Taller de Stop Motion “ANIMAILÍN”

Córdoba, viernes 22 de agosto, 2014.-
El MEC Rumbo al Centenario
En el marco de la celebración de los 100 años del Museo Caraffa, la Institución y la Agencia
Córdoba Cultura invitan a participar de la próxima inauguración de este ciclo 2014, la cita será el
jueves 28 de agosto, a las 19.30hs. Pintura, escultura, objetos y fotografía son las disciplinas
artísticas que caracterizan a este período, con producciones artísticas contemporáneas en las
diferentes salas del MEC.
Acompañarán este evento, autoridades, artistas y público en general, musicalizado por las DJs Ale
Gaitán, Romi Hakim y Rox Castaño de la Jey Skool en el patio del Museo. Se agasajará a los
presentes con un vernissage.
La entrada es libre y gratuita.
Las muestras podrán visitarse hasta el miércoles 1º de octubre de 2014, de martes a domingos y
feriados en el horario de 10 a 20 hs.
Muestras:
Sala 1 |Ricardo Roux | Pura pintura
Pintura
Pura pintura, reúne obras de diversas series y períodos del artista, desarrolladas en telas de gran
y mediano formato, algunas sobre papel. Sus pinturas explotan el uso de contrastes vibrantes a
partir de informales planos de colores saturados y de una pincelada energética, temperamental y
catártica. Si bien a través del uso de la técnica del collage Roux (Buenos Aires, 1945) incorpora la
realidad al plano pictórico, elude sin embargo la lógica representacional de la pintura canónica, lo
que, junto a sus paisajes, marca el itinerario en el que su obra va perdiendo toda referencialidad
externa, para configurarse en un lenguaje interno y absolutamente propio. Ahondando en esa
poética de los signos ya presentes en sus trazos informalistas, la serie de los poemas pone en
diálogo los lenguajes de la pintura y la escritura con una fuerte impronta caligráfica. No se trata,
para Roux, de “pintar sobre lo escrito, ni escribir sobre lo pintado”, sino de establecer un juego
dinámico donde ambos lenguajes fluyen en simultaneidad y se construyen dialógicamente.
Recursos de una misma expresividad, líneas, veladuras, misma expresividad, planos,
transparencias y opacidades, collages y escrituras sin discurso, conforman el repertorio de la
imagen que Ricardo Roux despliega, a pura pintura.
Sala 2 y 3 | Mondongo |Mondongo
Retratos y paisajes
Claudia Santanera, curadora de la muestra Mondongo (Buenos Aires, 1999), presenta a este grupo
de artistas actualmente conformado por Juliana Laffitte y Manuel Mendanha, que con una
trayectoria de más de 10 años viene produciendo obras que se tensan siempre entre lo seductor
de las imágenes (habitualmente reconocidas por su divulgación en los medios) y lo desagradable o
lo profano de los materiales con que se construyen. Así Mondongo, como bien reza su nombre,
junta lo mejor y más nutritivo para un suculento y accesible guiso.
Hay algo en sus producciones que juega a ser especializado y ordinario a la vez. En la selección de
materiales y en los grandes formatos, así como en los motivos y lo no convencional de los
procedimientos, se encuentra expresado el contrapunto que caracteriza su obra. Con esta nueva
selección, nos acercan imágenes académicas (retratos, paisajes, naturalezas muertas) pero cuya
factura responde a una fórmula ya característica de Mondongo en la cual la elección de materiales
(hilos de algodón, plastilina, cera, fiambres) alude a algún aspecto relevante en el plano semiótico
de la obra. La relación que se establece, suele ser una metáfora sencilla y directa. En esta serie, los
hilos de colores con los que se conforman los rostros se traducen como un símbolo de las
conexiones interpersonales, tan variables, enredadas, resistentes, anudadas y frágiles a la vez. Los
retratados suelen ser personajes conocidos (Fogwill, el escritor argentino de “Los pichiciegos” y
sus hijos; el pintor de posguerra Lucian Freud, entre otros.) pero en esta ocasión aparecen
también personas de su ámbito íntimo (la madre y la abuela de Manuel, su hija Francisca y la
misma Juliana embarazada). La plastilina de los paisajes puede interpretarse como símbolo de lo
blando, maleable y flexible del elemento vivo del paisaje entrerriano.
Sala 4| “100 años del Museo Caraffa”. Línea de tiempo con los hechos más relevantes en estos
100 años | Área de Colección del Museo Caraffa
Esta exposición, que abre la agenda de aniversario del museo, se propone explorar a través de una
línea de tiempo, el complejo proceso que, desde aquel remoto acontecimiento de la apertura de
las Salas de Pintura del Museo Provincial en 1914, nos acerca al espacio que hoy conocemos como
"Museo Provincial de Bellas Artes Museo Caraffa". La operación supone una selección de hechos,
momentos y figuras clave, materializada en una comprimida síntesis gráfica, que intenta dar
cuenta de un complejo proceso institucional (que se remonta inclusive antes de 1914), y
comprende una serie de transformaciones hasta arribar a un espacio específico dedicado a las
artes visuales y se transforma y redefine hasta adoptar su forma presente. Asumiendo la inevitable
imparcialidad que esta empresa representa, en la que las distinciones entre lo relevante y lo
anecdótico, lo memorable y lo prescindible, dependen en gran medida de la escala y el lugar de
observación, la exposición se propone ofrecer un punto de partida (a la manera de mínimas notas)
para pensar al museo desde otras posibles perspectivas.
Sala 5 |Banco Ciudad |Los ’60 en el Ciudad
Pintura
La muestra Los ’60 en el Ciudad, es un significativo recorte del panorama de la pintura de los años
60 en la Argentina. Se trata de una selección de 28 obras pertenecientes al patrimonio del Banco
Ciudad de Buenos Aires datadas en esa década, como las de Lea Lublin, Ernesto Deira, Rómulo
Macció, Luis Felipe Noé, Antonio Berni, Jorge De La Vega, Julio Le Parc y la de Marta Minujín en
1959 y Gyula Kosice en 1972, entre otros.
Los ‘60 marcaron en el mundo una importante inflexión porque fueron el escenario en el que los
relatos modernistas de purismo y autonomía enfrentaron las más radicales críticas tanto desde los
discursos, como desde las prácticas. La pintura modernista, que se había convertido en objeto de
investigación de sus propios medios y dentro de sus propios límites, halló pronto los signos de su
agotamiento y llevó al extremo las posibilidades de hibridación de los lenguajes que ya las
vanguardias de principios del siglo XX habían introducido. El espíritu de la convulsionada búsqueda
que caracterizó al período, se deja aprehender en Los ’60 en el Ciudad, “si bien –como señala
Mercedes Casanegra en el catálogo que acompaña la muestra- estas obras fueron realizadas en
dos dimensiones, salvo las de Julio Le Parc y la citada de Kosice, el lapso entre fines de los años 50
y todos los 60 testimonió la pérdida de la identidad de la obra de arte tradicional, pintura y
escultura, el olvido de toda ortodoxia artística y la constante experimentación, entre otros
aspectos. Es decir, las categorías artísticas comenzaron a desvanecerse, a estallar y hubo
profundos cuestionamientos a la institución arte. Un gran vitalismo arrasó no solamente la escena
artística sino la intimidad de cada obra hasta dejar palpar en ella el cuerpo mismo del artista. No
obstante, aún en los casos de obras que guardaron ciertos códigos de la tradición, el huracán
rupturista se dejó sentir”.
Sala 6 | Salvo Genovesi | No Shame Multimedia Concept Part I
Fotografía
El Instituto Italiano de Cultura, junto con el Museo Caraffa presenta a Salvo Genovesi (Italia). El
artista que ha explorado el cine, la fotografía así como la poesía y la redacción de libretos en sus
búsquedas estéticas, ofrece en esta ocasión la primer parte de su proyecto intitulado No shame
multimedia concept part I, conformado por una serie de fotografías monocromáticas manipuladas
digitalmente para dejar entrever algunos pequeños detalles del color original de los objetos
encuadrados. Imágenes de los recorridos aparentemente azarosos del artista por la ciudad,
develan detalles coloridos con la intención de romper con la homologación habitual del ser social.
A modo de metáfora, el color destacado nos habla de la belleza de lo auténtico, como un riesgo de
exposición y como una posibilidad liberadora.
Curiosamente, los títulos de cada una de las imágenes no siempre dirigen nuestra mirada hacia lo
que el color destaca. Cabe entonces preguntarse hacia dónde intenta enviarnos el artista con éstas
imágenes. Quizás sea una invitación a recorrer libremente con nuestra propia mirada aquel
punctum intransferible que se define por nuestra más auténtica experiencia ante la fotografía, de
la que hablara Roland Barthes en su célebre ensayo: La Cámara Lúcida. Nota sobre la fotografía
(editado en castellano por primera vez en 1989).
Sala 7 |Matías Kritz | El borde entre dos espacios
Fotografía
La serie de fotografías intitulada El borde entre dos espacios de Matías Kritz (Buenos Aires, 1973) y
curada por Alejandra de las Mercedes Fernández, surgió como una invitación del Médico
Psiquiatra Sebastián Scarfo y la dirección general del Hospital de salud mental Braulio Moyano
junto con el Museo Christofredo Jakob* para generar obra fotográfica en sus instalaciones, con la
intención de recuperarlo a través de lo recaudado con su muestra. En ellas se nos presenta el
recorrido de Kritz por lo espeluznante de un reducto en ruinas, que contiene aún la marca de lo
vivido. Allí, en ese silencio, las imágenes nos devuelven a la consciencia nuestra propia fragilidad,
condición de encarnadura que nos iguala ante la muerte. Representan un segmento que posibilita
ver desde afuera, como ocasional voyeur, y colocar allí en el espacio vacío el propio relato de
sufrimiento. La ausencia de un rostro, de un cuerpo, nos devuelve una angustiosa intranquilidad.
Precisamos de la rotulación de lo loco, de lo extraordinario para encausar nuestra razón. Así,
Matías se coloca en el borde que define el estar dentro y el ser observador externo en un ejercicio
estetizante y filosófico a la vez sobre la locura y sobre la práctica fotográfica.
Su búsqueda como artista ha encauzado en diversas disciplinas desde el dibujo y la pintura,
pasando por la música y la fotografía así como por medios digitales. El hilo conductor de toda su
producción pareciera formularse como una alquimia para transformar lo sórdido y doloroso en un
hecho estético. Su obra se nos presenta como posibilidad de frontera entre el mundo exterior y su
yo interno, como una piel que delimita.
* Fue fundador de la tradición denominada Escuela Neurobiológica Argentino-Germana. Se dedicó a la investigación de la evolución del
sistema nervioso, desde los animales más simples hasta el hombre.
Salas 8 y 9 |Cristina Figueroa | Espíritu y materia
Escultura
Espíritu y materia de Cristina Figueroa (Córdoba, 1941) reúne esculturas de diferentes momentos
de una trayectoria signada por la búsqueda incesante y la exploración de diversas técnicas y
materiales, con el acento siempre puesto en la perseverancia del oficio. En sus bronces en
pequeño formato prevalece lo aéreo, lo incorpóreo y una fuerte linealidad, mientras que su obra
en madera apela a la presencia de la masa y a una definición más marcada por la figuración y la
gravidez de la horizontalidad. En ambas, la inclinación al modelado se evidencia en el desdén por
las aristas. Pasajes, volúmenes y vacíos prefieren, en lo abstracto o en lo figurativo, la huella de la
manipulación espontánea y la poética de lo orgánico. Su trabajo en mármol, finalmente, es
muestra de una tendencia más explícitamente totémica, mítica y ritualista que, aunque no ajena ni
a sus bronces ni a sus maderas, aparece en la piedra de un modo más tensionado a partir del uso
de rectas y cruces diagonales, resueltas en una técnica sustractiva y constructiva más cruda y
monolítica, que ofrece menos concesiones a su impulso a modelar, pero no a su potencia
expresiva.
Conversaciones con Artistas
-Viernes 29 de Agosto: 18 horas en el foyer, charla con Matías kritz por su muestra de fotográfica
“El borde entre dos espacios”, entrada libre y gratuita.
-Jueves 4 de Septiembre: 18 horas salas 8 y 9, charla con Cristina Figueroa por su muestra de
escultura “Espíritu y Materia”, entrada libre y gratuita.
Ciclo 100 años del MEC y 30 años de la AAMEC
1.- Jueves 11 de septiembre en el Foyer del Museo, 18hs.
- “El artista contemporáneo y su relación con el Museo” Presentación a cargo de Jorge Torres.
- Mesa-debate sobre el tema a cargo de Fernando Fraenza, Carina Cagnolo, Julia Romano y Manuel
Pascual.
2.- Jueves 25 de septiembre en el Foyer del Museo, 18hs.
-“El Mec y la perspectiva histórica” a cargo de Marta fuentes
-“Córdoba y el arte 100 años atrás” a cargo de Marcelo Nusenovich y Clementina Zablosky.
-“Emilio Caraffa” a cargo de Tomás Bondone.
Costo: $50 publico general, estudiantes, jubilados y menores gratis, $ 25 para los socios de
AAMEC.
Actividades del Área de Educación
Talleres con artistas
Taller de Arte Sonoro “GRABACIONES DE CAMPO”
Dictado por: Juan Manuel Castrillo.
Día y horario: sábado 30 de agosto a las 16hs.
Lugar: Biblioteca del MEC.
Cantidad de participantes: 25 personas.
Costo del Taller: $50. Para asistir al Taller, el participante debe tener abonado el mismo, una
semana antes de que se dicte.
Público al que está destinado: Actividad inclusiva dirigida a estudiantes y profesionales dentro
del campo de la biología, comunicación social, arte, música, producción audiovisual y expertos
(que deseen afianzar o compartir sus conocimientos en un ambiente de intercambio) y público
interesado. Este taller incentiva también a participar a personas con discapacidad visual o
personas ciegas que tengan buen manejo de grabadoras.
La atención y la observación, a través de la escucha y el registro de audio, ponen de manifiesto
paisajes sonoros circundantes brindándonos una apertura para percibir y comprender el entorno.
Inscripciones: personalmente en la recepción del museo o al tel 4343348/49 interno 215 o al mail
[email protected].
Taller de Stop Motion “ANIMAILÍN”
Dictado por: Natalia Medina
Día y horario: sábado 6 de septiembre a las 16hs.
Lugar: Foyer.
Público al que está destinado: Actividad inclusiva dirigida a niños y niñas de 5 a 10 años.
Cantidad de participantes: 25 personas.
Costo del Taller: $50. Para asistir al Taller, el participante debe tener abonado el mismo, una
semana antes de que se dicte.
El Stop motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos
estáticos por medio de una serie de imágenes sucesivas.
Objetivos:
-Lograr que el niño realice actos significativos que promuevan un aprendizaje con sentido plástico,
ético y participativo.
-Realizar una producción animada a través de la técnica de Stop motion, de manera colaborativa
entre todos los participantes del taller experimentando con distintos modos de acción en el plano,
el volumen y el espacio.
Inscripciones: personalmente en la recepción del museo o al tel 4343348/49 interno 215 o al mail
[email protected].
Taller de Dibujo: “LA GRÁFICA EN EL FILETEADO PORTEÑO”
Dictado por: Mauricio Navarro.
Día y horario: sábado 27 de septiembre a las 16hs.
Lugar: Foyer.
Público al que está destinado: Actividad inclusiva dirigida a jóvenes, adultos y público interesado.
Cantidad de participantes: 25 personas.
Costo del Taller: $50. Para asistir al Taller, el participante debe tener abonado el mismo, una
semana antes de que se dicte.
-Breve introducción histórica sobre el arte del fileteado, detalles y características.
Inscripciones: personalmente en la recepción del museo o al tel 4343348/49 interno 215 o al mail
[email protected].
Curso de “Sistema Braille”
Actividad conjunta con la Biblioteca de Discapacitados
Visuales.
Dictado por: Prof. Aldo Ceballos. Responsable del MEC. Lila Echenique (Área de educación,
responsable del Programa de Educación Accesible).
Comienza: 2 de septiembre
Día y horario: martes de 14 a 16hs
Lugar: Biblioteca Deodoro Roca del MEC.
Público al que está destinado: Público vidente, mayor de 18 años. Cupo limitado.
Inscripciones: por teléfono 4343348/49 int 215 de lunes a viernes de 9 a 16hs, por mail
[email protected]
Actividad gratuita
Ciclo de Cine: El Sèptimo en el Caraffa
El Séptimo en el Caraffa presenta su nuevo ciclo de cine “El universo de Jacques Demy y Agnés
Varda” en su horario de Primavera, 20 horas en el foyer del Museo.
-Miércoles 3 de septiembre
“Lola” del Director Jacques Demy con Anouk Aimée, Marc Michel, Alan Scott y Jacques Harden.
Francia 1961, blanco y negro, 90 minutos.
-Miércoles 10 de septiembre
“La pointe courte” de la directora Agnés Varda con Silvia Monford, Philippe Noiret y la gente del
pueblo.
Francia 1954, blanco y negro, 86 minutos.
-Miércoles 17 de septiembre
“La bahía de los ángeles” del Director Jacques Demy con Jeanne Moreau, Claude Mann y Paul
Guers.
Francia 1963, blanco y negro, 89 minutos.
-Miércoles 24 de septiembre
“Cleo de 5 a 7” de la Directora Agnés Varda con Corinne Marchand, Antoine Bourseiller y Michel
Legrand.
Francia 1961, blanco y negro, 90 minutos.