Como hacer un corto Ebook

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Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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COMO HACER UN CORTO
DE BAJO PRESUPUESTO
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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INDICE:
INTRODUCCION
CAPÍTULO 1
1.1.- ¿Qué es un cortometraje?
1.2.- ¿Por qué hacer un cortometraje?
1.3.- ¿Cuánto debe durar mi corto?
CAPÍTULO 2 PREPRODUCCIÓN
2.1.-El guion.
2.2.-El presupuesto.
2.3.-La planeación
2.4.-Equipo de video.
CAPÍTULO 3/ ARMANDO TU EQUIPO
3.1.-Equipo humano mínimo para hacer tu corto.
a) Productor/director
b) Responsable de audio (boom)
c) Cinematógrafo.
d) Continuista.
e) Asistente de producción/gripper
3.2.- El casting. /Cartas de liberación
CAPITULO 4 /PREPARACION
4.1.- Locaciones y permisos.
4.3.-Calendarización.
4.4.- Lecturas del guion y Ensayos
4.5.-Vestuarios/diseño de producción
4.6.- Diseño de producción.
4.7.-Estudio del guion/Storyboards/Shooting list.
4.8.- Calendarización.
CAPÍTULO 5/ PRODUCCIÓN
5.1.-LLegar a locación/ las reglas.
5.2.-Iluminación.
5.3.-Blocking
5.4.-Dirigiendo actores
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5.5.-Rodando las escenas
5.7.-La comida.
5.8.-El ambiente en la producción.
CAPÍTULO 6/POST PRODUCCIÓN
6.1.-Respaldo y vaciar material digital.
6.2.-Selección de material.
6.3.- Edición.
6.4.-Primer corte/muestra.
6.5.-Corrección de color.
6.6.-Diseño de sonido
6.7.- Musicalización/Derechos de uso.
6.8.-Efectos visuales
6.9.-Refinación y versión final.
CAPÍTULO 7/DISTRIBUCIÓN
7.1.-Festivales
7.2.-Internet.
7.3.-Exhibición local.
7.4.-Venta/renta.
CAPÍTULO 8/ CONCLUSIONES
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INTRODUCCIÓN
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Si me preguntaran en qué otra época me hubiera gustado vivir, la verdad no podría
escoger otra mejor que en la que estamos viviendo hoy, donde la tecnología es increíble, va
creciendo a pasos agigantados cada vez más rápido, cada año sale un nuevo modelo de
cámara, un software más sofisticado para editar o hacer efectos visuales que en los 90’s solo
eran posible hacer por los estudios de cine con presupuestos monstruosos y ahora un
adolescente los puede hacer en la computadora de su casa; antes para llegar a una audiencia
mundial, era necesario pertenecer a una televisora importante o trabajar en los estudios de
cine, ahora un Youtuber puede hacer un video que alcanza a un público de millones de
personas desde la sala de su casa y todo esto gracias al internet, eso es fascinante, no puedo
esperar a ver lo que depara el futuro. Antes tener una cámara de video era muy costoso, ya ni
digamos tener acceso a un Dolly o steady cam que eran realmente inaccesibles, ahora están al
alcance de cualquier cineasta que con una pequeña inversión puede tener acceso a todas
estas herramientas que antes eran exclusivas de los profesionales del cine.
Recuerdo que hace apenas unos años atrás, antes de YouTube, los cineastas estudiantes de
la carrera de cine sólo concebían hacer un cortometraje en formato de cine (aún hay algunos
que piensan así) menos preciaban, a mi parecer, el video, el video era para amateurs
(según ellos) y entonces para poder hacer su corto tenían que buscar patrocinios ya que los
costos para filmar en cine son muy altos, querer hacer un cortometraje en filme es muy caro,
así que solo hacían uno si tenían suerte; ahora, la era digital ha ido acaparando el mercado del
cine, realmente son muy pocas las películas que no se producen con equipo de video digital, o
sea, el video tomó fuerza, y esos cineastas que menospreciaban al video se han dado cuenta
que el video era el futuro y seguramente lamentan el tiempo que perdieron al no experimentar
más haciendo cortometrajes en video para poner en práctica la técnica de cine.
En mi caso, yo siempre le he apostado al video, yo aprendí con el video y lo adopte como mi
medio para trabajar el audiovisual, ya que siempre he pensado que no importa el equipo, el
medio o el programa que utilices para editar, lo importante es tu talento, tu técnica, tus
conocimientos y cómo lo aplicas a tu arte, y qué mejor manera de reforzar las técnicas de cine
que ponerlas en práctica; esa es la fórmula, en mi opinión para aprender el arte
cinematográfico, edúcate, lee libros, aprende todo lo que puedas sobre cine, sobre guion, sobre
todas las áreas de la realización, pero no te quedes ahí, aplícalo, práctica, porque la
experiencia te dará mucho aprendizaje que no lo podrás obtener de otra manera que
haciéndolo.
Quise hacer este libro sobre “Cómo hacer un corto de bajo presupuesto” porque creo que
estamos en un gran momento para hacer video, para contar historias y llegar a un público
mundial, es una gran época para experimentar, ahora cualquier cámara realmente si es HD va
a grabar con buena calidad, incluso tu teléfono lo hace, así que no hay pretexto para no hacer
cortometrajes, para no contar historias, para no practicar y practicar y seguir aprendiendo y
experimentando con los conocimientos que vas adquiriendo tanto en la teoría como en la
práctica. Ya no necesitas realmente mucho dinero para hacer un cortometraje, solo necesitas
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querer hacerlo y comprometerte a terminarlo.
Aquí te voy a enseñar cómo organizarte, que necesitas saber, como conseguir las cosas, te
platicare de todas las áreas que abarca la realización de un corto, desde la planeación en la
preproducción, cómo producirlo, y terminarlo en la post producción e incluso te hablaré un poco
sobre la distribución y qué hacer con tu cortometraje una vez que lo terminaste… te invito a que
leas este libro completo, léelo todo, luego vuélvelo a leer, toma notas, y luego no esperes nada,
haz tu cortometraje, no te quedes nomás con la teoría, ¡ponla en práctica!, y ya que hayas
hecho un corto, después haces otro y otro, ya que la práctica te irá haciendo mejor cineasta.
Espero que este libro te sirva y te inspire a contar historias por medio de los cortometrajes y
quien sabe, tal vez un dia también por medio de un largometraje, porque de todo lo que hablo
aquí, lo puedes aplicar igualmente a la producción de un largometraje...así que te deseo la
mejor de las suertes, ¡vamos a contar historias!
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CAPÍTULO 1: EL CORTOMETRAJE
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¿Qué es un cortometraje?
Bueno, y a todo esto, ¿Qué es un cortometraje?, el cortometraje o también llamado “Corto” es
lo mismo que una película, es decir, puede contar con los mismos elementos que cualquier
“largometraje”, pero en este caso es más “corto”; oficialmente un cortometraje tiene una
duración de 1 a 30 minutos, hay otra categoría llamada “mediometraje” que es la que abarca de
los 30 a los 70 minutos y ya más tiempo es considerado un “largometraje” o película.
Como en el cortometraje solo puedes contar historias cortas, estas pueden representar desde
una historia completa en sus puntos importantes hasta una situación específica de una historia
más grande.
Muchos directores hacen esto de contar solo una situación como referente a una historia más
grande, como el cortometraje de “Mamá” que después hicieron la película
(https://www.youtube.com/watch?v=laIWoU8uzjE) donde al final el corto es solo una secuencia
de toda la película, o por ejemplo la cinta “SAW” que originalmente era un corto , y finalmente
se basaron en el para realizar la película incluyendo el corto como la primer escena de ella.
Es decir, un cortometraje puede ser una historia más completa o puedes enfocarte a solo un
momento en el mundo del personaje principal, o una situación.
¿Por qué hacer un cortometraje?
Hay varias razones por las cuales conviene hacer un cortometraje si te interesa lo que es la
producción, dirección y en realidad cualquiera de las facetas de la realización de cine. Primero
que nada, hacer un cortometraje te permite poner en práctica todos los conocimientos que
tengas sobre realizar el séptimo arte, además, en el camino vas aprendiendo muchas cosas
muy valiosas que te ayudarán a crecer como realizador.
Es muy bueno saber teoría sobre fotografía, sobre composición, planos, como dirigir actores,
etc. todo eso es muy bueno leerlo, aprenderlo, pero no está completo tu entrenamiento si no lo
pones en práctica, y eso es lo que haces al producir y participar en un cortometraje; Eso diría
yo, es el principal aporte que te da el hacer un cortometraje, porque también te permite
solucionar problemas, improvisar ante lo inesperado, conocimientos que no son tan fácil que
los consigas de manera teórica.
Entre más cortometrajes hagas más aprenderás y mejorarás y aprenderás de tus errores, de lo
que hiciste bien, de lo que hiciste mal, etcetera. Qué mejor manera para saber qué es lo que te
falla, saber en qué es en lo que debes de poner más énfasis para mejorar, en que puedes
experimentar más, ¿Que mejor manera que haciéndolo?, y en este caso haciendo
cortometrajes.
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Por otro lado, el cortometraje aparte de darte todo este taller para aprender sobre la realización
de cine, también te da un antecedente para tu trabajo, un demo, algo que puedes mostrar para
que sepan que sabes hacer.
Tus trabajos, cortometrajes, son tu carta de presentación, es el demo de tu trabajo, la muestra
de lo que puedes hacer. Cuando ya cuentas con un cortometraje hecho por ti, es más fácil que
puedas convencer a la gente para que participe contigo en tus próximos proyectos, desde los
actores, equipo de producción, etcétera. hasta incluso posibles patrocinadores para futuros
proyectos.
Cuando invitas a personas a participar en algún proyecto tuyo, o en un próximo cortometraje,
¿Por qué habrían de hacerlo si no saben cómo trabajas?, no saben de qué eres capaz de
hacer, pero si ya cuentas con un corto, entonces ya tienes algo que mostrar, ya tienes algo
para demostrarles que sabes hacer el trabajo. mostrarles qué tipo de realizador eres, que
pueden confiar en ti y que tienes algo de experiencia. No importa que tal vez tu cortometraje no
sea el mejor, o que tenga algunas fallas, pero puedes probarles que te comprometes con un
trabajo y lo terminas, que tienes potencial, en fin, es mejor tener algo para enseñar sobre tu
trabajo que nada y el cortometraje es una excelente manera de hacerlo.
Aparte de todo lo que he mencionado anteriormente sobre las ventajas de hacer un
cortometraje, también te permite mostrar tu talento más allá de las fronteras porque puedes
meter tu corto a festivales o incluso a Internet y de esa manera no solamente demuestras tu
trabajo a gente que quieras que participen en tus proyectos, sino que va más allá porque puede
llegar a un público en general, entonces esa es otra de las ventajas de hacer un cortometraje,
porque nunca sabes, tal vez si tienes mucha suerte, te puede pasar lo que le ha sucedido
algunos directores afortunados como por ejemplo Fede Álvarez que realizó un cortometraje
llamado Panic Attack (http://www.youtube.com/watch?v=-dadPWhEhVk) lo subió a YouTube y
nada menos y nada más que el director del hombre araña Sam Reimi lo vio y le gustó tanto
que de ahí le dio la oportunidad de dirigir “EVIL DEAD” la nueva versión.
No digo que vas a hacer tu corto y un director de Hollywood lo va ver y vas a empezar hacer
cine a grandes escalas, porque eso obviamente es una oportunidad entre mil (o millón), pero
pues nunca está de más la posibilidad por más pequeña que sea de que pueda suceder, o
simplemente la oportunidad de que más personas conozcan lo que haces, que a más personas
llegue el mensaje que quieres comunicar con tu cortometraje, o simplemente para
entretenerlos.
Así que, como yo lo veo, el hacer al menos un corto, es un mínimo requisito para cualquier
director o realizador.
¿Cuánto debe durar tu corto?
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Como te comentaba anteriormente, un cortometraje se considera desde 1 a 30 minutos. pero
obviamente tienes que tomar en cuenta que entre más sea la duración, significa más
presupuesto, más tiempo de dedicación, más trabajo, etcétera. Para considerar qué duración
debe tener tu cortometraje, debes de tener en cuenta varios factores como, por ejemplo: Donde
es en donde quieras presentarlo, cuál es tu objetivo para hacer tu cortometraje, etc., porque,
por ejemplo, si tu propósito es meterlo a festivales, hay algunos de ellos que aceptan
cortometrajes de hasta 30 minutos, pero hay otros que no aceptan si dura más de 15 minutos.
En general según lo que yo he aprendido, si tu propósito es meterlo a festivales de cine, es
mejor que sea de entre 1 a 10 minutos, porque aunque permitan cortometrajes de hasta 30
minutos en algunos de ellos, si el tuyo dura 30 minutos es más difícil que lo escojan porque lo
que quieren ellos es meter más videos en su festival , en cambio, si tu cortometraje dura 10
minutos o menos es más probable que pueda haber un espacio para que entre al festival;
Entonces eso sería mi consejo, que si tu propósito es hacer el corto para meterlo a festivales
hazlo de entre 1 a 10 minutos, ya como máximo, que dure unos 15 minutos y tal vez ya está
muy en el tope.
Tu cortometraje también puede durar más si tu propósito no es meterlo en festivales, por
ejemplo, tal vez tú quieras subirlo a Internet, y si ya tienes un público cautivo, es más probable
que puedan ver un trabajo tuyo de hasta 30 minutos o más también puede pasar que tal vez
quieras presentarlo en una proyección privada en algún cine local o sala de proyecciones, y
pues ahí no hay problema de la duración que tenga.
Pero, así como un consejo general, sobre todo si es tu primer corto, o de tus primeros, yo diría
que lo hagas de 3 a 10 minutos es buena duración, máximo máximo 15 minutos y ya es largo.
Y bueno, ya que te platique más o menos para que te sirve hacer un corto y qué duración debe
tener, entonces vámonos de lleno a cómo se realiza.
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CAPÍTULO 2: PREPRODUCCIÓN
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2.1.- El guion
Lo primero que tienes que tener como base para hacer cualquier trabajo audiovisual y
obviamente en el mundo del cine, y el corto no es una excepción, es el guion.
El guion es tu mapa, es tu guía, como lo dice la misma palabra “Guion”, este es sobre lo cual
vas a basarte para contar la historia audiovisual.
El guion, es yo diría, el paso más importante en el proceso de realización de un corto porque,
sin historia, entonces ¿Qué vas a contar?, y si tu guion no es bueno, tu corto es muy difícil que
vaya ser bueno.
¿De qué se va tratar tu corto?, ¿En qué género se desarrollará?, ¿será de suspenso?, ¿de
terror?,¿de comedia, de drama?, etcétera, ¿Es sobre un personaje?, ¿sobre dos personajes?
¿Sobre más personajes?
En este libro no voy a decirte cómo se escribe un guion para cortometraje, ya que esto es un
tema por sí solo y lo pienso desarrollar más ampliamente en otro libro electrónico posterior o un
video curso, pero sí te daré algunos consejos importantes que debes considerar al momento de
hacer el guion para tu corto.
CONSEJOS IMPORTANTES A CONSIDERAR AL ESCRIBIR TU GUION.
1.-Escribe tu historia alrededor de las cosas que sabes que puedes conseguir para tu
producción.
La producción de tu corto y tu presupuesto siempre tiene que estar presente al momento de
crear tu historia y escribir tu guion, porque después te tendrás que enfrentar con la tarea de
conseguir esas cosas, locaciones, utilería, etc. que necesitas para rodar tu cortometraje; por
eso un consejo muy importante que te puedo dar es el de: “Escribe tu guion alrededor de las
cosas, locaciones, utilería, etc. que sabes que puedes conseguir o que ya cuentas con ellas”.
No incluyas que uno de los personajes maneja un Ferrari si no puedes conseguir uno, ni tiene
una idea de cómo hacerlo, creme, si no tienes presupuesto, lo mejor es trabajar rápido y a la
segura para que tu corto se concrete y sea terminado; entonces, no te compliques la existencia,
sólo escribe sobre un Ferrari si tienes un amigo o pariente que sabes que te lo puede prestar,
¿me explico?, piensa ¿Es realmente importante que use un Ferrari ese personaje?, ¿de qué
otra manera puedes demostrar ese mismo punto que querías hacer al verlo manejando un
Ferrari?, esa es la ventaja que tenemos los cineastas independiente de bajo presupuesto, que
podemos resolver los problemas con creatividad, ¡busca otra manera!. Y lo del Ferrari es solo
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un ejemplo, pero espero si me esté dando a entender, hablo también de locaciones, utilería y
todo lo que requiere la producción de un cortometraje; cuando vayas a escribir tu guion, piensa
en estas cosas, ¿con que cuento?, ¿que necesito para producir esta historia? ¿qué elementos
sé qué puedo conseguir o que ya tengo?, tal vez tienes un familiar o amigo que te puede
prestar su casa en la playa, genial ya tienes una locación donde puedes situar tu historia. No
quieras hacer un western si no tienes caballos ni sabes si podrás conseguirlos, o los vestuarios,
no quieras hacer un corto sobre los años 50’s si no cuentas con la utilería, autos, calles que
parecen de la época, solo hazlo si sabes que puedes conseguirlo.
2.-Valor de producción
No sé si viste la película “Súper 8” dirigida por J.J. Abrahams, si es así, recordarás al niño
gordito que siempre gritaba: ¡Valor de producción! ¡Valor de producción! cuando llegaba una
oportunidad; bueno, a lo que se refería es que cuando puedes conseguir elementos que hagan
lucir a tu producción como si fuera más costosa, a eso le llaman :”Valor de producción”, puede
ser una locación a la que tú tienes acceso y no es tan fácil conseguir, tal vez tienes amigos
policías que se prestan a que aparezcan sus patrullas en tu corto, o vives cerca de una belleza
natural en la que puedes grabar fácilmente, ¿me explico? estos detalles que para ti sería fácil
de conseguir y que no te costará nada extra , hacen lucir a tu cortometraje como más costoso,
como que contaba con un presupuesto y así ayudan a que tu corto sea más grande.
Esto que menciono no es indispensable, pero tenlo en cuenta cuando escribas tu guion, y si
hay alguna cosa valiosa en la que tengas ventaja para conseguir fácilmente, inclúyelo en la
historia, pero recuerda lo que te comentaba en el punto pasado, solo utiliza cosas que sabes
que puedes conseguir o que ya cuentas con ellas.
3.-Personajes y locaciones.
En este libro nos estamos refiriendo a la realización de un cortometraje de bajo o cero
presupuesto, y por eso hay que poner atención en todos los elementos de nuestro guion para
que el corto sea una realidad y no una búsqueda eterna de presupuesto, y por esto, dos puntos
importantes a considerar para una producción con estas características al momento de escribir
tu guion es la cantidad de actores que necesitaremos y la cantidad de locaciones,por ello, aquí
te va el consejo maestro para todos estos elementos: “Entre menos mejor”, entre menos
personajes necesites para contar tu historia es mejor, porque tienes que recordar que cada
personaje requiere de un actor o actriz que tienes que conseguir, que tienes que alimentar
durante la producción, o si fuera el caso, al que tienes que pagar. Tu no cuentas con
presupuesto, hay que ahorrar de donde se pueda, y es por eso que yo te recomendaría que
uses los menos personajes que puedas, al menos para tus primeros trabajos, usa los
indispensables para contar la historia, hay cortos e incluso películas muy buenas con uno o dos
personajes solamente, y el mejor ejemplo de esto es la película: “Enterrados” (Buried) con
Ryan Reynolds, esa película esta increíble porque solo aparece un personaje en toda la
película de 1 hora y media y en una sola locación, enterrado bajo tierra en una caja, y aun así,
te mantiene en suspenso todo el tiempo, si no la has visto te la recomiendo, pero bueno, este
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tal vez sea el extremo de mi punto, pero piensa en esto, considerarlo al momento de escribir tu
guion, pregúntate ¿Cuantos personajes necesito para contar esta historia? sobre todo, los
protagonistas, procura minimizarlos a los más importantes.
El número de las locaciones también es importante para considerar al momento de producir un
corto de bajo o cero presupuesto. Cada locación que tu pongas en tu guion requieren de horas
de producción para que estén listas para grabar, desde los tiempos para traslado de una
locación a otra, como los permisos para conseguirlas, tiempo para limpiarlas, etc. todo esto
debes considerar al momento de hacer tu guion, entre menos locaciones requiera tu historia,
mejor, así podrás trabajar más rápido, piensa que la mayoría de la gente que te ayudará en tu
producción, desde actores como técnicos (si es que hay técnicos y no lo haces todo tú solo)
están ahí por diversión, por curiosidad, entre menos tiempo los requieras en la grabación mejor,
entre menos días u horas mejor, son menos horas para alimentarlos, para que usen de su
tiempo y para que se mantengan motivados o para que tú los mantengan motivados de seguir y
terminar el trabajo. Por eso te comentaba que, si tienes por ejemplo una escena en una
locación y luego tienes que trasladarte 20 minutos para llegar a la otra, mínimo ya perdiste 2
horas en lo que llegan todos, se acomodan, etc. tiempo que pudiste haber grabado más
escenas de tu corto si lo hubieras hecho en la misma locación.
Si requieres de varios escenarios, piensa si puedes conseguir un lugar donde se puede hacer
todo lo que está todo cerca para trasladarse, y si es así, si tienes algo así, entonces si inclúyelo
en el guion. Tal vez puedes contar tu historia todo en una sola locación y ese podría ser un
buen reto, hay cortos e incluso grandes películas muy buenas donde todo ocurre en una sola
locación, ya había mencionado la película de “Enterrado” pero hay otras, y directores buenos
como el mismísimo Alfred Hitchcock no se cerró a esa posibilidad como lo hizo en su película
“La soga” (Rope) donde todo sucede en un departamento, o “Lifeboat” donde todo es dentro de
un pequeño bote en el mar.” Entre menos personajes y menos locaciones necesites mejor”.
No quiero que me vayas a malinterpretar, no estoy diciendo que pienses mediocremente, y
busques lo más fácil, sino todo lo contrario, digo que pienses como crear una gran historia, un
buen cortometraje, pero si realísticamente, sabiendo con que cuentas en realidad, qué es lo
que puedes conseguir para llevar acabo tu corto exitosamente, pero, también te digo que nada
es imposible, y si hay una idea o una locación ideal, o una utilería que realmente quieres y no lo
tienes ni sabes cómo conseguirlo, pues, no te diría que te detengas, haz lo posible por
conseguirlo si es realmente tan importante, y si no lo consigues, busca como puedes comunicar
esa misma idea de otra manera más accesible para ti, siempre hay alguna forma de hacerlo ,
créeme, la creatividad es infinita.
4.Efectos especiales y efectos visuales.
Los efectos visuales y efectos especiales en los cortometrajes y en las películas incluso,
pueden llegar a darle un valor de producción si están bien hechos.
Primero que nada, solo por si no te queda clara la diferencia entre efecto visual, y efectos
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especiales, aunque algunos podrían llegar a pensar que son lo mismo, no lo son. Los efectos
visuales son todos aquellos efectos o trucos que se agregan a una película para crear una
ilusión de que algo sucede sin que sea real, hasta esta parte realmente los dos conceptos se
refieren a mismo, pero aquí la diferencia, los efectos visuales son digitales, los agregas en la
post producción, con la computadora, en cambio los efectos especiales los realizas en el set,
con las cámaras rodando, por ejemplo explosiones (Si son realizadas de verdad y no
digitalmente) , efectos de sangre brotando, choques de autos, etc. cuando los hicieron frente a
la cámara de verdad, con efectos prácticos, es efecto especial, cuando lo haces digitalmente es
efecto visual; pero bueno, esa era solo una aclaración, como quiera, ya sea que lo hagas
prácticamente o digitalmente, si vas a escribir una escena donde requiera un efecto, debes
pensar que por más simple que sea ,va a requerir tiempo y alguien capaz de realizarlo; no digo
que no los incluyas, pero te recomiendo que si son necesarios para tu historia, uses los menos
posibles porque consumen tiempo en producción; y otra cosa, solo incluye efectos ya sea
visuales o especiales si tú mismo sabes cómo realizarlos o si sabes que contarás con alguien
que sepa hacerlos, porque si no es así, se pueden volver un dolor de cabeza. además, que son
muy costosos si quisieras pagarlos. Ya sea que quieras balazos, o volarle la cabeza a alguien y
que brote sangre por todos lados, asegúrate que primero sepas hacerlo o tengas a alguien con
quien cuentas para hacerlo y segundo, hazlo bien, porque si están mal hechos y se ven falsos,
en lugar de levantar tu corto lo pueden arruinar.
Estos puntos son de los más importantes a considerar al escribir tu guion, así que recomiendo
no los olvides ya que te serán de utilidad.
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2.2. EL PRESUPUESTO
¿Necesitas dinero para hacer un corto?
Pues sí y no, depende del tipo de cortometraje que quieras hacer. Obviamente si cuentas con
un presupuesto para pagar por ejemplo a un actor reconocido para que aparezca en tu corto, o
para rentar luces profesionales o la mejor cámara del-momento, pues eso de dará un gran plus
a tu trabajo; pero esto no es siempre posible. Recaudar fondos para producir un trabajo
audiovisual desde un corto, web serie o incluso una película independiente no es tarea fácil ya
que debes convencer a los inversionistas de que vale la pena que te den dinero y que será
negocio para ellos.
Por otro lado, puedes invertir tú mismo dinero de tus ahorros o préstamos, pero es un tema
muy personal y delicado.
Realmente en este libro, estoy suponiendo que estamos en el mismo canal y que estamos
hablando de hacer un cortometraje de bajo o cero presupuesto, a la manera de Vídeo rebelde.
Y te preguntarás, pero ¿Cómo puedo hacer un corto a cero presupuesto? ¿Cómo es que no
voy a necesitar dinero para hacerlo? bueno, nada es gratis en esta vida realmente, todo tiene
un costo de una u otra manera, la idea aquí es que no requieras gastar mucho dinero para
poder producir, y esto es solo posible si para empezar tu cuentas con los elementos técnicos
necesarios para hacer el corto, estoy hablando de por ejemplo la cámara, luces, equipo para
editar, todo estas herramientas, ya sea que sean tuyos o que sepas que te la pueden prestar,
si todo esto ya lo tienes, entonces ya es un gran avance, no tienes que rentarlo y ahí te ahorras
dinero.
Lo mismo sucede con los actores y equipo de producción que te ayudará en la producción, de
esto hablaré más adelante con más a detalle, pero estoy seguro que habrá muchas personas
que querrán participar contigo sin cobrarte un solo centavo si realmente les entusiasma el
proyecto, lo mismo con las locaciones y los permisos para que puedas grabar.
Es así, de esta manera es que puedes hacer un corto con cero presupuesto, claro que si
puedes conseguir algo de dinero te va a ser de mucha utilidad porque realmente siempre habrá
gastos que necesitas hacer, lo de cero presupuesto es en teoría, porque gastos como
simplemente la gasolina para los traslados a las locaciones, o que tal vez necesitas utilería que
tendrás que comprar si no la consigues prestada y comida para la gente que te ayuda si se
trata de jornadas largas, ¿Mínimo les tienes que dar de comer y beber por ayudarte en tu corto
no? todo estos son gastos que te generará la producción, pero con cero presupuesto me refiero
a que no necesitas explícitamente de un capital para iniciar.
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Con respecto a la comida, es muy importante, si las jornadas de grabación serán de todo el día
o la mayoría de este, llegará la hora de comer y tienes que considerar darles de comer, primero
por lo que comentaba antes, ellos te están ayudando sin cobrarte nada, mínimo debes
alimentarlos y segundo, si tienen hambre no se van a concentrar en el trabajo y eso te va a
perjudicar a ti porque no trabajarán bien y eficientemente. Si de plano no tienes nada de
presupuesto , como a mí me ha pasado en la mayoría de mis cortos, hay una manera de
ahorrar y saltarte la comida trabajando rápido, por ejemplo, cuando realice mi primer corto
llamado "La fábrica" , el cual tiene una duración de 7 minutos aproximadamente, no tuve que
gastar en comida ya que todas las escenas que suceden dentro de la fábrica las hicimos en 4 o
cinco horas , llegamos temprano en la mañana y ya para mediodía ya habíamos terminado,
cada quien se fue a su casa a comer, y las escenas de la protagonista caminando en la calle
las hice otro día y solo nos llevó una hora. por eso es mi insistencia en ahorrar el mayor tiempo
de producción cuando haces el corto, y por eso debes estar preparado, con tu guion estudiado,
sabiendo que vas a hacer y cómo se va a hacer las cosas, de otra manera, perderás mucho
tiempo y ahora como ya sabes, tiempo es dinero, y no solo por la cuestión de ahorrar algunos
gastos de comidas, que la verdad , es lo mínimo que puedes hacer por los que te ayudan, pero
también por respeto a ellos, no hay que hacer perder el tiempo a la gente, que no inviertan más
horas de las que deban invertir en tu corto.
2.3.LA PLANEACION
Después de que ya tienes tu guion terminado, y ya decidiste que esa es la versión final que vas
a producir, entonces, como aquí hablamos de una producción de bajo presupuesto, lo más
probable es que tú mismo seas el guionista, productor, director, etc. entonces llegó la hora de
quitarte la camiseta de guionista y ponerte ahora la del productor.
La etapa de la planeación de la producción de un cortometraje (pre producción) es muy
importante en el proceso de realización de un corto y en realidad de cualquier audiovisual
llámese película, corto, video musical, y todo lo demás. Tienes que prever todo lo que harás,
cómo lo harás, dónde vas a conseguir las cosas, los actores, utilería, locaciones, etc.
Antes de comenzar a conseguir todo lo que necesitas para producir tu cortometraje, debes
planear, o al menos tener una idea de lo que necesitas, de las fechas en que proyectas se
llevará a cabo la producción, de cuántos días serán y de qué manera lo calendarizarás (al
menos tentativamente ya que también es importante ponerse de acuerdo con todos los tiempos
de los actores y demás gente que te vaya a ayudar en producción etc.).
¿Por dónde comenzar?, bueno puedes comenzar con tu guion, que es la base de todo esto,
comienza por hacer una lista de cada cosa y personas que necesitarás. Puedes comenzar con
los actores, ¿cuántos personajes hay en el guion?, haz la lista ¿Cuantos actores y extras vas a
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necesitar? apúntalo, ya que lo tienes, ahora, lee nuevamente tu guion y ve señalando ¿cuántas
locaciones aparecen?, ¿cuáles son? ¿una casa, una oficina?, etc. ¿Qué utilería vas a
necesitar? ¿Pistolas, computadoras, portafolios? ¿y qué hay del vestuario?, ¿Cuántos cambios
de ropa para los personajes? haz una lista de todo lo que requieres y te será más fácil
organizarte e incluso delegar el trabajo si consigues ayuda.
Ahora, ¿Cuántos días vas a requerir para poder producir el cortometraje?, ¿cómo calcular el
tiempo de producción? esto depende de muchos factores y del grado de experiencia que
tengas tanto tu como los actores y demás personas que colaborarán para sacar el trabajo;
también depende del grado de complejidad de las escenas, por ejemplo, si son con efectos
especiales/visuales, o si son coreografías de acción pueden llevar más tiempo que una escena
donde dos personajes solo aparecen hablando; también depende del estilo en que lo vas a
grabar, si vas a usar Dolly, grúas, o lo harás estilo documental con cámara al hombro, y
también depende de que tanta iluminación aplicarás en las escenas, o si no usarás más que la
luz natural, si te moverás a varias locaciones o lo harás en una sola, etc.( ves, por eso mi
énfasis de pensar en estas cuestiones al escribir el guion).
Es complicado decirte cuanto tiempo te va a llevar la producción de tu cortometraje porque no
sé cómo trabajas, yo no sé qué tan rápido lo haces o cuanta experiencia tengas haciéndolo, tú
eres la persona que mejor te conoce y sabrás tus procesos y tiempos de trabajo; si es tu
primera vez, seguramente te llevará más horas de producción, si ya tienes algo de experiencia
quizás lo hagas más rápido, pero si te puedo dar este consejo: programa más horas de las que
piensas que necesitarás para protección.
Te puedo decir más o menos cuanto me ha llevado a mí para que tengas una idea, pero esto
puede variar mucho según las circunstancias en que realizamos el cortometraje. Por ejemplo,
mi corto “Perra” (https://www.youtube.com/watch?v=kFUovRKoQAg) nos llevó alrededor de 5
horas grabarlo y tiene una duración de 4 minutos aproximadamente.(y esto es rápido te lo
puedo decir) pero hay muchos factores que influyeron para poder sacarlo en este tiempo:
1.-Que todo sucede en una sola locación, no tuvimos que usar tiempo para trasladarnos de un
sitio a otro, todo pasa en el mismo lugar,
2.-Los actores son profesionales, ya saben su trabajo y lo sacan rápido,
3.-Yo también tengo experiencia en esto y eso me da la ventaja de poder sacar el trabajo más
rápido,
4.-Use una iluminación sencilla con solo 3 lámparas sin tantos ajustes para las contra tomas.
5.-No use Dolly o grúas, solo una toma con un slider y cámara sin trípode.
6.-No tiene más que una escena muy sencilla de acción, así que no requería de tanta
preparación o ensayo.
7.-Todo sucede en el mismo momento, no hay cambios de vestuarios para los actores.
Pero aún con todas estas características, puedes ver que al menos necesitamos un poco más
de una hora por cada minuto final del corto, te digo, esto es muy rápido en realidad, yo diría
que le calcules al menos unas 2 horas y media para cada escena o cada minuto final del corto,
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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si son varias locaciones, calcula los tiempos de traslados y tiempos de descansos o de comida
si es una jornada de todo un día, tiempos de maquillajes y cambios de vestuarios, etc.
Pero como te comento, es imposible que te de un cálculo exacto porque depende mucho de tus
circunstancias. Hollywood, con todo ese ejército de personas para una película mínimo tarda 3
a 6 meses para una película de 1 hora y media ( y de las sencillas), pero claro que ellos cuidan
hasta el último detalle y por eso lleva más tiempo; pero nosotros no tenemos ese lujo de tanto
tiempo, la gente que no está apoyando para realizar el corto desde actores hasta gente detrás
de cámaras lo hacen sin cobrar, solo por ayudarnos, por ser parte de eso y no van a esperar 6
meses ni siquiera un mes 8 horas para sacar un corto, así que te recomiendo lo hagas rápido,
posiblemente en 2 o 3 días puedas sacar un corto de 10 minutos si hay muchos cambios de
locaciones o escenas muy complicadas, o tal vez lo puedas hacer en un día o unas horas como
lo hicimos nosotros si dura menos de 5 minutos.
Y a todo esto, ¿cómo se cuánto va a durar mi corto?
En el formato oficial de un guion con el tipo y tamaño de letra (Courier tamaño 12) , se supone
que cada hoja del guion representa un minuto de la película, pero esto puede variar y no es
exacto porque una hoja completa puede describir por ejemplo una acción de unos de los
personajes que en pantalla en tiempo real sólo llevará unos segundos, pero es un buen cálculo;
otra manera de calcular y tener un aproximado de cuanto puede durar el corto según tu guion
es leerlo en voz alta, toma el tiempo, si es la descripción de una acción, mientras lo lees, dale
un tiempo razonable que calculas se requiera para eso, por ejemplo, si el personaje camina de
un lugar a otro, deja un espacio de tiempo razonable para que suceda eso, al final de leer todo
el guion, tendrás un aproximado de cuánto durará tu cortometraje, esto es solo un aproximado
porque siempre varía, puede ser más o menos, pero ya con eso tienes una idea para hacer tu
planeación.
Tip , si usas el programa gratuito “Adobe Story”, para escribir guiones, tiene una función donde
calcula el tiempo de todo tu guion escena por escena y es una gran ayuda, lo encuentras en:
http://story.adobe.com. Puedes ver el video que hicimos en video rebeldes sobre este programa
en https://youtu.be/PgqoQIvYlCQ?list=PLE3957F87E226F316
(Si quieres saber más detalles sobre el detrás de cámaras del corto “Perra” ve el
video:https://www.youtube.com/watch?v=B5GW8rLhBew)
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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2.4.- EQUIPO DE VIDEO
Ya tienes tu guion listo, ya has hecho tu tarea y has comenzado a planear la producción
de tu cortometraje, pero, ¿con qué equipo de video lo debes grabar? ¿Qué necesitas como
mínimo para poder rodar un cortometraje?
Primero que nada, vamos a ver qué equipo mínimo necesitas tener para poder realizar este
trabajo.
Equipo básico de video que se requiere:
1.-Cámara de video.
¿Obvio no?, necesitas una cámara de video, sino ¿Cómo pretendes grabar algo?, pero ¿Qué
cámara debo usar?, la verdad, no importa tanto, usa la mejor que puedas conseguir, sobre todo
si es tu primer cortometraje, no te preocupes tanto por tener la mejor cámara del mundo; como
lo mencioné en un video llamado ¿Cuál es la mejor cámara de video? que realice para
Videorebeldes.com (http://VIDEOREBELDES.com/?p=929), lo más importante es aprender la
técnica y con ella podrás hacer excelente cosas, pero sin saber esto, sin dominar la técnica,
aunque tengas la mejor cámara del mundo, no necesariamente podrás hacer una buena
película, e incluso ni siquiera podrás hacer que la cámara se vea bien, entonces consigue una
cámara de video, punto; pero aun así, te voy a decir qué características puedes buscar en la
cámara en caso de que puedas conseguir una que lo tenga y que te beneficiará para mejorar la
calidad de imagen de tu cortometraje:
Características ideales para tu cámara de video:
a) Que grabe a 24 cuadros por segundo:
Eso le dará una sensación de cine a tu video; 24 cuadros es el formato usado para hacer cine,
esto quiere decir que por cada segundo, hay 24 cuadros de imagen, es decir, 24 fotos que al
pasarse rápidamente dan la sensación de movimiento; en el video no funciona de esa manera
exactamente, pero ya hay cámaras que graban a 24 cuadros (antes la norma era para video 30
cuadros al igual que para televisión), ya casi todas las cámaras nuevas de video lo hacen, claro
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unas con mejor calidad que otras, pero si puedes conseguir una cámara de video que grabe a
24 cuadros por segundo, podrás conseguir una sensación más de cine y menos de vídeo.
b) Que puedas controlar el iris o la cantidad de luz que entra al sensor.
Normalmente las cámaras de video profesional por ende tienen esta opción, pero también
muchas cámaras caseras la puedes encontrar; esto te permite controlar la exposición de luz en
tu lente y conseguir una mejor fotografía. En las cámaras DSLR (como las Canon Rebel y
otras) esto lo controlas con la apertura del diafragma (Ejemplo: F1, F2 etc.), el “Shutter” y el
ISO, y en las cámaras de video normal se controla con el botón de “Iris”.
c) Que tenga entrada para micrófono y para audífonos:
Eso es una función muy importante, necesitas grabar un buen audio y es de mucha utilidad que
la cámara de video que uses para grabar tu cortometraje tenga una entrada para micrófono y
una salida donde puedas monitorear el audio, las dos son básicas para grabar un buen sonido.
En caso de no conseguir una cámara de video con entrada de micrófono, se puede grabar el
sonido con un grabador externo al que si le puedes conectar un micrófono, pero de esto
hablaré un poco más adelante.
d) Control de niveles de audio.
Tocando el punto anterior, aparte de poder conectar un micrófono a tu cámara, es importante
poder controlar los niveles de audio que recibe tu cámara para poder evitar ya sea que se
sature el sonido o que se grabe muy bajito, cualesquiera de los dos extremos son malos y
serán una pesadilla si no los controlas al momento de grabar.
No todas las cámaras de video tienen la función de controlar los niveles de audio, las
profesionales por supuesto que lo tienen, pero también algunas pro-consumer, al igual que
algunas DSLR como la Canon Rebel t3i t5i etc., esto lo puedes solucionar también desde un
grabador de audio externo que si tenga para controlar los niveles de audio. (como el zoom h1).
e) Full HD (alta definición), claro que, si tu cámara graba en HD, pues tendrás mejor imagen,
eso sin dudarlo.
Hay muchas más funciones o características que buscar en una cámara de vídeo que te serán
de gran utilidad para realizar un video más profesional, pero estos que te menciono son
digamos, los más básicos e importantes, pero quiero, insisto, que no te limites si la cámara que
tienes o que consigas no tienen alguna o ninguna de estas características, lo más importante
es que practiques, que produzcas y/o dirijas tu corto, así vas a aprender, haz tu corto con lo
que tengas, y poco a poco podrás ir consiguiendo mejor equipo.
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2.-Micrófono Shotgun.
Una de las cosas más importantes en la producción de un cortometraje y de cualquier video en
realidad es tener un buen audio, que los diálogos sean claros, que se entienda perfectamente
lo que los actores dicen, esto ya lo he dicho en Videorebeldes.com y aquí es importante que lo
vuelva a decir, puedes tener un video con pésima imagen, que la iluminación sea casi nula,
pero si se escucha bien el audio, si se entiende claramente, si no se satura, la audiencia te lo
perdonará y verá tu video, pero si al contrario, tu corto esta realizado con una fotografía
increíble, la edición es magnífica, la cámara de la mejor calidad, pero el sonido es pésimo, no
se entiende nada, está muy bajo, o está muy alto, o se satura, se escucha mucho ruido
ambiental y no se entiende nada, etc., eso si no te lo perdonará la audiencia y no terminará de
ver tu video, esto es muy cierto, por eso hay que poner mucha atención al audio al realizar un
cortometraje, ¿No me crees? solo ponte a pensar ¿Cuántas veces has quitado un video en
YouTube porque el audio es pésimo?, no sé porque, pero tenemos menos tolerancia a un audio
malo, que a una imagen poco clara.
Por lo anterior, un elemento muy importante que te recomiendo debes tener es un buen
micrófono, para rodar un cortometraje lo más recomendable es usar un “Micrófono Shotgun “, la
ventaja de este tipo de micrófonos es que son direccionales, es decir, sólo captan el sonido que
perciben frente a ellos, esto es muy conveniente porque aísla el ruido que podría provenir del
ambiente, sobre todo si grabas en exteriores.
Los micrófonos Shotgun se usan con un boom, que es un soporte largo que permite situar el
micrófono sobre los actores y captar el sonido lo más cerca posible para tener un audio claro y
fuerte.
De preferencia se recomienda situar el micrófono sobre el talento (actor que habla) de arriba de
su cabeza lo más cerca posible apuntando a su boca, siempre cuidando que el micrófono no
salga en la toma, como este tipo de micrófonos son bastante sensibles al sonido, captan
buenos niveles de audio a poca de distancia, aun así, entre más cerca a la fuente es mejor
(esto es recomendable para cualquier micrófono en realidad).
Hay varios tipos de micrófonos shotgun y los encuentras a diferentes precios, en Amazon hay
varios, hay unos mejores que otros, pero cualquier shotgun es mejor que ninguno.
Si no lo puedes comprar, tal vez conozcas a alguien que tenga uno y te lo pueda prestar o
posiblemente puedas rentar en algún sitio. Si no consigues ninguno, otra opción es hacer tu
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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corto de tal manera que no necesites diálogos y que la historia la cuentes con puras imágenes.
Yo hice esto con mi corto “Hitgirl” (http://youtu.be/-WPOIYX6qCk) y es un reto también porque
todo debe entenderse solo con ver las imágenes y la acción de los personajes; esto también te
da la ventaja de romper las barreras del idioma ya que cualquiera puede entender la historia
aun si no habla español.
En resumen, si vas a grabar diálogos, te recomiendo uses un micrófono “Shotgun” para mejor
calidad, el que sea, aunque consigas el más barato para comenzar.
Si quieres entender mejor la diferencia entre los micrófonos para vídeo, te recomiendo veas
este video que hicimos en video rebeldes sobre micrófono,
https://youtu.be/HyasTWEXq_U?list=PLE3957F87E226F316
3.-Boom
Como lo comentaba en el punto anterior, para usar efectivamente un micrófono shotgun
necesitas un boom; el boom es un soporte largo que te permite estar a distancia y colocar el
micrófono cerca de la fuente.
Los boom profesionales son caros, pero no te preocupes, puedes hacer uno tu mismo por muy
poco dinero, de hecho en Videorebeldes.com tenemos un video donde te explicamos cómo
hacerlo muy fácil, lo puedes ver http://videorebeldes.com/?p=274.
También puedes usar un soporte común para micrófono como boom, ya sabes estos
pedestales que se usan para colocar el micrófono, lo único es que estos no aíslan el ruido que
se genera con las manos cuando lo sostienes, pero a falta de un boom (y de presupuesto)
puede servir (el modelo de hazlo tú mismo si aísla este ruido bastante).
Como quiera que sea, necesitas algo para acercar el micrófono al talento, para eso es el boom.
¿De plano no consigues uno? pues también puedes ponerte creativo, tal vez todas tus escenas
son con los personajes sentados (que aburrido), entonces puedes esconder el micrófono en un
florero o en el candil de la luz o algo así, también es válido, solo recuerda esto:” LA CLAVE
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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PARA UN BUEN AUDIO ES ACERCAR EL MICRÓFONO LO MÁS POSIBLE A LA FUENTE” (y
cuidar los niveles del audio) y muy importante: cuidar que no salga en la toma.
4.-Grabadora digital de audio.
Ya lo había mencionado anteriormente en este libro lo de la grabadora digital, esto es un
aparato que te permite conectar tu micrófono y grabar el sonido y a la vez monitorearlo, esto
último sería la primera razón por la que necesitas una grabadora digital. Cuando hablamos de
las cámaras de video te mencionaba que es importante que tengas la opción de poder
monitorear el audio que estás grabando, para que sepas si se metió algún ruido, si se satura el
sonido o está muy bajo, etc. Si tu cámara tiene entrada para micrófono y entrada para
audífonos, tal vez no necesitas un grabador digital de sonido externo, ahí mismo en la cámara
puedes manejar todo, la única ventaja que tendrías con un grabador externo es la
independencia del operador de boom para moverse libremente sin tener que estar conectado a
la cámara, pero la principal razón para querer usar una grabador de audio externo es que no
puedas ya sea conectar un micrófono a tu cámara de video o que no puedas conectar un
audífono o ambos, en otro caso, no es indispensable que tengas uno.
Claro que usar un aparato externo para grabar el sonido de tu cortometraje puede tener sus
ventajas y sus desventajas, entre las ventajas sería que normalmente estos aparatos tiene
mejor calidad de sonido, por lo que el audio se grabará mejor, aparte normalmente tienen
mayor control de los niveles de audio, configuraciones de la calidad de grabación,etc. entre las
desventajas seria que tendrás que sincronizar el audio en la edición, no es muy complicado, si
usas Adobe Premiere CC ya tiene una opción que prácticamente sincroniza tu sonido de la
cámara, con tu audio que grabamos por separado en segundos y prácticamente lo hace solo; si
no tienes esta versión o este programa de adobe, no importa, no es difícil hacerlo, solo te
implica unos minutos más de tiempo en la edición, pero vale la pena. (si no sabes cómo
hacerlo, en Videorebeldes.com tenemos un tutorial donde te mostramos como hacerlo velo
en:https://youtu.be/M_pvGCoDx54?list=PL4pKw-Sdm7PbbEtGylm1b3fFfysDQ6cvu
Una cosa que sí te recomiendo si piensas grabar el audio de tu corto por separado de tu
cámara es que:
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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1.- Como quiera grabes con el sonido ambiental de tu cámara para que te sirva de referencia al
momento de editar y lo puedas sincronizar correctamente.
2.-Que uses una claqueta para marcar cada toma, esto te ahorrará mucho tiempo en la edición,
si no sabes que es una claqueta o no tienes una, en este video te muestro como hacer una por
muy poco dinero : http://VIDEOREBELDES.com/?p=70
3.- Trata de iniciar la grabación tanto de la cámara de video como la de la grabadora de audio
al mismo tiempo o muy cerca en tiempo una de otra y no detengas ninguna de las dos hasta
que digas corte, de esta manera los dos archivos tanto el del video como el del audio no son
tan diferentes en duración, esto te facilitará las cosas al sincronizarlos en la edición.
4.-Al iniciar las grabaciones de los dos, menciona que escena es y que toma y cerciórate que
se registre en video y en audio para que tengas esa referencia al momento de editar. (si usas
una claqueta agregas mostrar la claqueta a la cámara de video.
Como te comentaba, no es indispensable un grabador de audio al menos que no tengas
manera de conectar o monitorear con tu camara directamente; si te interesa que te recomiende
alguna marca o modelo bueno, te diría que yo uso el Zoom h1, es económico y la verdad no es
tan costoso, aquí puedes encontrar más información sobre este:
http://VIDEOREBELDES.com/?p=495 Otro modelo más avanzado es el Tascam DR40, es un
poco mas costoso que el zoom h1 pero vale la pena. (Puedes verlo en:http://goo.gl/9JKT05)
Pero no es indispensable tampoco comprar un grabador de audio digital, si tu presupuesto no
te permite adquirir uno, puedes buscar maneras alternativas para lograr la misma tarea con
otros aparatos, como por ejemplo;
1.-Tal vez tienes otra cámara de video a la que, si se le pueda conectar micrófono y audífonos
pero que por alguna razón no quieres usar como tu cámara principal, bueno, úsala como
grabadora de audio.
2.-Puedes usar tu teléfono celular, iPhone o cualquier otro que te permite grabar sonido
conectando un micrófono y audífonos.
3.-Tal vez puedas usar una laptop como tu grabador de audio externo, siempre y cuando
puedas conectar un micrófono, audífonos y tengas como grabar el audio en archivos de
preferencia WAV.
En fin, ponte creativo y seguramente encontrarás una manera de hacerlo con lo que tienes.
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5.-Luces
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Si vas a hacer escenas en interiores, te recomiendo tener un par de lámparas, claro que si
consigues unas lámparas más profesionales como las de la figura 1, pues es mejor, pero no te
limites por esto si no estás en condiciones de invertir en algo así porque también tienes la
opción de usar las “luces de trabajo” (fig.2) que son mucho más económicas y puedes lograr
muy buenos resultados en cámara, solo ten en cuenta que estas luces se calientan mucho y
consumen bastante electricidad, solo toma tus precauciones al usarlas.
Hay otra opción que es más económica para luces de bajo presupuesto, el mismo Robert
Rodríguez las uso en su película “el Mariachi”, son las lámparas que son portables y que usan
un gancho para colocarlas en cualquier parte (Fig. 3), estas lámparas son muy económicas y
también muy útiles. Tenemos un tutorial en Videorebeldes.com sobre cómo usar estas luces y
hacerles un pedestal muy económico, lo puedes ver aqui:https://goo.gl/MRqHOI
La iluminación, si la usas correctamente, hará una gran diferencia a la imagen y presentación
de tu cortometraje, dando ese look más de “cine” y más profesional, por eso vale la pena que le
dediques un poco de esfuerzo a esto, sobre todo en interiores, en exteriores el sol es tu mejor
luz, pero en interiores, aun cuando uses una sola lámpara, hace una gran diferencia. Cuando
hice el corto de “Perra” solo use tres lámparas muy económicas y conseguí muy buenos
resultados, aquí puedes ver un video detrás de cámaras para que te enteres como lo
logre:https://goo.gl/2bBXw9
6.- Tripie
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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El tripie o trípode es un elemento muy básico y es de gran utilidad. Cualquier toma en un
trípode se ve más profesional que una sin él.
El uso del trípode depende también según el estilo de cada quien y el tipo de cortometraje que
se quiere realizar, muchas veces las escenas de acción se hacen sin trípode con cámara al
hombro con la idea de inyectar más intensidad a la secuencia.
Dependiendo del estilo que quieras lograr en tu corto determinaras el uso o no de un trípie,
pero si vas comenzando, te recomiendo usar uno ya que tener tomas estables da una
sensación de mayor profesionalismo a tus tomas.
7.- Y todo lo demás
Obviamente hay mucho equipo de video que es muy importante para poder realizar un
cortometraje con mejor calidad, agrégale los más obvios como baterías extras, extensiones
para la luz, audífonos, lentes, tarjetas de memoria, filtros para lentes,etc., claro que hay mucho
más, pero mi idea de este capítulo es mencionarte los más indispensables para un presupuesto
bajo y aun así lograr algo bien, claro que tú puedes deducir cuales son obvios e importantes
para también tener a tu disposición, como simplemente baterías extras para tu cámara, pero sé
que estos los deducirás tú mismo, al igual que si tu corto es de “CERO” presupuesto, pues
hazlo con lo que tengas, con lo que consigas, graba con tu teléfono, usa las luces que ya están
ahí, lo importante es que comiences haciendo algo y para el próximo tal vez puedas conseguir
más equipo y así poco a poco ir mejorando la calidad.
Estos equipos de video que te mencione si son muy importantes y te ayudarán a hacer un
mejor trabajo, si puedes conseguirlos bien, es mejor, si de plano no puedes, comienza con lo
que puedas y trata de ir consiguiéndolos para el siguiente trabajo en video que hagas; a lo que
me refiero es que no te detengas porque no pudiste conseguir algo de lo que aquí te menciono,
improvisa, busca la manera “Video-rebelde” de hacerlo (con tus recursos, con creatividad),
busca prestado, involucra a las personas que sí tiene ese equipo e invítalos a trabajar contigo
en tu proyecto, espero si explicarme bien con este punto.
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CAPÍTULO 3: ARMANDO TU EQUIPO DE
TRABAJO
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El cine es un arte en equipo, un trabajo en conjunto de varias personas, por eso cuando
se termina una película aparecen todos esos créditos que la mayoría de la gente no leemos,
pero que en realidad son muy importantes ya que son todas las personas que hicieron posible
la película que acabamos de disfrutar; en el cortometraje no hay mucha diferencia, los puestos,
los cargos, todos son los mismos que en un largometraje, la diferencia sería que como es de
una duración más corta y como normalmente se hace con mucho menos presupuesto que un
largometraje, usualmente no involucra a tanta gente, claro que hay sus excepciones, he visto
cortometrajes con un buen presupuesto en el que colaboraron igual o un poco menos de
personas que en una película, pero bueno, en nuestro caso, lo más probable es que no
tengamos tanta ayuda ya que nuestro corto es de bajo o cero presupuesto.
Aun cuando podemos hacer nuestro cortometraje con un mínimo de personas, hay algunos
puestos, los más básicos, que se necesitan para poder realizar el trabajo.Está claro que
muchas veces uno mismo acaba haciendo varios roles a la vez, uno mismo es el director, el
productor, el escritor, y hasta el fotógrafo, y en algunos casos hasta el actor, pero aún así
ocupamos ayuda, no podemos hacer todo nosotros solos, al momento de la producción una
persona puede desempeñar varias responsabilidades a la vez, estar dirigiendo y grabando a la
vez, pero se descuidan algunas funciones porque hay un límite en lo que uno puede hacer solo,
y es donde vienen la mayorías de los errores técnicos. Es por eso que pensando que nuestro
cortometraje es de bajo o cero presupuesto, aquí te diré los puestos mínimos que necesitas
que gente te ayude a cubrir para que puedas hacer un mejor trabajo, claro que entre más gente
te ayude es mejor, pero muchas veces no es posible conseguir tanta ayuda, pero este es el
equipo humano mínimo que necesitas:
Solo quiero hacer una aclaración con respecto a este punto, este es el equipo humano mínimo
que necesitas para realizar tu corto, pero no quiere decir que estos son los únicos puestos
implicados en la producción de una película o cortometraje, simplemente son las personas que
al menos debes tener para hacer un mejor trabajo y más organizado.
Equipo humano mínimo para hacer tu corto:
●
a) Productor/Director:
En realidad, son trabajos muy distintos, pero los pongo en el mismo renglón porque en nuestro
caso lo más probable es que los dos los haga la misma persona: “tú”.
El director es el de la visión, es quien va a diseñar la manera en que la historia se va a contar,
el estilo, la forma, la sensibilidad, es el capitán del barco, todos se ponen a su disposición para
sincronizarse a una sola visión, tiene que ser así, porque ¿Imagínate que todos pudieran
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dirigir?, sería un desastre, todos tenemos diferentes opiniones, distintos puntos de vista, sería
una película o en nuestro caso un corto muy disparejo, sin pies ni cabeza, por eso es el director
el que marca la pauta, “dirige” por donde hay que irse, mantiene una misma línea visión de
todos para todos los talentos involucrados en una película y así que tenga coherencia.
Por otro lado, está el productor, él es la persona que pone en marcha las cosas, es quien
consigue lo que se tenga que conseguir, consigue los fondos económicos (si es que los hay),
contrata a los actores y demás equipo de trabajo (incluyendo al director) y se cerciora que el
director tenga todo lo necesario para poder trabajar, el hace los pagos al equipo si es el caso,
en fin, es quien controla y administra la película, cuida el presupuesto para que no se exceda
de lo que se tiene programado.
Como te decía, en nuestro caso, estos dos papeles por lo general los terminas haciendo “tu”
mismo, porque a ti es a quien le interesa hacerlo mayormente, tu eres quien va a conseguir las
cosas, los permisos, a la gente que va a colaborar contigo etc. serás el “productor”, aun así, no
quiere decir que no puedas pedir ayuda para que te apoyen, sobre todo a tramitar permisos o a
organizar la producción.
Por otro lado, tu eres el de la idea, tú vas a dirigirlo me supongo, no tiene que ser así, puede
pasar que a ti te guste organizar todo, pero le dejes lo creativo a otra persona para que sea el
director, en cualquiera de los casos, se necesita una persona que dirija, que tenga la visión y el
estilo a desarrollar para el corto.
Estos dos papeles, productor y director son los más básicos, y aun cuando es lo más probable
que tú los harás los dos, quería como quiera mencionarlos por su importancia.
●
b) Responsable de audio (boom/grabación de audio)
Como ya lo mencione anteriormente, el audio es muy, muy importante para tu cortometraje, por
ello necesitas cerciorarte que se registre en las mejores condiciones posibles, por eso
necesitas usar un “boom” y alguien que le dedique toda la atención al momento de estar
grabando para revisar que no se sature o este muy bajo los niveles de registro del audio, que
no haya ruidos o interferencias en el micrófono o al sostener el boom; algunas veces tú mismo
puedes monitorear el audio, pero estarás ocupado haciendo todo lo demás y se te pueden
pasar detalles y lo que si no podrás hacer es pararte cerca de los actores y usar el boom si por
ejemplo tú mismo estás operando la cámara, por eso te recomiendo que busques a alguien que
sea el responsable del audio, que sería la persona que operaría el boom con el micrófono,
cerciorándose de que esté en buena posición sobre los actores y siguiendo la acción del sonido
que quieres registrar; esta persona también cuidaría que se grabe el sonido lo más limpio y
claro posible y si usas un grabador externo, el seria quien se cerciora de poner a grabar en
cada toma que se hace.
La persona que selecciones para esto debe ser alguien que sea atento a los detalles, que
tenga buen oído y tenga concentración a lo que hace, ya que muchas veces el mínimo ruido al
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sostener el boom puede quedar grabado en la toma.
Esta persona estará varias horas con los brazos levantados sosteniendo el boom, así que debe
ser alguien que esté dispuesto a resistir este trabajo. (no es tan pesado, pero si cansa después
de varias horas de grabación).
De preferencia que practique colocando el boom en los ensayos y explícale que debe de tratar
de no mover tanto el boom ni pegarle con sus manos ya que se puede registrar ese ruido en la
toma, lo ideal es que lo coloque de arriba hacia abajo y lo desliza de un lado a otro según
cuando sea necesario, cuidando de siempre apuntar a la boca de quien habla y posicionándolo
lo más cerca posible sin que salga a cuadro de actor que habla, esto último es muy importante,
de preferencia pon un monitor para que el operador de boom pueda ver y sepa cuando el boom
sale en la toma para así evitarlo.
●
c) Cinematógrafo/fotógrafo/operador de cámara
El cinematógrafo en un cortometraje de bajo presupuesto es quien opera la cámara,
iluminación y hacer una propuesta visual por medio de los encuadres y ambientación de la
iluminación, a este puesto se le llama director de fotografía o “DP” (Director of photography).
En el caso de las producciones de bajo o cero presupuesto, muchas veces este es otro papel
que hacemos nosotros mismos; yo por ejemplo, estoy muy acostumbrado a ser el fotógrafo de
mis producciones, y me cuesta delegar la cámara a otra persona, ya que siento que yo sé
rápidamente lo que necesito en el momento preciso y me ahorro tiempo y malos ratos al revisar
el material y ver que nos salió como quería; pero no quiere decir que no desearía en momentos
dedicarme solo a dirigir y dejar la responsabilidad de operar la cámara y fotografía a alguien
más.
El hecho de que quieras delegar la función del DP a alguien más es ya cuestión de la manera
en que cada quien quiera trabajar, aun cuando la mayoría de mis producciones yo mismo operó
la cámara, si he trabajado con otra persona haciendo ese trabajo y tiene sus ventajas ya que
esta persona puede aportar ideas que nunca se me hubieran ocurrido a mi si yo mismo hiciera
todo, también me he podido concentrar más en los actores y cómo dirigir sin estar distraído
cuidando que la toma se vea bien, que no esté oscuro o quemado y que esté bien encuadrado.
Ya sea que tú lo hagas o busques la colaboración de alguien, este es uno de los puestos
indispensables para la realización de un corto.
Tal vez puedas conseguir a alguien que sepa más que tu sobre fotografía y cinematografía y
que su colaboración sirva para engrandecer el cortometraje, en mi caso, yo sé un poco sobre
iluminación, pero no es mi fuerte, no es mi especialidad, uno de mis retos será ceder un poco la
cámara y la iluminación a alguien que sepa más que yo y así también, aparte de crear juntos un
mejor trabajo, me servirá para aprender mejor este arte. Siempre hay que aprender mejor de
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todas las funciones; yo creo que ese es el mejor director, el que sabe de todo en una
producción cinematográfica o de video.
Pero si no consigues a nadie, o no conoces a nadie, no importa, hazlo tú mismo, aprende de
encuadres, iluminación viendo películas, busca escenas del estilo que quieras hacer y estudia
cómo está iluminada y trata de recrearlo, esa es una buena manera para aprender.
En el caso de que si estés colaborando con otra persona que será el DP de tu cortometraje,
deben trabajar mano a mano el director y el DP, para estar en el mismo canal, aun cuando es
la visión del director la que se realizará, el DP aportará propuestas y soluciones para lograr esa
visión del director. Normalmente el director dice que tomas, ángulos, encuadre quiere para las
escenas y el director de fotografía (DP) se encarga de llevarlas a cabo y generar el ambiente y
mejor perspectiva para lograr lo que el director quiere, además de también proponer
encuadres.
Lo ideal es que se reúnan mucho antes del día que inicia la producción y se pongan de acuerdo
sobre lo que harán, el director debe explicarle el estilo que busca lograr y la manera en que
planea hacerlo.
●
d) Continuista/asistente de dirección.
El continuista es la persona que como su nombre lo dice, se encarga de la continuidad en la
producción, es decir, cuida que tenga coherencia y seguimiento los detalles entre toma y toma,
por ejemplo, si estás haciendo una toma en que un personaje trae una bufanda en el cuello,
entra a una habitación, se sienta en una silla y al hacer un close up ya no trae la bufanda, ese
es un error de continuidad, se debe cuidar que los actores tengan los mismos objetos,
vestuarios, utilería, etc. que se sienten en el mismo lugar en todas las escenas y tomas en las
que supuestamente suceden en un mismo momento, aun cuando los grabes con minutos horas
o días de diferencia; además esta persona (el continuista) revisa con el guion a la mano si los
diálogos se están diciendo como se debe, si no se omiten palabras o se cambian, etc. Todo
esto créeme es difícil de poner atención si tú mismo estás dirigiendo, operando la cámara,
iluminando etc. lo mejor es tener ayuda, tener a una persona que se dedique a poner atención
a estos detalles.
Por otro lado, el asistente de dirección es la persona que ayuda al director a organizarse, que
hace los llamados a los actores, lleva la ordenación de las escenas que se han grabado y las
que siguen por grabar, se encarga de traer a los actores al set al momento en que deben
comenzar a grabar, maneja a los extras explicándoles su función en la escena, etc. en general
como dice su nombre, asiste al director.
En una producción de cine, estos son dos puestos que realizan dos personas diferentes,
incluso a veces existen dos o tres asistentes de dirección, pero en una producción de bajo
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presupuesto, estos dos roles, el asistente de dirección y el continuista, los puede desempeñar
perfectamente la misma persona.
Esta persona debe ser alguien organizado, responsable y que cuide y se fije mucho en los
detalles. Si me aceptas un consejo, en mi opinión una mujer es mejor para esto, ya que suelen
ser más responsables y cuidan cada detalle, pero un hombre, dependiendo de la persona por
supuesto, puede desempeñar la función perfectamente.
●
e) Asistente de producción/Gripper
Otros roles importante que si puedes conseguir que alguien lo cubra en tu producción te serán
de gran ayuda, estos son el rol del “asistente de producción” que es la persona que en el set se
encarga de que haya todo lo que se necesita para comenzar la producción, que esté lista la
utilería, la escenografía, si se necesita conseguir algo esta es la persona que irá a conseguirlo,
en fin, es la persona que ayuda a que todo se mueva ágilmente y sin obstáculos antes, durante
y después de rodar, también debe cerciorarse que el lugar quede tal y cual lo encontraron al
llegar, no quiere decir que esta persona va a hacer todo y acomodar y limpiar todo solo, pero es
la persona responsable para que todo se haga, y en una producción de cero o bajo
presupuesto, todos deben ayudar a que las locaciones queden limpias antes de irse.
El otro rol es el de “Gripper”, un gripper es la persona que ayuda a montar trípodes, cámaras,
extensiones, se encarga de la seguridad del set en cuanto a que no haya cables con los que se
puedan tropezar la gente, lámparas que se puedan caer, etc. también asiste al DP con el
equipo.
Al igual que en los otros roles, estos dos, el asistente de producción y el gripper son dos cosas
distintas y desempeñadas por dos personas diferentes, pero en nuestro corto de bajo o cero
presupuesto, esto lo puede hacer la misma persona.
3.2.- EL CASTING
En el punto anterior vimos los elementos esenciales que necesitas para armar un
equipo de personas en el área de producción, y claro, si de esencia estamos hablando, no
puede faltar en tu equipo de trabajo “los actores”, al final de cuentas contarás tu historia por
medio de ellos, pero ¿cómo conseguir actores o personas dispuestas a aparecer a cuadro en tu
cortometraje?, ¿Les tienes que pagar? ¿dónde los encuentras?, bueno poco a poco iremos
contestando esas preguntas.
Primero que nada, ¿Qué diferencia hay entre trabajar con personas que son “actores” y los que
no lo son?, bueno, la efectividad de tu cortometraje depende en gran medida de qué tanto cree
tu audiencia que las personas que está viendo a cuadro son “reales”, creer que si les está
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sucediendo esas cosas que ven y que se encuentran en esa situación que les describes en tu
historia, y para eso necesitas la habilidad de gente que sepa hacer creer que son otra persona,
que están en una realidad inventada que parece real, esos son los “actores”, si estuviéramos
en la producción de un largometraje con alto presupuesto, las cosas se maneja distinto en
referencia a contratar actores profesionales, todo se maneja por medio de representantes, en
ocasiones también directamente con ellos pero obviamente se negocia el sueldo, condiciones
de trabajo, etc. es otro tema aparte, lo que veremos en este libro es más bien conseguir no
precisamente actores famosos, sino personas que tengan la habilidad de poder actuar frente a
una cámara, que puedan reaccionar a las situaciones de ficción y hagan creer que es verdad,
que si simulan estar asustadas, parezca que realmente están asustadas, tristes, contentas, etc.
Lo primero que tienes que hacer es definir el perfil de los personajes de tu guion, ¿Qué tipo de
personas son?, en base a ellos es cómo vas a comenzar a buscar a las personas adecuadas
para que los representen.
Un consejo que te podría dar es que busques que el “actor” tenga una personalidad a fin a la
del personaje, porque, por más actor que sea y que crea que puede representar a cualquier
personalidad, en mi opinión no es verdad, el actor se basa en su persona, sus vivencias,
experiencia sentimientos, etc. para crear un personaje y representarlo, y pueden interpretar a
personas muy diferentes a ellos pero hasta cierto punto, por más buenos que sean, si tu
personaje es un “líder” de carácter fuerte, que es un poco atrabancado, rebelde, ¿a quién le
darías ese papel a Adam Sandler o a Antonio Banderas?, y no estoy hablando tanto del físico,
que por supuesto también tiene que ver, pero hablo más de la personalidad que proyecta, en
eso es lo que te debes fijar, si la persona es parecida o es afín al personaje que buscas.
Yo cometí un error en uno de mis cortos, y no diré cual es para no comprometer al actor, pero
al seleccionar al protagónico me equivoque y me di cuenta ya demasiado tarde, cuando ya le
había dicho que sí y comenzamos a trabajar, y tal vez debí detener la producción y conseguir a
alguien más, pero es difícil porque puede ser muy incómodo para las dos partes decirle, sabes
que, mejor voy a conseguir a alguien más para este papel, muchas gracias; y es que el
personaje requería una personalidad de alguien rebelde, alivianado, un poco cínico ante la
vida, y este chavo era muy serio, incluso de postura muy rígida, para nada lo que buscaba, al
final de cuentas se quedó él y el corto no estuvo tan mal, pero hubiera estado mejor si yo
hubiera elegido mejor el casting.
Detener la producción de una película por tener al actor equivocado es inusual, cuesta dinero,
pero sí ha sucedido, y ahí está el caso de Eric Stoltz en el papel de Marty Mcfly in “Back to the
future” (Volver al futuro), donde el director Robert Zemeckis ya había filmado gran parte de la
película y se dio cuenta que no era lo que buscaba, detuvo la producción, le dijo a Erik que:
“dijo mi mamá que siempre no” y contrató a Michael J. Fox para el papel, quien la verdad, no
pudo estar mejor en ese personaje; y no es que Stoltz sea mal actor, simplemente no
proyectaba lo que el director necesitaba para ese personaje en especial.
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Pero nosotros no tenemos ese lujo de poder perder el tiempo y volver a comenzar la
producción, mejor elige bien desde el inicio.
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Eric Stoltz en Volver al futuro
De regreso a la pregunta donde conseguir a los actores, como comentaba anteriormente, no
estoy hablando de conseguir actores famosos para tu corto, sino más bien de personas que
puedan “actuar”; actores de tu localidad que no necesariamente son conocidos o famosos, pero
que tienen talento.
OBRAS DE TEATRO LOCAL
Por lo general , si buscas actores en tu localidad los vas a encontrar en el teatro, busca obras
de teatro locales, asiste a ellas (y sirve que los apoyas un poco) y vete fijando en las
actuaciones, en las personalidades,si actúan bien, recuerda que la actuación para el teatro es
un poco distinta que la que es para cine, en el teatro se exagera un poco más, hablan más
fuerte y modulan más su voz, en el cine es más sutil y más realista, así que no tomes en cuenta
si en el teatro las actuaciones son más exageradas, así debe ser ahí, ya tendrás oportunidad
de hacerles una prueba para ver si pueden actuar más sutilmente para tu corto.
Si ves a algún actor o actriz que te haya gustado, solo es cuestión que al final del evento
busques la manera de acercarte a él o ella, presentarte y explicar tu proyecto, de que se trata
en general y si estaría dispuesto a hacer una prueba para tu personaje. Por lo general, los
actores buscan oportunidades tanto de aprender, practicar y currículum, así que si ve que eres
una persona seria en su trabajo, que sabe lo que hace y le inspiras confianza, seguramente
aceptará al menos hacer la prueba para ti; y no se trata de que le vas a hacer la prueba en ese
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momento, solo se ponen de acuerdo, le pasas el guion con la escena que quieras que lea y ya
lo harás otro día.
ESCUELAS DE ACTUACION/TEATRO
Otro lugar para conseguir actores son las escuelas de teatro, estoy seguro que en tu
comunidad hay escuelas de cultura, ahí por lo general enseñan teatro, puedes ir a una de esas
clases y pedirle permiso a el profesor para invitar a los alumnos a tu casting, seguramente
pueden encontrar muchas personas interesadas y con talento.
CASTINGS POR CONOCIDOS
Si conoces a alguien que se dedica a actuar, tenlo por seguro que esa persona tiene amigos
actores, pídele ayuda, dile que necesitas y si conoce a algún actor o actriz que podría
representar ese papel, pídele que los presente y le haces la prueba.
TRABAJAR CON NO ACTORES
Ya te mencioné aquí sobre conseguir a actores, pero no quiere decir que no puedas utilizar a
personas que no tienen una formación académica o experiencia en la actuación; muchas
veces puedes tener muy buenas sorpresas de personas que jamás habían actuado, ni
estudiado actuación y resultan ser grandes actores con un talento nato, ahí está el caso de la
niña de la película de Eugenio Derbez en ”Instrucciones no incluidas”, esta niña que comparte
protagónico con Derbez nunca había actuado y sin embargo es muy buena actriz muy natural y
lo hizo muy bien.
Así que si tienes amigos que en su personalidad crees que puedan desempeñar el personaje
con naturalidad, que proyectan lo que buscas en el personaje, no pierdes nada con invitarlos a
hacer la prueba, te puedes llevar buenas sorpresas.
INVITACIÓN PÚBLICA
Otra manera para conseguir actores es hacer una invitación pública a tu casting, por ejemplo
anunciarlo por medio de las redes sociales, ir a la radio y televisión local, pegar anuncios en
lugares públicos, escuelas de teatro o universidades, etc., de esa manera, si tu proyecto resulta
atractivo, varias personas responderán y asistieran al casting, solo ten en cuenta y prepárate
para recibir a varias personas, cerciórate que sea en un lugar público y adecuado para hacer
tus castings y organízate bien en los tiempos para que no estén esperando mucho su
turno(Consigue ayuda).
En un casting abierto al público no esperes tampoco que lleguen olas y olas de personas, al
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menos que representes a una compañía de cine o televisión internacional o muy conocida, no
creas que van a llegar grandes cantidades de personas, pero si es posible que acudan una
docena más o menos, así que hay que estar preparado.
Si te habrás fijado, siempre te menciono que les hagas la prueba antes de decirles que ya se
quedarían con el papel, y es precisamente por lo que te había comentado anteriormente,
porque aún no tienes la seguridad si es la persona que quieres para tu corto, no te
comprometas hasta estar seguro, para eso es el proceso de casting.
EL CASTING
Bueno, independientemente de donde consigas a las personas, lo más recomendable es
hacerles un casting antes de seleccionarlos y decirles que ya están en el corto (al menos que
ya conozcas al actor o actriz y hayas trabajado con esa persona y sepas de antemano que lo
puede hacer, solo así es recomendable decirle que quedo sin hacerle una prueba)
Primero que nada necesitas un lugar donde hacer los castings, lo más recomendable que no
los hagas en tu casa, sobre todo si haces pruebas a personas que no conoces, es mejor
hacerlos en un lugar público, que les inspire confianza, recuerda que no te conocen y además
hay que proyectar una imagen lo más profesional posible, así que trata de conseguir un
espacio donde puedas hacer el casting tranquilamente; puede ser una oficina, un salón en una
escuela, una sala privada, etc. tal vez puedas pedir una sala de la escuela o conoces a alguien
que tiene una oficina o un espacio que te pueda prestar por unas horas.
La cuestión es que de preferencia debe ser un lugar donde haya espacio suficiente para poner
una cámara, que haya privacidad y no haya ruidos que distraigan.
EL PROTOCOLO
Si vas a realizar todos los casting en una misma sesión, es decir, el mismo día, y son varios, lo
mejor será citarlos con una diferencia de tiempo de al menos 15 minutos entre cada uno, de
esa manera no estarán esperando mucho tiempo hasta que les toque su turno, esto dependerá
también de la cantidad de personas a las que entrevistaras, la idea es que busques un sistema
para organizarte que sea lo más eficiente posible para que no hagas perder el tiempo a nadie
esperando a pasar, no eres doctor para darte ese lujo.
Otro punto importante es que de preferencia tengas algún asistente o alguien que te ayude a
recibir a las personas, que les tome el nombre, información y les indique su turno, estoy seguro
podrás conseguir a algún amigo o familiar que te ayude en esto, después le invitas una
hamburguesa para compensarle.
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De preferencia el lugar donde hagas tu casting debe tener un lobby o espacio donde puedas
sentar a las personas mientras esperan, no debe ser el mismo lugar donde estás haciendo el
casting a los demás, el casting debe ser privado, así que trata de que mientras esperan los
demás estén cómodos, proporcionales botanas y bebidas si es posible, o al menos unas
revistas para que se distraigan.
EL PROCESOS DEL CASTING
Como te comentaba anteriormente, el lugar donde hagas el casting debe ser un lugar privado,
las únicas personas que deben estar en el son director, productor (En nuestro caso
posiblemente esos dos seas tú), el actor y posiblemente un ayudante de actuación para que lea
a los otros personajes para el actor que hace la audición.
Cuando le haces el casting a un actor, puedes dejar que el lleve algo preparado libre, o puedes
seleccionar alguna escena o fragmento de escena de tu corto para que lo lea y lo interprete, si
la escena requiere otro personaje puedes pedirle a algún otro actor u otra persona que te
ayude a decir los diálogos del otro personaje.
Puede ser que le mandes la escena unos días antes para que se prepare o que se lo des en
ese momento, si es una escena muy dramática o difícil, es mejor que lo dejes que lo prepare
unos días antes.
¿QUE BUSCAR EN EL CASTING?
¿Cómo saber que ese actor es el correcto para tu corto?, esto son algunas cosas en las que te
puedes basar para escoger al actor o actriz.
●
A) Personalidad del actor:
Esto es si el actor primero que nada tiene el perfil y personalidad que buscas para el personaje,
si transmite eso que quieres, si el personaje es amenazante, ¿puedes ver eso en el actor?, si
es de una personalidad fuerte el personaje y, ¿lo transmite eso el actor o actriz? o lo contrario,
básicamente buscamos que el actor tenga las cualidades del personaje; claro podrás pensar,
bueno ¿Qué no es un actor? ¿puede interpretar lo que sea no?, bueno, eso sería en el caso de
que si sea muy buen actor, y aun así, las personalidades reales del actor (actriz) sobrepasan la
pantalla y se dejan ver muy marcadamente en los personajes que interpretan; en mi opinión no
todos los actores son adecuados para todos los papeles, aunque a veces ellos mismos piensen
que sí, incluso los mejores actores como Anthony Hopkins tienen una personalidad muy
definida que sobrepasa en pantalla, por ejemplo imagínatelo a él en el papel de Austin Powers,
seguramente lo puede hacer pero ¿sería la mejor opción? no creo; bueno entonces eso es lo
que debes fijarte, si el actor transmite esa personalidad que buscas, aunque no debes cerrarte,
puede pasar que llegue un actor totalmente distinto a lo que tu buscabas, pero que es mucho
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mejor a lo que tu habías imaginado, que le da más profundidad al personaje porque su
personalidad es lo contrario o su estilo lo hace mejor, eso puede pasar tambièn, así que no te
cierres a tu idea, abre los ojos a otras propuestas también que pueden o no ser mejores.
●
B) Talento.
Bueno esto es obvio, quieres saber si sabe actuar, si puede hacerlo convincentemente; Puede
que sea o no un actor profesional, o que no tenga mucha experiencia, pero ¿actúa bien ante
cámara?, ¿se la crees?, ¿cómo retrata?, aquí lo que querrás hacer es darle la escena más
significativa en el guion para ese personaje en particular, para ver sus rangos, por ejemplo si
hay una escena muy dramática en el guion y es muy importante para la historia, querrás saber
si la puede hacer, esa es la escena en la que lo querrás poner a prueba, si puede con esa
escena podrá con las demás, si no es así y no se la crees, todo lo demás no servirá porque el
público no se involucró en ese momento de la historia tan importante y los sacaras de la
historia.
●
C) Si es cooperativo y si toma bien las direcciones.
Primero déjalo hacer la escena a su manera, después haz pequeños ajustes, como por
ejemplo, si la escena es de un tipo que llega y pide un café y no trae dinero para pagar y quiere
convencer que se lo den gratis, en los ajustes le puedes pedir que lo haga como si fuera a
morirse si no se toma el café, otra podría ser que lo haga como si amenazara para que le den
el café, o como si no le importará si se lo dan o no, ¿me explico?, lo que quieres saber es si
primero el actor y tu tienen buena comunicación, y en segundo, si el entiende tus direcciones y
tiene la capacidad de hacer los cambios, si es cooperativo y se deja dirigir, a veces puede que
un actor tenga sus propias ideas y no quiera hacer lo que le pides, bueno eso es lo que quieres
descubrir en el casting.
● D) Si hay química contigo y los otros actores.
Otra cosa muy importante que querrás averiguar es si el actor tiene buena actitud, si no es una
persona conflictiva que hará de la producción una pesadilla, eso lo tendrás que deducir de la
vibra que te dé al conocerlo; en el caso de personajes que son pareja ya sea de amigos o
romántica, querrás hacer una segunda prueba con el otro actor para ver si se podrían llevar
bien, si hay química entre ellos, si se ven bien juntos o proyectan lo que buscas en el
cortometraje. Esto se hace mucho en el cine, Christopher Reeve hizo el casting con varias
actrices para ver cómo funcionaban juntos hasta que encontraron a Margot Kidder para el papel
de Lois Lane en la película “Superman” de Richard Donner de 1978.
●
E) Si está disponible.
Es bueno preguntar ahí mismo si el actor podría grabar en los horarios y fechas en las que
tienen previsto iniciar producción, es mejor saberlo de antemano a escogerlo para después
enterarse de que solo puede grabar por las noches o algo así. También es bueno preguntarle
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aquí en caso de que haya alguna escena incómoda como algún desnudo o desnudos parciales
o montar a caballo o bajo el agua, etc. si esta estaría dispuesto a hacerlo y en todo caso si
sabe hacerlo en el caso de que deba montar o subirse a una moto o algo así. (No hagas
escenas peligrosas en tu corto ya que seguramente no tienes seguro y aparte para que
arriesgarse).
Es buena idea llevar una cámara de video a la sesión de casting y grabar las pruebas, puedes
grabar tomas abiertas y otras en close up del actor durante su actuación para saber cómo
retrata. Puedes iniciar poniéndolo frente a la cámara y preguntarle su nombre para que quede
registrado y recuerdes exactamente como se llama en el caso de que sea alguien desconocido.
Un consejo sería comenzar con algunas preguntas de rutina como su nombre y que le llamo la
atención del proyecto u otras cosas que se te ocurran, para relajarlo y a la vez averiguar un
poco de cómo es su personalidad; algunos pueden llegar a ponerse un poco nerviosos, así que
trata de relajarlos para que hagan una mejor prueba.
El casting debe ser corto, máximo 15 minutos, y sobre todo si harás casting a varias personas
en el mismo día.
Normalmente haces el casting y no le dices nada de si quedo seleccionado o no, solo le
agradeces, es mejor esperar a ver a todos, es por eso que los estas grabando, ya con calma en
tu casa vuelves a revisar los castings y decides cual es el más indicado.
Otro día, una vez que ya terminaste con todos los castings y tienes tu opción u opciones del
actor que es adecuado para tu cortometraje, ya depende de ti si quieres hacer pruebas
posteriores para estar seguro en el caso de que estés entre dos alternativas o, por ejemplo,
para ver cómo congenian con los otros actores seleccionados; como te digo, eso ya depende
de ti y del tiempo que dispongas para hacer más castings.
HABLANDO CON EL ACTOR/ACTRIZ
Ya que tienes a tus seleccionados, lo ideal es hablar con ellos por separado y plantearles cómo
trabajaran, si les vas a pagar o no y si están dispuestos a trabajar de esa manera y que les
darás a cambio de participar contigo en el cortometraje. Si no les vas a pagar, muchas veces lo
que puedes ofrecerles es una copia del cortometraje o algo así, eso depende de ti, busca algo
que a ellos les pueda interesar de ti, por ejemplo, hacerles un video demo de ellos para su
trabajos de actor o modelos, o tal vez solo baste con una copia del corto y una buena
experiencia, como quiera que sea, ese el momento de plantearlo y que esté todo muy claro
desde el inicio para evitar malos entendidos.
LIBERACIÓN DE PERMISO
También puede ser el momento para que el actor una vez que ya se comprometió a trabajar
contigo, te firme una carta de liberación de permiso, esta carta es un documento donde se
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expresa que te está dando permiso de usar su imagen en relación al cortometraje para que tu
tengas la libertad de manejarlo sin problema, por ejemplo, si quisieras vender o rentar el corto
o meterlo a festivales, subirlo a internet, etc., es muy importante que todos los artistas
involucrados en el corto te firmen este documento para que tengas pruebas de que ellos están
dando su consentimiento para que así no vayas a tener problemas en un futuro de que no
quieren que publiques el cortometraje o lo uses o que quieran que les pagues dinero o
cualquier cosa que se les ocurra, esta carta deben firmar los actores, extras, el
músico/compositor si es el caso, etc. en el expresas también el convenio que tengan ya sea si
le pagarás o no y cómo será.
Si no sabes cómo hacer una carta así, en Video rebeldes tenemos un formato que fácilmente
puedes adaptar a cualquier proyecto de video, lo puedes adquirir en la tienda de
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CAPÍTULO 4: PREPARACIÓN
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4.1.- Locaciones y permisos.
Bueno, ya tienes tu guion, tus actores, ahora es momento de ir a buscar las locaciones
que usarás; a este proceso se le llama “Scouting” y no se trata de mayor cosa que de ir a
buscar los lugares donde rodarás el corto. A veces es un proceso sencillo, tal vez todo lo
grabarás en tu casa, o en una escuela, y otras veces esto lleva más tiempo, tal vez quieras
alguna locación que sea visualmente interesante como un paisaje en particular o en un bosque
o desierto, en fin, eso ya depende del proyecto en específico de cada quién.
Es importante considerar al momento de decidirse por alguna locación, primero que nada si
está disponible para grabar, si les darán el permiso, porque por ejemplo, hacer un corto en
bellas artes puede ser muy bueno, pero otra cosa es que te vayan a dar el permiso, aunque sí
ha habido casos en los que graban incluso toda una película en una locación sin permiso como
sucedió con la película independiente Escape from Tomorrow, donde todo el filme lo grabaron a
escondidas en varios parques de Disneylandia en Estados Unidos, pero la verdad es muy
riesgoso, no solo de que te puedan demandar, sino de que ni siquiera te dejen terminar el corto
(o película) porque te descubren; yo la verdad no lo recomiendo, mejor siempre pide permiso si
se trata de locaciones privadas y si no quieren dejarte grabar busca otro lugar.
En las películas de Hollywood lo que se hace es que, bueno, tienen sus propios estudios de
filmación, otras veces usan locaciones reales y les pagan una renta a los locatarios para
dejarlos filmar ahí, pero en el caso de una película o cortometraje de bajo presupuesto como el
de nosotros, pues no podemos darnos ese lujo, así que ni hablar de pagar y mucho menos de
tener un estudio propio. La mayoría de las veces si les preguntas a los dueños de cierta
locación si te dejan grabar ahí tu corto si accederán siempre y cuando no interfiera con su
trabajo, en caso de que sea, por ejemplo, un restaurante o una tienda, etc. es importante
mencionarles cuanto tiempo filmarán y acoplarte a los horarios que ellos te dejen. Es mejor
decirles la verdad si calculas que grabaras muchas horas, para que si acceden estén
conscientes que llevará tiempo, y no que les digas que solo estarás una hora y que en el rodaje
después de 4 horas te quieran correr. Si es muy relevante la locación para tu historia y no
quieren prestártela porque interfiere con su trabajo, puedes tratar de convencerlos pidiéndoles
que te dejen grabar en las noches o los fines de semana cuando no esté abierto al público, así
hicieron con la película del director George Romero “Dawn of the Dead” (El amanecer de los
muertos 1978) que la filmaron en un centro comercial y solo los dejaban grabar unas horas por
las noches cuando estaba cerrado al público.
Por eso es importante lo que mencionaba al inicio de este libro sobre las locaciones, cuando
estas creando el guion, establece tus historias en locaciones que sabes puedes conseguir, ya
sea porque conoces a los dueños, o es tu propiedad o sabes que te los prestan sin problema,
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esto te ahorrará tiempo y dinero en algunos casos. Esto no quiere decir que te des por vencido,
si hay una locación donde realmente debas probar no pierdes nada con preguntar si te dejan.
LOCACIONES PÚBLICAS.
Dependiendo del país donde vivas, aunque sea un lugar público debes pedir permiso al estado
o municipio para poder grabar ahí, en algunas ocasiones podrás salirte con la tuya sin pedir
permiso en este tipo de lugares públicos si no llamas mucho la atención y pasando por turista,
no trayendo tanto equipo de video, de esa manera la gente no se da cuenta que estás haciendo
un cortometraje. En otros lugares no importa, depende de cada lugar y sus reglas, investígalo
primero para que todo salga bien.
Si vas a grabar en lugares públicos y son escenas que involucren armas o escenas de
violencia, es importante que notifiques a los vecinos del lugar que estarán haciendo un
cortometraje y que no estas usando armas de verdad, pon letreros grandes que avisen que es
una producción de cine, para que no vayan a llamar a la policía y pueda resultar peligroso
pensando que es una situación real. Es recomendable que avises a la policía local que estarán
rodando escenas para un cortometraje y que usarás armas de utilería (nunca uses armas de
verdad), por si alguien les habla pensando que es real.
LIBERACIÓN DE PERMISOS DE LOCACIÓN.
Al igual que con los actores y músicos involucrados en tu cortometraje, también debes
conseguir que los propietarios de las locaciones te firmen una carta donde exprese que te dan
permiso de grabar en su propiedad y que te dejan usar el material capturado dentro de él, así te
proteges de cualquier mal entendido que pudieran surgir en un futuro.
SEGUROS.
Es recomendable tener algún tipo de seguro que te ampare por si sucede algún daño
ocasionado por ti o alguno de tu equipo a la propiedad, pero esto a veces puede estar fuera del
presupuesto, si lo puedes conseguir es excelente, si no, pues se muy cuidadoso al estar en
estas locaciones, protege la propiedad, cuida que no se rallen los pisos o muebles con tu
equipo, deja el lugar igual de limpio de cómo lo encontraste al llegar y asegúrate que los demás
involucrados lo sepan y lo hagan también.
COSAS QUE CONSIDERAR PARA UNA LOCACIÓN.
Hay varios puntos importantes que debes tomar en cuenta antes de comprometerte con un
lugar para que sea tu locación de producción:
●
1.-Ubicación.
La ubicación es importante, si está muy retirada, incluso fuera de la ciudad, debes considerar
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los tiempos que requerirá para llegar al lugar, así como los gastos que puede generar tanto de
gasolina o viáticos, para llegar al lugar. Entre más cerca sean las locaciones es mejor, así te
podrás mover más rápido en la producción; o también puedes tratar de buscar lugares en
donde puedas hacer varias locaciones en el mismo lugar, ya sea porque quedan muy cerca o
porque tiene distintos espacios que te sirven para hacerlas pasar por otras locaciones, por
ejemplo, necesitas grabar en una oficina y en un parque y el lugar tiene un jardín muy grande
que pasaría como parque, ahí mismo puedes hacer las dos escenas y te ahorras tiempo.
●
2.-Fuentes de electricidad.
También debes tomar a consideración si el lugar tiene acceso a electricidad, si hay conectores,
aire acondicionado, puede que no necesites conectar luces y eso no importe, o puede que si lo
requieras, por eso ve esos detalles antes de seleccionar el lugar.
●
3.-Iluminación.
Revisa cómo es la iluminación de lugar, si es muy oscuro o ciertas horas del día, así sabrás si
requerirás poca o mucha luz extra.
●
4.-Ruidos.
Revisa si es un lugar donde hay mucho ruido ya sea del exterior o de aparatos del mismo en el
interior. Esto lo querrás saber desde antes, por si vas a hacer escenas con diálogos y al llegar
al lugar el día de la producción te das cuenta de que pasa un tren o un avión cada 5 minutos
que no deja oír nada, eso arruinará tus escenas, o que tienen un aparato que hace un ruido
muy fuerte y lo prenden precisamente a la hora que tú quieres grabar, o que afuera se ponen a
hacer manifestaciones todos los días provocando ruido y limitando el acceso. Saberlo desde
antes te ahorrará tiempo, si alguna de estas cosas las tiene el lugar, pero no te afecta en la
producción, pues adelante, pero así ya lo tendrás prevenido con tiempo.
●
5.-Los espacios.
También querrás saber que tan espacioso es el lugar, es decir, por ejemplo si se trata de una
oficina o un interior, revisa si vas a poder caber con tu equipo, tal vez es muy pequeño y no
podrás colocar luces, o necesitarás un lente muy amplio para poder hacer buenas tomas, o no
podrás usar el lente de 50mm porque es tan pequeño el lugar que no hay espacio para alejar la
cámara y hacer un buen encuadre, en fin, considera las limitaciones en cuanto a las
dimensiones del lugar para las necesidades particulares del corto.
4.3.-Calendarización.
Ya que tienes aseguradas las locaciones donde rodarás tu cortometraje, es momento de
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planear la producción. La planeación anticipada te ayudará a que tengas más control en el set y
esto te ayuda para ahorrar tiempo y dinero. Estar organizado es una cuestión básica para
cualquier producción, pero sobre todo para una de bajo o cero presupuesto; no querrás tener a
la gente más tiempo del necesario, quien en la mayoría de los casos lo estará haciendo sin
recibir un pago, por lo que hay que respetar su tiempo. También entre más días de producción
te lleve, más gastos en comida te implicará, esto cuando se da el caso de que son días
completos de producción y donde debes alimentar al personal; si estás debidamente
organizado, al menos podrás contar con un plan en el cual basarte y así calcular cuánto tiempo
de rodaje requiere el cortometraje y como organizarte para que la producción sea más
eficiente.
Habrá casos, según las características de cada producción, que te lleve solo 2 o 3 días de
producción para terminar todo el corto, otras veces posiblemente sea solo un día u horas, como
te digo, esto depende del guion, del número de escenas que debas rodar y la complejidad que
tengan.
La calendarización se refiere a organizar las escenas, según el orden y las locaciones en que
vas a rodar tu cortometraje. La idea aquí es que hagas un calendario de trabajo a detalle que
contenga toda esa información. Habrá ciertos proyectos en que solo necesitas una locación y
ahí se desarrolla toda la historia, en esos caso incluso puedes rodar las escenas en orden
cronológico según la historia de tu guion, así lo hice yo en mi corto “Perra”, todo sucedía en el
mismo lugar, así que pude rodar las escenas en orden, sirvió para que los actores tuvieron
mejor idea del progreso de la situación, pero cuando necesitas desplazarte a varias locaciones,
es poco probable que puedas grabar las escenas en orden y más bien las organizas según
otros factores.
La manera en que vas a seleccionar en qué orden debes realizar la producción puede variar
según cada caso, por ejemplo, puedes basarte en la locación y seleccionar todas las escenas
que harás en cierta locación, y una vez que termines en una, continuas con otra y así hasta
terminar de grabar todo lo necesario. Otra manera es según la disponibilidad de los actores,
como en nuestro caso no les estamos pagando en la mayoría de los casos por tratarse de una
producción de bajo presupuesto, puede suceder que ciertos actores pueden grabar por ejemplo
solo los fines de semana y otros solo entre semana, o solo en las tardes o en las mañanas,
entonces debes organizarte según qué actores tienen disponibles según la hora del día. Lo
importante de aquí es que debes hacer tu plan de manera de que sea lo más eficiente posible y
que puedas aprovechar lo más posible tu tiempo.
Lo mejor es organizar por locación, después según esa locación programas las escenas del día
según los actores que participan en ellas y los vestuarios que deben usar en ese set, y te
sigues con la siguiente locación que quede más cerca del lugar donde estarás y así las vas
programando.
Cuando seleccionas las escenas según la locación, estás aprovechando el lugar al máximo, tal
vez solo te lo prestarán un día o unas horas, así que querrás grabar todo lo necesario en ese
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lugar y no tener que regresar porque olvidaste grabar una escena.
4.4.- Lecturas del guion y Ensayos
En una producción de bajo presupuesto (o cero presupuesto) a veces no tenemos el
lujo de tener tiempo para ensayos y lecturas de guiones porque la gente que colabora con
nosotros la mayor parte del tiempo lo hace en su tiempo libre, lo hace como hobbie, pero en
muchas ocasiones, según el tipo de cortometraje que estés haciendo, esta parte del proceso
los beneficia bastante y les ahorrará tiempo en la producción al momento de rodar las escenas.
LECTURA DEL GUION
La lectura del guion es muy sencilla, básicamente se trata de juntar a todos los actores que
interpretarán algún personaje con diálogo, también el director está presente y el productor y
guionista. Todos sentados alrededor de una mesa (o en el piso) leen el guion en voz alta de
principio a fin, cada quien lee la parte que le corresponde a su personaje y alguien lee las
partes de descripción de acciones.
El propósito de una lectura de guion de esta manera es, uno: para que todos los actores se
conozcan en el caso de que algunos no se conozcan, segundo: para que todos tengan una
idea más clara de la historia y de la relación que tienen unos con otros; por lo general un actor
se va a interesar más por sus líneas y muchas veces solo lee la historia completa una vez y
luego solo se enfoca en su personaje, pero es bueno que conozca bien toda la historia y como
envuelve a los demás personajes, la lectura del guion sirve para esto. Otro beneficio de hacer
una lectura de guion así es que, al leerlo todo corrido, puedes darte cuenta de cómo fluye la
historia, cuánto dura y que partes posiblemente no funcionan y debes hacer ajustes. Como
todos leen su parte, puedes darte cuenta si por ejemplo los diálogos no suenan convincentes o
no se entiende bien el propósito de la escena, etc. tal vez te des cuenta que hay escenas que
puedes eliminar porque ya al escucharlo todo completo ves que no es necesaria o que la debes
cortar, en fin, no está de más escuchar el guion completo con las voces reales de quienes
harán los personajes.
También sirve para que los actores expresen sus dudas sobre las escenas y ahí mismo puedes
darles pequeñas notas de dirección; sin embargo, no es conveniente que actúen las escenas,
solo deben leerlas, los actores por lo general no podrán evitar darles énfasis a sus diálogos,
pero en esta etapa no deben actuarlas mucho, solo la suficiente intención para que se entienda
la historia, la verdadera actuación deben dejarla para el rodaje.
En ocasiones con una sola sesión de lectura de guion es suficiente, le haces los ajustes que
sean necesarios al guion y ya pueden discutir los cambios en los ensayos.
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LOS ENSAYOS
Como te comentaba anteriormente, a veces no tenemos tanto tiempo para los ensayos, y esta
parte realmente depende mucho de la manera de trabajar de cada quien. A algunos directores
no les gusta hacer ensayos, lo mismo pasa con algunos actores, pero en nuestro caso, el actor
más bien se va a acoplar a lo que el director establezca en cuanto a si hay o no sesión de
ensayos, en el caso de estrellas de cine, bueno, ahí es otra historia. Lo mismo si tienes la
suerte de contar con algún actor conocido para tu corto, la mayoría de los casos solo se
aparecerá el día del rodaje porque están ocupados y no hay oportunidad para ensayar, pero
por lo general son profesionales y buenos, por algo tiene éxito en su carrera, así que lo sacaran
sin problema. Así me pasó cuando tuve la oportunidad de dirigir al actor mexicano Jesús
Ochoa, nos hizo el favor de participar en un episodio de una web seria que produjimos llamada
“La vida sin guion” (episodio 12 ( https://goo.gl/IlOkxx), teníamos que estar bien preparados
porque solo tenía disponible 2 horas, así que de ensayos ni hablar, pero como te comentaba,
son profesionales, llegó y a la primera sabía exactamente lo que requería la escena.
Pero tener tiempo para ensayos te va a beneficiar bastante. Sinceramente yo no hago sesiones
de ensayos para todos mis proyectos o cortos, pero cuando lo he hecho, si puedo notar las
ventajas al momento de rodar. Los actores tienen un mejor entendimiento de la escena y fluye
más rápido, ya que todas las dudas o la mayoría salieron en el ensayo en lugar de resolverlo
todo el día de la grabación.
Esto lo he podido constatar bastante en el rodaje de una mini web serie que estoy produciendo
en este momento de escribir este e-book, se llama “ El mundo según Ana”, le dedicamos al
menos 2 horas para ensayar las escenas que rodaremos en la semana y de verdad que hacen
la diferencia, al llegar al día del rodaje, aun cuando solo hayamos ensayado un poco, los
actores realizan las escenas más fluidamente, nos ahorramos tiempo porque los actores y el
director (en este caso yo) ya hemos hablado de la escena y de cómo se desarrolla, ya saben
las intenciones etc. Ha habido ocasiones que por cuestiones de los tiempos llegamos al día del
rodaje sin poder haber ensayado y ¿a que no sabes qué?, pues tenemos que ensayar, aunque
sea un par de veces en el set de grabación y eso nos requiere más tiempo y el rodaje dura
más, por eso son importantes los ensayos, de verdad que te ahorraras tiempo. Esto se aplica a
cualquier producción, aunque aquí te dé el ejemplo del rodaje de una web serie, es lo mismo
para un cortometraje. También depende de los actores, su experiencia y si ya se conocen la
manera en que trabajan y se acoplan bien director y a los otros actores. Pero una cosa si te
digo, los ensayos nunca están de más y siempre son beneficiosos, si cuentas con tiempo y
oportunidad, trata de ensayar al menos un día antes del rodaje, repasen las escenas que
rodarán próximamente y te aseguro que ayudará mucho en tu corto.
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4.5.-Vestuarios.
El vestuario es como la palabra lo dice, la ropa que los actores usarán para sus
personajes, como por lo general estamos hablando de una producción de bajo o cero
presupuesto, lo más probable es que los actores usen su propia ropa o si tienes suerte y
presupuesto, podrás buscar algo en lugares donde venden ropa usada. Como quiera que sea,
tu como director junto con el diseñador de vestuario (si es que hay) van a decidir cómo debe
vestir el personaje, según su personalidad, su profesión, clase social, etc. trata de darle algo
distinto a cada personaje, para que se identifiquen más fácilmente para la audiencia. En las
grandes producciones, incluso no solo le asignan a cada personaje un estilo de ropa, sino
también una gama de colores que siempre usa en su vestuario; en nuestro caso quizás no
podamos mandar hacer diseños especiales de ropa para cada personaje, pero sí podemos
escoger un estilo general de cómo deben verse y también una gama de colores que siempre
usarán. Eso le da un toque diferente a tu corto y le da valor de producción.
Fíjate en las películas y notaras que los personajes principales usan siempre una misma gama
de colores y estilo de ropa según las características del personaje. Los colores de la ropa
también tienen que ver con la psicología del personaje o la escena o secuencia de la cual se
trate o en la fase en la que en la historia esté pasando el personaje, tal vez al inicio es muy feliz
y usa colores más brillantes y luego está deprimido y usa colores más fríos y grises. Si tienes
oportunidad experimenta con la ropa, maquillaje y los colores de tus personajes.
4.6.-El diseño de producción.
El diseño de producción según la definición de Wikipedia “es la especialidad de quien decide en
líneas generales el aspecto que tendrán los escenarios en los que se desarrolla la acción, ya
sean éstos fabricados (decorados) o previamente existentes (localizaciones). Trabajando en
estrecha relación con el director, toma todas las decisiones sobre la forma, el color y el estilo
plástico de la película.” en pocas palabras, es la ambientación del set, por ejemplo, el
departamento donde vive el personaje, ¿qué tipo de lugar sería según su personalidad, un
lugar limpio, sucio?, ¿tendrá fotos de su familia? de sus logros, etc. y esto mismo en todas las
locaciones donde habrá una escena, de eso se trata el diseño de producción. Cuando se trata
de producciones de bajo presupuesto, no podemos mandar a hacer sets como en las películas
de Hollywood, pero si podemos ponerle algún toque especial a la locación que usaremos para
la escena, podemos poner fotos, decorarlo o quitar cosas que no vendrían al caso según el
personaje, por ejemplo, si pides la casa de tus papás para grabar algunas escenas, tal vez sea
buena idea retirar las fotos de la familia o esos juguetes de bebés si se supone que es la casa
de tu personaje que es policía renegado, ¿si me explico?, tal vez no podamos decorarlo como
quisiéramos por falta de presupuesto, pero sí podemos cuidar esos detalles y agregar cosas
que estén dentro de nuestro presupuesto para darle un toque de la personalidad de nuestro
personaje. Solo cuida dejar todo como lo encontraste cuando termines con la locación, si no no
te volverán a prestar ese lugar.
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El diseño de producción lo debes determinar mucho antes de comenzar las grabaciones,
puedes conseguir a alguna persona que se encargue de esos detalles y de conseguir lo que se
necesita o puedes hacerlo tú mismo. ¿No siempre es posible poner atención a esos detalles, o
no hay el presupuesto o personal para hacerlo, si no puedes decorar la locación o agregar
elementos, al menos cuida que no aparezcan cosas que no vayan acorde con la historia o el
personaje como lo que te comentaba de las fotos familiares de la casa de tus papas, como que
no quedan no? Cuida esos detalles siempre que puedas.
4.7.-Estudio del guion/Storyboards/Shooting List.
Bueno, ya tienes la locación, actores y todo el detalle para iniciar el rodaje, ahora te toca
hacer tu trabajo de director, y esto no solo es llegar al set y dirigir las cámara y actores, hay que
hacer la tarea y esto implica estudiar el guion.
Siempre es mejor llegar preparado a la grabación, saber qué es lo que vas a hacer y cómo,
tener al menos las opciones o un plan, recuerda que tú eres el director y es a quien todos van a
preguntar lo que deben hacer y cómo y si te ven titubear, si se dan cuenta que no sabes que
hacer, es fácil que pierdan la confianza en ti, y en este tipo de proyectos sobre todo donde la
gente está trabajando solo por amor al arte, deben al menos tener la certeza que hay alguien
(el director) que sabe lo que está haciendo y que va a valer la pena el esfuerzo y trabajo que
todos están haciendo. Entonces por eso hay que estudiar, no digo que siempre vas a tener
todas las respuestas como director, lo que digo es que debes hacerles creer que sí y lo mejor
es estudiar para realmente tener las respuestas o encontrar y solucionar problemas más
rápido.
Con estudiar el guion me refiero a leerlo todo nuevamente y pensar en alternativas, escena por
escena de cómo lo vas a grabar, cuál es el corazón de la escena, que es lo importante de ella,
el punto de vista o información que el espectador debe recibir al verla y para así grabarlo de
una manera efectiva para que ese mensaje llegue claramente a la audiencia. Lee cada escena,
busca las motivaciones de cada personaje en la escena, esto también sirve para poder dirigir
mejor a los actores, analizado cuales son las motivaciones de sus personajes en cada escena y
podrás transmitirles más claramente eso que buscas de ellos.
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STORYBOARDS.
Aparte de estudiar el guion para poder dirigir mejor a los actores analizando las intenciones de
los personajes para cada escena, también te servirá para crear tus storyboards.
Recuerda que el cine es un lenguaje “visual”, por ello, debes siempre buscar contar tu historia
por medio de las imágenes, siempre es mejor que tu espectador experimente la historia por
medio de acciones y no por medio de diálogo, como dicen en inglés: “Show, don’t tell”, a veces
puedes ahorrarte mucho tiempo de producción o hacer una escena mucho más sencilla por
medio de imágenes en lugar de hacer toda una escena larga con diálogos para explicar lo que
sienten los personajes. Por ejemplo: digamos que tu escena se trata de una pareja, la mujer le
va a decir a su esposo que está embarazada, en lugar de hacer una escena donde ella llega, le
dice que se hizo la prueba y que ya tiene los resultados y está embarazada, tal vez podría
llegar “Ella”, darle una cajita de regalo al esposo, el la abre y es la prueba de embarazo con el
“positivo”, el sonríe y se abrazan (esto lo hacen en la película “El regalo” - The gift- del director
Joel Edgerton) así, todo se entiende perfectamente, va al punto, lo cuentas con imágenes y las
emociones de los personajes las puedes ver mediante sus acciones y es una escena corta,
rápido de filmar, a diferencia de toda una escena con diálogos , ¿me explico?, siempre trata de
contar tu historia con imágenes, como decía el gran Alfred Hitchcock “"Si es una película buena,
el sonido podría irse y la audiencia todavía tendría una idea perfectamente clara de lo que pasa".
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Para contar una historia visualmente, debes saber usar los distintos planos y ángulos, así como
los movimientos cámara, estos están diseñados para transmitir emociones, estados de ánimo
de tus personajes o despertar ciertas emociones o pensamientos en tus espectadores, ya que
sabes usarlos y para qué sirven cada uno, puedes hasta romper las reglas y evocar otras
emociones en tu audiencia, pero primero debes saber usarlos correctamente para lograr esto.
En este libro no ahondare mucho en este tema, pero en Videorebeldes.com tenemos algunos
videos donde explicamos con más detalle cada plano y sus usos, puedes ver el video sobre los
6 Planos básicos para tu corto y el de 6 Ángulos básicos para tu corto, ahí podrás conocer esta
información.
Volviendo al storyboard, este es una representación gráfica de cada encuadre que usarás en tu
corto o película, no siempre es necesario hacerlos, y esto depende de cada director y la
manera en que trabaje. Yo, por ejemplo, no los uso tan frecuentemente, solo los utilizo si se
trata de escenas de acción o escenas complicadas que requieren que piense con anterioridad
como quiero cada encuadre para ver qué funciona o que no en la secuencia. También es de
gran ayuda un storyboard cuando quieres transmitir o explicar lo que quieres en término de
encuadres a tu director de fotografía, actores, etc., con un storyboard es más fácil que
comprendan exactamente lo que buscar lograr o tienes en mente, viendo los dibujos, a
diferencia de tratar de explicarles con palabras.
Cuando eres tú el director y tú mismo eres quien usará la cámara, a veces no es necesario
hacer un storyboard porque tú sabes exactamente qué quieres y no tienes que explicárselo a
nadie, pero como te digo, en ciertas escenas, como las de acción, hacer un storyboard, aun
cuando llegues al set y no lo uses para nada o cambies todo, te servirá para ver opciones de
tomas y si faltan encuadres para contar la toma exactamente cómo quieres o se necesita para
que sea emocionante.
Para hacer los storyboards basta con una hoja en blanco y separarla con varios rectángulos y
ahí hacer tus dibujos de cada toma y poner una breve descripción de lo que pasa en la toma.
también hay varios programas e incluso aplicaciones de teléfonos para hacer storyboards, una
incluso muy completa que te permite crear toda la locación y manipular a los actores y cámaras
virtuales y todo en 3d, este programa se llama “FrameForge 3d studio”, es un poco costoso
pero vale la pena, eso sí, se necesita tiempo para crear todo el set y las tomas, pero mejor ahí
que estar en el set , con los actores y no saber qué hacer.
Pero como te digo, no necesitas comprar un programa costoso para crear storyboards, pueden
ser en una hoja de papel, y lo más sencillo y básicos que quieras, lo importante es que te sirvan
para que te de una idea de lo que buscas en cada encuadre. 2
2
<http://www.coolitvision.org/sites/coolitschools.com/files/story%20board_0.jpg>
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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Ejemplo de storyboard sencillo.
SHOTLIST
El shotlist es una lista de las tomas que necesitas para cada escena, es un poco como el
storyboard, pero a diferencia de este, este solo nombra la toma que necesitas y no
necesariamente como la harás, es decir, por ejemplo, pones: Close up del protagonista,
Extreme close up de sus manos en la pistola, extreme close up de sus ojos, etc., en el
storyboard pondrás el dibujo de cada toma y como la harás estéticamente, en el shotlist solo es
la guía de las tomas que requieres.
¿Para qué sirve un shotlist? y ¿es necesario?, al igual que las otras cosas, depende de tu
experiencia, de lo complicado de la escena, del número de gente que trabaja en el corto y de
que mensaje debes transmitir en la escena, etc. en lo personal, yo hago un shotlist pero en mi
mente, ya sé que tomas quiero hacer, pero si es una escena complicada o con mucho detalles,
si hago un shotlist para no olvidar nada, porque puede pasar que al estar en el rodaje y la
presión del tiempo o cualquier cosa que puede suceder ahí, podrías olvidar hacer algún
encuadre importante, entonces si tienes tu shotlist, puedes revisar si has hecho todas las tomas
que necesitas; es como un acordeón de la clase, ya sabes, como lo que hacen los estudiantes
con las respuestas de los exámenes, es algo así pero con todas las tomas que tienes que
hacer, así vas revisando que no te falte nada de grabar. También te sirve para calcular el
tiempo de producción, ya que puedes asignar un tiempo a cada toma de más o menos cuanto
tardarías en rodarlo, con ese estimado, sumando los tiempos de todas sabrás cuantas escenas
podrás rodar por día.
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3
(Shotlist)
Puedes hacer el shot list en cualquier hoja en blanco, solo pones el número de escena, el tipo
de encuadre que es (close ups, medium shot, etc.) y una breve descripción de la toma, por
ejemplo, lo que comentaba anteriormente, close up de la mano del protagonista en pistola.
Tambien puedes utilizar programas para esto, hay una aplicación para iPad y celular muy
buena para hacer shotlist se llama :SHOTLISTER, no es muy costosa y es muy fácil de usar y
ayuda bastante para hacer tu lista de tomas. Adobe story te ofrece también una solución para
esto.
Al igual que el storyboard, no necesitas comprar una aplicación para hacer tú shotlist, puedes
hacerlo en una hoja Excel, solo que estas aplicaciones te facilitan el trabajo.
Dependerá de ti si quieres o no hacer un shotlist para cada escena o solo para las escenas
complicadas.
3
<http://www.egusd.net/franklinhs/mediacom/video1/second_term/The_Chase_Video1B_files/image003.jp
g>
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CAPÍTULO 5: PRODUCCIÓN
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Bueno, llegó el momento de grabar todo, recabar todo el material que necesitas para
crear tu cortometraje, esta etapa es conocida como “producción”, es donde vas a “producir” el
material, vas a grabar con los actores las escenas en las locaciones necesarias para contar la
historia. Hay varios consejos que debes seguir para tener una producción efectiva.
4.6.-Llegar a la locación (las reglas)
Es importante que tú seas el ejemplo a seguir, tú eres el productor/director del proyecto, no le
estas pagando a nadie por lo regular así es en este tipo de producciones, la gente está en tu
proyecto simplemente por gusto, por curiosidad, si quieres que sea un ambiente profesional,
que todos trabajen como se debe, que lleguen a tiempo, entonces tú debes poner el ejemplo, tú
debes ser el primero en llegar, el último en irte, tu actitud positiva van a contagiar a los demás,
¿cómo podrías exigir que tu equipo ya sea producción o actores lleguen temprano a sus
llamados si tú no lo haces? por eso tú debes ser el que más trabaja en el set.
Al inicio de la producción si es necesario que les expliques cómo trabajarán, ahí es donde les
pides que respeten los horarios de los llamados, que sean puntuales ya que todo está
calculado y programado para terminar en “X’ cantidad de tiempo (ese cálculo lo haces en la
etapa de calendarización) y que si uno llega tarde retrasará todo el programa y no podrán
terminar en lo planeado, normalmente si mantienes a la gente motivada y son personas que
realmente les interesa hacer un buen trabajo, serán puntuales en lo mayor posible; nunca faltan
causas para que una producción se retrase por “X” o “Y” situación, o que algún actor llegue
tarde a su llamado por alguna circunstancia, pero debe quedar claro que estas deben ser
mínimas y por verdaderas causas imprevistas.
Otra cosa que debes considerar y cuidar ya que es muy importante es la locación, sobre todo si
es prestada y dejarla tal y como la encontraste, esos detalles pueden ser cruciales al momento
de pedirla nuevamente o incluso para terminar el proyecto. Todo debe quedar en su lugar al
terminar las grabaciones y tú eres el responsable de eso, no quiere decir que tu debas guardar
todo y reacomodar lo todo solo, pero si debes ayudar y supervisar. En la producción de una
mini web serie que realizamos llamada “El Mundo según Ana” nos prestaban una oficina como
locación de varias de las escenas, ahí grabábamos los fines de semana, nosotros abríamos y
cerrábamos y teníamos la suerte de tener toda la oficina para nosotros solos ya que no
trabajaban en esos días de la semana (sábados y domingos), así que nos podíamos movernos
con libertad, si teníamos que mover muebles o cosas, siempre tomábamos nota o fotos de
cómo encontrábamos el lugar al llegar para dejarlo todo igual y no tener problemas, también
cuidábamos de cerrar bien y teníamos que poner una alarma, así que me cercioraba de que la
alarma quedará encendida correctamente al irnos, que las luces quedarán prendidas o
apagadas según fuera el caso, no dejar basura causada por nosotros, etc. Nuestro objetivo era
que ni sintieran que estuvimos ahí grabando el lunes cuando regresaran a trabajar al lugar.
entre menos causes molestias cuando te están prestando una locación es mejor, así te
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arriesgas menos a que por alguna cuestión ya no quieran prestarte la y te quedes con escenas
sin grabar. En una ocasión, como esto era una oficina, eventualmente el teléfono sonaba y a
veces era en medio de una escena, esta vez decidimos desconectar el teléfono para grabar sin
interrupciones, esto ya lo habíamos hecho un par de veces sin problema, solo antes de irnos
conectamos el teléfono nuevamente y listo, pero esta ocasión nos fuimos y nos olvidamos de
conectarlo nuevamente, nunca nos acordamos. El lunes como a mediodía nos habla el dueño
del lugar pidiéndonos que no volviéramos a dejar el teléfono desconectado ya que pasaron
mediodía sin darse cuenta que no había línea, y sus clientes no podían contactarlos, nos dio
mucha pena y claro que nos disculpamos, lo bueno es que solo fue una advertencia y nos
dejaron seguir usando el lugar; mejor ya no nos arriesgamos y dejamos conectado el teléfono,
por suerte no sonaba tan seguido cuando estamos grabando. Por esos descuidos podríamos
haber perdido la locación y batallado para conseguir otro lugar y atrasarnos y además re-grabar
lo que ya teníamos por cuestión de continuidad, por eso es que te menciono que cuando pidas
una locación, debes tratarla de lo mejor, cuida cada detalle y esto comunícalo a tu equipo.
5.2-Iluminación
(Limostudio 500 led)
Si quieres que tu producción tenga un “look” más profesional, más cinematográfico, debes usar
iluminación, no tienes que usar equipo costoso, pero si debes usar algún tipo de luces, si tienes
acceso a luces profesional, pues que mejor, así batallarás menos, pero si no, puedes usar
lámparas de trabajo, aunque esas causan mucho calor y consumen mucha electricidad, lo
mejor sería usar lámparas LED, no son tan costosas, no se calientan y hacen un buen trabajo,
nosotros en la producción en “El Mundo según Ana” usamos como parte de nuestro equipo las
Limostudio de 500 led (2 de ellas vienen en el kit), mira no son las mejores, pero si son de las
más económicas y hasta el momento han hecho su trabajo, lo único es que el trípode que traen
es muy débil, por eso debes de tener cuidado que no se caigan, pero nos han sacado de
apuros. también complementamos con luces simples que nosotros construimos, en Video
Rebeldes tengo un tutorial sobre esto y lo puedes encontrar https://youtu.be/N0c9270PLoU. A
veces teníamos acceso a alguna otra luz perteneciente a uno de nuestros colaboradores en la
serie, pero por lo general trabajamos con las que te mencione.
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La iluminación es lo que hará la diferencia para que tu corto se vea más profesional o más
amateur. No voy a ahondar mucho en la técnica de iluminar en este ebook, ya que pienso
hacer un curso de iluminación para ver con más detalle la técnica, pero si te puedo sugerir que
observes, busca escenas en películas o series de tv que se parezcan al ambiente que quieres
generar en tu cortometraje y fíjate como está la luz, de donde vienen la sombras y trata de
recrear esos ambientes en tu escena, esa es una manera rápida de aprender sobre
iluminación.
Trata de tener un monitor en la locación para que puedas ver más grande la imagen de tu
cámara y así acomodes tus luces y revises que funciona y que no funciona en la pantalla.
Debes tener especial cuidado de evitar que se reflejan sombras de tus actores o del crew en
las paredes, ya que eso no se ve muy bien (Al menos que sea así tu intención). Cuida que no
se vea la sombra del boom en la pared, puertas o ventanas y cuida los reflejos de ventanas,
espejos y vidrios de tus objetos a cuadro, ya que ahí se te puede escapar la aparición de
alguna imagen de tu operador de cámara o boom o de alguna de tus luces que se vea en
pantalla, por eso te mencionaba que si puedes tener un monitor en locación será mejor ya que
te ayudará a observar estos aspectos con mayor detalle.
5.3-Blocking
El blocking es cuando le marcas a tus actores cómo se moverán en la escena que van a
grabar, es decir, como se efectuará la escena físicamente, como inicia un actor, si caminará a
cierta posición y luego se sentará, si después de cierta línea se levantará, etc. El blocking
normalmente se va descubriendo en un ensayo previo, ahí es donde se va marcando por el
director y sugerencias de los actores como se van a mover en la locación, cuando no es posible
tener días dedicados a ensayos, en estos casos por lo general se ensaya un par de veces la
escena momentos antes de grabarse, eso sirve para que los actores sepan bien cómo se
moverán y saber si se sienten cómodos con esas marcas que el director les está poniendo, si
se sienten naturales para la emoción de sus personajes en la escena; también te sirve a ti
como director para determinar en qué posición pondrás tu cámara y marcar en el piso
normalmente con una cinta adhesiva donde debe posicionarse el actor para no salirse de
cuadro. El ensayo ya con el blocking no solo le sirve a los actores y director para desarrollar la
escena, también a la producción para saber cómo se moverán los actores y cómo ellos deben
desplazar la cámara o boom durante la escena y hacer así los ajustes necesarios.
Cuando no hay mucho tiempo para ensayos, al menos debes repasar un par de veces rápido la
escena con los actores y los movimientos que harán para que tengan todos claro de lo que
sucederá en la escena.
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5.4-Dirigiendo actores
Dirigir a los actores es todo un tema aparte, como hablarles para transmitirles lo que tú quieres
como director es importantes para conseguir buenas actuaciones, claro todo esto depende
también de con qué tipo de actores estas trabajando, si son actores profesionales, si son
amateur o no son actores del todo y son solo tus amigos que te están ayudando y nunca
habían estado frente a una cámara de esa forma.
Antes me preocupaba demasiado en cómo iba a dirigir a mis actores, como comunicarles lo
que quiero que hagan en pantalla, a veces quisieras que fueran como otro “prop’ (utilería) al
que tu pudieras mover a conveniencia si problema y obtener siempre sin errar lo que buscas en
la actuación (¡que sádico!), pero la realidad no es así, tu como director tienes que saber
transmitir al actor la emoción o el tono que imaginaste para tu escena para que lo desempeñe
de esa manera, además de invitarlos a que aporten sus propias ideas para mejorarlo.
Alfred Hitchcock es muy conocido como uno de los mejores directores de todos los tiempos, y
él siempre se le atribuye que decía que los actores eran como ganado, a lo que él contestaba
cuando le preguntaban sobre eso: “"Nunca dije que los actores fueran ganados. Lo que
declaré es que deberían ser tratados como ganado”. Alfred Hitchcock, también decía
respecto al mismo tema: "Cuando un actor viene a decirme que quiere discutir su
personaje, le contestó "Está en el guion". Si me pregunta "¿Cuál es mi motivación?",
simplemente le respondo "Tu sueldo “Alfred Hitchcock. Seguramente Hitchcock bromeaba
sobre este tema porque si es importante poder comunicarte con tus actores eficazmente para
que sepan lo que quieres en la escena.
¿Hasta dónde es responsabilidad de actor encontrar por sí mismos las emociones y
motivaciones de sus personajes desde el guion y hasta donde es tu deber ayudarles o
indicárselos como director? yo creo que eso en gran medida es parte de su trabajo como
actores, descubrir las motivaciones de sus personajes y que los hacen actuar de la manera en
la que indica el guion; pero me parece que sí es importante que tu como director les ayudes si
ellos te lo piden.
¿Cómo debes pedirles lo que tu imaginaste para tu escena? Todos nosotros como directores,
al menos a mí me pasa, es que desde antes ya has visto o imaginado en tu mente cómo será la
escena, cómo se desarrollará y como dirá la línea cada personaje, pero al momento de
grabarlo en la realidad, cada actor/actriz es una persona con emociones y experiencias por sí
misma y lo más probable que interprete sus diálogos de una manera muy distinta a lo que tu
imaginaste desde un principio y eso está bien, creo que no debes aferrarte a que digan sus
textos con cierta entonación exacta a como que tú lo imaginaste desde el inicio, sobre todo si
decirlo así de no es algo que les salga natural por su personalidad, creo que debes dejarlos
decirlo como lo sientan en el momento de la escena, solo si debes de cuidar que se mantenga
el tono (la intensidad, el matiz ) que tu buscas como director.
Lo que nunca debes hacer como director es tratar de decirles a tus actores cómo deben actuar
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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la escena, ese es su trabajo, muchos directores amateur o con poca experiencia dirigiendo
actores lo primero que hacen es actuar ellos mismos la escena para que sepan cómo debe
hacerse, pero eso está mal, porque al actor le estas indicando algo que ya no es natural para
ellos, y así solo tratarán de imitar lo que les acabas de indicar y no pondrán una emoción real a
la actuación, lo que debes es decirles en términos de la situación en la que está el personaje
atravesando o con ejemplos de la vida real para explicarles lo que tu esperas de la escena y
así ellos busquen ese sentimiento en sus experiencias o técnicas de actuación, pero para
ponerlo más claro vamos a ver un ejemplo: supongamos que la escena que van a grabar se
trata de una pareja, hombre y mujer que están discutiendo, ella le reclama que llegó tarde y
que no pudo dormir por esperarlo
ELLA:
¡No puedo creer que llegaras tan tarde, toda la noche estuve despierta porque pensé que te
había pasado algo y no eres ni siquiera para hablarme y avisarme que estas bien!
EL:
¡Ya te había dicho en la tarde que me habían dado más trabajo y que estaría muy ocupado!
Supongamos que ruedan la escena y ella le dice su diálogo llorando y él le contesta enojado,
pero tú no querías que fuera así, porque ella debe decírselo reclamando y él debe sonar
arrepentido por no avisarle, bueno aquí es donde entra una palabra mágica para dirigir actores
y esa palabra es: “como si”, ya dijimos que no debes actuar la escena tú mismo como director,
ni decirle los diálogos tal cual como tú esperan que los digas, entonces es cuando implementas
esta frase ”como si”, te acercas a la actriz y le dices, me encanto como dijiste tu escena (es
importante siempre brindarles apoyo y seguridad a tus actores y decirles que lo están haciendo
bien), me gustaría ver cómo funciona si lo dices, (recuerda que ella hizo la escena llorando, y tú
quieres que lo diga enojada), entonces le dices: qué tal si esta vez dices tú texto “como si” le
estuvieras exigiendo una explicación, o “como si” él fuera tu hijo y quieres regañarlo para que
no lo vuelva a hacer, ¿me explico?, así la actriz puede entender el contexto de cómo “tu” como
director quieres que se desarrolle la escena, en lugar de solo actuar tú la escena o decirle hazlo
más enojada, es más efectivo que la actriz busque sus propia experiencia e interprete la
escena con una emoción con la que se pueda identificar.
Otro error muy común que hacen los directores es lo que comentaba hace un momento, de
decirle a sus actores: “hazlo más enojada” o “dame más”, “ponle más emoción”, pero eso no
funciona porque cada persona es muy distinta y nuestros parámetros de que es “más’ o
“menos” pueden ser muy distintos, digamos que por ejemplo, es una escena donde una chica
está en su cuarto, ve el reloj y grita ; No, No No!, y tu actriz lo dice que muy calmada, ahí es
donde el director inexperto diría, ¡ponle más emoción!, vuelven a rodar la escena y lo hace
igual, bueno eso es porque tal vez para ella eso es “más emoción”, ella no sabe que es “ más
emoción” para ti, y si solo le dices eso nunca te entenderá, si lo que tú quieres es que ella se
vea más estresada en la escena, bueno tampoco le vas a decir ponte más estresada, porque
volvemos a lo mismo, a lo mejor para ella estar muy estresada es decirlo como ya lo hizo, en
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lugar de eso, le puedes decir: hazlo “como si” cuando ves el reloj te dieras cuenta de que se te
hizotarde y si no llegas a tiempo perderás tu casa, de esa manera ella sabrá qué tipo de mayor
intensidad buscas en la escena y si quieres más o menos intensidad ahí es donde juegas con
los ejemplos, no es lo mismo que digas que imagine “como si” fuera a perder la casa o “como
si” van a matar a su papá, son intensidades distintas y así es como vas a poder comunicar más
efectivamente lo que tú quieres a tus actores.
Otra técnica rápida, es decir, imagínate que como tú lo estás diciendo es de la escala del 1 al
10 un 8, hazlo ahora como un diez, así tendrá una idea de más o menos lo que le pides,
aunque es mucho más efectivo usar el “como si”.
Cada actor será distinto y poco a poco irás descubriendo cual es la mejor manera de
comunicarte con cada uno de ellos, y si se trata de personas “no actores”, hay algunos
consejos que te puedo dar, pero sobre eso ya hice un video en Video rebeldes, y lo puedes ver
en este link: https://youtu.be/ElKNl4d5ckE
Como te digo, este tema es mucho más extenso, aquí solo te menciono algunas cosas, pero
que son muy útiles para comenzar a dirigir a tus actores, después pienso hacer ya sea otro ebook o un webinar donde trate este tema más ampliamente, pero aplicando estas técnicas que
te menciono tendrás mucho mejores resultados con tus actores.
No se trata de imponer tus ideas, sino más bien de una colaboración, pero tu como director
eres quien tiene la idea completa, como dicen los gringos “The big picture” y aunque si debes
no solo aceptar que hagan sugerencias tus actores, sino invitarlas, claro que tú sabes lo que va
a funcionar o no en el tono general y contexto de la historia que estás contando en el
cortometraje y es válido usar o no sus sugerencias, si es mejor su idea que la tuya, adelante
úsala, eso beneficiará aún más tu cortometraje, si no es buena sus sugerencias o no aplica a lo
que tú quieres transmitir, es válido decir que está muy buena su idea, pero no funcionaría por
tal o cual cosa… ellos lo entenderán, pero cuando puedas implementar algunas de sus
sugerencias hazlo, así se sentirán mas parte de tu proyecto y tendrán mejor disposición.
¿MOSTRAR O NO EL MATERIAL A TUS ACTORES?
Eso depende de cada quien, a veces a mí no me gusta que vean la escena que acaban de
grabar porque luego son muy conscientes de sí mismos y mata la espontaneidad de sus
actuaciones, otras veces puede ser beneficioso porque al verse saben exactamente cómo se
está grabando la escena y puede ayudar a su actuación; como te digo depende de cada quien,
como director, yo sinceramente no lo hago muy seguido, prefiero que no se vean y se
concentren en la escena en el momento a momento. Pero en ocasiones si les muestro algo, ya
que también sirve para mantener la motivación ya que se dan cuenta de que está saliendo algo
bueno.
Lo que sí es importante es que les indiques cuando serán sus close ups y cuándo serán las
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tomas abiertas, ya que eso les permitirá guardar sus mejores actuaciones para los close ups.
Imagínate que es una escena donde el personaje de la chica debe llorar y estar muy triste, y
ruedan la escena y ella lo hace de maravilla, y mete toda la emoción, pero era la toma abierta,
ahora harán el close up y ella ya no tiene la misma intensidad porque ya se desgastó, o porque
piensa que ya lo hizo muy bien en la otra y no lo podrá lograr nuevamente. Por eso es
importante, sobre todo en escenas dramáticas, decirles cuando graban las tomas abiertas y
cuando serán sus close up para que guarden más su energía y den todo mejor en sus close
ups ya que sus caras estarán enfocadas con más detalle y es cuando deben transmitir más sus
emociones.
5.4-Rodando las escenas.
Bueno, ya tienes a los actores, a tu equipo de producción en el set, ya hiciste tu programación
de rodaje, es decir, ya sabes que escenas debes grabar en el día y en qué orden, ya hiciste tu
blocking, ahora viene lo bueno, “el rodaje”, esta parte es el corazón de la etapa de producción,
es donde realmente grabarán las escenas, ahí es donde vas a capturar todas las imágenes
para tu cortometraje.
¿Cómo grabar? esto depende realmente del estilo de cada quien, pero aquí es donde vas a
sacar esos storyboards que mencionamos anteriormente y que hiciste en la etapa de pre
producción, estos pueden servirte de mucho para tener una guía sobre lo que debes rodar en el
día, así como el shot list para que no olvides ningún detalle importante de las tomas que debes
tener para contar tu historia completa.
A veces el storyboard es solo una guía, al llegar a la locación te das cuenta de que habrá que
ajustar ciertas tomas o cambiarlas ya que las cosas no siempre resultan tal y como las habías
planeado porque el set es más pequeño para acomodar la cámara en el ángulo que tenías en
tu storyboard o el fondo es muy feo y funciona mejor cambiar en este otro ángulo o “x” razón,
puede ser que en el set se te ocurrió una idea mejor, y eso es válido, todo eso es flexible, y si
hay que cambiar las cosas, pues ¡cámbialas! ¡ajústalas!, no te aferres a el storyboard o shot
list, solo cerciórate de que captes todo el contenido suficiente para contar la historia o lo
lamentarás en la edición cuando veas que te faltó esa toma de detalle o ese contra toma del
actor o un close up; tómalo como guía los storyboards y si puedes seguirlo tal cual también
está bien, lo importante es contar tu historia lo más clara y mejor posible para tu audiencia.
Normalmente cuando producimos un cortometraje o cualquier video de bajo presupuesto se
hace con una cámara, si tienes suerte puedes hacerla con 2 o 3, pero por lo general se hacen
con una cámara, incluso las películas de Hollywood, esto es por una razón muy sencilla: “la
iluminación”, debes grabar todo el “set up” que es el término que le ponen en el lenguaje del
cine a la posición de la cámara en el rodaje en conjunto con todo lo demás, todo se acomoda
según el punto de vista de donde se encuentra la cámara, la iluminación, detalles que van a
verse a cuadro, el boom, etc. entonces se dice que eso es un “set up”.
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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Digamos que grabarán la escena de una conversación, y harás la toma abierta de los
personajes donde aparecen los dos, colocas tu cámara en posición, lo podemos ver como
ejemplo en la fotografía: 2 de la producción de “El Mundo según Ana”, todo está acomodado a
la posición de la cámara, la luz, boom, actores, etc. cuando tienes que cambiar la posición de tu
cámara, a digamos al close up de uno de tus actores, debes re acomodar la iluminación ya que
probablemente tal y como esta, aparece a cuadro las lámparas que estaban iluminando tu “set
up” anterior” de la toma abierta, entonces hay que reacomodar todo para optimizar el close up,
posiblemente debas poner las luces más cerca del actor, el boom deba moverse para no
aparecer a cuadro, etc. y lo mismo para la contra toma del close up; es por eso, que
seleccionar cuál será el primer “set up” que utilizarás y grabas todo lo que se necesites desde
ese ángulo, luego cambias al siguiente set up y grabas todo lo que necesites desde ahí, y así
sucesivamente. Cada cambio de “set up” se lleva tiempo reacomodar las luces y todo lo
necesario para que tu toma sea lo mejor iluminada, y optimizada, es por eso que se
recomienda no utilizar tantos “set ups” o los menos posibles para moverse más rápido en la
producción. Claro que habrá set ups que solamente tengas que hacer pequeños ajustes a las
luces y poder continuar rápidamente, eso ya depende de cada situación en particular.
2 *Producción de la serie “El mundo según Ana”, © Copyright Planeta Producciones®
Por lo general como yo trabajo es que grabo primero las tomas abiertas de la escena, donde
sucede toda la acción, donde veo toda la escenografía o lo más posible de ella para ubicar al
espectador, en el caso del ejemplo de la fotografía anterior en ese “set up” es para la toma
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abierta, donde vemos a los dos actores hablando. Una vez que tengo toda la escena completa
y las tomas necesarias, me comienzo a mover a los close ups y así sucesivamente.
Cuando debo grabar varias escenas en una misma escenografía, digamos escena 1 y escena
2, normalmente grabo todas las tomas y setups de la escena 1 por ejemplo, y ya que termino,
re acomodo mis setups para comenzar a grabar la escena 2 en la misma escenografía, y ya
que tengo todo el material de esa escenografía, me puedo mover a otra y comenzar a grabar lo
necesario, así ahorro tiempo, ya que todas las luces, monitores, etc. están ya acomodadas en
ese espacio, por lo que es mejor aprovecharlo y grabar todo lo que se refiere ahí antes de
moverte a otro espacio. Por ejemplo, en la serie “El mundo según Ana” producimos en una
oficina, grabábamos todas las escenas de la recepción y luego ya nos movíamos a las escenas
de alguna de las oficinas o cubículos internos; esto lo tienes que planear en la etapa de
programación del rodaje en la pre- producción como lo explique anteriormente en este libro.
Sobre grabar las escenas con una sola cámara y simular varias, tenemos un video en Video
rebeldes donde explico esta técnica a más detalle, lo puedes ver
https://youtu.be/nGC4_3xRu80.
5.5.-La comida
La comida es una parte muy importante en cualquier rodaje y sobre todo en uno de bajo o de
cero presupuesto donde la gente está ahí por ayudarte o solo por el gusto de hacerlo sin recibir
una paga económica, por eso es importante como ya lo he mencionado anteriormente tenerlos
contentos, que la experiencia de estar en tu corto sea algo positivo, es por ello, que si tus
rodajes son largos, debes darles de comer al menos una vez, si los tienes hambrientos por
muchas horas, sobre todo si comienzan los llamados desde temprano, para medio día estarán
todos hambrientos y no se concentrarán igual, al igual que tú, así que en la programación de tu
rodaje debes destinar al menos una hora para comer. Por lo general se entiende que no tienes
mucho presupuesto para pagar grandes manjares para tu equipo, pero procura llevar comida
nutritiva, si tu producción es de todos los días, ahí si en mi opinión deberás llevar comida
variada, si es solo un fin de semana, pues una pizza no cae mal a nadie.
Si son varios días de producción seguidos, tal vez te convenga mejor preparar tú la comida, así
ahorrarás dinero a diferencia si les compras un platillo de restaurante a cada quien, puedes
buscar algún patrocinador o restaurante que se quiera unir a tu causa y mencionarlo en tus
créditos y promoción del corto final, a veces si les puede interesar si es por ejemplo para
internet, o puedes pedirle a algún amigo o familiar que te apoye con eso, y así no tendrías que
invertir tu dinero en esta parte, pero, como quiera que sea, si es muy importante no pasar por
alto el tener alimentado a tu equipo.
También es importante que tengas agua suficiente para todos y si es posible algunas botanas,
al igual que designar un espacio donde tus actores se puedan cambiar cuando lo necesiten,
poner sus cosas y descansar o practicar sus líneas cuando no están a cuadro.
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5.6. EL ambiente en el set.
Como lo he mencionado repetidas veces en este libro, la experiencia del rodaje para todos los
que están colaborando contigo en la producción de tu cortometraje debe ser algo agradable,
después de todo están ahí solo por la experiencia, por apoyarte o por curiosidad, como sea, no
están recibiendo ningún pago económico (por lo general así es en este tipo de producciones)
así que al menos debes procurar que sea divertido y esto es responsabilidad del director, o sea
tú, es tu proyecto, es tu corto, así que tú eres quien pondrá las reglas y establecerá el ambiente
del set. Es importante que todos sepan lo que deben hacer, esto lo estableces desde antes que
inicie el rodaje en alguna junta previa con producción, la idea es que si haya responsabilidades
y cada quien haga su trabajo para poder avanzar y terminar en el tiempo planeado, pero
también que sea divertido, que haya cortesía entre todos y se trabaje en armonía; no es un
campo militar, puede haber risas, bromas, chistes, ¡claro!, si no para que hacer un corto en
primer lugar si no te vas a divertir ¿no?, pero siempre cuidando el rol y actividades de cada
quien para avanzar, cuando sea momento de bromear se bromea, cuando sea momento de
guardar silencio y rodar la escena se hace.
Yo por lo general no he tenido problemas en ninguna de mis producciones, claro en un par de
ocasiones ha habido algunas tensiones o situaciones incómodas, pero por lo general no es así,
todo es armonía y diversión y eso tiene que ver con la gente que forma tu equipo, en mi caso
son amigos o personas con las que me llevo bien y tienen una actitud positiva y además son
trabajadores y responsables es sus actividades, por eso sigo trabajando con ellos; y esto lo vas
forjando desde el inicio cuando armas tu equipo e invitas a las personas a ser parte del corto,
desde producción al igual que a tus actores.
En este sentido, el que tiene que poner el ejemplo en todo esto eres tú también, el director, tú
debes ser el primero en tener una actitud positiva, pedir las cosas amablemente y lo más
básico, mencionar las dos palabras claves: “por favor” y “gracias”, no seas un director gritón
que ladra órdenes a todo mundo porque te aseguro que todos te dejarán, este tipo de
directores son más bien un estereotipo y aunque no dudo que haya en la realidad directores así
en el mundo del cine, no creo que sea la mayoría y bueno, a ellos les pagan y el equipo debe
soportar eso si quiere seguir trabajando ahí, y eso está mal, pero a veces es así en cualquier
trabajo, pero no es bueno ser un director así y mucho menos en una producción de bajo
presupuesto, nadie se quedará a aguantar eso, así que sé amable con todos porque
conseguirás mejores resultados.
No digo que no seas estricto o asertivo en tus decisiones cuando sea necesario para
encaminar alguna oveja descarriada, pero siempre trata a todos con respeto y así te ganarás el
respeto de ellos también.
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CUANDO HAY UNA MANZANA PODRIDA
Se supone que has escogido elementos con lo que sabes que habrá armonía, pero puede
ocurrir que alguien traiga una mala actitud en el set, que sea descortés o no esté haciendo su
trabajo bien o que sonsaque a los demás, en ese caso, debes hablar con esa persona por
separado y averiguar qué es lo que sucede y si ves que no hay solución, es mejor despedir (por
así decirlo) a esa persona, a que haya una mala vibra en el set y que la experiencia para todos
sea desagradable. En lo personal nunca me ha sucedido, si he tenido de repente actores que
no cooperan tanto al momento de su disponibilidad para grabar, pero ya que están en el set
todos hacen su trabajo, pero si te topas con una situación así, analízalo y si consideras que la
persona no es buena para el equipo, es mejor reemplazarla.
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CAPÍTULO 6: POSTPRODUCCIÓN
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Ya has terminado tu producción, ya recabaste todo el material que necesitas para armar
tu cortometraje, ya grabaste con tus actores y ahora es momento de concentrarte y editar tu
corto.
La post-producción es la etapa donde realmente vas a crear el corto, vas a juntar todo el
material y vas a crear algo, a contar una historia. La post producción no solo es la edición, es el
todo, todos los detalles que necesitas para terminar tu video, edición, diseño de sonido,
efectos, musicalizar, etc. y aquí te hablaré un poco de todos estos pasos.
6.1.- Respaldo y vaciar el material digital.
Lo primero que debes hacer es vaciar todo el material que grabaste, seguramente lo estuviste
haciendo mientras producidas, si es un proyecto largo y no tienes suficientes tarjetas de
memoria, pero bueno, es en esa etapa de postproducción donde va incluido este paso de
vaciar todo el material de tus tarjetas de memoria a la computadora, de preferencia ponlo todo
en un disco duro externo y haz copias del material, no comentas mí error en donde en un
proyecto mío, no hice copias de material digital recabado, el disco duro donde tenía todo mi
material se descompuso y de pronto estuve en riesgo de perder todo el trabajo de varios
meses, que no te pase a ti, yo por suerte pude recuperar mi material, pero fue un proceso muy
largo y tedioso y afortunadamente todo salió bien y lo recupere, porque pudo haber sido otra
historia; entonces que a ti no te suceda lo mismo, trata de hacer al menos una copia en dos
discos duros por separado a todo tu proyecto e imágenes en video recabadas,y si no tienes dos
discos duros externos, al menos en uno y en el disco de la computadora, la idea es que tengas
un respaldo en caso de que uno de estos falle. Vaciar todos los archivos a un Blu-ray o DVD
(como archivos no como película) no es mala idea, ya que los discos duros no tienen palabra,
como pueden nunca fallarte y durante años y años, también un día pueden fallar sin previo
aviso.
6.2.- Selección del material
Una vez que tienes ya todo el material en video listo para trabajar en él, es momento de
seleccionar las mejores tomas para usarlas en tu corto. Este proceso es ya según el gusto de
cada quien, yo lo que hago es que por lo general veo todas las tomas primero cuando voy
produciendo, ese mismo día en la noche reviso lo que grabe o en esa semana y así me doy
una idea de que tomas me gustaron más y cuales no tanto, y cuando estoy editando más o
menos ya tengo una idea de cuales tomas usaré, pero como quiera, las voy re revisando
cuando estoy editando; otros prefieren ver todo el material antes de comenzar a editar y marcar
las escenas que les gustan más en esa etapa y al comenzar la edición trabajar solo sobre ese
material pre seleccionado.
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Yo la verdad, es que vació todo el material a mi proyecto, todas las tomas, y cuando estoy
trabajando en la escena en la edición, voy viendo el ángulo que necesito y ahí decido cual es la
que me funciona más, este proceso en realidad es según la manera de trabajar de cada quien y
como mejor se acomoda.
A veces en producción, cuando estas grabando, puedes llevar una lista de cuales tomas te
gustaron más en el momento y así facilitar tu trabajo al momento de editar.
6.3.- Edición
Bien, ya vaciaste todo tu computadora, ya hasta revisaste todo el material y tienes una idea de
que tomas quieres usar para cada escena, bueno, ahora inicias el proceso de edición. La
edición o también conocido como “Montaje” es una de mis partes favoritas (si no es que la
favorita) del proceso de realización de un proyecto audiovisual porque es donde realmente
armas la película, corto, episodio, o video, es donde vas a plasmar y dar vida a todo ese trabajo
que has venido haciendo desde la preproducción donde inicio con el guion y la producción que
fue todo el rodaje.
La definición de edición en Wikipedia es: “La edición de vídeo es un proceso por el cual un editor
coloca fragmentos de vídeo, fotografías, gráficos, efectos digitales o cualquier otro material
audiovisual en una cinta de vídeo o un archivo informático, para generar después las distintas
copias. En la mayoría de los casos se incluye audio que puede ser efectos de sonido, música o
diálogos de personajes”.
La edición es una parte vital del proceso de realización porque es ahí donde vas a definir el
ritmo, el tono y hasta la estructura de tu historia. Con la edición puedes hacer maravillas con un
material pobre o puedes destruir un buen material, así de importante es. Te puedo decir que ha
habido numerosas ocasiones en que he cambiado la estructura de una historia en la edición a
diferencia de cómo estaba en el guion por cuestiones de tener mejores resultados, de mantener
la atención de la audiencia o de tener mejor impacto con la historia. Si algo no funciona como
está en el guion ya al editarlo, puedes cambiarlo en esta etapa, lo importante es el resultado, el
trabajo final, el guion es solo una guía, si hay escenas que debes cortar o que debes quitar,
hazlo, todo en beneficio de la historia y de mantener el interés de tu audiencia.
Como Quentin Tarantino dice con respecto a la edición de la película:
"Para un escritor, es una palabra. Para un compositor o músico, es una nota. Para un editor y
un director de cine, son los cuadros. un fundido a negros, o dos cuadros añaden o dos cuadros
menos ... es la diferencia entre una nota agria y una nota dulce. Es la diferencia entre una
mierda torpe torpe y ritmo orgásmica ".
Con la edición puedes incluso mejorar la actuación de tus actores o hacerlo ver muy mal si no
lo haces bien, y esto es porque vas a tomar las mejores tomas de cada quien, donde mejor dijo
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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el diálogo, donde transmita mejor la idea y el resultado final es algo ya pulido, con buen ritmo,
estoy seguro que muchos oscares a mejores actores se los han ganado los actores con la gran
ayuda de sus editores.
ORGANIZACIÓN DEL MATERIAL
Es importante, sobre todo en proyectos grandes que te organices en la edición, es decir, que
organices tu material en carpetas de gráficos, tomas, audios, todo por separado para que
puedas encontrarlo fácilmente cuando estés editando, ya que de por si el proceso de edición es
bastante laborioso y tardado, así que entre más te facilites tú mismo el encontrar todo, más
rápido podrás avanzar.
Tengo un video en Videorebeldes.com donde hablo más a detalle de cómo me organizo para
editar, lo puedes encontrar en este link:https://youtu.be/TPdYMugfsNE
También, en caso de haber grabado audio y video por separado debes sincronizarlo en el
“timeline”, yo por lo regular sincronizo todo el material primero para ya trabajar con el material
sincronizado, el peor error que puedes hacer, en proyectos grandes, es comenzar a editar el
video sin el audio sincronizado, porque tardarás más al querer estar sincronizando cada toma,
cada corte con su audio separado, mejor sincronizarlo primero todo y luego ya trabajas con el
material sincronizado.
Una herramienta muy útil y que te ahorra mucho tiempo es Pluraleyes 3.5, ese plugin es una
maravilla porque hace todo el trabajo de sincronizar audio y video separados, en cuestión de
segundos lo hace todo y listo puedes comenzar a editar. Tengo un video donde hablo sobre
cómo funciona Pluraleyes, lo puedes ver en el link:https://youtu.be/ezjg_hkSenI, pero si no
puedes obtener este plugin, no te preocupes, ya que también es factible hacer manualmente
esta sincronización, aquí te puedes ver un tutorial donde te explico cómo hacerlo
:https://youtu.be/M_pvGCoDx54
PROCESO DE EDICIÓN
Ya que tienes todo bien organizado, es momento de comenzar tu edición, ahí si ya depende de
cómo te funcione mejor a ti, yo regularmente comienzo editando en orden cronológico de la
historia, para ir descubriendo el ritmo y tono del cortometraje, voy editando escena por escena
buscando las mejores tomas de cada parte, las que más me funcionan según lo que quiero
transmitir. Tengo el guion a un lado para recordar el orden en que deben ir las escenas, aunque
como te mencione anteriormente, no lo tomo como grabado en piedra sin posibilidad de mover
nada. En el caso de tener storyboards para ciertas escenas, si hago un corte siguiendo el
storyboard, pero también me permito modificar cosas en caso de que no estén funcionando
bien como estaban marcadas o si se pueden mejorar.
Cada quien trabaja diferente al editar, yo, por ejemplo, en algunos casos me gusta ir poniendo
música al estar editando algunas escenas, aunque no sea la música definitiva, para darme
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cuenta de cómo va funcionando, sobre todo en ficción si uso la música para editar a ritmo si así
se requiera o para tener el “mood” (sentimiento) como dicen o ambiente del cine. Pero te digo,
cada quien trabaja distinto, habrá otros editores que no usen nada de música y eso lo dejen al
final, o incluso yo, en ciertos proyectos, edito todo sin música y luego ya que le pongo la música
voy a ajustándolo para que embonen mejor las escenas y ritmo.
Lo importante en esta primera etapa del montaje o edición es armar la estructura del corto,
pegarlo todo, ya después refinar, pulir, lo primero es hacer un primer corte, para darte cuenta
si está muy largo o está muy corto, etc. no importa que no sea perfecto en esta etapa, no
importa que no tenga los efectos visuales, lo que debes poner atención es en el ritmo, que no
se sienta largo o lento, que no se confusa la historia, que se pueda entender todo bien, ese es
tu objetivo en el primer corte de edición. Ya después tendrás tiempo de ir puliendo.
6.4.- Primer corte
Ya que tienes tu primer corte, es decir, ya terminaste de editar todas las escenas, tal cual en el
orden en que quedarán, en esta etapa aún no tienes los efectos visuales listos, eso es mejor
dejarlo para el final, pero más adelante hablaremos sobre ese tema en específico, pero con tu
primer corte, de preferencia ponle la música tentativa para que te puedas dar cuenta de cómo
será el producto final. Al estar editando seguramente ya te sabes todo de memoria de tantas
veces que lo has visto, por eso es importante alejarse un poco del material deja unos días si te
es posible, no veas el corte, y después de uno o 2 días vuelve a verlo con ojos frescos, así te
puedes dar cuenta mejor de que funciona y que no, si está muy largo, si todas las escenas son
necesarias o hay algunas que puedes acortar su duración o incluso quitar del corto para
acelerar el ritmo.
Puedes mostrar este primer corte a una o dos personas de confianza para que te den su
opinión, para que te digan si entienden la historia, si todo está claro, si esta entretenido o está
aburrido en partes, esas opiniones externas te pueden servir de mucho para mejorar tu trabajo.
Aquí es donde entra la pulida de tu edición, aquí, después de verlo completo con ojos frescos y
si es posible con las observaciones de un par de ojos prestados puedes meterle mano a la
edición y pulir esos detalles.
Un gran error que cometen directores y editores novatos o amateur es que en muchas
ocasiones el ritmo es muy lento, a todos nos pasa cuando comenzamos, a mí también me
pasó, quieres dejar esa toma que tanto te gusto, esa escena que les costó mucho trabajo
hacer, ese paneo o toma con la grúa que está espectacular y la dejas, pero en la realidad hace
más lento al cortometraje, se siente muy largo, no es necesaria para la historia y beneficia
mejor quitarla o cortarla para ir al punto de la ficción, pero eso no nos damos cuenta porque
nos falta experiencia cuando comenzamos, con el tiempo vas aprendiendo de esto y dejas solo
las escenas que son importantes, así que eso es en lo que debes poner atención, no importa
que ese traveling esté espectacular, si hace la escena más larga y en el producto final se siente
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aburrido, ¡quítalo!, ni modo, si hay una escena que no ayuda a avanzar la historia, que no
aporta información nueva al espectador y solo hace el corto más largo, ¡quítala!, lo importante
es el producto final. En el cine hay miles de películas con escenas borradas, con secuencias
enteras que eliminan porque no favorecen a la película en su corte final, solo basta con ver las
características especiales de los DVD y ahí encontrarás escenas eliminadas y las quitan
porque no son indispensables y solo hacen lenta a la película; es bueno ver estas escenas si
vienen con comentario del director explicando porque las quitaron, ya que así puedes aprender
un poco más sobre esto y tú aplicar los conceptos a tus proyectos.
Así que, tienes que ser objetivo y hacer tu corazón de piedra y quitar lo que no sea necesario,
las escenas deben tener un objetivo, aportar información, avanzar la historia, tener un principio,
desarrollo y final, quita lo que no aporte nada, quita lo que haga lenta la historia, esto
beneficiará a tu corto final y mantendrás la atención de tu audiencia, eso es lo importante , ¿no
quieres que se aburran no?, quieres que estén interesados en la historia que estás contando
¿no?, pues edita con ese objetivo en mente.
Ya que puliste tu primer corte, vuelve a hacer este paso, revísalo nuevamente, velo con ojos
frescos y examina si todo funciona como debe, repite esto hasta que estés satisfecho con el
corte final.
6.5.- Efectos visuales
Si usarás efectos visuales en tu cortometraje, es mejor comenzar a trabajar en ellos una vez
que ya tienes las tomas finales que tendrás en tu corto, sobre todo si es una secuencia con
varias tomas, no querrás perder el tiempo haciendo efectos a tomas que después tienes que
quitar o cambiar y volver a trabajar en el efecto, por eso te recomendaba anteriormente que
comiences a trabajar en los efectos a partir de tu corte final, los americanos le dicen “Locked
cut” que una traducción más o menos sería: “El corte bloqueado” es decir que será el
definitivo, al menos en las escenas de efectos visuales; si dispusieras a hacer los efectos con
alguien que te ayudará con eso, trabaja en esas escenas antes para que tengas el corte final y
puedan ir adelantando a los efectos ya con las tomas definitivas que usarás.
Los efectos es una de las etapas más tardadas de la postproducción, claro esto depende del
grado de complejidad de los efectos necesitados, yo te recomendaría que si tú no sabes mucho
sobre este tema y no tienes a alguien en tu equipo que domine esto, no uses tantos efectos
visuales en tu corto, ya que esto requiere mucho tiempo y es muy costoso en caso de que
quisieras pagar los servicios de alguien para que los haga. Solo agrega efectos visuales si tú
los haces personalmente o si tienes en tu equipo a alguien que domina este arte y que sabes
que contarás con esa persona para terminar el trabajo, de lo contrario, aléjate de los efectos
visuales sobre todo en tus primeros trabajos.
En la etapa de los efectos visuales, trabaja con las imágenes así sin corrección de color, eso lo
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harás en etapa siguiente paso.
6.6.- Corrección de color/Gradación de color.
Imagen de corrección de color del corto “Perra” de Reynaldo Cantú
Ya que tienes tu corte final, ya puedes comenzar a trabajar en la corrección de color, es mejor
espérate hasta el corte final porque por así sólo tendrás que trabajar en las tomas específicas
que si estarán en tu corto, además, normalmente los filtros y plugin que utilizas para hacer esta
correcciones hacen lenta a la computadora (también depende de la velocidad y procesador de
tu máquina), si quisieras estar revisando el material con videos en donde has aplicado filtros es
complicado ya que por lo general no corren muy fluidos y editar así es una gran modestia, casi
imposible, por eso, yo prefiero editar todo primero, avanzar lo más rápido posible y ya que
tengo mi corte final, es entonces cuando comienzo la corrección de color.
Hay diferentes métodos para hacer la corrección de color, lo importante es primero cuidar que
todas las tomas se vean igual en cuanto a los colores, que pasen de una toma a otra sin
ninguna diferencia en la imagen, todos los tonos deben ser iguales, hay que cuidar la
luminosidad y contrastes que todo se perciban igual de una toma a otra; la idea es mejorar la
imagen y corregir como primera instancia que todo se vea parejo entre toma y toma.
La corrección de color es muy importante en la postproducción, porque puedes sacarles mucho
provecho a las tomas y crear una imagen más profesional con solo unos pequeños ajustes en
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los colores.
Hay varios plugins que se especializan en la corrección de color como “Magic looks”, o
“Colorista” de “red giant”, en adobe premiere tiene también ya incluidas muchas herramientas
para corrección de color y que son muy buenas, otros editores también tienen sus propios
plugins, hoy en día cualquier editor profesional trae herramientas para hacer una corrección de
color básica. Si quieres saber las bases para corregir el color en un video, aquí puedes ver un
tutorial que tenemos en Video rebeldes lo encuentras en el link:https://youtu.be/taMSS6nT3vc
Normalmente en la etapa de corrección de color se trabaja imagen por imagen, es un poco
tedioso el proceso porque hay que corregir cada toma, pero así se hace para conseguir que
todo se vea igual, como quiera puedes usar “adjustment layers” o “copy paste” de las
configuraciones para avanzar más rápido, pero al final, aun así, hay que hacer pequeños
ajustes a cada toma cuando es necesario, lo importante es que todas las imágenes se vean al
unísono en sus tonos.
CORRECCIÓN DE COLOR Y GRADACIÓN DE COLOR
En inglés se les conoce como “Color corrección” (corrección de color) y “Color grading”
(Gradación del color) y mucha gente las confunde llamando “Corrección de color a todo el
proceso de manipular los colores, pero en realidad la etapa de corrección de color es lo que
explique anteriormente, solo corregir los errores de los colores, luminosidad y contraste entre
todas las tomas, pero no incluye manipular el color ya para darle un estilo, esa etapa es la de
“Gradación de color (color grading) , ya que todas tus imágenes son iguales en luminosidad,
color y contraste, entonces ya puedes comenzar más fácilmente a ponerle filtros a las
imágenes para obtener los estados de emociones deseados, de otra manera, si no se hace
primero la corrección de color a cada imagen, cuando apliques los filtros las diferencias en
tonos serán muy evidentes, en cambio si ya está todo ajustado al aplicar filtros es muy probable
que no requieran tantos ajustes posteriores.
En la gradación del color, es donde le pones ese toque distinto, por ejemplo, que todo se vea
con tono verde tipo Matrix, o con un filtro más naranja o amarillo para que sea más cálida la
imagen, o agregar efectos de cine como granos, de saturación de colores, etc., en esta etapa
es donde aplicarás toda esa manipulación de imagen con filtros u otros plugins para darle el
ambiente deseado a tu cortometraje.
6.7.- Diseño de audio.
El audio, como lo he comentado en repetidas ocasiones en este libro, es muy, muy importante
en un video y/o película, el público te perdonará que tal vez tu imagen no sea tan buena, que
no esté tan bien iluminada, pero es poco probable que vea tu corto si no se escucha bien, por
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eso debes poner mucha atención a la grabación de tu sonido, como lo te decía en el capítulo
donde hablamos sobre los micrófonos, pero además de grabar un buen audio en locación o lo
mejor que sea posible, puedes darle un plus a tu trabajo final y elevarlo a un nivel más
profesional si le dedicas tiempo a lo que es el “Diseño de audio”.
¿Qué es el diseño de audio en un cortometraje o película?, son todos los sonidos que forman
parte de la atmósfera de tu cortometraje, desde los diálogos, sonidos ambientales, efectos de
sonido, etc.
Cuando prestas atención a estos detalles, tu video crece bastante, se siente más real; desde
esos pequeños detalles de acentuar los pasos al caminar de los personajes, ruidos de sus
ropas, a esto se les conoce como “Foley”, es decir, todos los sonidos y ruidos que generan los
personajes y elementos a cuadro, por ejemplo si comen una manzana escuchar el sonido de la
manzana siendo mordida, si abren una puerta escuchar ese sonido, hasta sonidos más
complicados o de efectos como una pistola al ser disparada, un auto que enciende el motor, e
incluso los sonidos ambientales exteriores como por ejemplo pajaritos o grillos si están en
exterior de noche, etc. todo esto mejorará en general el aspecto de tu cortometraje.
¿COMO CREAR LOS SONIDOS?
Hay varias maneras de agregar sonidos a un cortometraje, desde los que tú mismo puedes
generar con cosas que encuentres alrededor en tu casa para representar esos sonidos
parecidos a lo que necesitas, como por ejemplo tomar dos zapatos y simular los pasos del
personaje a cuadro, o tomar una papaya y golpearla para simular el sonido de alguien siendo
degollado, también golpear una saco o una chamarra para simular los sonidos de una pelea, en
fin, se trata de ser creativo y experimentar para conseguir los efectos de sonido que necesitas.
La otra forma es conseguir sonidos ya grabados o fabricados, en línea puedes encontrar
muchos sitios donde puedes bajar distintos efectos de sonido, algunos gratis y otros los tienes
que comprar, la ventaja de estos es que están grabados con muy buena calidad (la mayoría),
también venden colecciones con varios tipos de efectos de sonido que puedes usar. Puedes
combinar varios sonidos y hacer uno original, por ejemplo una explosión o un puñetazo. La idea
es que busques la mejor manera de representar lo que sucede a cuadro.
¿COMO GRABARLOS?
Para grabarlos lo primero es conseguir el mejor micrófono que tengas, una buena opción es un
shotgun mic, (hablamos de este micrófono en la sección del equipo de video en este libro),
puedes grabar muchos de estos sonidos en la misma locación donde ruedan las escenas,
puedes aprovechar y grabar algo de los pasos, corriendo, deteniéndose, etc. puedes grabar
sonidos de como abren las puertas, o props que usarán en la escena, esto lo haces una vez
que ya terminaron la escena, rápidamente les pides a tus actores que hagan esos movimientos
que necesitas grabar, acercas tu micrófono lo más que puedas y grabas el sonido lo más limpio
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posible.
La ventaja de grabar el audio en locación es que será más real y fiel a la escena ya que es
captado de ahí mismo, pero a veces no hay tiempo de hacer esto, entonces no hay problema,
los puedes grabar por tu cuenta cuando estés en la etapa de postproducción.
Algo que sí te aconsejo es que grabes después de cada escena lo que se llama “room tone”, es
decir, el sonido ambiente de la locación, graba un minuto, pide silencio a todos y grábalo, esto
te puede servir mucho al momento de estar editando los diálogos en la post-producción para
cubrir imperfecciones. Puedes ver un video que tenemos en Video Rebeldes sobre este tema
donde explico con más detalle, lo encuentras en el link:https://youtu.be/-d8l6WJan7o.
También puedes usar sonidos de ambientes que venden en las colecciones que te mencionaba
anteriormente, dependiendo de donde se sitúa la escena, una oficina, un restaurante, una
escuela, exteriores etc. en caso de que no hayas grabado el sonido de cada locación.
Al estar editando tu diseño de sonido , una manera de hacer el Foley es tratar de grabarlo
mientras ves la imagen para tener el ritmo y duración exacta que necesitas en la escena,
aunque esto requiere bastante práctica para hacerlo correctamente en los tiempos que por
ejemplo el personaje camina por césped, pero si es posible hacerlo así, y la otra es grabar los
sonidos por separado y en la edición los vas ajustando a como sea necesario, ahí ya depende
de qué método quieras usar con el cual te sientas más cómodo, incluso puedes combinarlo
algunos por separado y otros viendo la imagen, así le hago yo, cuando son muy específicos a
los movimientos del actor, a veces trato de grabar el sonido viendo la imagen al mismo tiempo,
sobre todo sonidos de ropas o pasos y ya después ajustar detalles en la edición.
GRABAR ADR
ADR es lo que se conoce en inglés como Automated Dialog Replacement, es decir, reemplazo
de audio automatizado, esto se hace cuando necesitas grabar los diálogos de alguna escena
ya sea porque no captas buen sonido en la locación o porque hacía mucho viento y se escuchó
en el micrófono o pasó una avión mientras decían los diálogos, etc. cualquiera que sea la
razón, hay ocasiones en que es necesario reemplazar los diálogos porque no hay manera de
salvarlo en post producción por más filtros que le pongas. Cuando sucede esto, citas a tus
actores a la sesión de grabación, yo por lo general los grabó por separado, y les pones cada
parte de la escena y la idea es que vayan grabando lo más cercano a la intención y velocidad
en que lo hicieron en la toma original, esto puede ser tardado, más si el actor no tiene tanta
experiencia para doblar su propia voz, pero no hay otra manera de hacerlo; si estas batallando
mucho, parte los diálogos en pequeños fragmentos si es necesario para que batallen menos y
puedan avanzar más rápido en la grabación.
Yo te recomiendo que, al grabar ADR, lo hagas con el mismo micrófono que usaste en la
locación para que no se note tanto el cambio.
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Re grabar diálogos es todo un arte y se necesita mucha experiencia tanto el actor como el
editor para que no se note que fue doblado en post-producción, a veces es casi imposible
ocultarlo, pero la verdad yo prefiero que se note, a dejar el audio original donde no se entiende
bien lo que dicen o que se escuche aviones pasando o el sonido del viento en el micrófono.
Debes cuidar que los actores no sobre actúen sus líneas al re grabar sus diálogos, a veces
pueden tender a hacer una voz como tipo de doblaje de películas, diles que lo hagan lo más
naturalmente que puedan, sin entonar su voz exageradamente, que se escuchen como lo dicen
en el video original tratando de igualarlo.
Por lo general programas para editar como Adobe premiere CC te permite grabar voz en off
corriendo la escena mientras con unos audífonos puedan escuchar el audio original, ese es el
mejor método porque el actor puede escuchar la velocidad exacta que lo dijo originalmente, la
meta es que coincidan los labios lo más posible de la grabación que estás haciendo al video
original. Como te decía esto requerirá de varias tomas, hazlo lo más cercano que puedas, no
tiene que ser exacto exacto, porque esto lo puedes ajustar en la post producción con
herramientas como las que tiene Adobe Audition que sincroniza doblajes para que sean más
correctos al movimiento de la boca, esto lo hace analizando el audio original de la toma con la
grabación de la voz en off del actor. Si no tienes acceso a este tipo de herramientas, grábalo lo
más sincronizado que puedas y en la edición trata de ajustarlo a mano lo mejor que puedas.
Hay ocasiones en que el actor o actriz le será más fácil grabar el audio solo viéndose en
pantalla sin escuchar su diálogo original y en otras ocasiones si se escuchan pueden imitarlo
mejor, eso ya depende de cada actor, puedes experimentar de las dos maneras para ver con
cual se siente más cómodo.
Como puedes darte cuenta, el diseño de audio es una etapa muy importante de la postproducción si lo que quieres es darle ese plus a tu cortometraje y hacerlo ver más profesional.
Si deseas ver un ejemplo de cómo lo trabajo yo, ve el video que tenemos en video rebeldes
sobre diseño de audio, lo encuentras en el siguiente link:https://youtu.be/S5c4KTE3vGc
6.8.- Musicalización.
La música te permite acentuar emociones o crear ambientes en tu corto. Puedes poner una
misma escena, por ejemplo, una mujer preparando una cena, sola en la cocina, si le pones una
música alegre es una escena feliz, pero si tomas la misma escena exactamente igual y le
pones una música de suspenso, de pronto la escena se vuelve otra cosa, se vuelve de
suspenso, piensas ¿qué le va a pasar?, ¡va a llegar un asesino de pronto!... ese es el poder de
la música en una película, y esta herramienta debemos aprovechar en nuestro cortometraje
para crear esas sensaciones en nuestro público.
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Cuando hablo sobre cual música usarás, me refiero a en específico el género o estilo de
música, y esto depende de lo que quieras transmitir, ese es una decisión muy personal del
director y músico si es el caso, donde entre los dos deciden según la idea del director cuál es la
mejor opción para cada escena. Hay veces que la ausencia de música sirve también para
acentuar momentos, seguramente haz visto escenas por ejemplo de una persecución en auto o
una pelea sin nada de música, sólo los efectos de sonido, a veces esto le puede dar un aire de
más real o duro a la escena, hay directores que inician un aparte de por ejemplo una
persecución en auto sin música, solo el ruido de los motores y en cierto momento agrega la
música y esto acentúa ese instante en la escena, como te digo estas decisiones las tomarás tú
como director en base al material que tienes y el mensaje y emoción que quieres evocar en la
audiencia.
MÚSICA CON PERMISO DE USO
Una cosa muy importante que debes considerar al seleccionar la música es nunca usar música
del cual no tengas permiso del autor o productor. Olvídate de agregar esa canción de los
Beatles, o el score de la película de tiburón, eso no puedes hacer, esas canciones no pueden
ser utilizadas, en todo caso tendrías que comprar los derechos para poder usarlas en tu video,
y te aseguro que son carísimos, miles de dólares si son muy populares. Podrías decir, pero no
pienso comercializar con mi corto, o ¿quién se va a dar cuenta?, bueno, tal vez podrías pasar
desapercibido, pero ¿qué tal si subes tu video a YouTube y se hace viral?, podrías meterte en
un problema de demandas por usar música sin permiso; en el mismo YouTube, si quieres
pertenecer al programa de socios para ganar dinero con anuncios en los videos, no te permiten
usar música sin permiso, otra cuestión es que en la mayoría de los festivales de cortometraje el
que tengas todos los derechos del material es un requisito y esto incluye la música, así que yo
te aconsejaría que te abstengas de usar música sin permiso y mejor busques ya sea crear
música original para tu corto, tal vez tengas algún amigo músico que quiera colaborar contigo
(que te firme un permiso como te mencionaba anteriormente en este libro) o tú mismo si tienes
la facilidad o la otra opción es que hay mucho sitios en internet donde venden lo que se llama
“Royalty free músic” esta es música que compras y que al hacerlo te dan una licencia de uso
para proyectos tanto comerciales como personales, así puedes usar esa música en tus trabajos
de video sin ninguna preocupación. Nosotros en videorebeldes.com tenemos un álbum muy
económico que puedes adquir, si te interesa puedes búscalo en
http://musicaparacortos1.videorebeldes.com pero no es la única opción hay sitios como
audiojungle.com o http://incompetech.com/ este último incluso es gratis solo debes poner los
créditos del autor en tu video.
Así que hay muchas opciones, hay sitios con autores con licencia “creative commons” que te
permiten usar su música gratis, solo debes revisar bien esa licencia porque algunas no
permiten usar la música en proyectos comerciales (incluye YouTube activando anuncios) o en
otras ocasiones si puedes solo poniendo los créditos del autor.
Así que ya sabes, cuida ese detalle de la música, no te limites o cierres las puertas por usar
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música sin permiso, todo, pero todo el material que uses en tu cortometraje debe ser original o
con permisos, así no tendrás limitaciones ni preocupaciones y podrás usar tu corto, venderlo o
hacer lo que quieras con el sin ningún problema.
6.9.- Refinación y versión final.
Ya que tienes tu versión final del cortometraje, nunca está de más dejarlo descansar unos días
y después volverlo a ver para apreciarlo con ojos frescos y ver si hay algún detalle que quieras
ajustar de tiempo, de ritmo, ajustes en los audios, efectos de sonido, efectos visuales, etc.
nuevamente puedes mostrárselo a algunos amigos o familiares y que te den su opinión, si le
entienden a la historia, etc. Yo en lo particular solo lo muestro a un par de personas para ver
las reacciones y hacer ajustes finales.
Siempre va a haber cosas que quieras cambiar, siempre va a haber cosas que no te gustaron
del todo como quedaron al final, pero llega un momento en que debes dejarlo ir, cerrar el corto
y que los errores que tengas te sirvan para mejorar y aprender de ellos para la próxima vez no
volver a cometerlos. Como decían por ahí, no recuerdo quién exactamente, pero decían “La
obra audiovisual no son terminadas sino abandonadas” o algo así, la idea es que nunca
quedarás conforme, siempre habrá algo y podrías pasártela siempre ajustando detalles, pero
hay un momento en que debes dejarlo ir y pasar al siguiente proyecto cuidando hacerlo mejor
que el anterior.
Lo importante es que lo dejes lo mejor que puedas en este momento, con las condiciones y
herramientas que tuviste en este momento y luego ya cerrarlo y pasar a lo siguiente, es bueno
ser perfeccionista, pero llega un instante en que uno debe alejarse, cerrarlo y decidirse por
dejarlo como la versión final de nuestro cortometraje.
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CAPÍTULO 7: DISTRIBUCIÓN
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Una vez que ya tienes la versión final de tu corto, bueno ahora ¿Que vas a hacer con
él?, el propósito primordial por el que hiciste el corto es para que la gente lo vea ¿no?, muchos
recomiendan que mucho antes de que comiences siquiera a escribir el guion, debes tener claro
el medio por donde lo vas a distribuir, para que sea más factible que funcione mejor para esa
audiencia en específico, por ejemplo si lo quieres meter a algún festival de cortometrajes en
particular, bueno que por ejemplo no te vayas a pasar de la duración mínima o máxima, o que
trate de los temas que van a ser aceptados en dicho festival. Si definitivamente vas a hacer tu
cortometraje para un fin por ejemplo comercial, si debes tomar en cuenta esta información e
investigar desde antes, pero si se trata de un trabajo que es como práctica, solo para dar a
conocer tu trabajo y aprender más de ello y simplemente que la gente lo vea, pues yo en mi
caso lo hago como yo quería y después voy viendo donde lo voy a proyectar.
Hay varias opciones hoy en día para dar a conocer tu corto:
7.1.- Festivales
Los festivales de cine o de cortometrajes son una buena opción para dar a conocer tu corto, te
da la oportunidad de conocer a otros realizadores que como tú les gusta la producción y
además puedes ver sus trabajos. Hay algunos que tienen mucha suerte y al competir en un
festival, sobre todo los muy importantes, son “descubiertos” y les ofrecen la oportunidad de sus
vidas, pero eso es realmente casos uno entre un millón, así que, si tu idea es meter tu corto
para de ahí pasar a hacer películas en Hollywood, bueno, no pierdas las esperanzas, pero
puede que tarde o no pase, pero que importa, lo importante es la experiencia y aprender y ser
mejor en el camino.
Yo no tengo tanta experiencia participando en festivales de cine, aunque sí lo he hecho en un
par de ocasiones, la mayoría eran solo de exhibición y en otros si competí, la verdad nunca he
ganado un premio, aunque en uno de los festivales importantes (el de monterrey) quedó
seleccionado mi corto “Un día más” y bueno, para quedar seleccionado no era fácil y pasó esa
prueba, pero después no ganó, pero sí fui como invitado al festival y la experiencia fue grata.
Ahora que veo ese corto, me doy cuenta de que le faltaba mucho, pero para el momento era lo
mejor que lo podía hacer, ahora me gusta pensar que he mejorado un poco y puedo hacerlo
mejor.
Puedes buscar en google festivales de cortometrajes y ahí ver las convocatorias, requisitos y
aplicar si te interesa participar, algunos son gratis y otros no lo son, ya es cuestión tuya valorar
cuales son las mejores opciones para participar y en dado caso invertir en la inscripción.
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Una cosa importante es que veas con detenimiento los requisitos de participación y cumplas
con ellos a pie de la letra, porque no tiene caso que envíes un material que será rechazado
porque no cumpliste con esos requerimientos. Uno de ellos es lo que te comentaba
anteriormente de tener todos los permisos de tu material y sobre todo de la música, algunos
otros festivales piden que tu corto no debe ser publicado antes de participar en el festival, a
otros no les importa, por eso debes revisar esos detalles y cumplir también con las fechas y
condiciones de entrega del material.
Yo sí te recomendaría que participes en un par de festivales, aunque sea locales por la
experiencia y además nunca está de más conocer a otros colegas; y si no participas, aun así,
asistir a estos eventos, puedes conocer y aprender algo de los trabajos de los demás.
7.2.- Internet.
Otra opción muy viable, sobre todo en estos tiempos para distribuir y dar a conocer nuestro
corto es el internet, con sitios tan populares como YouTube, ahora es muy fácil exponer tu
trabajo a miles o millones de personas de todas partes del mundo.
Nunca esta demás subir tu corto a YouTube y compartir el link por redes sociales a la mayor de
personas que puedas, también puedes buscar foros, páginas de Facebook y sitios en línea
donde nichos de personas con intereses comunes por ejemplo por cortometrajes o sobre
producción de video, etc. estas páginas pueden ser una buena plataforma para compartir tu
cortometraje, sobre todo si es un nicho al que el tema de tu cortometraje incluye, por ejemplo,
si tu corto es sobre zombies o de terror, busca esos foros y páginas sobre eso y compártelo, o
si es basado en algún videojuego, busca foros de gamers y ahí compártelo, esa es una manera
muy buena de llegar a tu público.
El internet es una maravilla, YouTube ha venido a cambiar muchas cosas y a favorecer, creo a
nosotros los video rebeldes, así que aprovéchalo, nunca sabes quién va a ver tu trabajo y si
alguna buena oportunidad puede llegar de ahí.
7.3.- Exhibición local
Otra manera de dar a conocer tu corto es hacer alguna exhibición local, puedes buscar por
ejemplo algún lugar que te presten e invitar a amigos y familiares y hacer la premiere del
cortometraje, o puedes pedir alguna sala de proyección en tu escuela y ahí realizarlo.
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La ventaja de hacer algo así, así como de participar en festivales es que puedes presenciar la
reacción de la gente ante tu cortometraje, eso es algo que se pierde en el internet, porque
aunque puedes darte cuenta en los comentarios, no es lo mismo que verlo con la gente, ver
cómo reaccionan, si les está interesando, si se ríen donde se supone que debía reír, si gritan
en los momentos que tu pensaban, esa es una sensación increíble, por eso hacer una
exhibición local puede ser una experiencia buena.
Ya sea que hagas una exhibición privada o simplemente en tu casa con todos tus amigos y
familiares, o que ingreses a festivales, trata de proyectar tu corto con público en vivo y así
sabrás que funcionó o no, si mantuviste su atención todo el tiempo, o en qué momentos los
perdiste, eso es un gran aprendizaje y aparte una emoción indescriptible.
7.4.- Venta/renta.
Con lo que mencionaba anteriormente del crecimiento de internet, la propia distribución masiva
para cineastas ha sido posible y es ahora más fácil, cada vez más películas independientes o
cortometrajes son distribuidos y vendidos por sus realizadores directamente sin la ayuda de
casas de distribución como en los viejos tiempos. Sitios como Vimeo pro o VHX te permiten
vender o rentar tus videos vía digital. Aunque están esas plataformas hoy en día, como quiera
sigue siendo difícil convencer a las personas de que compren tu video, sobre todo si vas
empezando. Yo te diría que sí es tu primer trabajo, esperes a aprender y adquirir mejor
experiencia y hacer mejores cortos y después de esto, los siguientes trabajos que hagas ya
comiences a buscar la manera de venderlos, ahora, si ya tienes experiencia y haces buenos
cortos, la mejor manera es hacerte de una audiencia antes y esa audiencia es la que
posiblemente le pueda interesar comprarlo.
Es todo un tema esto, yo mismo estoy experimentando con este aspecto. Una forma de hacer
un foco de interés para que la gente compre tu cortometraje sería incluir mucho material detrás
de cámaras y tutoriales, así le agregas valor al video y podría ser más factible que quieran
invertir dinero para apoyarte y comprarlo/rentarlo.
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CAPÍTULO 8: CONCLUSIONES
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Hacer un cortometraje es el mejor ejercicio para mejorar en la realización; si contar
historias es lo que te gusta, si quieres ser director de cine o tv, no hay mejor escuela que
hacerlo… con el tiempo y la practica iras mejorando.
Yo te invito a que hoy mismo comiences a planear tu cortometraje, no esperes más, no esperes
a tener todas las condiciones ideales, no esperes a tener la cámara perfecta, hazlo con lo que
consigas, con lo que tengas, no importa si lo haces con tu celular, lo importante es hacerlo, no
dejes que la desidia te gane, ¡hazlo ya!; si compraste este libro es porque te interesa hacer un
corto, ahora ya lo has terminando de leer, ahora ¡aplícalo!, no sirve de nada leer un libro y
dejarlo ahí, ¡lo importante es llevarlo a la acción!, aplicar los conocimientos. Comienza ya tu
corto, ¡el tiempo pasa muy rápido!
Te deseo mucha suerte con él, espero que este libro te haya servido para tener más claro este
proceso según mi experiencia. Si te gustó este libro, te pido que por favor lo recomiendes, y
DEJES UN REVIEW, puedes mandarlo a [email protected] (o déjalo en la página
donde lo adquiriste), o si lo compraste en Amazon, déjame el review ahí por favor, es muy
importante para mí, dame tu sincera opinión sobre él, eso será de gran apoyo para que este
libro puede llegar a más personas, de verdad que te lo agradecería muchísimo.
MÁS INFORMACIÓN
Te invito a que visites el sitio oficial Videorebeldes.com ahí tenemos mucha información sobre
la realización de cine y televisión independiente, también tenemos cursos online especializados
que poco a poco iremos integrando a nuestra tienda, así como tutoriales y otros libros sobre
estos temas, además de todo el material gratis que ya hay en la plataforma.
También puedes seguirnos en nuestro canal de YouTube : youtube.com/videorebeldes,en
twitter : @rey_cantu y en nuestra página de facebook.
Te mando un abrazo y te agradezco el haber adquirido este libro.
¡Hasta la próxima!
Reynaldo Cantú.
©Copyright Derechos Reservados. Planeta Producciones® 2015.
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¿Quién es Reynaldo Cantú?
Reynaldo Cantú
Director/Realizador/Productor/autor de este libro.
Realizador, director, productor, editor y guionista. Licenciado en Ciencias de la comunicación. Ha
escrito y dirigido cortometrajes como "LA FÁBRICA", "ELLA", "UN DIA MAS” “PERRA” Y “HIT GIRL”
que han sido seleccionados oficialmente en Festivales importantes como el "Monterrey internacional
film festival". También ha sido productor de televisión de programas como "SABOR DE MEDIODÍA",
"DR. OFFROAD TV", "EL VUELO DE LOS ÁGUILAS", "PLAYBACK CON ARELY CABALLERO"
entre otros.
Que ha hecho:
Director y productor general de "PLANETA PRODUCCIONES" casa productora dedicada a la
producción audiovisual de Spots de tv, Programas de televisión, Videos corporativos, Video social,
videos musicales etc. En donde ha trabajado en la guionización, producción y postproducción para
varios clientes importantes de su localidad. (del 2002 a la fecha)
Parte de los trabajos:
Como Director y Productor:
El Mundo según Ana (Mini serie por internet) (Director, Productor Ejecutivo, Co-creador, guionista)
(En desarrollo).
La vida sin guion ( Serie por internet, 2009 ) ( Como " Director, Productor Ejecutivo, Co-creador y
Co-escritor")
Planeta Producciones (Casa productora audiovisual) ( Productor y director general 2002-activo)
Como hacer un corto de bajo presupuesto/ Por Reynaldo Cantú/ Videorebeldes.com
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De casas y Casados (Serie de tv, Canal 3 2008) (Como Director de 4 episodios).
Perra (cortometraje) Escritor y Director.
Hitgirl (cortometraje 2012) Director y escritor.
Un día más (Cortometraje, 2008) ( Como director y escritor)
Ella ( Cortometraje, 2006) (Como escritor y director)
Sabor de Medio día ( TV, 2003-2007) (Como Productor general y Co-Productor Ejecutivo)
Día a Día (Sitcom, Programa piloto 2004) (Como Productor general ,Co-director y Co-escritor)
La Fábrica (Cortometraje,2005) (Como escritor y director)
Dr Off-road tv (Tv,2003-2006) (Como Post-producción)
El Vuelo de los Águilas (Tv, 2002-2003) (Como Productor general)
El Cuarto Elemento (Tv, 2002) (Como Productor general)
Playback Con Arely Caballero (Tv-cable, 2000) (Como Productor Ejecutivo y general)
El Átomo (Tv por cable 1999) (Como Co-Productor general y Ejecutivo)
La Persiana (Tv por cable 1998) (Como co-Productor general)
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