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Maestranza
FRANCO LANNINO & MICHELE NACCARI
ENERO 2016 Revista de información del Teatro de la Maestranza de Sevilla, número 31
El Teatro estrena Der König
Kandaules en su 25 aniversario
EL MAESTRANZA PROGRAMA EL BARBERO DE SEVILLA DE ROSSINI EN EL BICENTENARIO DE SU ESTRENO
LA ROSS FESTEJA TAMBIÉN SU 25 ANIVERSARIO Y EL CORO DE LA A.A. DEL TEATRO CUMPLE 20 AÑOS
Maestranza · Enero 2016
Maestranza
SUMARIO
REVISTA DE INFORMACIÓN DEL TEATRO DE LA MAESTRANZA DE SEVILLA / NÚMERO 31 / ENERO 2016
ENTREVISTAS
Antonio Muñoz Martínez
4
DELEGADO DE HÁBITAT URBANO, CULTURA Y TURISMO. El concejal
explica la participación del Ayuntamiento en la gestión del Teatro.
John Axelrod
28
DIRECTOR DE LA ROSS. John Axelrod se siente “honrado” de su
elección como responsable artístico de la Orquesta.
Ramón María Serrera
33
CATEDRÁTICO DE HISTORIA DE AMÉRICA. Especialista en ópera y crítico
musical, Ramón María Serrera reclama más apoyo para la ASAO.
PROGRAMACIÓN
Resumen del trimestre
6
LA TEMPORADA EN IMÁGENES. Fotografías de todos los espectáculos
en el Teatro de la Maestranza hasta enero de 2016.
Calendario
10
DE UN VISTAZO. Resumen y fechas de todos los espectáculos en el
Maestranza hasta el final de la temporada 2015-2016.
Aniversarios
12
PEDRO HALFFTER. El director artístico del Teatro recuerda en un
artículos los 25 años del Maestranza y la ROSS y los 20 del Coro.
Ópera
14
DER KÖNIG KANDAULES. Estreno en España de la versión escénica de
la ópera de Alexander von Zemlinsky.
Ópera
16
EL BARBERO DE SEVILLA. El Maestranza celebra el bicentenario del estreno
de la ópera de Rossini con la reposición de una producción propia.
Ópera
17
L’ELISIR D’AMORE. La ópera de Donizetti, un clásico del repertorio,
podrá verse en mayo en las cuatro funciones del Maestranza.
Danza
18
BALLET NACIONAL DE ESPAÑA Y VERTEBRACIÓN. El BNE pone en
escena Sorolla y la Sala Manuel García acoge Vertebración.
Grandes Intérpretes
19
FALLA Y GARCÍA LORCA. Estrella Morente y Javier Perianes recuerdan la
amistad surgida en Granada entre los dos genios del siglo XX.
Flamenco
22
TRIÁNGULO DE ORO Y FANDANGO. SINFONÍA DE LA LUZ. Los dos
espectáculos cierra en Ciclo de Flamenco del Maestranza.
Piano
23
JUDITH JÁUREGUI, KHATIA BUNIATISHVILI Y GREGORIO BENÍTEZ. Tres
recitales de piano entre la juventud y la madurez.
Conciertos Sinfónicos
24
ONE/CORO NACIONAL DE ESPAÑA Y OJA. La Orquesta y Coro Nacional
de España interpretarán obras españolas y el Carmina Burana.
Universidad de Sevilla
25
MAUS. La Universidad Hispalense programa una nueva edición del
Festival de Música Antigua de Sevilla (MAUS).
ROSS
26
TEMPORADA DE ABONO. La Sinfónica de Sevilla termina una
temporada centrada en la música mediterránea.
Edita: Teatro de la Maestranza / Dirección: Remedios Navarro / Coordinación editorial: Rocío Castro / Diseño, realización y maquetación: Promico Imagen /
Han colaborado en este número: Emilio Barberi, María José Blanco, Alejandra García, Juan María Rodríguez y Rafael Verdú / Fotógrafo del Teatro: Guillermo Mendo /
Imprime: Tecnographic / Publicación trimestral / La revista Maestranza no se hace necesariamente responsable de la opinión de sus colaboradores, ni de los posibles cambios que pueda sufrir la programación /
Depósito legal: SE-XXXX/XX. Teatro de la Maestranza. Paseo de Colón, 22. 41001 Sevilla Teléfono de información: 95 422 33 44 Fax: 95 422 59 95 e-mail: [email protected]
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Redacción y Publicidad: SumaySigue Comunicación Web: www.sumaysigue.es Teléfono: 95 441 93 55 Fax: 95 441 84 02 E-mail: [email protected]
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Maestranza · Enero 2016
ENTREVISTA
ANTONIO MUÑOZ MARTÍNEZ
“EL PÚBLICO DEL MAESTRANZA ES
EXIGENTE Y CONOCE LO QUE VE Y ESCUCHA”
El responsable de Hábitar Urbano, Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Sevilla
defiende la gestión del Teatro de la Maestranza durante la crisis, que ha conseguido
mantener los niveles de calidad y de asistencia de público. “Si la programación
hubiera bajado sun duda habría bajado la asistencia”, afirma.
A
ntonio Muñoz Martínez
(La Rinconada, Sevilla,
1959) es, desde las
pasadas Elecciones
Municipales celebradas
en mayo de 2015, el delegado del
Área de Hábitat Urbano, Cultura y
Turismo del Ayuntamiento de Sevilla.
Licenciado en Ciencias Económicas y
Empresariales por la Universidad de
Málaga y experto en desarrollo local
por la Organización Internacional del
Trabajo, Muñoz Martínez ha
destacado como responsable de la
gestión del turismo en diferentes
administraciones públicas: ha sido
consejero delegado de Sevilla Global
y director del Área de Economía y
Turismo en el Ayto de Sevilla
(1999-2002), director de Turismo de
la provincia de Sevilla (2002-2004) y
director general de Planificación y
Ordenación Turística de la Junta de
Andalucía (2004-2011). Muñoz
Martínez también ha desempeñado
otros cargos a lo largo de su carrera,
como concejal de La Rinconada y
director de Hacienda de la
Diputación Provincial de Sevilla.
­—¿Cómo se articula la
participación del Ayuntamiento
de Sevilla en la gestión del Teatro
de la Maestranza?
—El Ayuntamiento forma parte
del Consorcio Teatro de la
Maestranza, al que aporta más de
900.000 euros anualmente. Además,
tenemos una estrecha colaboración
en lo que a programación se refiere,
llevando al Teatro actuaciones de
dos de los grande hitos culturales de
la ciudad, como son la Bienal de
Flamenco y el FEMAS, entre otros
programas.
—¿Qué papel juega el Teatro
de la Maestranza en el ámbito
cultural de Sevilla?
—En Sevilla el Teatro de la
Maestranza, junto al Lope de Vega,
son los dos grandes espacios
escénicos, los dos grandes referentes
de la ciudad. En concreto el
Maestranza juega un papel básico,
llenando un hueco importante y
necesario como es el de la lírica,
dando respuesta a un público
concreto y amplio y a un sector de la
profesión cultural.
“El Teatro de la
Maestranza llena un
hueco importante y
necesario como es el de
la lírica, dando
respuesta a un público
concreto y amplio y a un
sector de la profesión
cultural”
—A pesar de la crisis,
¿considera que el Teatro de la
Maestranza ha logrado mantener
la calidad en la programación?
—Sólo hay que ver los altos
porcentajes de asistencia de público
al Teatro, un público en general
exigente y con conocimientos de lo
que ve y escucha. Si la programación
hubiera bajado los estándares de
calidad sin duda habría bajado la
asistencia. Y la crítica especializada,
con las excepciones de rigor, también
reconoce el esfuerzo realizado en la
programación.
—Un dato relevante es el
elevado porcentaje de asistencia
al Teatro, que suele colgar el
cartel de “no hay billetes”. ¿A qué
cree que se debe?
—A una suma de factores,
empezando por una buena
comunicación y siguiendo por una
demanda clara por parte de los
ciudadanos, una política de precios
asequible, el apoyo de la sociedad
civil y sin duda por la calidad de la
programación. El reto ahora es
conseguir que ese alto porcentaje de
Maestranza · Enero 2016
ENTREVISTA
asistencia se traduzca también en una
mejora financiera del Teatro que
ayude a su sostenibilidad.
—En esta temporada se
cumplen 25 años de la
inauguración del Maestranza.
¿Cómo ha visto su evolución en
este tiempo? ¿Cree que se ha
creado en Sevilla un público
aficionado a la música lírica?
—La pregunta anterior es la
respuesta a ésta. Los altos índices de
asistencia confirman que se ha creado
un público fiel y además creciente.
Incluso me atrevería a señalar que la
afición también está generando un
tejido artístico y profesional cada vez
mayor y más consolidado. Y sobre la
primera pregunta, creo, al menos
desde mi perspectiva como asistente,
que se ha seguido una línea clara, de
calidad y sin grandes altibajos, lo que
ha ayudado a esa fidelización del
público que comentábamos antes.
—¿Qué herramientas, dentro
de las políticas culturales, pueden
beneficiar al Teatro de la
Maestranza en particular y a la
cultura en general?
—Que Sevilla tenga una agenda
cultural tan activa, tan diversa y de
tanta calidad beneficia al
Maestranza. Dentro de esta agenda,
una herramienta que se nos antoja
básica es la coordinación de la
programación cultural, en el ámbito
institucional y en cuanto a espacios,
tanto públicos como privados.
Creemos que una programación
cultural coordinada, que no se pise
en fechas ni en contenidos, que
fortalezca el trabajo en red entre
todos los agentes culturales de la
ciudad, es básico y a ello estamos
dedicando buena parte de nuestros
esfuerzos desde el Ayuntamiento.
Una agenda bien coordinada ayudará
además a sacar más partido de la
comunicación y sin duda será un
refuerzo muy importante en la
“La sociedad civil tiene
un papel hoy día muy
activo y necesario en el
Maestranza y sin lugar a
dudas es uno de los
valores en los que el
Teatro debe seguir
apoyando y reforzando”
promoción turística de la ciudad y
sobre todo facilitará el acceso de
nuestros ciudadanos a la cultura.
—La participación de la
sociedad civil en el Teatro de la
Maestranza, ¿está funcionando
como se esperaba o es
necesaria una mayor
participación de la ciudadanía?
—Respecto a la participación
siempre es necesaria una mayor
involucración de los ciudadanos en
la gestión de la cultura y en el
Teatro de la Maestranza no
debemos hacer una excepción al
respecto. Dicho esto, creo que la
sociedad civil tiene un papel hoy
día muy activo y necesario en el
Maestranza y sin lugar a dudas es
uno de los valores en los que el
Teatro debe seguir apoyando y
reforzando.
—Usted ha sido director
general de Turismo de la Junta.
¿Cree que el Teatro de la
Maestranza es otro atractivo
turístico de Sevilla?
—Indudablemente. La
programación del Maestranza,
además del valor que posee en si
misma, supone un complemento
destacado a los atractivos turísticos
de la ciudad, especialmente dentro
de una programación cultural como
es la de Sevilla, amplia, diversa y
con una calidad incuestionable. M
Antonio Muñoz Martínez.
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Maestranza · Enero 2016
TEMPORADA 2015-2016
SHAKESPEARE Y VERDI,
UNIDOS EN EL TEATRO
La ópera Otello de Verdi, basada en el drama del
mismo nombre de Shakespeare, sirvió para abrir la
temporada lírica del Teatro de la Maestranza con sus
cuatro funciones los días 31 de octubre y 3, 6 y 9
de noviembre (a la derecha de estas líneas). En los
papeles principales estuvieron el tenor norteamericano
Gregory Kunde, que aportó fuerza y personalidad al
rol de Otello; el barítono español Ángel Ódena (Jago);
o la soprano norteamericana Julianna Di Giacomo
(Desdémona). Pedro Halffter (dirección musical) y
Henning Brockhaus (dirección de escena) estuvieron
al frente de esta coproducción italiana de los teatros
Massimo de Palermo y San Carlo de Nápoles, que contó
con la ROSS y el Coro de la A.A. del Maestranza.
Espectáculos
para todos
E
l primer trimestre de la
temporada 2015-2016 del
Maestranza contó con
espectáculos para todos los
gustos. Los amantes de la zarzuela
pudieron disfrutar de un título de
Barbieri con libreto de Francisco
Camprodón: Los diamantes de la
corona (2, 4 y 5 de diciembre), con
Sonia de Munck (arriba a la derecha)
en el papel protagonista y la presencia
de otros cantantes como Ricardo
Muñiz, Cristina Faus o Carlos Cosías,
dirigidos por Óliver Díaz en lo musical
y José Carlos Plaza en lo escénico.
Gracias a la Obra Social “la Caixa”, los
más pequeños conocieron las
aventuras del Guillermo Tell de Rossini
adaptado para el público infantil por el
Teatre del Liceu de Barcelona (abajo a
la izquierda), del 9 al 11 de diciembre.
Y los numerosos aficionados del
flamenco dispusieron de dos citas: el
concierto del guitarrista Rafael Riqueni
(21 de noviembre, abajo en el centro)
o la actuación del bailaor Farruquito y
su familia (15 y 16 de diciembre, abajo
derecha).
Maestranza · Enero 2016
TEMPORADA 2015-2016
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Maestranza · Enero 2016
TEMPORADA 2015-2016
La ROSS y el
Aalto Ballett
Essen abren
el año 2016
1
L
a Real Orquesta Sinfónica de
Sevilla dio la bienvenida al año
2016 con su tradicional
concierto de Año Nuevo, con
John Axelrod a la batuta (en la imagen
1, dirigiéndose al público), el día 3 de
enero. Además, el día 20 de diciembre
tuvo lugar el Concierto de Navidad (2)
con la actuación de la ROSS. Del 7 al 10
de enero, se celebró una de las citas
destacadas del ciclo de Danza del
Maestranza: la actuación del Aalto
Ballett Essen de Alemania (3), que con
la participación de la ROSS puso en
escena el ballet Romeo y Julieta con
música de Prokofiev.
Por otro lado, los más pequeños y
las familias pudieron disfrutar los días
27, 28 y 29 de diciembre de la ópera El
pequeño deshollinador (4), de
Benjamin Britten, con dirección
musical de Manuel Busto y escénica
de Juan Dolores Caballero y producción
del propio Teatro.
Otro de los momentos más
esperados de la temporada fue el
concierto de Chick Corea (5), quien
estuvo el 7 de noviembre junto a la
banda The Vigil para deleitar al público
con el jazz más actual. La música
clásica contó con el concierto celebrado
a beneficio del Banco de Alimentos,
que con el patrocinio de Fundación
Cajasol, Ebrofundación y Fundación
Konecta, tuvo lugar el 11 de diciembre
con la dirección de Sebastian Perlowski
y la soprano Irina Lévian (6). El joven
violonchelista Gabriel Ureña (7)
mostró sus dotes interpretativas en la
Sala Manuel García el 3 de diciembre,
junto a la pianista Noelia Rodiles.
Finalmente, el Maestranza acogió la
experiencia didáctica Crecer Cantando,
Crecer Soñando (8) el dí a 26 de
septiembre y dos actuaciones del Mes
de Danza 22,Hay cuerpos que no se
olvidan de Raquel Madrid (9) el 29 y
30 de octubre y Siete lunas de María
Muñoz y Niño de Elche (10), el 4 de
noviembre. M
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TEMPORADA 2015-2016
5
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T E AT RO D E L A M A E S T R A N Z A
Director artístico: Pedro Halffter
14 Y 15 DE ENERO
7 DE FEBRERO
22 DE FEBRERO
Albrechtsberger, Haydn, Hoffmeister y
Mozart centran el quinto concierto.
Maestranza los temas de su disco
Pasión por Cano, en un concierto
patrocinado por Diario de Sevilla.
7º programa de
Música de Cámara Pasión Vega
abono de la ROSS Los compositores Sperger,
La cantante interpretará en el
Con el título El amor y la muerte, la
ROSS interpretará obras de Granados,
Falla y José María Gallardo Del Rey,
que también estará como solista de
guitarra, junto a la cantaora Esperanza
Fernández. Al frente, John Axelrod.
17 DE ENERO
8, 10, 12, 14 Y 16 DE FEBRERO
El barbero
de Sevilla
La Orquesta de Cámara celebra el
cuarto concierto del Ciclo, con obras
de Ibert, Françaix, Ligeti y Hindemith.
El Teatro de la Maestranza celebra el
bicentenario de esta ópera
reponiendo una de sus producciones
estelares, que cuenta con dirección de
escena de José Luis Castro y musical
de Giuseppe Finzi.
31 DE ENERO
18 Y 19 DE FEBRERO
Música de Cámara
La voz y el poeta
La soprano Ainhoa Arteta recuerda a
Federico García Lorca en el Ciclo de
Recitales Líricos, acompañada al
piano por Rubén Fernández Aguirre.
6 DE FEBRERO
Triángulo de oro
José Valencia, Isabel Bayón
y Pepe Habichuela protagonizan este
espectáculo flamenco bajo la
dirección de José Luis Ortiz Nuevo.
8º programa de
abono de la ROSS
John Axelrod dirigirá a la ROSS y al
solista de percusión Martin Grubinger
para intepretar obras de Mozart,
Dorman y Haydn.
20 DE FEBRERO
Leo Nucci
El barítono vuelve al Teatro junto al
Italian Opera Chamber Ensemble,
dentro del Ciclo de Recitales Líricos.
6 DE FEBRERO
21 DE FEBRERO
En torno a... El
barbero de Sevilla Judith Jáuregui
El ciclo de conferencias previas a la
primera función de una ópera, en este
caso El barbero de Sevilla, tendrá
lugar en la Sala de Prensa.
La joven pianista vasca participará en
el Ciclo de Piano con un programa
centrado en obras del romanticismo y
el postromanticismo.
23 Y 24 DE FEBRERO
Vertebración VI
La sala Manuel García acogerá una
nueva edición de Vertebración que
nos propone la asociación PAD.
25 Y 26 DE FEBRERO
9º programa de
abono de la ROSS
El Magreb centrará el concierto de la
ROSS, que interpretará obras de Say,
Rózsa, Williams, Steiner, Eidelman y
Vangelis, con dirección de John Axelrod.
2 DE MARZO
Fandango,
sinfonía de la luz
Se celebrará el estreno absoluto de un
espectáculo creado por José Manuel Évora
y Antonio González que contará con la
ROSS, la Coral de Valverde del Camino, así
como singulares cantaores y guitarristas.
5 Y 6 DE MARZO
Ballet Nacional
de España
El Ballet Nacional de España, dirigido
por Antonio Najarro, participará en el
Ciclo de Danza con Sorolla.
6 DE MARZO
Música de Cámara
Obras de Turina y Rimski-Kórsakov
han sido seleccionadas para el sexto
concierto del Ciclo.
10 Y 11 DE MARZO
10º programa de
abono de la ROSS
La influencia mutua de Oriente y
Occidente es el tema principal de este
concierto, que contará con Christian
Arming como director y los pianistas
Ferhan y Ferzan Önder para intepretar
obras de Saint-Saëns, Say, Dukas y Pärt.
17 Y 18 DE MARZO
11º programa de
abono de la ROSS
El Réquiem de Fauré y El martirio de San
Sebastián de Debussy centran el concierto,
con John Axelrod como director, el Coro de
la A.A. del Maestranza y los cantantes
Mary Bevan y Henk Neven.
28 DE MARZO
OJA
La Orquesta Joven de Andalucía vuelve
a su cita anual dirigida por Manuel
Hernández-Silva y con el
violonchelista Guillermo Pastrana.
29 DE MARZO
Khatia
Buniatishvili
14 Y 15 DE ABRIL
13, 16, 18 Y 21 DE MAYO
14º programa de L’elisir d’amore
abono de la ROSS La ópera de Donizetti estará dirigida
La joven pianista georgiana Khatia
Buniatishvili (26 años) participa en el
Ciclo de Piano del Maestranza.
En este programa se proyectará la
película Carmen de Cecil B. de Mille
con la música de Bizet y con Mihnea
Ignat como director.
en el apartado musical por Yves Abel
y en el escénico por Víctor García
Sierra. Esta versión de L’elisir d’amore
es una producción del Nausica Ópera
Internacional de Parma.
31 DE MARZO Y 1 DE ABRIL
12º programa de 29 DE ABRIL
abono de la ROSS Orquesta y Coro
Nacionales
Debussy, Falla, Ravel y Mussorgski centran
el concierto, con Tito Ceccherini como
director y Danylo Saienko como pianista.
2 DE ABRIL
Adopta a
un músico
Programa pedgógico de la Sinfónica de
Sevilla.
La Orquesta y Coro Nacionales de
España interpretarán obras de Falla,
Turina y Manuel García, así como el
Carmina Burana de Carl Orff.
30 DE ABRIL
Gala Lírica XXV
Aniversario
3 DE ABRIL
El Maestranza y la ROSS celebran su XXV
aniversario y el Coro cumple 20 años.
Para festejarlo, un concierto
extraordinario .
Nuevo concierto del Ciclo de la ROSS, con
obras de Dussek, Jolivert, Ibert y Ravel.
12 DE MAYO
Música de Cámara
7 Y 8 DE ABRIL
13º programa de
abono de la ROSS
La primavera según Respighi, Ravel y
Stravinsky, con John Axelrod al frente y
Regina Chernychko al piano.
10 DE ABRIL
Concierto de Feria
Fuera de la programación de abono,
la ROSS celebra un concierto con
motivo de la Feria de Abril.
Roberta Invernizzi
y la OBS
La soprano y la Orquesta Barroca de
Sevilla, dirigidas por Enrico Onofri,
interpretarán obras de Haendel.
12 DE MAYO
En torno a...
L’elisir d’amore
Conferencia previa, en la Sala de
Prensa, a la primera función de la
ópera de Donizetti.
15 DE MAYO
Música de Cámara
Programa con obras de Cui, Bonis,
Gaubert, Martinu, Ibert y Rota.
17 DE MAYO
Gregorio Benítez
El pianista ofrecerá un recital con obras de
Busoni, Bach, Franck, Beethoven,
Messiaen y Castillo en el Ciclo de Jóvenes
Intérpretes.
19 DE JUNIO
Música de Cámara
La Orquesta de Cámara de la ROSS
cierra el Ciclo con un concierto dedicado
exclusivamente a Beethoven.
20, 22 Y 24 DE JUNIO
Der König
Kandaules
El Maestranza estrena en España en
versión escénica esta ópera de
Alexander von Zemlinsky, con Pedro
Halffter como director musical y
Manfred Schweigkofler como director
escénico. La producción es de la
Fundación Teatro Massimo de Palermo.
29 DE JUNIO
Clausura del curso
universitario
26 Y 27 DE MAYO
La ROSS celebra con un concierto la
finalización del curso de la Universidad
de Sevilla.
Maxim Emelyanychev dirigirá a la
ROSS y al violonchelista Asier Polo en
un programa con obras de Bartók,
Rodrigo y Mozart.
30 DE JUNIO
15º programa de
abono de la ROSS
16 DE JUNIO
En torno a... Der
König Kandaules
La charla sobre el estreno escénico en
España de la ópera de Zemlinsky tendrá
lugar en la Sala de Prensa.
Estrella Morente y
Javier Perianes
La cantante y el pianista se unen en un
singular concierto que cierra la
temporada del Maestranza.
7 Y 8 DE JULIO
16º programa de
abono de la ROSS
La ROSS cierra su temporada de
abono con un concierto dirigido por
John Axelrod y con Alexandre Da
Costa como solista de violín.
12
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
PEDRO HALFFTER
FIEL A LA CIUDAD
E
l Teatro de la Maestranza es
hoy por hoy una institución
fundamental en la cultura de
Andalucía. Cuando
comenzamos esta apasionante
aventura, hace ahora justo 25 años,
nuestros referentes eran el Teatro Real
de Madrid y el Gran Liceu de Barcelona,
y más adelante el Palau de les Arts de
Valencia, tres teatros con los que ya, en
plena etapa de madurez, colaboramos
de forma fluida y con los que el Teatro de
la Maestranza comparte la calidad de la
programación lírica.
El camino para llegar hasta aquí
ha estado lleno de esfuerzo, trabajo e
ilusión desde 1991, año de la primera
temporada del Maestranza, aquella
en la que nos visitaron los principales
cantantes líricos de finales del
milenio: José Carreras, Luciano
Pavarotti, Alfredo Kraus, Teresa
Berganza, Pilar Lorengar, Montserrat
Caballé... También fue aquél el año en
que la ciudad recuperó su enorme
tradición operística, perdida hacía
algunos años, con un Rigoletto de
Verdi y una Tosca de Puccini, y, como
no podia ser menos en una ciudad sin
parangón como escenario inspirador
de más de un centenar de óperas de
todos los estilos, como por ejemplo El
barbero de Sevilla de Rossini; la
misma ópera que podrá verse esta
temporada en el Maestranza en su 25
aniversario. El año siguiente, 1992,
fue el de la Exposición Universal de
Sevilla, a la que el Teatro de la
Maestranza contribuyó alumbrando
una de las temporadas más
completas, por número de
espectáculos y calidad de los mismos,
de toda su historia, con la presencia
en la ciudad de algunas de las
mejores orquestas del mundo.
Comenzamos a andar, tanto el
Teatro como la ROSS, y también lo
hizo un público que cada vez nos
demandaba más la presencia de
El director artístico del Maestranza hace un balance
de los 25 años de historia del Teatro y plantea los
siguientes retos para el futuro.
El camino ha estado
lleno de esfuerzo,
trabajo e ilusión desde
1991, año de la primera
temporada, aquella en
la que nos visitaron los
principales cantantes
líricos de finales del
milenio
El maestro Pedro Halffter.
Mientras en otros
teatros líricos españoles
y europeos la pérdida
de espectadores ha sido
notable, en el Teatro de
la Maestranza hemos
logrado mantener la
fidelidad y el nivel de
asistencia
grandes producciones operísticas en
Sevilla. Poco a poco, gracias a la
dirección de José Luis Castro, se fue
diversificando el repertorio y
programando óperas y espectáculos
de gran envergadura.
Por supuesto, el nacimiento y
consolidación del Teatro de la
Maestranza han ido paralelos a la
creación y crecimiento de la ROSS, sin
cuya presencia habría sido imposible
alcanzar los niveles de calidad de los
que hoy se puede sentir orgullosa
Sevilla.
A partir de la temporada
2003-2004 nos planteamos tres líneas
básicas de trabajo que se han
mantenido hasta ahora: la ampliación
del número de funciones programadas
para cada ópera (ha habido títulos,
como Madama Butterfly o Rigoletto,
con hasta ocho funciones); la
introducción de una ópera de carácter
sevillano cada año (El barbero de
Sevilla, Fidelio...); y el estreno absoluto
de una obra también en cada
temporada, como La mujer silenciosa o
las óperas de Zemlinsky. De este modo
llegamos a programar hasta 13 títulos
de ópera diferentes en una sola
temporada y pudimos poner en escena
(gracias también a la ampliación del
Teatro) la Tetralogía de Wagner, lo que
marcó el paso del Teatro de la
Maestranza de una etapa de
crecimiento a otra de plena madurez.
Ahora, con 25 años recién
cumplidos y como corresponde a una
institución plenamente integrada en
la sociedad, nos enfrentamos a
nuevos retos, como la producción de
una Carmen en Sevilla o de otros
títulos inspirados en la ciudad, así
como la reposición de producciones
propias. Una de nuestras
aspiraciones, particularmente
interesante, es la difusión social del
Teatro, abriéndonos a nuevos
públicos y a través de la colaboración
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
De arriba a abajo, tres de las óperas que
se han podido ver en el Maestranza en
sus 25 años de historia: El barbero de
Sevilla en una producción propia, el
estreno en España de La mujer
silenciosa y la espectacular escenografía
de La Fura dels Baus para El oro del Rin.
directa con universidades, institutos y
centros educativos.
También nos gustaría que los
grandes cantantes que actúan en el
Maestranza trabajen directamente
con el Coro de la Asociación de
Amigos del Maestranza. Creemos que
el Coro, que cumple en esta
temporada 20 años, es fundamental
para el Teatro porque promueve la
integración del Maestranza en la
sociedad: gracias a sus integrantes,
que actúan como profesionales
aunque cuentan con sus propios
trabajos, nos sentimos vivos y al
mismo tiempo observados.
En definitiva, lo que queremos es
abrirnos más a la ciudad. Pensamos
que una buena manera de
conseguirlo es el empleo de las
nuevas tecnologías, tan presentes
hoy en día en la vida cotidiana. Ojalá
en breve podamos difundir los
espectáculos del Maestranza vía
televisión o Internet, para estar más
cerca del público. Y es que el público
sevillano nos ha sido muy fiel en estos
25 años. Hay que señalar que
mientras en otros teatros líricos
españoles y europeos la pérdida de
espectadores ha sido notable debido
a la crisis, en el Teatro de la
Maestranza hemos logrado mantener
la fidelidad y el nivel de asistencia a
los espectáculos apenas ha mermado.
Ésa es una motivación esencial para
seguir trabajando por y para el
Maestranza.
Por último, somos conscientes de
que el público del Teatro de la
Maestranza es heterogéneo y,
aunque tiene predilección por la
ópera —desde Wagner hasta las
óperas contemporáneas—, también
siente pasión por otros géneros. Así
nos lo transmite y así lo recogemos,
con el único objetivo de dar
satisfacción a quienes dan sentido a
este Teatro: los espectadores. M
Un concierto
para celebrar
los tres
aniversarios
GALA LÍRICA | CONCIERTOS
SINFÓNICOS | 30 DE ABRIL
El 30 de abril es la fecha elegida para
conmemorar tres cumpleaños muy
especiales que se celebran a lo largo
del año 2016: el XXV aniversario del
Teatro de la Maestranza y la Real
Orquesta Sinfónica de Sevilla, que
echaron a andar en 1991, y las dos
primeras décadas del Coro de la
Asociación de Amigos del
Maestranza. Las tres instituciones
han sido claves en el desarrollo de la
música y la cultura en Sevilla y por
ello se celebrará una Gala Lírica con
una gran presencia de cantantes
andaluces.
En este concierto extraordinario
participarán tanto la Real Orquesta
Sinfónica de Sevilla como el Coro de
la Asociación de Amigos del Teatro
del Maestranza, y contarán con la
dirección musical de Pedro Halffter.
Según ha explicado el director, en la
Gala Lírica “habrá una notable
presencia de cantantes andaluces
que ya han estado en el Teatro de la
Maestranza”.
El programa para esta cita estará
compuesto por fragmentos de
óperas, zarzuelas y obras corales,
todas ellas muy conocidas por el
público. Como una forma de
agradecer a los especadores su
constante implicación en el Teatro,
“la ópera sevillana o ambientada en
la ciudad tendrá una gran presencia
en la Gala Lírica”, explica Pedro
Halffter.
La Gala Lírica del XXV
aniversario del Teatro y de la
Orquesta y XX aniversario del Coro
será sin duda una de las citas
musicales más esperadas de toda la
temporada por los aficionados
sevillanos. M
13
14
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
STUDIO CAMERA-PALERMO FRANCO LANNINO&MICHELE NACCARI
La versión escénica de Der König Kandaules producida por la Fundación Teatro Massimo de Palermo.
En los límites
(fastuosos) de la moral
El Teatro de la Maestranza estrena en España la versión en escena de la ópera Der
König Kandaules (“El rey Candaulo”), de Zemlinsky, en una producción del Teatro
Massimo de Palermo, que tendrá dirección musical de Pedro Halffter y escénica de
Manfred Schweigkofler.
DER KÖNIG KANDAULES | ÓPERA | 20, 22 Y 24 DE JUNIO
C
on una orquestación tan
bella como fastuosa, tan
cromática como inundada
de deslumbrantes
motivos musicales hasta
el punto de que algunos
comentaristas han señalado que, en
esta ópera, son las voces las que
parecen acompañar a la orquesta,
Der König Kandaules llega al Teatro
de la Maestranza en riguroso estreno
absoluto en versión de escena en
España, un hito relativamente
sorprendente pues, a pesar de que
Zemlinsky abordó su composición en
los años 30, no fue hasta 1996
cuando su biógrafo, y también
compositor, Anthony Beaumont,
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
EVA RIPOLL
Los especialistas sitúan
a Der König Kandaules,
que está basada en una
pieza de André Gide
según la versión
alemana de Franz Blei,
en la esfera de los
grandes hitos del teatro
musical de la primera
mitad del siglo XX
estrenó en Hamburgo la versión
defintiva de un trabajo que
Zemlinsky dejó inconcluso a su
muerte.
Los espectadores del Teatro de la
Maestranza están especialmente
entrenados en el universo lírico de
Alexander von Zemlinsky (Viena,
1871–Nueva York, 1942): desde
luego, mucho más que en otros
escenarios líricos de España, pues
aquí han podido ver ya títulos muy
infrecuentes en España como Una
tragedia florentina o El enano.
Zemlinsky, además de compositor y
célebre director de orquesta y
teatros de ópera, fue maestro, entre
otros, de Schöenberg y Korngold.
Junto a Otto Klemperer, Zemlinsky
dirigía la Kroll Oper en Berlín cuando
en 1933 se desplazó a Viena
huyendo de la presión nazi, que
declaró su música como “arte
degenerado” por el origen judío de
su madre. En 1938, gravemente
enfermo, huyó a los Estados Unidos,
donde murió en 1942 a causa de un
infarto, con el trabajo de Der König
Kandaules ya acabado, a falta de su
instrumentación.
Inicialmente, su discípulo Artur
Bodanzky intentó concluirlo en los
años 40, pero desistió por los
problemas de censura derivados de la
alta carga erótica del libreto.
Finalmente, fue Anthony Beaumont
quien, 50 años después, concluyó el
trabajo por encargo de la viuda del
compositor. Beaumont finalizó la
partitura respetando fielmente el
timbre y la atmósfera sonora gracias
a las detalladas indicaciones dejadas
por Zemlinsky. Fue, precisamente, el
estreno hamburgués de Kandaules...
lo que propició un movimiento de
revaloración de Zemlinsky como uno
de los grandes creadores de la Viena
finisecular.
Ambición y amoralidad
La obra reflexiona sobre la ambición
de poder, la atracción sexual y la
amoralidad a partir de la historia de
un monarca libertino que goza
entregando a su esposa al placer con
otros hombres. La moral, el sexo, la
crisis y la búsqueda de identidad
centran las reflexiones de un título
cargado, como toda la obra de
Zemlinsky, de melodías cromáticas,
una lujuriosa orquestación y
poderosos clímax dramáticos
procedentes, esta vez, de una historia
que hunde sus remotas raíces en
Herodoto, en la que se entremezclan
la sed de poder, la atracción sexual o
el voyeurismo a través de unos
personajes amorales, perversos o
decadentes, característicos del teatro
lírico de las vanguardias vienesas. De
hecho, los especialistas sitúan a Der
König..., que está basada en una
pieza de André Gide según la versión
alemana de Franz Blei, en la esfera de
los grandes hitos del teatro musical
de la primera mitad del siglo XX,
junto a Wozzeck y Lulú, de Alban
Berg, o el Moisés y Aarón de
Schönberg. Su estreno absoluto en
escena en España es, pues, una
importante contribución del Teatro de
la Maestranza a la normalización en
nuestro país de uno de los periodos
musicales más influyentes y brillantes
de la Historia.
Al frente de la Real Orquesta
Sinfónica de Sevilla, Pedro Halffter,
quien ya obtuvo un notable éxito en
la temporada 2007-2008 presentando
en España Una tragedia florentina y El
enano, dirige una producción
escénica de Manfred Schweigkofler
para el Teatro Massimo de Palermo
con Nicola Beller Carbone
(Mannheim, 1964), soprano alemana
aunque formada inicialmente en
España y gran especialista en el
repertorio lírico del siglo XX en títulos
de Krenek, Schreker o Berg, entre
otros. M
“Esta ópera está muy
cerca de Salomé”
P
edro Halffter, director
artístico del Teatro de la
Maestranza y director
musical del estreno
escenográfico en España
de Der König Kandaules, es el máximo
responsable de la recuperación que
se ha hecho en Sevilla de las óperas y
la música de Alexander von
Zemlinsky. En temporadas anteriores
se han estrenado en el Maestranza
Una tragedia florentina y El enano,
con notable éxito de crítica y público
para un autor que no suele ser
representado en los escenarios de
ópera.
Como explica Pedro Halffter,
“hemos querido seguir la línea de
programación de combinar títulos
sevillanos con otros poco habituales
en España. En esta ocasión podremos
ver la última ópera compuesta por
Zemlinsky durante su exilio en EEUU”,
país al que viajó el músico austríaco
huyendo de la persecución nazi.
Sobre Der König Kandaules, Pedro
Halffter aclara que tanto los
personajes protagonistas, el rey
Candaulo y su mujer, como la trama
sitúan a esta ópera “muy cerca de la
Salomé de Strauss. Nunca se estrenó
en vida del compositor —Zemlinsky
falleció en 1942 en el exilio, mientras
que la obra que nos ocupa no se
estrenó hasta tiempos recientes, en
Hamburgo en 1996—, pero desde
entonces se ha representado con
éxito en muchos sitios, y que el Teatro
de la Maestranza la estrene en
España es un hito destacado”.
Sobre la música, el director de Der
König Kandaules no duda en calificarla
como “bellísima, que recuerda en
muchos puntos a la música de
Mahler”, puesto que ambos
compositores se admiraban
mutuamente. Además, “es una
música muy fácil de entender y muy
atractiva, con la mujer desde un
punto de vista freudiano”. En cuanto a
la escenografía de esta producción
del Teatro Massimo de Palermo,
Pedro Halffter recuerda que ha sido
galardonada recientemente: “Es
impactante, fantástica y con unos
intérpretes maravillosos”.
En definitiva, una ópera que pone
a Sevilla como referente en la
recuperación de las óperas de
Alexander von Zemlinsky. M
15
16
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
Sevilla frente a Sevilla
EL BARBERO DE SEVILLA | ÓPERA | 8, 10, 12, 14 Y 16 DE FEBRERO
S
i hay un título en el que
cristalice la fecunda relación
de Sevilla con la ópera, un
título en el que la piel de la
ciudad histórica se funda con
el argumento y la música, ese título es,
sin duda, El barbero de Sevilla. Sólo
Carmen puede disputarle a El barbero...
su condición de libreto rabiosamente
nacido de las propias calles y espacios
emblemáticos de una ciudad que, para la
ópera, no ha sido sólo un atractivo
entorno físico, sino también, como ocurre
en El barbero..., un espacio de leyenda,
mítico, nacido no sólo de la extraordinaria
potencia de sus personajes costumbristas
o folclóricos, sino de la universal carga
metafórica que esos personajes
escondían.
Hacía falta una producción
netamente sevillana que limpiara de
clichés y adiposidades escénicas la
conocida historia de Beaumarchais
adaptada por Rossini y esa producción,
consecuencia directa de disponer al fin de
un teatro de ópera profesional y
moderno, llegó de la mano del director
de escena José Luis Castro con
escenografía de los pintores Carmen
Laffón y Juan Suárez, tres artistas
sevillanos enfrentados a dialogar no ya
con un libreto tan sugestivo como difícil,
sino con un título viciado por numerosas
lecturas escénicas que sólo han incidido
en las apariencias más pintoresquistas del
libreto. Y lo lograron, pues en su
propuesta, inteligencia escénica,
elegancia, agilidad y plasticidad logran
vivificar un título que vuelve ahora a
cobrar vida en conmemoración de los
200 años de su estreno en Roma en 1816.
Paradojas de la creación artística.
Mito sevillano elaborado —como tantas
veces en la cultura española y,
singularmente, andaluza— por un escritor
francés y un compositor italiano, El
barbero de Sevilla vuelve a los decorados
urbanos en los que, de hecho, transcurre
200 años después de su estreno y lo hace
consagrada como una de las diez óperas
más vistas de la historia a lomos de
momentos estelares —Largo al factotum,
Una voce poco fa o La calunnia è un
venticello— y un plantel de personajes
—Fígaro, Almaviva, Rosina, Don
Basilio…— que forman parte del
imaginario operístico de cualquier
melómano del mundo.
El barbero... es una enloquecida
comedia que, básicamente, gira sobre la
problemática de los matrimonios a la
fuerza que a juicio de Beaumarchais, ya
en el siglo XVIII, debían pasar a la historia,
y que encontró en la Sevilla apagada de la
época un decorado coherente para una
trama de grandezas y miserias que, por
otra parte, enlazaba con la España del
Siglo de Oro que Cervantes retrató en, por
ejemplo, El celoso extremeño, según ha
señalado el especialista Jacobo Cortines.
La producción de José Luis Castro es un
intento por restituir la trama escénica a la
verdadera historia y tradición artística de
una ciudad tan umbilicalmente unida a
un título de ópera, hasta el punto de que,
a su llegada a Sevilla, los viajeros
románticos pedían ser conducidos hasta
la barbería de Fígaro y la casa de Don
Bartolo, como si fueran reales.
El estreno en Roma
Rossini (Pésaro, 1792–París, 1868)
concibió su ópera bufa en dos actos a
partir del libreto de Cesare Sterbini sobre
la comedia original de Beaumarchais, de
1775. Se estrenó el 20 de febrero de
1816 en el Teatro Argentina de Roma.
Con su habitual laboriosidad y brillantez,
Rossini empleó menos de 3 semanas en
concluir la obra capital del género bufo
que, en un principio, tituló Almaviva, o
sea la precaución inútil, para distinguirla
de la pieza de Paisiello sobre el mismo
tema —también usado por Mozart 30
años antes— que gozaba de gran éxito
en la época.
Inicialmente, y como consecuencia
de una serie de accidentes escénicos
que lastraron la función y de las
maniobras de Paisiello y sus partidarios
El barbero de Sevilla, en la producción del Teatro de la Maestranza.
para boicotear el título, el estreno de El
barbero de Sevilla fue un completo
desastre hasta el punto de que el
desenfreno del público obligó a Rossini a
abandonar el teatro: “Yo creía que me
iban a asesinar”, comentó. Sin embargo,
la segunda función convirtió al Barbero...
en el mito operístico que constituye hoy
en día.
De El barbero de Sevilla
sorprendieron sus dimensiones poco
habituales en la ópera bufa —un
primer acto de unos 105 minutos y un
segundo de unos 60— y “el
endemoniado dinamismo que lo
invade de principio a fin derrochando
una contagiosa alegría”, al decir del
mayor experto rossiniano, el director
Alberto Zedda.
En la estilizada y renovada
producción del Teatro de la Maestranza,
Giuseppe Finzi, director residente de la
Ópera de San Francisco, dirige a la ROSS y
al Coro de la Asociación de Amigos del
Teatro de la Maestranza junto a un amplio
reparto capitaneado en los roles estelares
por el ascendente tenor belcantista
Michele Angelini, habitual del
Metropolitan Opera o el Convent Garden
y con el barítono canadiense Elliot
Madore, que llega a Sevilla para cantar un
rol, Fígaro, que habrá cantado
inmediatamente antes en el Metropolitan
Opera de Nueva York; el barítono Renato
Girolami, que ha sido Bartolo a las
órdenes de Daniel Barenboim; la mezzo
italiana Marina Comparato, extraordinaria
voz belcantista para Rosina; y el gran bajo
ruso Dmitry Ulyanov.
El Teatro de la Maestranza le invita a
celebrar el 200 aniversario del estreno de
un clásico de todos los tiempos en la
única versión escénica en la que, con gran
calidad y por primera vez, Sevilla se
enfrenta a un mito operístico llamado
Sevilla. M
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
El circo de L’elisir
JAVIERSUNICORABORG
L’ELISIR D’AMORE | ÓPERA | 13, 16, 18 Y 21 DE MAYO
L
a historia de la ópera no es
solo la crónica encadenada de
cómo las corrientes musicales
y las aportaciones de los
creadores fueron llenando los
escenarios de grandes y perecederos
títulos, sino que va transformándose,
actualizándose, con las propuestas con
las que los escenógrafos y directores de
escena revitalizan el género
adaptándolo a cada momento en un
proceso de transformación constante.
Así sucede con la mirada singular con la
que el pintor colombiano Fernando
Botero, marcada por una ironía
excéntrica y el estallido y viveza del
color, aborda uno de los títulos más
populares del repertorio, L´elisir d´amore,
de Gaetano Donizetti.
En la puesta en escena con la que el
Teatro de la Maestranza ofrece a las
nuevas generaciones la posibilidad de
descubrir en vivo un clásico esencial del
género —y a las más veteranas, de
volver a disfrutar de él, revisitándolo con
nuevos ojos—, el director de escena
Víctor García Sierra parte de la colección
de pinturas y dibujos que el artista
colombiano Fernando Botero realizó a
partir de su encuentro con un circo
popular mejicano. “Fue una gran
revelación. Era pobre y lleno de
animales famélicos. Me encontré una
gran poesía allí”, ha descrito el encuentro
Botero, quien ya firmó hace años una
puesta en escena de La hija del
regimiento, y ahora ha convertido en
extravagantes y orondas figuras
circenses a los personajes de El elixir de
amor.
La obra, fruto de un encargo contra
reloj resuelto por Donizetti en sólo dos
semanas, según la viuda del libretista
Romani —otras fuentes elevan el trabajo
a seis semanas—, se estrenó en el Teatro
della Canobbiana de Milán —el mayor
de la ciudad tras la Scala, con el que
rivalizaba— en 1832 con un éxito
inmediato que continúa hasta hoy, pues
el encantador enredo de su argumento
y, sobre todo, la belleza melódica de sus
arias, coronadas por Una furtiva lágrima,
han calado hondamente en el corazón
del público. La historia, ambientada en
en el universo idílico de un pueblo rural
del País Vasco francés, narra las
desventuras amorosas de Nemorino, un
campesino reservado y pobre,
enamorado de Adina, una burguesa rica
y caprichosa. Tras la llegada de un
regimiento puesto al mando de un
sargento fanfarrón y la irrupción del
charlatán intrigante Dulcamara, los
enredos se precipitan pues Nemorino le
adquirirá a éste un elixir con el que,
según pregona el vendedor, podrá
conquistar el corazón de Adina.
La humanización de personajes
En el conjunto de la obra de Donizetti,
L´elisir d´amore adquirió una
extraordinaria relevancia musical
comparable a la gran Lucia di
Lammermoor porque, en su carácter de
obra bufa, trabaja sobre roles prototípicos
de la comedia sentimental lacrimógena
de estilo francés, muy extendida en la
época, pero mezclándolo con un
delicioso estilo cómico que hizo fortuna a
partir de su estreno. Los especialistas
valoran de L´elisir d¨amore su capacidad
para superar el modelo “mecánico” de
las óperas de Rossini —que era un
prodigio de mecanismo exacto—,
humanizando a sus personajes con
multitud de detalles psicológicos y
dramáticos derivados tanto de la
partitura musical como de unas arias
que, por otro lado, suponen la plena
consumación del bel canto.
Esa mezcla inteligente entre
comicidad y drama, salpimentado por
una fabulosa galería de personajes
carismáticos —ya fueran frívolos para
derivar luego en melancólicos, como
Adina; vulgares, como el sargento
Belcore; tramposos, como el charlatán
Dulcamara o entrañablemente
ingenuos, como Nemorino—, supo
conectar con el corazón del público
hasta el punto de que la obra
permaneció en cartel 32 días seguidos
tras su estreno. El hecho de que
Donizetti pusiera sobre el tapete el
corazón abierto de sus personajes
constituyó una novedad para el teatro
lírico de la época, inaugurando un
camino de veracidad dramática y
profundización emocional en los
sentimientos que algunos especialistas
consideran el preámbulo del gran Verdi.
Musicalmente, la ópera exhibe el brillo
rossiniano introduciendo timbres más
patéticos o románticos, especialmente
en la sección de maderas que realizan
un trabajo que conecta con la intimidad
del espectador.
Yves Abel, que fue principal
director invitado de la Deutsche Oper
Berlin entre 2005 y 2011 y es un
habitual de los fosos del Metropolitan,
la Scala o el Liceu, dirige a la ROSS y al
Coro de la Asociación de Amigos del
Teatro de la Maestranza en una
producción de Nausica Ópera
Internacional de Parma, arropado por
un brillante plantel de cantantes. De
una parte, el emergente tenor
latinoamericano Joshua Guerrero, que
ya ha trabajado bajo la dirección de
Conlon o Dudamel, es una de las voces
belcantistas más brillantes de la
escena. La soprano granadina María
José Moreno, una referencia en la
nueva generación de cantantes líricos
españoles, ha desarrollado una doble
carrera —ópera y zarzuela— que la ha
catapultado hasta escenarios como la
Scala de Milán o la Ópera de Viena
trabajando con batutas legendarias
como Colin Davis. El rotundo barítono
Massimo Cavalletti atesora una
formidable carrera coronada con
presencias continuas en la Scala,
Staatsoper de Viena o Metropolitan
bajo la dirección de maestros como
Barenboim, Harding o Gatti. Por último,
la joven soprano sevillana Leonor
Bonilla, ganadora del Concurso
Internacional de Tenerife, es una de las
voces emergentes más prometedoras
de la escena nacional. M
17
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
España baila a Sorolla
BALLET NACIONAL DE ESPAÑA | DANZA | 5 Y 6 DE MARZO
E
n una temporada marcada
por la revisión de algunos
estereotipos vinculados
con la tradicional identidad
visual tanto española
como andaluza, el Ballet Nacional de
España (BNE) acude al Teatro de la
Maestranza para presentar Sorolla,
un espectáculo centrado en la
mirada personal con la que el
célebre pintor Joaquín Sorolla abordó
su visión del país, de sus costumbres
o sus bailes en un trabajo de 1911
por encargo de la Hispanic Society
de Nueva York. Una mirada interior
concebida para ojos extranjeros. A
partir de esa evocación, plasmada
en 14 grandes paneles, el
espectáculo despliega un brillante
ejercicio de luz, color y movimiento
al servicio de una coreografía de
extraordinaria plasticidad.
Sobre una idea original de Antonio
Najarro, director del BNE, Sorolla
presenta una impactante coreografía
firmada por Arantxa Carmona, Miguel
Fuente, Manuel Liñán y Antonio
Najarro y luce una subyugante puesta
en escena de Franco Dragone —uno
de los creadores del Circo del Sol— y
un impactante diseño de vestuario de
Nicolás Vaudelet. “Es un ejemplo de lo
que debe hacer el Ballet Nacional; de
su equilibrio entre tradición y
modernidad, de su ambición artística
incluso en tiempos de crisis, de su
apertura a nuevos coreógrafos y de su
rigor y entrega en el trabajo”, señaló
en ABC, Julio Bravo. La música, de Juan
José Colomer, Paco de Lucía y Enrique
Bermúdez, recoge elementos de la
música popular, como jotas,
fandangos y sardanas. “Se trata de un
espectáculo de danza española con
mayúscula”, ha subrayado Najarro. La
puesta en escena concentra el
espectáculo en una suerte de cubo y
emplea también un audiovisual
relacionado con los cuadros de Sorolla.
Tanto el vestuario —250 trajes—
como la iluminación y la puesta en
escena sugieren una visión onírica y
Sorolla por el Ballet Nacional de España.
fantástica de la cultura española, vista
a través de los ojos de Sorolla.
Sorolla (Valencia, 1863-Madrid,
1923), un pintor extremadamente
prolífico consagrado en París a
comienzos de 1900 y que gozó de un
gran éxito internacional a partir de una
obra considerada impresionista y
postimpresionista, realizó su serie
Visión de España entre 1913 y 1919
tras recoger ideas y bocetos viajando
por toda España a lo largo de 1912. Los
murales que entregó a la Hispanic
Society para decorar la biblioteca del
edificio sede de la fundación son de
3,5 metros de alto por unos 70 metros
de largo.
Vertebración
ofrece cuatro
propuestas
VERTEBRACIÓN | DANZA |
23 Y 24 DE FEBRERO
STANISLAV BELYAEVSKY
18
Considerado un espectáculo
colorista, elegante y
extraordinariamente energético,
Sorolla, que concentra a un elenco
de más de 30 bailarines en escena,
nos invita al reto de enfrentarnos
con la esencia y la identidad regional
de España a través de sus músicas y
sus danzas, reelaboradas por un
plantel variado de coreógrafos que
han profundizado en la danza clásica
española, la escuela bolera o el
flamenco hasta desarrollar una
suerte de folclore vanguardista que
ha sido celebrado con entusiasmo
por el público a lo largo de sus
representaciones. M
La Asociación Andaluza de
Profesionales de la Danza (PAD)
sigue mostrando al público las
últimas tendencias en baile y
coreografía con la sexta edición de
Vertebración, que tendrá lugar en la
Sala Manuel García del Teatro de la
Maestranza los días 23 y 24 de
febrero.
En esta ocasión los creadores
andaluces han optado por presentar
cuatro propuestas diferentes para
mostrar distintas tendencias y
formas de entender la danza. Son Yo
sabía que debía haber algún error,
un ejercicio de improvisacion a cargo
de uno de los bailarines con más
reconocimiento en Andalucía, como
es Juan Luis Mantilla, ganador de
cinco premios PAD el año pasado; 1. Oda a una Unicórnia, creación
escénica de Verónica Morales que
tiene como trasfondo a la ciudad de
Sevilla; OFF LINE, en la que Noemí
Torró Sanz reflexiona desde la danza
sobre las redes sociales y su impacto
en los procesos de comunicación
social de la actualidad; y Coreografía
para una escalera, de Sandra Bonilla,
un espectáculo creado por la
veterana coreógrafa para ser
representado en espacios singulares.
En total, cuatro propuestas con la
presencia sobre el escenario de más
de 20 bailarines y bailarinas que
mostrarán la vanguardia de la danza
hecha en Andalucía.
La Asociación de Profesionales y
Compañías para el Desarrollo de la
Danza en Andalucía (PAD) tiene
como objetivo el desarrollo de la
danza y la interlocución entre
agentes públicos y privados, entre
otros. Actualmente, la asociación
PAD cuenta con más de 20
compañías integradas, procedentes
de todas las provincias andaluzas,
que se benefician de los diferentes
servicios que ofrece el colectivo. M
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
Estrella Morente y Javier Perianes recuerdan la relación
entre Manuel de Falla y Federico García Lorca
ESTRELLA MORENTE Y JAVIER PERIANES | GRANDES INTÉRPRETES |
30 DE JUNIO
Filarmónica de Viena, Chicago
Symphony, Boston Symphony o la
Orquesta Filarmónica de Londres,
entre otras. Además de sus
actuaciones en Europa y Japón,
Perianes tiene previsto emprender
una amplia gira por Estados Unidos,
Australia y Japón.
Recientemente, Perianes ha
publicado el último de sus 12 discos
de estudio: Piano Quintets, con el
prestigioso sello Harmonia Mundi, en
unión con el Cuarteto Quiroga, en el
que se redescubren obras de otros
dos grandes músicos españoles,
Enrique Granados y Joaquín Turina.
JOSEP MOLINA
Estrella Morente
BERNARDO DORAL
M
anuel de Falla y
Federico García Lorca
se hicieron amigos
en Granada un día
cualquiera de 1920.
Según cuenta la hermana del poeta,
Isabel García Lorca, en un documental
del cineasta Michael Meert, el
escritor se presentó un día en la casa
de Falla en Granada, ciudad en la que
se había instalado ese mismo año, y
le dijo: “Quiero ser su amigo”. A partir
de entonces se forjó una relación
entre dos de los máximos
exponentes de la cultura española
del siglo XX que duraría hasta la
muerte de Lorca en 1936.
Casi un siglo después de aquel
primer encuentro, otra singular
amistad entre dos artistas de
diferentes ámbitos, la cantaora
Estrella Morente y el pianista Javier
Perianes, sirve para recordar la
relación entre el músico y el poeta.
En Falla y García Lorca (Ciclo Grandes
Intérpretes, 30 de junio), la voz
flamenca de la hija del maestro
Enrique Morente y el virtuoso
clasicismo del onubense Javier
Perianes se unen en un espectáculo
que incluye composiciones de Falla y
Lorca, pero también de autores
franceses como Poulenc y Bizet.
La relación de Javier Perianes con
el Teatro de la Maestranza es larga y
ha ofrecido bellísimas muestras de su
talento, como el concierto con el
mítico Cuarteto Tokyo o la integral de
los conciertos para piano de
Beethoven en 2013, la misma
temporada en la que el onubense se
convirtió en artista residente del
Maestranza y de la ROSS.
Aclamado por el público y la
crítica en todo el mundo, la agenda
de Perianes está repleta de citas y
actuaciones en los mejores
escenarios y con algunas de las más
prestigiosas orquestas. Así, en este
año 2016 el onubense tocará con la
Amistad en
Granada
Javier Perianes y Estrella Morente.
Por su parte, Estrella Morente
comenzó a cantar flamenco con tan
sólo 7 años acompañando nada
menos que al maestro de la guitarra
Sabicas, hasta su debut oficial en
1996. Desde entonces han pasado 20
años en los que Morente, heredera de
una larga tradición familiar —su padre
cantaor, su madre bailaora y
hermanos, tíos y primos también
integrados en el mundo del
flamenco—, se ha movido por
diferentes ámbitos musicales pero sin
olvidar nunca sus raíces. Así, ha
colaborado en bandas sonoras de
diferentes películas —como Volver, de
Pedro Almodóvar, en la que interpretó
el tango del mismo nombre de Carlos
Gardel—.
A lo largo de su carrera, Morente
ha rememorado en diferentes
ocasiones el escenario cultural de los
años 20 en los que se forjó la amistad
entre Falla y Lorca que sirve de base
para su actuación en el Maestranza.
En el espectáculo Estrella 1922
recordó el Primer Concurso de Cante
Jondo que se celebró en la Alhambra
en 1922; y en su disco Calle del Aire
incluye una versión de la bulería Los
cuatro muleros de Federico García
Lorca. M
19
20
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
Tres incendios vocales
Ainhoa Arteta, Leo Nucci y Roberta Invernizzi calientan la temporada lírica con tres
recitales de estilos muy diversos, desde la canción española hasta el aria belcantista.
Los tres actúan en el Maestranza dentro del Ciclo de Recitales Líricos.
AINHOA ARTETA, LEO NUCCI Y ROBERTA INVERNIZZI | RECITALES LÍRICOS |
31 DE ENERO, 20 DE FEBRERO Y 12 DE MAYO
T
res recitales líricos
consagrados a diversos
estilos vocales atraen el
máximo interés del
melómano aficionado al
canto. Tres grandes voces, dotadas
tanto para el recital más intimista
como para la gran producción
escénica operística, elevan, ya en
2016, la temperatura de la temporada
jalonándola de sugestivos encuentros
con la popular canción española, la
exquisita aria barroca o la apasionada
aria belcantista.
La soprano Ainhoa Arteta (Tolosa,
1964) regresa al Teatro de la
Maestranza, en cuyo escenario ha
brillado siempre como una de las
voces más queridas del público, para
defender en esta ocasión un
repertorio con el que se encuentra tan
plenamente comprometida que a él
le dedica la gira de celebración de sus
primeros 25 años en escena: la
canción española. Acompañada por el
pianista Rubén Fernández-Aguirre
(Barakaldo, Vizcaya), formado en
Viena y Múnich en el
acompañamiento especializado de
cantantes y pianista habitual de María
Bayo o Carlos Álvarez, entre una larga
lista de voces españolas o
internacionales como Mariella Devia o
Cristina Gallardo-Dômas, Ainhoa
Arteta rinde homenaje a Federico
García Lorca, el poeta español más
musical de nuestra historia reciente.
En La voz y el poeta, textos de Lorca
puestos en música por él mismo o por
intimidad del recital de lied o de
canciones españolas donde
resplandece su timbre delicado y
matizado. Su visión de la ópera como
un espectáculo total más allá de la
vocalidad y la música la llevaron a
seguir cursos en el Actor´s Studio para
fortalecer su faceta de actriz y no sólo
de cantante. Por otra parte, su
compromiso musical también le ha
llevado a intervenir en galas de apoyo
a los teatros líricos españoles que
atraviesan dificultades financieras a
consecuencia de la crisis económica.
Leo Nucci
Ainhoa Arteta.
Antón García Abril o Xavier
Montsalvatge, entre otros, trenzan un
delicado y emocionante viaje a
nuestras más profundas esencias
musicales y poéticas enarboladas por
la soprano española más
internacional del momento en temas
como las Canciones españolas
antiguas (una serie que incluye coplas
tan arraigadas en el corazón de la
cultura española como Anda jaleo o
Los cuatro muleros), Tres canciones
españolas, Las canciones para niños o
el Romance de la luna, luna, entre
otras. Las voces de Paco Rabal y
Rafael Alberti declamando célebres
textos lorquianos a manera de
transición entre las canciones
redondean un recital concebido como
un íntimo espectáculo poético.
Ainhoa Arteta ha desarrollado
una intensa carrera internacional que
la ha llevado a los escenarios del
Metropolitan Opera, Carnegie Hall,
Covent Garden o Scala de Milán, entre
otros muchos, protagonizando La
Traviata, Bohème, Faust, Manon o
Turandot. Durante sus 25 años de
trayectoria, Ainhoa Arteta ha
conquistado al público tanto en
producciones de ópera, a las que
aporta un intenso plus escénico y
dramático que multiplica la energía
de sus actuaciones, como en la
Si hay un barítono verdiano —o,
simplemente, un barítono— que sabe
cómo abordar el bel canto y cómo
conectar desde el escenario con el
corazón más profundo y esencial del
público, ése es Leo Nucci (Castiglione
dei Pepoli, Bolonia, 16 de abril de
1942), un cantante que, en realidad,
es prácticamente ya una leyenda
pues, “sin ser famoso ni anunciar
relojes”, como dice con ironía él
mismo, es disputado por las grandes
casas de ópera ya que siempre
engrandece las producciones en las
que actúa seduciendo a la audiencia.
Como saben perfectamente los
espectadores del Teatro de la
Maestranza que han disfrutado en
vivo del gran Rigoletto de Leo Nucci,
la última vez en la temporada
2012-2013, la capacidad escénica del
barítono verdiano es portentosa y
carga a sus actuaciones de un plus
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
Dos cantantes italianos: el barítono Leo Nucci y la soprano Roberta Invernizzi.
teatral que muy pocos cantantes
líricos en el mundo pueden dar,
incluso a los 73 años, pues Nucci se
mantiene en plena forma física.
En España, la calidad y fortaleza
de Nucci hizo historia en el Teatro Real
de Madrid la noche del 23 de junio de
2009 cuando, tras conducir al público
al delirio, obligado por el clamor de la
audiencia, se convirtió en el primer
cantante en la historia del coliseo
lírico desde su reapertura en 1997
que bisó un aria —el Si vendetta,
tremenda vendetta — encarnando,
precisamente, el rol que más
satisfacciones, y más de 500
contratos, le ha dado en sus 43 años
de carrera: el jorobado de Rigoletto,
de Verdi.
Nucci es un excelente cantante
lírico que, a pesar de ganar el
Concurso de Spoleto en 1967 y
debutar como Fígaro en El barbero de
Sevilla, decidió aplazar su carrera en
solitario, seguir estudiando e ingresar
en el coro de la Scala de Milán, del
que ya emergió para debutar en ese
mismo escenario, pero convertido
definitivamente en el gran Fígaro de
Jean-Pierre Ponnelle de 1977 para, a
partir de ahí, convertirse en un fijo de
los Solti, Chailly, Abbado, Maazel o
Muti. Pero, además, es un animal
escénico muy consciente de que el
verdadero cantante es aquél que,
además de lucir un hermosa voz y
una gran técnica, hace vibrar el canto
escénicamente.
A Sevilla, Nucci vuelve en esta
ocasión para cantar arias belcantistas
de Verdi, Donizetti o Bellini, es decir,
su gran repertorio, acompañado por
el Italian Opera Chamber Ensemble,
una formación de cámara ideal para
ofrecernos un recital tan íntimo y sutil
como revestido del acompañamiento
preciso para el lucimiento de uno de
los cantantes más intensos y teatrales
de las últimas décadas.
Roberta Invernizzi
Por último, es la soprano milanesa
Roberta Invernizzi, una voz admirada
del repertorio barroco consagrada
bajo la dirección de Harnoncourt,
Savall o Biondi, entre otros grandes
maestros, la que cierra este trío de
recitales magníficos invitándonos a
un viaje en el tiempo en torno a uno
de los compositores que mejor han
comprendido el sentido y las
potencialidades de la voz humana en
el transcurso de la historia: G. F.
Haendel. El hecho de que la Invernizzi
cante rodeada de la excelente
Orquesta Barroca de Sevilla (OBS),
uno de los mejores combos barrocos
de Europa, bajo la dirección de Enrico
Onofri, convierten a este recital en
una cita extraordinariamente golosa
para el aficionado a la música barroca.
Antes de estudiar canto, Roberta
Invernizzi estudió piano y contrabajo.
Dotada de una extraordinaria
ductilidad, expresividad y calidad
vocal, se ha especializado en canto
barroco y clásico trabajando
asiduamente con maestros como
Harnoncourt, Abbado, Leonhardt,
Savall o Antonini en los escenarios
más prestigiosos de Europa y
América. Su vinculación con el
repertorio de Haendel, del que ha
cantado numerosos oratorios y
óperas, además de grabar arias en
concierto, es brillante y profuso.
Enrico Onofri, por su parte, ha
sido uno de los grandes violinistas
barrocos de las últimas décadas,
tanto en solitario como adscrito al
conjunto Il Giardino Armonico, uno
de los grupos más revolucionarios
del género, al que Onofri aportó,
como a todo su trabajo, altas dosis
de precisión, elegancia, imaginación
y un lirismo, bien sensual o
dramático, que multiplica la
intensidad de sus interpretaciones,
como el buen aficionado sevillano ya
conoce tanto por sus intervenciones
en el Teatro de la Maestranza —un
fantástico Orfeo y Eurídice de Gluck,
con la Orquesta Barroca de Sevilla y
Roberta Invernizzi en el reparto,
precisamente— como en sus asiduas
colaboraciones con la OBS, de la que
siempre ha extraído su mayor
potencial. M
21
22
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
Triángulo de oro cierra
el ciclo de Flamenco
TRIÁNGULO DE ORO | FLAMENCO | 6 DE FEBRERO
E
l ciclo de Flamenco del
Teatro de la Maestranza para
la temporada 2015-2016
termina el 6 de febrero con
una excepcional propuesta
desarrollada por José Luis Ortiz
Nuevo: Triángulo de oro, un
espectáculo en el que unen fuerzas
tres de los mejores artistas de las
tres vertientes del flamenco. Son el
cantaor José Valencia, la bailaora
Isabel Bayón y el guitarrista Pepe
Habichuela.
José Valencia es bien conocido
por los aficinonados sevillanos, pues
obtuvo el Giraldillo del Cante de la
Bienal de Flamenco de 2012 por su
Aleluya erótica, una obra en la que
aunaba las facetas de cantaor y
actor. Desde entonces Valencia ha
seguido innovando en sus
actuaciones y sorprendiendo al
público.
Isabel Bayón, Premio Nacional
de Danza en el año 2013, es uno de
los abundantes ejemplos de
precocidad artística que hay en el
mundo del flamenco, pues empezó
a bailar con tan sólo cinco años. La
bailaora lleva actuando en la Bienal
de Flamenco de Sevilla desde sus
inicios, allá por los años ochenta.
Isabel Bayón ha colaborado con los
principales artistas flamencos del
Isabel Bayón, Pepe Habichuela y José Valencia, en Triángulo de oro.
país y desde el año 2001 cuenta con
su propia compañía de baile, con la
que ha girado por algunos de los
mejores escenarios.
Por último, el guitarrista Pepe
Habichuela (José Antonio Carmona
Carmona) es uno de los máximos
exponentes de una dinastía flamenca
El fandango primitivo
FANDANGO. SINFONÍA DE LA LUZ | CONCIERTOS SINFÓNICOS | 2 DE MARZO
E
l espectáculo Fandango.
Sinfonía de la luz es una
propuesta del compositor
gaditano José Miguel Évora y
el investigador y cantante
onubense Antonio González El Raya en
la que se ahonda en uno de los
tradicionales, y más antiguos, palos del
flamenco: el fandango. Pero no se trata
de una antología de fandangos, ni
siquiera de una reinterpretación en
función del cantaor que los actualice; la
Sinfonía de la Luz es una colección de
cantes que han sido sacados a la luz por
ambos autores desde las raíces del
tiempo, interpretados por varios artistas
con la colaboración de la Real Orquesta
Sinfónica de Sevilla y el Coro de la Real
Agrupación Artística de Valverde del
Camino. Es, pues, una obra flamenca con
un importante componente sinfónico. El
Teatro de la Maestranza acogerá su
estreno absoluto el próximo 2 de marzo.
Algunos de los fandangos que
podrán escucharse en el Maestranza no
han sido interpretados jamás en una sala
de conciertos y son tan antiguos que José
Miguel Évora no duda en calificarlos de
“primitivos” o “fósiles”, pero “de una
belleza excepcional”. El compositor
explica que en Fandango. Sinfonía de la
luz hay “dos mundos diferenciados: están
las melodías primitivas del fandango,
que se han respetado totalmente” de
acuerdo con el trabajo de investigación
de El Raya; “alrededor he creado el otro
mundo, el de la orquesta, que nunca
sustituye a la guitarra, sino que tiene su
propia forma”. Es decir, no se trata de un
arreglo en el que la orquesta, en este
caso la ROSS, asume el papel de uno o
varios instrumentos flamencos, sino que
desarrollará nuevas formas inspiradas,
reconoce el compositor, en el
impresionismo francés (Debussy, Ravel,
Fauré...).
La joven cantaora Argentina.
de capital importancia en el arte
jondo. Pepe Habichuela lleva más de
medio siglo actuando en los
escenarios y tablaos flamencos de
todo el mundo y ha compartido cartel
con las más grandes figuras, como
Paco de Lucía, Enrique Morente o
Camarón de la Isla. M
Por su parte, Antonio González El
Raya explica que su trabajo de
investigación sobre el flamenco arranca
en 1974, “cuando hago trabajo de
campo y grabo con Manolo Sanlúcar”.
Más adelante, en 1999, su antología del
fandango se convierte “en una obra
didáctica”. El Raya ha ido recopilando
material y entrevistando a cantaores y
personas relacionadas con el flamenco
desde entonces —”mi archivo es el
pueblo”, afirma—, hasta que hace tres
años surge la opción de poner en escena
Fandango. Sinfonía de la luz. “El
fandango tiene tanta importancia que
siempre quise llevarlo a lo sinfónico. Por
eso trabajé con Évora y ahora se ha
conseguido, gracias a la Junta de
Andalucía y a la ROSS, que han creído en
el proyecto”, sostiene.
Los cantaores que interpretarán los
fandangos son el propio Antonio
González El Raya, Argentina, Jeromo
Segura, Yolanda Sousa, Las Molinas,
Macarena de la Torre, José María
Rodríguez, Elena de Carmen y Antonio
Rastrojo, todos ellos onubenses. Como
guitarristas estarán El Mae y Ramón
Jesús Díaz. La ROSS estará dirigida por el
propio Évora. M
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
Judith Jáuregui, Khatia Buniatishvili y Gregorio Benítez.
La precoz madurez
JUDITH JÁUREGUI, KHATIA BUNIATISHVILI Y GREGORIO BENÍTEZ |
PIANO Y JÓVENES INTÉRPRETES | 21 DE FEBRERO, 29 DE MARZO Y 17 DE MAYO
T
res pianistas jóvenes,
pero sobradamente
preparados, protagonizan
los recitales al teclado
tanto en el gran escenario
del Teatro de la Maestranza como en
la Sala Manuel García. En todos los
casos, la precoz madurez, el
virtuosismo y un sorprendente
talento expresivo confirman la vieja
tradición de los grandes pianistas
que a edades muy tempranas
comenzaron deslumbrando a las
audiencias para convertirse años
después en los casos más
sobresalientes, en legendarios
maestros. El hecho de que entre
ellos figuren algunos nombres
españoles ratifica el extraordinario
salto que ha conocido en los últimos
años el pianismo español heredero
de los grandes Esteban Sánchez,
Joaquín Achúcarro o Alicia de
Larrocha, entre otros.
Judith Jáuregui (San Sebastián,
1985) que, precisamente, ha
mostrado un profundo respeto por
esa tradición — Para Alicia, su
segundo disco, está dedicado a
Alicia de Larrocha—, estudió en el
conservatorio de su ciudad y, muy
pronto, con 11 años, ofreció su
primer recital. La crítica ha
destacado su “madurez, frescura y
toque excepcional” así como su
búsqueda “del color y la sonoridad
más apropiados” a cada compositor
que, para la revista Melómano, la
han convertido en “la gran dama del
piano español” del momento.
Judith Jáuregui se presenta en
Sevilla con un atractivo recital
trenzado de perlas y piezas breves,
pero fulgurantes, a las que tan
cercana parece sentirse y a las que
ha dedicado el grueso de su
producción discográfica. Así, nos
invita a un viaje concienzudamente
planeado por el romanticismo y
postromanticismo pianístico a partir
de piezas de Liszt, Debussy —el
delicado tríptico de sus Estampes, de
1903, estrenadas en París por un
pianista español, Ricard Viñes, más
L´isle joyeuse — o los 9 Preludios Op.
1 obra de juventud del compositor
polaco Karol Szymanovski, la
exigente Fantasía Op. 28 de A.
Scriabin y las Scènes d´enfants de F.
Mompou, piezas de carácter risueño
o triste que glosan la algarabía de
los juegos de un grupo de niños en
la calle.
Khatia Buniatishvili
La extremada precocidad de algunos
comienzos explican, en parte, la
fecundidad prematura de pianistas
como Khatia Buniatishvili (1987), que
comenzó a estudiar piano con 3 años
bajo la enseñanza de su madre y a los 6
ya ofreció su primer recital. Hoy, por su
temperamento artístico y una técnica
sobresaliente que se pliega a una
expresión intensamente romántica, es
una de las pianistas de cabecera de la
nueva generación. Formada en Tblisi, su
despegue internacional fue inmediato:
en 2010 logró el premio Borletti-Buitoni
y fue incluida por la BBC en su Nueva
Generación de Artistas, algo que en
2011 hizo el Museikverein de Viena
nominándola para su Rising Star. Su
álbum de debut en Sony Classical en
2011, dedicado a uno de sus
compositores fetiche, Franz Liszt, fue
saludado por la crítica internacional
como la revelación de un nuevo y
prometedor talento.
Apodada por la prensa “la joven
agitadora de Georgia” y comparada
con la gran Martha Argerich, Khatia
Buniatishvili, sin embargo, parece
desentenderse de la formidable
presión que su carrera ya ha
despertado, declarando: “Procuro no
pensar demasiado en esas cosas y
tocar el piano como lo siento, de una
forma instintiva, libre, acorde con mi
fisiología. Lo importante es hacer
música con sentimiento, con la mente
despejada y de una manera sincera”.
Tras ganar el Primer Premio del
Concurso Horowitz y la Medalla de
Bronce del Concurso Arthur Rubinstein,
entre otras menciones, dejó de
presentarse a concursos. “Algunos
pianistas se obsesionan con los
concursos y siguen presentándose
hasta pasados los 30. Yo creo que lo
importante es hacer música, el arte,
tocar con sentimiento; competir es algo
secundario a mi modo de ver, es lo que
menos importa”. La estrategia le ha
dado resultado: tras su primer álbum,
ha publicado otros dos centrados en
Chopin y el tercero, Motherland,
dedicado a su madre, en un ramillete
de temas, que oscilan entre Bach y Pärt
que, por alguna razón sentimental,
Khatia considera íntimos y familiares.
El concierto de Buniatishvili
cuenta con el patrocinio de los
laboratorios AGQ.
Ciclo Jóvenes Intérpretes
La apuesta española del trío de
recitales es Gregorio Benítez
(Ubrique, 30 años) quien, tras ganar
algunos concursos, estudió en
Londres y Leipzig donde trabajó con
profesores como Markus Tomas y
pianistas como Pierre-Laurent Aimard
o Paul Badura-Skoda. Actualmente
estudia en París donde completa su
tesis sobre la obra para piano de
Messiaen. Gran defensor de la música
contemporánea, Gregorio Benítez se
presenta en el Ciclo de Jóvenes
Intérpretes con un ambicioso
programa que abarca obras de Bach a
Manuel Castillo pasando por
Beethoven o Messiaen. M
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Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
La OJA
vuelve al
Maestranza
OJA | CONCIERTOS SINFÓNICOS |
28 DE MARZO
La Orquesta Nacional de España, con el Coro Nacional al fondo, en el Audiotorio Nacional de Madrid.
La ONE y el Coro Nacional
interpretan Carmina Burana
ORQUESTA Y CORO NACIONALES DE ESPAÑA | CONCIERTOS SINFÓNICOS | 29 DE ABRIL
L
a Orquesta y Coro
Nacionales de España,
dirigidos por Pedro Halffter,
vuelven a unir fuerzas en el
Teatro de la Maestranza con
un impactante programa que, en su
primera parte, rinde homenaje a la
música española reuniendo a algunos
de los nombres esenciales —y,
singularmente, andaluces— que han
vertebrado su historia: el sevillano
Manuel García —obertura de su ópera
La muerte de Tasso — el gaditano
Manuel de Falla —Danzas de La vida
breve — y el sevillano Joaquín Turina
—la Orgia de sus Danzas fantásticas—
para, en la segunda parte, entonar
una de las obras más populares y
aplaudidas por el público de todo el
repertorio sinfónico-coral: la
impactante Carmina Burana, de Carl
Orff, una cantata escénica compuesta
entre 1935-36, utilizando poemas
medievales del mismo nombre de
temática profana, dominada
musicalmente por una rítmica tan
poderosa como incesante en una
escritura musical simultáneamente
renovadora y arcaica.
La ONE y el Coro Nacional
La Orquesta Nacional de España,
fundada en 1937 y fundida con el
Coro Nacional de España en 1971, ha
iniciado recientemente una etapa de
renovación al mando de su nuevo
director, David Afkham. La ONE, que
desde 1988 mantiene su temporada
anual en el Auditorio Nacional de
Madrid, atesora un magnífico
patrimonio musical tras haber sido
dirigida, de forma estable, por
auténticas leyendas de la dirección
orquestal española como Ataúlfo
Argenta, Rafael Frühbeck de Burgos
o Jesús López Cobos y, sin duda, ha
contribuido al desarrollo sinfónico
español de las últimas décadas. La
Orquesta y Coro Nacionales de
España, además de sus grabaciones
para otras casas discográficas,
dispone desde 2014 de su propio
sello en el que han publicado tres
registros que simbolizan su amplia
vocación, tanto hacia el gran
repertorio —Schubert,
Mendelssohn—, la composición
nacional —con obras de Torres,
Lazkano, Erkoreka…— y piezas tan
carismáticas como la propia Carmina
Burana bajo la poderosa guía de
Frühbeck de Burgos.
Pedro Halffter Caro (Madrid,
1971), último eslabón de una
dinastía musical esencial en el
desarrollo de la música española, es
compositor y director artístico del
Teatro de la Maestranza. Ha dirigido
numerosas orquestas
internacionales y publicado
grabaciones en los sellos Glossa y
Warner Classics. M
La Orquesta Joven de Andalucía (OJA),
un proyecto formativo de la
Consejería de Cultura de la Junta de
Andalucía, vuelve al Teatro de la
Maestranza, donde ha encontrado el
decidido respaldo para convertir su
gran escenario en el escaparate anual
de sus brillantes progresos. Bajo la
batuta de su director musical, Manuel
Hernández Silva (Caracas, 1962), la
OJA aborda obras de Dvořák — Concierto para violonchelo, junto al
granadino Guillermo Pastrana— y las
Danzas sinfónicas de Rachmaninov.
Pastrana (Granada, 1983) es uno
de los músicos españoles con mayor
proyección internacional del
momento. Formado en Luxemburgo,
Alemania y Suiza, ha sido
galardonado en numerosos concursos
y ha actuado junto a orquestas como
la Sinfónica de Galicia, Sinfónica de
Chile, Filarmónica de Málaga o RTVE,
entre otras. Músico comprometido
con la creación contemporánea,
Pastrana también es profesor invitado
residente de la OJA.
El Concierto para chelo Op. 104 de
Antonin Dvořák, de 1895, fue creado
en los últimos meses de su estancia
en Estados Unidos, pero destilando
una gran melancolía su esencia
bohemia y eslava.
Por su parte, las Danzas
sinfónicas, Op. 45, de S. Rachmaninov,
de 1940, fueron la última creación del
compositor y conforman una suite
orquestal en tres movimientos que
evocan la nostalgia por la Rusia
anterior a la revolución bolchevique
que Rachmaninov abandonó tras su
triunfo en 1917. La pieza rebosa
energía rítmicas y exuberantes
melodías y, por sus referencias a otras
obras anteriores, ha sido valorada
como una suerte de “resumen final”
de su exitosa carrera como
compositor y, sobre todo, como
pianista. M
Maestranza · Enero 2016
PROGRAMACIÓN
UNIVERSIDAD DE SEVILLA
E
l 28 de enero tendrá lugar
en la Iglesia de la Anunciación el tradicional concierto
de Santo Tomás, patrón de
la Universidad de Sevilla. La
Orquesta Barroca de Sevilla (Premio
Nacional de Música 2011 y Premio
Manuel de Falla 2010) presentará el
programa que lleva por título
Propitia Sydera. La forma es el fondo
y que presenta una particular
geografía sonora de la Europa del
Barroco tardío. Partiendo de los dos
estilos nacionales derivados de Italia
y Francia, asistimos a la fusión de
éstos realizada en Alemania y
Centroeuropa por cuatro de los más
grandes músicos de la época: Biber,
Muffat, Pisendel y Haendel. Como
sugiere el título del concierto de
Muffat Propicios astros que dejaron
una larga estela que aún perdura en
nuestras salas de concierto. El
director-concertino será en esta
ocasión Manfredo Kraemer.
Las entradas para el concierto
están ya a la venta en las taquillas del
Teatro Lope de Vega y a través de
www.generaltickets.com (la reducción
en el precio de la entrada sólo es
posible en las taquillas del teatro).
Este concierto será previamente
ilustrado con la conferencia dictada
por Juan Ramón Lara dentro del taller
Contextualización histórico-cultural y
apreciación de la música el día 27 de
enero. Asimismo, tendremos ocasión
el 29 de enero de asistir a la clase
magistral que impartirá Manfredo
Kraemer en el CICUS.
Muestra de Música Antigua
La Muestra de Música Antigua de la
Universidad de Sevilla, MAUS, llega a
su novena edición manteniendo su
habitual formato de tres conciertos
que se desarrollarán durante los días
12, 19 y 26 de febrero de 2016.
VUELVE LA MUESTRA
DE MÚSICA ANTIGUA
El festival MAUS (Muestra de Música Antigua de la
Universidad de Sevilla) vuelve en febrero a su cita
anual. Será la segunda actividad musical del año,
tras el tradicional concierto de Santo Tomás.
Para esta edición, el MAUS se
presenta con el título genérico de
Musicae Profanae y ofrecerá tres
visiones de programas basados en
repertorios de música profana del
renacimiento europeo a través de
tres formaciones que van de la
música instrumental a la vocal.
La inauguración de la Muestra
correrá a cargo de la formación
sevillana Ministriles Hispalensis, un
grupo de reconocido prestigio que
presentará su nuevo programa
Música para banquetes y batallas, un
trabajo programa basado en música
profana europea a caballo entre el
renacimiento y el primer barroco.
Segundo concierto
La segunda cita de la Muestra tendrá
lugar el viernes 19 de febrero y nos
llevará a la música profana vocal del
renacimiento con el concierto del
espléndido cuarteto vocal Vandalia
que, igualmente, estrenará su nuevo
programa Covarde caballero, un
repertorio basado en músicas de
compositores del renacimiento
español como Mateo Flecha, Juan
Vásquez o Cristóbal de Morales.
Para clausurar la edición del año
2016, el festival MAUS contará con la
presencia del dúo francés Vida Bona,
formación liderada por el carismático
laudista y cantante Francisco Orozco,
que presentará su programa
Villanesque et Mascherate a la
Napoletaine. Una espléndida
oportunidad para adentrarnos en la
música popular italiana del
renacimiento ....
Esta novena edición del MAUS
contará con tres espacios donde se
desarrollarán los diferentes conciertos: el Paraninfo de la
Universidad, la Capilla de la Universidad y la Iglesia de la Anunciación.
Todos los conciertos comenzarán
a las 21.00h con entrada libre
(recogida previa de invitación) hasta
completar aforo. M
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26
Maestranza · Enero 2016
ROSS
Así suena el Sur
La temporada 2015-2016 de la ROSS está caracterizada por la amplia presencia en la
programación de la música hecha desde el Sur, que abarca desde el impresionismo
francés hasta el nacionalismo musical español o los compositores contemporáneos
como Fazil Say, artista residente de la Orquesta.
PROGRAMACIÓN DE LA ROSS DE ENERO A JUNIO DE 2016
L
a Real Orquesta Sinfónica de
Sevilla comenzó el año 2016
con el 7º programa de abono
de la temporada (14 y 15 de
enero) que, con el título El
amor y la muerte, profundizó en
motivos musicales españoles y
andaluces con la intepretación de la
suite del ballet El amor brujo de Falla
y, muy especialmente, el Concierto de
Sevilla de José María Gallardo del Rey,
guitarrista que además estuvo en el
concierto como solista.
El Concierto de Sevilla es una obra
que, aunque fue compuesta por
Gallardo del Rey hace dos décadas, ha
sido reorquestada profundamente
para evocar sobre el escenario los
aromas de la ciudad. Gallardo del Rey
vuelve así a Sevilla en plena etapa de
madurez como músico y compositor.
Además de la ROSS, El amor brujo
también contó con la cantaora
Esperanza Fernández y cinco
bailarines del Centro Andaluz de
Danza, coreografiados por Rubén
Olmo —Premio Nacional de Danza
2015—, todos ellos dirigidos por John
Axelrod en una ocasión única para
disfrutar de la fusión entre flamenco y
música sinfónica.
En el segundo concierto de abono
del año (18 y 19 de febrero, 8º de la
temporada), la ROSS ofrecerá. Frozen
in time (en arreglo para música de
cámara), de Avner Dorman, músico
israelí doctorado en Composoción
Musical por la prestigiosa Juilliard
School de Nueva York; y dos sinfonías
La música de Carmen de
Bizet ocupa por
completo el 14º
programa de abono, con
una importante
novedad en los
conciertos de la
temporada, como es la
proyección de la película
muda del mismo título
de Cecil B. De Mille
de Haydn: la Sinfonía nº 100 y la
Sinfonía nº103, más conocida como
Redoble de timbal por su arranque, la
última de las sinfonías que el genio
austríaco compuso en su país de
acogida, Inglaterra, en 1795. También
se interpretará la obertura de El rapto
en el serrallo de Mozar. John Axelrod
será el director y Martin Grubinger el
solista de percusión.
Los días 25 y 26 de febrero (9º de
abono) la ROSS se ocupará de la
música hecha o inspirada en el
Magreb y el Norte de África. Primero
intepretará el estreno absoluto de
Gran Bazaar, una obra de Fazil Say
(artista residente de la Orquesta para
la temporada 2015-2016), pianista y
compositor turco que estará muy
presente a lo largo del año en los
conciertos de la ROSS. Gran Bazaar es
una composición de música de
cámara, aspecto en el que ha
destacado Say en los últimos años con
más de una quincena de obras. El
concierto también incluye otra obra
de Say, el concierto para violín 1001
Noches en el harén.
La segunda parte del programa
está basada en una selección de
piezas de bandas sonoras de películas
tan conocidas y admiradas como
Casablanca (Max Steiner), Sahara y El
Cid (Miklos Rozsa), En busca del arca
perdida (John Williams), Christopher
Columbus (Cliff Eidelmann) y 1492
(Vangelis). John Axelrod será el
director y Rachel Kolly D’Alba la
violinista invitada.
Los días 10 y 11 de marzo se
celebrará el 10º concierto de abono,
con el título Oriente y Occidente, una
reflexión sobre la influencia musical
mutua en las dos esferas del mundo
que estará dirigido por Christian
Arming y que contará con la
excepcional presencia de las
hermanas Ferhan y Ferzan Önder
como pianistas. Las obras elegidas
para el concierto no dejan lugar a
dudas sobre el carácter del mismo: la
obertura de Oriente y Occidente de
Saint-Säens, una marcha en dos
partes que aún forma parte del
repertorio de muchas bandas; el
concierto para dos pianos Gezi Park
de Fazil Say; Oriente y Occidente del
finlandés Arvo Pärt (estas tres por
primera vez en la ROSS) y La Péri,
Poème dansé en un tableau del
impresionista francés Paul Dukas.
La intimidad de la música sacra
llega al Maestranza en el 11º
programa de abono (17 y 18 de
marzo) con la misa de Réquiem de
Gabriel Fauré, una innovadora visión
de la muerte y la naturaleza del ser
humano para la época en que fue
compuesta, a finales del siglo XIX; y
los fragmentos sinfónicos de El
martirio de San Sebastián de Debussy,
una suite orquestal de cuatro
movimientos frente a los cinco del
drama sacro original. En este
programa participan el Coro de la
Asociación de Amigos del
Maestranza, además de los cantantes
Mary Bevan, soprano, y Henk Neven,
barítono. Dirigirá John Axelrod.
La noche a escena
En el 12º programa de abono (31 de
marzo y 1 de abril) la noche es la
protagonista. Tito Ceccherini dirigirá a
la ROSS en su interpretación por
primera vez de La noche de Granada
de Debussy, con arreglos de
Stokowsky; Tesorero de la noche de
Ravel (con arreglos de Marius
Constant); Una noche en el monte
pelado de Mussorgsky orquestada por
Rimsky-Korsakov; y Noches en los
jardines de España de Falla. La velada
contará con el pianista Danilo Saienko,
ganador del concurso María Canals.
Para el 13º de abono (7 y 8 de
abril), recién entrada la primavera, las
obras programadas cuentan con la
singularidad de estar inspiradas, de
uno u otro modo, en la estación de las
flores. Son Los pinos de Roma de
Ottorino Respighi, composición que
retrata estos árboles en diferentes
puntos de la Ciudad Eterna, como Villa
Borghese o las catacumbas; el
Concierto para la mano izquierda de
Ravel, una poderosa combinación de
instrumento y orquesta en continuo
diálogo a lo largo de su único
movimiento; y la espectacular —y
polémica en su estreno por su
radicalidad— La consagración de la
primavera de Stravinsky. Estarán John
Axelrod al frente de la ROSS y Regina
Chernychko como pianista.
La música de Carmen de Bizet
ocupa por completo el 14º programa
Maestranza · Enero 2016
FBROEDE
En la columna de la izquierda, José
María Gallardo del Rey y Alexandre
da Costa. A la derecha, las hermanas
Ferhan y Ferzan Önder. Debajo,
Rachel Kolly D’Alba y Martin
Grubinger.
THOMAS RABSCH
de abono (14 y 15 de abril), con una
importante novedad en los conciertos
de la temporada, como es la
proyección durante el espectáculo de
la película muda Carmen de Cecil B.
De Mille, de la que se cumplió el año
pasado un siglo desde su estreno.
Mihnea Ignat será el director.
En el penúltimo concierto de
abono (26 y 27 de mayo), la ROSS
buscará la complicidad del público con
tres divertimentos de muy diferentes
autores: Béla Bartók, Joaquín Rodrigo
y Mozart. La Orquesta estará dirigida
por Maxim Emelyanychev y contará
con el violonchelo de Asier Polo.
Finalmente, la temporada se
cierra los días 7 y 8 de julio con un
programa que quiere ser un
agradecimiento al público y la ciudad
de Sevilla, puesto que las obras
seleccionadas tienen en común su
vinculación con la ciudad o su
inspiración en ella. Son la Sinfonía
sevillana de Turina, Arabescos de
Lorenzo Palomo, Aires bohemios de
Sarasate, la habanera de Carmen de
Bizet, Sevilla de Albéniz y El sombrero
de tres picos de Falla. De nuevo John
Axelrod dirigirá a la Orquesta, con
Alexandre Da Costa como violín
solista.
Además de la programación de
abono, la ROSS ofrecerá en el Teatro
de la Maestranza varios conciertos
extraordinarios: el concierto didáctico
Adopta a un músico en colaboración
con el Colegio de San Francisco de
Paula (2 de abril); el de Feria (10 de
abril); y la clausura del curso de la
Universidad de Sevilla (29 de junio).
También seguirá el ciclo de música de
cámara de la ROSS, con conciertos
programados los días 7 de febrero, 6
de marzo, 3 de abril, 15 de mayo y 19
de junio. M
E. CLOUTIER
ROSS
27
28
Maestranza · Enero 2016
ROSS
JOHN AXELROD
“CORTAR NUESTRO PRESUPUESTO
ES CASTIGAR AL PÚBLICO”
El nuevo director de la Sinfónica de Sevilla, John Axelrod, se muestra encantado
con la calidad de los profesores de la Orquesta (“virtuosos” los llama) y reclama sin
ambages un mayor compromiso presupuestarios de las instituciones.
Y
J.M. RODRÍGUEZ
a asentado como nuevo
titular de la Real Orquesta
Sinfónica de Sevilla, John
Axelrod (Houston, 1966)
desgrana las claves de su
filosofía musical, en gran parte heredadas
de su maestro Leonard Bernstein, analiza
la situación de la ROSS en la temporada
de su 25 aniversario y reivindica la plena
rentabilidad de una Orquesta acosada por
unos recortes presupuestarios que,
simplemente, no comprende. “¿Cómo es
posible que tras los éxitos cosechados y
una atmósfera tan positiva, la Orquesta (y
el Teatro) tengan que hacer frente a
nuevos déficits financieros? Es algo
incongruente. El éxito merece ser
premiado. Cortar nuestro presupuesto es
castigar al público”, dice.
—La Orquesta cumple pronto 25
años. ¿Cómo la ha encontrado,
emocional y técnicamente?
—La Orquesta está en plena forma
desde el punto de vista artístico. El éxito
de nuestros conciertos de esta
temporada y el apoyo tanto del público
como de la crítica así lo prueban. Por
supuesto, es todo un reto mantener la
motivación con la situación actual tanto
política como financiera. La próxima
temporada premiaremos a los profesores
por su compromiso y calidad. El
virtuosismo es la mejor respuesta a la
austeridad.
—Se diría que usted disfruta del
pleno apoyo de sus músicos. Sobre el
escenario, ¿lo siente así? ¿Puede
traducirse esa complicidad en una
mayor calidad de la experiencia
musical?
—Me siento muy honrado de que los
profesores me hayan elegido como su
director artístico y musical. No es sólo un
compromiso musical sino un encuentro
de corazones y mentes. Compartimos
confianza, el criterio más significativo
entre el director y la orquesta. Todos
somos igual de importantes, incluido el
director. Esta complicidad y experiencia
compartidas derivan en una mejor
interpretación musical. El público siente
cómo lo haces, al igual que la crítica.
Esperemos que los patrocinadores y las
instituciones públicas también lo vean y
comprendan que nuestro éxito es un
valioso retorno de lo invertido y un
recordatorio de la belleza y la verdad de la
música.
—¿Cuál cree que es la mayor
virtud, el mayor tesoro, de la ROSS?
—El virtuosismo. Son profesionales
únicos. Consideremos esto: en España
hay unas cinco grandes orquestas y en
cada una, unos 80 músicos de media.
Esto hace un total de 400 personas entre
46 millones de habitantes. Esto significa
que sólo 400 personas son capaces de
interpretar a Beethoven, Falla o Ravel tal
y como el compositor quiso expresar.
Este tipo de valor es recompensado en
el fútbol o en la medicina. ¿Por qué no
en la cultura? Los jugadores de fútbol
pueden cobrar incluso millones aunque
su equipo pierda. Los músicos tienen
que ganar en cada interpretación para
alcanzar los estándares y calidad de
virtuosismo.
—¿Y cuál diría que es su mayor
déficit, su asignatura pendiente?
—El presupuesto. ¿Cómo es posible
que en el 25 aniversario, tras los éxitos
cosechados y una atmósfera tan positiva,
la Orquesta (y el Teatro) tengan que hacer
frente a esta situación económica? Es algo
incongruente. El éxito merece ser
premiado.
—¿Cómo ha encontrado al
público? ¿Lo ve entrenado y maduro?
¿Recibe del público la inyección de
regeneración que parece plantear?
—Totalmente. Recuerde que el
director es el filtro entre la orquesta y su
público. Siento la energía del público tanto
como la de los músicos. Siento su
estímulo. Sé que apoyan nuestros
esfuerzos y aprecian nuestro virtuosismo.
Pienso que tenemos un público abierto,
cultivado y que se emociona con la
música. Sí me gustaría ver a la ROSS más
activa en Sevilla y Andalucía en general
porque no existimos sin un público. Y a los
políticos se les recuerda que el público
también vota. Un voto por la música es un
voto para un futuro más seguro en Sevilla
y Andalucía.
—Usted lleva la música
contemporánea regularmente a los
atriles. Pero, ¿la retirará si no
encuentra el respaldo de la
audiencia?
—Creo que el público abrazará
nuestra aventura musical porque
compartimos una experiencia humana.
Lo que importa no es si se trata de
Beethoven o Bernstein, o si es Vacchi o
Vivaldi. Lo que importa es nuestra
convicción. Si creemos en la música que
tocamos y comunicamos este
compromiso, creo que convenceremos a
nuestro público. Como decía mi profesor
Bernstein (como hicieron Ellington, Berg y
tantos otros): “Hay música buena y
música mala. Toca la buena música y la
vida es buena”. Confío en nuestro público.
—Con una Orquesta que ya
cumple 25 años, ¿qué significa,
exactamente, titular su primer
programa como Nueva Era? ¿Le
impulsa un espíritu de revolución?
¿Cómo cree que debe contemplar la
ROSS su propio pasado?
—El pasado es sólo eso, historia. El
futuro es un misterio. El presente es solo
eso: un presente. Tenemos la suerte de
contar con un instrumento tan
maravilloso como la ROSS. Es un regalo
para la gente de Sevilla y Andalucía. La
revolución se basa en la idea de la
libertad. Que la ROSS tenga ahora la
libertad de hacer música y sea premiada
por sus esfuerzos y que sus opiniones
sean escuchadas es una revolución. Larga
vida a la ROSS.
—¿Cómo elaborar una
programación, algo siempre muy
delicado y complejo, cuando escasea
el dinero para contratar solistas,
cantantes, abordar obras sinfónicocorales, etcétera?
—Hacemos lo mejor que podemos
con lo que obtenemos, pero no creo que
porque seamos capaces de hacer
programas interesantes y atractivos
debamos tener un presupusto cada vez
menor. Piense en ello: Facebook, Apple y
Microsoft fueron creados en dormitorios y
garajes. Fueron capaces de crear con
menos. Pero cambiaron el mundo con
más. Necesitamos aumentar nuestros
presupuestos para contratar más músicos
de forma permanente en la Orquesta,
para invitar a solistas y directores de fama
mundial... Siento que la ROSS debería ser
capaz de trabajar de forma
independiente hacia una mayor
seguridad artística y financiera. Nuestro
propósito es llegar a la cumbre, perseguir
la perfección, y no se le puede pedir a
nadie que suba al Everest sin la
Maestranza · Enero 2016
ROSS
equipación adecuada. Cortar nuestros
presupuestos significa no sólo negar a los
músicos sino también castigar al público y
a los amantes de la música.
—Llamó la atención que en su
primera temporada estén ausentes
los grandes nombres del sinfonismo:
Beethoven, Brahms, Schumann…
Simplemente ¿no encajaban? ¿O esta
ausencia revela una voluntad de
esquivar el repertorio más trillado
para acudir a otro menos conocido?
—¿Llamó la atención? Es el primero al
que oigo decir eso. En el programa hay un
equilibrio entre la música de repertorio y
la contemporánea. Y el tema de la
programación es Los sonidos del
Mediterráneo. Ése es el porqué. Y este
equilibrio es saludable tanto para la
Orquesta como para el público. Le
recuerdo que en el pasado reciente se
interpretaba fundamentalmente a
Mahler. Y mi primera experiencia con la
orquesta ha sido con Strauss, con el que
continuaremos. Pero la próxima
temporada escucharéis más a Beethoven
y a otros grandes del repertorio clásico.
Por supuesto, en equilibrio.
—Su activo compromiso con los
músicos jóvenes, la pedagogía y el
acceso popular a la música es
célebre. ¿Puede anunciar sus
estrategias próximas con la ROSS en
esa dirección? ¿No cree que la idea de
una ROSS exclusivamente asociada a
una sala de conciertos estable es una
idea que pide una renovación?
—Los jóvenes músicos son nuestro
futuro. Sevilla y Andalucía son
afortunadas de tener tantas jóvenes
agrupaciones musicales. Y eso es
importante porque la música es una
ciencia, es matemáticas, es una lengua
extranjera, es historia, es educación física,
la música desarrolla la percepción y
requiere investigación. La música es
todas estas cosas pero, sobre todo, la
música es arte. Por eso la hacemos,
porque queremos que nuestro público
sea más humano, que reconozca la
belleza, que se sienta más cercano al
infinito más allá de este mundo, que
tenga algo a lo que aferrarse, para que
John Axelrod, durante un concierto con la ROSS.
nuestro público tenga más amor, más
compasión, más amabilidad, más
bondad. En resumen: ¡más vida! En
cuanto a una Orquesta exclusivamente
asociada a una sala de conciertos estable:
sí, es criticable. Pero mientras tanto, el
Teatro de la Maestranza es nuestra sala
de conciertos y tenemos que encontrar el
camino correcto para colaborar y
compartir una experiencia común.
—¿Puede anunciar alguna
decisión sobre la contratación de un
concertino fijo —del que, contra la
tendencia general, la ROSS carece
desde hace años— u otros músicos
destacados que refuercen la
Orquesta? ¿Cree que esta plantilla
admite alguna modificación?
—Se me ha prometido que habrá un
concertino permanente en 2017. Siento
que la Orquesta está bien posicionada y
se beneficia enormemente del continuo
liderazgo de Éric Crambes y Paçalin
Pavaci.
—En España, la ley de
mecenazgo es antigua y,
fiscalmente, poco atractiva para el
patrocinador. ¿Cómo puede superar
eso la ROSS? ¿Forma parte de su
responsabilidad atraer nuevos
patrocinios privados?
—Es una pena que la gente no
pueda beneficiarse por apoyar a la
cultura. En otros países se reconoce
esta reciprocidad mutua de
desgravación fiscal. Puedo ayudar a
conseguir patrocinios y he aportado
ideas para captar dinero fuera de lo que
son las subvenciones públicas. Ahora
es responsabilidad de la
administración y de los políticos el
apoyar la grandeza de esta
institución. No hacerlo sería un gran
castigo para los sevillanos.
—Aunque es independiente de
él, la Orquesta está unida al Teatro,
donde tiene sus oficinas, ensaya y
celebra su temporada de abono.
¿Cómo juzga la relación con el
Teatro? ¿Le gusta la sala? ¿Cuál es
su actitud en la configuración de los
calendarios paralelos de ambas
instituciones? ¿Cree que la sinergia
entre el Teatro y la Orquesta es
mejorable? Los aficionados,
conocedores de su amplia
experiencia operística, se
preguntan cuándo dirigirá alguna
de las óperas.
—Es una decisión del director
artístico del Teatro. Hemos acordado
colaborar y mejorar el ambiente y las
condiciones. Lo que es importante es
tener un acuerdo seguro y vinculante
entre la ROSS y el Teatro. Éstas son las
necesidades básicas de ésta y de
cualquier orquesta y mientras no se
cumplan, no será posible mejorar
como pretendemos y como el público
espera. En cuanto a dirigir una ópera,
estoy dirigiendo óperas por todo el
mundo, así que creo que sería interés
del Teatro que yo dirigiera una ópera
aquí y que el maestro Pedro Halffter
continúe su colaboración con la ROSS.
Debemos tener una temporada
2016-2017 positiva y colaborativa para
ambas instituciones.
—Usted ha declarado su fe en
que la música puede hacer el mundo
menos conflictivo, más habitable. Su
primera temporada, Los sonidos del
Mediterráneo, plantea
musicalmente las relaciones
Oriente–Occidente, justo en un
periodo de tensión máxima en esa
relación. ¿Sus próximas temporadas
se regirán por lemas en la misma
dirección?
—La próxima temporada estará más
basada en los elementos espirituales y
sensuales de la música. Esta temporada
celebra los sonidos del Mediterráneo,
Andalucía y sus raíces tanto en Oriente
como en Occidente. Que los hechos
actuales sugieran un denominador
común no es mera coincidencia. Siento
que la música puede restaurar nuestra
humanidad y ofrecer belleza cara al
conflicto. La música no puede hacer que
el hombre pare la guerra. Pero hacer
música es un camino hacia la paz.
—Comprendo que, en el
contexto actual, es un poco inútil
preguntarle por la aspiración a
realizar grabaciones o giras
internacionales con la Orquesta.
Pero, y en una ciudad que apenas ha
recibido la visita de una orquesta
extranjera desde hace más de 10
años, ¿le preocupa que una
formación sinfónica dialogue sólo
con un único grupo de espectadores?
¿Tiene previsto que la ROSS realice
más conciertos fuera de Sevilla?
—Sí, sí y sí. No puedo revelar más,
pero estamos haciendo todo lo posible.
La historia de Sevilla no se relaciona sólo
con la ópera y el descubrimiento del
Nuevo Mundo. Es una nueva era para la
música y la cultura en Sevilla, que
continuará siendo una inspiración como
ha sido para compositores, escritores y
artistas a lo largo de la historia. Tenemos
el poder para dar esa impresión. Con más
apoyo del público e institucional, el futuro
de la música en Sevilla puede ser un
futuro que todos podamos compartir y
celebrar. M
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Maestranza · Enero 2016
ACTUALIDAD
COMIENZA EL PLAZO PARA SUMARSE
AL CLUB DE AMIGOS DEL TEATRO
E
l Teatro de la Maestranza sigue
trabajando para ampliar el
número de empresas,
instituciones Y particulares que
contribuyen a mejorar la
calidad de la programación mediante sus
aportaciones económicas. Así, en enero
se abre el plazo para incorporarse al Club
de Amigos del Teatro, una iniciativa que
pretender fomentar la participación de
los particulares a través del mecenazgo.
A cambio de una cuota anual (50 euros
para los micromecenas, 250 euros para
los simpatizantes, 1.000 euros para los
amigos y 2.500 euros para las empresas
amigas), los socios obtienen una serie de
beneficios. Se puede obtener toda la
información en la página web www.clubdeamigos.
teatrodelamaestranza.es.
Por otro lado, en la temporada
2015-2016 se acaba de incorporar al
grupo de patrocinadores una nueva
empresa: Viajes Foster, una reconocida
agencia turística integrada en el mayor
grupo de agencias independientes del
país (AIRMET) y que, desde su oficina en
Sevilla, ofrece servicios a toda Europa.
Viajes Foster cuenta con tarifas exclusivas
en vuelos y toda una serie de descuentos
y ofertas en alojamientos, alquileres de
vehículos, etcétera.
El convenio de colaboración entre
Viajes Foster, que cumple diez años
como agencia en Sevilla, se firmó el 17
de noviembre entre Remedios Navarro,
como directora-gerente del Teatro de la
Maestranza, y Enrique Arroyo, director
general de Viajes Foster.
Con esta última incorporación son ya
17 las empresas que integran el grupo de
patrocinadores: Caixabank, Fundación
BBVA, Fundación Cajasol, Gas Natural
Fenosa, Grupo Santander, Fundación
Cruzcampo, Real Maestranza de
Caballería, Servicio de Prevención Antea
SA, Diario de Sevilla, ABC, El Correo de
Andalucía, La Razón de Sevilla, Cope
Sevilla, Viva Sevilla, Cadena Ser, Victorio
& Lucchino y la propia agencia Viajes
Foster. Laboratorios AGQ patrocina el
concierto de piano de Khatia Buniatishvili.
Otro convenio tuvo lugar el 22 de
octubre entre el Teatro y Gas Natural
Fenosa, empresa del sector energético
que renueva así por quinto año
consecutivo su colaboración con el
Coliseo del Arenal. En el acto estuvieron
presentes Remedios Navarro y el director
general de Gas Natural Andalucía, Raúl
Suárez.
En diciembre se firmó ótro nuevo
convenio, en esta ocasión con la
Fundación Cajasol, entidad arraigada en
Andalucía y que lleva mostrando su
compromiso con la cultura y con el Teatro
de la Maestranza desde el inicio de sus
temporadas estables, lo que la convierte
en una de las instituciones más
veteranas del grupo.
Firmaron por parte del Teatro de la
Maestranza Remedios Navarro y por
parte de la Fundación Cajasol su
presidente, Antonio Pulido. La Fundación
Cajasol desarrolla numerosas actividades
culturales, tanto propias como en
colaboración con otras entidades.
Caixabank
Caixabank es otra de las empresas que
ha renovado su convenio de
colaboración. La entidad financiera es
patrocinador general de la temporada
2015-2016, pero también ha colaborado
en espectáculos concretos, como la
ópera Otello y, ya en este año 2016, lo
hará con la ópera El barbero de Sevilla,
las actuaciones del Aalto Ballett Essen y
el Ballet Nacional de España dentro del
Ciclo de Danza y el espectáculo de
Estrella Morente y Javier Perianes, dentro
del Ciclo Grandes Intérpretes. También
patrocinará el Abono Joven una
temporada más, promoción que
Caixabank lleva realizando desde hace
años para acercar a los más jóvenes al
Teatro de la Maestranza. Participaron en
la firma Antonio Muñoz Martínez,
delegado de Hábitat Urbano, Cultura y
Turismo como miembro del Consejo
Rector del Consorcio del Teatro, y Rafael
Herrador como director territorial de
Andalucía Occidental de Caixabank, con
la presencia de Remedios Navarro.
Fundación Cruzcampo
El 18 de diciembre se rubricó el último de
los acuerdos de colaboración, en este
caso con otra de las entidades pioneras
en el mecenazgo y patrocinio del Teatro
de la Maestranza: la Fundación
Cruzcampo, que lleva apoyando al Teatro
de la Maestranza desde el año 1993. El
acuerdo fue firmado de nuevo por
Antonio Muñoz por parte del Teatro de la
Maestranza y Julio Cuesta Domínguez,
presidente de la Fundación Cruzcampo,
también con la presencia de Remedios
Navarro.
Los dos últimos convenios de
colaboración se firmaron con Servicio de
Prevención Antea SA, empresa dedicada
a la prevención de riesgos laborales,
entre Antonio Muñoz Martínez, delegado
de Hábitat Urbano, Cultura y Turismo del
Ayuntamiento, y Joaquín Caro Ledesma,
director general de la empresa (18 de
enero); y Banco Santander (20 de enero),
que recoge así el testigo de la Fundación
Cultural Banesto, entre Antonio Muñoz
Martínez y Alberto Delgado Romero,
director territorial de Andalucía y
subdirector general, y Antonio Manuel
Palazuelos San Emeterio. En ambos
estuvo presente Remedios Navarro.M
A la izquierda, firma del convenio entre
Viajes Foster y el Teatro de la
Maestranza. En la página siguiente, de
izquierda a derecha y de arriba a abajo,
la firma de los convenios entre el
Teatro de la Maestranza y las entidades
Gas Natural Fenosa, Fundación Cajasol,
Caixabank, Fundación Cruzcampo,
Servicio de Prevención Antea y Banco
Santander. En los cuatro últimos
representó al Teatro de la Maestranza
el concejal Antonio Muñoz, con la
presencia de Remedios Navarro.
Maestranza · Enero 2016
ACTUALIDAD
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Maestranza · Enero 2016
ACTUALIDAD
Sobre estas líneas, el Coro en sus dos primeras óperas, Rigoletto y Madama Butterfly, en 1996; a la derecha, su última actuación, en la zarzuela Los diamantes de la corona.
CORO DE LA ASOCIACIÓN DE AMIGOS DEL TEATRO DE LA MAESTRANZA
UN SUEÑO QUE DURA 20 AÑOS
Q
CARLOS HERMOSO
ué difícil se hace
expresar mucho en muy
poco. En un primer
intento, la sensación es
de abismo por no poder condensar en unas
cuantas líneas lo que ha supuesto en
nuestras vidas, la vida de cada uno
de los que formamos parte de este
gran colectivo, ese torbellino de
vivencias que han ocupado muchas
horas, muchos días y muchísimos
esfuerzos durante un período
suficientemente largo ya; nada más
y nada menos que 20 años.
El pasado 2015 el Coro de la
Asociación de Amigos del Teatro de
la Maestranza o, como a nosotros
nos gusta llamarlo, Coro
Maestranza, celebró sus 20 años de
existencia; años que se han ido
fraguando a base de producciones,
conciertos y ensayos, tantos en la
mayoría de los casos que resulta
difícil ponerlos en pie y en orden,
desde aquel primer Rigoletto del
año 1996 hasta la zarzuela Los
diamantes de la corona, nuestra
última producción en este
diciembre pasado.
Esta nueva Junta directiva, que
desde el mes de julio está al frente de
la Asociación, tuvo desde el principio
un reto prioritario: trabajar con
tranquilidad por el bien de todos y
saber transmitirlo a todos; intentar
llegar, en definitiva, a ese estado de
sosiego que en el mundillo de un
teatro de ópera se hace a veces tan
difícil. Con este enfoque queremos
afrontar la celebración de estos 20
años junto con la ROSS y con el
mismo Teatro, que conmemoran a su
vez sus 25 años de singladura.
Momentos importantes
Echando la vista atrás y tratando de
no caer en una nostalgia desmedida,
parece el momento de entresacar del
baúl de los recuerdos algunos hitos
que han ido modelando la esencia de
nuestro Coro. Resulta inevitable, así,
recordar la primera vez que pisamos
el escenario de nuestro querido
Teatro para abordar nuestra opera
prima como Coro, Rigoletto, bajo la
Hicimos nuestras, a
batuta del grandísimo Romano
base de tesón, obras
Gandolfi y junto al que sigue siendo,
sinfónicas como el
al menos lo es así para muchos, el
Requiem de Brahms o la mejor bufón de la actualidad, Leo
Nucci. Los que allí estuvimos
Novena de Beethoven;
seguimos considerándonos
luchamos sin tregua con privilegiados por haber estado en el
momento y lugar justo. Fue, sin duda,
idiomas tan ajenos
momento chicos. El de las chicas no
como el ruso, el checo o el
tardaría en llegar con la siguiente
el inglés endiablado de ópera de aquella temporada,
la ópera Doctor Atomic, Madama Butterfly, dirigida por el
inolvidable Vjekoslav Šutej, primer
otro reto que se
director titular de nuestra ROSS.
presentaba como
La Bohéme de Zefirelli
inalcanzable en un
Tras estas dos óperas, el Coro estaba
principio
ya, no se sabe muy bien cómo,
formado y funcionando, si bien no
podemos olvidar, como paso previo,
importantísimo, la interpretación de
la maravillosa Bohéme de Zefirelli por
parte del Coro de Málaga con la
ilusionada colaboración de un
pequeño grupo de alumnos de canto
del Conservatorio de Sevilla. Es
entonces cuando se empieza a
Maestranza · Enero 2016
SHUMPEI OSHUGI
ACTUALIDAD
Ramón María Serrera (izquierda), junto a Pavarotti y Lluís Andreu en 1991.
RAMÓN MARÍA SERRERA
fraguar la idea de organizar unas
audiciones para constituir un coro
propio.
Y después, lo inimaginable:
cantar junto a los grandes de
siempre, como Alfredo Kraus, Plácido
Domingo, Joan Pons, Ruggero
Raimondi, Ferruccio Furlanetto,
Mariella Devia… Y junto a los nuevos
grandes: Carlos Álvarez, Ismael Jordi,
Mariola Cantarero, Ainhoa Arteta,
Juan Diego Flórez, Maria Guleghina,
Roberto Alagna, Gregory Kunde,
tantos y tantos artistas
extraordinarios; obedecer sin
descanso la batuta de tantos
directores, que han sabido y podido
modelarnos a su antojo porque así la
obra lo requería; hacer nuestras, a
base de tesón, obras sinfónicas como
el Requiem de Brahms o la Novena
de Beethoven; luchar sin tregua con
idiomas tan ajenos como el ruso, el
checo o el inglés endiablado de la
ópera Doctor Atomic, otro reto que se
presentaba como inalcanzable en un
principio; convertirnos en actores
improvisados para hacer de bailarines
o de... en las exigentes pero
entrañables producciones de las
zarzuelas; y todo para llegar, con un
poderío y profesionalidad inusual en
un coro de las características del
nuestro, a un público exigente pero
entregado incondicionalmente desde
un principio. Gracias de corazón.
Y gracias también a todos los
que, por uno u otro motivo, ya no
están con nosotros pero han formado
parte de nuestros 20 años de
historia, incluidos momentos tan
duros como el de decidir silenciar el
Gloria de Vivaldi y el Requiem de
Fauré ante el dolor que se estaba
viviendo en España por los atentados
de Atocha. Gracias a la ciudad que
nos vio nacer y a sus instituciones.
Gracias a los que han estado ahí y los
que lo estarán en un futuro, porque
nuestra historia no se ha acabado de
escribir y queda mucho por hacer. El
listón se ha puesto alto y el
compromiso es importante para los
que se quieran incorporar. La ilusión
indispensable.
El sueño continúa... M
“La ASAO necesita
el apoyo oficial”
H
EMILIO GALÁN HUERTOS
ablar tranquilamente con
Ramón María Serrera es un
placer. Me recibe en su
despacho de la vieja Fábrica
de Tabacos, invadido de
libros, revistas, papeles, fotos, mesa de
reuniones, biblioteca y todo lo que un
investigador va acumulando al paso de
los años. El profesor Ramón María Serrera,
catedrático de Historia de América en la
Universidad de Sevilla, tiene un inmenso
curriculum vitae. Entre sus más de cien
publicaciones americanistas se cuentan
28 libros y monografías. Es académico
correspondiente de la Real Academia de
la Historia, académico de la Real
Academia Sevillana de Buenas Letras,
miembro del Patronato del Archivo de
Indias, Premio Fama de la Universidad de
Sevilla y recientemente Premio de
Andalucía de Investigación Ibn Al Jatib.
Pero no me reúno con Serrera para
hablar de Historia de América sino de
ópera. Porque el profesor Serrera es un
musicólogo, quizás más conocido
socialmente por sus libros y críticas
musicales, y especialmente por su
conocimiento sobre ópera, que por ser un
gran americanista. Sus más de 600
críticas de música y de ópera publicadas
en el diario ABC, sus colaboraciones en
temas líricos y, sobre todo, sus dos libros
dedicados a la ópera en Sevilla, 100
Óperas de Sevilla (2010) y Sevilla, Ciudad
de 150 Óperas (2012), escritos en
colaboración con Andrés Moreno
Mengíbar, han hecho de Serrera un
referente de los temas musicales en
Sevilla. Este sevillano ha sido testigo de la
historia del Teatro, desde su construcción
hasta la última función de Otello.
—¿Cómo nació su afición a la
Ópera y cómo ha llegado a
convertirse en un experto y erudito
musical?
—En mi casa, mis padres eran muy
aficionados a todo tipo de música y
(Sigue en página siguiente)
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Maestranza · Enero 2016
ACTUALIDAD
especialmente a la música clásica. Mi
madre además tocaba el piano y
desde niño la escuchaba, como
también aquellos programas de radio
que transmitían conciertos y óperas
del Liceo en directo. La primera
sinfonía que escuché fue la Séptima
de Beethoven, y tenía solo siete años.
Poco a poco el oído se va
acostumbrando y, si eres sensible,
llega un momento en que no puedes
pasar sin escuchar ya sonatas,
conciertos, arias… Yo soy sensible a
todo lo bello, a toda expresión del ser
humano: pintura, escultura,
arquitectura y, cómo no, a la música y
a la voz. En cuanto al conocimiento
musical, creo que como historiador
estoy obligado a estudiar la historia
de la música, y en particular la historia
de la ópera, alemana, francesa o
italiana, como también debo conocer
cualquier otra expresión artística del
ser humano. Pero, además, en mi
familia todos mis hermanos saben y
aman la música.
—¿Qué música oye mientras
escribe, trabaja o estudia?
—Ninguna. Cuando me concentro
estudiando o escribiendo no dejo que
nada, ni siquiera la música, me perturbe.
Necesito el silencio creador, porque para
escuchar música debo concentrarme y
mucho más para oír una ópera. Ahora
bien, cuando escribo correos, cuando lo
que hago es repasar un tema, clasificar o
un trabajo mecánico, me gusta escuchar
Schubert y, sobre todo, Mozart, por
ejemplo las sonatas y los cuartetos.
—¿Cuáles son sus autores y
óperas preferidas?
—Sin duda Verdi y Wagner. Luego, en
otro nivel, estaría Mozart, porque Mozart
es otro mundo. También me emociona
Puccini. Pero también está el genial
Donizetti, un autor que he estudiado a
fondo. La favorita y María de Padilla más
sevillanas no pueden ser, pero también
Ana Bolena, La fille du régiment, Lucía o
L’elisir d’amore son verdaderas joyas.
—Se ha relacionado con los
principales cantantes y directores de
ópera del mundo de los últimos 30
años. ¿Cuáles son sus preferidos?
—Sí, he tenido ocasión en Sevilla y
fuera de ella de conocer y tratar a las
figuras más relevantes de la lírica mundial
y también a los más importantes
directores de orquesta. Para mí, el mejor
“Para mí, el mejor
cantante ha sido
Pavarotti, el que más me
ha impactado, no sólo por
su voz y cualidades sino
también por su gran
humanidad y simpatía”
“La ASAO surgió de un
grupo de amigos y
aficionados a la ópera
con Lluís Andreu, primer
director del Teatro de la
Maestranza, como
catalizador y animador”
cantante ha sido Luciano Pavarotti, el que
más me ha impactado, no sólo por su voz
y cualidades, sino también por su gran
humanidad, simpatía y cercanía. Después
está Alfredo Kraus, el más perfecto de
todos los tenores que he conocido, pero
era más distante, menos efusivo y
comunicador. Entre los directores de
orquesta nadie me ha impresionado más
que Karajan, al que vi en Granada en
1973, pero Sergiu Celidibache era
perfecto. Apenas marcaba los tiempos,
bastaba su mirada para producir la mejor
música posible. Verlo en Bruckner era un
placer. Luego hay otros muchos, como
Riccardo Muti, los recientemente
desaparecidos Claudio Abbado y Lorin
Maazel, o el genial y a veces criticado
Barenboim. Yo te digo que ver a
Barenboim dirigir a Wagner en Bayreuth
es único e inolvidable. Tuve ocasión de
verlo dirigir Tristán e Isolda. Fui invitado
en 1993 por el nieto de Wagner,
Wolfgang Wagner, al Festival de
Bayreuth. Recordarlo todavía me
emociona. En un descanso de Parsifal, él
y su mujer, Gudrun Wagner, nos invitaron
a cenar. La cena estuvo llena de
anécdotas y fue una experiencia también
inolvidable. Después, por la noche,
fuimos a visitar la tumba de Wagner, que
está al aire libre en la Villa Wahnfried, en
el propio Bayreuth. ¡Figúrate la emoción!
—Fue uno de los promotores de
la ASAO. ¿Cómo recuerda su origen?
—El nacimiento de la ASAO surgió de
un grupo de amigos y aficionados a la
ópera encabezado por Ángel Casal y del
que formamos parte Jacobo Cortines, mi
hermano José Luis, José Luis Pascual del
Pobil, Francisco Trujillo y otros, con Lluís
Andreu como catalizador y animador. En
el año 1990, cuando ya se acercaba la
Expo, decidimos organizarnos y crear la
ASAO para promover la ópera en Sevilla.
Si hay una palabra que defina cómo se
fundó la ASAO es ilusión. Pero mucha
ilusión. Se acercaba la Expo y había que
hacer algo. Empezamos con muy pocos
medios, pero conseguimos que se nos
uniera una gran parte de los aficionados
sevillanos, hasta llegar a ser más de
2.000 socios, y con nuestros propios
esfuerzos, conseguimos recitales como
los de Victoria de los Ángeles o Katia
Ricciarelli, óperas en la Cartuja, tener una
Revista propia, etcétera.
—¿Cómo ve su futuro inmediato?
¿Qué habría que hacer para
conseguir que el público que llena el
Maestranza sienta que debe
pertenecer a la Asociación?
—Contar con apoyo oficial. No
necesariamente con ayuda financiera,
pero sí con el apoyo de las instituciones.
Crear y crecer de mano del Ayuntamiento
de Sevilla, más el Teatro de la Maestranza,
y más iniciativas turísticas. Tener una
temporada de ópera anual en primavera,
con títulos sevillanos, con repartos dignos
pero no necesariamente de primeras
figuras. Esta temporada daría beneficios
para todos: Teatro, ciudad, afición, ASAO...
El propio certamen que organiza la ASAO
es, junto al de otros concursos, un
semillero de nuevas voces que pueden
invitarse para estas temporadas. Así
fueron los principios de Montserrat
Caballé, José Carreras o José Bros en el
Liceo. Esto sería con seguridad un éxito.
—Este año 2016 se celebra el 25
Aniversario de la inauguración del
Teatro de la Maestranza. ¿Cómo han
sido las relaciones de la ASAO con el
Teatro de la Maestranza a lo largo de
este tiempo?
—Hay tres etapas, tres tipos de
relaciones a lo largo de este tiempo. La
primera etapa fue la de Lluis Andreu,
primer director artístico del Teatro, el que
consiguió reunir a lo mejor de la lírica
española en aquel concierto inaugural.
Con él nació la ASAO y juntos recorrimos
un brillante camino. Siguió la segunda,
que empezó en 1994, espléndida, con
José Luis Castro, que era director artístico
y gerente. Recuerdo aquella Bohème de
Zefirelli o el Tannhäuser de Herzog.
Durante su etapa la comunicación era
total. La ASAO participaba con él en la
programación, en la difusión, en los
libretos, etcétera. Nos sentíamos parte
del Teatro y así respondíamos. Luego, en
la tercera etapa, con Pedro Halffter y
Remedios Navarro afortunadamente la
relación y la colaboración se
mantuvieron, aunque nos afectó mucho
la crisis económica. Aunque seguimos
colaborando en todo y con mucho cariño
con el Teatro, y el Teatro con nosotros, los
socios se han resentido con el tema
económico y muchos han abandonado.
Pero hay que recuperar a los que se han
ido con el esfuerzo del Teatro y de la
propia ASAO.
—¿Qué piensa que necesita el
Maestranza para programar más y
mejores óperas, recitales y
zarzuelas?
—Como he dicho antes sería bueno
que organizara una temporada de óperas
sevillanas en primavera con producciones
propias. Traer además una buena
zarzuela al año, con una buena
producción, y hacer una Carmen con una
producción propia. La única Carmen que
se ha visto en el Maestranza fue la de la
Expo, que fue del Liceo. Tenemos un
Barbero, un Fidelio o unas Bodas de
Fígaro, pero falta una Forza del Destino (la
gran ópera sevillana de Verdi) o una
María de Padilla o Favorita, también
óperas de temas sevillanos. Hasta 150,
figúrate. También podría ser Conchita, de
Riccardo Zandonai, una ópera verista, tipo
Puccini, que se estrenó en 1911.
—Además de los libros sobre las
100 y 150 óperas de Sevilla y de tus
críticas en ABC, ¿qué otros libros o
trabajos has escrito sobre ópera?
—Coordiné los libros sobre el
décimo y vigésimo aniversario del
Teatro de la Maestranza, este último
junto a Juan Luis Pavón y Juan María
Rodríguez. Tengo más de 40 estudios de
óperas para programas, artículos en
Scherzo, reportajes, el estudio del
Miserere de Eslava, que fue editado
posteriormente por la Deutsche
Grammophon cuando se grabó. Mi
discurso de ingreso en la Real Academia
Sevillana de Buenas Letras sobre Verdi,
Sevilla y América, y un largo etcétera.
Muchas horas y días dedicados a la
música y la ópera en particular. M