1819. En los años 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de hemoptisis, siendo el segundo el que precipitó su muerte. Durante el avance de la enfermedad, que pasó de sus pulmones a la laringe, padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. El músico además se medicaba con mercurio para tratar la sífilis que también padecía. En 1836, Paganini regresó a París para montar un casino, la empresa fue un fracaso que lo dejó en la ruina; debió subastar sus efectos personales, incluidos sus instrumentos musicales, para recuperar sus pérdidas. En la Navidad de 1838, partió de París hacia Marsella y, tras una breve estancia, viajó a Niza donde su estado de salud empeoró. En mayo de 1840, el obispo de Niza envió a Paganini un párroco local para que recibiera los últimos sacramentos, el músico consideró que era algo prematuro y se negó. Una semana después, el 27 de mayo de 1840, en la casa del presidente del Senado, Paganini sufrió una hemorragia interna y murió antes de que se pudiera llamar a un sacerdote. El obispo de Niza prohibió su entierro en tierra consagrada por su reputación de hereje y no por su mentada asociación con el diablo, como se ha dicho. Su cuerpo fue embalsamado y almacenado en el sótano de la casa donde había fallecido. En 1853 fue enterrado en el cementerio de Gaione y después de cuatro años y un llamamiento al Papa, la Iglesia permitió que su cuerpo fuera transportado a Génova, pero no fue sepultado hasta 1876 en el cementerio de la Villetta di Parma. En 1893, el violinista checo František Ondříček convenció al nieto de Paganini, Attila, de que le permitiera ver el cuerpo del violinista; después de este episodio, el cuerpo de Paganini fue finalmente enterrado en un nuevo cementerio en Parma en 1896. César Franck Nacimiento: 10 de diciembre de 1822 Fallecimiento: 8 de noviembre de 1890 fue un compositor y organista francés de origen belga. César entró a temprana edad en el Conservatorio de Lieja, asistiendo a las clases de piano de Jahleau y a las de solfeo de Duguet. Sus progresos eran rápidos gracias a su sorprendente memoria, a un oído muy fino y a unos dedos largos y afilados que abarcaban sin dificultad los acordes más amplios. En 1833, inició estudios de armonía con Daussoigne. Al año siguiente, su obstinado padre logró que tocara (teniendo solamente doce años de edad) ante el rey Leopoldo I de Bélgica. Solamente sería el primer paso. Ambicionando para su hijo la fama alcanzada por virtuosos como Paganini o Liszt, Nicolas Joseph abandonó Valonia con toda su familia y, a comienzos de 1835, se instaló en París. El conservatorio de esta ciudad no permitía el acceso de extranjeros, por lo que tuvo que solicitar la nacionalidad francesa. Durante la espera, César estuvo bajo la tutela de dos excelentes profesores, Zimmermann y Reicha, los cuales le auguraron un gran futuro. Obtenida la nacionalidad, César ingresó en el Conservatorio de París el 4 de octubre de 1837, a los catorce años. Concienzudo y minucioso, supo obtener un galardón cada año. Los éxitos le abrieron nuevos horizontes, permitiéndole dar nuevos conciertos. A partir de ese momento, su padre se convirtió en su empresario, obligándole a componer una obra tras otra que le permitiesen actuar en público. De 1837 a 1844 la historia de César Franck es la de las decisiones tomadas por su progenitor, quien logró introducirlo en los salones de los constructores de pianos Pape y Erard y en diversos círculos privados. Nicolas Joseph llegaría al extremo de sacar a sus hijos del conservatorio, donde, en su opinión, perdían el tiempo. En 1846, y con 24 años, César Franck, que hasta entonces se había sometido sin oposición alguna a los deseos de su padre, se rebela de pronto contra él. Desde hacía dos meses el joven compositor daba clases en un pensionado de París. Entre sus alumnas había una que atraía visiblemente su interés: Eugénie-Félicité Jaillot-Desmousseaux, hija de unos actores de la Comédie Française. César discute violentamente con su padre y abandona el hogar familiar para instalarse en la rue Blanche, muy cerca de los Desmousseaux. Contra la voluntad paterna, el 22 de febrero de 1848 César Franck contrae matrimonio con Félicité; para llegar a la iglesia, los novios tienen que sortear las barricadas que la revolución había levantado en París. Comienzan así los años oscuros. Durante veinte años, el músico llevaría una vida de pequeño burgués en la que los problemas del vivir cotidiano eran los únicos acontecimientos. Cada año, cinco o seis conciertos en Orleans como «pianista acompañante» servían para apuntalar su precaria economía. Era una existencia ahogada entre el peso de la lucha incesante por sobrevivir y la dedicación a la familia: cuatro hijos nacidos entre 1848 y 1853, dos de los cuales morirían a temprana edad. Fue la de César Franck durante esos años una vida apagada y sin brillo, en la que compuso muy pocas obras y, prácticamente, ninguna de especial importancia. Un inesperado acontecimiento iba a transfigurar esa vida gris. En 1853, su amigo el abbé Dancel le ofrece el puesto de organista en su iglesia de San Juan y San Francisco en el Marais y pone a su disposición un excelente y moderno órgano, uno de los primeros instrumento construidos por Aristide Cavaillé-Coll. Iglesia de Santa Clotilde de París, donde Franck fue organista 42 años. En 1858 Franck cambia de destino, convirtiéndose en organista de la iglesia de Santa Clotilde, dotada también de un magnífico Cavaillé-Coll. Franck se sentaría ante este instrumento excepcional hasta el fin de sus días. En él interpretaría, el 17 de noviembre de 1864, su compendio de Seis piezas para órgano, obra que significó el despertar de la música organística en Francia. Poco a poco, el nombre de César Franck comienza a renacer, abriéndose para él las puertas de las salas de conciertos y las de las iglesias en las inauguraciones de órganos nuevos. El notable cambio culmina en 1872, fecha en que es nombrado profesor de órgano en el Conservatorio. Una acontecimiento que, al fin, le asegura un salario digno y le permite recobrarse de los malos momentos de la guerra franco-prusiana, en los que había perdido a la mayor parte de sus alumnos. Se inicia entonces el período en que ven la luz sus grandes obras maestras. Si su oratorio Les béatitudes le había ocupado diez años (1868-78), en esta nueva época logra concluir cada verano una composición magistral. Animado de verdadera fiebre creadora, Franck parece querer recuperar el tiempo perdido. Un estado de ánimo que es, sin duda, estimulado por el contacto constante con sus alumnos –Vincent d'Indy, Henri Duparc, Ernest Chausson, Bréville…–, miembros de lo que algunos llamaron despectivamente la «banda de Franck». Los componentes del grupo desarrollaron importantes programas de conciertos públicos, propiciados por la creación de la célebre Société Nationale de Musique, fundada apenas concluyó la guerra de 1870 y a la que Franck se asoció desde el primer momento. En las salas de la Société se estrenaría la mayor parte de las obras que Franck compuso en los años siguientes: en 1882, El cazador maldito; en 1884, el Preludio, coral y fuga y Los Djinns; en 1885, las Variaciones sinfónicas; en 1886, la Sonata para violín y piano; en 1887, Preludio, aria y final; en 1888, Psyché y la Sinfonía en re menor; en 1889, el Cuarteto de cuerdas. A los 68 años, César Franck era aún un músico lleno de inspiración y proyectos. En el verano boreal de 1890 compuso en Nemours una excepcional trilogía: los Tres corales para órgano, que constituirían su auténtico testamento musical y espiritual. Hasta el momento había gozado de buena salud, pero desde esa fecha comenzó a sentirse fatigado. En mayo de 1890 había sufrido un accidente de tráfico: el simón en el que viajaba fue embestido por un ómnibus. En el choque, el músico se había desvanecido, pero su fuerte constitución le permitió un rápido restablecimiento. El verano en Nemours le hizo recobrar las fuerzas, por lo que, a pesar de las advertencias de la familia y de su médico, el 4 de octubre decidió reemprender las clases. El 18 de ese mes dio la que sería su última lección. Un resfriado le obligó a guardar cama y pronto se le declaró una pleuresía, que se complicó con una pericarditis. En noviembre su salud empeoró. El día 7 le rondó por la cabeza la idea de componer una fuga, llenando de desasosiego su ánimo. El sábado día 8, a las 5 de la mañana, la vida de César Franck se extinguía. Clara Schumann Nacimiento: 13 de septiembre de 1819 Fallecimiento: 20 de mayo de 1896 conocida como Clara Schumann, fue una pianista, compositora y profesora de piano alemana. Fue una de las grandes concertistas europeas del siglo xix y su carrera fue clave en la difusión de las composiciones de su marido, Robert Schumann. Considerada como una de las pianistas más distinguidas de la era romántica, ejerció su influencia en una carrera de conciertos de 61 años, y cambió el formato y el repertorio del recital de piano de exhibiciones desde el virtuosismo a programas de obras serias. También compuso piezas para piano en solitario, un Concierto para piano (op. 7), música de cámara, piezas corales y canciones. Creció en Leipzig, donde su padre, Friedrich Wieck, era pianista y maestro profesional, y su madre una cantante consumada. Fue una niña prodigio, entrenada por su padre. Comenzó a viajar a los once años y tuvo éxito en París y Viena, entre otras ciudades. Se casó con el compositor Robert Schumann y la pareja tuvo ocho hijos. Juntos, alentaron a Johannes Brahms y mantuvieron una estrecha relación con él. Estrenó muchas obras de su esposo y de Brahms en público. Después de la muerte prematura de Robert Schumann, continuó sus giras de conciertos en Europa durante décadas, con frecuencia con el violinista Joseph Joachim y otros músicos de cámara. A partir de 1878, fue una influyente educadora de piano en el Conservatorio Hoch en Fráncfort, donde atrajo a estudiantes internacionales. Editó la publicación de la obra de su esposo. Murió en Fráncfort, pero fue enterrada en Bonn junto a su marido. Varias películas se han centrado en su vida, como la primera Träumerei de 1944 o una de 2008, Geliebte Clara, dirigida por Helma Sanders-Brahms. Una imagen de Clara Schumann de una litografía de 1835 de Andreas Staub apareció en el billete de 100 marcos alemanes de 1989 a 2002. El interés en sus composiciones comenzó a resucitar a finales del siglo xx y su bicentenario de 2019 impulsó nuevos libros y exposiciones. Fanny Mendelssohn Nacimiento: 14 de noviembre de 1805 Fallecimiento: 14 de mayo de 1847 también conocida como Fanny Mendelssohn Bartholdy y por matrimonio Fanny Mendelssohn Hensel, fue una compositora y pianista del Romanticismo temprano. Sus composiciones incluyen un trío para piano, un cuarteto para piano, una obertura orquestal, cuatro cantatas, más de 125 piezas para piano y más de 250 lieder, la mayoría de las cuales se publicaron de forma póstuma. Aunque fue elogiada por su destreza para tocar el piano, rara vez ofreció conciertos en público. Nacida en el seno de una familia judía, Fanny se crio en Berlín —donde, junto a su hermano menor, Felix Mendelssohn, recibió una educación musical completa de profesores como Ludwig Berger y Carl Friedrich Zelter—. Debido a la condición social de la mujer en su época, varias de sus obras fueron publicadas bajo el nombre de su hermano en sus colecciones opus 8 y 9. En 1829, se casó con el artista Wilhelm Hensel y en 1830 tuvieron a su único hijo, Sebastian Hensel. En 1846, a pesar de la continua ambivalencia de su familia hacia sus ambiciones musicales, Fanny publicó una colección de canciones como su opus 1. En 1847 murió de un derrame cerebral. Desde la década de 1990, su vida y sus obras han sido objeto de investigaciones más detalladas. Su Sonata de Pascua fue atribuida incorrectamente a su hermano en 1970, antes de que un nuevo análisis de documentos en 2010 corrigiera el error. El 29 de mayo de 2018 se inauguró el Museo Fanny & Felix Mendelssohn en Hamburgo. Ella mostró una notable habilidad musical y comenzó a escribir música. Recibió sus primeras clases de piano de su madre, quien pudo haber aprendido la tradición berlinesa de Bach a través de los escritos de Johann Kirnberger, uno de sus alumnos. Por lo tanto, a los 14 años ya podía tocar los 24 preludios de El clave bien temperado de memoria, y lo hizo con motivo del cumpleaños de su padre en 1819.12 Según su madre, Fanny había nacido «con los dedos para tocar fugas de Bach». Más allá de la inspiración de su madre, también pudo haber sido influenciada por los modelos representados por sus tías abuelas Fanny von Arnstein y Sarah Levy, ambas amantes de la música (la primera patrona de un conocido salón y la segunda una hábil teclista por derecho propio). Fanny Mendelssohn, circa 1821, pintada por Carl Joseph Begas. Después de estudiar brevemente con la pianista Marie Bigot en París, Fanny y su hermano Felix recibieron lecciones de piano de Ludwig Berger y formación en composición de Carl Friedrich Zelter desde 1819. En un momento dado, Zelter favoreció a Fanny sobre Felix, y en 1816 le escribió una carta a Johann Wolfgang von Goethe hablándole sobre Abraham Mendelssohn, llegando a decir que tenía hijos adorables y que «su hija mayor podría darte algo de Sebastian Bach. Esta niña es realmente algo especial». En octubre de 1820, los hermanos se unieron a la Sing-Akademie zu Berlin, que entonces dirigía Zelter. Años después, en una carta de 1831 a Goethe, Zelter describió la habilidad de Fanny como pianista con el mayor elogio para una mujer en ese momento: «toca como un hombre».Los visitantes de la casa Mendelssohn a principios de la década de 1820, incluidos Ignaz Moscheles y George Thomas Smart, quedaron igualmente impresionados por ambos hermanos.La favorable situación económica de la familia permitió que los niños recibieran una sólida cultura general. Tanto Fanny como Felix estudiaban desde las cinco de la mañana hasta las últimas horas de la tarde. Este horario riguroso era una tradición familiar desde la época de su abuelo. Fanny Mendelssohn compuso más de 450 piezas musicales. Sus composiciones incluyen un trío para piano, un cuarteto para piano, una obertura orquestal, cuatro cantatas, más de 125 piezas para piano y más de 250 lieder.10 Varias de sus canciones se publicaron originalmente bajo el nombre de Felix en sus colecciones opus 8 y 9.54 Sus obras para piano son a menudo en forma de canciones y muchas llevan el nombre Lied für Klavier (Canción para piano), análogo a Canciones sin palabras (Lieder ohne Worte) de su hermano. Este estilo de música para piano fue desarrollado con mayor éxito por él, cuyo primer conjunto (op. 19b) apareció entre 1829 y 1830, y un segundo conjunto (op. 30) apareció entre 1833 y 1834. Los conjuntos de Fanny de Lieder für Klavier se escribieron en el período de 1836 y 1837, aproximadamente al mismo tiempo que el op. 38 de su hermano, Felix. La mayoría de las composiciones de Fanny Mendelssohn se limitan a piezas para piano y lieder, ya que creía que sus habilidades no se extendían a composiciones más grandes e intrincadas. Indudablemente, también se vio obstaculizada por el hecho de que, a diferencia de su hermano, nunca había estudiado ni tocado ningún instrumento de cuerda, experiencia que la habría ayudado a escribir obras de cámara u orquestales. En 1835, después de completar su cuarteto para cuerdas, le escribió a Felix: «Carezco de la capacidad para sostener las ideas adecuadamente y darles la consistencia necesaria. Por lo tanto, los lieder me convienen más, en los que, si es necesario, puede ser suficiente una simple idea sin mucho potencial de desarrollo». Fue un ejemplo temprano de mujeres compositoras de cuartetos de cuerda. También había escrito anteriormente, con la ayuda de Zelter, un cuarteto para piano en 1822 (su primera obra de gran formato) y, a pesar de sus reservas en su carta a su hermano, escribió en su último año un trío para piano (op. 11).4959 Su Sonata de Pascua, escrita en 1828, fue publicada de forma póstuma. Cuando fue descubierta en 1970, fue atribuida erróneamente a su hermano, antes de que el examen del manuscrito y una mención a la obra en su diario establecieran finalmente en 2010 que era de su autoría.
