La ópera. ! ¿Qué es?

La ópera.
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¿Qué es?
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Es un género de música teatral en el que una acción escénica es
armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental, desde 1650
aproximadamente!
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Descripción
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A diferencia del oratorio, es una obra destinada a ser representada.
Varios géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con
la ópera, como son la zarzuela española, el singspiel alemán, la operara
vienesa, la ópera-comique francesa y el musical inglés y estadounidense.
Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características
propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones,
dando lugar a que las fronteras entre tales géneros no sean claras. En la
ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une:!
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la música (orquesta, solistas, coro y director);!
la poesía (por medio del libreto);!
las artes escénicas, en especial la actuación, el ballet y la danza;!
las artes escenográficas (pintura, artes plásticas, decoración,
arquitectura);!
! •! la iluminación y otros efectos escénicos;!
! •! el maquillaje y los vestuarios.!
La ópera se suele diferenciar de los otros géneros de teatro musical
aceptándose que, a diferencia de ellos, la ópera es una representación
completamente acompañada por música!
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Historia
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Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la tragedia
griega, a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV (la mascerata italiana)
y a losintermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban
durante las representaciones teatrales).1
Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal
como la entendemos hoy. Fue escrita alrededor de 1597, bajo la gran
inspiración de un círculo elitista de literatos humanistas florentinos, conocidos
como la "Camerata de' Bardi" o "Camerata Florentina". fue un intento de revivir
la tragedia griega clásica, Los miembros de la Camerata consideraban que las
partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y
posiblemente el texto entero de todos los roles; la ópera entonces fue
concebida como una manera de "restaurar" esta situación.
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ESTILOS
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Ópera italiana
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Era barroca
La ópera no iba a permanecer confinada a las audiencias cortesanas por
mucho tiempo; sin embargo en 1637 la idea de una «temporada» (Carnaval) de
óperas de «interés público», sostenida por la venta de boletos, surgió
en Venecia. Monteverdi se había radicado allí, y compuso sus últimas óperas, Il
ritorno d'Ulisse in patria yL'incoronazione di Poppea, para el teatro veneciano
en la década de 1640. Su principal seguidor, Francesco Cavalli, colaboró en la
propagación de la ópera en Italia. En estas primeras óperas barrocas, la amplia
comedia fue combinada con elementos trágicos en una mezcla que sacudió
algunas sensibilidades educadas, apareciendo el primero de varios
movimientos reformistas de la ópera. Tal movimiento contó con el patrocinio de
la Academia Arcadiana de Venecia, que estaba asociada con el
poeta Metastasio. Los libretos de este autor ayudaron a cristalizar el género de
la ópera seria, la cual se convirtió en la forma dominante de ópera italiana
hasta fines del siglo XVIII.
la comedia en la ópera de la era barroca fue reservada para la que sería
conocida como opera buffa
La ópera seria fue elevada en tono y altamente estilizada en forma,
consistiendo generalmente en recitativo «secco» intercalado con largas arias
«da capo». Esto produjo grandes oportunidades para el virtuosismo vocal, y
durante la era dorada de la ópera seria el cantante se convirtió en estrella. Los
roles de héroe fueron usualmente escritos para la voz de castrato, tales
como Farinelli y Senesino, así como las heroínas sopranos como Faustina
Bordoni, fueron altamente demandados a lo largo de toda Europa, mientras la
ópera seria rigió los escenarios de cada país, excepto Francia. De hecho,
Farinelli fue el cantante más famoso del siglo XVIII. La ópera italiana fijó el
estándar barroco. Los libretos italianos fueron la norma, incluso cuando un
compositor alemán como Handel se encontró escribiendo para las audiencias
londinenses. Los libretos italianos continuaron dominando en el período
clásico, por ejemplo, con óperas de Mozart, quien escribió en Viena casi un
siglo después. Los principales compositores nativos italianos de ópera seria
fueron Alessandro Scarlatti, Vivaldi yNicola Porpora.
Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideas.
Mozart, en muchos sentidos, el sucesor de Gluck, combinó un magnífico
sentido del drama, armonía, melodía ycontrapunto para componer una serie de
comedias, especialmenteCosì fan tutte, Le nozze di Figaro y Don Giovanni (en
colaboración conLorenzo da Ponte), que permanecieron entre las más
populares, amadas y conocidas del repertorio. Pero la contribución de Mozart a
la «ópera seria» fue menos clara, a pesar de sus excelentes
obrasIdomeneo y La clemenza di Tito. Su estado de salud y su precoz muerte
no le permitieron hacer renacer el género.
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Ópera alemana
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La primera ópera alemana fue Dafne, compuesta porHeinrich
Schütz en 1627, cuya música se ha perdido. La ópera italiana continuó
teniendo gran presencia e influencia sobre los países de habla alemana hasta
finales del siglo XVIII. De todas maneras, se desarrollaron formas nativas.
En 1644, Sigmund Staden produjo el primer Singspiel, una forma popular de
ópera en idioma alemán, en el cual se alternan canto con diálogo hablado. A
fines del siglo XVII y principios del siglo XVIII, el Theater am Gänsemarkt
en Hamburgopresentó óperas alemanas de Keiser, Telemann y Handel. Aún
muchos compositores alemanes importantes de la época, entre ellos el mismo
Handel, Graun, Hasse y más tarde Gluck, elegían escribir la mayoría de sus
óperas en idiomas extranjeros, en especial, italiano.
Los «Singspiele» de Mozart, Die Entführung aus dem Serail (1783) yDie
Zauberflöte (1791) fueron un importante salto para la consecución del
reconocimiento internacional de la ópera alemana. La tradición fue desarrollada
en el siglo XIX por Beethoven con su Fidelio, inspirada en el clima de
la Revolución francesa. Carl Maria von Weber estableció la ópera dentro
del Romanticismo alemán oponiéndose a la dominación del «Bel canto»
italiano. Su Der Freischütz (1821) muestra su genialidad para la creación de
atmósferas sobrenaturales. Otros compositores de la época
fueron Marschner, Schubert, Schumann yLortzing, pero la figura más
significante indudablemente fue Richard Wagner, fue uno de los compositores
más revolucionarios y controvertidos de la historia de la música.
La ópera no volvió a ser la misma después de Wagner y para muchos
compositores su legado constituyó una pesada carga. Por otra parte,Richard
Strauss aceptó las ideas wagnerianas pero la tomó en una dirección muy
diferente. Su primer éxito lo consiguió con la escandalosa Salomé y la tragedia
negra Elektra, en la cual la tonalidad fue llevada hasta sus límites. Luego
Strauss cambió de rumbo en lo que sería su mayor éxito, Der Rosenkavalier,
donde Mozart y los valsesvieneses se convirtieron en gran influencia, como
Wagner. Strauss continuó produciendo un altamente variado cuerpo de obras
operísticas, a menudo con libretos del poeta Hugo von Hofmannsthal,
hasta Capriccio en 1942. Otros compositores que hicieron sus aportes
individuales a la ópera alemana en el siglo XX fueron Alexander von
Zemlinsky, Paul Hindemith, Kurt Weill y el italiano Ferruccio Busoni.
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Ópera francesa
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Rivalizando con las producciones importadas de la ópera italiana, una
tradición francesa aparte fue fundada por el italiano Jean-Baptiste Lully en la
corte del Rey Luis XIV. Desafiando su origen extranjero, Lully estableció una
Académie Royale de Musique (Academia Nacional de Música) y monopolizó la
ópera francesa desde 1672. Comenzando con Cadmus et Hermione, Lully y su
libretista Quinault crearon la “tragédie en musique”, una forma en la cual las
música para danza y para coro fueron particularmente prominentes. Las óperas
de Lully también muestran preocupación por el recitativo expresivo, el cual
ajustó a los contornos de la lengua francesa.!
En el siglo XVIII, el sucesor más importante de Lully fue Jean-Philippe
Rameau, quien compuso cinco tragédies en musique, como también
numerosos trabajos en otros géneros tales como la opéra-ballet, todos notables
por su rica orquestación y sus audaces armonías. Luego de la muerte de
Rameau, el alemán Gluck fue convencido de producir seis óperas para los
escenarios parisinos en la década de 1770. Éstas mostraron la influencia de
Rameau, pero simplificadas y muy enfocadas en el drama.!
Al mismo tiempo, a mediados de siglo, otro género fue adquiriendo popularidad
en Francia: la opéra-comique. Ésta fue el equivalente del singspiel alemán,
donde las arias eran alternadas con diálogo hablado.!
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En la segunda mitad del siglo XIX, Jacques Offenbach creó la opereta con
obras ingeniosas y cínicas como Orphée aux enfers, así como también la ópera
Les Contes d'Hoffmann; Charles Gounod registró éxitos masivos con Faust; y
Bizet compuso Carmen, la cual, ni bien la audiencia aprendió a aceptar su
combinación de Romanticismo y Realismo, se convirtió en la más popular de
todas las opéra-comiques.
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Ópera
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Rusa
La ópera fue traída a Rusia en la década de 1730 por las compañías
operísticas italianas y pronto se convirtieron en parte importante en el
entretenimiento de la Corte Imperial Rusa y la aristocracia.
Algunos músicos nacionales como Maksym Berezovsky y Dmitri
Bortniansky fueron enviados al extranjero a aprender a escribir óperas. La
primera ópera escrita en idioma ruso fue Tsefal i Prokris del compositor
italiano Francesco Araja (1755).
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De todas maneras, el nacimiento real de la ópera rusa llegó con Mikhail
Glinka y sus dos grandes óperas Una vida por el Zar, (1836) y Ruslán y
Liudmila (1842). Posteriormente, en el siglo XIX en Rusia se escribieron
obras maestras del género operístico, como Rusalka y El convidado de
piedra de Alexander Dargomischski, Boris Godunov y Khovanshchina de
Modest Mussorgsky, El Príncipe Igor de Alexander Borodin, Evgeni Onegin y
La dama de picas de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, y Blancanieves y Sadkó de
Nikolai Rimsky-Korsakov. Estos desarrollos reflejaron el crecimiento del
nacionalismo ruso a lo largo del espectro artístico, como parte del más
general movimiento eslavofílico.
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En el siglo XX las tradiciones de ópera rusa fueron desarrolladas por varios
compositores
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Ópera Española
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Desde mediados del s. XVII se estrenan en España cientos de obras en las
que existen rasgos estilísticos propios y a veces muy singulares. En España
ocurre como en el resto de los países europeos (excepto Italia) en que se
representan desde el comienzo las formas teatrales más cultivadas en Europa:
ópera bufa, ópera comique, comedia musical, opereta… que dan lugar todas
ellas a formas teatrales cantadas y habladas sobre las cantadas. Es crucial la
aparición de la zarzuela, obras líricas que alternan partes cantadas con partes
habladas en castellano. Debido a su éxito, este legado lírico permite calificar a
España como uno de los países más interesado en cualquier tipo de teatro
cantado y, en consecuencia, en la ópera. Durante los siglos XVII y XVIII, otros
fenómenos líricos enriquecieron los escenarios con una cantidad de producción
difícilmente cuantificable: destacan tres mil tonadillas (canciones que
interpretan uno o dos intérpretes con estructura tripartita imitando lenguaje del
pueblo) y doce mil zarzuelas. Además de los, bailes, autos jácaras y
mojigangas. Estos datos nos representan a un pueblo que vive la lírica. Sin
dejar atrás que las estadísticas de consumo, de teatros musicales en activo,
cantantes y edición de partituras de teatro musical son igualmente
impresionantes. Destacan especialmente las figuras de Lope de Vega
(1562-1635) y Calderón de la Barca (1600-1681)!
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La ópera italiana es asimilada en España a partir de la década de 1720. La
ópera nace en España, como en el resto de Europa, ligada a Italia desde las
primeras obras de Juan Hidalgo. La ópera española, desde el siglo XVIII, está
en contacto con las costumbres españolas.!
Hay mezcla de influencias entre la zarzuela española y la ópera italiana del s.
XVIII (1703). España estará plagada de muchos compositores, músicos
italianos. En 1799 se va a prohibir la representación de las obras que no han
sido traducidas al castellano. Esto significa que muchos de los dramaturgos
que escribían sainetes, traducirán obras del italiano al castellano y no solo eso,
sino que las nacionalizarán. La creación operística española que tuvo a lo largo
de la primera mitad del siglo XVIII músicos tan relevantes como Sebastián
Durón, Antonio Literes, o Domingo Terradellas, desembocará en las últimas
décadas del siglo XVIII en dos creadores tales como Vicente Martín y Soler y
Manuel del Pópulo Vicente García.!
El siglo XIX trae consigo una necesidad de liberación de la dependencia
italiana, hacer una creación propia. Así, se construirán teatros, habrá gran
actividad crítica, numerosas polémicas, escritos... Por todo ello, la ópera será el
principal género de la música del siglo XIX español.!
Las cinco primeras décadas del siglo XIX (en las que se cierran con la
apertura del Teatro Real) suponen un periodo de enorme vitalidad en torno a la
ópera nacional. El dualismo de ópera y zarzuela, provocó una clara división de
fuerzas. Por unos años, los mejores músicos escogieron el camino de la
zarzuela (que era el único que les garantizaba el éxito y la subsistencia). Los
grandes maestros especialistas en ópera, Ramón Carnicer i Batlle y Baltasar
Saldoni, trataron a partir de 1838 de convertirse en los primeros compositores
de Ópera nacionalista española alentados por los intelectuales de la época,
seguidos luego por Miguel Hilarión Eslava. La época de Restauración de 1874,
permite a la clase acomodada frecuentar de nuevo los espectáculos, y al Teatro
Real convertirse con renovada fuerza en lo que era, un lugar de
representación. Se potencia el cultivo de la música como arte. Comenzarían los
mejores cincuenta mejores años de nuestra historia operística.!
La primera concepción operística fue plasmada por Tomás Bretón. Estrenada
en 1889 en el Teatro Real, se representa con un éxito apoteósico tanto en
Madrid como en Barcelona: Los amantes de Teruel. La década de los noventa
es en la historia de la ópera española rica y compleja; una de las épocas que
más aportaciones ha dejado en nuestra historia. Refleja que los músicos
españoles tenían una idea individual de lo que debía de ser la ópera española,
y por ello estaban preparados para, desde un dominio del género, usar las
fórmulas italianas, wagnerianas y populistas, pero casi siempre con un fuerte
estrato nacionalista. En consecuencia, tenemos resultados diversos, variados y
originales.!
En los noventa se produce la llegada al mundo de la ópera de dos de los más
grandes protagonistas musicales de finales del siglo XIX, Enrique Granados e
Isaac Albéniz.
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Clasificación vocal[editar]!
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Los cantantes de ópera y los roles que interpretan se clasifican en tipo de
voz, basado en características tales como tesitura, agilidad, potencia y timbre
de sus voces.!
Los varones pueden ser clasificados por su rango vocal como bajo, bajobarítono, barítono, tenor y contratenor, y las mujeres en contralto,
mezzosoprano y soprano.!
Los varones algunas veces pueden cantar en el registro vocal femenino, en
cuyo caso se denominan sopranista o contratenor. De estos, sólo el contratenor
es comúnmente encontrado en la ópera, algunas veces cantando partes
escritas para castrato (varones castrados en una temprana edad para darles un
rango vocal más alto del normal).!
Las clasificaciones pueden ser más específicas, por ejemplo, una soprano
puede ser descrita como soprano ligera, soprano de coloratura, soprano
soubrette, soprano lírica, soprano lírico spinto o soprano dramática. Estos
términos, aunque no describan totalmente la voz, la asocian con los roles más
convenientes para las características vocales del cantante.!
La voz de cada cantante en particular puede cambiar drásticamente a lo largo
de su vida; raramente se alcanza la madurez vocal antes de la tercera década,
y algunas veces, hasta la mediana edad.