La guía del Profesor
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La guía del Profesor “Leo y el Arte” es un proyecto educativo cuyo objetivo es fomentar el aprendizaje a través del entretenimiento. Esta guía del profesor contiene información sobre los temas que se tratan en la película, desde el arte prehistórico, sus orígenes, temas, técnicas utilizadas, pasando por el gran Leonardo da Vinci y sus inventos, la magia del cielo vista por un artista como Van Gogh y la relación que tienen, han tenido y tendrán Arte y Ciencia a lo largo de la historia. “Leo y el Arte” además cuenta con una particularidad frente a otras películas educativas a las que los niños puedan asistir y es que sus protagonistas son títeres. En esta guía intentaremos dar la suficiente información sobre la historia de los títeres, sus tipos y técnicas, para acercar al niño a este fascinante y poco conocido mundo. De cualquier manera, esta información puede servir a cualquiera que esté interesado en estos temas, además de para se usado por los profesores antes o después del visionado de “Leo y el Arte”. La guía del Profesor “Leo y el Arte” Leo es un niño del siglo XXI al que le encanta pasarse las horas encerrado en su habitación con sus juguetes, sobre todo con sus naves espaciales, fantaseando con ser astronauta y viajar, como sus ídolos, a la luna. Nunca pensó que algo que para él era tan aburrido como el arte, pudiera convertirse en una increíble aventura que le llevará desde los gigantes bisontes de las cuevas de Altamira, pasando por el genio científico de Leonardo hasta poder reconocer las estrellas en un cielo pintado por Van Gogh. En este vertiginoso viaje a través de la historia del arte, tendrá que enfrentarse a Nubarrón, la terrible sombra de un faraón egipcio que quiere hacer desaparecer todas la obras de arte del mundo..., si él no lo impide... Arte y Ciencia En “Leo y el Arte” hemos querido investigar en un tema tan apasionante como es la relación entre la Ciencia y el Arte. Ambas disciplinas no están reñidas y siempre han mantenido una relación más o menos cercana dependiendo de la época. Cuando pensamos en ciencia, inmediatamente la asociamos con investigación y cuando decimos “creatividad” pensamos que es una capacidad que sólo se atribuye al artista. En realidad, tanto el científico como artista investigan con el fin de ampliar conocimientos que ayuden a avanzar a la humanidad. La acumulación de estos conocimientos da como resultado la cultura. No importa que estas investigaciones se hagan con fines prácticos o para mejorar la forma de expresarnos. El objetivo final es aportar a la cultura. Aunque no lo parezca, científicos y artistas tienen muchas características en común. El artista investiga (igual que el científico), explora nuevos conocimientos con los que comunicarse con los demás, nuevas fórmulas que le ayudarán a compartir sentimientos. Los científicos, al contrario de lo que se cree, también son creativos. También ellos crean algo nuevo donde antes no había nada. Necesitan la creatividad para llegar a resolver los problemas que se plantean. Artistas y Científicos deben poseer ciertas cualidades: curiosidad, crítica, constancia y amor por lo que hacen. Desde el comienzo de la historia, arte y ciencia han estado unidas, ambas tratando de explicar una realidad en la prehistoria, o cómo matemáticas y arquitectura han estado unidas desde la época de stonehenge o los faraones; en el Renacimiento, los científicos eran artistas, inventores, que investigaban para el desarrollo de ambos campos. En los bestiarios medievales, por ejemplo, se integran los aspectos estéticos y los zoológicos y naturalistas. De igual manera que el entrenamiento en las artes pictóricas ayudó a un hombre como Galileo a interpretar las sombras de la luna como relieve. Esta interpretación, que hoy nos parece obvia, no lo era en su tiempo, cuando las técnicas pictóricas que producen sensación de relieve mediante sombras se estaban desarrollando. (foto lunas de galileo). Además, el arte siempre se ha valido de las investigaciones científicas para mejorar en sus técnicas, como los diferentes tipos de materiales, pinturas, herramientas, etc. Actualmente, el desarrollo de nuevas tecnologías acerca más aún las dos disciplinas y tanto los artistas como los científicos necesitan recurrir a la imaginación y su trabajo consiste en explorar una realidad que no conocen completamente. A lo que ambos aspiran es a ofrecer algún tipo de explicación sobre el mundo. Ilustración elaborada por Galileo Galilei (1564-1642) sobre las fases lunares. La guía del Profesor Detalle de Leo Fotografía de Leo y El Arte “Aunque no lo parezca, científicos y artistas tienen muchas características en común.” La guía del Profesor El Origen Se podría decir que la raíz ancestral común entre la ciencia y el arte es la magia. La magia como forma arcaica de explicación de la realidad. Estas manifestaciones las encontramos hace más de 40.000 años, a finales del período llamado Paleolítico, cuando el hombre todavía era nómada, vivía sobre todo de la caza o de la pesca y se refugiaba en cuevas, muchas de las cuales se han descubierto en España y el sudoeste de Francia. Allí es donde se formaron las primeras comunidades humanas y donde el hombre comenzó a pintar y esculpir. Una de estas cuevas, que pertenece a la escuela Francocantábrica, es la cueva de Altamira. Situada en el municipio de Santillana del Mar, a unos 30km al oeste de Santander (en el norte de España), la cueva de Altamira es un hito cultural de la Historia de la Humanidad. Su descubrimiento fue realizado por casualidad en 1868 por Modesto Cubillas mientras cazaba con su perro. Este aparcero le comunicó el hallazgo a Don Marcelino Sanz de Santuola, para quien trabajaba, quien poco después publicaría un artículo titulado “Breves apuntes sobre algunos objetos prehistóricos de la provincia de Santander”, donde defendía que se trataban de escenas prehistóricas, aunque durante un tiempo se puso en duda. La cueva de Altamira estuvo habitada por grupos de cazadores-recolectores entre hace 36.000 y 13.000 años, durante el Paleolítico superior. Instalaron periódicamente sus campamentos en la entrada de esta cueva, elegida probablemente por sus buenas condiciones de habitabilidad y por su ubicación estratégica. La cueva se encontraba en un área con abundantes recursos naturales, próxima a la llanura del litoral y a la costa y también cerca de ríos con abundante pesca. Lo que diferencia a Altamira de otras cuevas es la calidad de las pinturas y los grabados y que reúne todos los temas de la época, empleando todas las técnicas. Desde 1985 la cueva de Altamira se encuentra inscrita en la lista de patrimonio Mundial de la UNESCO. Detalle de Leo Fotografía de Leo y El Arte La guía del Profesor Detalle Pintura de Altamira Las Pinturas del techo de los Policromos La cueva es relativamente pequeña, unos 270m de longitud. Actualmente se definen varias zonas: vestíbulo, “gran sala de los polícromos”, “sala de la hoya”, “cola de caballo”... La gran sala de los polícromos se ha llegado a considerar como “la capilla Sixtina del arte cuaternario” y consiste fundamentalmente en una gran manada de bisontes, junto a los cuales aparecen dos caballos, una gran cierva, tal vez un jabalí y una serie de signos llamados “claviformes” de dudosa interpretación. Los bisontes aparecen en diversas actitudes: de pie, tumbados, lamiendose, en movimiento... aportando al conjunto una gran naturalidad. La técnica combina el grabado, con el que se definen los contornos y algunos detalles de la figura, y la pintura. A pesar de su nombre, los bisontes “polícromos” de Altamira han sido realizados únicamente con dos pigmentos: negro (carbón vegetal) y rojo (óxidos de hierro como ocre o hematíes), pero el tratamiento posterior de las figuras, raspando o diluyendo algunas zonas para conseguir efectos de claroscuro, produce la sensación de una variedad mucho mayor. Los pigmentos se aplicaron con los dedos, con alguna especie de pincel construido con pelo animal e incluso con cañas huecas con las que soplaban la pintura a modo de aerógrafo. Por último, para intensificar la sensación de volumen, en ocasiones se tenían en cuenta las irregularidades originales de la roca, los salientes y las hendiduras originales en el diseño de la pintura. En la actualidad, el acceso a las cuevas de Altamira ha sido drásticamente limitado para evitar la degeneración de las pinturas, aunque se puede visitar el museo donde La guía del Profesor Renacimiento • Creación de obras cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente. Se denominó Renacimiento al movimiento cultural que surge en Europa en los siglos XIV y XV, aunque su apogeo es el el siglo XVI, caracterizado por un renovado interés por el pasado grecorromano clásico y especialmente por su arte. • Es narrativo: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia. Ciencia y Arte van de la mano Se origina en las ciudades del centro y norte de Italia, como Florencia, Milán y Venecia, ya que con su riqueza pudieron financiar los logros culturales. De Italia se extenderá lentamente hacia Europa excepto Rusia. En lineas generales, el Renacimiento se caracteriza por: • Una imitación de la arquitectura y la escultura de la Antigüedad. • Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón. • Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo. • Es realista: las figuras humanas o de animales y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado. • El cuadro se representa con la perspectiva geométrica y de ilusión de profundidad. • Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente. La guía del Profesor Leonardo Da Vinci Ingeniero Militar, Dibujante, Inventor, Anatomista, Escultor y Pintor Leonardo Da Vinci nació el 15 de Abril de 1452 en Vinci, Italia. Nacido fuera del matrimonio, el amado hijo de un respetado notario y una joven campesina, fue criado por su padre, Ser Piero y su madrastra. A los 14 años, da Vinci comienza su aprendizaje con el artista Verrocchino. Durante seis años, aprendió una gran amplitud de habilidades técnicas, incluido el trabajo con metal, con cuero, carpintería, dibujo y escultura. Con 20 años, fue nombrado artista maestro en el gremio de San Luke y estableció su propio taller. En 1482, Lorenzo de Medici, encargó a Da Vinci una lira de plata como regalo para el Duque de Milán en un gesto de paz. Además, Da vinci le escribió una carta hablándole de que su talento como artista e ingeniero podrían ser de gran ayuda a su reino, de manera que de 1482 a 1499 a Da vinci le encargaron varios grandes proyectos. Durante esta época pinto “La última cena” Pero uno de los trabajos más conocidos y famosos mundialmente es “Mona Lisa” y fue un encargo particular que completó entre los años 1505 y 1507. Este es un cuadro que ha dado mucho de que hablar; se ha dicho que Mona Lisa tenía icteria (enfermedad que produce coloración amarillenta en la piel), que estaba embarazada e incluso se ha llegado a decir que era un hombre vestido de mujer... pero parece ser que “Mona Lisa” es el retrato de Lisa Gioconda, la mujer de un mercader, aunque nunca fue entregado. Leonardo lo mantuvo hasta el final de su vida y nunca lo dio por terminado, porque para él era un intento de llegar a la perfección. Después de haber sido robado en 1911 y recuperado, se encuentra en el museo del Louvre protegido por un cristal antibalas y esta considerado un tesoro nacional de valor incalculable. Hombre del Renacimiento Da vinci ha sido llamado genio y hombre del Renacimiento. Podría decirse que su talento va más allá de sus trabajos artísticos. Como hombre del Renacimiento, no veía división alguna entre Ciencia y Arte. Sus observaciones e inventos fueron registrados en 13.000 páginas de notas y dibujos, incluso diseños de máquinas voladoras (400 años antes del primer vuelo), estudios sobre plantas, máquinas de guerra, anatomía y arquitectura. Sus ideas eran básicamente teóricas, explicadas al máximo detalle pero rara vez llevadas al experimento. Sus dibujos de un feto en el útero materno, el corazón y sistema vascular, órganos sexuales y otras estructuras óseas y musculares, son algunas de las primeras registradas por el hombre. Uno de los últimos encargos de Da Vinci fue un León mecánico que pudiese caminar y abriese el pecho para mostrar un ramo de lilas. El famoso artista murió en Amboise, Francia, el 2 de mayo de 1519. Auto-Retrato de Leonardo Da Vinci (1513) La guía del Profesor Vincent Van Gogh Vincent Van Gogh es uno de los artistas más famosos de todos los tiempos y pese a que su actividad como tal fue tan solo de 10 años, produjo cientos de pinturas, dibujos y grabados y aunque actualmente algunas de sus obras se encuentran entre las más caras del mundo, Van Gogh vivió y murió sumido en la pobreza sin llegar a conocer el éxito o el reconocimiento. Nace el 30 de marzo de 1853, hijo de un humilde pastor protestante en Zundert, Países Bajos. Vincent recibió el mismo nombre que le habían puesto a un hermano que nació muerto exactamente un año antes, lo cual dicen que le marcó durante toda su vida. En mayo de 1857 nace su hermano Theo, quien años después sería su mecenas y casi único apoyo, con el que mantuvo una extensa correspondencia a través de la cual hoy podemos saber de su vida e inquietudes artísticas. El pintor fue sobre todo autodidacta: con ayuda de libros de texto, algunas lecciones en academias, visitas a museos y consejos de amigos artistas, aprendió el oficio de una manera tradicional, aunque con el paso de los años desarrolló su único y particular estilo con sus pinceladas expresivas y colores vivos y brillantes. Decidió convertirse en artista a los 27 años, tras pasar por varios puestos de trabajo sin éxito: comerciante de arte, profesor, evangelizador protestante... Vivió y desarrolló su trabajo en varias ciudades Holandesas, en París, donde estableció relación con artistas de la época como Touluse-Lautrec o Paul Gauguin. En Arlés, sur de Francia, ansiando calor y tranquilidad, se inspiró en la vida del campo, los paisajes y la luz. Tras un conflicto con su amigo y artista Paul Gauguin, en un arrebato de ira, se cortó un trozo de su propia oreja. Debido a una determinada forma de epilepsia que padecía y permanentes problemas psiquiátricos, en 1889, Van Gogh decide ingresar de forma voluntaria en la clínica psiquiátrica de Sain-Rèmy. El médico que le atendía le permitió seguir trabajando. Dibujó y pintó todo lo que tenía a su alcance y cuando su salud lo permitía, podía incluso trabajar fuera. Allí surgieron paisajes con cipreses y olivos en vivas pinceladas que sugieren movimiento, como “Noche estrellada” En mayo de 1890 decide abandonar la clínica e instalarse en Anvers, un pueblo de artistas al sur de París, donde encontró un renovado entusiasmo en este nuevo entorno. Pero a pesar de su productividad, Van Gogh estaba muy deprimido y se sentía una carga económica para su hermano Theo y su familia. El 27 de julio de 1890, Van Gohg se disparó en el pecho y dos días después moría acompañado de su hermano. Theo murió medio año después. Los hermanos yacen el uno junto al otro en el cementerio de Auvers-sur-Oise. La guía del Profesor Noche estrellada y las estrellas “Mirar la estrellas siempre me hace soñar, como sueño al contemplar los puntitos negros que representan a pueblos y ciudades en un mapa. ¿Por qué, me pregunto, los puntos brillantes del firmamento no son tan accesibles como los puntitos negros del mapa de Francia?” La noche estrellada fue uno de los temas favoritos de Van Gogh, y aunque con ciertas licencias estéticas, representó con exactitud los astros y constelaciones en todos sus cuadros de cielos estrellados. Durante el siglo XIX y debido a los avances tecnológicos como la luz de gas y las farolas, los paisajes nocturnos se convirtieron en un tema popular, aunque Van Gogh quiso representar los efectos de luz y ambiente de la noche de forma novedosa, a través del color. Está claro que la noche no es tan azul como el pintor la representa, pero consiguió transmitir los efectos poéticos de la madrugada como pocos artistas lo han hecho. Además, en esta época, la astronomía se puso de moda. Las revistas publicaban los últimos descubrimientos y aparecen libros de divulgación y novelas relacionadas con esta ciencia, a las que seguramente Van Gogh tuvo acceso dado su gran interés por el tema. Incluso en la exposición universal de 1889, que festejaba la ciencia y la tecnología de la época, la astronomía estuvo bien representada y se exhibieron nuevos telescopios, relojes celestes, modelos del sistema solar, mapas de las constelaciones y de la luna e insólitas fotografías de la superficie solar. De hecho, en lo alto de la torre Eiffel se instaló otro observatorio astronómico. Van Gogh siguió con atención en las revistas los preparativos de la exposición Universal e incluso pidió a su hermano que expusiera su pintura “Noche estrellada sobre el Ródano”(1888) como ejemplo de sus efectos nocturnos experimentales. Noche Estrellada Vincent Van Gogh,1889 La guía del Profesor Noche estrellada y las estrellas Van Gogh se sintió profundamente fascinado por el mundo nocturno. Le gustaba trabajar al anochecer: las estrellas y la luna en medio del cielo ocupaban sus sueños y alimentaban su imaginación. En el cuadro “Noche estrellada”, además de Venus y la luna, aparecen otras estrellas que se corresponden con al constelación de Aries y las ondulaciones que atraviesan el cielo podrían representar, según algunos autores, la vía láctea o la forma en espiral de las galaxias, hecho que acababa de ser descubierto. Sea como sea, Van Gogh tuvo el privilegio de ver el firmamento a través de una mirada única y asombrosa e hizo que su belleza fuese más accesible para todos. La guía del Profesor Leo, el Títere. En esta parte intentaremos acercarnos al desconocido mundo de los títeres a través de su historia y explicar de manera sencilla los diferentes tipos y como se utilizan. Los títeres y el teatro de títeres tienen una larga y fascinante historia. Los orígenes de este arte visual y dramático se encuentran principalmente en el Este, aunque exactamente no se sabe cuando. Puede que ya se practicase en la India hace 4000 años. La suplantación estaba prohibida por la religión, de manera que el protagonista en las obras en Sánscrito se denominaba sutradhara (“el que sostiene las cuerdas”), así que es muy probable que los títeres existiesen antes que los actores humanos. En China, se llevan usando desde el sVIII AC y el uso de sombras se remonta a hace mas de 1000 años. El teatro de títeres Birmano tuvo gran influencia en el desarrollo de la danza, e incluso actualmente, la destreza de los bailarines se sigue juzgando por su habilidad para recrear los movimientos de una marioneta. teatro de títeres era un entretenimiento común (probablemente marionetas y títeres de guante) en Grecia y Roma hacia el 400 DC, según los escritos de la época. En la Edad Media, los títeres se usaron extensamente para promulgar las escrituras hasta que fueron prohibidos por el concilio de Trento. Desde el Renacimiento los títeres en Europa han continuado como una tradición ininterrumpida. Los títeres sicilianos(caballeros de un metro de alto), vestidos con armaduras y operados desde arriba con varillas o barras, han interpretado la historia de Orlando Furioso desde el sXVI, pero este tipo de títeres ya eran usados en tiempos del imperio Romano. En Alemania, los títeres llevan interpretando la Historia del Doctor Fausto desde 1587, y en Francia, la ópera de marionetas fue tan popular que la ópera intentó restringirla por ley. En el sXVIII las sombras Chinescas francesas no sólo fueron entretenimiento de feria, sino que fueron muy populares entre los artistas y el mundo de moda. Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), uno de los mejores dramaturgos japoneses no escribió para teatro de humanos, sino para títeres de Bunraku, los cuales durante un tiempo eclipsaron al teatro Kabuki dada su popularidad. En Inglaterra, los títeres eran ciertamente conocidos durante el sXIV y durante la guerra civil, cuando los teatros estaban cerrados, los teatros de títeres gozaban de gran popularidad. En Europa, el teatro de títeres floreció en las tempranas civilizaciones Mediterráneas y bajo el gobierno de Roma. Puede que los griegos utilizasen los títeres en el 800 AC y el A principios del sXVIII era un entretenimiento de moda entre los ricos y a finales del XIX, las compañías de marionetas inglesas, eran consideradas la mejores del mundo y viajaban por todo el planeta con sus elaboradas producciones. En el sXIX los espectáculos de títeres fueron llevados a América por los inmigrantes europeos creando la base de la gran variación de estilos que encontramos hoy. El este de Europa tuvo tradiciones tempranas y titiriteros viajeros, pero con pocas excepciones, los títeres no se desarrollaron significativamente hasta el sXX. El sXX ha aportado nuevos materiales y técnicas al teatro de títeres y ha conocido un renacimiento en el interés por este arte a través de la televisión y el cine así como un renovado énfasis en la calidad de las obras en directo. El reconocimiento oficial de los títeres como arte escénico ha sido por fin conseguido. Diferentes tipos de Títeres Fotos: Marta Vidanes y Oriol Cara Tipos de Títeres La mayoría de títeres que se usan hoy provienen de cuatro categorías: -De mano o títeres de guante -De varilla -Marionetas -Títeres de sombra Aunque hay una gran variedad de combinaciones de estas técnicas, además de técnicas relacionadas, desde las máscaras hasta los títeres de dedo pasando por los teatros de juguete al cine de títeres animados. Títere de guante: se usa como un guante en la mano del titiritero; son bastante simples en estructura y aunque limitados de movimiento, la mano dentro del títere le da gran flexibilidad y rapidez de movimientos. La guía del Profesor Títere de mano: normalmente la mano se inserta dentro de la cabeza del títere. Peden tener manos o brazos y manos que se manipulan con varillas y pueden ser muy expresivos. Títere de varillas: se sujeta y manipula con varillas, normalmente desde atrás, pero a veces desde arriba. Las de estilo japonés, Bunraku, requieren dos o tres operadores que sujetan el títere en frente de ellos. Los títeres de varillas varían en complejidad, desde una simple silueta sujeta por una sola varilla a figuras completamente articuladas. Ofrecen gran potencial de creatividad en el diseño y construcción y su alcance de movimientos sutiles y repentinos les permite ser muy versátiles, tanto para piezas corta como para largas piezas dramáticas. La guía del Profesor Marioneta: es un títere con cuerdas, suspendidas desde un control que sujeta el titiritero. Pueden ser muy simples o muy complejas, tanto en construcción como en manipulación. Los movimientos suelen ser gráciles y no permiten muchos movimientos rápidos o violentos. Títeres de sombra: normalmente figuras planas recortadas que se sujetan contra una pantalla translucida iluminada. A veces, son figuras transparentes coloreadas. Las sombras son ideales para ilustrar una historia narrada, aunque también pueden utilizarse para representar una acción con diálogos. Títere de la India. Madera pintada. Autor desconocido. Foto: Marta Vidanes “Es posible combinar o alternar diferentes tipos de técnicas en una misma actuación.” Marioneta de hilos; madera tallada,plástico. Gloria Hernández. Foto: Marta Vidanes La guía del Profesor Materiales de construcción Los materiales de construcción mas utilizados y comunes han sido siempre la madera tallada, para cabezas, manos, brazos y piernas; el cuero, para vestuario y diferentes partes del cuerpo o sombras; aunque actualmente se usan materiales más modernos como plásticos,corchos,látex, etc... cualquier material es bueno para construir un títere, incluso con materiales de reciclaje que podamos encontrar todos los días en la basura. Solo hay que tener un poco de imaginación. Teatro de objetos Es un tipo de teatro donde cualquier objeto cotidiano o no se puede convertir en un ser animado, en un títere. Una tetera puede ser el lobo y una cuchara caperucita. Mano tallada en madera por Gloria Hernández. Foto: Marta Vidanes Gloria Hernández trabajando con planchas de espuma. Foto: Marta Vidanes La guía del Profesor Bibliografía Aznar Almazán, S. y Cámara Muñoz, A. Historia del Arte Universidad Nacional de Educación a Distancia Madrid,2002 Hemenway, P. El código secreto Taschen Benedikt 2008 Menéndez Fernández, M. et al El Arte en la Prehistoria Universidad Nacional de Educación a Distancia Madrid,2009 Currel, D. Puppets and puppet theatre The crowood Press Ltd 1999 Gombrich, E. H. La historia del Arte Phaidon Press Limited 2010 Wright, J. Rod, Shadow and Glove: Puppets from The Little Ángel Theatre. Harpercollins 1st edition, September 1986 Thomson, R. Van Gogh: the Starry Night The Museum of Modern Art, New York 2012 Leonardo da Vinci: Vida y Obra Ed. Tikal Colección biblioteca Leonardo da Vinci 2010 Hemenway, P. The secret code: The Mysterious Formula that rules Art, Nature and Science. Taschen GmbH 2008 Museo de Altamira. 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