Andy Warhol: Biografía, Pop Art y Legado

Andy Warhol
Andrew Warhola (Pittsburgh; 6 de agosto de 1928 Nueva York; 22 de febrero de 1987), comúnmente
conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y
actor estadounidense que desempeñó un papel crucial
en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una
exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol
adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de
vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada
por una hábil relación con los medios y por su rol como
gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre
artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas,
homosexuales,
celebridades
de
Hollywood,
drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos
personajes urbanos.
Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras,
como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la
fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música.
El Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh,
Pensilvania, contiene una amplia colección permanente
de arte. Resulta ser el museo más grande de Estados
Unidos dedicado a un solo artista.
Uno de los aportes más populares de Warhol fue su
declaración: «En el futuro todo el mundo será famoso
durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera
vaticinó el actual poder de los medios de comunicación
y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.
Fue un personaje polémico durante su vida —algunos
críticos calificaban sus obras como pretenciosas o
bromas pesadas— y desde su muerte en 1987 es objeto
de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis,
libros y documentales, además de ser recreado en obras
de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary
Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica,
está considerado como uno de los artistas más
influyentes del siglo XX debido a sus revolucionarias
obras.
Andy Warhol
Andy Warhol en 1970
Información personal
Nombre de
nacimiento
Nacimiento
Andrew Warhola
6 de agosto de 1928
, Pittsburgh, (Estados Unidos)
Fallecimiento 22 de febrero de 1987 (58 años)
, Nueva York, Estados Unidos
Causa de la
muerte
Sepultura
Trastorno del ritmo cardíaco
Cementerio Bizantino católico de
St. John the Baptist
Nacionalidad Estadounidense
Partido
político
Partido Demócrata
Familia
Padres
Andrej Warhola
Julia Warhola
Educación
Índice
Educación
Carnegie Institute of Technology
(Universidad Carnegie Mellon)
Biografía
Infancia
Principios de su carrera
Años 1960
Educado en
Universidad Carnegie Mellon
Schenley High School
Alumno de
Robert Lepper
Atentado
Años 1970
Años 1980
Muerte
Información profesional
Área
Impresión, pintura, cine,
fotografía
Movimiento
Pop art
Pensamiento
Sexualidad
Creencias religiosas
Producción artística
Género
Retrato pictórico y bodegón
Obras
notables
Chelsea Girls
Exploding Plastic Inevitable
Latas de sopa Campbell
Díptico de Marilyn
Obra
Pintura
Películas
Música
Warhol y la edición
Otros medios
La Factory de Nueva York
Firma
Web
Sitio web
www.warhol.org (http://www.wa…
Legado
Museos
Andy Warhol en la ficción
Documentales
Véase también
Referencias
Bibliografía
Enlaces externos
Biografía
Infancia
Fue el tercer hijo de un matrimonio eslovaco que emigró a Estados Unidos. Sus padres eran Andrej y Julia
Warhola, originarios de Miková, una ciudad muy pequeña por aquel entonces perteneciente al Imperio
austrohúngaro y hoy al distrito de Stropkov, República Eslovaca. En 1914 Andrej Warhola emigró a Estados
Unidos para trabajar en minas de carbón, mientras que su mujer emigró siete años después con sus dos hijos
mayores.
Mientras cursaba tercero de primaria, Andy empezó a sufrir el popularmente conocido como baile de San Vito,
es decir, la corea de Sydenham. Esta enfermedad provoca una afección del sistema nervioso que causa
movimientos incontrolados de las extremidades y desórdenes en la pigmentación de la piel. Desde entonces
fue hipocondríaco y desarrolló pavor a médicos y hospitales. Pasó buena parte de su infancia postrado en una
cama y se convirtió en un proscrito entre sus compañeros de clase, desarrollando una fuerte fijación hacia su
madre.1 Mientras estaba en la cama dibujaba, oía la radio y coleccionaba imágenes de estrellas de cine que
colocaba alrededor de su cama. Más tarde, definió esta etapa como muy importante en el desarrollo posterior
de su personalidad, sus habilidades y sus gustos.
Principios de su carrera
Decidió estudiar Arte comercial en la actual Carnegie Mellon University (Pittsburgh). En 1949 se trasladó a
Nueva York para iniciar una carrera como ilustrador de revistas y publicista. Durante los años 1950 ganó cierta
reputación gracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a tinta, bastante sueltos y
emborronados que fueron expuestos en la galería Bodley de Nueva York.
Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas discográficas se
encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar. RCA contrató a
Warhol y a Sid Maurer, entre otros artistas freelance, para el departamento de diseño de portadas de discos,
cartelería y material promocional.2
Años 1960
Probablemente las experiencias que lo llevaron a acercarse a
la generación de artistas Neoyorquinos Pop, fue cuando en la
primavera de 1960 Warhol compró un pequeño dibujo en la
galería de Leo Castelli, este contenía una bombilla dibujada
por Jasper Johns. Posterior a eso se le mostró un gran lienzo
pintado por Roy Lichtenstein que reproducía un anuncio de
un complejo turístico en Catskill, esto causó una impresión en
Warhol debido a como los artistas estaban pintando publicidad
estereotípica.4
La serie de Latas de sopa Campbell, también
Su primera exposición individual fue en la galería californiana
conocida como 32 latas de sopa Campbell,3
Ferusel.5 6 Era el 9 de julio de 1962 y marcó el debut del
fue producida por Warhol en 1962 y es uno de
movimiento pop art en la costa oeste.7 Cuatro meses más
sus trabajos más conocidos.
tarde, entre el 6 y el 24 de noviembre, inauguró su primera
exposición en Nueva York. Exactamente en la galería Stable,
propiedad de Eleanor Ward. Allí incluyó el Díptico de Marilyn, Latas de sopa Campbell, 100 botellas de cola
y 100 billetes de dólar. Y fue allí donde conoció a John Giorno, con quién después coincidiría en la primera
película warholiana: Sueño (1963).
En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los
que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor.
También fundó su estudio The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebrities
underground del momento. El taller, decorado con hojas de papel de aluminio color plata, estaba inicialmente
en la calle 47. Después se mudaría a Broadway. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas
polémicas sobre el papel del artista y la finalidad del arte.
Desarrolló unas imágenes personales a partir de objetos completamente impersonales, como billetes de dólar o
nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los periódicos, los carteles y la televisión para
definir un Olimpo particular, compuesto de símbolos de la cultura estadounidense: la silla eléctrica, las
fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles o los retratos de celebridades del
momento.8 La botella de Coca-Cola se convirtió, para él, en un tema pictórico. Sobre esto declaró:
Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los
consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar
viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor
bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y
ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose
el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor
lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes.
Andy Warhol9
El MOMA organizó un simposio sobre arte pop en diciembre de 1962 y algunos artistas, entre ellos Warhol,
fueron atacados por «rendirse» al consumismo. Para las élites que dictaban la crítica de arte, el entusiasmo que
Warhol sentía por la cultura del consumismo resultaba embarazoso e inadmisible. Este simposio definió el tono
en que se iba a recibir la obra de Warhol, aunque a lo largo de los años 1960 iba a hacerse cada vez más
evidente que se habían dado profundos cambios en la cultura y el mundo del arte. También que Warhol había
jugado un papel esencial en ese cambio.
Un evento crucial fue la exhibición The American
Supermarket, una muestra celebrada en 1964 en la galería
Paul Bianchinni, en el Upper East Side de Manhattan. La
exposición estaba organizada como el típico pequeño
supermercado estadounidense, aunque los productos
exhibidos (conservas, carne o pósteres) eran obra de
prominentes artistas del pop: Mary Inman, Robert Watts o
el controvertido Billy Apple. La contribución de Andy
Warhol fue una pintura de una lata de sopa Campbell,
valorada en 1 500 dólares. Lo curioso es que la lata tan
solo costaba 6 dólares. La exposición fue uno de los
primeros actos públicos en los que se confrontó al público
con el pop art y la cuestión planteada por las vanguardias
clásicas acerca de qué podía ser arte.
Marilyn Monroe fue inmortalizada en una de las
obras más conocidas de Andy Warhol.
Como ya había hecho en su etapa de ilustrador comercial
en los años 1950, Warhol recurrió a asistentes para
aumentar la productividad de su taller artístico. Esta colaboración también planteó encarnizadas polémicas
sobre sus métodos de trabajo y su valor como arte, especialmente durante los años 1960. Uno de los
colaboradores más importantes con que contó en esta época fue Gerard Malanga, quién le ayudó en la
producción de serigrafías, películas, esculturas y otras obras producidas en The Factory. Otros colaboradores
esporádicos fueron Freddie Herko, Ondine, Ronal Travel, Mary Woronov, Billy Name y Brigid Berlin (que
fue quien, al parecer, le dio la idea de grabar sus conversaciones telefónicas).
Durante los años 1960 también reunió a una variopinta comitiva de excéntricos y bohemios, a quien él
designaba como las superstars, y que incluía a Edie Sedgwick, Viva y la célebre Ultra Violet. Todos ellos
solían actuar en las películas de Warhol y algunos, como Berlin, mantuvieron una estrecha amistad con el
artista hasta su muerte. Su relación con artistas como Frangeline, una cantante de la escena guapachosa, y
también con artistas como el escritor John Giorno o el cineasta Jack Smith (que también figuró en algunos
cortos de Warhol) revelaba su estrecha relación con distintas clases de producción artística. Hacia el final de
esa década el mismo Warhol se había convertido en una celebridad y aparecía frecuentemente en la prensa,
escoltado por alguno de sus compañeros en la Factory.
En 1965 conoció al grupo de música The Velvet Underground, liderado por Lou Reed. No tardó en convertirse
en el mánager del grupo y añadiendo a su amiga, la cantante alemana Nico. En 1967 salió al mercado el disco
de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, producido por este último. Ese mismo
año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retiró y los servicios de Warhol ya no fueron necesarios.
En 1969 comenzó a publicar su revista Interview.
Atentado
El 3 de junio de 1968, Valerie Solanas disparó a Warhol y al crítico de arte y comisario Mario Amaya en la
entrada al estudio de Warhol.10
Antes del atentado, Solanas había sido un miembro discreto del colectivo de la Factory. Redactó el
«Manifiesto SCUM» («capa de suciedad»; en inglés: scum) un alegato feminista separatista contra el
patriarcado (y que, con el paso de los años, adquirió cierta resonancia).11 Solanas también aparecía en la
película de Warhol "I, A Man" (1968). En 1967, Valerie le había dado una obra de teatro a Warhol
proponiéndole que sea su productor. Warhol aceptó y le pidió el borrador del texto. Este borrador de la obra
nunca regresó a Solanas. Se cree que Warhol nunca tuvo la intención de producir la obra ni como obra teatral
ni como película y el manuscrito se le perdió. Esto enfureció a Solanas, quien pasaba por un momento de
desequilibrio mental e inestabilidad emocional.12 Amaya sufrió sólo heridas menores, y fue dado de alta ese
mismo día. Warhol, sin embargo, recibió tres disparos (el primero ni lo rozó) pero los otros dos disparos lo
dejaron muy grave. Las secuelas de este ataque le acompañarían el resto de su vida, y no es de extrañar que
por tanto el recuerdo del atentado dejase una marca profunda en el resto de la vida y la obra de Warhol.13 14
Esa misma tarde, Valerie se entregó a la policía. Argumentó que Warhol estaba planeando robar su trabajo y
que controlaba demasiado su vida. El juez ordenó que la trasladaran al Hospital Psiquiátrico de Bellevue bajo
observación. Se declaró culpable de intento de homicidio, asalto y tenencia ilícita de armas y recibió una
sentencia de tres años. Warhol rechazó testificar en su contra. El juez la declaró inhabilitada legalmente y la
envió al Hospital Ward Island.12 Tras el tiroteo, el acceso a la Factory quedó rígidamente controlado, y en
opinión de muchos esto causó el fin de la época de «la Factory de los 60».14 El atentado, sin embargo, quedó
bastante desdibujado en los medios debido al asesinato de Robert F. Kennedy, dos días después.
A raíz del atentado sufrido, Warhol declaró que «antes de que me disparasen, siempre pensé que estaba un
poco más para allá que para acá. Siempre sospeché que estaba viendo la tele en vez de vivir la vida».15
Años 1970
Comparados con la escandalosa (y exitosa) década de los
1960, los 1970 fueron años más tranquilos para Warhol, que
se convirtió en un emprendedor. Según Bob Colacello,
Warhol pasaba la mayor parte de su tiempo rondando a
nuevas estrellas y personajes famosos para proponerles un
retrato. La lista incluía a Mick Jagger, Liza Minnelli, John
Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y Michael Jackson. El
famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong es de
esta época (1973). También fundó (en 1969), con el apoyo de
Gerard Malanga la revista Interview, y publicó «La filosofía
BMW M1 decorado por Warhol.
de Andy Warhol» (1975), en la que exponía su pensamiento
con rotundidad y sentido del humor: «Hacer dinero es arte, y
el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte».
Warhol solía frecuentar diversos clubes nocturnos de Nueva York, como el Max's Kansas City, el Serendipity 3
y, más adelante, el célebre Studio 54.16 Normalmente se comportaba como un tranquilo, tímido y meticuloso
observador. El crítico de arte Robert Hughes le llamó «el lunar blanco de Union Square».17 Su estilo
inicialmente rupturista fue progresivamente asimilado por el circuito de galerías y por los círculos adinerados, a
los que satisfacía con retratos por encargo. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual. En los
años 1970 hace retratos de sus amigos, clientes habituales de la discoteca Studio 54, entre ellos Carolina
Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. Es también en esta época cuando es contratado por varios
fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de competición de una manera que llamen la atención,
entre ellos la firma BMW. Así se creó el art car. Dichos vehículos participaban sobre todo en las famosas 24
Horas de Le Mans. Son famosas sus cápsulas del tiempo en donde guardaba (desde el año 1974) cosas
cotidianas en cajas de cartón, como expone en Philosophy of Andy Warhol, su primer libro. En 1979 exhibe,
de manera importante, en el Whitney Museum de Nueva York, su serie de retratos Portraits of the Seventies
(Retratos de los Setenta).
Años 1980
Warhol tuvo una segunda juventud para la crítica —y los negocios— durante los años 1980, gracias en parte a
su estrecha relación con algunas de las nuevas figuras del arte, que eran en realidad quienes conducían la
tendencia del mercado en aquel momento: se trataba de personajes como Jean-Michel Basquiat, Julian
Schnabel, David Salle y otras figuras del así llamado neoexpresionismo. Warhol también frecuentaba la
compañía de artistas del movimiento de transvanguardia europea, como Francesco Clemente y Enzo Cucchi.
Por entonces Warhol era acusado de haberse convertido en un «artista de los negocios».18 En 1979 recibió
algunas críticas poco favorables sobre sus exposiciones de retratos de celebridades de los años 1970, críticas
en las que su obra se tachaba de superficial, fácil y comercial, carente de profundidad de la significación del
tema. Esta actitud crítica, debida en parte a las propias tendencias del mercado, hizo que su siguiente
exposición sobre «Genios Judíos»18 (1980), expuesta en Nueva York, también fuese recibida con frialdad.19
Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que algunos críticos hayan creído ver en la
"superficialidad" y "comercialidad" de Warhol «uno de los reflejos más brillantes de nuestra época»,
señalando que «Warhol ha capturado algo esencial sobre el zeitgeist de la cultura americana de los años
setenta».18 Warhol siempre apreció el glamour de Hollywood. En una ocasión declaró:
«Amo Los Ángeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero amo el plástico.
Quiero ser plástico».20
En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Botticelli y Uccello. En
1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la portada del disco Made In Spain, también
utilizada para el disco Milano-Madrid de este mismo artista. Existen rumores sobre el pago de una fortuna por
la colaboración de Warhol para este disco; hasta entonces apenas conocía al cantante. Luego le mencionaría en
algún libro como «hijo de un torero español». Warhol también apareció en su videoclip Ángeles Caídos. Ese
año visita Madrid, donde es recibido con entusiasmo por Almodóvar, Fabio McNamara y otras personalidades
de la cultura y la vida social madrileña. A pesar de todo, la exposición que presentó en la ciudad se saldó con
poquísimas ventas.
En esa época, Warhol produce abundantes retratos de celebridades y magnates, no solo amistades o gente de
su círculo, sino también diseñadores, empresarios y demás gente adinerada, que por grandes sumas posan para
Warhol. Entre ellos, el modisto Valentino. Según él mismo contó, en una ocasión viajó a Europa para tomar
polaroids de empresarios alemanes, y basándose en tales fotografías elaboraba los retratos.
En 1985, el 12 de enero, Warhol participó junto a Joseph Beuys y el artista japonés Kaii Higashiyama en el
proyecto „Global-Art-Fusion“. Iniciado por el artista conceptual Ueli Fuchser, este era un proyecto especial de
„FAX-ART“, en el cual un fax con diferentes dibujos de los tres artistas participantes fue mandado por todo el
mundo dentro de solamente 32 minutos – de Dusseldorf via Nueva York hacia Tokio, finalmente recibido por
Wiener Stadtpalais Liechtenstein. Este fax debería ser un signo de la paz durante la Guerra Fría.21
En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung.
Muerte
Warhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987. Según los noticiarios, se
estaba recuperando sin dificultades de una operación de vesícula en el New York Hospital cuando falleció
dormido debido a una repentina arritmia post-operatoria. También se ha señalado cierto exceso de líquidos por
intoxicación de agua.22 Antes de su diagnóstico y la operación consiguiente, Warhol había intentado retrasar
los reconocimientos, debido sobre todo a su miedo a los hospitales y los médicos.
El cuerpo de Warhol fue devuelto por sus hermanos a Pittsburgh para el
funeral. El velatorio tuvo lugar en el Thomas P. Kunsak Funeral Home y
fue una ceremonia corpore insepulto. El ataúd era una pieza de bronce
macizo, con adornos dorados y soportes blancos. Warhol llevaba puesto
un traje negro de cachemira, una corbata de estampado también de
cachemira, una peluca plateada y sus características gafas de sol. Tenía
en las manos un pequeño breviario y una rosa roja. El funeral se celebró
en la iglesia católica bizantina del Espíritu Santo, en el North Side de
Pittsburgh. Monseñor Peter Tray pronunció su encomio. Yōko Ono
también se presentó. El féretro quedó cubierto por rosas blancas y brotes
La tumba de Warhol, junto a la de
de esparraguera. Tras la liturgia, el ataúd fue llevado al cementerio
sus padres, se encuentra en el
cementerio católico bizantino de
católico bizantino de San Juan Bautista, en Bethel Park (un barrio
San Juan Bautista en Pensilvania
apartado al sur de Pittsburgh). Allí el sacerdote pronunció una breve
(Estados Unidos).
oración y asperjó con agua bendita el ataúd. Antes de proceder al
descenso del mismo, Paige Powell dejó caer un ejemplar de "Interview",
una camiseta de la misma revista y una botella del perfume Beautiful, de
Estée Lauder. Warhol fue enterrado junto a su madre y su padre, y unas semanas más tarde23 se repitió un
oficio conmemorativo para Warhol en Manhattan.
El testamento de Warhol legaba toda su propiedad —con excepción de algunos modestos detalles— a
miembros de su familia, con el fin de crear una fundación dedicada al «avance de las artes visuales». Warhol
tenía tantas posesiones que Sotheby's necesitó nueve días para subastar sus bienes tras su muerte, y la suma
total excedía los 20 millones de dólares. Su riqueza total era aún mayor, debido principalmente a astutas
inversiones realizadas a lo largo de toda su vida.
En 1987, de acuerdo con la última voluntad de Warhol, se constituyó la Andy Warhol Foundation for the
Visual Arts. La fundación no solo sirve como representante legal de Andy Warhol, sino que defiende su
misión de «espolear la innovación en la expresión artística y el proceso creativo», y se declara «centrada,
principalmente, en apoyar el trabajo de un valor experimental o rompedor».24
Pensamiento
Sexualidad
Se ha opinado mucho sobre la asexualidad de Warhol, pero algunas especulaciones se han visto más o menos
rebatidas por sus biógrafos (como Victor Bockris), por socios de la Factory como Bob Colacello,25 así como
por algunos estudiosos del arte como Richard Meyer.26 La cuestión de la posible influencia de la sexualidad
de Warhol sobre su obra, y cómo modeló su relación con otras personas se ha convertido en un tema esencial
para los estudios de su obra, en tanto que es un tema al que el propio Warhol se refirió en entrevistas y
conversaciones con sus contemporáneos, así como en varias de sus publicaciones (por ej."Popism: The
Warhol Sixties). A lo largo de su carrera Warhol realizó numerosas fotografías de desnudos masculinos. La
mayoría de sus obras más conocidas —los retratos de Liza Minnelli, Judy Garland y Elizabeth Taylor—, y
películas como "Blow job", "My Hustler" y "Lonesome Cowboys" tenían su origen en la subcultura gay y el
underground, y se trataba de exploraciones más o menos sistemáticas de la complejidad de la sexualidad y el
deseo. La mayoría de sus películas fueron estrenadas en cines X para homosexuales. Por ello no es de extrañar
que algunas de las dificultades iniciales de Warhol para lanzar su carrera tuvieran que ver con el carácter
sexual de su obra —así, los dibujos homoeróticos que presentó a una galería para su primera exposición—,
generalmente considerado «demasiado abiertamente gay».27 En "Popism", el artista menciona una
conversación con el cineasta Emile de Antonio sobre las dificultades que Warhol había tenido para ser
admitido en sociedad por artistas como Jasper Johns o Robert Rauschenberg, que ocultaban al público su
orientación homosexual. De Antonio sostuvo que Warhol tenía «demasiada pluma, y eso les molestaba».
Warhol se defendía diciendo que «no había nada que pudiese decir al respecto. Era totalmente cierto. Así que
decidí que no me iba a preocupar, porque esas eran precisamente las cosas que no quería cambiar de ningún
modo, y no pensaba que debiese cambiarlas. Otras personas podían cambiar su actitud, pero yo no».28 29
Revisando la biografía de Warhol, muchos se refieren al periodo comprendido entre los últimos años 1950 y
los primeros 1960 como un momento clave en el desarrollo de su carácter. Algunos han sugerido que su
habitual negativa a comentar su obra, a hablar sobre sí mismo —limitándose, en las entrevistas, a responder
cosas del tipo «Um, no» y «Um, sí», o dejando que otros contestasen por él—, o incluso la evolución de su
estilo pop pueden haberse originado en los años en los que Warhol fue «rechazado» por los elitistas círculos
del arte de Nueva York.30
Creencias religiosas
Warhol era un creyente practicante del rito bizantino de la Iglesia católica bizantina rutena. Fue voluntario en
algunos albergues para vagabundos de Nueva York, particularmente durante las épocas más complicadas del
año, y se describía a sí mismo como una persona religiosa.31 Varias de las obras tardías de Warhol representan
temas religiosos, especialmente dos series tituladas «Detalles de pinturas renacentistas» (1984) y «La última
cena» (1986). Tras su muerte, se localizaron dibujos de índole religiosa en su apartamento.31 A lo largo de su
vida, Warhol asistió frecuentemente a la misa, y el párroco de la iglesia a la que asistía Warhol —el templo de
San Vicente Ferrer de Nueva York— afirmó que el artista iba casi diariamente.31 La madre de Warhol
también era católica, ella y Warhol rezaban juntos en casa y en la iglesia. Tras la muerte de su madre, Andy
continuó yendo a misa. Se ha comentado que su estilo está fuertemente influido por la tradición de la
iconografía oriental cristiana, que ocupa un lugar preeminente en los lugares de culto. Su hermano, por otra
parte, dijo de él que era «profundamente religioso, pero no quería que la gente lo supiera porque (lo
consideraba) privado». A pesar de la naturaleza privada de sus creencias, la elegía de John Richardson le
retrata como una persona de gran devoción: «Tengo la certeza de que él fue responsable de al menos una
conversión. Estuvo bastante orgulloso de financiar los estudios de teología de su sobrino».31
Producción artística
Warhol siempre se apoyó en sus asistentes para sus pinturas, y lo mismo puede decirse de sus producciones
cinematográficas. Fundó la revista de sociedad Interview, que se convirtió en una buena lanzadera para artistas
a las que patrocinaba y en un buen negocio para sus amigos colaboradores. Del mismo modo, su obra literaria
es resultado de su colaboración con Pat Haccket. Apadrinó al explosivo Jean-Michel Basquiat cuando este
apenas era conocido, y convirtió a The Velvet Underground en una banda conocida internacionalmente. Fue
en realidad un inquieto y activo «productor de personajes artísticos», como sus conocidas «superestrellas» —
de dispar suerte— y un infalible detector de talento. Del mismo modo, Warhol alentaba el consumo de ciertos
productos, aparecía en publicidad y era un invitado frecuente a programas televisivos que iban desde Love
Boat al Saturday Night Live, o la película de Richard Pryor "Dynamite Chicken". En este sentido, Warhol era
un firme defensor del «negocio del arte» y el «arte del negocio». De hecho, escribió largamente sobre este
tema, tal como se puede comprobar en «La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A».
Obra
Pintura
Se puede decir que hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Sus
elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millar eran particularmente populares. Estos dibujos
a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con impresiones monoprint (similares a una monotipia) que
aplicó extensivamente en su primera etapa como artista. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el
comercial no era infrecuente, sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas llevaban con
discreción su condición de profesionales de la publicidad. De hecho, la fama de Warhol como ilustrador
supuso en un primer momento un obstáculo para su consideración como artista.32 Por entonces trató de
exponer alguno de los dibujos realizados con estas técnicas en galerías de arte, pero sus intentos no tuvieron
éxito. De esta época parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de
entonces, criticaría su separación y trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico.
El pop art ya era una corriente en estado germinal que algunos artistas exploraban de modo aislado; algunos de
estos pioneros, como Roy Lichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a ser conocido como «el Papa del
Pop») se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol comenzó a involucrarse en este movimiento
artístico realizando imágenes tomadas de dibujos animados y anuncios televisivos que pintaba con cuidadosas
salpicaduras de pintura. Estas salpicaduras emulaban el aspecto del expresionismo abstracto estadounidense,
entonces muy en boga. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la
representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió también
cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas.33 Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el
valor de cosa mentale, tal y como Leonardo la había definido ya en el Renacimiento.
Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir
un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían
sido utilizados por Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns; y Warhol también quería
definir su propia estética distintiva. Sus amigos le aconsejaron pintar las cosas que más amase: En su peculiar
manera de tomar las cosas literalmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosas latas de
sopa Campbell, que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida. La obra fue
vendida por $10 000 dólares en una subasta celebrada el 17 de noviembre de 1971 en la sede de Sotheby's en
Nueva York, un precio irrisorio si lo comparamos con los 6 millones de dólares obtenidos más recientemente
por la misma obra.34
Pero Warhol también amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primeros pasos en el mundo
artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal, que consistía precisamente en evitar la huella
personal del artista en beneficio de unos temas que aunque eran considerados «anti-artísticos» constituían la
esencia de la cultura de la sociedad del bienestar estadounidense. Warhol utilizó frecuentemente la serigrafía, y
cuando se veía obligado lo hacía calcando de una diapositiva. Según se afianzaba su carrera como pintor,
Warhol contrató a varios asistentes que le ayudaban a procesar sus imágenes, siguiendo sus indicaciones para
realizar variaciones y versiones sobre el mismo tema.
En 1979, Warhol recibió de BMW el encargo de pintar un coche de carreras de competición BMW M1 para la
cuarta exposición del proyecto «BMW Art Car». A diferencia de los tres artistas que le habían precedido,
Warhol declinó utilizar inicialmente un modelo a escala, y se puso a pintar directamente sobre el vehículo. Se
dice que Warhol tardó un total de 23 minutos en pintar el coche entero.35
La obra de Warhol adquirió un tono más serio tras el atentado sufrido en 1968. Una tendencia cómica coexistía
con una más solemne, y por ello en su obra se pueden encontrar viñetas de cómic o sillas eléctricas,
indistintamente. Por otra parte, Warhol utilizó las mismas técnicas —serigrafía, offset, pintura en tonos planos
con colores brillantes— para representar a sus queridas celebridades, objetos cotidianos, accidentes de coche,
imágenes de suicidios o desastres, como prueba la serie «Death and Disaster» realizada entre 1962 y 1963.
Las pinturas de esta serie —como «Accidente de coche en rojo», «Hombre púrpura saltando» o «Desastre
naranja»— transforman tragedias personales en espectáculos públicos, y anuncian el uso de imágenes de
catástrofe que se volvería inherente a la cultura de los medios de masas.
El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la construcción de un
personaje aparentemente imperturbable, como un Buster Keaton del arte.36 Estos rasgos eran subrayados por
la propia personalidad de Warhol, que prefería hacerse pasar por tonto ante los medios y rechazaba dar
explicaciones sobre su trabajo. Warhol declaró en cierta ocasión que «todo lo que necesitas saber sobre el
cuadro está ahí, en la superficie».
Algunos de sus dibujos a tinta, que podían recordar imágenes del test de Rorschach pretendían ser comentarios
desde el punto de vista del pop sobre lo que el arte podría ser. Otras pinturas, como el «papel de pared de
vaca» (un papel de pared con estampado de vacas) o sus «pinturas de oxidación» (a partir de lienzos
preparados con cobre oxidado con orina) también pueden entenderse en este sentido. Es igualmente
remarcable la manera en que esta obra —y los medios con que se producía— encajaban en el ambiente de la
Factory de Nueva York. El biógrafo Bob Colacello aporta un testimonio sobre las «pinturas de orines» de
Andy:
Victor... era el espíritu meón de Andy para las Oxidaciones. Venía a la Factory para orinar en
lienzos que habían sido preparados con una imprimación basada en cobre por Andy o por Ronnie
Cutrone (quien era el segundo espíritu meón, muy apreciado por Andy, quien decía que la
vitamina B que Ronnie tomaba proporcionaba un tono más bonito cuando el ácido úrico corroía
el cobre). ¿Utilizó Andy su propia orina? Mi diario dice que cuando empezó esa serie, en
diciembre de 1977, lo hizo, y hubo más de una persona en ello: chicos que venían a comer y que
habían bebido algún vino más de la cuenta, quedaban muy divertidos o intimidados cuando se les
pedía que ayudasen a Andy «a pintar». Andy siempre parecía entusiasmado durante el trayecto
hacia el estudio...37
El ciclo inacabado de «La última cena», que habría aportado un carácter religioso completamente nuevo a su
obra, es posiblemente la mayor de sus series, y en palabras de algunos críticos también, «la mejor».38 Es
igualmente la mayor serie de tema religioso realizada por un artista estadounidense.38
Películas
Warhol recurrió a una gran variedad de medios de expresión artística:
pintura, dibujo, fotografía, grabado, escultura y cine, y fue un cineasta
experimental bastante prolífico, si consideramos que entre 1963 y
1968 produjo más de sesenta películas. En una de las más conocidas,
"Sleep", John Giorno dormía durante seis horas. El mediometraje
"Blowjob" ('35) muestra un plano de DeVeren Bookwalter
(supuestamente felado por el cineasta Williard Maas). En "Empire",
una película de ocho horas de duración, la cámara muestra una vista
del Empire State Building al amanecer. Warhol ignoraba las
convenciones usuales sobre la duración de una película, como
Andy Warhol conversando con el
podemos juzgar en "Eat", una película de 45 minutos de duración en
dramaturgo Tennessee Williams en
la que aparece un hombre comiéndose una seta. En 1962, Warhol
1967.
asistió al estreno de una composición estática de LaMonte Young,
titulada "Trio for Strings", a partir de la cual creó una serie de
películas estáticas como "Kiss", "Eat" o la misma "Sleep" (para la que contrató a Young como compositor).
Uwe Hussein dice que el cineasta Jonas Mekas —que acompañó a Warhol en el estreno del "Trio"— afirmó
que el espectáculo fue una influencia esencial para esas películas de Warhol.39
En 1964 Warhol dirigió y produjo "Batman Dracula", una película que no contaba con la aprobación de DC
Comics, propietaria legal del personaje. Esta película fue proyectada únicamente en exposiciones. Warhol se
confesó un gran admirador de la serie y afirmó que pretendía realizar un homenaje personal al superhéroe.
Actualmente se la considera la primera representación de Batman en la estética camp. La película se había
considerado perdida hasta 2006, con la proyección del documental "Jack Smith and the Destruction of
Atlantis" en el que aparecían fragmentos de la pieza original.
En 1965, Warhol produjo "Vinyl", una adaptación de la célebre distopía de Burgess, "A Clockwork Orange".
Otras grabaciones eran improvisadas, y registran encuentros entre los habituales de la Factory, como Viva,
Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El legendario artista
underground Jack Smith aparece en la película "Camp".
Su producción cinematográfica de más éxito —tanto de público como de crítica— fue "Chelsea Girls" (1966),
una película muy innovadora que se exhibía con dos proyectores de 16mm funcionando simultáneamente.
Cada película tenía su propia historia, y ofrecían una lectura simultánea de acontecimientos aparentemente
inconexos. Eventualmente, desde la cabina de proyección se regulaba el sonido para darle a una de las
proyecciones cierta preponderancia sobre la otra. Esta multiplicación de imágenes evocaba los trabajos de
serigrafía de Warhol de principios de esa década, en los que se superponían diversas «capas de información».
La influencia de esta división de pantalla, con el valor multi-narrativo que implicaba, tuvo una gran resonancia
posterior.40
Otras de sus películas más importantes son "Bike Boy", "My Hustler", y "Lonesome Cowboys", un pseudowestern de bajo presupuesto en el que Warhol se interpretaba a sí mismo. Estas películas han trascendido más
como documentales de la subcultura gay del momento y aún hoy ocupan un lugar ilustre en los estudios de
arte y sexualidad.41 42 La última producción de Warhol como director fue "Blue Movie", en la que Viva, una
súper-estrella de la Factory, sale haciendo el amor y tonteando con un hombre durante 33 minutos. La
polémica desatada alrededor de esta película —debida a ese franco planteamiento de un encuentro sexual—
hizo que la propia intérprete se negase durante años a su proyección pública. "Blue Movie" fue proyectada en
Nueva York por primera vez en 2005, tras más de treinta años de espera.
Después del atentado sufrido en 1968, Warhol se volvió más reticente a la producción de películas. Su
colaborador y ayudante de dirección, Paul Morrissey, llevó las producciones del colectivo de la Factory a un
terreno más convencional y narrativo, con producciones de serie-B y películas de tono contestatario como
"Flesh", "Trash", y "Heat" (1972). Todas estas películas, incluyendo las versiones de Drácula y Frankenstein,
iban dirigidas a un público convencional adulto, más que a los sofisticados espectadores que habían apreciado
las obras de Warhol. En estas últimas películas actuó Joe Dallesandro, a quien algunos han querido catalogar
como una «estrella de Morrisey», y no una auténtica «estrella de Warhol».
Música
A mediados de los sesenta, Warhol «adoptó» a una banda llamada The Velvet Underground, y les convirtió en
un elemento crucial de la exposición de arte multimedia que organizaba, la Exploding Plastic Inevitable.
Warhol convirtió a Paul Morrissey en el agente de la banda, y les presentó a Nico, quien se convertiría en
miembro de la banda a petición de Warhol. En 1966 produjo su primer disco, titulado "The Velvet
Underground and Nico", y realizó la decoración del disco. En realidad, la producción de Warhol se limitó a
pagar por el estudio de grabación. Tras la publicación de este álbum, Warhol y el líder de la banda, Lou Reed,
empezaron a disentir sobre la dirección que la banda debería tomar. Esta tensión pudo haber causado el final
de su buena relación artística.
Warhol había diseñado numerosas portadas de discos desde su primera portada, una fotografía para el primer
disco de John Wallowitch (titulado "This Is John Wallowitch", 1964). También diseñó las portadas del "Sticky
Fingers" de los Rolling Stones en 1971, y del "Love You Live" (1977). En 1975 le encargaron hacer varios
retratos de la cara visible de la banda, el músico Mick Jagger. Para John Cale diseñó la portada de "Honi Soit"
(1981) y para Diana Ross las ilustraciones que aparecían en la cubierta de "Silk Electric". El póstumo
"Menlove Ave." (1986) de Lennon también fue diseñado por Warhol.
Andy tenía buena relaciones en el mundo de la música, como Deborah Harry, Grace Jones, Diana Ross y
John Lennon. El videoclip, formato que surgiría en los años 1970, también entraba en sus inquietudes
creativas. La productora de vídeo de Warhol produjo, entre otros, el clip del sencillo "Misfit", para los
Curiosity Killed The Cat, y el clip del sencillo "Hello Again" de The Cars (en el que figuraba como barman).
La relación de Warhol con la música no fue de índole estrictamente profesional. Su influencia sobre la llamada
New Wave —como la banda Devo— y sobre la formación de artistas jóvenes, como David Bowie es
sobradamente conocida. Bowie incluía una canción llamada Andy Warhol en su Hunky Dory (1971), y Lou
Reed compuso una canción llamada "Andy Chest", que trataba sobre el atentado sufrido en 1968 a manos de
Valerie Solanas. Esta canción fue grabada entonces con The Velvet Underground, pero la versión no fue
publicada hasta que salió el álbum VU en 1985. En 1972 grabó una versión diferente para su disco
Transformer, producida por Bowie y Mick Ronson.
Warhol y la edición
Desde comienzos de la década de 1950, Warhol realizó regularmente los portafolios que utilizaba para mostrar
su trabajo. El primero de estos libros publicados por el mismo autor fue «25 Cats Name Sam and One Blue
Pussy», impreso en 1954 por Seymour Berlin en papel Arches con marca de agua, y estaba ilustrado con
litografías realizadas en el mismo estilo emborronado con el que se identificaba su trabajo de ilustrador. La
edición original estaba limitada a 190 ejemplares, coloreadas a mano con tinta acualerable Dr. Martin's. Warhol
regaló la mayoría de estos libros a clientes y amigos. La copia número 4, con la palabra "Jerry" manuscrita en
la cubierta, fue un regalo de Warhol para Geraldine Stutz, y se utilizó en 1987 como modelo de una edición
facsímil.43 El original fue subastado en mayo de 2006 por Doyle New York, y alcanzó un valor de 35.000
dólares. Otros de los libros autoeditados por Warhol fueron A Gold Book, Wild Raspberries y Holy Cats.
Tras convertirse él mismo en una celebridad, Warhol escribió varios libros que fueron publicados con fines
comerciales.
A, a Novel (1968, ISBN 0-8021-3553-6) es una transcripción literal —aderezada con faltas de
ortografía y murmullos ininteligibles interpretados fonéticamente— de varias grabaciones de
sonido realizadas por Ondine y varios de los asiduos visitantes de la Factory, y contiene sus
charlas, sus saludos y sus despedidas.
The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Back Again) —traducido al español como
«La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A»— (1975, ISBN 0-15-671720-4)
es un extracto de las conversaciones telefónicas diarias (algunas mientras Warhol estaba de
viaje) entre el artista y Pat Hackett. La investigadora explica en la introducción de The Andy
Warhol Diaries que las cintas que Warhol le daba para que grabase sus charlas contenían
fragmentos de conversaciones previamente grabadas entre el artista, Brigid Berlin y el antiguo
editor de la revista Magazine, Bob Colacello.
Popism: The Warhol Sixties, (1980, ISBN 0-15-672960-1) es una revisión retrospectiva de los
años sesenta y el auge del pop art, y sus coautores son Andy Warhol y Pat Hackett.
The Andy Warhol Diaries (https://www.epublibre.org/libro/detalle/7448) (1989, ISBN 0-44639138-7), editado por Pat Hackett, es una especie de «diario» dictado por Warhol a Hackett a
lo largo de conversaciones telefónicas diarias. Warhol le había dado inicio para revisar el
progreso de sus gastos tras revisiones fiscales, pero pronto evolucionó hasta incluir
observaciones personales y comentarios artísticos.
Warhol fue además el creador de Interview, una revista de moda que aún se publica. El título garabateado en la
portada puede ser obra de la propia mano de Warhol o de su madre, Julia Warhola, quien solía hacer ese tipo
de colaboraciones escritas para sus primeras piezas comerciales. Fue enterrado con un ejemplar de su
publicación.
Otros medios
Como se ha señalado, aunque Warhol es más conocido como pintor y realizador, fue un autor prolífico que se
expresaba en medios muy diversos.
El dibujo era una parte esencial de la pintura de Warhol. Formado como ilustrador, Warhol
acuñó un característico estilo «emborronado» con el que realizó sus celebrados anuncios de
zapatos. Algunos de sus dibujos fueron publicados por el propio autor en forma de folletos (así,
Yum, yum, yum, sobre la comida; Ho, Ho, Ho, de tema navideño; y Shoes, Shoes, Shoes, de
uno de sus temas favoritos). Su libro de dibujos más aclamados es quizás A Gold Book, que
reúne numerosas y delicadas ilustraciones de jóvenes. El título de esta obra se debe a una
hoja dorada que decora sus páginas.44
La escultura más conocida de Warhol es quizás la caja de Brillo, una réplica serigrafiada sobre
madera de las cajas de un detergente bastante conocido. Las Cajas de Brillo formaban parte
de una serie de esculturas que representan objetos típicos de tienda de barrio, como el
kétchup Heinz o las Latas de Sopa Campbell.45 Otras obras que Warhol realizó en este medio
fueron la Silver Clouds, unos globos plateados de mylar con forma almohadillada. Una de
estas "nubes plateadas" fue parte de la exposición itinerante Air Art organizada por Willoughby
Sharp entre 1968 y 1969. "Clouds" fue también el título de una parte del RainForest, un
espectáculo de danza contemporánea coreografiado por Merce Cunningham en 1968.46
Música y edición de sonido: A partir de determinado momento, Warhol decidió no separarse de
una grabadora portátil que llevaba a donde quiera que fuese, y con la que registraba cualquier
cosa que dijese alguien cerca de él. Llamaba al aparato como «mi esposa», y utilizó parte del
material grabado como soporte literario de algunos de sus libros. Otra importante obra sonora
de Warhol fue su Invisible Sculpture, una instalación en la que las alarmas anti-rrobo dejaban
de sonar al entrar. Por otra parte, la colaboración de Warhol con The Velvet Underground fue
una vertiente muy destacada de su expreso deseo de convertirse en productor de música.
La Time Capsule, creada en 1973, es una pieza con la que Warhol quería rescatar objetos de
su entorno cotidiano —cartas, periódicos, souvenirs, objetos de infancia, incluso billetes de
avión y restos de comida— que reunía y sellaba dentro de cajas de cartón que él llamaba
cápsulas del tiempo. Para la fecha de su muerte, existían cerca de 600 de estas cajas, todas
adecuadamente fechadas y clasificadas. Las «cápsulas» están ahora reunidas en la colección
del Andy Warhol Museum.47
Warhol siempre manifestó su entusiasmo por un programa televisivo que quería llamar The
Nothing Special, un programa especial sobre su tema favorito: nada. Al final de su carrera creó
dos programas televisivos, la Andy Warhol's TV (1982) y Andy Warhol's Fifteen Minutes
(1986), basado en su célebre frase sobre los «quince minutos de fama» que todo el mundo
deberíamos tener. Además de las apariciones en sus propios programas, Warhol frecuentaba
otras emisiones, como The Love Boat, en el que una mujer casada de nombre Marion Ross
temía que Warhol revelase a su entonces marido, Tom Bosley —quien actuaba con Ross en el
sitcom Happy Days— su dudoso pasado como Marina del Rey, una de las muchas
«superestrellas» de Warhol. Warhol también realizó un anuncio de televisión para la cadena
de restaurantes Schrafft's, de Nueva York. El anuncio promocionaba un postre helado
apropiadamente llamado «Underground Sundae».48
Una frase supuestamente atribuida a Warhol dice que «preferiría comprarme un vestido y
colgarlo de la pared antes que poner un cuadro, ¿tú no?». Indudablemente, la moda era uno
de los mayores intereses de Warhol, quien fundó Interview como un apasionado experto en la
materia. Una de sus más conocidas superestrellas, Edie Sedgwick, manifestó siempre su
intención de convertirse en diseñadora de moda, y su buen amigo Halston lo fue, y de enorme
éxito. La aportación personal de Warhol a la moda pasaba por impresiones serigrafiadas sobre
la tela, una breve incursión como modelo de pasarela, libros sobre moda y por supuesto los
célebres zapatos que tanto le gustaba pintar.
Performance: Warhol escenificó con sus conocidos diversos montajes teatrales, multimedia y
happenings en fiestas y lugares públicos, en los que combinaba música, proyecciones de
diapositivas y en alguna ocasión incluso espectáculos de BDSM con su amigo Gerard
Malanga ataviado de vinilo y blandiendo un látigo. El Exploding Plastic Inevitable de 1966 fue
la culminación de su trabajo en esta área.49
Teatro: «Pork», de Andy Warhol, se estrenó el 5 de mayo de 1971 en el teatro LaMama de
Nueva York, y permaneció dos semanas en el escenario. Posteriormente fue llevada al
Roundhouse de Londres para una gira más prolongada durante 1971. «Pork» se basaba en la
grabación de conversaciones sostenidas entre Brigid Berlin y Andy, y que trataban sobre las
cintas que Brigid había grabado durante charlas con su madre. La obra estaba presentaba a
Jayne County como el personaje de Vulva, y Cherry Vanilla como Amanda Pork.
Para producir sus litografías, Warhol solía utilizar fotografías que eran sacadas indistintamente
por él o por alguno de sus asistentes. Estas imágenes solían tomarse con un tipo de cámara
Polaroid que la marca decidió mantener en producción únicamente para satisfacer a su
insigne cliente. Su aproximación fotográfica a la pintura, y su personal visión de la fotografía
instantánea tuvieron una fuerte influencia en la fotografía artística posterior. Warhol era un
notable fotógrafo y disfrutaba retratando a sus numerosos invitados en la Factory.
Una de las contribuciones menos conocidas de Warhol al mundo artístico es su producción
como artista digital. Warhol utilizaba los ordenadores Amiga para generar imágenes con el
apoyo de Amiga, Inc. También mostró la diferencia entre slow fill y fast fill en un programa en
directo en la televisión, con Debby Harry como modelo.
La Factory de Nueva York
El célebre estudio de Warhol cambió en numerosas ocasiones de dirección. La siguiente lista refiere sus
sucesivas localizaciones, siempre dentro de la ciudad de Nueva York, así como la dirección de algunos de sus
domicilios conocidos.
Factory: 1342 Lexington Avenue, la Factory original.
1963-1967: The Factory en el 231 East de la 47th Street. El edificio actualmente no existe.
1967-1973: Factory, en el 33 de Union Square.
1973-1984: Factory, en el 860 de Broadway (cerca del 33 de Union Square; el edificio ha sido
completamente remodelado, entre 2000 y 2001 fue la sede de la asesoría Scient, dedicada al
comercio virtual).
1984-1987: Factory, en el 22 East 33rd Street. El edificio actualmente no existe.
Casa: 1342 Lexington Avenue.
Casa: 57 East 66th Street (la última casa de Warhol).
El último estudio en que Warhol trabajó estaba en el 158 de la Madison Avenue de Nueva York.
Legado
La Artists Rights Society (el equivalente a la SGAE española) es la representante legal de los derechos de
propiedad de las obras de la Fundación, con la excepción de algunos fotogramas de películas de Warhol.50 El
representante legal de dichos fotogramas es el Museo Warhol de Pittsburgh.51 Por otra parte, la fundación
tiene acuerdos en lo relativo a sus imágenes de archivo. Todas las imágenes digitalizadas de obra de Warhol
son propiedad de Corbis, mientras que las imágenes en diapositiva son gestionadas por Art Resource.52 La
fundación Andy Warhol publicó su informe anual especial del 20 aniversario en 2007, está dividido en tres
tomos, a saber: Vol. I, 1987-2007; Vol. II, Asistencias y exposiciones; y Vol. III, Programa de Legado.53 La
fundación sigue siendo el mayor donante de becas para las artes visuales en los Estados Unidos.54 Dos años
tras la muerte de Warhol, "Songs for Drella", una obra conceptual encargada
por la Academia de Música de Brooklyn y The Arts at St. Ann's, de Nueva
York, fue interpretada por Lou Reed y John Cale, un epígono de The Velvet
Underground. La actuación fue grabada por el director Ed Lachman el 6 de
diciembre de 1989, y editada en formato VHS y laserdisc. En 1990 fue
publicada en forma de CD en un envoltorio negro de textura aterciopelada
por Sire Records. «Drella» era un apodo acuñado por la estrella Ondine para
Warhol, un cruce entre Drácula y Cenicienta muy popular entre los allegados
al artista.55 "Songs for Drella" presenta una especie de descripción literaria
de la vida de Warhol, y se centra en sus relaciones personales. Las canciones
se agrupan en tres categorías: Una interpretación semi-fantástica desde la
perspectiva de Warhol, crónicas en tercera persona de su vida y sus asuntos,
y otra perspectiva más emocional guiada por comentarios sobre Warhol de
Reed y Cale. En este disco, Reed se disculpa ante el difunto Warhol y pone
las bases para una reconciliación a su conflicto personal.56 Reed y Cale
habían estado interpretando las canciones en directo desde 1989 como un
ciclo de canciones antes de entrar en un estudio. Hacia el final de la
The Andy Monument (2012),
grabación, Cale prometió no volver a trabajar jamás con Reed, debido a
obra de Rob Pruitt, se yergue
diferencias personales, sin embargo el disco sería la causa de la revitalización
57
afuera de la tercera ubicación
del grupo The Velvet Underground.
Aunque el álbum fue ideado como
de The Factory, en la calle
una unidad indivisible, se lanzó un sencillo titulado "Nobody But You". En el
Broadway, Nueva York.
20 aniversario de su muerte el hotel Gershwin de Nueva York celebró un
ciclo de actos homenajeando el arte de Warhol —y sus «superestrellas»—.
Hubo una ceremonia de premios, un pase de moda y Blondie actuó en el acto
de clausura. Al mismo tiempo, la galería Carrozzini von Buhler de Nueva York organizó Andy Warhol: In His
Wake, una exposición que incluía obras de algunas de las «superestrellas» —Ultra Violet, Billy Name, Taylor
Mead e Ivy Nicholson—, así como una joven generación de epígonos de Warhol. Una escultura interactiva de
Cynthia von Buhler titulada The Great Warhola presentaba a Warhol como una máquina tragaperras que
adivinaba el futuro. La galería se modificó para parecerse a la plateada Factory. Una película titulada Factory
Girl, interpretada por Sienna Miller y Hayden Christensen y que versaba sobre la vida de Edie Sedgwick, fue
lanzada una semana antes de la muerte de Warhol. En 2007, el Financial Times definió a la pintora británica
Stella Vine como «una descendiente de Warhol».58 Arifa Akbar, de The Independent señaló que la
perspectiva de Vine sobre la cultura de la celebridad podía adscribirse a la tradición warholiana.59 Vine ha
declarado sentir una fuerte relación hacia Warhol, indicando60 que es «el mismo tipo de persona que él» (sic).
Museos
Existen dos museos dedicados especialmente a Warhol. El Andy Warhol Museum, uno de los Museos
Carnegie de Pittsburgh está localizado en el 117 de Sandusky Street, en Pittsburgh, Pensilvania. Con sus más
de 12 000 piezas de Warhol, es el mayor museo dedicado a un solo artista en todos los Estados Unidos. El
segundo museo dedicado a la memoria de Warhol es el Andy Warhol Museum of Modern Art, fundado en
1991 por su hermano John Warhola, el Ministerio de cultura del gobierno eslovaco y la Warhol Fundation de
Nueva York. El museo se encuentra en la pequeña ciudad de Medzilaborce, a 15 kilómetros de Miková, el
pueblo donde nacieron los padres de Warhol, en Eslovaquia. El museo aloja numerosas obras originales
cedidas por la Warhol Foundation y algunos objetos personales donados por los parientes de Warhol.
Andy Warhol en la ficción
En 1979, Warhol actuó en la película Cocaine Cowboys (1979).61
Después de su muerte, Warhol fue interpretado por Crispin Glover
en la película de Oliver Stone The Doors (1991), por David Bowie
en Basquiat (1996), de Julian Schnabel, y por Jared Harris en la
película I Shot Andy Warhol (1996), de Mary Harron. Warhol
también aparece como un personaje de la ópera de Michael
Daugherty Jackie O (1997). El actor Mark Bringlesson hace una
breve aparición como Andy en Austin Powers (1997). Por otra
Warhol (derecha) con el director Ulli
parte, muchas películas del cineasta de vanguardia Jonas Mekas
Lommel en el rodaje de Cocaine
muestran imágenes de la vida de Warhol. Sean Gregory Sullivan
Cowboys (1979) en la cual se
también retrató la vida de Warhol en 54 (1998). La última
interpretaba a sí mismo.
producción relacionada con Warhol es el largometraje Factory Girl
(2007), cuyo papel es interpretado por el actor australiano Guy
Pearce. Esta película trata sobre la vida de la modelo Edie Sedgwick.62 Gus Van Sant planeó rodar una
versión de la vida de Warhol, con River Phoenix en el papel protagonista, pero el proyecto quedó frustrado
con la muerte del actor en 1993.63 Andy Warhol aparece como W, un agente de MIB encubierto en la
película Men in Black III donde es interpretado por Bill Hader. En una de las pocas escenas en las que se ve al
personaje, Warhol le ruega al Agente K que finja su muerte para poder volver a su vida normal, diciendo
«Pinto latas de sopa y bananas ridículas. Finge mi muerte, ya no puedo seguir escuchando ésa maldita
música. ¡Ya no se quién es mujer y quién es hombre!». También aparece brevemente en la adaptación
cinematográfica de la novela gráfica Watchmen (2009), discutiendo el fenómeno de los superhéroes con
Truman Capote, frente a una pintura de Búho Nocturno.
Documentales
En 2001 el director polaco Stanislaw Mucha produjo Absolut Warhola, un documental que
retrataba la vida de la familia de Warhol en su ciudad natal, en Eslovaquia.64
Andy Warhol: A Documentary Film es una película-homenaje de cuatro horas de duración
dirigida por Ric Burns en 2006.65
Véase también
Arte pop
Pintura de los Estados Unidos
Richard Hamilton
Robert Indiana
Roy Lichtenstein
Claes Oldenburg
Eduardo Paolozzi
Peter Phillips
Robert Rauschenberg
James Rosenquist
Tom Wesselmann
David LaChapelle
Cars (pintura)
Ethel Scull 36 veces
Referencias
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'Retratos de sociedad'. ¿Es una buena idea.
ve.org/web/20090107015819/http://www.ma
No?. A lo mejor el Metropolitan Museum lo
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querrá algún día".; vid. artículo con motivo de
el original (http://www.maxskansascity.com/w
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