Michael Corvinus Orígenes del Cine La Historia del Cine es literalmente la historia de las luces y sombras proyectadas para crear una ilusión, la sombra arrojada por un soporte opaco, o translúcido o transparente es, sin duda, el método más antiguo y sencillo de crear imágenes en movimiento El cine, como manifestación artística, cuenta con diversos movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX; las escuelas estéticas constituyen un conjunto de movimientos expresivos innovadores de la historia del cine. El cine nació con una vocación industrial, que se concretó rápidamente en la creación de diferentes empresas con la intención de rentabilizarlo, todo ello animaba a las empresas a invertir en esta industria. La historia del cine se inicia el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Louis y Auguste Lumière realizaron la primera proyección pública de imágenes en movimiento, ellos inventaron lo que muchos han calificado como la fábrica de los sueños. El principio básico del cine es la persistencia retiniana, la imagen estroboscópica, el primero en inventar un aparato óptico con el que se proyectaban imágenes de figuras pintadas en vidrio sobre un lienzo o una pared, fue el jesuita alemán Atanasius Kircher en 1654; ese aparato se denominó linterna mágica La característica de la linterna mágica consistía en la proyección de imágenes, pero no en el movimiento, es una de las características esenciales del cinematógrafo. Los problemas que había que resolver era que la imagen y el sonido se grababan y reproducían por aparatos separados, lo que hacía difícil su sincronización, además de que el sonido era de baja calidad y muy difícil de obtener mediante sonido grabado en directo. Esta tecnología se denominó tecnología sound-on-film, y en paralelo existía otro sistema donde el sonido de la película era grabado en discos fonográficos (tecnología sound-ondisc). El cinematógrafo, desde su origen, tiene dos vertientes: la primera es la científicorealista, creada por los hermanos Lumière, que en su avance llegará a desarrollar lo que conocemos como el cine documental. La segunda vertiente es lo fantástico de George Méliès, siendo el comienzo del cinematógrafo como entretenimiento mágico, origen del cine de ficción. Existieron antecedentes en la cámara oscura, es un instrumento óptico que permite obtener una mayor proyección de una imagen externa sobre la zona inferior de la superficie o el taumatropo este reproduce el movimiento mediante dos imágenes, fue inventado por John Ayrton Paris en 1824. Pero Thomas Alba Edison fue quien por un instante estuvo a punto de inventar el cine, pero si fue el inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo; sin embargo, el kinescopio fue inventado por William Dickson, el cual sólo permitía funciones muy limitadas. Michael Corvinus A partir de esto fue como los hermanos Lumière crearon el cinematógrafo; La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895, en París y consistió en una serie de imágenes documentales. Se descubrió que, si 16 imágenes de un movimiento que transcurre en un segundo se hacen pasar sucesivamente también en un segundo, la persistencia de la visión las une y hace que se vean como una sola imagen en movimiento. Primeras Películas Estas películas combinaban indistintamente dos tendencias cinematográficas que pronto se escindirían: el cine documental y el cine de ficción. Por un lado, exhibían escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo de las fábricas, trenes, transeúnte y por otro, representaciones escenificadas grabadas en interiores. Las dos principales e importantes películas en ese momento son las famosas Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895), a partir de 1910 comienzan a producirse en Europa películas de mayor duración y más calidad. Desde 1895 hasta el año 1903, los hermanos Lumière produjeron más de 2.000 películas de 16 mm, que en la mayoría de los casos eran filmaciones de escenas naturales, algunas de ellas de carácter cómico (como El regador regado), vistas de distintos países Espacio Fílmico Perspectiva Representación de objetos sobre una superficie plana, de manera que esta representación se parezca a la percepción visual que se puede tener de los objetos mismos Punto de Fuga Son los polos de atracción que provocan visión y perspectiva Espacio Fílmico diversos fragmentos de película que componen una escena se crea un espacio y un ambiente nuevos que surgen de la imagen y que capta el espectador, que tiene la impresión que los fragmentos reunidos constituyen una acción unitaria. Dentro del espacio fílmico se encuentran el campo: El campo es una porción del espacio fílmico el cuadro está dentro del espacio fílmico Campo La cámara selección el espacio mediante el encuadre. Lo que se ve en ese encuadre es lo que está “en campo” Fuera de Campo es todo aquello que el espectador cree que está fuera del encuadre, lo que supone que existe. Esos elementos invisibles afectan a la acción [¡no dispare! dice un personaje a algo o alguien fuera de cámara, o simplemente mira con terror]. La omisión puede hacer más relevante a aquello que se supone que existe fuera del encuadre que si fuera visible. Michael Corvinus Inicios y Desarrollo de la Industria Primeros años del Cine George Méliès ¿Quién Fue? Cineasta Frances famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos Nace el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint Martin de París Su padre un conocido empresario del calzado parisino Su llegada al Cine 28 de diciembre de 1895 dio un giro a su vida cuando asiste de invitado por los lumiere a la primera representación cinematográfica Su deseo por crear sus propias películas le llevo a transformar el artilugio de Paul en una cámara 5 de abril de 1896 Proyecto las primeras películas de su teatro Robert Houdin eran pequeñas escenas documentadas al aire Libre similares a los hermanos Lumiere Entre 1899 y 1912 realizo cerca de cuatrocientos filmes en su mayoría comedias de tono burlesco y desenfadado Entre las que destacan Cleopatra Cristo Andando sobre las aguas Viaje a la Luna Aportaciones al Cine de George Méliès Efectos especiales El truco de sustitución stop Trick Animación del fotograma a Fotograma Exposiciones múltiples del negativo Coloreado a mano de Películas David Grifft Director cinematográfico estadounidense Considerado el padre de la sintaxis cinematográfica Realizo 400 filmes entre 1908 y 1914 Cultivo todos los estilos y géneros mostrando una inclinación hacia el melodrama histórico Sus planteamientos racistas le valieron muchas condenas Así como muchas censuras en sus obras principalmente en Nueva york Se inicio en el mundo del espectáculo sin mucho éxito Introdujo los planos paisajísticos de larga duración fade in y fade out Los rodajes realizados en lugares diferentes Michael Corvinus Su adecuada combinación de simultaneidad Logro que se conociera por primera vez el cine como arte Utilizo un nuevo estilo en el montaje e introdujo nuevas técnicas de producción Reglas que grifft tenía muy en cuenta Las acciones que se desarrollen en un segundo plano deben ser lentas y muy exageradas para que puedan ser registradas ante el Público La interpretación debe ser exagerada, las miradas largas los movimientos bruscos y las palabras pronunciadas con estudiada lentitud Industria cinematográfica estadounidense Inicios en el siglo xx su historia se divide en cuatro periodos principales La era Muda El cine Clásico de Hollywood El nuevo Hollywood El periodo contemporáneo a partir de 1980 Desarrollo Temprano Las primeras exhibiciones de películas para grandes audiencias se hacían usualmente en los descansos de los shows de vodevil Los empresarios comenzaron a viajar para exhibir sus películas llevando al mundo las primeras incursiones en el genero drama Primer gran éxito de Cine Estadounidense, fue el gran atraco al tren dirigida por Edwin S Porter A principios de 1910 director D. Griffith fue enviado por Biograph Company con su compañía empezaron a filmar en un terreno baldío cerca de Georgia Street cerca de los Ángeles Este lugar Fue llamado Territorio Griffith Invención del Cine Como arte Autónomo Punto de partida del Cine Estadounidense fue Griffith con The Birth of a Nation La forma que se establece Salto del eje El uso de los primeros planos Alternancia entre planos Generales permite que el espectador comprenda y organice mentalmente en el espacio donde transcurre la acción Planos Cortos donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo El Padre del cine Moderno afirmaba por un mismo Periódico AM&B en 1913. En este afirmaba ser el creador del lenguaje cinematográfico, tales como el primer plano o el flashback Michael Corvinus La importancia de Griffith como realizador fue su capacidad de utilizar y combinar aquellas técnicas por esto se aplico la figura de Griffith “El padre del Cine Moderno” Edad de Oro Hollywood Designa a la vez un Estilo Visual y de sonido para películas En esta época las películas de Hollywood se rodaban de forma parecida a las que se utilizaba para ensamblar los coches Se podía llegar adivinar que estudio producía cada película solo por los actores que aparecían en ella cada estudio tenía su propio estilo Cine postclásico Es un termino utilizado para describir los cambios narrativos en el nuevo Hollywood Drama Caracterización Finales Inesperados Línea delgada entre Protagonista y Antagonista El nuevo Hollywood Termino utilizado para describir la aparición de una nueva generación de directores educados en escuelas de cine absorbidos por las técnicas creadas en Europa en los años 60 Las diferencias entre películas estadounidenses se dividieron entre cine comercial y estadounidense Cine Comercial Se basa en el poder mediático de sus estrellas Publicidad masiva para atraer amplia audiencia Cine Independiente Películas con producciones independientes rodadas con presupuestos pequeños La imagen en Movimiento Planos Plano general: se usa principalmente para centrar la acción. De esta forma podemos situar a los actores dentro de un contexto. Plano conjunto: se encuadra todo el cuerpo de los actores y se pretende ponerlos en relación con el contexto. Plano americano: Hay que diferenciar este tipo de plano del plano medio. El plano americano es típico de las películas americanas. Encuadra a los actores desde media pierna hasta la cabeza. Plano medio: es un plano intermedio entre el plano de conjunto y el primer plano. Se encuadra desde la cintura hasta la cabeza. Michael Corvinus Primer plano: es un plano “delicado” y no es bueno abusar de él. Muestra los sentimientos del personaje y/o continúa el desarrollo de la acción. Ángulos Ángulo Cenital La cámara se sitúa en la vertical con respecto al suelo y la imagen que se obtiene otorga un campo de visión de arriba a abajo. Está situado encima del sujeto en la perpendicular al suelo y aumenta la sensación de inferioridad. Ángulo Normal o Natural El más utilizado de los ángulos de cámara en el lenguaje audiovisual se realiza paralelo al suelo. La cámara se establece a la altura de los ojos del personaje y llena de estabilidad, naturalidad, y tranquilidad la escena. Ángulo Picado La cámara se coloca encima del sujeto u objeto, de forma que se observa desde arriba. Se realizan desde ángulos elevados por encima de la visión y hacia abajo. El fin de estos planos es hacer más pequeño a quien se encuadre en relación con un plano normal, provocando una situación de debilidad, inferioridad o vulnerabilidad. Así la parte superior parece más grande que la inferior. Ángulo Contrapicado El contrario al ángulo picado. La acción se recoge desde abajo. La cámara se coloca debajo y se toman desde los ángulos inferiores por debajo de la vista y hacia arriba. Se utiliza para provocar una sensación de grandiosidad con una apariencia de superioridad a los personajes que se encuentran elevados sobre los otros. El cuerpo adopta una estructura triangular que con una distancia focal corta añadida aumenta aún más esta percepción. Angulación Nadir o gusano La cámara se sitúa a ras del suelo, en lo que se denomina un ángulo cero. Movimientos de Cámara Paneo: movimiento horizontal sobre el eje de la cámara Tilt up/Down: movimiento sobre el eje de la cámara hacia arriba o hacia abajo. Travelling: movimiento de la cámara generalmente sobre un riel- y que recorre la escena. Zoom in/out: sensación de alejamiento o acercamiento, moviendo el zoom de la cámara. Dolly in/out: movimiento sobre el Dolly. Rodaje El momento de Filmar o Grabar poner en escena las acciones que están descritas en el Guion Michael Corvinus La duración del Rodaje varía dependiendo de la longitud del guion, las necesidades de la producción y la complicación de las secuencias Tipos de Rodaje Rodaje de toma por toma. Se realiza mediante una sola cámara. Se hacen diferentes planos y posteriormente se hace un montaje. supone una yuxtaposición de cada fragmento en donde la cámara se enciende y en donde la cámara se apaga. Como se realiza Se hacen proyectos audiovisuales en los que generalmente solo poseemos una cámara fotográfica para hacer todo. Rodaje Master Shot con protecciones. se trata de disparar las escenas con varias cámaras, en varios ángulos y en varios planos cinematográficos. Se utiliza en la mayoría de las producciones de cine y televisión, incrementando el número de equipos cuando la escena a realizarse es sumamente compleja. Ejemplos de un rodaje complicado pueden ser: una explosión, un choque, una pirueta. Rodaje por Plano secuencia. la cámara no se apaga por un periodo de tiempo pueden simularse mediante el enfoque de un fragmento que no cambie en la escena. Modelos Narrativos Cinematográficos Corrientes Cinematográficas Expresionismo Alemán Michael Corvinus El expresionismo alemán ejerce una notable influencia. Se trata de un grupo de directores que encuentran soluciones plásticas revolucionarias para expresar temas de tendencia fantástico demoníacas, muy arraigadas en la cultura germánica; Su principal característica consiste en el intento de representación opuesta al naturalismo la observación objetiva de los hechos y sucesos externos, haciendo énfasis en lo subjetivo. Para el artista expresionista lo importante es su visión interna, que se extiende a aquello que se intenta representar deformándolo, intentando encontrar su esencia. Los cineastas del expresionismo buscaban la imagen subjetiva que descubría lo oculto tras la realidad aparente. Uno de los recursos más importantes es el uso de la luz, en sus puestas en escena la luz era un elemento constructivo fundamental; en ellas era común encontrar notables contrastes de luces y sombras, la iluminación repentina de un objeto o un rostro. Sin embargo, las sombras producidas por ella son las esenciales para el cine, además son ellas las encargadas de narrar, en lugar del cuerpo que las provoca. Va a contribuir a realzar ese dramatismo, ya que debido a la limitación de la iluminación en el estudio donde se rodó, se decidió pintar los decorados con luces y sombras. Otra característica a destacar será el maquillaje de los actores, y su interpretación se puede observar en El gabinete del doctor Caligari donde obtuvo gran éxito gracias a esto; será, junto al personaje de Charlot, el primer gran mito de la historia del cine. En el encuadre de las películas la acción es casi teatral, no hay uso del fuera de campo la deformación de los decorados: también son comunes las figuras dispuestas en la pantalla en posición diagonal. la actuación realista es dejada a un lado, demostrando afectación; cuando se quieren mostrar sentimientos (miedo, ira, deseo, etc.), se hace intentando exteriorizar estas emociones de la forma más extrema posible, a veces en forma violenta y abrupta, otras con movimientos entrecortados y mecánicos o en algunos casos se encuentra un exceso de maquillaje. Primeras películas 1919 el gabinete del Dr. Caligari de Robert Wiene. Michael Corvinus 1920 El Golem de Paul Wegener y Henrik Galeen; De la mañana a la medianoche de Karl Heinz Martin. 1922 Dr. Mabuse, el jugador de Friz Lang; Nosferatu, una sinfonía de horror de Friedrich Wilhelm Murnau; Vanina de Arthur von Gerlach. El Gabinete del Dr. Caligari El gabinete del Dr. Caligari surge originalmente de una idea de Carl Mayer y Hans Janowitz; su guion fue aceptado por Erich Pommer, en la idea original de estos La importancia de esta película se da en varios planos: por un lado, abre las puertas a una producción cinematográfica "artística", hasta ese momento casi inexistente en Alemania. Por otro lado, podemos encontrar en ella las pautas estéticas y temáticas que guiarán el camino del expresionismo, y que serán desarrolladas por sus creadores. Metrópolis es una de las obras que representa más claramente un punto de inflexión dentro del cine alemán, teniendo aún elementos estéticos que Lang sigue tomando del expresionismo. Aquí se pueden observar temas más relevantes, como la ciudad corrupta lo social y la lucha de clases (aunque sea de manera un tanto exagerada), y en menor medida la ciencia Principales Cineastas del Expresionismo Alemán Friedrich Wilhelm Murnau Friedrich Wilhelm Murnau funda su propia productora en 1919, comenzando a dirigir películas en las que tratará de expresar su subjetividad con el máximo respeto por las formas reales del mundo. Con la introducción de elementos reales en una historia fantástica logra potenciar su veracidad hará uso del acelerado y del empleo de película negativa para marcar el paso del mundo real al ultrarreal. En 1922 crea Nosferatu, que será una de sus obras cumbres, película que cuenta el mito sobre un vampiro, para poder empezar a grabarla, recurrió a escenarios naturales, enfrentándose a la preferencia expresionista de filmar las escenas en estudio. Para dar agilidad al relato Murnau y su operador, Karl Freund, utilizarán una cámara muy dinámica, atada al pecho de este último, para realizar travellings subjetivos circulares, e imitarán los movimientos de una grúa, situando la cámara en el extremo de una escalera de incendios. Fritz Lang Junto a Murnau, el austriaco Fritz Lang, es otro de los maestros de la escuela expresionista. La película más antigua que se conserva de su larga trayectoria es Die Michael Corvinus Spinnen en 1919, pero alcanza el éxito y el reconocimiento con Der mide Tod (La muerte cansada o Las tres luces), en 1921, que narra la lucha entre el amor y la muerte. En 1926 crea su obra definitiva llevando de nombre Metrópolis, en ella jugará con espacios, volúmenes y claroscuros. En Metrópolis es un tratado sociológico, pero a pesar de ello, Lang conseguirá imágenes que pasarán a la historia del cine y que el espectador no podrá olvidar: su opresivo mundo subterráneo, el relevo de turno de los obreros, la inundación, el pánico en la ciudad, etc. Metrópolis representará el apogeo del expresionismo de orden arquitectónico como Caligari lo fue en el pictórico. Vanguardia Soviética El triunfo de la revolución rusa en 1917 asumió un papel de adoctrinamiento y propagandístico Origen del cine soviético se desarrolla con las vanguardias artísticas y una fuerte influencia del teatro había un interés en perfeccionar el lenguaje en torno al montaje Autores Serguei Mijáilovich Eisenstein Fue un director de Cine y teatro soviético de origen judío su innovadora técnica del montaje sirvió de inspiración para el cine posterior no utilizaba actores profesionistas sus narrativas evitaban el individualismo iban dirigidas a conflictos de clases Películas de Serguei Eisenstein El Acorazado Potemkin’, mejor película de la historia del cine Película muda de 1925 significo un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica es valorado la exaltación del hombre común llena de imágenes expresivas representa la magnificación de las figuras de las masas y las causas colectivas Dziga Vertov Operador y documentalista que pretende conseguir la objetividad absoluta su trabajo captar la vida de modo imprevisto por medio de la cámara reorganizar los planos impresionados por medio del montaje, haciendo una síntesis de fragmentos Características Se caracteriza por un método de representación no naturalista la experimentación y la búsqueda de construcción de conceptos desde el montaje se recurrirá mucho al documentalismo Neorrealismo Italiano Fue un movimiento cinematográfico que surgió en Italia durante la primera mitad del siglo xx Michael Corvinus Sus objetivos mostrar condiciones más auténticas y humanas alejándose del estilo histórico y cultural el neorrealismo les dio más importancia a los sentimientos de los propios personajes que a la composición de la trama El cine neorrealista nos representa la sociedad basando en hechos reales y cotidianos mostrando una faceta de lo más cruda a la más realista posible Características refleja con total transparencia la Italia triste en blanco y negro y hambrienta de la posguerra la resistencia y los caídos en la contendía No se utilizaban los estudios de grabación se recurrió fundamentalmente a escenarios naturales sin ningún tipo de ambientación artificial sin decorados No se utilizaban actores reconocidos en muchos casos eran auténticos protagonistas los personajes reales relataban sus propias experiencias Protagonizaron estas obras clases populares los grupos marginales de la sociedad y dos nuevos tipos de personaje la mujer y el niño Autores Roberto Rosselini uno de los directores más importantes Luchino Visconti Obsesión 1942 fue la primera película neorrealista introdujo una nueva visión del cine de la dirección de actores frecuentemente no profesionales y en la concepción de la realidad y los problemas sociales Vitorio de Sica Figura clave del movimiento cinematográfico neorrealista que contribuyo con destacadas películas como Zavatinni Renato castellani Fue un director de Cine Italiano uno de los representantes más significativos del neorrealismo Nueva ola francesa Surge en los años 20 el termino fue propuesto por Henri Glois Después de la primera guerra mundial cinematográfica francesa fue la única que tuvo el vigor de Sobrevivir sin el apoyo del Gobierno Características Es un cine fotogénico Da tratamiento psicológico de los personajes n Las películas intentaron expresarse por medio de la imagen y el ritmo Se encuentra con la experiencia directa de la realidad Autores Michael Corvinus André Bazin y Cahiers Du Cinema Fundador de la nueva Ola Jacques Rivette Uno de los Autores Fundamentales de la nueva ola realizo el cine más arriesgado Agnes Varda la mejor directora obra más importante Cleo de 5 a 7 Géneros Cinematográficos Los géneros cinematográficos, como los géneros de otros campos artísticos, tienen su primer origen en la cultura clásica. Los dos géneros mayores griegos: comedia y tragedia; uno de estilo ligero, tema aparentemente superficial y final feliz, y el otro afectado, profundo y de triste desenlace Estos géneros se fueron diversificando en el teatro, y los primeros largometrajes los intentaron imitar. Sin embargo, las posibilidades del cine lo desmarcaron completamente de los géneros tradicionales creando nuevos géneros caracterizados por la escasa complejidad de su regulación. Los géneros se crearon en Hollywood en la década de los años veinte a los treinta, cuando el cine se convierte en una industria cuyo objetivo es acercarse a los diferentes gustos de un público consumidor de este entretenimiento. EL WESTERN Revive la realidad histórica y social norteamericana que abarca desde 1845-1906, período de las grandes epopeyas colonizadoras de nuevos territorios, muchos de ellos propiedad de los “indios”. La edad de oro de este género está comprendida entre 1939 y 1960 THRILLER Se caracteriza por la intriga psicológica, es decir, por la resolución de un conflicto por parte de personajes independientes de ser “buenos” o “malos”. Es importante ver como la trama va afectando mentalmente a los protagonistas. Este género se caracteriza por un ritmo rápido, acción frecuente y con héroes ingeniosos y sus antagonistas. Se utiliza también una gran cantidad de "dispositivos" como las pistas falsas. También se conoce con el apelativo de “terror inteligente”. CINE POLICÍACO O NEGRO Tiene generalmente una estructura sencilla, con introducción, desarrollo y desenlace. Usualmente al comienzo se ofrece al espectador los antecedentes de un grave crimen, acabando esta parte cuando efectivamente se comete dicho acto criminal y comienza la trama. Finaliza tradicionalmente con la detención, o también muy frecuentemente con la muerte de quien violó la ley. EL CINE DE ACCIÓN Alude a la forma de contar una historia en la que intervienen, con gran relevancia, persecuciones, luchas cuerpo a cuerpo o con armas, acrobacias y escenas espectaculares. La trama tiene menor importancia EL CINE DE AVENTURAS Combina la acción, experiencias difíciles o imposibles, con los sentimientos de los personajes. A veces se desarrollan en lugares y épocas distintos y lejanos. Michael Corvinus COMEDIA Admite gran variedad de subgéneros: románticas, dramáticas, psicológicas (se bromea con dudas existenciales), comedias sociales y parodias (imitan una obra ya existente o una historia verdadera). El fin principal es hacer reír al espectador con situaciones y diálogos cómicos. DRAMA Cuenta historia serias, con frecuencia realistas, en las que se expresan sentimientos humanos o se reflejan situaciones y conflictos personales CINE MUSICAL Se caracteriza por la importancia de los números musicales, en los que se combinan coreografías y canciones interpretadas por los propios personajes CINE HISTÓRICO Se cuentan relatos con una base histórica. Se recrean épocas y costumbres pasadas y los actores dan vida a personajes reales. Además de datos objetivos, también se incluyen situaciones de ficción para hacerlos más cercano al espectador CINE DOCUMENTAL A diferencia del cine histórico, los personajes no representan, sino que narran hechos reales. Las imágenes están tomadas de la realidad. CINE BÉLICO Se narran batallas de todos los tiempos. Son obras que pueden mezclar cine de acción, con el drama, el thriller, la comedia, el amor. Los acontecimientos y conflictos que relatan pueden estar tomados de la historia o ser de ficción. CINE DE TERROR Y FANTÁSTICO Buscan provocar el miedo en el espectador recurriendo a situaciones y personajes Fantásticos. También puede entrar en el terreno del thriller empleando elementos psicológicos y de la realidad cotidiana CINE DE CIENCIA FICCIÓN Es un género en el que sus temas, escenarios y personajes participan en historias que se suceden en épocas futuras o contextos en los que el desarrollo científico y tecnológico está muy avanzado. Puede coincidir con otros géneros si bien su argumento es totalmente ficticio. CINE DE AUTOR Se agrupan en este género películas de difícil clasificación. Se combinan varios géneros para expresar ideas desde un criterio personal de los autores. Se experimenta con la técnica cinematográfica (cine experimental), con el lenguaje y se exploran nuevas formas expresivas CINE DE ANIMACIÓN Se identifica con las películas que se crean con dibujos, plastilina u otros materiales, Diseño asistido por ordenador o animaciones digitales. Puede contener todo tipo de géneros. Documental “los documentales son una ficción con tramas, personajes, situaciones y sucesos como cualquier otra; ofrecen retos y dilemas en la introducción; van construyendo tensiones cada vez mayores y conflictos de creciente dramatismo y acaban con una resolución dramática”.260 Una definición que es tan buena para el cine argumental como para el documental. El realizador de documentales, desde el comienzo de su trabajo, se enfrenta al reto de representar una cierta realidad de un modo que sea fiel a ella, o al menos, fiel a lo que él cree es esa realidad. Para ello el Michael Corvinus documentalista se plantea su trabajo como una formulación de problemas a resolver, siempre desde dos puntos de vista. El interno, que es el propio de la obra, en su estructura y su discurso; y el externo, alude al posible impacto ejercido por el documental sobre el público y sobre las instituciones para generar medidas orientadas a ofrecer soluciones al problema planteado en el documental. Al igual que con las realidades construidas por la ficción, la realidad proyectada El documental, igual que el cine de ficción, se basa en imágenes reales, pero se mantiene apartado del dominio de la ficción; lo propio de él es abordar el mundo histórico y las cuestiones reales a las cuales se enfrenta. El prestigio del documental, basado en la autenticidad de testigos en que se constituye frente al mundo histórico, tiene, según Nichols, su origen en una característica muy propia de nuestra cultura: el racionalismo y logo centrismo. El autor norteamericano afirma que la tradición documental, y sus formas afines como el periodismo, las noticias de televisión, el internet, y la red que mantienen el discurso racional, “puede considerarse como una modalidad característica de investigación y conducta social (aunque) sin una base ontológicamente superior”.262 De donde resulta lógico pensar que la creencia en la redención social a través del documental, ha empezado a ser cuestionada. Si bien comparte muchas características con el cine de ficción, pero aún Estructuras Dramáticas Drama Es la Forma de Presentación de acciones a través de su representación vuelta a presentar por medio de actores y de todo el dialogo El drama es base de toda literatura recrea momentos históricos situaciones y personajes de distintas épocas, a través del particular punto de vista de autor En una obra dramática encontramos integrados armónicamente: tramas, atmosferas, situaciones, anécdotas, escenas, personajes Para Construir una historia Dramática se quiere establecer: Conflicto Generador Trama Anécdota Genero Tono Estilo Asunto situación o escena clave Conflictos Dramáticos El drama desarrolla sus historias a partir de la naturaleza humana, sobre la base de los conflictos humanos Michael Corvinus El hombre contra el destino (Dios, Naturaleza, Universo y lo sobrenatural El hombre contra si mismo y sus pasiones El hombre contra la sociedad Todos contra todos Y un Hombre contra Hombre Creación de los personajes Protagonista Antagonista Secundario Incidental Cine Estelares Coestelares Primeras partes Segundas Partes Terceras Partes Características de los Personajes Motivaciones objetivos vitales intelectuales, y sociales Cualidades psicológicas Carácter (Características Personales aprendidas y por influencia del medio ambiente) Personalidad (Carácter intelecto y rasgos físicos que determinan su adaptación al medio ambiente Rasgo de personalidad (Forma consistente de comportarse) Temperamento (cualidades afectivas características; parte biológica de la personalidad; modo de ser predominante Externas Físicas Socioeconómicas Culturales Hábitos Personajes Dramáticos Símbolo esencia de conducta de lo universal Arquetipo Representante de conducta vigente en el tiempo y avalada a través de los siglos Prototipo Representante de conducta en un momento determinado Estereotipo Comportamiento estándar, pauta de conducta convencionalmente aceptadas por un grupo o una sociedad Michael Corvinus Narración y Relato Cinematográfico Guion Base y guía de trabajo en una producción audiovisual nunca es un producto final documento cambiante Mapa detallado de todo lo que se verá y o escuchará en una producción audiovisual Esquema preciso en forma escrita de los elementos de una producción: diálogos, textos, sonidos, silencios, gráficos, duración forma y momento exacto de salidas Características Incluye toda la información necesaria para la realización Claro en la presentación redacción y escritura fácil de leer Todo lo que se incluye debe indicarse en su modo de presentación Características del guion cinematográfico Los guiones cinematográficos se escriben por un solo lado de las hojas tamaño carta. las hojas se enumeran en la parte superior derecha Todas las escenas se enumeran consecutivamente a lo largo del guion El encabezado de las escenas se escribe en Mayúsculas Ubicación INT, EXT o INT/EXT Lugar en el que se lleva acabo la escena Momento del día (amanecer, día, atardecer, noche) La descripción de la escena y las acciones con los personajes, situaciones, atmosferas y acciones se escriben inmediatamente después del encabezado las acotaciones del sonido fuera de los diálogos quedan en este mismo espacio se escriben en Mayúsculas Los diálogos se acotan en una columna se encabezan con el nombre del personaje, escrito con mayúsculas. En caso de existir acotaciones de intención inflexión o tono estás se escriben en paréntesis en el renglón inmediato del nombre del personaje Montaje El montaje o edición es ante todo un trabajo técnico una profesión y una especialización Sección Combinación Empalme “El montaje es la organización de planos de una película en determinadas ocasiones de orden duración Michael Corvinus El objeto en el que se trabaja el montaje son los planos manipula planos con la intención de producir otro objeto la película Principales funciones Ordena los planos Fija su duración Funciones del montaje Mostrativa Narrativa Transparente relación de casualidad de temporalidad Expresiva Creador productivo intelectual el choque de dos imágenes produce una nueva Sintácticas Crea relaciones formales episodios capítulos flashbacks montaje alternado montaje paralelo Semántica Produce sentidos Rítmicas Temporales duración de la toma acciones paralelas Plásticos intensidad de luz, colores tamaños del objeto y el sujeto Clases del montaje Metaforico, poetico, alegorico, intelectual, ritmico, formal, subjetivo ideológico paralelo analógico métrico armónico etc. Dos grandes tendencias Modelo narrativo transparente de continuidad El que lo subordina a las funciones narrativas, le otorga continuidad y lo acerca a la transparencia cine de ficción. Hollywood Modelo subjetivo expresivo constructivista Elemento dinámico del cine, el que le añade sentido y significación a las imágenes (escuela soviética) Antecedentes Sonido el lenguaje se alterna con la imagen El cántate de Jazz primera película producida por Warnes Bross Michael Corvinus Con la llegada del sonido muchos de los creadores manifestaron su descontento Manifiesto del contrapunto Sonoro Sergei Einstein Se declaraba públicamente en contra del sonido sonoro para él una historia cinematográfica se elabora para que el espectador entienda su lenguaje visual Vococentrismo fijación del Dialogo Banda Sonora Michel Chion Voz Música Sonido Intensidad Cualidades del Sonido Intensidad Fuerza del Sonido Tono indicador de la frecuencia del sonido Sonidos concretos- sonidos musicales Ruido convencional cultural Timbre Sonido especifico calidad del sonido Dimensión del Sonido Ritmo Coordinación entre imagen y sonido (Montaje acorde) Disparidad: Cuando sonidos e imágenes no concuerdan Fidelidad entre el sonido y la imagen Sensaciones paradigma del sonido Dimensiones del Espacio Sonido diegético sonido que pertenece a la realidad interno y externo Sonido no diegético sonido que no pertenece a la realidad de la película, pero forma parte de ella Perspectiva del Sonido especialidad dirección y planos sonoros Plano principal Plano Plano ambiente Michael Corvinus Plano Fondo Puentes sonoros Tiempo sincrónico Flashback Flash Foward Música Es el elemento que resalta más de una película Sustitución del sonido real Reforzamiento Sonido pensado o recordado Sub ambiente de fondo Leith motive Notas musicales que se usaron con frecuencia Paralelo Fidelidad cuando lo que escuchamos lo esperamos en la imagen Contra puntual Detonar exaltar algo, irónico no tiene relación con la imagen es una oposición
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