Imágenes de una Rusia Pagana “Un inventor de música” así se Refería Stravinsky sobre su trabajo como compositor musical, le gustaba referirse de esa forma porque para él un compositor debía inventar nuevas formas no imitar las que ya habían sido creadas. “Todos tenemos un deber con la música, y es el de inventar” 1 En la actualidad lo conocemos como un compositor que tenía un estilo algo diferentes y muy difícil de no notar, una visión de lo que podría ser común en el futuro es lo que él siempre quiso mostrar en sus obras. Una característica que le permitía de algún modo expresar emociones o momentos en su vida que quizás no pudo expresar con palabras, mas con buena música le bastaba para hacerlo. Igor Stravinsky, compositor de nacionalidad Rusa, nacido el 18 de junio de 1882 en Oriembaun, un pequeño pueblo cercano a San Petersburgo. Desde temprana edad Igor se acerco a la música de forma autodidacta, bajo una pobra enseñanza que le dejo su padre un músico de profesión. Desde temprano Stravinsky hiso avances con el piano y la composición de pequeñas obras. Hasta que conoció al que sería su maestro, el compositor Ruso Niccolay Rinsky Korsakof, quien educo a Igor musicalmente y le enseño el arte de la composición, especialmente la música tradicionalista rusa, cosa por la que Korsakof ya era famoso. Aparte de sus estudios de música, Igor estudio y se graduó en la Escuela de Derecho de San Petersburgo. Carrera algo alejada del arte, pero que posiblemente fue de gran ayuda al músico porque en la escuela de Derecho pudo entablar amistades que le serian provechas en un futuro. Pero no le importo haberse graduado en Derecho porque nunca ejerció esta carrera, su vida se consagro a la música. Definiéndose a sí mismo como un espíritu libre, al que solo su propia voluntad podía poner límites. “Mi libertad consiste, pues, en mis movimientos dentro del estrecho marco que yo mismo me he asignado para cada una de mis empresas”2 Ya gracias a la relación de amistad y de enseñanza que mantuvo con Korsakof pudo componer “Fuegos Artificiales”, obra que dedico a la hija de su maestro por las celebraciones de su boda. El estreno de su nueva obra estrenada en 1908 junto a su Sonata para Piano ya estrenada en 1903, fueron su entrada al mundo de la música académica. Lamentablemente después del estreno de Fuegos Artificiales su maestro murió de pronto. Stravinsky refiriéndose a su maestro dijo: “El no solo fue un gran amigo, también fue un gran guía y una trascendental fuente de inspiración” 3 Desde el estreno de sus primeras composiciones, Stravinsky siempre tuvo un estilo que no siempre cumplía con las imposiciones y normas que ya se habían establecido en el periodo Romántico de la música académica. Se dedico como siempre a la innovación, tal y como lo demuestran el uso diferentes combinaciones de materia orquestal e instrumental. Gracias al a inspiración que le proporcionaba Korsavof pudo crear la primera de sus grandes obras, “El pájaro de Fuego”, realizado bajo pedido y que sería un gran éxito. Este ballet fue seguida por otras dos obras de gigantescas proporciones como son “Petruska” en 1911 y”La Sacre du Printemps” en 1913, obra mejor conocida por su traducción al español como “La Consagración de la Primavera”. Dos obras muy inspiradas por el folklore Ruso y famosas por las nuevas líneas de color, formas y ritmos que les agrego Stravinsky. Pero sería por Le sacre que pudo alcanzar un estrato muy alto en la historia de música. Poseyendo una historia que impacta con una energía diferente al que la escuchar y ritmos que no se habían escuchado, Stravinsky encontró el punto de partida para el desarrollo de una vida llena de creación artística y de crítica hacia las obras que serian concebidas por tener una forma diferente de llevar a un espectador a adentrarse en una obra musical y a observar con otros ojos el relato de una historia. El punto detonante-por decirlo de alguna manera- de la creación artística de Stravinsky fue la Le Sacre, porque su nombre hace alusión a la historia Rusa antigua, donde los pueblos aun no civilizados tenían rituales y diferentes formas de celebrar fiestas propias de ellos o los cambios en las temporadas del año. Pero lo que hiso un cambio en la forma de reflejar a los años de antaño en el ámbito musical fue el deslumbramiento de un acto que no se había visto en un escenario de esa época y menos en ese esfera artística. La historia de un Sacrificio. ¿Qué es lo primero que se viene a la mente o que se entiende al momento de escuchar la palabra “sacrificio”?. De acuerdo con la Real Lengua Española la palabra Sacrificio significa: “Rendir un homenaje a una divinidad o a un ser superior”. Esto mismo puede suponer un acto de fe, pero también un acto realizado por miedo, ligado a que se tiene la necesidad de algo. Ya grandes Culturas antiguas habían cometido grandes actos por miedo a que su mundo como lo conocían llegara a su fin, como por ejemplo los pueblos Maya y Azteca, que vivieron en un mundo donde sentían la presencia constante de un ente superior al cual debían rendirle obediencia nada más por el hecho de haber otorgado conciencia a las personas. ¿Pero acaso no era más fácil solo adorar sus divinidades con celebraciones en su honor?, ¿Por qué se debían sacrificar a las mismas personas que te acompañan en la adoración, en tus oraciones y que gracias a esa idolatría tus iconos sagrados tengan más poder? Estas representaciones de sacrificios se observan en todo el mundo, hasta en las religiones más predominantes como el cristianismo, donde se representa a Jesucristo el hijo de Dios se auto sacrifica para un bien mayor, dejándose ser torturado y crucificado por hombres que tienen ideas y normas diferentes a la suya. ¿Pero qué es lo que hace al sacrificio humano tan importante? La donación del cuerpo, del espíritu y la renuncia por voluntad propia o por obligación, siempre ha sido el mayor regalo que se puede otorgar parar lograr un bien personal o para un bienestar colectivo del grupo o sociedad que así lo requiera. La ofrenda de sangre o “Agua de vida” como se le llama en la historia de La leyenda de la Tierra Hambrienta de pueblo Azteca, donde se relata que la tierra tiene vida gracias a que esta es la forma de una Diosa que fue encerrada por su voraz apetito y solo se le puede aplacar su hambre con sangre y corazones de quereros, para asegurar la continuidad del mundo. En culturas Celtas y Nórdicas paganas se tuvo una visión de las épocas del año como periodos en donde los dioses ponían en duda la fe de los hombres durante cuatro épocas del año. Cada una con sus características y dioses, resaltando los dioses de verano y de invierno quienes eran los más prominentes. El inicio y el fin del año, épocas donde se debían realizar los más grandes actos de fe del año. En estos sacrificios se debían invocar a los poderes de la naturaleza y la tierra, llamada a través de canticos y música consagrada a todo el ritual, ritos musicales generalmente desenfrenados y salvajes. ¿Pero por qué rito tan solemne debía ser acompañado por ritmos muy escandalosos y no por música alegre que atrajera felicidad o tristeza en quien la escuchara al momento del sacrificio? ¿Acaso era una norma musical o estética? Muchos grandes músicos han compuesto y creado música y escenas para representar un acto parecido, más nunca igual, solo con darle al espectador una visión de lo que el autor tenía en mente y quiso reflejar. Pero siempre ha existido la normativa y la idea de que en toda obra y cada creación de un compositor debía ser para el goce y el disfrute, nunca para alentar a la expresión de visiones de formas vivas, no solo al interpretar una obra sino al escucharla. Por suerte siempre han aparecido grandes hombres que se salen de la normativa constituida. Es una pena que hasta ya entrado el siglo XVIII no muchos se atrevieron a saltar barreras de formalismos que se habían impuesto gracias a los teóricos musicales y compositores de siglos pasados. Por esta razón grandes músicos como Beethoven, Mahler y Stravinsky se dieran a conocer por su atrevimiento. No para intentar complacer a otro con su música, sino para escribir y dar a conocer lo que ellos tenían por dentro, ese fuego, esa pasión. “La música debe poner en llamas el corazón de un hombre, y sacar lagrimas de los ojos de una mujer” 4. Probablemente por esta razón Stravinsky se atrevió a componer una obra que no solo trascendiera por su originalidad en el ámbito musical, sino por la historia que en ella se relata. La historia de un sacrificio humano en tiempos antiguos. Sus personajes, su trama y su final dan una breve pero muy clara visión de lo que fue una vez el mundo y como a través de la música se pueden trasladar y dar a entender lo que se ve, sin tener que oír una palabra. Y más aun, solo teniendo en cuenta como es la trama poder dejarse llevar por lo que se escucha. Quizás siendo atrapado y transportado por un pensamiento que se sale de lo convencional. La vida del músico se encuentra siempre en una trama de sinuosos sacrificios, renovación y movimiento tanto por su mundo como en su mente. Todo artista debe ser sumiso a recibir inspiración- a ser poseído por una musa-de cualquier lugar, trama u objeto que el presencie o plantee. Se debe pasar por la senda del drama, la tortuosa y consecuente búsqueda de la innovación para evitar caer en lo que muchos ya han parado, que es la imitación personalizada. A esto Stravinsky siempre estuvo consiente, por eso desde el inicio de su carrera musical demuestre una singularidad única, teniendo una vista hacia el pasado y a sus antecesores el encontraba no la inspiración, sino la posible idea de donde reflejar algo nuevo que ya venía maquinando en su mente. En un viaje a Rusia para presentar el estreno mundial de El Pájaro de Fuego, era el año 1910. Después del fabuloso estreno de su nueva obra, Stravinsky se encontraba bebiendo en una reunión con amigos cuando de pronto como a todo artista un pensamiento surgió en su mente algo que lo dejo pensativo, ¿qué era eso y como apareció en su mente? Stravinsky no pudo contener la emoción la emoción que género ese pensamiento fugaz porque posiblemente esta era la idea que estuvo buscando en su mente y a través de intensos viajes y críticas a la que era sometido. “Antes de componer una obra, camino alrededor de ella muchas veces, acompañado de mí mismo” Erick Satie S.D.E. 5 ¿Por qué no atreverse a componer una obra sin tener un drama previo a la música? ¿Acaso Stravisnky no se atrevía a buscar la aceptación a través de la composición de lo popular y lo que se disfrutaba en ese periodo de la historia? Stravinsky: “Vi en mi imaginación un rito pagano solemne: los ancianos sabios sentados alrededor de un circulo, observando a una muchacha que baila hasta morir. La están sacrificando para propiciar al dios de la primavera”6 Nada más estas palabras Stravinsky plasma en la mente una imagen en quien la lee de un mundo antiguo, sonde prevalece el más fuerte y donde los más sabios y ancianos controlan la vida de los pueblos gracias su sabiduría y la guía de cómo se deben reverenciar a las divinidades y al mundo a través de la entrega de ofrendas para que se apacigüe a los dioses de las temporadas y hagan desaparecer al duro y desolado invierno, devolviendo el calor esencial para que la primavera vuelva devolviéndoles la esperanza a la humanidad. Esta visión del mundo de un mundo antigua hace recordar la leyenda del Popol Vuh 7, donde se relata que las personas deben hacer una gran ofrenda cada 50 años a los dioses mayas para que le mundo continuara. La visión de una doncella que baila hasta su muerte fue escuchada por primera vez en una reunión de amigos en la casa de Stravinsky. Fue conveniente que en ese momento se encontraran un pintor y un empresario con el que ya Igor había trabajado, su nombre era Serguei Diaghilev. La idea fue aceptada casi sin renuencias porque con una visión relatada por un compositor que ya por naturaleza se atrevía a más, sería interesante y posiblemente rentable, porque, una obra nueva, aún teniendo una trama algo extraña potencialmente tendría un éxito igual o mayor al Pájaro de fuego. Especialmente sería conveniente que fuera un ballet, donde se podría representar toda la historia que se pudiera desarrollar a partir de una idea. ¿Pero podría ser difícil coordinar la música con un baile dándole un toque nuevo? Quizás Stravinsky lo vio como un reto, aunque ya se había atrevido a hacer ballets no había tenido que desarrollar toda la trama y la historia que se relata, más tener que ocuparse por igual de componer una música que lleve al oyente sentirse dentro de la obra. La mayor parte de los melómanos cree que lo que impulsa a la imaginación creadora del compositor es cierta inquietud emotiva que se designa generalmente como inspiración. No me es posible negar a la inspiración el papel eminente que se le acuerda en la génesis que estudiamos; simplemente pretendo que no es en modo alguna condición previa del arte musical, sino una manifestación secundaria en el orden del tiempo. Inspiración, arte, artista, son términos como mínimo, brumosos, que nos impiden ver claro un dominio donde todo es equilibrio y calculo, dominio por el que pasa el soplo del espíritu especulativo. 8 Con el peso de tener una obra que se veía de grandes proporciones en sus hombros y a Diaghilev atrás de él para que hiciera la obra lo más rápido posible, Stravinsky comenzó una recopilación de historias antiguas en sus viajes a Rusia, aprovechando que se le necesitaba para el estreno de sus obras en el que una vez fue su país, su Alma Mater. Pero siempre teniendo en cuenta la visión que ya había tenido de la doncella sacrificada sin cambiar la historia, solo le agrego. Comenzó un estudio muy profundo de las obras de su antiguo maestro Korsakof para darse una idea de cómo podría relatar una historia que se alejara un poco de lo que ya había logrado en sus otros trabajos, Stravinsky nunca dejo de admitir que siempre admiro la “La Gran Pascua Rusa” y el poema sinfónico Sheherazade, obras sin duda llenas de color, fantasía e historia antigua. Ya fuera por leyendas o inspiradas por una obra literaria como Sheherazade que está inspirada en Las Mil y Una Noches, Korsavof había logrado algo diferente, posiblemente Stravinsky quiso de alguna manera demostrarse que él podía más, ya había tenido una visión de cómo sería la trama de la obra, ahora tenía que agregarle su toque musical que fue la gran particularidad-además de la historia del sacrifico- que lo caracterizaba a él. Pero agregándole algo que sus demás trabajos no tuvieran para atraer a una nueva legión de melómanos interesados en ver que es lo nuevo que se les presentara. Recuérdese la frase de André Gide “No aprovechar jamás para ninguna obra nueva el impulso adquirido por la precedente. Así mismo, conquistar para cada obra nueva un nuevo público”, frase que podría afirmar Stravinsky. Antes de terminarla Le Sacre Stravinsky se propuso a escribir obras algo diferentes que aunque no son muy conocidas quizás anuncien a Le Sacre, una obra coral muy poco conocida que lleva el nombre de Le Roi Des Eloites apareció de pronto, obra que nunca se ha podido estrenar por la dificultad técnica del coro, a la que compositores contemporáneos dijeron que era imposible interpretarla por la entonación del coro. ¿Acaso esto anunciaría una dificultad mayor en la consagración? Posiblemente, ya que el compositor quería reinventarse progresivamente y siempre intentar algo nuevo. Después de dos años de escritura, revisión e trabajo duro de búsqueda de elementos Stravinsky pudo terminar La Consagración de la Primavera. Donde la primera cosa que se vería y leería en la partitura seria una inscripción autógrafa del compositor que decía “Imágenes de una Rusia Pagana”. Un bailarín famoso para ese tiempo llamado Nijisnky fue el llamado por Digilied para poder explicarle la historia de la obra y como quería Stravinsky que fuera representado el ballet de acuerdo con la historia, ya que Nijisnky sería el encargado de crear la coreografía para los bailarines. Se le contrato aún sabiendo la inexperiencia que tenía el bailarín como coreógrafo, cosa que no le importo mucho a Stravinsky porque según él la danza no debe corresponder a la música. En ocasiones la danza era para él otra dimensión de la música, que tenía su propio sentido de ritmo y control, cosa que no les pareció correcta a los bailarines, ya que no estaban acostumbrados a todas las instrucciones que el compositor había exigido y menos a una música tan extraña. No es de extrañar que el propio Nijisnky exigiera no menos que 120 ensayos para que los bailarines pudieran adaptarse a esos extraños giros y piruetas que debían estar en un momento con la música y en otros solo danzarlos casi a su propio ritmo sin escuchar a una orquesta que tampoco estaba muy contenta interpretando una labor de esa magnitud, ya que la obra es todo un reto de afinación, como de resistencia física por la duración de la pieza, no era de asombro de nadie que la obra fuera desde un principio algo criticada. Ya en una ocasión anterior a Stravinsky le había pasado un caso igual con su ballet Petruchka, obra a la cual la orquesta de la opera de Vienes llamaba “Schumutzige Musik”, lo que es un equivalente a “música sucia” si se traduce al español. Innumerables dificultades de preparación se sucedieron en el año 1913 mientas se ensayaba para el estreno mundial de la nueva creación del tan reprochado compositor, los críticos musicales escribían sobre los comentarios que se escuchaban de parte de los músicos y bailarines que formaban parte de el reparto y la orquesta. Stravinsky no fue el único compositor al que ya había sometido de forma casi brutal la crítica, Beethoven-compositor muy admirado por Stravinsky- fue víctima de muchas críticas por el uso de nuevos colores y formas musicales en una orquesta y más en una época donde toda materia musical debía ser a gusto y placer de los teóricos musicales y críticos quienes preferían el arte de la composición del periodo clásico y a sus compositores más resaltantes como Mozart y Haydn, quienes componían algo nuevo siempre, pero jamás se salían de los parámetros musicales que se habían establecido para su época. Cosa a la que Beethoven se rehusó a seguir, de alguna manera solo componía música que él sentía y quería. Stravinsky dice refiriéndose a Beethoven: “Yo no creo equivocarme que es precisamente su manera de modelar la materia sonora lo que lo ha llevado, lógicamente a edificar esas formas monumentales a constituir su gloria” 9 Pero eso no desalentó a Stravinsky, haciéndoles caso omiso a las críticas de los músicos. Para el 15 de mayo de 1913 la orquesta esta lista al igual que los bailarines que interpretarían la pieza, se acordó la fecha para el 29 de mayo de ese mismo mes para su estreno, eligiendo el Teatre des Champs Elisées con Pierre Monteaux a la batuta de la orquesta. El estreno fue estrepitoso desde el momento en que comenzó la obra con el primer tema musical presentado con un solo de Fagot (que se presenta antes de subir el telón), a partir de ese momento se comenzaron a escuchar gritos y frases desde la audiencia en rechazo a la partitura y fue aún más fuerte el alboroto cuando se subió el telón. Es que era de esperarse un rechazo de esta magnitud, ya que era un público acostumbrado a escuchar obras del periodo barroco, clásico y romántico con una forma y sonoridad diferentes a las presentadas en Le sacre, y más las obras a las que ese público acostumbraba a escuchar ya habían sido acogidas y establecidas en el repertorio oficial y casi obligatorio que toda orquesta debía interpretar desde siglos atrás y que contaba con la aprobación de diferentes épocas de críticos y de musicólogos que se encargaron del análisis y la difusión de obras que ellos consideraban buenas y con el enfoque correcto para ser presentadas a los públicos de sus épocas. El publico de principios del siglo XX le gustaba escuchar música que fuera muy melódica y bella para sus gustos, pero era un público que no se enfocaba en escuchar el ritmo que se encuentra detrás de toda obra porque no era costumbre escuchar y contemplar un fondo cuando podían ver la superficie clara, esta costumbre de dar por inferior al ritmo todavía no ha desaparecido hoy en día, más esta menos arraigada que a principios del siglo XX. La coreografía también fue un punto importante en este rechazo por parte del público, porque los bailarines debían adaptarse a la música y no la música a la historia interpretada por los danzantes. Tampoco era sorpresa para nadie que en Paris, una de las capitales mundiales de la música para su época, se encontraran varios compositores reconocidos como Camille Saint-Saens y Maurice Ravel quienes asistieron al estreno de Le Sacre. Por su parte Saint-Saens apoyo las burlas y fomentaba más los gritos en el transcurso de estreno, mientras que Ravel era todo lo contrario, porque pedía que se calmara al público para disfrutar de la magnífica obra. Cuenta un espectador: “un joven en un asiento detrás de mí en el palco se puso de pie para ver mejor el ballet. El entusiasmo del que era presa se manifestó cuando empezó a llevar el ritmo de la obra con golpecitos de sus puños en mi cabeza. Mi emoción era tan grande que no sentí los golpes por un tiempo”. Pero la obra continuo, los músicos no se escuchaban entre si y menos los bailarines podían coordinarse con la música gracias al escándalo que provenía de la audiencia, Stravinsky tuvo que ir tras el escenario y comenzó a gritarle a los bailarines el tiempo para que estos intentaran terminar la obra y no quedarse parados e inmóviles mientras la música sonaba. Este tumulto jamás se ha había presentado en el estreno de una obra o por lo menos de esta forma. Victoria Ocampo en una carta a Stravinsky dice: “Yo nunca hubiese imaginado que en una sala pudiese desencadenarse semejante tempestad, provocada tan solo por unos compases (pues el alboroto empezó recordara usted, desde las primeras notas). Volví a verlo hasta que fue imposible oírlo. Había comprado la partitura, cuyas dificultades me consternaron. Es que desde el primer contacto-más tarde lo comprendí-la esperanza, la extraordinaria violencia rítmica de la consagración me hablaba de un genio.” 10 Cincuenta años más tarde se le devolvió a Stravinsky la partitura manuscrita de la consagración, este escribió cruzando la última página: “Ojala quien quiera que escuche esta música jamás experimente la burla a que fue sometida y de la cual fui testigo” 11 Una nueva forma de componer había sido presentada, pero con todo lo contrario a un éxito. Pero esto no importo mucho, porque ya las bases de un nuevo género estaban surgiendo. Un año después del escandaloso estreno de la Consagración en parís, se le voy volvió a presentar en Londres donde tuvo un éxito indiscutido y arrollador, cabe denotar que Stravinsky fue alzado en brazos por parte del público presente. ¿Por qué fue en Londres y no en Paris, que era una de las ciudades musicales más importantes del siglo XX, pudo triunfar una obra que se alejaba de las bases musicales convencionales para su época? El problema de cultura francesa es que siempre ha buscado de imponer dogmas, especialmente en lo que al arte se refiere. No triunfo por causa de que la música romántica se había arraigado en Europa y muy especialmente muy acogida por los franceses quienes también habían producido algunos sonados compositores de ese periodo como Héctor Berlios, gracias a esto el público francés carecía de elementos de comparación por falta la de innovaciones entre sus mismos músicos que no se atrevían a salir de los parámetros por miedo a las criticas. Por ello la presentación de Le Sacre provoco un shock, del que se debieron todas las necedades del día del estreno. Por el contrario en Londres tenia la mente más abierta por la influencia de la música Post Modernista que se había arraigado más en Inglaterra y su fuerte desarrollo en ese país. Stravinsky fue acogido y aclamado, ya él estaba consagrado para la historia por presentar una nueva forma de llevar al espectador lo que sucede en una obra musical. Dejando la melodía a un lado, para traer a un primer plano lo esencial que debe tener cada obra como lo es el Ritmo. ¿Por qué buscar de decir algo en una forma, que en muchas oportunidades será incompresible por la gran mayoría? ¿Acaso la idea nunca fue expresar algo, sino dejar al espectador con la emoción de no saber qué es lo que está pasando y dejarle sacar sus propias conclusiones acerca de lo puesto en escena? Considero la música, por esencia, incapaz de expresar cosa alguna: un sentimiento, una actitud, un estado psicológico, un fenómeno de la naturaleza, etc. La expresión nunca ha vivido una propiedad inmanente de la música 12 ¿Pero la trama de le Sacre habrá sido un factor determinante para que se diera una reacción tan negativa por parte del público en su primera audición? La trama se construyo en base a la visión de Stravinsky acerca del sacrificio de la doncella. Igor fue capaz de crear toda una historia, que propiamente pudo haber pasado de manera casi exacta en los antiguos pueblos Celta-Germánicos de la era del hierro. Distribuida en dos partes se desata la historia del rito, según se desenvuelve. “La Adoración de la Tierra” es la primera de esas partes, desenvuelta en ocho partes donde se descubren a los dos pueblos, los juegos primaverales, los cortejos y las danzas de la tierra, cada una con diferentes motivos y temas que no se repetirán en ninguno de los movimientos que se suceden y menos en su segunda parte “El Sacrificio” presentada en seis movimientos donde se presenta por primera vez a la elegida para el sacrificio, la evocación de los antepasados de la tribu y el desenlace de toda le sacre que acaba con la doncella sacrificada para consagrar la primavera para un nuevo año, entregándole el sacrificio supremo a el dios Jarilo. Como ya se ha aclarado la primera idea de la Consagración que tuvo Stravinsky fue la de la danza “sacra” de la joven Elegida, que danza hasta la extinción de las propias fuerzas ante un circulo de sabios prodigiosamente viejos y como petrificados. Imagen plástica, pues, es esa primera visión, que debía madurar durante varios años en el cerebro del maestro hasta el día de la realización definitiva. Pero imagen que contenía en sí todo el drama del grandioso fenómeno primaveral, donde – como dice Schaeffner- el símbolo de la nueva vida se abre camino a través de la más dura corteza del árbol, así como la danza de la Elegida da nuevas fuerzas y vigor a los seres inanimados que la circundan. La primera idea musical de Le Sacre fue la del acorde martillado que abre la escena de los “Augures primaverales” (después de alzarse el telón), y se remonta al verano del año 1911, no bien terminada la obra coral Le Roi des Eloites. Ese día comienza la verdadera creación de la consagración, que en un primer plano subir a escena en 1912 en parís. Entretanto Diaghilev había encargado a Nijinsky no solamente la coreografía de la Consagración sino también la de una especie de cuadro greco-arcaico, para la cual se utilizaría la música del Prelude á L´Aprésmidi d´un faune de Debussy. Stravinsky relata minuciosamente, en sus Crónicas de mi vida, las consecuencias del error cometido por Diaghilev al querer hacer a toda costa a Nijisnky un coreógrafo, cuando ese bailarín-aunque era maravillosocarecía de toda preparación para hacer de coreógrafo de ballet. Una de las consecuencias fue que nijisnky –acaparado por el trabajo de preparación del Fauno- no pudo ocuparse por un buen tiempo en preparar cuidadosamente la coreografía de Le Sacre. Otros coreógrafos capaces de encargarse de un trabajo así no pudieron ser contratados por el momento, esa fue una de las razones del aplazamiento del estreno de la Consagración hasta 1913. Otro gran problema fue el confiar la coreografía a Nijisnky quien era una persona que prácticamente no tenía la más mínima noción musical, cosa que no le agradaba a Pierre Monteaux ya que le desagradaba tener que explicarle de formas simples los fundamentos y conocimientos más fáciles y fundamentales de la música a un coreógrafo que se suponía debiera estar preparado para el cargo. Pero un hecho significante para el gran estruendo del día del estreno fue sin duda el fondo pintado por un gran amigo de Stravinsky, que evocaba a un paisaje antiguo, lleno de montañas y colinas de una época que ya había desaparecido. Imágenes de un mundo salvaje extraño y exótico, que ya para la mente del siglo XIV y principios del XX había sido dominado por el desarrollo de las sociedades humanas a través de la historia. Una imagen que era muy extraña para la época en la que Igor tuvo su peculiar visión. Gracias a que la revolución industrial había incrementado la vida de las ciudades y su expansión hacia tierras que fueran libres una vez alejando cada vez más a las mentes jóvenes de las tierras antiguas y llenas de historia, removiendo de la mente de las personas las viejas creencia y suplantadoras por el interés por los adelantos modernos y las grandes ciudades que estaban en apogeo. Dejando atrás y en el abandono la evocación al pasado primitivo y sus elementos que llamados profanos por individuos que solo tenían su vista el futuro que ya se les avecinaba. “El aparato musical que cada época una marca con su sello el lenguaje, y por así decirlo, el gusto musical, tanto como la actitud del compositor hacia la sonoridad. Estos elementos son factores inmediatos de ese conjunto de particularidades que nos ayudan a determinar la formación del lenguaje y el estilo.” 13 Así comenzó la era de la música neo clásica y contemporánea con la Consagración de la Primavera, gracias al radical uso de los artificios orquestales de los que era responsable gracias a que Stravinsky nunca le gusto seguir un camino, porque sus propias palabras “Seguir un camino era retroceder”, cosa que nunca hiso, aun cuando la critica lo apabullara. Lo más seguro es que por esa actitud Stravinsky se reconoció como un genio, por no tener una forma clara de que era lo que iba a componer en un momento, sino por la razón de que él no sabía en qué iba a terminar, solo seguía experimentando en el camino, hasta que llegaba a algo que le gustaba. Una cosa peculiar en él fue el hecho de que componía al piano-cosa que no todos los compositores lo hacen porque prefieren revisar su trabajo innumerable veces antes de escucharlo-, el solo tocaba y solo se detenía cuando estaba satisfecho con lo que había creado. Una peculiar historia se comenta sobre Stravinsky, se cuenta que un día se encontraba en su estudio y su gato se acerco y le rozo la pierna. Stravinsky lo cogió y lo coloco sobre el piano, lo hiso caminar sobre el teclado y comenzó a escribir todo lo que sonaba en aquel piano tocado inintensionalmente por el inocente animal. ¿Pero acaso no es una locura componer si no sabes que lo que se ha escrito va a ser del agrado de un público? “El capricho individual y la anarquía intelectual que tienden a dominar al artista de sus semejantes le condenan a aparecer a los ojos del público en calidad de monstruo: monstruo de originalidad, inventar de su lenguaje, de su vocabulario y del aparejo de su arte” 14 La búsqueda de nuevos elementos fue una constante en la vida de Igor, reflejada en gran medida en Le Sacre, donde él pudo dar rienda suelta a su imaginación para poder usar elementos como la utilización de instrumentos musicales de formas distintas a las que eran usados normalmente. Junto a la implementación de instrumentos musicales que no eran del uso común en una orquesta sinfónica y menos tratándose de instrumentos de viento y percusión. En el caso de la percusión Stravinsky hace que tengan el papel más importante de toda la obra, ya que toda la Consagración es una constante renovación de ritmos, usados para de alguna forma hacer sentir a un público los sonidos característicamente energicos, escalofriantes y hasta brutales que se llevan a cabo en un ritual sagrado con muchos elementos percutivos que ayudan a los presentes, y más aun al sacrificiosi se tratase de un humano- a caer en un trance, haciendo al ritual más productivo, ya que al hacerlo se deja al cuerpo físico para que este sea poseído por los espíritus a los que se está evocando. Ayudado por la gran masa orquestal que se necesita en para tocar la Consagración, se produce una emoción que se ocasionada por el desenfreno producido por los acordes de la cuerda, junto al ritmo constante de los elementos de percusión de la orquesta. Pero a Stravinsky no le basto, porque, para que se escuchara como él quería hiso que se duplicaran todos los instrumentos de percusión, y por necesidad fue necesario incrementar el número de instrumentos de viendo madera, que siempre son los emprendedores al presentar las nuevos temas en una pieza musical a medida que esta transcurre. Merece la pena destacar igualmente el curioso papel reservado para las cuerdas en Le Sacre. Los violines que por lo general son los encargados de llevar el peso de la obra, se limitan prácticamente a funciones de acompañamiento rítmico, sin participar del protagonismo habitual. No cabe duda que la Consagración en una obra que se balancea entre la genialidad y la locura-por decirlo de alguna manera-que su creados poseía. Pero no importa cual pudiera ser, porque la vida y obra de Igor Stravinsky fue inspiración para el desarrollo de nuevas generaciones de compositores y escritores, gracias a que su trabajo abrazo múltiples estilos composicionales, revolucionando la orquesta y abarcando varios géneros; prácticamente el reinvento el ballet y su estructura, también incorporando múltiples culturas, idiomas y literaturas. A su vez Stravinsky fue inspirado por muchos antecesores suyos, posiblemente su mayor fuente de inspiración-aparte de su maestro Korsakof- fue Beethoven, ya que Igor siempre recalco la eminencia que fue la bestia(apodo dado a Beethoven por seguidores y colegas de su época). Quizás se identificaba con él, porque, los dos fueron incomprendidos y a su vez casi que motivo de burla por sus atrevimientos en su forma de plasmar ideas. Beethoven fue criticado y burlado cuando creo La Gran Fuga, por parte de sus mecenas y admiradores que no comprendían la genialidad que el genio de Bonn había creado. Pero que al final su obra, aunque se quiera llamar futurista, solo era el reflejo de las ideas de un visionario del pasado, plasmada en compases y notas musicales. Exactamente el mismo caso que vivió Stravinsky cuando presento Le Sacre Du Printemps. ¿Pero se podría llamar a Igor Stravinsky “un hombre revolucionario”, por el hecho de haber comenzado con una nueva forma de efectuar ideas a través del idioma universal que es la música? Quizás, pero Stravinsky mismo estuvo en contra de ser llamado revolucionario durante toda su carrera musical. Pero no se puede dudar el hecho de que perdurara con gloria y reverencia hasta nuestros días. Posiblemente no haya sido su vida y menos aun su obra, sino el hecho de haberse atrevido a algo más, porque su corazón le dictaba un camino, probablemente no sería el más indicado pero su curso y como fue criticado por su arrojo al no aceptar las reglas. Y esta falta de respeto por las leyes que existían para el arte-cosa absurdo, porque el arte jamás debe tener reglas- fue lo atractivo para los músicos que le sucedieron. Un encantador y seductor nuevo mundo se les presentaba y sigue presentándolo aun en día, un atractivo que les presentaba una musa que no tenía fin-excepto por las limitaciones que el mismo Stravinsky puso en su obra- y que podía ayudar a tener visiones para las nuevas ideas que posiblemente iluminarían su vida, este tipo de entusiasmo gracias al trabajo de Stravinsky y su gran obra maestra La Consagración de la Primavera han motivado a la creación de nuevas y radicales innovaciones. Walt Disney la puso en imágenes animadas en las pantallas de todo el mundo con la célebre Fantasía. Donde se uso Le Sacre para ilustrar la formación de la tierra en épocas prehistóricas. En la película de Disney se asiste al nacimiento de unos volcanes y la lucha de dinosaurios, también a la formación de la tierra a base de una especie de pantano antiguo. Si bien es una puesta en escena ajena al espíritu de la obra y un tanto ridícula que Igor no tardo en atacar de modo airado. Pero que aunque no lo admitiera su música llego a muchas más personas-aunque no de la forma que se deseaba- pero que pudo servir de inspiración para quien sabe cuántas maravillas que fueron creadas gracias a la música rítmica y con un atractivo digno de un ritual de seducción que asalta a la imaginación y nos lleva a otro plano donde no existen demarcaciones para lo posible. Ese tipo de ideas siguen surgiendo en estos días, donde músicos de todo tipo de géneros, aun alejados de la tradición clásica son seducidos por esta misteriosa obra que es Le Sacre. Un caso digno de admirar es el del tecladista y compositor Jordán Rudess, tecladista de la banda de rock Dream Theater quien recientemente estreno en el teatro de Corpbanca en la ciudad de Caracas la obra Sinfónica con elementos de rock “Exploration for Keibor and Orchesta”,-obra donde el escritor de este ensayo fue participe, siendo parte de la Orquesta Sinfónica de Chacao- donde el mismo maestro Rudess expreso : Un día me encontraba en New York y fui a la academia Juliars donde entre al ensayo de una obra que me llamo la atención, pero me sacaron de la sala. Tuve que esperar al día del concierto y pude deleitarme con esa obra extraña y diferente. Al finalizar la pieza me dije a mí mismo: “tengo que crear una obra así”. Charles Jordan Rudess. ¿Pero cuál es el atractivo capaz de producir en personas de diferentes épocas a la de Stravinsky una nueva idea, solo escuchando sus obras? Quizás nunca se pueda comprender del todo, o por lo menos en la forma en que afecta de manera física a quien le escucha. Gracias a no sería fácil encontrar a una persona capaz de poder expresar con palabras exactas que es lo que enamora de la historia tan terrible, como lo es el hecho de sacrificar a una doncella o de la música fantástica que buscar de acercar a los oyentes a la mente creativa de un creador de música. Aunque las obras se abstengan de comentar las penas del corazón de los músicos, son a pesar de todo-¿y cómo podrían evitarlo?- el fiel reflejo de la verdadera personalidad de los hombres que las componen. De este modo Igor Stravinsky, aunque haya roto con su país en la época de la revolución, aunque haya adoptado la nacionalidad francesa, antes de tomar la americana; aunque en la última guerra haya sido tachado, y no sin razón de “cosmopolita” es desde luego un músico Ruso y un hombre, no revolucionario y menos aun un hombre de transformador de la forma de ver las posibilidades del mundo, porque todas las personas-sin desprestigiar a Stravinsky- son poseedores de esta cualidad única de ver como se presenta el mundo a sus ojos, la forma en que se transmiten a otros es lo que define a un individuo. Por esa misma razón Igor Stravinsky, aun teniendo fallas y cualidades únicas que algunos llamarían propias de un genio solo era un hombre con una visión y- contradiciendo las palabras de Igor donde dice que “la música no tienen la capacidad de expresar absolutamente nada”- una expresión, para nada normal que solo puede referirse a un hombre con la capacidad de moldear los elementos que se presentan en su vida de una manera, no nueva sino absolutamente ORIGINAL.
