INSTITUCIÓN EDUCATIVA RURAL “LA INMACULADA CAUCHERAS” MUTATÁ-ANTIOQUIA-COLOMBIA NIT. 900.144.490-9 DANE:205480000341 Creada mediante Ordenanza Departamental No. 33 de 1968 y aprobada mediante las Resoluciones Departamentales No. 0508 del 23 de enero de 2003, No. 0966 del 9 de julio de 2004, No. 11342 del 23 de diciembre de 2004, No. 7251 del 28 de junio de 2005, No. 26954 del 18 de diciembre de 2007, No. 08104 del 02 de mayo de 2008, No. 050906 del 23 de mayo de 2013, No. 037080 del 7 de mayo de 2014, No. 131113 del 05 de noviembre de 2014 y No. 132339 del 13 de noviembre de 2014 I. DOCENTE NIVEL: 6 PERÍODO 4 ASIGNATURA: Educación Artística OBJETIVO DBA FECHA DE INICIO TALLER: 19/10/2021 MEDIO DE RECPCIÓN TALLER: DATOS GENERALES BÁSICA SEMANA 2 GUÍA N° 2 WALTER ELID MURILLO PALACIO JORNADA: MAÑANA FECHA DE DEVOLUCIÓN DEL TALLER: 29/10/2021 Físico o virtual WhatsApp 320 592 79 59 2. PRESENTACIÓN DE LA GUÍA Estimados padres de familia y educandos del grado, SEXTO esta guía taller, sobre artes consta de dos partes una de lectura de conocimiento general y la otra práctica, en tu cuaderno. 2.1. INTRODUCCIÓN INFORMACIÓN GENERAL Dentro de la historia del arte existen diversos y variados estilos de arte. Estos tipos de arte, en su conjunto, son lo que hoy en día da respuesta a la pregunta de ¿Qué es el arte? Actualmente la gran mayoría de las personas conocen varias clases de arte o han oído hablar de ellas e incluso han visitado obras de arte de un determinado estilo y es que en la actualidad hay miles de ciudades que tienen diferentes obras de distintos tipos de arte y es algo muy hermoso de contemplar. Los tipos de arte en la historia, como hemos dicho anteriormente, han sido muy variados. Muchos de ellos han sido una evolución de otro estilo de arte más antiguo, otros han sido un estilo de arte totalmente innovador, otros han sido estilos de arte similares, evidentemente al haber tantos tipos de arte en la historia muchos de ellos han sido confundidos con otros. Aunque la gran mayoría de los estilos de arte han sido muy destacados en su periodo y han creado obras magníficas que hoy en día podemos contemplar, además de que gracias a estas clases de arte hoy por hoy tenemos miles de artistas famosos como por ejemplo Leonardo Da Vinci o Vincent Van Gogh. 2.2. SABERES PREVIOS ¿Cuáles son los tipos de arte en la historia? Los tipos de arte son representaciones, actividades y expresiones cotidianas de la sociedad que podemos clasificar por medio de la lista que haremos a continuación: Arte abstracto El arte abstracto se origina en 1910 y se desarrolla como el arte contrario al arte figurativo que existía entonces, por esta razón ambos estilos de arte coexisten en el mismo periodo. Este estilo de arte suele hallarse en la gran mayoría de las disciplinas del arte tradicional tanto en las disciplinas comunes como en la música, la literatura o la danza. Para entender que es el arte abstracto primero hay que saber que es abstracto. La abstracción es el acto y el resultado de abstraer, lo que no se puede percibir directamente a través de los sentidos, aquello que excluye lo concreto y se aleja del aspecto exterior de una realidad. Cuando la palabra se aplica al ámbito artístico o a un artista, describe a la intención de no representar seres u objetos concretos, contemplando solo elementos de forma, color, estructura o proporción. ¿Cuándo surgió el arte abstracto? La abstracción no es un invento del arte moderno occidental. En la prehistoria y otras culturas llevan siglos practicando y admirando artes visuales abstractas como la caligrafía, habiendo una infinidad de muestras de formas geométricas y estilizadas empleadas desde el origen del arte. Desde el Renacimiento en adelante la preocupación por recrear la ilusión de la realidad domina las artes visuales como la pintura o la escultura y hasta la llegada del Impresionismo los pintores invirtieron las prioridades en la representación y dieron una mayor importancia al procedimiento pictórico alejándolos de las apariencias externas de la realidad. A medida que el arte figurativo entra en crisis, el arte abstracto se va abriendo el camino con un nuevo concepto para captar la realidad y con ayuda del expresionismo o el cubismo, que reaccionan contra el realismo explorando distintas maneras independientemente de la realidad. El arte abstracto surge en el año 1910 en Munich, de la mano del artista ruso Wasily Kandinsky, exponiendo las primeras ideas sobre el arte abstracto, cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas de siglo XX, siendo una idea contraria al pensamiento del arte figurativo. arte abstracto El arte abstracto no representa figuras, objetos o personas, sino que utiliza un lenguaje visual propio con unos significados variados, realizando formas abstractas, sin imitar o representar fielmente de lo natural. Es un estilo que hace foco en los detalles formales, estructurales y cromáticos y los profundiza a través de la acentuación de su valor y su poder expresivo. Cuando se inició el arte abstracto hubo grandes polémicas y discrepancias, se decía que no era en sí arte, en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo, pero según pasa el tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo siendo ahora cuando nadie se atreve a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio. La definición de este concepto incluye a muchas artes visuales como pueden ser la pintura, escultura o las artes gráficas, aunque también se puede ver este arte en algunas artes plásticas un ejemplo de esto puede ser la arquitectura. En resumen, el arte abstracto se puede encontrar en cualquier categoría de arte tradicional incluso en la música, la danza o la literatura. Aunque sea un arte abstracto menos conocido hay pruebas de que existen tales expresiones. Una obra abstracta no puede hacer alusión a algo exterior a la obra, es decir, esta obra da a ver una nueva realidad muy distinta a la que vemos. Por ello, el arte abstracto es el que remplaza toda clase de figuración (Paisajes, figuras, objetos, formas geométricas, etc.). Por lo tanto, el arte abstracto no considera la necesidad de hacer una representación figurativa por lo que suele cambiarla por un lenguaje visual que tiene propio significado. Para entender un poco más sobre el lenguaje del este concepto de arte tendremos que visualizar la forma, la línea de representar una estructura la cual puede ser diferente a la visión que tenemos en la realidad y por último tendremos que saber el significado del color. Al terminar la Segunda Guerra Mundial surgió el movimiento artístico expresionismo abstracto. Sus bases se encontraban en el surrealismo, combinando diferentes técnicas en una misma obra. Un importante estilo que se vuelve muy popular en este movimiento es el collage, que utiliza mezclas de diferentes materiales o elementos. 3. PRESENTACIÓN TEMÁTICA Características del arte abstracto Se aleja de la mímesis de la apariencia externa, la obra de arte abstracta existe independientemente de la realidad. El grado de abstracción puede ser parcial, conservando partes del natural y modificando otras, o absoluto, donde no existen rastros reconocibles figurativos. Énfasis en la propia expresividad de los elementos esenciales del arte y su organización. Los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su aspecto técnico. El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje. ¿Por qué se dice que el arte abstracto esta fuera de la realidad? En realidad, la respuesta a esta pregunta es relativamente fácil ya que lo abstracto aleja la realidad. Este alejamiento puede ser de forma ligera, parcial o completa, por ello el concepto de abstracto tiene tres grados. Por lo tanto, una obra de arte que se mezcla la forma y el color puede considerarse una parte de ella abstracta. Una obra la cual no se puede observar ningún tipo de trazado, que nada se puede reconocer y que mezcla colores es una obra completamente abstracta. Esa obra completamente abstracta se denomina así porque es completamente pura en abstracción ya que no se basa en una realidad natural. 4. EJERCITACIÓN Y RETROALIMENTACIÓN ¿Qué tipo de arte abstracto existe? El expresionismo abstracto: Se basa en la emoción, en la expresividad del color, y en las manifestaciones psicológicas del artista, rechazando totalmente la figuración. El Neoplasticismo: es un arte que excluye toda clase de emociones, se rige por las reglas matemáticas y la simplificación radical de la geometría. El Constructivismo: donde las obras son amplia y artísticamente representadas El Informalismo: Es un arte abstracto no geométrico, que reivindica la materialidad de la pintura y sus múltiples posibilidades técnicas, rechazando la forma figurativa y la no figurativa, asumiendo el color como su materia y sujeto del cuadro. El Abstraccionismo Lírico: sus principios básicos son el sosiego, la quietud, el equilibrio y la armonía. En resumen, el arte abstracto no es más que una manera de enseñarle al mundo que no solo se puede mostrar sentimientos con figuras o con la visión de nuestra realidad, hay veces en las que debemos mirar más allá de nuestra realidad para encontrar lo que es el verdadero arte. El arte abstracto y los niños Los niños pueden captar el concepto del arte abstracto, más fácil que los adultos, cuando se explica en términos sencillos y se ilustra con visuales, dado que ellos niños suelen crearlo sin darse cuenta ya que los intentos de los niños de copiar lo que ven en papel suelen resultar un arte que se parece poco al original y no es por tanto identificable para otros, aunque el niño pueda explicarlo fácilmente. Pintores más destacados del arte abstracto Robert Delaunay: nació en París en el 1885, durante un tiempo cultivó el cubismo, pero pronto se fue a la abstracción, sobre todo se dedicó al color y la luz, utilizando colores vivos organizados libremente en torno a una estructura geométrica bastante elemental. Este propósito lo consiguió en sus Ventanas. creando planos trasparentes de formas geométricas donde apenas hay dibujo, con una iluminación independiente y el motivo de la ventana irá poco a poco perdiéndose hasta llegar a ser cuadros totalmente abstractos. Piet Mondrian: nació en Nueva York en el 1872. Aspiraba a una pintura no sentimental, no subjetiva, independiente de cualquier carga histórica, cultural o geográfica, con línea recta y el ángulo recto, es decir, a la horizontal y al vertical y a los tres colores primarios, junto con el blanco, el gris y el negro, y no los que resultan de sus combinaciones. A este nuevo lenguaje artístico lo llamó Neoplasticismo. Wassily Kandinsky: nació en Moscú en el 1866. Llegó a una abstracción impregnada de sentimiento, su pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador, expresa el espíritu, la realidad interior, los estados de ánimo, los sentimientos. En 1910 ejecutó la primera acuarela sin tema, conocida como Primera acuarela abstracta. Sobre un espacio imaginario flotan y se mueven formas abstractas coloreadas en las que no se encuentran referencias miméticas. La fluidez de las manchas de color y el gesto nervioso de la línea configuran un espacio de gran dinamismo, empezando a pintar lienzos llenos de manchas cromáticas y formas simplificadas, alejándose del natural. Su tendencia hacía lo abstracto se efectuó en una serie de obras que él mismo denominó Impresiones, Improvisaciones y Composiciones. Arte contemporáneo El arte contemporáneo es un término que se usa para clasificar de forma general a las obras de arte creadas en el siglo XX, dicho de otra manera, este estilo de arte es el que se está creando y evolucionando hoy en día. Sin embargo, existen diversas maneras de hablar o entender este concepto ya que probablemente este estilo de arte sea uno de los más dificultosos de colocar cronológicamente por las diversas opiniones que existen. ¿Qué es el arte contemporáneo? El arte contemporáneo, explicado técnicamente, es un concepto que se utiliza para denominar de manera general a las expresiones artísticas originadas durante el siglo XX, es decir, de una manera más coloquial podríamos decir que el arte contemporáneo es el que está realizado en nuestra época, pero esto es dependiendo de la persona que hable de él ya que hay varias formas de entender este concepto. Para algunas personas este concepto surgió en la última década, para otros este concepto se creó en la Segunda Guerra Mundial (1945), también hay personas que creen que este concepto se desarrolló en la Edad Contemporánea (finales del siglo XVIII). Por lo tanto, todo depende de quién utilice este concepto ya que mucha diversidad de opiniones en el origen de este concepto. Aunque definición más general de este concepto es que nació en el último siglo. Criterios para determinar cuándo es arte contemporáneo Uno de los criterios juzga como contemporáneo aquel arte surgido a partir de la eclosión vanguardista de los inicios del siglo XX. Estas propuestas artísticas, se distinguieron por presentar una serie de ideas que revolucionaron la institución del arte, como la ruptura con los modelos tradicionales o su carácter crítico y experimental, tenemos de ejemplo los movimientos artísticos contemporáneos como el fovismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo. Otro criterio utilizado para las manifestaciones contemporáneas es aquel que toma como punto de partida el inicio de la Postmodernidad, que va de finales de la década del 60 e inicios de los años 70, o el fin de la segunda guerra mundial, en 1945. Este arte contemporáneo está formado por movimientos como el arte pop, el nuevo realismo francés, el arte pavera, el arte conceptual, el minimalismo y el expresionismo abstracto, así como con el hiperrealismo, la desfiguración, las instalaciones o la deconstrucción. Y por último criterio tenemos el que vincula el inicio del arte contemporáneo con el principio de la Edad Contemporánea, a finales del siglo XVIII con la revolución francesa. El Arte Contemporáneo: Un antes y un después El arte contemporáneo viene de finales del S. XIX, este concepto creado en el siglo XX fue el resultado de arrastrar varias técnicas del siglo XIX, es más se considera que el principal punto de partida de este nuevo concepto fue del Impresionismo y el Postimpresionismo. Se dice esto porque de esos movimientos artísticos se desarrolló las vanguardias más famosa y conocida del Siglo XX. Entre esas vanguardias podemos encontrar: el fauvismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el cubismo, el expresionismo, el surrealismo, el futurismo y el dadaísmo. Todas estas corrientes tienen una serie de elementos comunes en su ideología, pero no en lo estilístico, tienen un punto en común y es la pasión de innovar y conceder al arte un espacio muy distinto al que poseía antes. Por ello podemos decir que, el arte contemporáneo se caracteriza por tener una conciencia de grupo dentro de cada uno de ellos y lo dejan reflejado en sus respectivos manifiestos. Niegan el pasado y buscan un nuevo lenguaje expresivo basado en una visión diferente de la realidad, a la que ya no imitan, interpretan. El deseo de novedad los lleva a experimentar con el color, las formas y la composición, es querer encontrar una nueva manera de expresión que no encaje con todo lo que se había hecho hasta ese momento. Así pues comenzó a desarrollar un sinfín de formas nuevas y a comenzar desde un espacio nuevo donde la forma y el color adquirieron propiedades fuertes. El arte contemporáneo del Siglo XX Qué es el arte contemporáneo En el Siglo XX el arte rompe con todos los conceptos tradicionales y crea unas características nuevas y en definitiva esenciales. En cualquier obra contemporánea podremos observar que la personalidad del hombre es un objeto de disputa ya que el artista puede disfrutar de una libertad completa, en la libertad completa también tenemos que meter a los poetas y pensadores que tendrán que interpretar la realidad y enseñar el camino al futuro. Las técnicas usadas en el arte contemporáneo ponen al artista en una postura de ser capaz de interpretar todo, pero el arte se expresará mediante la irracionalidad producida por la insatisfacción y la intranquilidad. Es evidente que la libertad de crear e proyectar cualquier posibilita al artista cualquier tipo de exceso. Estos excesos van desde los creativos, dentro de este grupo podemos encontrar a las vanguardias denominadas como arte degenerado, hasta los productos artísticos del consumo colectivo que por otro lado varios expertos del arte lo califican como de “muy mal gusto” Vanguardias históricas del arte contemporáneo El fauvismo: se identifica por la sustitución de la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas por un fuerte colorido y un dibujo de trazo muy marcado para crear un mayor énfasis expresivo. El impresionismo: se valora los contenidos y las actitudes emocionales, es una expresión del propio yo, con una composición desgarrada y un color más violento y contenidos simbólicos. El cubismo: se destaca por la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo y propone una forma de perspectiva que se basa en la multiplicidad de los puntos de vista. Tiene una primera etapa llamada cubismo analítico, donde los artistas buscaban la descomposición de las formas tridimensionales en elementos geométricos y una segunda etapa llamada cubismo sintético que se desarrollan experiencias con el collage. El futurismo: es un estilo llamado cubismo dinámico porque los artistas se interesaban por la representación del movimiento y la velocidad a través de la repetición rítmica de líneas e imágenes. El neoplasticismo: tiene un método que parte de la utilización de líneas rectas que delimitan rectángulos de colores primarios, los artistas quieren destacar la bidimensionalidad de la superficie para expresar su ideal basado en la pureza del arte. El dadaísmo: representa la antítesis del racionalismo y de la abstracción, que surgió durante la Primera Guerra Mundial como una forma de protesta ante los cánones estéticos dominantes, querían representar la libertad absoluta, lo inmediato, la contradicción y la espontaneidad de dadaísmo buscaban derrocar las leyes de la lógica un pensamiento inmóvil, los conceptos abstractos, lo universal y la eternidad de los principios, el caos sobre el orden y romper las fronteras entre el arte y la vida. El surrealismo: se trataba de ir más allá de la realidad visible asegurando la superioridad del subconsciente y daban importancia a los sueños en la creación artística. El constructivismo: se origina en Rusia, desde donde empieza a involucrarse a otros lugares de Europa, hasta llegar algunos años después a Latinoamérica, de donde nos vemos muy influenciados. Este movimiento se caracteriza por ser muy abstracto, por lo que se recurre generalmente a figuras geométricas y muy bien definidas. Etapas del arte contemporáneo Podemos observar estas etapas a través de los años entre las que están: El informalismo: en paralelo eón el expresionismo abstracto de Estados Unidos y abarca todas las tendencias abstractas y gestuales desarrolladas en Francia y en el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Se distinguen varias corrientes diferentes como la abstracción lírica, la pintura matérica , la Nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut. El Pop: fue un movimiento artístico del S.XX su característica más importante es el empleo de imágenes de la cultura popular, como los anuncios publicitarios, cómic books, el mundo del cine, entre otros. El arte pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura de bellas artes, resaltando lo banal a través del uso de la ironía. Desconstrucción y Postmodernidad: se caracteriza por su oposición al proyecto del arte moderno visto como una evolución, como un reflejo de la sociedad que lo envuelve y lo genera rechazando el principio programático del arte de vanguardia, asumiendo el fracaso de los movimientos de vanguardia, siendo un arte autorreferencial, el arte habla del arte, sin pretender hacer una labor social. Arte rupestre El arte rupestre es un estilo de arte que realizaban los seres humanos en la edad prehistórica. Dicho tipo de arte se realizaba en las paredes de las cuevas y solían ser dibujos que representaban animales, armas o seres humanos. El arte rupestre es todo aquel dibujo prehistórico que se halle en rocas y cavernas, es la primera manifestación que en la era Prehistórica hizo el hombre a través de pinturas, antes que comenzase la escritura. Siendo esta manifestación artística considerada como una de las más antiguas de las que se tiene constancia, ya que existen testimonios que se remontan a 40 mil años, o sea, tras la última glaciación. El arte rupestre es esencialmente una expresión espiritual primitiva, que ésta en casi todas las épocas de la historia del ser humano y en todos los continentes menos en la Antártida, siendo en España y en Francia donde se encontraron las manifestaciones más antiguas y con mayor relevancia. En resumen, a todo esto, podríamos decir que el hombre ha ido representando en piedras, paredes rocosas y cuevas a millones de animales, objetos o plantas, incluso hay pinturas rupestres que reflejan la sucesos de la vida cotidiana, figuras geométricas o signos, entre otros. Por ello, se consideran las obras más antiguas que representan el pensamiento y la destreza de la persona que realizó las pinturas. Es por ello por lo que se piensa que antes de aparecer la escritura en la vida humana, aparecieron las pinturas rupestres reflejando los pensamientos, creencias y vivencias de sus autores. Estas obras rupestres se representaban de forma sintética, dejando ver la capacidad intelectual que tenía la humanidad para representar la realidad de esos momentos Por ello el arte rupestre, nos da a entender que el ser humano, desde la prehistoria hasta la actualidad, organizaba una manera de representar artísticamente todo lo que estaba en relación con el ideal religioso-mágico que tenían. No había un determinado sitio para realizar estas pinturas y es por eso por lo que ha sido de gran dificultad encontrar alguna de ellas ya que muchas se encontraban lejos de donde ellos habitaban en ese momento. El descubrimiento del Arte Rupestre Las obras rupestres no se encontraron hasta mitad del siglo XIX en Europa que se encontró en varias cuevas diversos objetos creados con hueso o piedra que estaban tallado con una imagen de algún animal. Pero hasta el año 1879 no se descubrió las primeras pinturas, importante hallazgo fue las pinturas rupestres en el techo de la cueva en Altamira unos bisontes multicolores, en Santander, descubierta por Marcelino Sanz de Sautuola. Al principio este hallazgo fue negado su autenticidad, pensando que la sociedad prehistórica no tenía la capacidad para crear estas representaciones. Pero cuando se empezaron a encontrar más hallazgos de estas representaciones en Francia y España la cosa ya cambió. Pero las pinturas y grabados sobre las paredes de las cuevas y abrigos no fueron la única expresión artística de la Prehistoria. También se realizó pintura sobre cantos rodados, escultura, cerámicas decorada objetos ornamentales. Estilos principales del Arte Rupestre Arte Paleolítico: datado entre 40.000 y 10.000 a. C., es el arte de cavernas profundas, galerias recónditas y oscuras, representaciones naturales y estáticas. Usaban diferentes colores rellenando toda la figura y no representaban figuras humanas, sino animales como el bisonte, caballos, ciervos, osos, dibujándolos aislados o en grupo. Tambien se han encontrado representaciones de signos abstractos y de manos. La representación más importante fue la de las cuevas de Altamira. Arte Levantino: datado entre 6.000 y 4.000 a.c., este estilo se da en abrigos o covachos de escasa profundidad donde la luz solar penetraba sin dificultad. Se representaban animales como los cérvidos, caprinos y bóvidos, en manadas o en solitario. Son representaciones de perfil con los cuernos y pezuñas de frente, llamada esta técnica perspectiva torcida. La representación de la figura humana adquiere protagonismo llegando a ser el tema principal, aparecen escenas de caza, danzas, luchas, de trabajo agrícola, recolección de miel, la domesticación de animales, entre otras, resaltando el movimiento. Se encontraron pinturas de Arte Levantino en Huesca, Lérida, en el sur de Tarragona, Teruel, este de Cuenca, Valencia, entre otras ciudades. Arte esquemático: datado entre 4.000 y 1.000 a.c. Según en las zonas donde se ha encontrado las manifestaciones, parece de origen propio o de una evolución del arte Levantino. Las figura empiezan a ser muy sintéticas, incluso algunas inidentificables, con una simplificación y esquematismo que lo podemos entender como un paso a la abstracción. Aparecen figuras humanas y de animales muy simplificadas, con composiciones escénicas, signos abstractos desconocidos en el arte Levantino. Resalta la esencia y el dinamismo. Técnicas destacadas, colores y temática de las pinturas rupestres Qué es el arte rupestre En el Paleolítico las pinturas rupestres estaban caracterizadas por líneas y animales. En el Neolítico se empezaron a representar seres humanos, manos, animales, además se dibujaba el comportamiento que tenían frente a las criaturas de su alrededor. Dentro las pinturas de animales lo que más se representaban era renos, ciervos, caballos, mamuts y bisontes que normalmente estaban heridos con lanzas o flechas. A la hora de hablar del color solo utilizaban uno o dos colores, entre los que destacan estarían el rojo, amarillo, ocre y negro. Estos colores se adquirían material vegetal como podría ser el carbón, la arcilla o el óxido de manganeso, entre otros. Realmente no tenían una técnica muy elaborada ya que untaban los dedos con los colores y pintaban sobre una superficial, aunque también tallaban la dibujo en la roca, incluso había algunos que cogían una caña y trazaban líneas con los colores. Los lápices eran bolas ramas que quemaban o bolas de colorante mineral mezcladas con resina. En muchas ocasiones la pintura rupestre nos ha rebelado que los primitivos utilizaban las hendiduras de la pared y sus desniveles para que se tuviera la impresión de realismo y volumen. Entre las más antiguas se cuenta las pinturas de la Cueva de Altamira, en Santallina del Mar, Cantabria, España Respecto de la magnífica conservación que presentan muchas de estas piezas artísticas, aún a pesar de la erosión, se debe mencionar que es justamente por el soporte en el cual han sido pintadas el motivo de esa perduración a través del tiempo. En tanto, la existencia de estas fabulosas creaciones demuestra a las claras que desde tiempos inmemoriales el ser humano estuvo involucrado y comprometido con el arte. Ahora bien, en lo que respecta a la motivación nos encontramos con que en algunos casos las pinturas rupestres tienen una fuerte carga mágico-religiosa, utilizándoselas con la única razón de ser la antesala de una caza exitosa. Cuando se trata de este tipo de situación, es común que las mismas se hallen en aquellas zonas más recónditas y escondidas de la caverna o cueva, en cambio, cuando las manifestaciones artísticas se disponen a la vista de todos se cree que es la consecuencia de la simple adopción del arte como una actividad más dentro de la vida cotidiana de aquellos tiempos. Cueva de Altamira: en España, fue el primer lugar donde se encontró arte rupestre en el Paleolítico Superior. Se conservan muy bien las pinturas encontradas, con una longitud de unos 270 metros dentro de la cueva, siendo lo más destacado sus pinturas policromas. Refugios rupestres de Bhimbetka: en la India, al pie de los montes Vindhyan, se encontró estas manifestaciones de arte rupestre siendo declarado Patrimonio de la Humanidad, siendo pinturas del periodo Mesolítico llegando a épocas recientes. Cueva de Magura: en Bulgaria, sus pinturas están decoradas con guano de murciélago y representan distintas escenas de personas cazando y bailando, animales y plantas, teniendo la cueva una longitud de unos a 2.500 metros. Cueva de las manos: en Argentina, es la expresión artística más antigua conocida de los pueblos indígenas hace 12.000 años. En sus paredes se encuentran impresas las 729 manos que dan nombre a la cueva, así como guanacos, figuras geométricas y escenas de la vida cotidiana, siendo también Patrimonio de la Humanidad. Pinturas rupestres de Kakadu: en Australia, se encuentra el Parque Nacional de Kakadu, con más de 5.000 yacimientos y diferentes emplazamientos rupestres que contienen vestigios del arte de los aborígenes australianos que habitaron el lugar hace 20.000 años. Pinturas de Ukhahlamba-Drakensberg: en Sudáfrica, sus tribus dejaron en sus pinturas las huellas de sus costumbres y de sus tradiciones religiosas, hace unos 8.000 años. Cueva de Lascaux: en Francia, sus pinturas datan de entre los 13.000 y los 25.000 años a. d. C. Fue descubierta por casualidad en el año 1940, con el fin de preservar las pinturas la cueva fue cerrada al público y se ha habilitado una réplica de los emplazamientos más característicos del sitio Pinturas de Twyfelfontein: en Namibia, donde se encuentra la mayor concentración de arte rupestre de África, también declarado como Patrimonio de la Humanidad en el año 2007. Cueva Chauvet: en Francia, siendo las representaciones de mamuts, rinocerontes, leones y osos los más importantes, descubierta en el año 1994. Líneas de Nazca: en Perú, siendo lo geoglifos los más famosos del mundo, trazando líneas, que forman trazados geométricos perfectos y representan animales, plantas, siluetas humanas y laberintos, llegan a medir 275 metros de largo. 5. PRÁCTICA De acuerdo a lo estudiado en la lectura, debes presentar cinco tipos de dibujos diferentes, teniendo en cuenta alguno de los momentos de la historia del arte, en la cartulina de 1/8 de manera física o virtual debidamente marcado con tu nombre, fecha y grado respectivo. 6. RECURSOS Materiales utilizados, páginas web, libros… https://www.pinturayartistas.com https://tiposdearte.com Sobre Historia del artes
