UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO ECUELA NACIONAL PREPARATORIA PLANTEL 6 “ANTONIO CASO” CICLO ESCOLAR: 2021-2022 PROFESOR: OSCAR SILVA GUTIÉRREZ ALUMNO: GUERRERO GARZA GERARDO OMAR GRUPO: 461 SECCIÓN: A DIBUJO II “EL DIBUJO A TRAVÉS DE LA HISTORIA” 21 DE AGOSTO DE 2021 EL DIBUJO A TRAVÉS DE LA HISTORIA INTRODUCCIÓN “Hoy en día las actividades artísticas no se consideran como un simple adorno del ser humano, sino como una parte integral de su personalidad” Maciel C., García A. Gonzáles M. (2011). Introducción al dibujo artístico. Recuperado de https://portalacademico.cch.unam.mx/ El presente trabajo de investigación tiene como objetivo principal presentar las diversas fases y transformación que tuvo el dibujo a partir de los años, que van desde las primeras pinturas rupestres encontradas en las cavernas del período Paleolítico hasta el Op Art del siglo XX. El término dibujo proviene de la palabra francesa déboissier que significa "representación gráfica sobre papel", el dibujo es una disciplina artística independiente que se utiliza como lenguaje para múltiples disciplinas y ha servido al hombre para poder utilizarlo como herramienta del conocimiento y así poder documentar, diseñar, crear y reflexionar sobre el mundo que lo rodea. Dibujar es una actividad universal que todas las personas sin ninguna distinción pueden realizar para poder expresar sus ideas, evitar el estrés y explorar sus pasiones y talentos. Cabe mencionar que el dibujo se divide en 7 grupos esenciales: 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. Dibujo artístico Dibujo técnico Dibujo geométrico Dibujo arquitectónico Dibujo animado Dibujo mecánico Dibujo a mano alzada PREHISTORIA (PALEOLÍTICO) En esta época podemos observar las primeras expresiones que el hombre realizaba en las cavernas, se piensa que en esta época el hombre ya tenía conocimiento de la belleza y que el dibujo fue la primera herramienta de representación antes que el lenguaje, aunque todavía no hay ninguna prueba que sustente este argumento. El tema principal de estas pinturas era la caza y los animales, principal sustento para los humanos de esa época. Los materiales ocupados para realizar estas pinturas eran el carbón vegetal y diferentes tierras de colores aglutinados con agua o grasas de animales. ARTE ANTIGUO Los egipcios (3200 A.C.): Aquí podemos encontrar diversos jeroglíficos en las tumbas de los faraones, representaciones de carros de combate jalados por caballos, barcos navegando el río Nilo y representaciones de sus dioses. podemos observar una actualización de herramientas para realizar el trabajo (dibujo) ya que estos jeroglíficos se grababan en piedra y madera, o bien, en el caso de la escritura hierática y demótica, con cálamo y tinta sobre papiros, ostraca, o soportes menos perdurables. Los griegos (700 A.C.): En esta cultura la mayoría de obras artísticas las podemos encontrar grabadas en vasos, expresaban acontecimientos de la vida cotidiana, hechos mitológicos y tenían una forma peculiar de dibujar al ser humano, ya que siempre lo representaban de perfil. Los romanos: Por su parte los romanos en la creación de los palacios creaban pinturas hechas con pequeños mosaicos de pastas vítreas y lapislázuli, con esto lograban dar efectos de claro-oscuro y luminosidad, efectos innovadores para aquella época. RENACIMIENTO Esta fue una época de cambios en todos los ámbitos de la vida, aquí renace el hombre sensitivo y racional con sed de conocer todo el mundo que lo rodea. En esta etapa podemos resaltar que el tema de las obras cambio de rumbo ya que pasaron de los ideales religiosos y medievales para centrarse en una ideología humanista. Se dejan de utilizar las vidrieras y se busca un efecto más “carnal” y no tan etéreo o celestial. Así como novedad, se empieza a utilizar el lienzo y se utilizan también de forma más continua los muros dónde el efecto de relieve y perspectiva son mucho más enérgicos y realistas. Se consiguen también así unos efectos de profundidad mucho mayores gracias al uso de los óleos sobre este tipo de soportes. Los autores más representativos del movimiento renacentista fueron: Leonardo Da Vinci, Masaccio, Mantegna, Botticelli y Miguel Ángel. ARTE BARROCO (1600-1750) Entre las características generales del Barroco podemos encontrar el sentido del movimiento, energía y tensión; la intensa espiritualidad en las escenas de éxtasis y martirio es muy característica de estas pinturas, al igual que el renacimiento los artistas supieron hacer la representación correcta del espacio y la perspectiva. Los artistas lograron expresar sus sentimientos, pasiones, deseos, temperamento y temores en los rostros de sus personajes. Los pintores representativos de este estilo son: Caravaggio, Carracci, Rubens, Rembrandt, Ribera, Velázquez y Zurbarán. ROMANTICISMO (1840-1880) Movimiento Alemán que después de extendió por otros países, las obras de este tipo se caracterizaron por ideas del sentimiento, generosidad, melancolía, la soledad y la nostalgia. Pintores como Constable, Turner, Schinkel, Overbeck, Friedrich, Runge, Géricault y Delacroix, le dieron vida al renacimiento. NATURALISMO Y REALISMO (1840-1880) El objetivo principal de estas obras era mostrar la representación de los paisajes naturales y la relación que tenían con el hombre en la vida cotidiana, de la forma más realista posible (ósea lo más claro posible) por esa cuestión muchas de estas pinturas se realizaban al aire libre para ser realizadas con perfección. Corot, Millet, Coubert, Menzel y Repin fueron los más representativos. IMPRESIONISMO (1860-1900) Con lo que concierne a este nuevo estilo, las artistas se dieron cuenta que la participación de la luz en la creación de sus pinturas era un punto esencial para la impresión que daban al ser terminadas, por ejemplo: una pintura creada en plena luz del día era diferente a una pintura creada en el atardecer (los matices de los colores eran diferentes). Los temas a tratar en sus obras son los almuerzos en el campo, paseos en la orilla del río y las estaciones del ferrocarril. Pintores como Camille Pissarro, Paul Cézanne, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Degas, Berthe Morisot y Van Gogh entre otros le dieron un lugar muy distinguido a este estilo. EXPRESIONISMO (1905-1919) Debido al trauma vivido en la 1ra guerra mundial, Max Beckman creó un nuevo estilo para pintar llamada expresionismo, está recreaba hechos de la vida real, problemas emocionales internos, externos, o los dos combinados dieron resultado a un sinfín de obras llenas de carácter, expresión, dolor, alegría y sufrimiento. José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Sequeiros fueron pintores mexicanos que representaron el expresionismo a través del muralismo. SURREALISMO “Es un estilo en donde la realidad escapa a la lógica, una realidad que sólo puede existir en el subconsciente, en los sueños, en la enredada madeja del pensamiento” Maciel C., García A. Gonzáles M. (2011). Introducción al dibujo artístico. Recuperado de https://portalacademico.cch.unam.mx/ En el surrealismo se ocupan figuras y objetos del mundo real pero aquí les dan un nuevo sentido sacado de sus propias inquietudes y llevándolo a lo irracional y abstracto, aquí lo imposible se hace posible y la ficción se hace realidad. El autor más conocido de está corriente es Salvador Dalí. MINIMALISMO Las características que definen a este estilo son: los colores puros, una geometría simple pero bien establecida y con precisión mecánica, subraya mucho la simplicidad de cada figura, pero la importancia de cada una de estas en el conjunto, se emplea en las herramientas de trabajo materiales industriales, pero de una forma neutral para no alterar la calidad visual de la obra. De los autores de este estilo podemos destacar a Reinhardt, Albers, Newman, y Rothko. POP ART Este estilo hace una mezcla de elementos de los cómics, la publicidad, algunos elementos culturales, al observar las obras podemos aclarar que el pop art hace una crítica al consumismo. Su principal exponente fue Andy Warhol. También con su nombre podemos deducir que hace una clara referencia a la cultura pop. OP ART Este estilo surgió en Europa y Estados Unidos a finales de 1950, y como su nombre en inglés lo dice (optical art) consiste en generar ilusiones ópticas al espectador, ilusiones que hagan que parezca que las pinturas se muevan y cobren vida; los exponentes de está corriente son: n Victor Vasarely, Josef Albers, Bridget, Riley y Richard Anuszkiewicz. CONCLUSIÓN PERSONAL El arte cambia dependiendo de las circunstancias que se viven en el momento, cada persona puede ocupar el arte como quiera, pues el libre se expresarse y liberarse. Como podemos observar desde tiempos muy remotos la humanidad ha tratado de comunicarse y entenderse mejor a través del dibujo y la pintura, desde aquí partimos para una exploración de las muchas posibilidades que tiene el dibujo. En la edad antigua los romanos, griegos, egipcios y mayas utilizaron el dibujo para representar a sus dioses y explicar diversos fenómenos y hechos del universo y el mundo. El renacimiento, tiempo dónde los hombres se desapegaron un poco de sus creencias y se adentraron más al intelecto y las artes, por mi parte pienso que está es la mejor etapa para las bellas artes, el máximo esplendor. Mientras los años van avanzando los artistas van descubriendo nuevas técnicas para mejorar su trabajo y expresarse mejor, el arte es una herramienta muy esencial para poder acabar con los problemas de la sociedad y mejorar el entorno. En conclusión, el arte se adapta a las necesidades del tiempo y el espacio. Referencia Bibliográfica Maciel C., García A. Gonzáles M. (2011). Introducción al dibujo artístico. Recuperado de https://portalacademico.cch.unam.mx/ Labiano M. (2009). El Dibujo La Obra de María Estela Labiano. Recuperado de https://bdigital.uncu.edu.ar/objetos_digitales/3071/morett adibujo2.pdf Office M@t (2018). MATERIALES DE ARTE QUE SE UTILIZARON EN EL RENACIMIENTO. Recuperado de https://officemat.es/materiales-arte-se-utilizaronrenacimiento/
