Biografías de los artistas - Institución Cultural EL BROCENSE

CONCIERTOS EN LOS MUSEOS 2009
Del 10 de julio al 28 de agosto
HABIB KOITÉ & BAMADA
Mali en la Voz y la Guitarra
Ficha Artística
Habib Koité- Voz Solista y Guitarra Acústica
Souleymane Ann- Batería y Voces
Abdoul Wahab Berthe- Bajo, Kamale N´goni y Voces
Kélétigui Diabaté- Balafón y Violín
Mahammadou Kone- Percusiones Tradicionales (Tama, Dum dum,
Caragnan…)
Boubacar Sidibe- Guitarra, Armónica y Voces
Habib Koité es sin duda uno de los más grandes artistas
internacionales de Mali y uno de los músicos africanos que más ha
vendido (250.000 discos) por todo el globo.
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En USA, uno de sus territorios de más éxito, ha colaborado
con la cantante Bonnie Raitt, fue invitado al show de Dave Letterman,
la revista Rolling Stone le ha llamado "la más grande estrella pop de
Mali", ha sido destacado en un artículo de 2 páginas con fotos en la
prestigiosa revista Vanity Fair y ha recibido críticas muy favorables en
People, Entertainment Weekly y el New York Times quien dijo "su
reputación como guitarrista es casi mítica".
Prueba de su popularidad es que dos temas de su primer
álbum "Muso Ko" han sido incluidos en la demo de música del
programa Windows Vista de Microsoft, lo que significa que sus
melodías serán instaladas diariamente en millones de ordenadores
personales de todo el mundo.
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Habib Koité, el griot moderno, tiene su propio estilo.
Adaptó y adoptó los acordes del kamala n´goni tradicional (arpa
juvenil) a su guitarra eléctrica, mientras profundizaba en las ricas
tradiciones de Mali, fusionando los sonidos del tama (tambor que
habla) y del bala (xilofón africano) con la música de las regiones
Bambara, norte de Takamba y Songhai.
Habib Koité procede de una gran familia de griots
malineses y ha trabajado con reconocidos músicos como Keletigui
Diabaté y el ganador de un premio Grammy Toumani Diabaté.
En 1988, Koité forma su propia banda, Bamada, con la cual recorre
todo el país y da el salto internacional a través de Francia.
Su álbum "Muso Ko" (Contrejour, 1995) lo llevó rápidamente a la
cima de las listas europeas de éxitos de músicas del mundo.
Le siguen, ya con distribución en todo el mundo, "Ma Ya"
(Contrejour, 1998) y "Baro" (Putumayo, 2001) con gran aceptación
de crítica y público, de los cuales se vendieron más de 250.000
copias.
En 2005 realiza el espectacular tour mundial "Acoustic
Africa" producido por la discográfica Putumayo Records, junto con
dos estrellas emergentes de la música africana como son la cantante
y percusionista afro-pop Dobet Gnaoré (Costa de Marfil) y Vusi
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Mahlasela, uno de los cantantes más comprometidos y luchadores por
las libertades de Suráfrica.
Fruto de la extraordinaria gira de estos 3 artistas, Putumayo
World Music presenta el disco Acoustic Africa (Putumayo, 2006), una
colección única y cautivante de algunos de los mayores cantantes y
cantautores africanos que dan sobrias muestras de dominio
acústico/maestría acústica. Un álbum que nos recuerda por qué nos
conmueve una canción: la melodía, el ritmo y el mensaje.
A destacar su participación estelar en la película documental y
posterior DVD "Desert Blues" (Arte, 2007) sobre la música de
Mali, con el grupo femenino tuareg “Tartif” y Alef Bocoum
considerado el heredero de Alí Farka Touré.
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Ahora edita su primer álbum de estudio en seis años,
titulado "Afriki" (Cumbancha, 2007) al cual seguirá una extensa gira
mundial de presentación.
“Mi
manera
de
tocar
la
música
tradicional,
es
interpretando con la guitarra acústica los sonidos de los instrumentos
tradicionales de Mali. En Mali, hay tantas etnias como ritmos y estilos
musicales. En otros países africanos, generalmente predomina un
único ritmo popular –m'balax senegalés, soukouss congoleño o el
makosa camerunés. En Mali, en cambio, hay muchísimos ritmos
populares. Hago como un viaje musical a través de Mali. Me tomo la
libertad de saltar de un ritmo a otro. Durante muchos años, he
tocado diferentes géneros africanos y occidentales, pero finalmente
decidí concentrarme en la música malinesa. Tenemos tantos
ritmos en Mali que no nos hace falta tocar música de otras latitudes.
Creo que esto es una cosa que todos los artistas africanos tendrían
que considerar. Sólo es cuestión de hacer un esfuerzo." Habib Koité
Web
www.habibkoite.com
www.myspace.com/habibkoite
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LUAR NA LUBRE
Ao Vivo
Biografía:
Luar Na Lubre es hoy por hoy el grupo de música Folk más
importante del Estado. Sus último seis discos para la Multinacional
Warner han vendido más de 300.000 copias.
A mediados de los 90, el músico británico Mike Oldfield, les
aupó al reconocimiento internacional al grabar una canción suya, “O
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son do ar”, en su álbum “Voyager”. Esta colaboración continuó con
una fabulosa gira conjunta española que les presentó ante 200.000
personas en 10 ciudades. Mike Oldfield ya lo reconoció en la rueda
de prensa final “Luar Na Lubre son el mejor grupo celta del mundo”.
Su proyección internacional ha ido en aumento con giras en
numerosos países: Francia, Holanda, Bélgica, Portugal, Alemania,
Inglaterra, Gales, Escocia, San Marino, Italia, Chequia, Eslovaquia,
Canadá, Venezuela, Argentina, Brasil, Cabo Verde, Grecia, Uruguay,
Marruecos o Palestina, participando en los más importantes festivales
de World Music junto a artistas de la talla de Bob Geldoff, Waterboys,
The Cors...
Si miramos a su discografía, sus discos Plenilunio 1997 y
Cabo do Mundo 1999 han sido disco de Oro. En el 2001 presentaron
XV Aniversario, disco recopilatorio que recoge lo mejor de sus XV
años de existencia, contando con la participación de músicos de
excepción como Pablo Milanés, Ismael Serrano o Hevia.
En el 2002 presentaron Espiral trabajo producido por Donald
Lunny, productor entre otros de Water Boys, Van Morrison, Sinead
O’Connor...
En el año 2004 se presentó su trabajo Hai un Paraíso,
además se estrenó en cines la película-documental “UN BOSQUE DE
MÚSICA” rodada por el director gallego Ignacio Vilar sobre la vida
del grupo. El estreno oficial tanto del disco como de la película se
realizó en Marzo de 2005 en Nueva York.
En noviembre de 2005 se presentó “SAUDADE” este disco es
un viaje, dedicado a la emigración gallega por Latinoamérica. Que
mira a la música en movimiento, que parte de las raíces pero se
mezcla por los países donde viaja, que absorbe sus colores, sus
sabores y sus matices.
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En este trabajo, Luar Na Lubre rescata poemas de Federico
García Lorca en gallego dedicados a la ciudad de Buenos Aires,
pandeiradas dedicadas al Ché Guevara desde Venezuela, temas
compuestos por gallegos en el exterior o a su vuelta y, claro está,
temas escritos por la banda tras su periplo americano...
Este disco contó con la participación de invitados
excepcionales como:
ADRIANA VARELA (Argentina)
CIDA AIDAM (Brasil)
PABLO MILANES (Cuba)
LILA DOWNS ( México)
FARRUCO SESTO (Venezuela.)
CAMIÑOS DA FIN DA TERRA su anterior proyecto recogía
doce canciones que nos acercaban a leyendas y misterios de los
caminos, paisajes que hablan de mundos mágicos donde la
naturaleza y los espíritus se funden al final de los trayectos en busca
de la tranquilidad.
La Academia de los Premios de la Música ha distinguido
en los últimos años a Luar Na Lubre con numerosos premios:
2007_Mejor canción en gallego : CANTO DE ANDAR
2007_ Mejor álbum de música tradicional: CAMIÑOS DA FIN DA TERRA
2005_ Mejor canción en gallego: HAI UN PARAISO
2003_ Mejor canción en gallego: DEVANCEIROS
2002_ Mejor álbum en gallego: XV ANIVERSARIO
2000_ Mejor álbum de nuevas músicas: CABO DO MUNDO
2000_ Mejor canción en gallego: CHOVE EN SANTIAGO
1999_ Mejor canción otras músicas: TU GITANA
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En este momento y después de 24 años recorriendo los cinco
continentes. Después de 26 países visitados. Después de dar las
gracias en 12 lenguas diferentes...
Creemos que este es el mejor momento para publicar un
primer disco en directo. Un regalo para su público y un testimonio
para toda la gente que ha participado como espectador en sus más
de 800 espectáculos y que han colaborado en que LUAR NA LUBRE
sea hoy en día, lo que es, uno de los grupos internacionales más
importantes de la música celta. “Ao Vivo” recoge las 18 canciones
que se interpretaron el 22 y el 23 de enero en el Teatro Colon de A
Coruña con dos llenos hasta la bandera. Todos sus temas clásicos
(“Tu gitana”, “O son do ar”, “Chove en Santiago”...), un tema inédito
(“Axeitame polainiña”) y tres colaboraciones muy especiales de
amigos como LUZ CASAL (“Camariñas”), DIANA NAVARRO
(“Romeiro ao lonxe”) y PEDRO GUERRA (“Memoria da noite”).
Además, “Ao vivo” recoge un documental, un DVD con el concierto
completo y un bonus track muy especial con ISMAEL SERRANO
cantando junto a LUAR NA LUBRE “El derecho de vivir en paz” en
solidaridad con el pueblo de Gaza.
LUAR NA LUBRE son:
9 Bieito Romero: gaitas y acordeón
9 Sara Vidal: voz
9 Patxi Bermúdez: Bodhran, tambor, djimbek
9 Xulio Varela: Bouzouki
9 Xan Cerqueiro: Flautas, teclados
9 Eduardo Coma: violín
9 Pedro Valero: guitarras
9 Javier Ferreiro: percusión
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LUAR NA LUBRE discografía
Ao Vivo, 2009
Camiños da fin da terra 2007
Saudade 2005
Hai un Paraíso 2004
Espiral 2002
XV Aniversario 2001
Cabo do Mundo 1999
Plenilunio 1997
Ara Solis 1993
Son do Ar 1988
Web: www.luarnalubre.com
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FELIPE CAMPUZANO
E ISIDRO ORTEGA
Felipe Campuzano:
Nace en Cádiz en el seno de una familia de músicos.
Cursa la carrera de piano en el Conservatorio de Cáiz,
completando los estudios de piano y composición en Madrid, logrando
el Premio Nacional “Fin de Carrera”. A partir de entonces recibe
numerosos premios nacionales e internacionales: “Manuel de Falla”,
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“Sagitarios de Oro” de la Academia de Santa Cecilia de Roma, Primer
Premio del Festival de Londres en su edición de 1980 etc.
Designado por el Ministerio de Asuntos Exteriores, ha dado
recitales en diversas universidades americanas, centro de Europa y
Emiratos Árabes.
Su importantísima creación como compositor ha dado la vuelta
al mundo, destacando muy especialmente de entre todas, su obra
“Andalucía Espiritual”
Web: www.felipecampuzano.com
Isidro Ortega:
Nace en Trujillo (Cáceres). Realiza los estudios superiores en
el Real Conservatorio de Madrid (piano, armonía, contrapunto y
composición).
Obtiene el Premio “Fin de Carrera” en piano y el Premio
Nacional como “Becario Distinguido” en los estudios de “Armonía” y
“Virtuosismo del Piano”.
Como concertista ha actuado en la amplia geografía española,
en programas de TVE (“Minutos Musicales”, “Martes Musicales”,
“Agenda Cultural”, etc..) en Radio Nacional de España (“Tercer
Programa”, “Galería de Intérpretes”, “Música Española”, entre otros)
Entre sus diversas composiciones destaca el villancico “Llega
Navidad” a cuatro voces mixtas y solista. Esta obra fue estrenada en
TVE en enero de 1975. A partir de 1997 lo interpretan, por todo el
mundo, el “Coro de niñas cantoras de Ucrania”. Fue obra obligada en
el concurso de villancicos del Excmo. Ayuntamiento de Madrid en la
Navidad de 1998.
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DISCOGRAFÍA:
¾ Felipe Campuzano e Isidro Ortega: Concierto en directo desde
el Palacio de San Carlos de Trujillo
¾ Felipe Campuzano e Isidro Ortega: Concierto “Cáceres
Patrimonio de la Humanidad”
PROGRAMA
ISIDRO ORTEGA
Notas de viaje/Cáceres en el Tiempo/Recuerdos Berroqueños/Paisaje
extremeño/LLega Navidad...(Música original: Isidro Ortega)
Candilejas
Concierto de Aranjuez
Verdes campiñas
Camino verde
FELIPE CAMPUZANO
Desde la Rábida (Guajiras)
Embrujo (Vol. Sevilla)
Mar y Tierra (Nocturno)
Las Salinas (Vol. Cádiz)
Potpourri sudamericano
FELIPE CAMPUZANO- ISIDRO ORTEGA
(A dos pianos)
Dos cruces
Love story
Amor es mi canción
Tema de Lara
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EL TÚNEL DEL TIEMPO
Ernesto Schmied: Flautas históricas
Juan Carlos de Mulder: Laúd, guitarra barroca, tiorba...
Un viaje muy especial a través de la historia de la música.
Partiendo del Medievo nos iremos adentrando en los diferentes estilos
de música, el renacimiento, el barroco, el clasicismo, el romanticismo
y algunas escuelas del siglo XX.
Dos instrumentistas que recrean las diferentes atmósferas de
cada época con un toque muy personal utilizando medios mínimos
para lograr un compromiso tímbrico y estilístico de gran belleza.
Un recorrido a través de los sonidos de este túnel del tiempo.
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Ernesto Schmied
Flautas históricas
Especialista en flautas históricas ha actuado en numerosas
salas de concierto en Latinoamérica, Europa, Oriente medio y norte
de África. Es frecuente invitado de importantes festivales:
Festival Internacional de Santander, Houde Muziek Utrecht,
Quincena Musical Donostiarra, Calw Festspiele, etc. Colabora con
diversas agrupaciones de cámara cuyo repertorio abarca desde el
renacimiento al barroco (Camerata Iberia, Extramundi, Scordatura,
La Españoleta.) y ha sido solista invitado por diversas orquestas
(Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Concerto, Orquesta de
Cámara de Música Barroca do Porto, Orquesta Schola Cantorum y
Concierto Español).
Es director del grupo Speculum especializado en el Ars Nova
español. Han sido invitados en numerosos festivales de todo el
mundo. Cabe destacar su gira europea de 2005 con el programa: “El
Quijote de las Tres Culturas”.
Dentro de su amplia discografía sobresalen el CD de música
Española del renacimiento para la casa americano-nipona MA
Recordings titulado Songs and Dances from the Spanish Renaissance
(1996) y el primer trabajo discográfico del grupo Speculum, Fumeux
fume par fumee (1998), premiado con el prestigioso Choc de Le
Monde de La Musique en enero de 2000. Desde el pasado 2006 se ha
embarcado en la serie de grabaciones dedicadas íntegramente al
Cancionero de El Escorial B. Coproducida por la Comunidad Autónoma
de Madrid y el sello Openmusic, la serie ya cuenta con tres
volúmenes y una grabación en curso que será editada en 2010.
Como director artístico del Festival de Música Infrecuente
(Conde Duque, Madrid 2001-2008) ha potenciado una programación
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ecléctica en consonancia con las exigencias de un público moderno
que busca la novedad dentro de los límites que acota la calidad.
También dirige el Festival de Música Infrecuente de Santillana del Mar
que se desarrolla a lo largo del mes de septiembre desde el año 2000
y en donde han sido invitados agrupaciones y solistas de prestigio
internacional.
Desde el pasado 2008 dirige el Festival Internacional de
percusión ATAPERCU. En él se dan cita las figuras más importantes
de la percusión y durante cuatro días se puede asistir a conciertos en
diferentes escenarios de Atapuerca. Durante el próximo mes de julio
podremos disfrutar de un cartel único con figuras como Jorge Drexler,
Jojo Mayer o Juanjo Guillem.
Juan Carlos de Mulder
Laúd, guitarra barroca, tiorba...
Nace en Lima y estudia en los conservatorios de Madrid, La
Haya y Toulouse.
Ha trabajado como continuo en producciones de opera barroca
y oratorio bajo la dirección de Ph.Herrewege, J.C. Malgoire, Nigel
Rogers, Jordi Savall y Eduardo López Banzo entre otros.
En el campo de la música de cámara ha colaborado con:
Albicastro Ensemble, Hesperion XX, La Romanesca, Orphenica Lyra y
actualmente colabora con grupos como: Speculum, Al ayre español,
Accademia del piacere, La Folia, Músicos del Buen Retiro, Trulla de
voces, Capella de Ministrers, Magios ,etc.
Ha realizado más de 50 grabaciones de música antigua desde
el medievo al preclasicísmo.
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Ha compuesto música para la Compañía Nacional de Teatro
Clásico (Misántropo - Moliere, La vida es sueño - Calderón) y Una
noche con los Clásicos (Marsillach) y recitales de poesía y música con
Carlos Hipólito, Arturo Querejeta, M. Jesús Valdés, Adolfo Marsillach y
Amparo Rivelles.
Actualmente compagina su trabajo en diversos grupos de
cámara con la Dirección del grupo Camerata Iberia con el que ha
grabado: Songs and Dances from the spanish renaissance (MA
recordings), Música en torno al teatro de Calderón (Jubal), Barroco
del Perú (Alma records) y La Spagna (Verso).
Como solista de vihuela ha grabado: El Maestro - Luys Milán
(RTVE) y Fantasías y diferencias (Fonti musicali) y Diego Pisador
(Verso).
Ha dado clases en las universidades de Salamanca,Valencia y
Mexico DF, ha sido profesor de instrumentos antiguos de cuerda
pulsada en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid del
2004 al 2008.
En la actualidad es profesor invitado en la Academia de Música
Antigua de la Universidad de Salamanca y el Curso Internacional de
Música Antigua de Daroca de la Institución Fernando el Católico (
Zaragoza).
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Programa
El túnel del tiempo
Sostenuto & Grazioso
Midnight & Lachrymae
Ricercare
Calata alla spagnuola
Tradicional japonesa
Gymnopédie
Pavana al ayre español
Cumbes
Preludio & Gigue
Mort
Frog galliard
Cassandra
La volta
Serenata
Canarios
Mauro Giuliani (1781 - 1829)
John Dowland (1563 - 1626)
Anónimo (s. XVII)
Joan Ambrosio Dalza (fl. 1508)
Autor anónimo (s. XV)
Erik Satie (1866 - 1925)
Gaspar Sanz (s. XVII / XVIII)
Santiago de Murcia (ca. 1682 – ca. 1740)
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Astor Piazzolla (1921 - 1992)
John Dowland (1563 - 1626)
Anónimo (s. XVII)
Michael Praetorius (1571 - 1621)
Franz Schubert (1797 - 1828)
Anónimo (s. XVII)
Web: www.openmusic.es
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ANA MARIA, luz de Fado
Voz - Ana Maria
Guitarra portuguesa – Guilherme Banza
Guitarra clásica - Nelson Aleixo
Bajo acústico - Fernando Araújo
Ana María encarna un caso atípico en la escena de la música
portuguesa actual y, más concretamente en el ámbito del Fado.
Nacida en el año 1952 en Angola, antigua colonia portuguesa, en
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1975 tuvo que exiliarse y abandonar su país a causa de la guerra
pasando desde entonces a residir en Portugal.
La trayectoria vital de Ana María es de una crudeza sin
límites: adoptada de niña, padeció la guerra, el desarraigo y la
tristeza, aunque no por ello ha perdido la alegría, el orgullo y la
vitalidad que la caracterizan.
Hace unos años Ana María descubrió que su madre biológica
aún vivía en Angola, lo que supuso un vuelco vital de primer orden.
Su talento artístico hizo posible que fuese la artista invitada
para viajar a Angola en un viaje oficial del Primer Ministro portugués.
Preparó a conciencia el viaje, la idea del reencuentro con su madre
biológica y el regreso a su país de origen resultaban de enorme
emotividad. Ambos países se hicieron eco del caso como si de una
epopeya vital de primer nivel emocional se tratase. Ana María actuó
en la capital de Angola para sus paisanos en un recital inolvidable.
Una vez de regreso a Portugal, Ana María trató de que su madre
viajase en su encuentro para recuperar el tiempo perdido con la
desgracia añadida de que, pocos meses después, su madre fallecía,
truncándose así su deseo.
Ana María comenzó a interpretar fados en Alfama y es,
quizás, el sufrimiento de su alma el que tenga mucho que ver con la
pasión y calidez de su canto, con esa voz cristalina y limpia que hace
frente, como un titán, a la saudade.
Desde hace unos pocos años a esta parte Ana María canta en
dos de las más importantes casas de Fado de Lisboa, “A Travessa do
Embucado” y “La Taberna d´el Rei”. También ha sido la fadista que
recientemente se ha incorporado al proyecto Fado & Co.
En 2003 grabó su primer y único disco de estudio hasta la
fecha: “Trago Fado nos sentidos”, trabajo producido por el
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también compositor Fernando Araújo, un disco en el que interpreta
nuevos temas pero también algunos inolvidables clásicos caso de
Sódade, canción que ha inmortalizado Cesária Évora, Queda do
Imperio de Vitorino, etc. “Trago Fado nos sentidos” ha recibido
excelentes críticas de público y medios de comunicación.
Su popularidad artística es una realidad que transciende
fronteras y de tal modo ha realizado giras y actuaciones en multitud
de países europeos.
En Octubre de 2004 Ana María actuó para Bill Gates en un
acto organizado por el Gobierno de Portugal.
Su primera actuación en España se produjo el 30 de Enero de
2005 en el Festival Internacional de Músicas del Mundo y Nuevas
Tendencias, INTERPARLA, Madrid, actuando más tarde en Asturias y
para la Universidad de Cantabria con motivo del Día Mundial de los
Derechos Humanos.
Las actuaciones de Ana María son como un viaje que,
partiendo de Portugal, se adentra por en tierras africanas, viaja hasta
Brasil y retorna a Lisboa, en un hermoso periplo lusófono en el que
tiene cabida y se mezcla la lengua, la música y la cultura.
Ana María es capaz de hacer surgir el mar a través de su voz,
es capaz de conmovernos con un solo quejido, con uno solo de sus
lamentos.
Ana María demuestra con su canto que el Fado es más que
un género musical, que el Fado es un sentimiento universal.
Ana María: “El fado no tiene color ni fronteras”.
Web: http://www.elcohete.com/pages/anamaria.htm
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URS KARPATZ
Voces Gitanas
Ficha Artística
DIMITRI Líder-Canto-Percusión-Sitar
BÉBÉ Canto - Guitarra - Acordeón
GOASHE Viola - Violín
KANGOU Contrabajo
KATSOFANE Violín - Coros
KINEZO Cymballums
LOLIK Canto - Percusión
MATCHO Saxofón-Clarinete-Flauta
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Ciertamente es el pluralismo lo que caracteriza a los mejores
URS KARPATZ, grupo polifónico, polirítmico y poli-instrumentalista.
Este grupo goza de una extraordinaria variedad etnomusical,
interpreta en romaní, la lengua de los gitanos, un repertorio de gran
calidad, reflejo y eco de la cultura gitana en Europa. Los miembros
del grupo son de cultura ucraniana, húngara y romana. VIOLÍNES,
PEQUEÑO Y GRAN CYMBALLUM, CONTRABAJO, PERCUSIONES,
ACORDEÓN, SITAR, FLAUTA, CLARINETE Y SAXO SE MEZCLAN
ADECUADAMENTE CON LAS VOCES.
Las diverses influencias etno-musicales de Urs Karpatz
En el siglo XII, después de su migración a Europa, los "Roms"
gitanos, pueblo nómada, se estableció en un primer momento a la
Grecia bizantina, después a través de los Balcanes remontaron hacia
la Europa del Este y más tarde hasta la Europa Central.
Algunos se establecieron durante varios siglos en el Imperio
Germánico y formaron así el grupo de los Manouches, después se
extendieron a Francia, desde donde bajaron hasta Andalucía donde
nació el grupo de los Gitanos.
Las músicas llamadas gitanas son la mayoría de veces,
músicas tradicionales de los países “adoptados”, pero interpretadas
de manera tan espectacular por los gitanos, que se convierten, a los
ojos del mundo, en algo de su propiedad.
Pero al lado de estas músicas i instrumentos prestados, existe
una tradición oral de cantos y de música polifónica y polirítmica
extremamente viva. Estas melodías gitanas se dividen en dos
géneros: los cantos lentos y líricos (loki gili) y las canciones de bailar
(kheli maski gili). La función de estos cantos - según los propios
intérpretes - es la de explicar la multiplicidad de las músicas
tradicionales de la Europa del Este y de los Balcanes. Los gitanos
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llaman también "hablar verdadero" a estas piezas lentas, ya que su
contenido tiene que ser verdad, tiene que ser fiel a la realidad,
reflejar acontecimientos '"verdaderos" y pensamientos "verdaderos".
Hoy la cuna cultural gitano-europea más variada, la
encontramos sin duda en Rumania, gracias a las tradiciones que se
han conservado y a las influencias pluri-étnicas. La influencia húngara
al oeste, eslava al norte, balcánica y oriental al sur, no han hecho
sino enriquecer el patrimonio musical de este país.
Urs Karpatz, los caminos gitanos...
Urs KARPATZ está lejos de ser un grupo gitano habitual. Su
historia no es banal y daría para hacer una película.
Al principio del camino, hay un hombre, Dimitri, descendiente
de corsarios y de gente viajera. De telón de fondo, una infancia
bastante movida… A la edad de 4 años, huye para incorporarse a un
campamento romaní a poca distancia de su casa "para hacer lo que
yo quiera". Adolescencia tumultuosa, deseos de viajes y de música.
Empieza entonces su larga ruta siguiendo el rastro de los gitanos a
través de todos los países de la Europa del Este.
Un día, después de uno de sus viajes en compañía de gitanos
nómadas domadores de osos en una ruta de Bosnia, Dimitri salva de
ahogarse a un niño de la tribu. Como testimonio de su
agradecimiento, el pare, jefe de la tribu, le ofrece un osito
amaestrado. ¡Presente imposible de rehusar! Es así como Dimitri
decide hacer renacer en Occidente el oficio de domador de osos,
asociándolo a la música gitana.
Empieza
cantantes entre
de ¡no rehusar
KARPATZ ve la
en ese momento la búsqueda de músicos, 8
los mejores, los más atípicos y orgullosos sobretodo
su cultura Romaní! Así, en 1993, el grupo URS
luz. Es en agosto de 1993, con motivo de las Noches
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Gitanas de Saint-Raphaël (Francia) cuando URS KARPATZ da su
primer concierto. ¡Y fue un gran éxito! Rápidamente, el grupo se
embala y se presenta el año 1993 una treintena de veces en Francia,
asociando conciertos y espectáculos de osos.
A comienzos de 1995, sale un primer CD en Francia, con
canciones de conciertos dados en las Noches Gitanas de St Raphaël
en agosto de 1993 y en Saintes Maries de la Mer, en mayo de 1994.
Y ya los tenemos en diciembre de 1995 en el Teatro du Tourtour de
París durante 5 semanas.
El grupo va creciendo a ritmo de un nuevo álbum por año: en
diciembre de 1999, cuando sale "Chemins de Tsiganie" consiguen
llenar el Teatro de l'Européen de París durante 3 semanas! El álbum
"Routes et Racines" es presentado con 3 conciertos excepcionales en
el Bataclan de París en noviembre de 2000, durante la última noche,
se les otorga el PREMIO ROMANES 2001. Su último álbum
“Tsinghindia” sale en 2003, gozando de un percusionista gitano del
Rajastan como invitado.
Siguiendo el rastro de Urs Karpatz
Las giras triunfales
En Francia:
Scène Nationale d'Albi, Scène Nationale d'Alençon, Amneville,
Centre Culturel d'Athis-Mons, Scène Nationale de Belfort, OMCB de
Bellegarde, Théâtre de Béthune, Théâtre du Colisée de Biarritz, Scène
nationale de Besançon, Bourges, Cannes, Cahors, Chaumont, Scène
Nationale de Cherbourg, Cournon d'Auvergne, Centre Culturel de
Cesson Sévigné, Centre Culturel de Dourdan, Centre Culturel de
Faches-Thumesnil, Centre Culturel de La Ferté Bernard, Fontenay,
Théâtre de Gradignan, Grasse, Guérande, Centre Culturel de
Hazebrouck, Lannion, Les Ulis, Lunéville, Luxeuil-les-Bains, Lyon,
Macon, Palais des Congrès du Mans, Maronne, Le Mée sur Seine, Le
Jam à Montpellier, Centre Culturel de Massy, Centre Culturel de
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Melun, Théâtre de la Princesse Grace de Monaco, Montauban, Théâtre
de Montélimar, Montreuil, Montgeron, Nexon, La Villette à Paris,
Centre Culturel de Poitiers, Puteaux, Théâtre de Roanne, Rilleux, Les
Saintes-Maries-de-la-Mer, Scènes du Jura, Strasbourg, Saint-Dié,
Centre Culturel de St Genis Laval, St Gervais, Théâtre de St Quentin
en Yvelines, Villefontaine, Centre Culturel de Villepreux, Vitré,
Vanves, Wittenheim...
También en Suiza, Bélgica, Canadá, Andalucía, Cerdeña,
Alemania, Holanda...
En los grandes escenarios parisinos:
Le Trianon: 10 julio 2003, Le New Morning: marzo 2001, Le
Bataclan: 3 días noviembre 2000, L'Européen: 3 semanas enero
1999, Le Théâtre du Tourtour: 5 semanas enero 1996
Los Festivales:
Festival de Musique Tzigane du Trianon Paris, Labeaume en
Musique, Festival Métisse à Nantes, Angers l'Été, Chaumont l'été,
Chorus des Hauts de Seine, Festival Correspondances de Terves,
Festival d'Auvers-sur-Oise, Festival de la Baie de Concarneau,
Festival de L'Abbaye de Sylvanes , Festival de Nitting, Radio France
Montpellier, Festival de Robion, Festival de Saint Florent sur Cher,
Festival de Vivonne, Festival des Abbayes de St Paul les Dax, Festival
d'Ici et d'Ailleurs, Festival du Cloître des Jacobins à Toulouse, Été
Musical en Bergerac, Festival international tsigane de Strasbourg ,
Jazz en Artois, L'Été Musical de St Léonard, La Fête à Léon, Latina
2000 au Puy en Vellay, Les Jeudis du Port à Brest, Les Musicales de
St Martin de Londres, Les Nuits du Sud à Vence, L'Été du Grand
Jardin en Haute-Marne, Festival SIVOM à Givrand, Festival Ziva de
Bourges, Festival Musique en Bourbonnais, Festival Concerts de
Vollore, Festival de Gramont, Festival L'Été à Pau…
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Urs Karpatz, testimonios
A propósito de los conciertos:
"Urs Karpatz no se deja influir por las modas... su cultura
romaní transpira a través de cada una de sus composiciones o de sus
interpretaciones. Música vibrante, música viva, música gitana!"
Tony GATLIF, cineasta
"Se podría decir de entrada, que son como salidos de un libro
de dibujos, de tanto como se corresponden a la idea que nos
hacemos de los Gitanos. Músicos y cantantes, fornidos como
labradores errantes, pero cada uno de ellos es un virtuoso de su
instrumento, generoso, a veces malicioso, siempre auténtico. La
complicidad con el público se establece sin problema. Es entonces
cuando los Urs Karpatz ofrecen un baño de salud, y te sientes mucho
más vivo habiéndolos encontrado."
Jean FAVRE, Director del Teatro du Tourtour
"Los Urs KARPATZ no son gitanos de altos vuelos. Han crecido
al aire libre, en contacto con la naturaleza. Tienen unas gargantas
como surgidas de un film de Kusturica y nos equilibran hacia una
música que hace desaparecer los sofás y sacar la moqueta..."
Gérard BIARD, periodista
A propósito del CD:
"Urs KARPATZ me ha robado el corazón inmediatamente…
En efecto, esto que realiza este grupo, se sitúa
maravillosamente en la prolongación de la obra de los maestros
gitanos desaparecidos. I se puede constatar que Urs KARPATZ trabaja
con un profesionalismo poco usual en los gitanos "in situ". En las
antípodas de las músicas gitanas "para turistas", los intérpretes de
Urs KARPATZ, sin la menor concesión a la galería y con virtuosos
instrumentistas perfectos, consiguen su objetivo con prestancia. Y
dan más fuerza a aquellos que defienden que Nietzsche tenía razón
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cuando declaraba "Sin la música, la vida sería un error..." ¡Larga vida
a los Urs KARPATZ!
Marcel CELLIER Etno-Musicólogo
Discografía
'Fusions Bohémiennes' - 2008
'Best Of Urs Karpatz' - 2006
'Tsighindia, pájaros de paso' 2003
'Autour de Sarah' - 2001
'Routes et Racines' - 2000
'Chemins de Tsiganie' - 1998
'Voix Tsiganes' - 1996
'Gipsy Voices' - 1995
'Musique tsigane traditionnelle vivante' - 1994
Web:
www.urskarpatz.com
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OREKA TX
Nömadak Tx en directo
Concierto de OREKA TX con la colaboración especial de AZIZA
BRAHIM. Proyecto en gira Nomadak Tx.
El sonido surge del movimiento. Un auténtico músico debe
moverse, debe viajar. Y entonces encontrará nuevos sonidos.
Nomadak tx cuenta la historia de dos músicos en movimiento.
Oreka Tx ha viajado con su txalaparta, un instrumento musical
único, que ellos entienden como un lugar de encuentro, de diálogo.
Se han encontrado con músicos y realidades de pueblos lejanos,
desde Mongolia al Sáhara, de Laponia a la India. En esos viajes se ha
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recopilado material visual y sonoro con un objetivo claro: poder
compartir esa música, esos sonidos, esas imágenes, esas vivencias.
El sueño se ha convertido en realidad y todo ese material se ha
plasmado en una película documental, un CD doble, un DVD, y un
novedoso espectáculo que ahora os presentamos.
Nömadak Tx en directo
Es música que se ha compuesto viajando y el oírla nos invita a
viajar.
Oreka TX, acompañado por músicos reunidos para la ocasión,
nos invita a un curioso concierto-viaje que mezcla música e imágenes
sobre el escenario.
La música interpretada en directo está basada en la banda
sonora de la película “Nömadak tx”. En directo, la riqueza de su
sonoridad y variedad de instrumentación aportan a la txalaparta un
entorno insólito y acogedor, donde la txalaparta evoluciona hacia
nuevos horizontes.
Los músicos interpretan música creada a raíz de sus viajes por
la India , Laponia, El Sáhara y Mongolia, junto a otros músicos que
aparecen en una gran pantalla. Esta pantalla, situada al fondo del
escenario, se convierte en una ventana desde donde poder ver y
conocer diferentes lugares y personas. Este nuevo concepto de
concierto multimedia tiene como herramienta la experimentación y la
fusión, y la interacción cultural como objetivo.
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Oreka Tx
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Aziza Brahim
Los Músicos del Directo:
Aziza Brahim (Voz y Tabal)
Harkaitz Martínez (Txalaparta de madera y piedra, tubos y bidón)
Igor Otxoa (Txalaparta de madera y piedra, tubos y bidó)
Iñigo Egia (Tablas indias, cajón, bodhram y otras percusiones)
Mixel Ducau (Saxo, Clarinete y guitarra)
Mikel Fernández (Operador de sonido)
Carlos Salaberri (Operador de luces)
Web: www.nomadaktx.com
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Pilar Boyero
Canción española
Acompañada por el trompetista Jerry González
y
La Sound Music Big-Band
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Pilar Boyero nace en Cáceres. Estudia Derecho en la
Universidad de Extremadura, fue alumna de canto y piano en el
Conservatorio Profesional de Música de Cáceres durante cinco años y
solista del Coro de la U.E.X.
Decide dedicarse profesionalmente a la Copla en 1992 tras
hacer despuntado en este género actuando en emisoras locales,
fiestas de barrio, festivales, etc.
Más tarde participa en el cálido homenaje que se celebra en
Cáceres al maestro Juan Solano, compartiendo cartel con figuras
consolidadas como Lolita Sevilla, Paquita Rico, Mª José Santiago, etc,
suponiendo este acto su definitivo lanzamiento, recibiendo magníficas
criticas y empezando a ser considerada como una realidad de nuestra
Copla.
Gracias a esto puede disfrutar de numerosas actuaciones por
toda Extremadura, siendo incluida en los programas de actividades
tanto de la Junta de Extremadura como de las Diputaciones
Provinciales de Cáceres y de Badajoz (Estivalia, Otoño Musical, etc.)
En 1995 saca al mercado nacional su primer L.P. editado, con
el título de “El Cante Mío”, en los estudios Jammin de Mérida. Dicho
trabajo discográfico sonó en las principales emisoras de radio
dedicadas a la música española (Cadena Dial, Radio-l., etc.):
Se presenta con frecuencia fuera de la región, actuando en
hogares extremeños como el de Igualada (Barcelona), Vitoria, etc, así
como en teatros y salas de Madrid.
En Mayo de 1995 actúa en Madrid ante las cámaras de T.V. del
Canal 47 como artista invitada en el programa, “Las noches del 47”,
presentado por el maestro Bazan.
Es incluida en el espectáculo de Canción Española y Flamenco
“Quejio” ideado por el guitarrista flamenco J.A.Conde.
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Del 10 de julio al 28 de agosto
En Febrero de 1996 es acompañada al piano por el famosa
pianista Felipe Campuzano en una actuación celebrada en el Auditorio
San Francisco de Cáceres.
En Abril de ese mismo año realiza una gira por Marruecos,
actuando en centros educativos dependientes d ela Embajada
Española.
En 1998 comienza su gira de verano presentándose, en un
concierto acústico (piano, contrabajo y voz), en el legendario Centro
Cultural Ateneo de Madrid. Esta gira concluye, tres meses después,
en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Salamanca, actuando
acompañada de su orquesta.
El 28 de mayo de 1999 realiza la presentación de su segundo
disco “Pilar Boyero Canta al Maestro Solano”, con un concierto en el
Auditorio de Cáceres.
En septiembre de 2002, participa en el espectáculo musical
“Extremadura, los sonidos de un pueblo”, producción de la Junta de
Extremadura para los actos del día de Extremadura en el teatro
romano de Mérida.
Desde principios de 2002 imparte un ciclo de conferencias bajo
dos epígrafes: “La copla, recuperación de un patrimonio común” y “La
copla y las leyes, el derecho de la pasión”; también editadas en
revistas culturales.
Y en este año estrena su espectáculo “Una vida entera”, un
ambicioso proyecto musical en el que se rodeó de figuras
internacionales de la música como el trompetista americano Jerry
Gonzalez, el pianista gaditano Chano Domínguez (ambos
protagonistas del film de Fernando Trueba “Calle 54” ) el genial Jorge
Pardo, saxofonista-flautista de jazz-flamenco y el aclamado violinista
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Del 10 de julio al 28 de agosto
Ara Malikian; los cuales se han involucrado a fondo en el proyecto y
se han subido por primera vez al escenario con Pilar a modo de
anticipo en un concierto celebrado en Guadalupe en agosto de 2002.
El 4 de junio de 2004 presenta su nuevo disco “una vida
entera” acompañada por el pianista gaditano Chano Domínguez y el
trompetista Jerry Gonzalez, en el Gran Teatro de Cáceres y siguiendo
así por diversos teatros de la región extremeña.
El citado trabajo significa un antes y un después en la vida de
la artista que comienza así un periplo de conciertos y promoción a
nivel nacional:
El diario el Mundo, El Correo, Contraportada en la Razón, ABC,
Ocio Latino, Revista Escenarios, Interviú, Lecturas, 20 Minutos,
Cambio 16, etc.
El 25 de enero de 2005 presenta su disco en Madrid en la Sala
Galileo Galilei de Madrid, cerrando la última edición de dos
telediarios: Tele 5 y TVE-1 y más tarde es invitada a: lo + Plus,
Espejo Público, España Directo, Caliente y Frio, Vive la Vida (Tele
Madrid.)
El 7 de junio de 2005 ofrece “la Copla: recuperación de un
patrimonio común” en Casa Patas, Madrid.
En ese mismo año es super-olé en Radiolé, dos veces con sus
dos singles: “Una vida entera” y “me embrujaste” y posteriormente
haría una gira con la citada emisora de radio. Goma-Espuma,
Radiolé., Radio-taxi, se hacen eco de su trabajo.
El 6 de junio de 2006 vuelve al Auditorio de Cáceres de la
mano de Jorge Pardo y Jerry González con el espectáculo “El derecho
a la pasión”.
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Del 10 de julio al 28 de agosto
En los años 2006 y 2007 participa en los premios de cine San
Pancracio, Festival solidario de repercusión Nacional, acompañada por
una Big-Band.
En abril del 2007 organiza un homenaje a la figura del
maestro Solano, junto a la asociación musical cacereña compartiendo
escenario con Maria Vidal.
Es colaboradora de los programas radiofónico “La Costa Oeste”
y “El sol sale por el oeste” en canal Extremadura Radio, en el que ha
mantenido un sección de copla “La bien hablá” durante tres años.
En el 2008 participa en el espectáculo mujeres en el que
representa la copla y comparte escenario con artistas femeninas de
otros estilos.
El 6 de abril del citado año presenta la primera gala de los
premios de la música en Extremadura, convocada por Extremeña
Sonora.
También en abril inaugura con un concierto intimista la
exposición de fotografía “Foto Sur”
A finales de ese mes ofrece un concierto, con motivo de la
festividad de San Jorge en Cáceres y que representa por multitud de
escenarios durante todo el verano. Acompañada por el pianista y
maestro Rafael Rabay.
Durante todo este año, ofrece también un ciclo de
conferencias
bajo el epígrafe la “copla recuperación de un
patrimonio común”, con la obra social de Caja Extremadura en
distintos puntos de la región.
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El 21 de mayo de 2008 recibe un emotivo homenaje en el
Gran Teatro de Cáceres, por parte de artistas plásticos que conciben
para ella “Divina Pilar”, una exposición de 50 obras sobre la artista.
El pasado 7 de septiembre en el Teatro José Carrera de
Fuenlabrada (Madrid) ofrece un espectáculo homenaje al gran poeta
granadino Carlos Cano, importante referencia en la carrera musical
de la artista, acompañada por el pianista y maestro de Carlos
Benjamín Torrijos.
Aparece en el último número de la revista Cáceres, la cual
entrega un singles con una pista multimedia en la que se ofrecen
fotos de la grabación y de los artistas que hicieron legendaria la
canción “me embrujaste” partitura de esta letra y una breve historia
de los acontecimientos ocurridos en su época, además de la canción
interpretada junto a Chano Domínguez y Jerry González.
En la revista Extremadura en el nº 18 aborda la vida de la
artista con una visión muy cariñosa y particular
En la actualidad dirige y presenta “soy lo prohibido”, programa
de radio dedicado a la copla y al bolero en canal Extremadura radio.
Colabora en la tertulia mujeres del programa en días nuestros
en Canal Extremadura Televisión.
A finales de noviembre participa en el proyecto de poesía y
música llamado “Cáceres Manhattan” junto al poeta Santiago Tovar y
el compositor Carlos Ojeda.
En diciembre de 2008 presenta la gala “Menudos Corazones”
junto al afamado Manuel Bandera para Canal Extremadura TV.
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Del 10 de julio al 28 de agosto
Desde primeros de 2009 prepara un libro homenaje a Juan
Solano son la editorial Ramalama y el lanzamiento de su 4º disco. El
día 21 de febrero es pregonera del Carnaval de la ciudad cacereña.
El día 5 de marzo presenta un nuevo espectáculo. “La Copla y
el Cine” dentro de la semana de Festival Solidario de cine español de
Cáceres acompañada por una Big-Band.
JERRY GONZÁLEZ nació en 1949 en el barrio del Bronx de la
ciudad de Nueva York. El creció con la música afro-cubana y el jazz,
que dejaron un impacto profundo en su apreciación musical, y
moldearon su trabajo futuro como artista. Cuando joven, González
escuchaba los álbumes de jazz de su padre de músicos como: Louis
Armstrong, Charlie Parker o Miles Davis. Mientras estudiaba en la
escuela intermedia, comenzó a tocar la trompeta y luego las congas.
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Del 10 de julio al 28 de agosto
González completó sus estudios formales en el New York College of
Music y la New York University. Fundador del Grupo Folclórico y
Experimental Neoyorquino, González ha profundizado en los orígenes
afrocubanos de su música y en el jazz, apartándose así de la
tendencia mayoritaria de las formaciones latinas de New York,
dedicadas principalmente a la salsa en los años setenta.
Legendarios artistas latinos como Mongo Santamaría, Tito Puente o
Eddie Palmieri, sirvieron de fuentes importantes de inspiración
musical para él. El siempre dice que "..el espíritu de nuestra madre
África viajó al Caribe, Sudamérica, Norteamérica y…nuestra música
es un reflejo de nuestra experiencia en la ciudad de Nueva York y
nuestra concienciación de las raíces culturales".
Conocido como percusionista, González comenzó su carrera artística
como conguero y trompetista en 1970, interpretando su propio estilo
de jazz latino con el internacionalmente famoso Dizzy Gillespie. Con
el respaldo y apoyo del maestro Gillespie, González pudo lograr fundir
el ritmo básico africano a los elementos de jazz sin comprometer la
esencia de ninguno de los dos. El año siguiente, González se unió a la
banda de Eddie Palmieri, "El Son" por un periodo breve antes de
moverse a trabajar con el "Conjunto Libre", la banda dirigida por el
gran timbalista, Manny Oquendo.
Inevitablemente, el talento de González lo llevó a formar su
propia banda. Su iniciativa fue tomada al final de los años 1970, con
una banda llamada "Ya Yo Me Cure" y lanzó un álbum con el mismo
nombre en 1979. Sin duda, su verdadero talento afloró con su
segunda banda: "Jerry González and the Fort Apache Band" , un
territorio de encuentro y de mestizaje en el que las tradiciones latinas
y del jazz se codean con absoluta normalidad. Junto a su hermano
Andy, crearon una de las propuestas más sugerentes que han
aparecido en el jazz en los últimos años. Los dos primeros álbumes
de la banda fueron grabados en vivo en conciertos Europeos. Estos
fueron seguidos por su álbum que fue un gran éxito: "Rumba para
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CONCIERTOS EN LOS MUSEOS 2009
Del 10 de julio al 28 de agosto
Monk" en 1989, ganando el reconocimiento de la "Academie du Jazz"
francesa con el premio "Jazz Record of the Year".
González y la banda subsiguientemente lanzaron Moliendo Café en
1991. El álbum una vez más demostró la calidad de la banda para
tocar jazz inspirado en la música latina con genuina sensibilidad y
virtuosidad. Poco después siguieron otros dos álbumes magníficos:
Crossroad en 1994 y Pensativo en 1995. Ambos ganaron una
nominación a los premios a los Premios Grammy. González y su Fort
Apache Band, también ganaron críticas muy favorables por su
contribución al video documental sobre el jazz latino, "Calle 54",
dirigido por el cineasta, Fernando Trueba. El trabajo también incluyó
interpretaciones de famosos artistas cubanos y latinos incluyendo a
Tito Puente, Paquito D'Rivera, Machito, Danilo Pérez, Chucho Valdés o
Ray Barretto. En el escenario del jazz, Jerry González ha colaborado
con estrellas tan reconocidas como George Benson, Kenny Dorham,
Anthony Braxton, McCoy Tyner, o Tony Williams.
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