Chile 2012 - Graciela Olio
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13 Benjamín Lira, Chile. Cabeza N 100, 2011 - 74 x 47 x 64 cm FOTO FERNANDO MALDONADO Chile 2012 1 E D I T O R I A L Perfección y poesía El pianista polaco Piotr Anders- misma inquietud e incertidumbre zewski viaja constantemente. que siento ante la obra terminada. Reside parte del tiempo en Por- En clases a menudo hablamos tugal, pero es asiduo a recorrer del misterio, de la atmósfera y la el mundo. En Buenos Aires lo poesía. Otra alumna me pidió, entrevistó un periodista del dia- entonces, que explicara la palabra rio La Nación y le preguntó: poesía, y esta solicitud también me – Usted se considera “un vaga- perturbó. FOTO ADOLFO LÜBBERT bundo”. ¿Qué tiene de artístico ese estado existencial? El pianista respondió: – Es estar en búsqueda perma- Ruth Krauskopf nente. Lo perfecto no existe y si el arte alcanza algo de perfección, para el artista implica una pequeña forma de muerte. Ser un vagabundo es vivir detrás de un ideal de armonía que, sólo por un instante y quizá de tanto en tanto, uno consigue alcanzar. Pero, sobre todo, es vivir en busca de un equilibrio al que jamás se llega. ¿Cómo definir las palabras perfección y poesía? ¿Cómo dibujarlas en letras blanco y negro? Me parece que definirlas ya me lleva a emitir juicios, sin dejarlos abiertos a revisión y diálogo. El Diccionario de la Real Academia Española define “perfecto” como “Que tiene el mayor grado posible de bondad o excelencia en su línea”. El mismo Diccionario define “poesía” como “Manifestación de la belleza o del senti- La mayoría de nosotros no viaja en forma miento estético por medio de la palabra, constante. No de un lugar a otro. Pero cuan- en verso o en prosa”. do tomamos la arcilla, cuando la torneamos o esculpimos, iniciamos un viaje desconocido. Lo incierto de esa aventura es lo que nos incita a plasmar una obra que nos asombre, a nosotros y a los demás. Lo mismo vale para una fuente que invita a ser usada, cuyo esmalte es sorprendente, o para una escultura que nos toca internamente. Una vez en clases, medio en broma, medio en serio, dije que “estar en estado de constante búsqueda es también un derecho humano”. Agregué: “Creo que la búsqueda, a menudo, se transforma en el anhelo de unir el saber ser y el saber hacer con la materia, con la perfección y la poesía.” Una alumna lo anotó y me lo envió. Al leer su correo, a mí misma me costó creer que yo había verbalizado algo que entendía solo a nivel de sentimiento vago. Verlo escrito me provocó la 2 Piotr Anderszewski, el pianista, habla de la búsqueda de perfección, de la búsqueda de bondad y excelencia. Y yo agrego poesía. ¿Estaremos hablando de lo mismo? Y ¿estoy hablando de lo mismo que la Real Academia Española cuando ésta define la palabra poesía? ¿No será que me invento otro significado? Porque siento que la poesía es un aura incierto, misterioso, que dialoga desde sí mismo con lo indefinible. De eso hablo yo cuando digo poesía. Y es que, ¿no será también uno de los derechos humanos inventarse el significado de perfección y poesía? Ruth Krauskopf E N S A Y O La ridiculez (sobre unas cerámicas de Valentina Vega) Pablo Oyarzún. Filósofo y ensayista. Fotografías: Adolfo Lübbert Ridículo es lo que mueve a risa. Los romanos tenían la palabra –ridiculus–, formada a partir de ridere, reír. Hay motivos variados para que algo provoque risa, lo sabemos, así como risas las hay de muy variada especie: las alegres, las joviales, las eufóricas, las nerviosas, las burlescas, las sardónicas, las sarcásticas. Este catálogo apresurado ya puede sugerir cierto rango de aplicación de la palabra “ridículo”. Cuando la empleamos, es porque asistimos a la exhibición de alguna rareza, extravagancia o enormidad. Este rasgo de marcada impertinencia –en la situación, en la forma, en la conducta, en la especie– resulta ser, entonces, lo que mueve a risa. De modo que en este caso la risa tiene una función detractora, reprobatoria, de burla. Y esta función es moral: de moral social, digamos, porque la censura hilarante que recae sobre el ridículo lo aparta del resto, lo aísla y expone, abandonándolo en el círculo de desamparo que trazan las carcajadas en torno a él. Ejecutivos, 2008. Gres negro, horno eléctrico, 45 x 38 cm. 3 Por cierto, nadie quiere ser ridículo, a menos que lo haga de manera controlada, histriónicamente, para divertir a un público mediante la representación de lo ridículo, y entonces claro que mueve a risa, pero esta ya no tiene ese carácter de censura, sino de jolgorio, y ambos, público y payaso, resultan cómplices en la exposición de la ridiculez. Nadie quiere ser ridículo, pero hay quienes indefectiblemente lo son. Una persona suele ser ridícula porque se comporta y se expresa en razón de una alta idea que tiene de sí misma, que, comparada con su efectiva entidad y per- Arca de René, 2010. Gres negro, horno eléctrico, 40 x 40 cm. 4 formance, resulta flagrantemente excesiva. Una larga tradición ha opinado que la ridiculez y la afectación van de la mano; otra, que en varios puntos coincide con aquella, siente que de lo sublime al ridículo no hay más que un paso, o un traspié, si se prefiere. Las cerámicas de Valentina Vega, que, creo, tienen muy en el eje el sentido del ridículo, dan buena prueba de estos pareceres. Valentina abunda en personajes ornitomorfos y pisciformes. En parte vienen de sus pinturas, para tomar cuerpo en el gres. De aquellas, retienen el aire surreal. Son criaturas más o menos oníricas y profundamente regresivas. A propósito del pájaro, basta recordar la enigmática, angustiosa figura (quizá el primer jeroglífico, también el primer storyboard) en el pozo de Lascaux, que desfallece en erección ante un bisonte lanceado que derrama sus entrañas. Los pájaros, obviamente, no son ridículos, y tampoco lo son los peces. Solo lo son cuando convertimos su figura y su comportamiento en un esquema para representarnos la figura y el comportamiento de nuestros congéneres, de nosotros mismos. Es lo que hace Valentina, se sirve de las analogías animales para desplegar socarronamente cierta tipología humana. Dice Valentina que sus figurines son machos. Es curioso, porque son ostensiblemente asexuados, y solo sus vestimentas pueden prestarles alguna certificación de género (aunque varias de ellas tampoco llegan a ser tan unívocas). Acaso lo que quiere decir con ese inciso es que “macho” no es otra cosa que una idea, y la vestimenta es su signo, su investidura. Y es como si Valentina pusiera en escena con estos figurines, adustos e infinitamente obtusos, ese hecho moral a que se asiste tan a menudo: a saber, que cuando se quiere coincidir con la idea que uno se hace de sí mismo (cuando se tiene pretensión de sublimidad) se está condenado al más penoso de los ridículos. Es su comentario del mundo, su sarcasmo Proust, 2012. Gres, horno eléctrico , 25 x 40 cm. “Tengo una visión del mundo bastante escéptica e irónica. Me refiero al mundo de la cultura o mejor dicho, de la civilización. Es un mundo fabricado por los machos de la especie, y se refleja en que siempre están jugando: a la política, la guerra, la lucha, los negocios, el golf, la construcción y la destrucción, las ideas, el fútbol, a GANAR siempre: dominar a los demás, a la naturaleza, a las mujeres, a los animales, a competir constantemente, a descubrirlo todo, a arrasarlo todo, a ser el mejor. No parecen serios de verdad.”. Valentina Vega Caronte, 2009. Gres negro y acero, horno eléctrico, 70 x 40 cm. 5 La escultUra de los hielos boreales JOAN MORRISON, CHILE Marilú Ortiz de Rozas Fotografías: Patricia Novoa La escultora y ceramista Joan Morrison muestra por primera vez en Esteka su serie de obras en arcilla blanca, que ella guarda por décadas en la esfera de lo privado. Sólo las ha exhibido en contadas ocasiones, particularmente en escenarios naturales. Viajaron con ella de regreso a Chile, a comienzos de los noventa, estas mujeres alegres y acogedoras, de contextura gruesa y melenas que ondean y se confunden con las olas del mar, el otro gran protagonista de su obra. Empezaron a gestarse en Suecia, donde Joan Morrison residió dieciséis años, y varias de sus esculturas quedaron en espacios públicos del nórdico país, donde la blancura de los hielos inspiró estas albas mujeres. “Eran nueve meses de rudo invierno”, recuerda la artista. Nueve meses, como los de gestación de una nueva vida, como un embarazo de nieve, que dio a luz a estos seres eminentemente femeninos y protectores, cuya calidez contrasta con la frialdad del paisaje al que aluden. “Mi obra escultórica siempre aborda la femineidad, desde mi época de estudiante en la Escuela de Bellas Artes, hasta ahora”, cuenta Joan. Pájaros. Quema monococción horno eléctrico 1120 o C. 67 x 60 x 29 cm. 6 Varias de sus piezas son un homenaje a la maternidad, un canto de unión entre los seres humanos, y de integración con la naturaleza, en particular con los elementos oceánicos. Son mujeres de gran formato (70 x 50 cm en promedio), con sinuosidades de “cantarito de greda”, como dice la tonada de Nicanor Molinare. O la encarnación de aquel “Cuerpo de mujer, blancas Piquero, 2010. 70 x 46 x 50 cm. colinas, muslos blancos”, de los versos que abren los “Veinte poemas de amor y una canción desesperada”, de Pablo Neruda. Prosigue el vate: “te pareces al mundo en tu actitud de entrega”. Nada más apropiado para describir la pose Madre. Quema monococción horno eléctrico 1120 o C. 70 x 46 x 50 cm. de estas mujeres, el espíritu de generosa entrega que brota de estos cuerpos fundiéndose el uno en el otro, en el agua salada y en la arena. Además de su graciosa figura, estas féminas tienen cosas que decir: se pronuncian contra el individualismo que reina hoy en la sociedad chilena y contra la incomunicación, que echaron por tierra aquella época fraterna que conoció su autora, antes de emigrar a los hielos boreales, al exilio, en 1974. Fortaleza y dulzura no entran en tensión en esta obra, sino que se potencian, al igual que la impronta del ser humano y la de la naturaleza. “Mujer y mar se oponen, pero a la vez se complementan, se confunden. El mar es movimiento, el ir y venir, lo horizontal, la fuerza y el caos. La mujer, un mascarón de proa, un faro, lo ascendente, lo vertical, lo permanente, cálido y vital”, asevera la artista. grande de Concón, antiguo asentamiento indígena de la zona. Ha participado también en algunas exposiciones, discretamente, pues ha optado por mantenerlas en el reducto de su intimidad. Paralelamente se desempeña como ceramista, creando delicados objetos de uso cotidiano, y montó un taller donde transmite sus vastos conocimientos. Ha organizado cuatro encuentros nacionales del rubro, el primero en la Escuela Moderna, los tres últimos en la Corporación Cultural de Las Condes. En los dos últimos años, esta artista nacida en Valparaíso ha retomado su actividad escultórica, en formatos más pequeños, y en una arcilla que recubre con un esmalte de tonalidades ocre. A Joan Morrison le gusta trabajar con agua, con las manos impregnadas de la humedad de la arcilla A fines de los noventa, Morrison montó su serie de esculturas modeladas en arcilla blanca –que consigue en la zona de Cauquenes– en la playa 7 De adentro hacia afuera: cabezas/vasijas de Benjamín Lira Mark Shapiro, ceramista Fotografías: Fernando Maldonado Conocí por primera vez a Benjamín Lira en Nueva York, a principios placer de descubrir una pasión mutua que presagiaba nuestro de los años ochenta. El loft sobrio que servía de estudio y vivienda futuro destino común como ceramistas. a Benjamín y su entonces esposa, la artista Francisca Sutil, No fue hasta que volvió a Chile, a finales de los años noventa, estaba casi totalmente ocupado con sus obras de arte y quehacer con una posición segura en el mundo del arte, que Lira adoptó cotidiano. Cuatro grandes y antiguas jarras de sake eran uno de totalmente la cerámica y sus formidables desafíos técnicos. los pocos toques decorativos en el recinto. Comenzó a trabajar la arcilla en el taller de Ricardo Yrarrázaval. Le hice un comentario sobre la irresistible presencia de las jarras. Luego ingresa al taller Huara Huara, de Ruth Krauskopf, lugar que Él se mostró sorprendido por mi entusiasmo y mi interés en la hasta la fecha sigue siendo base de operaciones para su obra en cerámica. cerámica, con incursiones en residencias en el Anderson Ranch, Aunque ninguno de los dos trabajaba con arcilla en esa época –yo en los Estados Unidos, y en el Centro de Arte Curaumilla, en la me dedicaba a la escultura y Lira a la pintura– ese día tuvimos el Región de Valparaíso, Chile. Detalle Cabeza N 94, 2009 Cabeza N 104, 2012 - 79 x 57 x 78,5 cm 8 Foto Rosario Montero The Missing Willow, 2011. Serigrafía sobre yeso. 9 Cabeza N 100, 2011 - 74 x 47 x 64 cm Cabeza N 102, 2012- 62,5 x 42,5 x 60 cm Cabeza N 72, 2005, 68 x 48 x 54 cm Proceso Entonces, ¿cómo fue que Lira pasó de la pintura a la arcilla, de la dimensión plana al volumen? “Me di cuenta de que tenía que canalizar mis sentimientos intensos hacia el volumen e introducirlo en mi espacio pictórico. Así que la orientación hacia la escultura en cerámica era el siguiente eslabón en la cadena de mi obra”. La plasticidad de la arcilla permite moldearla en figuras y volúmenes, pero la resistencia estructural solo se logra a medida que se endurece durante el secado, una tensión particularmente delicada que el ceramista debe dominar. De hecho, la escala de las cabezas de Lira representa un logro extraordinario. Los volúmenes de arcilla de dimensiones tan grandes como estas presentan muchos problemas estructurales y logísticos. El moldeado en sí mismo es uno de ellos, pero conseguir un secado uniforme, aplicar los esmaltes y después meter y sacar las cabezas de los hornos requiere extrema paciencia y habilidad. Y, por supuesto, hacerlas pasar con éxito por el fuego es el último obstáculo, el último ensayo, que las transforma irrevocablemente. Lo que se ve en un momento del proceso no representa el resultado final. 10 Cabeza N 102, 2012- 62,5 x 42,5 x 60 cm Sobre cabezas y vasijas Vitrificación y densidad El lenguaje que usamos para hablar sobre vasijas se refiere Lira escoge no trabajar con arcillas de baja temperatura, asociadas típicamente a la forma humana: las vasijas tienen pies, cuerpos, con las tradiciones indígenas en todo el mundo y en su nativa cinturas, hombros, cuellos, labios. Incluso la composición de Sudamérica, sino con la pasta quemada a altas temperaturas. la arcilla misma se llama “el cuerpo”. Las vasijas transmiten El gres se lleva al fuego casi blanco de 1300 °C, es impermeable sustento, ya que las usamos para preparar, cocinar, presentar incluso sin esmalte y suena al tocarlo, dejando patente su y servir líquidos y alimentos nutritivos. Las vasijas conectan la densidad vítrea. naturaleza y la cultura. Si bien la cerámica de alta temperatura es dura y resistente, Pero si las vasijas actualizan nuestra cultura y corresponden en aun así encarna la condición paradójica de toda cerámica: es forma esencial a nuestro ser físico, las cabezas de Lira equivalen frágil y permanente a la vez. La arcilla cocida puede romperse a una forma esencial de vasijas. Insistentemente, las cabezas son en fragmentos, pero los restos permanecen, como lo demuestra recipientes, la mayoría se dejaron abiertas por la parte de arriba. abundantemente el registro arqueológico. La apertura permite el acceso a su interior, al que a veces –según admite Lira– dedica más tiempo de trabajo que a las superficies exteriores inmediatamente visibles. El efecto casual, casi roto, de los extremos del borde, donde la conocida representación de la fisonomía se abre a su interior no elaborado, es abrupto y dramático. Estas cabezas resuenan en mí con una bella inquietud. Sus interiores no elaborados emiten una nota de aislamiento sublime: nuestra conectividad social existe junto al profundo misterio del otro. Esta seriedad, la frágil densidad de la existencia humana, se expresa perfectamente en estas enormes cabezas de arcilla vitrificada. Me arrastran hacia algo puro, a la vez transparente y oscuro, universal y silencioso, frágil y duradero 11 Entre la inquietud creativa y el virtuosismo técnico Miguel Molet, ESPAÑA Carme Molet. Universidad de Lleida Fotografías: J.M. Oriach El filósofo John Dewey escribió, en El arte como experiencia, “la obra de arte verdadera es lo que el producto hace con la experiencia, un tipo de experiencia que se puede gozar en sí misma”. Así ocurre con las piezas de cerámica de Miguel Molet. Algunas son de una sensibilidad exquisita y otras más contundentes. Ellas nos invitan a una contemplación gozosa y cómplice. Nos proporcionan algunos de esos momentos de tránsito entre la perturbación y la armonía, que hacen la vida más intensa. Entre sus series cabe destacar Contenedores de sueños, Rotativos y Esos extraños que habitan en mí. Los Contenedores de sueños (2005) son piezas herméticamente cerradas, con dibujos en la parte superior en lo que parece una cubierta (tapadera), como una promesa “de sueño” y, a la vez, con un hermetismo que nos frustra el acceso, y espolea el deseo hacia la resolución de algún enigma. Estas explicaciones del autor abren una pequeña grieta a lo que las piezas encierran: La materialidad de la cerámica la sitúa en un medio y en una técnica que la aleja del mundo virtual de hoy. Por el contrario, facilita una apreciación más táctil, más cercana, más corpórea. Difícilmente se puede desligar este arte de la vivencia concreta del placer del barro, del agua y del fuego, ni de la atracción por la metamorfosis que transforma el barro en un objeto sensible a nuestros sentidos. Un hacer y un sentir al que Miguel Molet va incorporando una destreza técnica impecable y unos sólidos conocimientos sobre arte contemporáneo. “Empecé la serie de los contenedores para dar rienda suelta a ese mundo mágico de la simbología antigua. El cuidadoso control sobre las técnicas que aplica: ahumados y carbonaciones en horno cerrado; raku desnudo que trabaja sobre pátinas blancas o coloreadas, con sales solubles y pátinas con terras sigillatas, dando lugar a acabados impecables. Maestría técnica que da coherencia a años y años de experimentación, abordando diferentes temáticas. Se trata de piezas seriadas que exploran inquietudes personales que habitan un tiempo histórico complejo. De la serie Esos extraños que habitan en mí, 2011. 12 Siempre me he visto atraído por esos grafismos misteriosos de códigos religiosos o mitologías ancestrales. Mi interés, en un principio, no pasaba del mero atractivo estético, pero a medida que iba haciendo series de piezas más me daba cuenta del poder evocador y de la fuerza representativa de todo ello. En ningún momento quise descifrar ningún misterio, ni enfocar mi trabajo desde el lado conceptual. Lo mío era componer y maquetar una series de signos, a veces inventados por mí, y otras, en su mayoría, sacados de los libros. En tanto que iba avanzando con este trabajo e iba haciendo nuevos diseños, más me sugestionaba con ellos, era como estar flotando en un mundo onírico en donde la realidad siempre se confunde con la ficción y viceversa. Las constelaciones, y los astros bailaban en un infinito personal sin De la serie Contenedores de sueños, 2006. De la serie Esos extraños que habitan en mí, 2011. 13 Lejos del nido, Mención Especial en Concurso de Cerámica “Ciudad de Valladolid” 2009. límite. No había nada que las retuviese más que la propia línea de la composición. Todo aquello se expandía por un pequeño círculo que a la vez estaba interconectado a mi sistema neuronal o quizás a algún lugar remoto”. Signos y dibujos que va desarrollando con diferente motivación y resultado en Esos extraños que habitan en mí, en este caso referidos al cuerpo físico; virus, bacterias y organismos celulares conforman la piel visible de unas piezas de pared, de forma alargada y repetición modular, que continúan herméticamente cerradas en su interior. No obstante será la serie Rotativos la que más éxitos De la serie Esos extraños que habitan en mí, 2011. 14 profesionales le ha proporcionado: Primer Premio de cerámica creativa, La Rambla-Córdoba-2010; Primer premio en concurso de cerámica de Sant Juliá de Vilatorta-2012, entre muchos otros. En esta serie de piezas con referente arquitectónico –que empieza a trabajar a principios del 2009– contrasta la rotación formal de sus curvaturas con la estabilidad y solidez causadas por la potencia volumétrica de sus dimensiones. Entre la inquietud creativa y un estricto control técnico, las obras de Miguel Molet reubican nuestro espacio vital proporcionándonos sensaciones extrañas y a la vez familiares De Arauco a Londres: M. Ignacia Murtagh Hernán Garfias. Director de la Escuela de Diseño, Arte y Comunicación AIEP Fotografías: Josefina Eyzaguirre y Josefina Irarrázabal La alfarería mapuche se hacía como objetos de uso práctico para cocinar, guardar alimentos, contener agua, como también para ceremonias ancestrales. María Ignacia Murtagh ha estudiado profundamente esos objetos de nuestros antepasados, captando su simple belleza, para reinterpretarlos con un lenguaje contemporáneo. Esos mismos objetos que ahora se exponen en Londres. Recuerdo cuando niño visitar el campo de una familia amiga en el sur de Chile, tierras que por siglos pertenecieron a las etnias mapuches. Cuando el arado surcaba la tierra húmeda solían extraer accidentalmente vasijas cerámicas enterradas por muchos años en esos terrenos ancestrales. Muchas se quebraban y quedaban irreparables, pero una mayoría salían milagrosamente sin dañarse. Y cuando se limpiaban del polvo y el barro, aparecían esas cerámicas, las mismas que hoy reproducen artesanos del Bío Bío al sur con la misma maestría de sus antecesores. Esa simple belleza que caracteriza la obra de un pueblo que existía antes de la llegada de los españoles. Hoy solemos admirarlas y contemplarlas con admiración en los museos de arte precolombino, donde destacan las colecciones del Museo Precolombino, el Museo Nacional de Historia Natural, el Museo Regional de la Araucanía, en Temuco, y el Museo Dillman Bullock, en Angol, entre otros. La diseñadora egresada de la Pontificia Universidad Católica de Chile, María Ignacia Murtagh, comenzó a investigar la historia, el material y el diseño de las cerámicas mapuches del período algro-alfarero de Pitrén, en el sur de Chile, datadas del año 0 a 1.200 dc. Su trabajo de campo fue muy exhaustivo, en colaboración con antropólogos, arqueólogos y en distintos museos del país, que guardan notables colecciones de esa época, analizando y recogiendo la carga simbólica y espiritual de estas cerámicas para dar origen a su propia colección, que denominó con el nombre nativo de Lof. Lof se utiliza en mapudungún, la lengua originaria de la cultura mapuche, para definir un Clan, que integra además de las personas, a los animales y a la naturaleza integrada al territorio. La colección que ha creado la autora pretende ser una analogía de la forma de organización social de los mapuches de un clan o lof, reflejada en la gran tradición cerámica con formas antro, zoo y ornitomorfas de sus diseños ancestrales. Lof es una colección realizada en bone-chine de ocho piezas, que quieren reflejar una estética, un mensaje y un lenguaje que se basa en una cultura que logró sintetizar con simpleza y mínimos gestos su profunda conexión con su entorno natural. Todas las piezas de la colección destacan la belleza simple de su estilo reconocido, donde se ven cuerpos muy globulares, formas envolventes, uso de asas, y detalles muy cuidados y simbólicos a escala muy pequeña. Las piezas no son réplicas sino abstracciones, fundamentadas en la forma, la escala y las proporciones de piezas originales. Y al traspasarlas a una nueva materialidad en bone-china, se intenta potenciar sus características antiguas para usos cotidianos contemporáneos. Ahí aparecen estos cuerpos blancos, desnudos de color y de ornamentaciones gráficas, que nos permiten apreciar su construcción, relieves, la expresión y el mensaje que envuelve sus formas. El objetivo del proyecto de María Ignacia Murtagh es tomar las referencias culturales e identitaria de la nación para crear, para desarrollar proyectos propios y también la de utilizar el objeto como un medio de difusión cultural que va más allá de su funcionalidad evidente. Sus piezas no sólo comunican una intención estética de forma y uso, si no que puedan ser capaces de revelarnos otros aspectos que tiene la cosmovisión de esa cultura. A través de la colección Lof, las personas pueden explorar y comprender estas piezas con toda su carga histórica y natural, en un contexto más cercano y doméstico. Así el diseño chileno puede presentar la colección en la prestigiosa feria 100% Design London 2012, para que el mundo descubra la calidad de estas cerámicas Made in Chile 15 FOTO EUGENIA KÄHNI GALERÍA Milena Lehmann, Chile. Despertar, 2011. Gres, quema en horno a gas, 45 x 15 cm. FOTO ADOLFO LÜBBERT FOTO ADOLFO LÜBBERT Eugenia Kähni, Chile. Pocillo azul, 2012. Quema reductora, 11 x 11 x 7 cm. Marily Morales. Horno a gas, reducción, 2012. 23 x 38 cm. FOTO ANDREA LALLANA Andrea Lallana, Chile. Fuente azul, 2011. Quema reductora a la sal, 36 x 20 x 9 cm. 16 16 FOTO ÁLVARO MARDONES FOTO ÁLVARO MARDONES Lucía Villalabeitía, Chile. Altura 28 cm. Adelaide Falkenbach, Brasil. Gres negro, ambiente neutro, 38 cm de diámetro. María Ignacia Ríos FOTO Paulo Scheuenstuhl María Luisa Acle Foster, Chile. Escultura azul, 2011. Gres reductor, 19 x 16 x 17 cm. FOTO DANIEL ULACIA Elena Somonte, México. Órale, 2004. 40 x 20 x 27 cm, quema de baja temperatura en horno de gas a cono 04. 17 17 Metamorfosis del matadero instalaciones de Alberto Andrés, España Alejandro Ratia, crítico de arte y curador Fotografías: Eloy Esteban (Carne cruda) y Joan Serra (…es rosa!!!) De la carne al deseo, 2010. Modelado gres PRAM, 65 x 10 x 8 cm cada pieza. Lo que conoció como matadero, lo ve transformarse en prostíbulo. Cambia la carne en oferta, pero las naves siguen dedicándose al negocio. Alberto Andrés observa, y se instala en la grieta de la curiosidad. Las cosas que pasan pueden ser sólo eso, cosas que pasan, o pueden ser enigmas que nunca se resolverán del todo. Una paradoja, como una carta de tarot que leemos del derecho y del revés, y que quiere decir lo mismo y también algo parecido a su contrario, todo a un tiempo. Por ello, la traducción plástica de lo ambiguo será necesariamente limpia, ajena a gesticulaciones, con mucho de heráldica pop en su estética. La metamorfosis del 18 matadero da de sí para dos exposiciones sucesivas: “Carne cruda” y “...es rosa!!!” Esther Blázquez las ha interpretado en dos vídeos, que no las documentan, sino que las re codifican. En un vídeo, los labios se pintan con el rojo crudo de la carne animal; en el otro, los filetes de barro van cayendo sucesivos y con fuerte ruido sobre el escudo del corazón, a la espera del esmalte que los congelará en su cárnica calidez. Como casi siempre, Alberto Andrés emplea el barro para construir objetos o personajes. Y cada objeto o personaje, por separado, no es mucho más que una pieza del mecano. En este sentido, es un artista barroco. Lo que importa es el conjunto, la puesta en escena. Otra cosa es que cada elemento pueda amarse con ese amor que inspiraron entre los surrealistas los objetos fetiches. ¿Qué nos dice un labio? No nos dice nada, por eso es tan encantador. Es una chica del coro en una coreografía de Busby Berkeley. ¿Qué nos dice un corazón? Nada, pero se ofrece como una hucha, con cierta ingenuidad doméstica y carnal. ¿Cuál es el futuro del Flor de labios, 2010. Molde y modelado, gres PRAM, 110 x 110 x 15 cm. enano sin su Blancanieves? Aghh, 2008/2010. Modelado. Arcilla, grafito y loza. 90 x 130 x 3 cm. 19 Blancanieves y sus enanitos son aludidos en “...es rosa!!!”. No es la primera vez que Alberto Andrés reinterpreta un cuento de hadas. En otra ocasión se apropió de la Cenicienta. Parte de este interés radica en que esos cuentos poseen estructuras muy rígidas en cuanto a su forma, y una ambigüedad llamativa en cuanto a su significado. Es lo que Northrop Frye llamó “romance”, diferenciándolo de la “novela”. Con la complicidad del fotógrafo Eloy Esteban, Alberto Andrés llegó a inventar su propio cuento fantástico. En 2007, fingió el viaje de un objeto suyo por todo el mundo. Como si fuera un turista, al objeto se le pudo ver en emplazamientos célebres. Bañándose en la Fontana de Trevi, por ejemplo. El proyecto se tituló “Parece que anda suelta”. Lo que anduvo suelto fue una construcción cruciforme, recubierta de azulejos blancos industriales, que podía parecerse a un gigantesco colgante. Arquitecturas alicatadas de ese estilo han sido otros de los trabajos típicos de Alberto Andrés. “Si las paredes hablasen”, del 2005, fue Obras de la instalación “...es rosa!!!“, 2011. un ejemplo espléndido. Se trataba allí de teatralizar unos Andrés interpreta lo cotidiano, una vez más, con el lenguaje códigos simples y universales. Una casa que es la casa de la fábula. Encerrada en esa arquitectura, imagina la desnuda y abstracta. Lo importante en ella, de nuevo, es tortura de Peter Pan, que no soportaría la presión de las lo que no se descubre a primera vista, son las palabras cuatro paredes. Indulgente, la casa de azulejos blancos que quedaron dentro. No nos sorprenderá ver que Alberto destilará hilos dorados de comunicación humana. Instalación “Carne cruda“, 2011. 20 Love bank, 2010. Modelado, gres PRAM, 25 x 20 x 6 cm cada pieza. La cerámica provee a Alberto Andrés de herramientas con que hablarnos y de escenografías desde donde hacerlo. ¿De qué nos habla? De las propias palabras. Comunicación, intercambios entre las personas. Recuerdos materializados, como en los contenedores de memoria que produjo hace unos años. Pero también intercambio erótico. Carne cruda y conciencias en venta. Seducción y seducciones. La inocencia como telón de fondo. Ritos privados y públicos. Nuevos y viejos cuentos de hadas Detalle de la instalación “...es rosa!!!“, 2011. 21 El Coleccionista TEXTO y OBRAS de Graciela Olio, ARGENTINA Katja Berger, periodista Fotografías: Graciela Olio El Coleccionista es un proyecto que comenzó en el año 2011 y se mostró en el 2012, en el Centro Cultural Islas Malvinas, La Plata, Argentina. Al realizar algunas intervenciones sobre piezas de vajilla comercial, de porcelana china, encontré que el soporte blanco de la porcelana conformaba un cuerpo óptimo para imprimir mis imágenes. Éstas surgían de fragmentos de dibujos de los antiguos cuadernillos escolares Simulcop, mezcladas, fusionadas y entrelazadas de un modo casi barroco con fotografías apropiadas de autores de principios del Siglo XX, como Cristiano Junior (fotógrafo portugués que registraba Buenos Aires y sus habitantes en las primeras décadas del siglo) y Marc Ferrez, otro portugués que trabajaba sobre vistas y personajes de Río de Janeiro. Esta suerte de collage cerámico, conformado de imágenes resignificadas, me llevó a pensar en la posibilidad de intervenir sobre piezas de vajilla antigua. De este modo comencé a introducirme en el tiempo y este tópico se 22 convirtió en el eje del proyecto, casi sin darme cuenta. Esta suerte de viaje por las historias de vida que me proponían las piezas de vajilla antigua, me traía constantemente desde el pasado a la Argentina de hoy. Desde la inmigración europea, que nos conforma como seres mestizos y latinoamericanos. Mis abuelos italianos estaban presentes con sus objetos familiares, con sus historias, que son las de tantos argentinos. Mi madre sacaba toda su vajilla y en cada pieza me contaba sus recuerdos. De un modo casi fortuito supe que un vecino de toda la vida era un verdadero coleccionista, su casa era como una escena barroca, no había espacio para moverse. En ese momento todo me cerró y el proyecto El Coleccionista vio la luz. Me di cuenta de que podría concretar mi proyecto de armar una colección con vajilla nueva y antigua intervenida, con imágenes fotográficas de la colección de mi vecino y con una selección de esculturas de casas de porcelana que mucho a trabajar. Comencé a intervenir vajilla y objetos de un modo casi demente, tomé fotos de objetos del coleccionista de mi barrio, fotos de objetos de anticuarios y el proyecto creció y se hizo realidad en dos meses. Para el montaje elegimos siete vitrinas antiguas de hospitales y farmacias, que tenían en un anticuario de San Telmo. La colega y curadora Claudia Toro fue fundamental para terminar de redondear el concepto del proyecto. Mientras yo producía, ella pensaba en torno a El Coleccionista. Había historias de vida propia y de otros, había obsesiones, memoria, identidad, registro, archivo, signos. Había muchas vidas vividas. El Coleccionista nació, creció y se mostró a todas luces en una exposición que considero la más significativa en mi historia como artista yo había realizado, ahora descontextualizándolas de su proyecto original (Proyecto Sur, Serie Home). Para completar la “colección” invité a participar con sus piezas a Ana Gómez, una artista mexicana que estuvo trabajando en Buenos Aires, y a Julieta Cosentino, artista argentina. De este modo la colección se armó de manera mágica. Con Ana Gómez habíamos intercambiado imágenes impresas en calcomanías vitrificables y ese juego de intercambio de figuritas, como en la infancia, me estimuló 23 CULTIVAR LA TIERRA Constantino Méndez, MÉXICO Gustavo Pérez, ceramista Fotografías:José Manuel Ramírez Constantino Méndez nació en Tlalnelhuayocan, Veracruz, un pueblo cercano a Xalapa, la capital del estado. Nada haría pensar que ya, a sus 32 años, generaría interés por su trabajo, no solamente entre los ceramistas y conocedores de México, sino también, poco a poco, a nivel internacional. Sus piezas han sido seleccionadas en varias bienales (España, Corea, etc.). Su compromiso, su capacidad de trabajo y su seriedad, le garantizan un futuro cada vez mas fuerte y personal. Como su maestro, conozco toda su historia con el barro desde ese día en el que llegó, a los 16 años, como ayudante al taller. Naturalmente no podía yo saber que ese sería el inicio de un gran desarrollo artístico, que este acercarse al mundo de la cerámica en las tareas más elementales sería el principio de todo lo que ha sucedido después. Pero sí sé que su rápido aprendizaje no solo determinó que gradualmente se transformara en mi principal asistente, sino también en un ceramista que contempla ya la independencia, que en un momento le será indispensable. 24 Sobre su trabajo, él mismo ha explicado de manera muy clara cómo todo se da a partir de la práctica del oficio. “Aprender trabajando” es el título del texto que escribió para presentarse en Argentina en las Jornadas Internacionales de Cerámica Contemporánea (2011), donde fue invitado. El torno es una disciplina a la que le ha dedicado todo el tiempo que requiere. Y ha alcanzado en ella una calidad profesional, el nivel que solamente se consigue con muchos años de práctica constante. Su experiencia en la aplicación de los esmaltes es también algo digno de mencionar. Pero hay algo muy importante que es indispensable observar y valorar. Porque es claro que para alguien que todo lo ha aprendido de un maestro, resulta especialmente complicado “emanciparse” en términos creativos, definir un camino propio, encontrar un lenguaje personal. Y este era un reto sobre el que en algunas ocasiones hablamos y que por años fue sin duda motivo de reflexión y preocupación para Constantino Méndez. El peso de la influencia es siempre enorme y me da gran satisfacción ver que 25 y que como todos los desarrollos serios, no se agota, sino crece, continúa enriqueciéndose. hoy en día ese brinco ya lo dio, ya encontró algo que le pertenece plenamente. Sus piezas tienen un sello propio y pienso que éste es inconfundible, realmente personal. Recuerdo muy bien ese día en que, a la vuelta de uno de mis viajes a Europa, me encontré en el taller una serie de piezas desconocidas, sorprendentes. Y ante la calidad de lo que veía, sentí que estaba viendo el trabajo de un artista maduro. Eran de Constantino Méndez. Eran sólo el principio de un desarrollo que a lo largo de los años ha dado resultados cada día más interesantes y complejos; 26 Para mí, algo muy interesante de esta serie de piezas con las que Méndez ha llegado a definir un camino propio, es que en ellas se pueden encontrar referencias, bien asimiladas y en absoluto copias, a la obra de varios grandes escultores del pasado. Y pienso en Arp y Brancusi (otro Constantino...). Y que todo lo que ha hecho, como él mismo lo dice, es el resultado exclusivo del trabajo. Sin ir a ninguna escuela de arte, sin esa formación académica que actualmente muchos consideran indispensable para aprender lo necesario para hacerse artista. Pero su trabajo es prueba contundente de que la creación artística es fundamentalmente consecuencia de las verdaderas ganas de hacer algo (Jacques Brel ya lo dijo). La voluntad, el esfuerzo sostenido, la atención a lo que la práctica de un oficio va mostrando como caminos. Y que se desarrolla lenta y gradualmente, como crece un árbol. Como su maestro, me da una gran curiosidad tratar de imaginar todo lo que hará en el futuro este ceramista que empezó sin saber que el misterioso laberinto del azar haría que lo suyo fuera la dedicación a la tierra, la arcilla que lo cautivó. Y que cultivando esa tierra con la devoción que exige, obtendría los frutos que ya está cosechando 27 VIII Bienal Regional de Cerámica. Valparaíso, Chile 27 de abril al 30 de mayo 2012 “La cerámica es un oficio noble y bizarro, entre todos el primero, pues en el arte del barro Dios fue el primer alfarero y el hombre el primer cacharro”. Con estas palabras, Julio Meyer Ogueda, el ganador de la VIII Bienal Regional de Cerámica Artística 2012, agradeció en nombre de los participantes y premiados la realización de este concurso, que calificó como un importante espacio para los artistas que trabajan en este arte. Julio Meyer, director por cuatro períodos del Departamento de Artes Visuales de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación, ha guiado a generaciones de educadores del arte. Meyer nació en Concepción, creció en Chillán y estudió en la Universidad de Chile. Ceramista toda su vida adulta, ha ejercido diversos trabajos y vivido experiencias enriquecedoras: “he conocido el mundo y Chile, de Norte a Sur, gracias a este trabajo” Es cultor del raku, técnica que lo atrae en forma especial, que practica en el taller de la universidad y en su taller personal en San Bernardo, Región Metropolitana. “Mis manos son lo más lindo que Dios me ha dado”. En esta frase plasma su amor por la cerámica, por el arte. Entre otros testimonios, Teresita Marin comenta: “Es importante participar en la Bienal, ya que el aporte de cada uno va sumando miradas y enriqueciendo la cerámica de nuestro país”, mientras que Ximena Ducci opina: “Admiro y aprecio el esfuerzo que se hace por darle vida a la Bienal de Vaparaíso. La veo como una gran oportunidad para la cerámica de unirse, expresarse y crecer.” La premiación e inauguración de la exposición se realizó en el Palacio Flores de la Universidad Viña del Mar, institución que junto a la Universidad de Playa Ancha organizó este certamen. Esta Bienal es muy esperada por ceramistas y público, pues promueve el contacto entre ellos, y es un importante espacio para la cerámica chilena, que permite ver lo que se está haciendo en otros talleres y universidades Segundo Premio: Teresita Marín, Monolito. FOTO ADOLFO LÜBBERT Primer Premio: Julio Meyer, Luna en el Paine. PREMIOS • Primer lugar, Premio UVM: Julio Meyer Ogueda, con la obra “Luna en el Paine”. • Segundo lugar, Premio UVM: Teresita Marín Keymer, con “Monolito”. • Tercer lugar, Premio de la Corporación Cultural de Viña del Mar: Ximena Ducci Budge, con “Casa aplanada”. • Mención Honrosa UPLA: Nancy Olivares Lopehandia, con “Clava: el origen de la vida”. • Mención Honrosa otorgada por la Casa del Ceramista: Marcelo Rengifo Vergara, con la obra “Tríptico cobijo”. 28 FOTO ADOLFO LÜBBERT FOTO MIRIAM SILVA SAYED Tercer Premio: Ximena Ducci, Casa aplanada. Membresía Esteka En la búsqueda permanente por mantener a Revista Esteka en circulación abierta, para todos los interesados en el arte cerámico contemporáneo, hemos creado un nuevo espacio de participación. La idea es que a través de una membresía anual, todo ceramista y amigo de Esteka, se integre a ella a través de una anualidad. Haciéndose miembro de Esteka se colabora a abrir espacios para la cerámica a través del apoyo de todos sus miembros. Ser miembro de Esteka da derecho a participar en una exposición al año que será organizada y difundida por la revista. Se puede participar con una obra, escultórica o utilitaria, realizada en arcilla, cualquier temperatura, cualquier técnica, no menor al tamaño de 25 x 25 x 25 cm. y no mayor de 40 x 40 x 40 cm. La primera exposición, cuyo tema y título es PaisajEsteka se realizará en Agosto del 2013, en Santiago, en el espacio que para tales efectos tiene el Club de Jardines, Avda. Bicentenario 3800 (nivel Parque Bicentenario). Las bases se difundirán a través de nuestro informativo electrónico EstekaInforma de Octubre/Noviembre 2012. Para recibir este informativo envía tu correo a Vesna Granic <[email protected]> Esta exposición será una oportunidad para compartir en camaradería, ceramistas y artistas de diversos niveles en el oficio, favoreciendo la confrontación de ideas, técnicas, lenguajes y tendencias. Los esperamos! Comité Editorial Valor membresía: $30.000 anuales Fecha límite inscripción para participar en expo 2013: 15 de Marzo 2013 Inaugurada tienda COMPARTE -MAVI En el museo de artes visuales MAVI se ha instalado la tienda COMPARTE de comercio justo. En ella encontrarás objetos artesanales realizados por artesanos chilenos, además de objetos de arte y diseño. Desde Octubre en José Victorino Lastarria 307, Plaza Mulato Gil de Castro. Cecilia Patricia Montecino Salamovich Cerámica Gres / Clases y Venta La Mesa Larga Exposición y v e n ta d e C e r á m i c a U t i l i ta r i a Octubre 2012 Sábado 20 10:30 a 20:00 hrs. Domingo 21 10:30 a 20:00 hrs. 242 56 81 9 226 42 23 Fray Bernardo 12 756 [email protected] Jardines de Borde Río Monseñor Escrivá de Balaguer ( junto a restaurantes) Verónica Fernández Tel. 211 00 28 www.huarahuara.cl En CONCEPCIÓN, a una cuadra de la Plaza Hotel y Centro de Convenciones • Certificación de calidad para tres estrellas NCh 2912 de servicios turisticos • Premios Pyme Corfo a la calidad: 2009 Mención Plata - 2010 Mención Oro Colo Colo 334 - Casilla 183 Fonos (41) 2227984 - (41) 2230053 Mail: [email protected] www.hotelalonsodeercilla.cl Paula Niño de Zepeda Esculturas de cerámica • Clases Objetos de madera F. 9-3328405 - 2433607 [email protected] www.paulaniñodezepeda.cl IV Centenario 1105 - Las Condes / Tel. 211 10 40 Cel. 7 - 947 31 73 www.joanmorrison.cl También en venta en Taller Huara Huara, 211 00 28 Otros títulos publicados Lugares Poéticos 49 poetas chilenos eligen 49 lugares en Santiago. Rosario Garrido y Cecilia Castro Esto y el relámpago Una biografía a viva voz. Gonzalo Rojas En librerías y [email protected] Ediciones Foramen Acus M. Consuelo De la Maza • Cerámica gres, clases de modelado y torno • Curso de cálculo y formulación de esmaltes Inicio de clases para adultos y niños Lo Barnechea Informaciones: Fono 217 3989 IV EXPO Ceramistas de Chicureo Bernardita Torres Boulevard Los Ingleses 9 y 10 de Noviembre 2012 Camino Chicureo Km 2De 12 a 20 hrs BAUDET J U A N P A B L O [email protected] Quema de Leña Anagama Clases de Torno – Modelado Venta de Cerámica Gres • Venta de objetos decorativos y línea de la cocina a la mesa • Clases de Cerámica Gres, modelado y torno • Cupos disponibles en distintos horarios Móvil (09) 8889 1314 Fijo (09) 8889 1143 Parcela 134, Sector El Molle, Culiprán, Melipilla www.anagama.cl E-mail: [email protected] MIGUEL A. GONZALEZ Talleres de Raku y Cerámica Primitiva Interesados en Raku llamar o escribir a [email protected] (02) 356-5910 o Cel. (09)342-3800 Padre Hurtado Norte 2131, Vitacura Clases de cerámica gres, modelado y torno Talleres de Raku y Quema Primitiva Tel. (02) 356 5910 - Cel. (09) 9 342 3800 [email protected] Cuentos y leyendas para niños y jóvenes con la sabiduría de las historias de antaño Editorial Idunn En www.editorialidunn.cl o en las principales librerías del país Sandra Pincheira Taller de Cerámica gres Clases y ventas martes 10:00 a 14:00 y 16:30 a 20:30 Tel. 9-089 8186 www.sandrapincheira. cl Hostal El Raco de Juan Carmona Objeto de Arte - Gres y Porcelana Exposición y venta Clases personalizadas Santo Domingo 2816 - Santiago Tel: 02-6817760 Mail: [email protected] www.objetodearte.cl El Aguilucho 3497, Providencia 205 38 92 Trini Correa C e r á m i c a -P o r c e l a n a www.trinicorrea.cl 09.8212798 • [email protected] Aurelio Gonzalez 3469 - Vitacura Ediciones Foramen Acus [email protected] 56 2 233 41 37 Guía ESTEKA Ximena Ducci CHILE “Rara Avis”.Valentina Vega Eck presenta sus esculturas CHILE cerámicas. Hasta el 31 de “Obras de Estudio”. Pinturas y octubre 2012. Sala Nemesio esculturas de Benjamín Lira. Antúnez, Universidad MeDel 10 de octubre al 30 de tropolitana de Ciencias de diciembre. Museo Nacional de la Educación. Av. José Pedro Bellas Artes, Santiago. Alessandri 774, Nuñoa, Sanwww.mnba.cl tiago. www.umce.cl . SUIZA. “Ocho artisI TA L I A . AUSTRALIA ESPAÑA. “Madola: El regreso tas y la tierra”. Clau“PorcelaE x p o s i c i ó n de la Pasión”. La artista catade Champy, Bernard nas” de del Concurso lana presenta “Wagner”, su Dejonghe, Philippe Martha “Sidney Myer serie más reciente dedicada al Godderidge, JacqueliPachón, Fund Austracompositor alemán, además de ne Lerat, Michel Muartista colombiana, y “Joyas” lian Ceramic Award”. 20 sepotras obras. tiembre-18 noviembre 2012, de Yoko Izawa, artista de raour, Setsuko Nagasawa, Daniel Pontoreau, Hasta el 6 de noviembre 2012. Japón. Galería “Ab Ovo” en Camille Virot. Del 27 de marzo al 18 agosto 18º Certamen “San Agustín” de Cerámica, Cen- en Shepparton. www.sheppartonartmuseum. Todi. Hasta fines de noviem- 2013. Museo Ariana, Ginebra. tro Municipal de Arte y Exposiciones, Avilés. www.ville-ge.ch/ariana bre. www.abovogallery.com com.au www.madola.com/es/noticias EXPOSICIONES CHILE “Invitados a tomar el té”. Las artistas argentinas Sofía Donovan (cerámicas) y Elena Losón (serie pictórica) hacen alusión a la canción infantil de la cantautora M. Elena Walsh. Del 7 al 30 de noviembre. Sala Blanca del Centro de Extensión UC, Alameda 390, Santiago. www7.uc.cl/extension MUSEOS ESPAÑA. Museo del Azulejo “Manolo Sanfont” Onda, Valencia. Sobresalientes colecciones de cerámica de aplicación arquitectónica valenciana. Más de 20.000 piezas, abarcan desde época clásica a la actualidad, destacándose las colecciones de azulejería de los siglos XIX y XX, así como los objetos etnológicos industriales y las series documentales de esta última etapa. www.museoazulejo.org CONCURSOS ITALIA. Concurso Internacional de Cerámica de Arte Contemporaneo, Faenza, 2013. Sin restricción temática para artistas individuales o grupos. Registros hasta el 31 de diciembre 2012. www.micfaenza.org ESPAÑA. VI Bienal Internacional de Cerámica “Ciudad De Talavera”, 2013. Inscripciones con fotografías hasta el 15 de marzo de 2013. Bases en www.2006. isotools.org/ centros/32/gdocumental/l7_a66_c1/BASES_ Y_FICHA_6_BIENAL_ CERAMICA_auto.pdf LIBROS www.laceramicainitalia.com Sitio de la revista italiana “La Ceramica, in Italia e nel mondo” con todo el acontecer cerámico en ese país. www.erskinehallcoe.com Sitio de la galería londinense especializada en cerámicas del siglo XX y contemporáneas. Editora: Ximena Ducci Comité Editorial: Sandra Pincheira, Bernardita Torres, Micaela Weiss, Patricia Walbaum Colaboradores: Vesna Granic, Alejandro López Representante Legal: Pilar de Iruarrizaga Between Clouds of Memory. Akio Takamori, A Mid-Career Survey . La obra del gran artista japonés radicado en EE.UU. Escriben Garth Clark, Peter Held, Toyojiro Hida, Edward Lebow. https://gallery.archiebray.org www.amazon.com http://ceramicfocus.blogspot.com Blog con excelente obra cerámica internacional. Directora: Ruth Krauskopf 32 ALEMANIA. VII Concurso de Escultura Cerámica de Nassauische Sparkasse, 2013. Museo de Cerámica de Westerwald Tema: La figura humana. Postulaciones por mail hasta el 17 Febrero 2013 Bases desde el 15 de octubre en www.keramikmuseum.de 500 Prints on Clay . La tradicional serie de Lark editó un nuevo libro con el tema de impresiones sobre cerámicas. La artista chilena M. Inés Varela presenta dos de sus obras en él. Estará a la venta en marzo 2013. www.amazon.com Voces del silencio. Colombia arqueológica, de Alejandro Triana. Libro virtual que recoge bellas fotografías de piezas de cerámica de la Colombia precolombina. Sus imágenes pueden imprimirse en alta resolución en forma gratuita. http://conversatoriosomec. wordpress.com/e-book/ SITIOS WEB ITALIA. Musée Ariana, Ginebra. Es sin duda uno de los centros imprescindibles de la cerámica europea, por su colección permanente, de unos 20.000 objetos, que abarcan toda la historia de la cerámica, y sus exposiciones temporales, que constituyen hitos en la cultura cerámica. Este Museo es la sede de la Academia Internacional de Cerámica, IAC. Musée Ariana, Musée Suisse de la Céramique et du Verre. www.ville-ge.ch/ariana P ublicación http://aplateaday.blogspot.com/ Blog que muestra un nuevo plato cada día y se pueden mirar en grupos según temática. semestral : A bril – O ctubre Diseño: Guillermo Feuerhake Impresión: Salviat Impresores Huara Huara 1932, Las Condes – Santiago, Chile Teléfono: (56 2) 211 00 28 Mail: [email protected] Suscripciones en: www.huarahuara.cl
