UNIDAD DIDACTICA 2.- Cultura Audiovisual Breve historia de la fotografía.

Cultura Audiovisual
UNIDAD DIDACTICA 2.Breve historia de la fotografía.
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Nicéphore Niépce en 1826 consigue la primera imagen con una cámara
oscura y un proceso fotoquímico , la realizó desde su ventana a los
tejados de Grass; lo denominó HELIOGRABADOS (cuando fotografiaba
grabados) y “puntos de vista” ( al resto de imágenes).
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Louis J. M. Daguerre en 1831 realiza fotografías con planchas
recubiertas con una capa sensible a la luz de yoduro de plata. Exponía
durante varios minutos y la imagen tenia poca duración porque se
ennegrecía gradualmente.Sus imágenes fueron llamadas
DAGUERROTIPOS.
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William Henry Fox Talbot fue un inventor británico que logró que las
imágenes quedaran fijadas y evitaba el ennegrecimiento de la plancha.
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Mientra Daguerre perfeccionaba su sistema , Talbot desarrolló un
procedimiento que consistía en utilizar papel negativo a partir del cual
podía obtener un número ilimitado de copias. El método de Talbot de
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revelado y fijado se llamo CALOTIPO. Necesitaba de una exposición de
unos 30 segundos aproximadamente.
Calotipo coloreado a mano.
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Tanto Daguerre como Talbot hicieron públicos sus métodos en 1839 .
Ese mismo año John E. Herschel da el nombre de “fotografías” a las
imágenes fijas.
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La primera fotografía conocida es una imagen de unos tejados desde la
ventana de la casa donde vivía Niepce del año 1826. La exposición duró
ocho horas.
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F. Scott Archer introdujo en 1851 planchas de cristal húmedas al utilizar
colodión húmedo y necesitaba ser revelado inmediatamente tras la
exposición.
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En 1871 J.Wilson Swan inventa con ayuda del calor secar las planchas y
hacerlas más manejables.
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En 1878 el fotógrafo Charles E. Bennet inventó una plancha seca
recubierta de gelatina y bromuro de plata similar a las utilizadas hasta la
llegada de la era digital.
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En 1879 Swan patentó el papel seco de bromuro.
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En 1884 el inventor de USA George Eastman patentó una película que
consistía en una larga tira de papel recubierta con una emulsión
sensible.Supuso el paso para generalizar la fotografía no solo para los
profesionales , sino también para los aficionados.
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1. La cámara
En el siglo XV un famoso pintor, arquitecto y descubridor, llamado Leonardo Da
Vinci, estaba sentado en su habitación con las persianas bajadas, debido al
intenso calor. En la persiana había un pequeño agujero, y observó en la pared
contraria los objetos que estaban en la calle, pero de forma invertida. A través
de este agujero entraban los rayos del sol, que proyectaban en la pared
opuesta una imagen del mundo exterior dentro de su habitación, esta imagen
aparecía debido a las. Esta fue la base de lo que en el siglo XIX sería la
cámara fotográfica que se dio en llamar "cuarto oscuro" y que hoy día se
sigue llamando así.
Todas las cámaras actuales, por muchos tornillitos o palanquitas que tengan,
basan su funcionamiento en la cámara de Leonardo Da Vinci.
Y todas ellas, por muy diferente que sea su formato, tienen algo en común: el
ojo (objetivo). Sin él, la cámara también podría "ver", pero no con tanta nitidez.
Este objetivo consta de varias lentes que consiguen proyectar los rayos de luz
que lo atraviesan en un punto llamado "foco".
Debido a un mecanismo más o menos automático de las cámaras fotográficas,
podemos alejar o acercar el objetivo para obtener un foco "nítido".
A la distancia entre el centro óptico del objetivo y el foco le llamaremos a partir
de ahora "distancia focal".
Si los rayos llegan desde el infinito, por ejemplo del sol, se concentran en el
foco. La distancia entre el centro óptico de la lente y el foco es la distancia
focal.
Si ahora en el lugar del foco ponemos un trozo de película fotosensible o un
sensor digital, y dejamos que la imagen se proyecte en ella el tiempo
adecuado, conseguiremos impresionar en la película o sensor la imagen
exterior de la cámara. A ese tiempo le llamaremos "tiempo de exposición".
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Podemos "graduar" la cantidad de luz que entra en nuestra cámara con un
dispositivo adosado al objetivo que se abre manual o automáticamente como el
iris de nuestro ojo. Este dispositivo es el "diafragma".
Los tres elementos: estos son los 3 elementos que conjugaremos para hacer
nuestras fotos. La distancia focal, el diafragma (abertura de luz), el
obturador (velocidad de disparo). La cámara trabaja de manera parecida al ojo
humano, pero con más lentes que el ojo.
.
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Simulación de aberturas de diafragma con números f
CONCEPTO DE DISTANCIA FOCAL
Podríamos dar como definición de “distancia focal” como la distancia entre el
centro óptico de la lente y el foco, donde se reúnen los rayos de luz cuando el
objetivo está enfocado a infinito.
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FORMACIÓN DE LA IMAGEN.-
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INTERIOR DE UNA CÁMARA FOTOGRÁFICA (con
película o con sensor).
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LA PROFUNDIDAD DE CAMPO.
La profundidad de campo se puede definir como aquella distancia en la que
aparecen nítidos los elementos de la imagen , y va desde un primer punto
nítido hasta el último punto nítido de la escena, imagen o fotografía. Al enfocar
un punto siempre existirá una zona por delante y por detrás que estará nítida,
esa zona es la profundidad de campo.
Depende de tres parámetros:
El diafragma.
La distancia focal.
La distancia del la cámara a la escena.
APERTURA DE DIAFRAGMA
A mayor apertura de
diafragma menor profundidad
de campo.
Como se ve en la imagen, la
foto hecha a f/2.8 (mayor
apertura de diafragma) tiene
una profundidad de campo
menor. Igualmente, vemos
que la foto hecha a f/22
(menor apertura de diafragma)
tiene una profundidad de
campo mayor.
DISTANCIA FOCAL
A mayor distancia focal (más
zoom) menor profundidad de
campo.
Como se ve en la imagen, la
foto hecha con un zoom de 35
mm tiene una profundidad de
campo mayor que la foto
hecha con un zoom de 100
mm.
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DISTANCIA
ENTRE
EL
SUJETO Y LA CÁMARA
Cuanto menor es la distancia
al sujeto que se enfoca menor
es la profundidad de campo.
Como se ve en la imagen, la
foto hecha a 1.5 metros del
sujeto tiene una profundidad
de campo menor que la foto
hecha a 4.5 metros.
La siguiente prueba ha sido realizada con una distancia focal normal, un
objetivo de 50 mm en una cámara de formato universal.
El diafragma utilizado para este caso
ha sido de f/1.4
Obsérvese que la pila donde se ha
realizado el foco es la única
perfectamente definida.
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En esta situación el diafragma se ha
cambiado a f/5,6.
Como podemos apreciar, la situación
del foco ha cambiado
sustancialmente y podemos ver como
la regla de la profundidad de campo
se va cumpliendo a medida que
cerramos el diafragma.
El diafragma utilizado en este último
caso es de f/22.
En esta imagen ya podemos ver muy
claramente como casi todas las pilas
están en foco debido a la utilización de
un diafragma totalmente cerrado para
esta lente.
En el siguiente diagrama
podemos ver como se
distribuyeron los elementos,
cual era la posición de la
cámara y la situación de la
iluminación.
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Estos ejemplos de los coches o de las pilas es otra muestra de como uno de
los tres factores influyen en la profundidad de campo, en este caso con solo
variar el diafragma.
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Otro ejemplo de los factores de la profundidad de campo.
La sensación de profundidad.
Otro aspecto directamente relacionado con la distancia focal es la sensación
de profundidad. En vez de intentar definirlo, veamos un par de fotos que
serían los ‘extremos’ de una misma situación. Para ello hemos colocado 9
coches de acuerdo al siguiente gráfico (en relación a un sensor de 24x36 mm):
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Esta foto está hecha desde unos 6 m de distancia usando un teleobjetivo de
300 mm. Fijaros en que los coches parece que están pegados entre sí. La
fotografía NO tiene SENSACIÓN de profundidad. El gancho para suspender el
tablero, que se ve tras el Ferrari azul, está a unos 220 cm del coche ya que
está al otro lado del tablero, y parece que está ahí mismo.....
Cambiamos el objetivo y montamos un gran angular de 28 mm. Evidentemente
acercamos la cámara lo más que podemos al primero de los coches. Fijaros en
la profundidad que tiene esta fotografía. Parece que el Cupra esté más lejos de
lo que realmente está. Fijaros en el gancho que hacíamos referencia antes.
Algunos conceptos relacionados:
- A medida que aumenta la distancia focal de un objetivo la distancia mínima de
enfoque aumenta. Por ejemplo, la distancia mínima de enfoque de un objetivo
de 28mm es de 25 cm. Para uno de 50mm serían 45 cm. Para un teleobjetivo
corto de 85 mm serían 85 cm. Para un teleobjetivo de 300mm el objeto no
podría estar más cerca de 3 metros….
- No hacer nunca un primer plano de una persona con un gran angular, pues
deformaría sus facciones.
- Para retratos, lo ideal es un 50mm, pero hay que trabajar demasiado cerca
del sujeto. Por ello suelen usarse objetivos de longitud focal, (teleobjetivos)
entre 85 y 105 mm o más.
- Es corriente encontrar ópticas de igual distancia focal de la misma marca pero
con diferencias sustanciales en tamaño y precio. Para ello hay que fijarse en
los ‘números’, ya que un objetivo y/o cámara se define por su distancia focal y
abertura de diafragma máxima. Por ejemplo:
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Un objetivo 80-200mm f/4,5-5.6 significa que es un zoom cuya distancia focal
varía de 80 a 200mm. La abertura máxima con la focal de 80mm es de 4,5. Si
usamos la focal máxima ( 200 mm ) el mayor diafragma permitido es 5,6.
Un 80-200mm f/2,8 significa que dicho objetivo nos permitirá una abertura
máxima de 2,8 en todo el rango de focales.
- Jugar con las diferentes focales acercándonos o separándonos del motivo a
fotografiar en función del efecto que pretendamos conseguir.
Este dibujo y las siguientes dos fotografías de edificios ilustran lo que ocurre
con objetivos extremos de poca distancia focal, es decir, grandes angulares.
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Estas son típicas fotografías que se realizan con teleobjetivos, observad como
no hay sensación de profundidad.
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MORFOLOGÍA Y COMPOSICIÓN EN IMAGEN.•
EL PUNTO: Cuando hablamos de punto nos referimos a que podría ser una
persona un objeto o una parte de ellos, etc, según la imagen de la que estemos
tratando.
El Punto es el elemento visual más simple, lo podemos ver desde dos puntos de
vista plásticamente, como tensional o como grano o ruido.
Cuanto más grano /ruido ___ más tendemos hacia la artificialidad, la no realidad o
lejanía con respecto a esta, y nos acercaremos a una textura más pictórica y por tanto
cada vez más abstracta.
En cuanto a creación compositiva sabemos que puede crear centros de interés o focos de
atención, así como puntos de fuga, implicado por tanto en la creación de mayor o menor
dinamismo.
La posición que ocupa un punto en la imagen puede crear tensiones visuales, ese
dinamismo está relacionado con el “peso visual”. Los puntos con mayor tamaño
imprimen mayor peso visual; los puntos situados en la mitad inferior de una imagen
también tienen mayor peso visual. (Fig. 1,2 y 3)
fig.1
fig.2
fig.3
El punto con color oscuro tiene mayor peso visual que con color claro.
(Fig. 4 y5)
fig. 4
fig.5
El punto situado a la derecha de la imagen tiene mayor peso visual que los
situados a la izquierda. (Fig. 6 y 7)
fig. 6
fig.7
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Todas estas relaciones se pueden combinar entre sí y equilibrarse. (fig. 8)
fig. 8
Además todo esto se traduce en unos efectos psicológicos sobre el receptor de la
imagen, así:
El punto en el centro transmite estaticidad y
equilibrio.
Un punto que no se encuentra ni en un ángulo de
una diagonal , ni en el centro es dinamizador y
produce perturbación ( ansiamos recolocarlo)
Si coincide con los ejes diagonales (cualquiera de
los cuatro ejes), posee gran fuerza dinamizadora
(transmite movilidad a la imagen, o al esfuerzo que
tiene que hacer quien contemple la imagen)
Cuando hay más de un punto se crean vectores de dirección (por ejemplo con dos), y si
hay más de dos comenzamos a crear formas (porque visualmente los enlazamos,
primero surge el triangulo con tres puntos, con cuatro el cuadrado imaginario, y así
hasta complicarse casi indefinidamente).
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LA LINEA: se define como una sucesión de puntos, transmite energía hacia una
determinada dirección y movimiento (dinamiza la obra).
A) Permite separar planos, formas y objetos. La línea del contorno es la
que permite distinguir una figura del fondo.
B) Dota de volumen a los sujetos u objetos.
C) Si coincide con los ejes diagonales su capacidad dinamizadora es todavía
más evidente.
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Efectos psicológicos:
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HORIZONTAL: estaticidad, equilibrio.Se podía usar en una determinada
pintura para separar lo terrenal de lo celestial.
VERTICAL: fuerza, en pintura se relacionaba en un principio con lo celestial
porque apunta al cielo.
OBLICUAS: aportan dinamismo, movilidad, tensionan.
CURVAS: entregan aun más dinamismo y en direcciones variables.
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RELACIÓN DEL PLANO CON EL ESPACIO:
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Al hablar de plano lo hacemos no solo desde el punto de vista de que estamos ante una
superficie generalmente plana y por tanto bidimensional, un plano delimitado en forma de
un campo (que es donde aparece la imagen), generalmente cuadrado más o menos alargado
delimitado por líneas, sino que hablamos también de la posibilidad de crear múltiples
planos en ese plano, ¿Cómo? , pues compartimentando o fragmentando con los recursos
que se nos ocurran.
De este modo lo que hacemos es crear un nuevo espacio plástico en la imagen.
Con esta interacción plano-espacio lo que hacemos es crear la 3ª dimensión, además de
dividir el plano, no solo frontalmente, sino hacia detrás o hacia delante tantas veces como
queramos.
Esta percepción de varios planos viene dada por la superposición de figuras en el espacioencuadre (campo de la imagen).
La construcción espacial está ligada con el fenómeno o relación figura-fondo.
El punto, la textura, la línea, el color, la nitidez, las formas,… son características que nos
ayudan a realizar esa fragmentación.
Tenemos también que ser capaces de captar el sobreencuadre en una imagen, puede ser
realizado de un modo obvio o sutilmente con elementos que contenga la obra.
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ESCALA Y POSICION:
Es un parámetro cuantitativo (medible). Se refiere al tamaño de la figura en la imagen
(PPP, PM, P ¾, PG,…)
Más cercano = más emotivo, menos descriptivo con el espacio. Más identificación puede
ocasionar con el espectador.
Más lejano= más distanciamiento psicológico respecto a personas generará
ESCALA DE PLANOS (y sus recursos expresivos)
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Gran Plano General: la proporción de la figura de la persona es muy pequeña
con respecto al espacio. Lo que importa es el escenario. Se potencia el espacio
exterior frente a la persona. Como recurso expresivo potencia la sensación de
soledad , subordinación ante el espacio , pequeñez , abandono . . .
Plano General: el sujeto ocupa aproximadamente una cuarta parte de la altura del
cuadro. Se reconoce al sujeto, se transmite una sensación de equilibrio y relación
del individuo y el espacio que lo rodea.
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Plano General Corto: caben varios personajes, pero ya se le pueden distinguir
algunos rasgos y expresiones.
Plano Entero o General de un individuo : los extremos de la figura humana
coinciden con los límites superior e inferior del encuadre del plano.Relaciona al
personaje con el espacio, con su vestuario ( que lo caracteriza), su compostura,
acción , situación corporal , . . .
Plano Americano o plano ¾ o plano medio largo: Se corta a mitad del muslo,
por encima de la rodilla. Equilibra el protagonismo de los gestos y el
movimiento de los personajes, sabemos cómo están en el espacio y apreciamos
también algunos rasgos psicológicos.
Plano Medio: corta al sujeto por la cintura. Se aprecia más la expresión de la
cara, es apropiado para mostrar acciones de personajes estáticos.
Plano Medio Corto: corta al sujeto por el pecho. Potencia más la expresión,
relaciona el movimiento de la cabeza con la acción y la expresión del rostro.
Primer Plano: solo deja ver la cabeza del sujeto. Expresa la intimidad del
personaje u objeto, acentúa la dramatización, los pensamientos, sentimientos y
emociones.
Gran Primer Plano: corta por la frente y la barbilla. Acentúa la expresión del
rostro, la boca, nariz, ojos, la mayor potencia de la mirada y la boca.
Plano Detalle: concreta una determinada parte del sujeto o del objeto,
individualiza e informa pormenorizadamente de algo concreto.
Nota: los espacios pueden caracterizar los rasgos de los personajes.
POSICIÓN DE LA CÁMARA (y recursos expresivos)
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Angulo normal o frontal: Es el que más se acerca a la visión objetiva de la
realidad. Nos concentra en la acción de un modo directo y real.
Angulo Picado: La cámara de sitúa con una angulación por encima de la
escena.Transmite inferioridad, fragilidad, pequeñez,. . .
Angulo Contrapicado: Al contrario que el picado. Miramos desde abajo.
Transmite potencia, seguridad , altivez, triunfo , vanidad, egocentrismo, . . .
Ángulos aberrantes (ángulos inclinados): la línea del horizonte se inclina y
desnivela intencionadamente. Produce tensión visual, inestabilidad, irritabilidad,
atracción y rechazo visual asociados (simultáneos), sensación de movimiento.Si
lo combinamos con el picado o el contrapicado produce mayor tensión y no
semejanza a como vemos en la realidad.
Plano Cenital : Desde arriba nos muestra el personaje situado en el espacio
potenciando la sensación de gravedad , el movimiento ( si lo hay) , la soledad ,
Plano Nadir: Desde debajo del personaje/s u objeto/s. Nos informa de elementos
que desde una visión realista no podríamos ver.No es realista.
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FORMA:
Es la responsable de la identidad visual de los objetos.
El triangulo, el cuadrado y el círculo son las formas más elementales y básicas de cuantas
nos podamos encontrar.
La percepción humana tiende a la ley del mínimo esfuerzo(tendemos a simplificar al
máximo) y por tanto a buscar equilibrios y a simplificar lo máximo cuando vemos una
imagen , si no podemos simplificar puede generarse el rechazo hacia lo que vemos ,
porque es excesivamente complejo para nosotros o no entra dentro de nuestro
aprendizaje cultural-emocional.
Por esto el receptor tiende a organizar estructuralmente la composición interna del
encuadre a través del reconocimiento de estas formas más simples.
El contraste, el color, la línea,… nos permiten discriminar y organizar los elementos y el
fondo perceptivo, otros recursos son la proyección (perspectiva) y la superposición o
solapamiento.
Cuando el encuadre presenta gran complejidad de formas o aberrantes se tiende a percibir
la imagen como carente de organización interna , “ruido informativo” , esto a veces puede
provocar interés.
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TEXTURA:
Me refiero a la sensación óptico-táctil , de que una imagen puede tocarse y percibirse por el
sentido del tacto.
Se relaciona también con el ISO o el manipulado posterior que pensemos haya tenido la
imagen
Es un elemento clave para la construcción de superficies y plano (Villafañe)
Sirve también para crear profundidad en la imagen(Arnheim).
La calidad, dirección y tipo de iluminación también es un elemento fundamental para
resaltar la textura.
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NITIDEZ:
La nitidez o la borrosidad son recursos objetivables e identificables fácilmente . Se
relaciona también con el grano el enfoque y la velocidad de obturación.
El efecto “flou” nos conecta con lo romántico y lo onírico(el mundo de los sueños).La
nitidez o borrosidad según se utilice puede dotar a la imagen de un tono pictorialista.
Por otro lado a más borrosidad menos verosimilitud y por tanto más lejanía con respecto a
la imagen nos parecerá que tiene una obra visual.
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ILUMINACIÓN:
La luz es el elemento más importante con el que se crea la imagen. Debemos interpretar su
efecto psicológico según su calidad y su dirección.
Calidad: natural,dura,artificial,suave,clave alta,clave baja, clásica o modernista,…
Dirección: cenital,picada,lateral,contraluz,…
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Por ejemplo una combinación de luz dura-cenital nos conectaría con lo que para la mayoría
de receptores seria una sensación de desconcierto, desaliento, terror, intriga,…
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CONTRASTE:
Es aplicable tanto para una imagen de blanco y negro como de color.
Nos referimos a la gama tonal de grises de una imagen.
Una amplia gama de grises es una opción que nos acerca a una percepción más realista en
la representación
El color puede definir un estilo fotográfico como el caso de Pete Turner o Ernst Haas.
Otra característica en este caso en cuanto al color es que parece que los colores enfrentados
tal y como están en la estrella cromática , es decir los emparejamientos de los colores
siguientes potencian el contraste :
Azul con Amarillo
Rojo con Cian
Verde con Magenta
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TONALIDAD- BLANCO Y NEGRO – COLOR
Hay unos parámetros que son objetivos:
Tono o matiz: nombre del color
Saturación : pureza del color (más o menos cantidad de negro o de blanco)
Brillo: Luminosidad. Si hay menos brillo nos vamos para el gris.
La imagen en B/N se considera que aporta gran expresividad.
Los colores fríos(azul, verde,…) producen alejamiento en el espectador
Los colores en orden desde el más brillante al menos brillante son los siguientes :
Amarillo(el más brillante), cian,magenta,verde,rojo,azul
Los colores pueden utilizarse para espectacularizar (estimular sensorialmente) o todo lo
contrario,
También para efectuar una representación plana, dotar o no de dinamismo a la composición
,crear sensación de profundidad, destacar unos elemento sobre otros, …
•
TEXTOS o GRÁFICOS:
Una fotografía también puede contener un concepto textual expresado mediante lenguaje
abstracto convencionalmente acordado(como letras,números,notas musicales ,…) , estos
textos o gráficos pueden ampliar o restringir el contenido del mensaje de la obra que
estemos tratando, no seria lo mismo una imagen por si sola que acompañada de una palabra
o un símbolo, en este caso entra en juego las capacidades de relación del creador y del
receptor de la imagen ,así como el campo de conocimientos adquiridos por ambos actores
de la comunicación
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• PERSPECTIVA:
Las formas rectangulares por ejemplo son percibidas como oblicuas , puesto que al seguir
los gradientes de tamaño se van ubicando en las líneas de fuga de la perspectiva
representada. La perspectiva por tanto conlleva una deformación objetual o de los objetos.
La diferente ordenación volumétrica de los objetos puede dar la sensación de crear
perspectiva.
Si un autor pretende crear la 3ª dimensión , no una imagen plana, nos acerca a una visión
más realista de su obra.
Por ejemplo nos podemos apoyar en el uso de un gran angular para potenciar esa sensación
de perspectiva.
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RITMO:
Es un elemento dinámico.
Para definir el ritmo debemos conocer dos nociones:
1º - Periodicidad: repetición de elementos o grupos de elementos.
2º - Estructuración: modo o forma en que se organizan esas estructuras o elementos en la
composición.
Igual que en una melodía los silencios son importantes , los espacios vacíos lo son en la
existencia de una estructura rítmica.
Así un autor que use ritmo en su obra nos adentra en un orden premeditado que habría que
interpretar psicológicamente, por qué lo realiza y que efectos tiene en nosotros.
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TENSIÓN:
Es también un elemento dinámico, como se crea:
Las formas básicas como el triangulo, el cuadrado y el círculo son
menos dinámicas que las formas irregulares , por tanto crean menos
tensión , dentro de esas tres , el triángulo es el que más tensión posee.
Las líneas pueden causar tensión , en el barrido , mucho más.
Las orientaciones en perspectiva u oblicuas generan más tensión.
También las diferencias de textura, nitidez o planos de una imagen.
Contraluces o contraste cromático son también responsables de
tensión compositiva.
Desproporcionar algo(como en una hipérbole) también genera
ansiedad y tensión.
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PROPORCIÓN:
Nos referimos el hecho de buscar un equilibrio en la composición , compensando y
equilibrando las fuerzas de la imagen al añadir o quitar formas colores o luces.
Las representaciones verticales u horizontales se apoyan a menudo en la proporcionalidad
que se produce entre las dimensiones y forma del motivo el propio marco fotográfico.
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DISTRIBUCIÓN DE PESOS:
Algunos de los factores que determinan la distribución de pesos son:
• La ubicación centrada contribuye a hacer más centrada la composición.
• Un elemento tiene más peso cuanto más a la derecha superior del encuadre esté
• El mayor tamaño es determinante a la hora de ganar peso.
• Un elemento visual grande puede ser compensado compositivamente por la
presencia de
una serie de elementos visuales más pequeños.
• Los elementos situados en perspectiva van incrementando su peso visual
dependiendo de su nitidez.
• El aislamiento de un elemento respecto a otros también potencia su peso.
• La textura también aporta mayor peso.
• La nitidez , el contorno, la forma y el color también utilizarse para distribuir o
concentrar los pesos.
•
LEY DE LOS TERCIOS:
Surge al dividir el encuadre en nueve partes , con dos líneas horizontales y dos verticales
equidistantes , se considera que los cuatro puntos de intersección de esas líneas son los de
mayor fuerza para colocar elementos , si es esto lo que se quiere conseguir.Procede de la
denominada sección Áurea de Euclides.
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