En la clase de hoy hablaremos del juego, la lúdica y la creación teatral, Entrenamiento Corporal en la creación de personaje pero antes debemos recordemos que en teatro cuando hablamos de creación del personaje nunca podemos olvidarnos de Stanislavsky Constantin Stanislavsky, actor y director ruso, fue el primero en articular de forma sistemática un método de actuación realista. Este movimiento teatral al igual que cualquier otro, surge como consecuencia o reacción a movimientos anteriores como es el caso de los estilos romántico, melodramático, o el propio clásico que se identifican más con una actuación artificiosa sostenida por un estudiado uso de la voz y de la gestualidad pero que no tenían nada que ver con la forma como los seres humanos se comportan socialmente. Stanislavsky se propone recobrar la vida en el escenario, la presencia del personaje a través del actor. Vivir el momento en la escena es encontrar lo que el autor llama la verdad escénica, ésta es la tarea que tiene todo actor, todo verdadero actor. Stanislavski desarrolló su técnica con el fin de hacer que los personajes se vieran “vivos” en el escenario. Para lograr esto, invertía bastante tiempo en ensayos enfocándose en la vida interna de los personajes. Estas técnicas de actuación han sido conocidas como “El Método”, estas técnicas invitan a que el actor realice un trabajo de interiorización y búsqueda de lo que Stanislavky llama la verdad en la escena. Las circunstancias previas ¿Qué ha pasado antes que el actor entre a escena? Esta información es provista por el dramaturgo y el actor debe profundizar en el análisis del texto para conformar la mayor cantidad de referencias posibles que rodean al personaje, incluyendo su contacto con el medio ambiente, sus relaciones 3 con los otros personajes, etc. En este aspecto el actor debe ser un constante investigador y observador de su entorno, buscando encontrar el lugar del personaje en la situación planteada. Para ello es importante esa mirada de lo que le pudo suceder a ese personaje antes del momento que vive en la escena. Relajación Es una de los elementos fundamentales en el Método Stanislavakiano. A través de una serie de ejercicios de relajación, el actor debe lograr un estado de completa libertad mental y física. Con ello se favorece la creación del personaje, el cuerpo activa sus sentidos y está en mayor y mejor disposición. Los músculos, los huesos, la respiración, todo en el actor está una calma próxima y prepara el terreno para recibir a su visitante: el personaje. Concentración También conocida como “escuchar activamente”. ¿Cómo escuchar y ver la acción escénica como si nunca hubiera ocurrido antes? La concentración sugiere para el actor un estado de atención y relajación, que conduce a una activación 5 de los sentidos. Estar aquí y ahora en el momento creativo. Concentrarse implica atender la respiración y la escucha. Memoria emocional/memoria afectiva Ejercicio sumamente delicado pues pretende conectar evento “La construcción del personaje”. Hay que tener en cuenta el momento histórico en que vive S. Y la situación teatral en la que vive. Era lo más normal ver actores estereotipados repitiendo un código de gestos tipo, voces engoladas y actitudes previstas y catalogadas en un fácil y reconocible cliché. Stanislavsky propone básicamente un 6 trabajo de búsqueda interior para huir del estereotipo y la falsedad en la interpretación de un papel. Un actor debe olvidar los estereotipos vistos en otros actores y en la vida real y procurar buscar la sinceridad en su actuación y en su personaje. La búsqueda debe partir de él mismo, por intuiciones personales que procedan de su interior y por estímulos o ayudas externas que confirmen y estimulen esas características que aflorarán en el exterior. De ahí que un actor requiere ser un observador permanente, afinar su capacidad de atención y percepción, de allí surten materiales y elementos que le aportan al proceso creativo. ESCUELA DE TEATRO: SIETE CLAVES IMPRESCINDIBLES PARA CREAR UN PERSONAJE Desde mi experiencia profesional en la creación de espectáculos (crear, escribir, interpretar y dirigir), la clave básica para que este funcione, a priori, es que los personajes sean sólidos y sin fisuras. En el laboratorio de nuestra escuela de teatro, reitero que es conveniente crear el personaje antes de comenzar con el texto. Por ejemplo, si vamos a hacer de Julieta o Romeo, tanto da si hablan de amor o de la lista de la compra. Si están bien creados, pueden hablar de lo que quieran. Porque cualquier cosa que hagan será orgánica y fluirá con toda naturalidad. Siete claves para la creación de un personaje Aunque en nuestra escuela de teatro verás hay muchas más te haré una síntesis. A continuación te expongo siete claves para la creación de un personaje. La voz ¿Así suena mi voz?.Es necesario no solo que el personaje tenga su propio timbre. También debe tener su propio tempo y rasgos personales:seseo, frenillo, pronunciación. Quién no recuerda la voz de Verónica Forqué o el tartamudeo de Antonio Banderas en “Mujeres al borde de un ataque de nervios”. El Cuerpo De la misma forma que ocurre con la voz, un personaje debe tener una manera determinada de moverse y expresarse corporalmente. Desde la gestualidad de la cara, pasando por su mirada, su forma de caminar o gesticular. Gracias a eso, diferentes actores pueden hacer el mismo personaje siguiendo pautas muy parecidas (El Joker en Batman, Superman, Mary Poppins) Vestuario ¿Pero qué me pongo?. Es fundamental para que el personaje quede definido externamente. En este sentido se ha de ser muy detallista. Que un personaje use una prenda u otra, un accesorio u otro determina cómo lo percibimos nosotros y el público. «Hay personajes que se han hecho eternos en parte gracias a su vestuario.» (Rita Hayworth en Gilda, Humphrey Bogart en Casablanca…) Antecedentes ¿De dónde vengo, de donde soy, hacia dónde voy? Es fundamental que un personaje siga una lógica en la creación. Al igual que los seres humanos tenemos un país de nacimiento, una infancia, etc. Un personaje debe contar con un pasado lógico para poder reafirmar su identidad. Imaginario Un personaje al igual que una persona debe tener un imaginario y una lógica propia que es lo que lo define por sí mismo. Si Dorothy no fuera de Kansas y no fuera una niña con mucha imaginación el guión del Mago de Oz no existiría. Tempo: Será lo que defina la «musicalidad» corporal y de la voz del personaje. La capacidad de reacción y su «velocidad» en todo lo que hace. Por ejemplo, podemos comparar el tempo de dos personajes radicalmente opuestos. Ahí tenemos a Valmont en “Las amistades peligrosas” . O Hamlet en “Hamlet príncipe de Dinamarca”. Verdad Diré la verdad, toda la verdad y nada más que la verdad.Sea como sea el personaje (máscara, externo, interno, etc.) es fundamental trabajar desde la verdad. Si la verdad no está presente en todo lo que decimos y hacemos con un personaje, este nunca llegará de forma auténtica al público.
