Actualidad » Home Personajes » Producción » Academia Reportes » Industria » Nosotros » Publicidad » ¡Suscríbete! Música para videojuegos: cinco compositores clave Música para videojuegos: cinco compositores clave Posted By Jhonatan Gonzalez on nov 23, 2012 | En los últimos 20 años musicalizar un videojuego se ha vuelto una tarea similar a la de hacer la banda sonora para una película. Sin embargo en Japón, desde principios de los años ochenta con la salida de la famosa consola Famicom (NES en América), se desató una nueva ola musical por el que ahora es un género identificado Recibe nuestros boletínes como la “música chiptune”, es decir aquella hecha con microprocesadores. En la primera etapa de sonorización de los videojuegos la tarea era muy complicada. Históricamente los primeros Archivos en musicalizarlos fueron los propios desarrolladores quienes, apoyándose en trasladar las notas musicales de obras como la suite del “Lago de los Cisnes” de Tchaikovsky, creaban “simples” líneas de programación -mas bien nada sencillas pues éstas eran sumamente complejas-, lo que se llamó “lenguaje ensamblador” y que se refería a los códigos con los que la consola reconocía e interpretaba los referidos a escalas, volúmenes y tiempos en los que se interpretaban los tono, según el procesador sonoro de cada consola. Con el tiempo las necesidades de los desarrolladores y el avance de la tecnología, demandó mayor calidad para la producción musical y los ingenieros tuvieron que acudir a profesionales para lograr la meta de crear composiciones más “realistas”; una banda sonora que ya no dependiera de obras existentes. A continuación hablaremos de esa quinteta de compositores para música de videojuegos más destacada, pioneros que han forjado una corriente musical que, en lugares como Japón, ha dado cabida a un nicho de músicos profesionales dedicado a la producción de bandas sonoras para la fascinación gamer. Koji Kondo Aunque todavía detrás de él hay una pequeña lista de músicos avocados a sonorizar videojuegos, Kondo es el primer músico profesional contratado por la compañía Nintendo en 1982 para componer la música de lo que sería en aquel entonces su más reciente consola de videojuegos, la NES. Kondo se vio sorprendido ya que la forma de componer música para él fue diferente pues tenía su capacidad compositiva limitada a cuatro canales de audio y el lenguaje ensamblador para hacer lo que actualmente se identifica como el tema principal del videojuego Super Mario Bros y Legend of Zelda (por cierto, este último juego acaba de cumplir sus 25 años de existencia y tuvo entre los festejos un concierto de música sinfónica interpretado por la Orquesta Filarmónica de Tokyo). Lo destacado dentro del estilo de composición de Koji Kondo es que, aún con las limitantes tecnológicas de la época, pudo componer temas de corta duración que, según la estadísticas, son reconocidos por dos terceras partes de la población mundial. Sugiyama Kouchi Kouchi destaca por ser uno de los compositores con más experiencia en arreglos orquestales para bandas sonoras de animaciones y películas, experiencia previa a su incursión en la musicalización de videojuegos. Sin embargo, esto le sirvió para concebir ésta como algo más allá de simple música para computadoras; su obra más destacada hasta la fecha es la composición para Dragon Quest y, en sus propias palabras, varias veces ha mencionado que la música para este videojuego está inspirada en envolver al jugador en el mundo fantástico que está descrito desde el título del videojuego. Archivos Elegir mes que está descrito desde el título del videojuego. Gracias al éxito que tuvo este videojuego, Kouchi Sugiyama fue el primer músico japonés en grabar la banda sonora de un videojuego con una orquesta sinfónica. Para ello viajó hasta Inglaterra y en 1991 registró con la Orquesta Sinfónica de Londres la banda sonora de la cuarta parte de este videojuego. A Kouchi Sugiyama también se le atribuye ser uno de los impulsores del género de la orquestación de videojuegos pues de 1991 a 1995 ayudó a organizar una serie de conciertos titulados Orchestral Game Concerts, eventos anuales que adaptaban los temas de videojuegos más famosos de esos años en la interpretación de la Orquesta Filarmónica de Tokyo. Kanno Yoko Afamada en Japón por su amplia gama de estilos de composición, Kanno ha aprovechado dicha versatilidad para hacer la musicalización de videojuegos historícos japoneses a principios de los años noventa. Destaca por ser una de las compositoras que graban con orquestas de renombre internacional, como la Sinfónica de Varsovia y la de Israel, fusionando dos estilos musicales al usar instrumentos tradicionales nipones y mezclarlos con los sonidos de la orquesta occidental, amén de crear en algunos de sus temas atmósferas con sintetizadores que no rompen con la sutileza de los arreglos orquestales. Su serie de musicalización más famosa son los primeros cuatro títulos del videojuego Nobunaga´s Ambition -de la marca KOEI Software-, lo que dio paso a que en 1994, con la salida de la PlayStation de Sony, ocurriera la transición de una nueva era en la capacidad de apreciar la música para los videojuegos pues dicha consola podía reproducir la música en calidad de CD, lo que mejoró el disfrute de la banda sonora en su totalidad. Este material se consigue aún en disco, y se titula KOEI Game Music Works Kanno Yoko Collections. Nobuo Uematsu Considerado por muchos, el más importante compositor de música de videojuegos, es autor de lo que los jóvenes japoneses autodenominan “el segundo himno nacional de Japón”. De Nobuo es la banda sonora de la mayoría de los títulos de videojuego Final Fantasy y, después de Kouchi Sugiyama, es uno de los precursores en la organización y preservación de la adaptación orquestal y grupal de los videojuegos de todas las épocas, enfatizando el valor de componer la música de videojuegos en formato 8bit y así resaltar el trabajo de los primeros compositores versus sus limitantes tecnológicas. De sus trabajos más notables podemos nombrar el CD DVD del tour VOICES Music From Final Fantasy, que produce junto con el director de orquesta estadounidense, Arnie Roth. En éste fusionan desde un aria operática hasta los ritmos del metal y la orquesta coral de manera impactante. Jeremy Soule En occidente, este músico compositor destaca por ser uno de los primeros de dicha región en trabajar para la firma japonesa Square. Hoy Jeremy es considerado por algunos críticos como “El John Williams de los videojuegos” y la razón es que por su estilo compositivo, obligó a escuchar la banda sonora de los videojuegos en esta porción del mundo, ya que en los años noventa la industria del videojuego occidental se enfocaba a musicalizar éstos con rítmicas modernas muy estridentes para causar un mayor impacto emocional. Jeremy rompe el patrón y sus composiciones no destacan por la estridencia de fuertes tambores o guitarras, sino por redobles y rítmicas orquestales dinámicas que como si uno estuviera escuchando algún soundtrack del Señor de los Anillos, estremecen al escucha. Lo más sorprendente de su trabajo es que el equipo que convoca para sus grabaciones es completamente digital, emulando con una calidad sorprendente a la orquesta; es creador de sus propios filtros y software de emulación sonora, logrando un sonido muy peculiar que muchos consideran una nueva gama de sonidos, dotándole de un sello propio. Su trabajo más sobresaliente (y que le mereció un premio BAFTA (Best Score of Video Game Music), fue el hecho para el videojuego Harry Potter, el prisionero de Azkaban; también hay que mencionar The Elder Scrolls IV Oblivon. Author: Jhonatan Gonzalez Share This Post On Nuestra empresa
