periódicomunal - Museo Nacional de Arte

www.munal.gob.mx
PERIÓDICO
MUNAL
NÚMERO 19
AGOSTO 2013
PUBLICACIÓN MENSUAL DEL MUSEO NACIONAL DE ARTE
DISTRIBUCIÓN GRATUITA
EL OJO Y LA MÁQUINA
» ESPECIALES
Dr. Atl
Una aventura
para los
pequeños
PÁGINA 11
» OBRA DEL MES
La gran
Tenochtitlan
En recuerdo
de la caída
PÁGINA 24
» ARTE BAJO LA LUPA
En nuestro número pasado abordamos la parte histórica de la exposición México a través de
la fotografía, que se inaugura este mes en el Munal. Ahora reflexionamos sobre la evolución
de las técnicas fotográficas. Entérate en estas páginas sobre la metamorfosis de un arte que ha
marcado la vida de todos.
Baltazar de
Echave
Una mirada a
su Visitación
PÁGINA 25
PÁGINAS 6-7
» ACERVO DEL MUNAL
Fondo Ricardo
Pérez Escamilla
Conoce los
tesoros que ahora
resguarda el
Munal
PÁGINA 8-9
» HEMEROTECA: LAS RUINAS DE AYER PÁGINA 20
EDITORIAL
A NUESTROS LECTORES
El Dr. Agustín Arteaga es el nuevo director del Museo Nacional de Arte. Les presentamos una
breve semblanza de su amplia trayectoria para que lo conozcan mejor.
A
gustín Arteaga es arquitecto, graduado en la Universidad Autónoma Metropolitana en 1980, Maestro
en Historia del Arte y Doctor en Filosofía con especialidad en Historia del Arte por la Universidad Nacional
Autónoma de México. Desde hace treinta años es un activo
miembro de la comunidad internacional de museos; curador,
de más de cien exposiciones, crítico de arte e historiador, ha
sido responsable de instituciones, en México, Argentina y
Estados Unidos. De 2004 a 2013 fungió como director del
Museo de Arte de Ponce, en Puerto Rico. En el año 2000 fue
nombrado director fundador del Malba (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires). Previamente fue Director del
Museo del Palacio de Bellas Artes de 1994 a 1999, siendo simultáneamente Coordinador Nacional de Artes Plásticas
del Instituto Nacional de Bellas Artes de 1994 a 1998, y subdirector del Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México de 1990 a 1994.
Agustín Arteaga es miembro de la Asociation of Art Museum Directors (aamd) desde 1999 y el primer mexicano
en Estados Unidos que perteneció a la junta de directores de 2007 a 2009. En enero de 2011 el Museo de Arte de Ponce
fue sede de la reunión anual de invierno dicha asociación. El Dr. Arteaga funge regularmente como evaluador de las
solicitudes de apoyo sometidas al National Endowment for the Arts y hace parte de los comités de inspección para otorgar la acreditación a museos miembros de la American Asociation of Museums (aam). Ha participado como jurado en
diversos concursos, como el Encuentro Nacional de Arte Joven; la Bienal de Monterrey (femsa); Salón Nacional de
Artes Visuales; y en diversos programas del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
En 1999 fue nombrado Caballero en la Orden de Artes y Letras de la República de Francia por sus actuaciones a favor
de las artes visuales.
ESTIMADOS LECTORES:
A
partir del 1 de junio he asumido la dirección de esta importante institución y me siento muy honrado por esta
distinción. Aspiro a que mi gestión lleve al Munal un paso más allá de donde mis distinguidos predecesores
lo han ubicado.
Es de mi particular interés destacar el acervo del museo y la extraordinaria relevancia de sus colecciones, tanto al interior
de nuestras salas como en nuestro país y fuera de nuestras fronteras. El Museo Nacional de Arte debe ser el punto de referencia en el estudio y divulgación del arte mexicano, el cual debemos observar y estudiar dentro de un contexto global y en
sincronía con la Historia del arte universal.
Para lograr esto es necesario aprovechar las oportunidades existentes de crecimiento institucional, tanto en nuestra gestión
interna como en la relación con nuestras audiencias, quienes merecen nuestra total atención. Los colaboradores que me acompañan en esta tarea lo harán posible, todos son entusiastas y comprometidos con sus responsabilidades, desde quien les recibe
en la puerta o custodia el patrimonio, hasta quienes preparan las exposiciones o se empeñan en que todo luzca impecable.
Estimados lectores, para todo esto, esperamos seguir contando con su apoyo y su presencia para que juntos alcancemos
nuevos derroteros.
CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES
RAFAEL TOVAR Y DE TERESA
PRESIDENTE
INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA
MARÍA CRISTINA GARCÍA CEPEDA
DIRECTORA GENERAL
MUSEO NACIONAL DE ARTE
AGUSTÍN ARTEAGA DOMÍNGUEZ
DIRECTOR
PATRONATO DEL MUSEO NACIONAL DE ARTE
ROBERTO HERNÁNDEZ
PRESIDENTE
MARCELA ARREGUI
COORDINADORA EJECUTIVA
MARIANA CANALES
COORDINADORA OPERATIVA
PERIÓDICO MUNAL
DIRECTORIO
PABLO MARTÍNEZ, BERNARDO ESQUINCA
EDITORES
EVELYN USEDA, VÍ­CTOR MANTILLA, OSWALDO TRUXILLO
CONSEJO EDITORIAL
CARLOS MORALES
COORDINADOR DE DISEÑO
DIANA ALVARADO
DISEÑO Y FORMACIÓN
ARTURO LÓPEZ, DAVID REYES, FERNANDO ORDOÑEZ, FABIOLA
HERNÁNDEZ, MARIO CHANONA, SUSANA RIVAS
COLABORADORES
CONMUTADOR 5130 3400
FAX 5130 3401
RELACIONES PÚBLICAS Y PUBLICIDAD
5130 3414
IMAGEN DE PORTADA
FOTÓGRAFO NO IDENTIFICADO
HOMBRES, CIUDAD DE MÉXICO, CA. 1855
IMPRESIÓN DE PAPEL SALADO
829832 CONACULTA. INAH. SINAFO. FN. MÉXICO.
FONDO FELIPE TEIXIDOR
AGRADECIMIENTOS:
CON LA FUERZA
AGUSTÍN ARTEAGA
ING. SERGIO AUTREY (RÉCORD)
CLAUDIA VERDUGO EVANS (DIRECTORA DE PRODUCCIÓN)
ARTURO VILLANUEVA RANGEL (COORDINADOR DE PRODUCCIÓN)
JAIME MARTÍNEZ RIVERA (COORDINADOR DE COSTOS DE PRODUCCIÓN)
MARCO HERNÁNDEZ DE LA LUZ (COORDINADOR DE IMPRESIÓN)
HUMBERTO PACHECO (REVISIÓN Y TRASMISIÓN DE MATERIALES)
PREPRENSA NOTMUSA
NOS INTERESA TU OPINIÓN
[email protected]
munal.gob.mx | agosto | 2013
Tacuba #8, Centro Histórico, Cuauhtémoc, México, D.F., 06010
2
William Henry Jackson, Catedral de la Ciudad de México, ca. 1880, impresión a la albúmina
429153 CONACULTA. INAH. SINAFO. FN. MÉXICO. Fondo Felipe Teixidor
Esta fotografía de la Catedral de la Ciudad de México es muy significativa, ya que además de mostrar los árboles que
antes eran parte del Zócalo, nos permite observar la Piedra de Sol o Calendario Azteca, que durante un siglo estuvo
empotadra en el costado que da a 5 de mayo. La imagen forma parte de la exposición México a través de la fotografía,
que podrán disfrutar nuestros visitantes a partir de este mes.
Queda prohibida la reproducción parcial o total, directa o indirecta del contenido de la presente publicación, sin contar previamente con la autorización expresa y por escrito de los editores, en términos de la Ley Federal de
Derecho de Autor y, en su caso, de los tratados internacionales aplicables.
La persona que infrinja esta disposición se hará acreedora a las sanciones
legales correspondientes.
PÁGINA TRES
{6 DE 10}
Manuel Rodríguez Lozano, Desnudo de mujer
sentada, 1926, óleo sobre cartón, Museo
Nacional de Arte, inba
munal.gob.mx | agosto | 2013
Manuel Rodríguez Lozano delinea un desnudo típico
que descansa en un interior austero. Una obra
rubricada en 1926, bajo el sortilegio del arte fauve.
3
EDUCACIÓN
EDUCACIÓN
LÍQUIDA
El presente texto reflexiona sobre la forma en que entendemos el proceso educativo en el
ámbito de las artes en el museo. “Educación Líquida” significa construir un diálogo constante
en relación al potencial de individuos o grupos para transformar su experiencia.
» MILENE CHIOVATTO
C
aminar por los espacios de un
museo es un placer; un placer
que está comprometido con
una responsabilidad; una visión de las
posibles rutas de descubrimiento; pedazos de historias, fragmentos de maravilla, los mundos de la imaginación, en
una palabra: la experiencia.
La experiencia nos forma y nos
transforma. Así, el "conocimiento de la
experiencia" se adquiere como respuesta
a las vivencias a lo largo de toda la vida.
Por lo tanto, este conocimiento que proviene de la experiencia es particular, subjetivo, relativo, contingente y personal.
En los museos, es necesario cambiar la concepción del conocimiento
como algo subjetivo; es decir, concebirlo como una constante construcción compartida. Implica un cambio
en la función de esta institución, no
considerándola como una emanadora
de verdades únicas, incuestionables,
absolutas y autoritarias, sino comprendiéndola como un espacio de "negociación de significados".
Desde esta posición, los procesos
de mediación en los museos se enfrentan a grandes desafíos, ya que, además
de la construcción del conocimiento
negociado y compartido, se debe prestar atención a la variedad de público
que conforma eso que se denomina el
"visitante en general", y la inmediatez
de las estrategias utilizadas en la práctica educativa diaria de museos.
La suma de estos retos nos ha
llevado a proponer el término “educación líquida”, la cual trata de reflexionar
más profundamente sobre la forma en
que entendemos el proceso educativo
en el ámbito de las artes en el museo.
La metáfora de la liquidez se ha
utilizado hoy en día en diferentes áreas
del conocimiento, tales como la arquitectura, la psicología y la sociología
para describir las diferencias estructurales de la contemporaneidad en relación con las concepciones modernas.
ca que se convierten en líquidas y dinámicas en el entorno virtual; o estructuras
sociales como la familia que actualmente requieren su redefinición en virtud de
la distensión de las estructuras que previamente las definían.
Es posible que las ideas predicadas
por la “modernidad líquida” parezcan
algo negativas con respecto a la nueva
configuración, presentando los proce-
El término educación líquida viene, por lo tanto, a dejar claras las características de rearticulación constante y
la transformación de situaciones, muy
comunes en la educación en el museo,
así como el agua -líquido universallleva, por ejemplo, al desviar, o mejor
dicho, a tomar un curso que es menos
doloroso, que ofrece menos resistencia, asegurando su fluidez y energía.
También destaca su adaptabilidad
en la conformidad: tomar una cierta
forma, armonizarse con otra que no es
específicamente la suya, sino que viene dada por su continente.
En el campo de la educación significaría construir el proceso educativo
en resonancia y diálogo constante en
relación al potencial de individuos o
grupos; aún más, asume el valor de su
imprevisibilidad y su carácter fluido.
ESTRATEGIAS Y CONTENIDO
En general, las metáforas de liquidez se utilizan en contraposición a la
percepción de la modernidad como
heredera de la época de la iluminación,
que parece aferrarse a métodos de clasificación rígida y sistemas estructurales en la percepción del mundo.
Hoy en día, por el contrario, parece
haber una interrelación entre estas categorías rígidas, con el fin de asegurar mayor fluidez y dinamismo a los sistemas
anteriormente rígidos. Por ejemplo: las
estructuras rígidas de la arquitectura físi-
munal.gob.mx | agosto | 2013
Niños, padres y voluntarios participaron el mes pasado en La aldea de las artes y oficios,
programa de Alas y Raíces auspiciado por CONACULTA y el Museo Nacional de Arte.
Crédito de fotografía: promotores Munal.
sos líquidos en las blandas estructuras
de la época contemporánea. Tal vez
esto se deba a la pérdida de fuerza de
las estructuras enmohecidas. Aún creo
que es posible percibir estas características cuando se aplica al territorio
de la educación, desde un punto de
vista más positivo y más poético, recordando a Bauman que detecta los
elementos positivos relacionados con
la liquidez como su maleabilidad, la
posibilidad de nuevas combinaciones,
la adaptabilidad, la ligereza, etc.
Así, la idea de liquidez puede asociarse a la de fluidez, aquello que es
escurridizo, que sale corriendo y se escapa, de la imprevisibilidad y cambio
constante. Eso que llena las grietas, que
se diluye con otras sustancias, es ágil o
simplemente pasa, asumiendo diferentes destinos y a diferentes velocidades.
Como una metáfora, en las prácticas
educativas, evoca lo que es móvil, flexible; significando un constante venir a ser,
nunca cerrado, completo o definitivo;
siendo proyectivo para siempre, sin establecerse en la comodidad y en la conformación (en el sentido de resignación) de
la solidez de verdades establecidas.
Es necesario darse cuenta, sin embargo,
que optar por la fluidez de las estructuras, lejos de ser una opción fácil, implica
la responsabilidad de tener diferentes
estrategias y contenido, y utilizar las
combinaciones de estos elementos en
respuesta a la variedad de necesidades
de diversos públicos; es decir, se asume un denso grado de compromiso y
discernimiento, además de la reflexión
constante sobre la práctica educativa
durante el proceso mismo.
En el proceso de la educación en
los museos, este concepto puede asumir las características de la imposibilidad y refugiarse detrás de un método
dado, circuito y/o contenido a priori,
puesto que habrá que reconstruir, o por
lo menos reconfigurar estos supuestos,
mientras se desarrolla el diálogo con
el publico. ¿Qué les gustaría ver? ¿Qué
es lo que les motivó a visitar el museo?
¿Qué le interesa? ¿Qué piensan ustedes
del arte? Y ¿del museo? ¿Para qué puede servir esta visita?...
Al actuar de esa manera y proporcionar esta coherencia y conciencia,
además del placer de actuar como un
educador de museo permite madurez;
reconocer la responsabilidad involucrada en la práctica educativa.
Es necesario estar atento a los
puntos de conexión entre el público,
las obras y la institución, en los debates de los medios, incluyendo formaciones complementarias, tales como
seminarios, congresos y reuniones;
además de tener un perfil de investigador que estimula la lectura constante, reflexiones y los debates sobre
los temas de su práctica.
En la propuesta de la “educación
líquida” como la comprendemos, las
acciones buscan diferentes métodos,
sistemas y contenidos como respuesta y en diálogo con la especificidad de
cada perfil del público, y la multiplicidad de las motivaciones y los intereses
que se plantean en el espacio-tiempo
de esta práctica; tomando en cuenta
los ámbitos cognitivo, perceptual, interpretativo, estético, subjetivo, multicultural... de los distintos públicos y de
las obras mediadas.
La educación en museos la mayoría
de las veces ocurre dentro de un tiempo
que parece distinto al de la vida cotidiana y en espacios no fijos, en los que el
proceso de educación ocurre dentro de
las salas de exposición. Espacios llenos
de informaciones y estímulos sensoriales; en ese sentido, uno no se puede
aferrar a un orden, todo es flujo a priori.
Como Elliot Eisner propone, es
posible comprender que la estructura,
no sólo puede percibirse como una
serie rígida de objetivos y procedimientos, sino como un conjunto de
relaciones coherentes entre los componentes de la misma. Es, de esta manera estructurada pero flexible, que
creemos que es posible desarrollar
procesos educativos de calidad en el
arte en el museo.
5
MÉXICO A TRAVÉS DE LA FOTOGRAFÍA
ESCRITO CON LUZ:
UN ESBOZO DE LA HISTORIA
TECNOLÓGICA DE LA
IMAGEN FOTOGRÁFICA
En el marco de la muestra México a través de la fotografía, exposición producida por Fundación MAPFRE y el
Munal a inaugurarse este mes de agosto en el Museo Nacional de Arte, presentamos un esbozo de las distintas
técnicas que han definido la transformación de la fotografía como medio de creación visual.
»Adolfo Mantilla Osornio
E
cumento intenta esbozar algunos de
los referentes técnicos que permitan
ubicar las implicaciones de concebir
la fotografía dentro de una línea tecnológica en constante cambio.
Es necesario distinguir en primera instancia, como parte de este
devenir, la consolidación de las primeras imágenes fotográficas llamadas “imagen de cámara”. Este tipo de
piezas fotográficas se caracterizan por
ser positivos directos, dado que para
su elaboración no se requería de una
placa negativa para la captura de la
imagen, pues la pieza resultaba directamente de la toma en la cámara fotográfica; razón que permitió llamar a
este tipo de técnicas directas.
Así la aparición del daguerrotipo
marca el inicio de esta revolución, ya
que fue el primer proceso fotográfico
de aplicación práctica, dado que los
primeros ejercicios experimentales
munal.gob.mx | agosto | 2013
l desarrollo de las técnicas fotográficas, desde los primeros
ejercicios ocurridos en la tercera década del siglo xix hasta nuestros días, ha marcado una historia
poco mencionada en la mayoría de
los textos que refieren a la fotografía como medio de producción de
imágenes. Con frecuencia cuando se
habla de fotografía se pierde de vista
la gran complejidad que implica pensar el concepto mismo y sus implicaciones, dado que el propio vocablo
refiere a una “escritura con luz”. En
este sentido, habría que señalar que
las técnicas, vistas desde el desarrollo
de los medios de producción tecnológicamente determinados, han sido
objeto de una revolución que obliga a
una revisión esquemática, de las etapas que podrían arrojar cierta información comprensiva del problema.
En consecuencia, este pequeño do-
6
Claude Désiré Charnay, fotógrafo; Julio Michaud, editor, Picador de toros, Ciudad de
México, 1859, impresión en papel salado, 19.3 x 22.8 cm.
© 426333 CONACULTA. INAH. SINAFO. FN.MÉXICO. Fondo Felipe Teixidor
un positivo. Por ejemplo, las imágenes resultado de un proceso vía colodión permiten realizar un número
ilimitado de copias positivas en papel
a partir de un negativo. Por su parte
el calotipo, que surgió a principios de
la década de 1840 de manera casi simultánea a la del daguerrotipo y con
el uso del papel como soporte para la
creación de negativos, permitió identificar el origen del proceso fotográfico negativo-positivo que conocemos
actualmente.
Con el revolucionado desarrollo
de las técnicas de captura e impresión
fotográfica se puede considerar a este
periodo como la primera etapa de la
fotografía, ya que con estos dispositivos fue posible experimentar de
manera exitosa con otros soportes y
sustancias aglutinantes y fotosensibles. Para 1847 fueron desarrolladas
las primeras placas negativas sobre
Alfred Saint-Ange Briquet, Puente de Metlac. Veracruz, 1872-1874, impresión a la albúmina, en
soporte de cartón, 19 x 25.1 cm, Colección Ildefonso Acevedo
previos no habían sido exitosos. Con
esta primera técnica fue posible lograr imágenes con un aspecto fino y
detallado, en comparación con otros
procesos. Tras su presentación, en
1839 el Estado francés compró el
invento, volviendo su expansión por
todo el mundo un hecho inevitable.
El responsable de esa expansión en
nuestro país fue Jean François Prelier Duboille que arribó al Puerto de
Veracruz, procedente de Francia, el
3 de diciembre de 1839. Prelier traía
consigo dos cámaras de daguerrotipe y
sus correspondientes químicos y placas; marcando el nacimiento de la fotografía en México. Al ser un tipo de
positivo directo, es decir, un objeto
que no requiere de la producción de
un negativo previo, el daguerrotipo
no permitía su reproducción, es decir
los productos de esta técnica son piezas únicas e irrepetibles. Aquí la propia técnica admitió la construcción
de una cualidad determinada, que
provocó -a mediados de la década de
1850- que quedara casi obsoleta, sobre todo a partir del descubrimiento
del proceso del colodión húmedo
sobre placa de cristal: hacia 1860, las
placas negativas al colodión húmedo
y los positivos en papel de albúmina
comenzaron a dominar la producción fotográfica por su capacidad de
reproducción de imágenes nítidas y
definidas, resultado de técnicas indirectas que precisaron la captura de la
imagen en un negativo y su impresión
por contacto en positivo. En este sentido, las impresiones a la albumina
permitieron la reproducción de imágenes con buena calidad.
Esta primera etapa de la fotografía definió a los objetos fotográficos
a partir de sus cualidades técnicas;
es decir, a distinguir el modo de
producción de cada uno y con ello
identificar su impacto a nivel masivo,
pues como se mostró en los párrafos
anteriores, cuando se habla de fotografía en términos formales se refiere
a un proceso que puede involucrar
más de una etapa e implicar más de
un soporte, según si son imágenes
generadas como positivos directos o
si a partir de un negativo se produce
soporte de vidrio y emulsión de albúmina (clara de huevo). Este proceso
estuvo en uso a partir de la década
de 1850, reemplazando rápidamente
a los calotipos. Con esta técnica el
positivo, que se obtenía con un papel
emulsionado con albúmina, constituyó una ventaja sobre los sistemas de
registro que no tenían los procesos
en papel salado, ya que lograron imágenes con mayor calidad y alta estabilidad, convirtiéndose en el proceso
más popular, hasta la llegada de las
técnicas a base de plata sobre gelatina
en la década de 1880.
De modo semejante los ambrotipos, entendidos como formas técnicas de producción de imágenes, son
placas negativas de vidrio subexpuestas al colodión, que montadas sobre
una superficie oscura o negra (tela
o papel) aparecen en positivo. Estas
son consideradas imágenes directas
de cámara y a causa de su subexposición no permiten la realización de copias; es decir, son piezas únicas. Este
tipo de piezas solían estar contenidas
dentro de pequeñas cajas o estuches,
OBRA ÚNICA
Hasta este punto hemos referido algunos ejemplos que perfilan de modo
implícito una problemática relacionada con la historia de la fotografía,
ya que la invención de las llamadas
imágenes de cámara permite, por una
parte, la construcción de la fotografía
como objetos únicos, irrepetibles y
por tanto, de colección, mientras que
los procesos positivo-negativo apelan
a la reproducción de imágenes. Este
aparente pequeño detalle técnico tiene implicaciones profundas, si se piensa en la cualidad de la fotografía como
MÉXICO A TRAVÉS DE LA FOTOGRAFÍA
de modo semejante a los daguerrotipos; sin embargo, a diferencia de
estos últimos, esta técnica permitió
lograr una mayor velocidad en la producción de la imagen y redujo los costos, favoreciendo su comercialización,
hasta su decadencia a partir de 1860.
También llamado tintype en Norteamérica y Gran Bretaña, el ferrotipo
es un proceso fotográfico derivado
del ambrotipo, sólo que su soporte es
una placa de fierro. Los ferrotipos son
piezas fotográficas que tienen como
soporte una placa metálica, generalmente es una delgada lamina de hojalata, recubierta con betún de Judea o
laca negra, que posteriormente se cubre con colodión sensibilizado y sales
de plata. A diferencia de los daguerrotipos y ambrotipos, los ferrotipos se
presentaban dentro de álbumes fotográficos o con un montaje elaborado
con marialuisas de cartón, y por sus
características permitió un fenómeno
de popularización al ser un proceso
más barato.
Los negativos de plata gelatina
sobre vidrio también son conocidos
como placa seca. Los materiales al
gelatino-bromuro, al contrario que el
procedimiento del colodión húmedo,
permiten su revelado en seco. Las placas secas al gelatino-bromuro de plata
se fabricaban a nivel industrial y se
comercializaron en cajas que debían
abrirse en un cuarto oscuro, iluminado por una tenue luz roja. Una vez
expuestas, estas placas podían ser reveladas días después.
José Carlo González, Volcán Popocatépetl visto desde el albergue Altzomoni con luna llena. Estado de México, 31 de julio de 2012,
imagen digital. 50.8 x 61 cm, Periódico La Jornada
obra única. En este sentido las imágenes resultado de impresiones tipográficas directas marcan una nueva era en la
producción de imágenes, ya que al ser
un proceso de impresión directa sobre
papel, donde las letras se combinaban
con grabados para obtener páginas
compuestas con textos e ilustraciones,
lleva a la fotografía a ser un proceso
que terminaría por consolidarse como
medio de ilustración de medios masivos de comunicación. Este desplazamiento de la fotografía marcaría un
nuevo momento que sería sustituido
por el Offset posteriormente por ser
un proceso que redujo los tiempos de
producción de la imagen.
En la década de 1880 la introducción de la emulsión de gelatina, transformó las técnicas fotográficas existentes al grado de convertir a la fotografía
en una industria. El procedimiento fue
desarrollado en 1871, cuando se con-
seguían placas negativas sobre soporte
de vidrio, emulsionadas con gelatina
al bromuro de plata. La ventaja de las
placas al gelatino-bromuro frente a
las de colodión es que requerían unos
tiempos de exposición más cortos,
evitando que el fotógrafo tuviera que
preparar y sensibilizar el soporte previamente al acto fotográfico. Las placas negativas de gelatina sobre vidrio
se utilizaron hasta la década de 1920,
cuando los plásticos como los nitratos
se popularizaron y reemplazaron a las
anteriores, dando pauta para una nueva revolución tecnológica y cultural.
Una de las consecuencias más
importantes de la implementación de
películas de negativo para la producción fotográfica, fue el desplazamiento
de los soportes rígidos, que implicó
al mismo tiempo la instauración de
la fotografía moderna. A partir de entonces la impresión en plata sobre ge-
que se refieren a las unidades mínimas
de una imagen digital. Cada punto
que forma parte de una imagen digital
está definido por un valor numérico,
el cual representa no sólo la posición
frente al todo que conforma la imagen, sino también un tono cromático
determinado, que crea una ilusión de
profundidad, forma y analogía con el
mundo visible.
De lo anterior se puede concluir
que el desarrollo de las técnicas fotográficas imprime de modo profundo
una revolución, que obliga a observar
los modos de producción relacionados con el propio desarrollo de la memoria visual. Por ello, la exposición
México a través de la fotografía, exposición producida por Fundación MAPFRE y por el Museo Nacional de
Arte, con la colaboración de Fundación Televisa, presenta una selección
de más de 300 imágenes que refieren
a la importante relación entre el desarrollo de las técnicas fotográficas con
la construcción de la memoria visual
de México.
¿CUÁNDO?
Del 23 de agosto al
17 de noviembre.
Sala de Exposiciones
Temporales del
Munal.
munal.gob.mx | agosto | 2013
Nacho López, Monjas en Boca del Río. Veracruz, 1965. Plata sobre gelatina [impresión del autor], 70 x 135.8 cm.
Acervo Documental y Artístico de Nacho López, Familia López Binnqüist
latina fue un proceso dominante tras
su introducción en la década de 1880,
cuando se comercializó la emulsión de
gelatina y de clorobromuro de plata, y
hasta la década de 1960, cuando empezó la comercialización de papeles
fotográficos resinados usados en fotografías a color, y en blanco y negro. La
introducción de la película de nitrato
de celulosa o celuloide, provocó que a
partir de 1888 y hasta 1951, la mayoría
de las emulsiones fotosensibles para
negativos se aplicaran sobre soportes
de nitrato de celulosa. Con ello se revolucionó la técnica en términos de accesibilidad y producción, ya que desde
las películas de nitrato hasta las de acetato se identifica la consolidación de la
producción visual del siglo xx, donde
procesos como el fotomontaje permitieron lograr una sola imagen a partir
de la unión de dos o más fotografías, o
a partir de la doble exposición de negativos, o la doble impresión directa de
objetos en placas fotográficas.
Con ello se hace evidente el modo
en que la fotografía es susceptible
de ser manipulada para organizar de
modo distinto la realidad, y es en este
sentido que puede generar una ilusión
de lo real. Este es, sin duda alguna, un
antecedente de la última revolución
tecnológica, la fotografía digital. Con
su llegada se identifica el agotamiento
de las técnicas modernas de la fotografía, ya que dada su cualidad, el objeto
fotográfico se diluye en un dispositivo
de almacenamiento digital, dejando
detrás los soportes orgánicos modernos. La imagen digital está formada
por series de números que al momento de ser leídas por la computadora
permiten recrear la imagen original
por medio de puntos llamados pixeles,
7
FONDO RICARDO PÉREZ ESCAMILLA EN EL MUNAL
munal.gob.mx | agosto | 2013
8
EL CONSTRUCTOR DE SENDEROS
Al más puro estilo de las bibliotecas borgianas, Ricardo Pérez Escamilla con paciencia y brillantez intelectual, dio forma a uno de los fondos documentales más
importantes en el panorama nacional. Celebramos en estas líneas, la decisión de su familia y de nuestras autoridades culturales de elegir al Museo Nacional de
Arte como punto de encuentro entre la vasta biblioteca Pérez Escamilla y los amantes del arte que quieran perderse entre sus intrincados laberintos.
» FERNANDO CORONA
T
oda biblioteca constituye una historia de afanes y miradas puestas
en la ejecución de transformarse
en lectura. Sin embargo, mientras que éstas conforman la larga fila
de quienes se han acercado a abrir las
páginas, ya por curiosidad pasajera, ya
por vivo interés, aquéllos –los afanes–
son el fruto de la paciente labor de
una mente dedicada. ¿Y qué decir de
los estantes? Hay unos que desde su
origen albergan la caprichosa lógica de
los antojos o las ocurrencias; otros hay
que tienen que esperar largos períodos
para ver llegar por fin a sus espacios el
orden de un orquestador de las ideas;
unos más se llenan simplemente por
la insistencia de un coleccionista que
no cesa de hacer llegar al almacén más
semillas para el hambre del mañana.
Don Ricardo Pérez Escamilla se
distinguió, ante todo, por esto último. Vivía entre sus libros. Vivía en su
biblioteca. Y su cometido de coleccionista no se quedó sólo en las obras,
sino que éstas mismas implicaban una
subtarea en el mismo sentido: no pocos ejemplares dan cuenta de su afán
de reunir libros con dedicatorias, evidentemente de los propios autores de
los títulos o incluso, en el caso de los
antiguos, de inquisidores. De igual forma, una duplicidad de su coleccionismo está en la tarea de contar con dos
ejemplares (incluso más, a veces) de
la misma obra. También se afanó por
contar con ediciones primeras.
Desde la mención que hiciera en
marzo de 2008, en el diario La Jornada, sobre su voluntad de ubicar el
acervo en un lugar especial, mostrando especial inclinación por el Munal,
cincuenta y siete meses transcurrieron
para que, en diciembre del año pasado
(poco más de dos años después de la
muerte de don Ricardo), se concretara esta visión. Así, gracias a la compra
que hiciera el Consejo Nacional para
la Cultura y las Artes, arribó a nuestro
recinto este acervo conformado por
materiales dedicados, en gran medida,
al arte mexicano y popular. Repertorio biblio-hemerográfico que ha sido
sitio de encuentro para la indagación
y la pesquisa por parte de diversas
personalidades en el ámbito de la cultura, como Octavio Paz, Raquel Tibol,
Carlos Monsiváis y Francisco Toledo,
es una colección en la que cada libro
tiene su peso específico, desde los
impresos renacentistas, barrocos y
decimonónicos, hasta los tratados de
pintura y las revistas que son pilares
el coleccionista con escritores como
Carlos Monsiváis o Elena Poniatowska, lo mismo que con el caricaturista e
investigador de la iconografía nacional
del siglo xix, Rafael Barajas “El Fisgón”,
quienes se abastecían de referencias en
este acervo.
Casi quince mil títulos de libros y
más de once mil revistas componen
este acervo que cuenta la historia de
una mente infatigable y extraordinaria.
Quienes hemos tenido la oportunidad
de recorrer estanterías trabajando en
ellas hemos sentido el vértigo que más
de una vez sintió Jorge Luis Borges
en sus babélicas bibliotecas (y no me
refiero solamente a la de su cuento célebre, sino a las reales, como la Biblioteca Nacional de Argentina, donde laboró). Y caminando por ellas no tarda
uno en lamentarse de contar con tan
pocos años de vida para tanta página
por leer. ¿Entonces cómo, cuándo y
qué consultar? Don Ricardo conocía
los recovecos, las rutas y los atajos de
sus senderos de lectura como un geógrafo los distintos elementos de una
topografía. En su casa, y sobre todo en
su mente, estaba la carta de los rumbos que da cuenta de los intereses, los
para la comprensión de los movimientos artísticos en México desde hace
más de un siglo. En varios de ellos sale
a relucir el ex libris de un Adán y una
Eva cubriéndose con páginas de libros
en vez de con hojas de parra, diseño
que Pedro Fridenberg creó para don
Ricardo.
ACERVO HUMANÍSTICO
En definitiva, al entrar a esta biblioteca
asistimos a un acervo enteramente humanístico, donde desfilan los rubros
temáticos de arte prehispánico, arte
popular mexicano, historia de México
e historia universal entre diccionarios,
monografías, tratados y estudios importantes de arte europeo, norteamericano y latinoamericano; asimismo,
libros para público infantil ilustrados
por artistas de la talla de Angelina Beloff, José Chávez Morado, José Guadalupe Posada, Fermín Revueltas, María
Izquierdo y Diego Rivera, del cual
destaca el Fermín lee, obra que inició a
don Ricardo en el arte; otro tanto cabe
decir de México en la cultura, un suplemento que ya es un clásico y que fue
dirigido por Fernando Benítez entre
los años 1948 y 1961, y del cual Pérez
Escamilla afirmaba también que había
aprendido todo. Asimismo, el visitante
puede encontrar las publicaciones del
Instituto de Investigaciones Estéticas
de la unam, lo mismo que libros sobre
una diversidad de artistas, entre los
que por supuesto sobresalen José Guadalupe Posada, Roberto Montenegro,
José Clemente Orozco, Diego Rivera,
David Alfaro Siqueiros, Frida Kahlo,
Gabriel Fernández Ledesma y Rufino
Tamayo. Y lo más importante es que
estas obras acopiadas con paciencia y
conocimiento están ahora a disposición del público como material de lo
más representativo que se ha acopiado
en México en los últimos años.
En este sentido, hay que resaltar
las palabras de don Ricardo en cuanto
a que “una biblioteca que no se consulta no sirve para nada”, razón que lo
llevó más de una vez a referir abiertamente a la prensa su interés por tratar
de buscar para su acervo justamente la
estantería de la biblioteca del Munal,
donde sentía que podía encajar muy
bien su vocación de entrega tanto con
la juventud de los estudiantes como
con los connotados intelectuales. Y es
que basta recordar algunas de las célebres reuniones semanales que sostenía
afanes y las pasiones de una vida, hoy
puesta a disposición de multiplicidad
de ópticas.
Ricardo Pérez Escamilla perteneció a esas mentes constructoras de
senderos que bogaban de un libro a
otro, de una temática a la siguiente (o
a la contraria incluso), de intuición en
intuición, de un descubrimiento hacia
una hipótesis, con mayor rapidez y afán
que la de los actuales hipervínculos en
las enciclopedias virtuales. No era sólo
información lo que ataba los cabos: una
sapiencia flotaba por encima de ese orden, estableciendo hilos conductores
insospechados y ágiles entre los títulos
que descansaban en los estantes. Familias enteras de libros componen una
curaduría por sí misma en cualquier
área temática. No hay prácticamente
cuestión que consulte un investigador o
un estudiante sobre el arte nacional que
no encuentre una respuesta oportuna
en este acervo. Más aun, es común que
el propio orden de este acopio propicie
nuevas y oportunas investigaciones
por sí mismas, porque don Ricardo
reservaba, además de libros, revistas y
documentos, anotaciones propias para
futuras curadurías e investigaciones.
En el Fondo Hemerográfico de más de
once mil revistas, que estuvo en resguardo en el área de Curaduría años
antes y que en 2010 pasó a la biblioteca para su integración al acervo, numerosas colecciones que dan cuenta del
escenario cultural del México decimonónico hasta el actual figuran en esos
estantes, en los cuales investigadores,
estudiantes y autodidactas pueden
enriquecer sus búsquedas y, sin duda,
provocar nuevos enfoques en diversas
líneas temáticas.
Para darnos una idea de lo que resguarda dicho Fondo, basta mencionar
títulos de revistas como el lujoso semanario El Mundo Ilustrado, fundado
en 1894 por Rafael Reyes Spíndola
como un medio abiertamente porfirista, el cual, como aseguran Denise
Hellion y Gloria Falcón en un estudio
sobre la arquitectura comercial en la
publicidad de este medio impreso: “es
la revista ideal para realizar una vinculación entre la empresa periodística y
la formación de narrativas que construían y transformaban la mentalidad,
especialmente de los citadinos”. Asimismo, la Mundial Magazine, una de
las revistas que dirigió Rubén Darío
en París y donde colaboró Antonio
Machado, la cual se vendía en América Latina y España; la legendaria Minotaure, publicada entre 1933 y 1939,
uno de los iconos surrealistas, fundada
por Albert Skira en Paris, que mostraba en su cubierta obras originales de
artistas como Pablo Picasso; el semanario Multicolor, que coleccionaba copiosamente caricaturas políticas que
dieron cuenta del contexto político de
México entre 1911 y 1914; la revista El
Maestro, que resume la misión educativa de José Vasconcelos; y, en fin, una
larga lista que incluye títulos decimonónicos como La Risa, El Mundo, La
Revista Moderna, Revista de México y
La Orquesta, lo mismo que fundamentales materiales del siglo xx, como El
Hijo del Ahuizote, El Machete, Mexican
Folkways, Azulejos, Forma, Zig-Zag,
Plural, La Antorcha, el suplemento La
Cultura en México, Revista de Revistas,
El Tiempo Ilustrado, Cuadernos Americanos, entre otros.
¿Y qué decir de los casi quince mil
títulos del Fondo Bibliográfico, que lo
mismo nos presenta el Index omnium
divi Hieronymi lucubrationum, publicado en 1546 en París, que un Cromberger de 1551; o bien una primera edición de La portentosa vida de la muerte,
de Fray Joaquín Bolaños, de 1792?
Todos los recovecos de esta inmensa e
intensa biblioteca están llenos de emociones y pasmos para la historia de la
plástica y las letras nacionales, por no
decir también la historia y la política.
Poemarios de numerosas plumas célebres de nuestra literatura, cuentos del
Dr. Atl, reflexiones de Nahui Ollin, la
biblioteca de “El Chapulín” (ilustrada
por Diego Rivera y Roberto Montenegro, entre otros), numerosas obras de
Alfonso Reyes y Vicente Riva Palacio,
libros con marcas de fuego, ejemplares
sobre la historia de la imprenta, diccionarios de la caricatura mexicana y de
la masonería en México, textos sobre
el periodismo, descripción de las artes
de cada estado de la República, obra
francesa sobre México en el periodo
porfirista, títulos de las vanguardias y
en especial del estridentismo; en fin,
un etcétera que nos llevaría numerosas
cuartillas enumerar.
Es, pues, un laberinto en el que da
gusto perderse, en el que se han forjado
ideas y discusiones de alto nivel y considerable profundidad. De tal suerte que
los Fondos Ricardo Pérez Escamilla no
han venido a sumarse o a nutrir el acervo bibliohemerográfico de nuestros
estantes en el Munal, no sólo eso, sino
que por sí mismos constituyen un cosmos de pensamiento vuelto orden en
esa fila de libros y revistas. Podríamos
decir, sin temor a equivocarnos, que la
biblioteca del museo se integró a la de
don Ricardo, que esta prácticamente
duplicación del acervo ha constituido
una disposición y una armonía nuevas,
como el silbido del joven que se integra
a una música que llega a él lejanamente
o como la brisa que se acopla al viento
firme de las altas cumbres.
¿QUIÉN FUE RICARDO
PÉREZ ESCAMILLA?
MUNAL
120,504
UNIDADES
23,538
LIBROS
27,000
REVISTAS
32,997
POSTALES
130
VIDEOS
3,000
CARTELES
3,178
PLACAS
29,637
DIAPOSITIVAS
1,024
FOTOGRAFÍAS
IMPRESAS
7,442
LIBROS DEL FONDO
PÉREZ ESACAMILLA
25,797
REVISTAS DEL FONDO
PÉREZ ESACAMILLA
munal.gob.mx | agosto | 2013
Nacido en la Ciudad de México el 3 de
marzo de 1931, fue uno de los conocedores más profundos del arte mexicano
y en especial de personalidades como
Diego Rivera y Frida Kahlo. Figuró en el
medio cultural nacional bajo las facetas de coleccionista, curador, museógrafo, investigador, valuador, promotor
cultural y analista de la producción
de arte, sobre todo de los siglos xix y
xx. Estudió la carrera de Derecho en
la Universidad Nacional Autónoma de
México, así como Historia del Arte en
la misma Alma Mater y en la Escuela
Nacional de Antropología e Historia.
Fungió como curador de numerosas
exposiciones dentro y fuera de México, y dictó conferencias en diversos
espacios museísticos y artísticos del
país. Convivió con artistas como Carlos
Chávez, José Clemente Orozco, Diego
Rivera, Frida Kahlo, José Chávez Morado y Lola Cueto. Dedicó casi toda su
vida a rescatar, documentar y difundir
el arte mexicano con sus propios medios, que lo llevaron a conformar en su
domicilio la Biblioteca de Arte Mexicano que hoy resguarda el Munal. Murió
a los 79 años, en noviembre de 2010,
en la Ciudad de México.
BIBLIOTECA
FONDO RICARDO PÉREZ ESCAMILLA EN EL MUNAL
EL FONDO
9
AMIGOS MUNAL
LAS ADVOCACIONES
Miguel Ángel Cabrera,
La divina pastora, s/f
DE LA VIRGEN:
UN PROYECTO DE
RESTAURACIÓN
Una de las tareas del Museo Nacional de Arte es restaurar y mantener en perfecto estado
su acervo. En esta ocasión, once piezas cuya figura central es la Virgen en sus distintas
advocaciones, requieren de la generosidad de todo nuestro público.
» TAMARA TURCOTT
L
a historia del culto a María es un fenómeno muy interesante dentro del
cristianismo, puesto que, a pesar de que en los Evangelios es mencionada
en escasas ocasiones que permitan ahondar en el perfil de María, ha pasado a ser elevada al rango de Madre de Dios y Soberana del Mundo.
La devoción mariana tal y como la conocemos es fruto de un largo proceso
histórico. El evento más importante de su consagración, sin duda, fue en el año 431
durante el Concilio de Éfeso, en el que se definió el dogma de la maternidad divina,
otorgando a María el título de Theotokos, es decir, Madre de Dios. A partir de esta
instauración dogmática y con el paso de los siglos se consagraría como Inmaculada,
Soberana del Mundo y Madre de la Iglesia.
munal.gob.mx | agosto | 2013
Joaquín Villegas, El Padre Eterno
pintando a la Virgen de Guadalupe,
s/f
10
La construcción iconográfica de
la Virgen se ha valido de los atributos
espirituales, sean de carácter místico
o terrenal, que se conocen de ella. Las
advocaciones marianas refieren a las
apariciones terrenales de la Virgen y
a los fenómenos taumatúrgicos y dones que provee a sus fieles.
Fue a través del poder de estas
imágenes que los evangelizadores
emprendieron su proceso de cristianización y asimilación de los conceptos
bíblicos. Entre las abundantes advocaciones marianas que surgieron en la
Nueva España la más importante, sin
duda, es la Virgen de Guadalupe.
Configurada en dos registros,
esta tela muestra, en el registro superior el “taller celestial”, como fue conocido en su tiempo. Un lugar atemporal iluminado por la luz celestial y
en el que aparece la Trinidad: Jesucristo sentado a la diestra del Padre,
quien da los últimos toques a un
lienzo sostenido por tres ángeles y
un águila, y en el que se encuentra la
imagen de la Virgen de Guadalupe.
En el registro inferior, el de la
vida terrenal, se encuentra Juan Diego, quien ofrece a Dios Padre una
paleta de rosas, de las cuales el creador se abastece de colores.
La tela de Joaquín Villegas presenta uno de los debates más inquietantes de la época: la posibilidad de
que la imagen de la Virgen en el ayate fuera acheropita, es decir, hecha
por mano no humana. Y es que en el
Nican Mopohua, primera narración
de las apariciones guadalupanas, no
se detalla el grabado de la imagen de
la Virgen; siendo incluso atribuido
al arcángel Miguel. Sin embargo fue
NO OLVIDES VISITAR LA TIENDA MUNAL
TENEMOS OPCIONES DE VELADAS
CULTURALES PARA TU ORGANIZACIÓN
informes: [email protected]
a finales del siglo XVII que la atribución de la estampación fue asignada
directamente a Dios Padre.
Es en este sentido que Villegas
presenta a Dios Padre en el oficio de
pintor, sustentando la idea de que
toda obra del Creador es perfecta.
La advocación de la Divina Pastora es una imagen procedente de los
textos de fray Isidoro de Sevilla, fraile capuchino quien redactó La divina
pastora en 1704, y La mejor pastora
assumpta en 1732, donde hablaba de
la Virgen como corredentora de la
humanidad y pastora celestial.
Cabrera presenta a María en el
centro de la composición vestida
como pastorcilla mientras cuida
con un báculo a su manso rebaño.
Las ovejas llevan en el hocico rosas,
símbolo de la Rosa Mística que es la
Virgen; mientras que dos ángeles la
ciñen con una corona que lleva las
doce estrellas de María.
Al fondo de la composición se encuentra la eterna batalla entre el bien y
el mal, en la que san Miguel Arcángel,
jefe de los ejércitos celestiales, desciende a combatir con la bestia, que en
forma de Leviatán, acecha a una oveja
descarriada.
de Arte, a través del programa Amigos Munal, está enfocada a suplir las
necesidades de las obras en materia
de conservación y restauración. El
acervo sufre alteraciones vinculadas a
su antigüedad y los materiales de los
que está hecho. Es por ello que, una
de las preocupaciones principales del
Munal es el mantenimiento de sus
obras, testimonio del acontecer de la
historia y del arte.
El proyecto de Restauro se enfoca en las exigencias de las obras y
la meta del proyecto del 2013 es la
intervención y tratamiento de 221
piezas, divididas en diferentes grupos
temáticos.
La restauración del grupo temático de las advocaciones de la Virgen
consta de 11 piezas. Se puede apoyar
este proyecto activamente mediante
la adquisición de la membresía de
Amigos Munal y también a través de
la donación en línea en nuestra página. Todos podemos contribuir a la
conservación y restauración de las
piezas para el disfrute de estas obras,
no sólo para las generaciones actuales
sino también las futuras.
EL PLAN DE RESTAURACIÓN
Una de las tareas más importantes
del Patronato del Museo Nacional
VISITA NUESTRO SITIO WEB DONDE
PODRÁS INSCRIBIRTE A ESTE
PROGRAMA, APOYAR AL ARTE Y
DISFRUTAR TODOS LOS BENEFICIOS,
ADEMÁS PODRÁS REGALAR UNA
MEMBRESÍA Y APOYAR ALGUNO DE
LOS PROYECTOS DE RESTAURACIÓN
CON TU APORTACIÓN.
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HAY DIFERENTES
FORMAS DE APOYAR
EL ARTE NACIONAL,
SI TU ORGANIZACIÓN
O EMPRESA ESTÁ
INTERESADA EN
COLABORAR, ESCRÍBENOS A
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NIÑOS MUNAL
LAS INCREÍBLES
AVENTURAS DEL
DR. ATL
En el Museo Nacional de Arte tenemos
muchas obras de Gerardo Murillo, el Dr. Atl.
Conoce más sobre su vida y conviértete en
un explorador como él.
ILUSTRACIONES POR:
DALIA VALERIA SÁNCHEZ BERNAL
FRANCISCO JAVIER RUÍZ TÉLLEZ
‘No nací pintor,
nací caminante, y
el caminar me ha
conducido al amor
por la naturaleza
y el deseo de
representarla.”
Dr. Atl, Erupción del Paricutín (detalle), 1943.
NIÑOS MUNAL | LAS INCREÍBLES AVENTURAS DEL DR. ATL
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PAISAJES.
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munal.gob.mx | agosto | 2013
12
LUGARES.
PARA DESCUBRIR N
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A
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S
En el Museo Nacional de Arte viven muchas criaturas
extrañas que no son de este mundo.
¡Ven a conocerlas!
MUSEO NACIONAL DE ARTE
Travesuras del amor.
Manuel Ocaranza (1871)
óleo sobre tela
Sala 19
Aparición de la Virgen y el
niño de san Francisco.
José Juárez (siglo XVII),
óleo sobre tela
Sala 1B
¿Qué está sujetando?
¿Cuál crees que sea la
travesura que está haciendo?
¿Quién es este personaje?
¿Cuántos ángeles puedes
ver?
¿Cuál de ellos es tu favorito?
¿Alguna vez hiciste una
travesura?
Terror cósmico.
Rufino Tamayo (1954),
óleo sobre tela
Sala 31
¿Cómo se llaman? ¿Por qué
crees que ese es su nombre?
¿Qué te recuerdan sus alas?
¿A dónde volarías si tuvieras
alas?
Observa muy bien ¿Qué
figuras geométricas puedes
encontrar?
¿Qué sensación te provoca?
La marioneta.
José Horna (1956),
escultura
Sala 31
El amor recostado sobre un
delfín. Anónimo (siglo
XVIII), escultura
Sala 13
Encuentra la luna, el espiral y
el corazón en la escultura.
Imagina que puede bailar
contigo, ¿qué música les
acompañaría?
¿Qué animal es?
¿Por qué está ese niño ahí?
¿Es un niño?
Si fueras una marioneta,
¿cómo te moverías?
¿Cómo titularías esta obra de
arte?
Después de haber visto estos seres fantásticos,
¿crees que alguno de ellos existan?
W W W . M U N A L . G O B . M X
¡Tú puedes crear el tuyo!
1
ENTRADA GENERAL
Martes a domingo de
10:00 a 17:30 hrs
2
13:00 horas
»Visita mediada:
La alfombra voladora
Jóvenes
Punto de encuentro: vestíbulo del museo
MuseoNacionaldeArte
www.munal.gob.mx
Charlas
Conciertos
Cine
12:00 horas
» Aprendizajes Electivos
El espejo
Dir. Andrei Tarkovsky |Rusia | 1974
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
13:00 horas
»Mira Lee "Tradición de los charros"
Joan Cortés
Público general
Sala 23, piso 1
@MUNALmx
Visitas
3
12:00 horas
»Música de Cámara
René Velázquez, tenor
Carlos Alberto Pecero, piano
Público general
Salón de Recepciones. Piso 2
Conferencias
Literatura
PROGRAMACIÓN SUJETA A CAMBIOS SIN PREVIO AVISO.
16:00 horas
»El ojo de Figueroa
María Candelaria
Dir. Emilio Fernández | México | 1944
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
JUEVES
VIERNES
SÁBADO
4
12:00 horas
»Música Antigua
Ensamble Contrapunto
Ana Barona, directora
Público general
Salón de Recepciones. Piso 2
12:00 horas
» Cortometrajes infantiles sobre
la historia de México. IMCINE
Muestra Cortomanía
Clasificación: A
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
13:00 horas
»Visita mediada:
La alfombra voladora
Jóvenes
Punto de encuentro: vestíbulo del museo
16:00 horas
» Economía tradicional a escena
Los que viven donde sopla el
viento suave
Dir. Felipe Cazals |México | 1973
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
DOMINGO
31
12:00 horas
»Música de Cámara
Coro Col Canto
Ricardo López, director
Público general
Salón de Recepciones. Piso 2
12:00 horas
»Aprendizajes Electivos
Padre e hijo
Dir. Alexander Sokurov |Rusia | 2003
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
13:00 horas
»Mira Lee "Oficios de mujeres"
Angélica Infante
Público general
Sala 27, piso 1
16:00 horas
»El ojo de Figueroa
Macario
Dir. Roberto Gavaldón | México | 1960
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
SÁBADO
29|30
JUEVES
VIERNES
28 26|27 25 24 23 22
12:00 horas
»Una cana al arte
Cada visita una obra distinta.
Guía: Eduardo Ysita
Punto de encuentro: vestíbulo
Adultos en plenitud
12:00 horas
»Música Antigua
Cuicatl Ensamble
Público general
Salón de Recepciones. Piso 2
19:00 - 22:00 horas
NOCHE
DE MUSEOS
19:00 horas »Visita guiada por
"México a través de la fotografía"
Punto de encuentro: vestíbulo
Público general
20:00 horas »Música Antigua.
Salón de Recepciones, Piso 2
Público general
20:00 horas »El ojo de Figueroa.
María Candelaria
Dir. Emilio Fernández | México | 1944
Clasificación: B
Macario
Dir. Roberto Gavaldón | México | 1960
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
MIÉRCOLES
10:00 horas
»Martes,
mujeres, Munal
Grupos de mujeres
Previa
reservación.
5130 3400 Ext.
4010
LUNES
MARTES
12:00 horas
»Cortometrajes infantiles sobre
la historia de México. IMCINE
Muestra Cortomanía
Clasificación: A
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
16:00 horas
» Economía tradicional a escena
La doctrina del Shock
Dir. Michael Winterbottom y
Mike Whitecross | Reino Unido | 2009
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
DOMINGO
12:00 horas
»Música de Cámara
Estibalis Igea, soprano
Luis María Bilbao, tenor
Alfredo Isaac Aguilar, piano
Público general
Salón de Recepciones. Piso 2
12:00 horas
»Aprendizajes Electivos
El Arca Rusa
Dir. Alexander Sokurov |Rusia | 2002
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
13:00 horas
»Mira Lee "Esculturas:
símbolos femeninos"
Paco Barrios
Público general
Sala 26, piso 1
16:00 horas
»El ojo de Figueroa
El rebozo de la Soledad
Dir. Roberto Gavaldón | México | 1952
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
SÁBADO
VIERNES
JUEVES
7
5|6
10:00 horas
»Martes,
mujeres, Munal
Grupos de mujeres
Previa
reservación.
5130 3400 Ext.
4010
LUNES
MARTES
8
9 10 11
12:00 horas
»Música Antigua
Vladimir Sagaydo, violonchelo
Rafael Cárdenas, clavecín
Público general
Salón de Recepciones. Piso 2
12:00 horas
» Aprendizajes Electivos
Stalker
Dir. Andrei Tarkovsky |Rusia | 1979
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
12:00 horas
»Una cana al arte
13:00 horas
»Mira Lee "Muerte, dolor y sufrimiento"
Lydia Rendón
Público general
Sala 24, piso 1
Cada visita una obra
distinta.
Guía: Eduardo Ysita
Punto de encuentro: vestíbulo
Adultos en plenitud
MIÉRCOLES
16:00 horas
»El ojo de Figueroa
Río Escondido
Dir. Emilio Fernández | México | 1948
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
JUEVES
VIERNES
SÁBADO
12:00 horas
»Música de Cámara
Francisco Ladrón de Guevara, viola
Jacob Ashworth, violín
Catalina Martínez, violonchelo
Público general
Salón de Recepciones. Piso 2
12:00 horas
» Cortometrajes infantiles sobre
la historia de México. IMCINE
IMCINE
Muestra Cortomanía
Clasificación: A
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
16:00 horas
» Economía tradicional a escena
La pesadilla de Darwin
Dir. Hubert Sauper | Austria-Francia | 2004
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
DOMINGO
12|13
Exposición producida por Fundación MAPFRE y por el Museo Nacional de Arte
10:00 horas
»Martes,
mujeres, Munal
Grupos de mujeres
Previa
reservación.
5130 3400 Ext.
4010
LUNES
MARTES
14
12:00 horas
»Una cana al arte
Cada visita una obra
distinta.
Guía: Eduardo Ysita
Punto de encuentro: vestíbulo
Adultos en plenitud
MIÉRCOLES
21 19|20 18 17 16 15
12:00 horas
»Música de Cámara
Luz Vizcarra, mezzosoprano
Sara Vélez, piano
Público general
Salón de Recepciones. Piso 2
12:00 horas
»Una cana al arte
Cada visita una obra
distinta.
Guía: Eduardo Ysita
Punto de encuentro: vestíbulo
Adultos en plenitud
MIÉRCOLES
10:00 horas
»Martes,
mujeres, Munal
Grupos de mujeres
Previa
reservación.
5130 3400 Ext.
4010
LUNES
MARTES
12:00 horas
» Cortometrajes infantiles sobre
la historia de México. IMCINE
Muestra Cortomanía
Clasificación: A
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
16:00 horas
» Economía tradicional a escena
La toma
Dir. Naomi Klein y Avi Lewis |Canadá | 2004
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
DOMINGO
12:00 horas
»Música de Cámara
Santiago Piñeirúa, piano
Público general
Salón de Recepciones. Piso 2
12:00 horas
»Aprendizajes Electivos
Nostalgia
Dir. Andrei Tarkovsky |Rusia | 1983
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
13:00 horas
»Mira Lee "La muerte como
crítica social"
Invitado: Olga Martha Dávila
Público general
Sala 25, piso 1
16:00 horas
»El ojo de Figueroa
La perla
Dir. Emilio Fernández | México | 1947
Clasificación: B
Auditorio Adolfo Best Maugard, PB
SÁBADO
VIERNES
JUEVES
M U S E O
N A C I O N A L
D E
A R T E
MAPA
UBICACIÓN
D E
El Museo Nacional de Arte fue fundado en 1982 dentro del antiguo Palacio de Comuinicaciones y
Obras Públicas. Su creación respondió al espíritu de difundir la herencia plástica de México a partir
de una colección que abarca desde 1500 hasta 1950, incluyendo más de 3,700 piezas entre pintura,
escultura, gráfica, grabado, fotografía, arte plumario, manuscritos, mobiliario, estampa, material
documental, arte popular y numismática. Así, el Museo Nacional de Arte ofrece a sus visitantes
medio milenio de historia de México a través de su arte. Además, la arquitectura del edificio, diseñado
por Silvio Contri a petición de Porfirio Díaz e inaugurado en 1912, es en sí una obra única de la arquitectura moderna de su tiempo.
The National Museum of Art was established in 1982 at the former Palace of Communications and
Public Works. Its creation was a response to the spirit of communicating Mexico’s plastic art heritage
through a collection that spans from 1500 to 1950, including more than 3,700 works of art paintings,
sculptures, prints, illustrations, photography, feather work, manuscripts, furniture, stamps, documentary material, popular art and numismatics. Therefore, the National Museum of Art offers its visitors
500 hundred years of Mexican history through art. Furthermore, the architecture of the building,
designed by Silvio Contri under request of Porfirio Diaz and inaugurated in 1912, is itself a unique
work of modern architecture of its time.
V i r r e i n at o / V i c e r o ya lt y
Segundo piso
Second f loor
Asimilación de Occidente. La pintura en la Nueva España
Assimilation of Western Culture. Painting in the New Spain
14
(1550-1821)
15
Segundo piso, salas 1 a 14 / Second floor, galleries 1 to 14
Salón de Recepciones / Receptions Hall
13
12
11
10
9
8
7
6A
15A
6
5
16
17
18
4
Pasillo
S i g lo X I X / X I X th C e n t u r y
1
Construcción de una nación
Construction of a Nation
2
(1810-1910)
Segundo y primer piso, salas 15 a 26
Second and first floors, galleries 15 to 26
Primer piso
first floor
30
S i g lo X X / X X th C e n t u r y
29
28
26
27
25
24
23
31
Estrategias plásticas para un México Moderno
Plastic strategies for Modern Mexico
22
(1900-1954)
32
Primer piso, salas 27 a 33 / First floor, galleries 27 to 33
33
Anexo
33
19
20
21
Colecciones especiales / Special collections
Gabinetes de estampa / Stamp and print cabinets
Planta baja y vestíbulo
Ground Floor and Vestibule
Gabinetes de fotografía / Photography cabinets
Exposiciones temporales / Temporary exhibitions
Taller Arte en construcción / Art in construction workshop
Tienda / Store
Museo del telégrafo / Telegraph Museum
Auditorio Adolfo Best Maugard
Adolfo Best Maugard Auditorium
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NIÑOS MUNAL | LAS INCREÍBLES AVENTURAS DEL DR. ATL
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VIVÍ EN EL EXCONVENTO DE LA MERCED,
QUE ESTÁ EN EL CENTRO DE LA CIUDAD
DE MÉXICO, AHÍ TENÍA MI ESTUDIO. LOS
EDIFICIOS ANTIGUOS TIENEN MUCHAS
HISTORIAS, ¿TE SABES ALGUNA?
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munal.gob.mx | agosto | 2013
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17
munal.gob.mx | agosto | 2013
¿QUIÉN ES ELLA?
DIBUJA A QUÉ SABEN.
18
MIRA HACIA ARRIBA.
¿VES LAS NUBES? DIBÚJALAS
DIBUJA LO PRIMERO QUE VES.
IMAGINA:
¿QUÉ VIVIÓ EL DR. ATL ESE DÍA?
¿QUÉ VA A PASAR DESPUÉS?
NIÑOS MUNAL | LAS INCREÍBLES AVENTURAS DEL DR. ATL
SECCIÓN
PUBLICACIONES
LA MISIÓN DE
DOCUMENTAR
Los catálogos comentados del Museo Nacional de Arte son una parte muy importante del
proyecto de publicaciones. Con el tiempo, se han convertido en un referente obligado de
consulta, aprendizaje, estudio y goce estético.
» MARIANA CASANOVA / ARTURO LÓPEZ RODRÍGUEZ
D
esde la aparición del
primer catálogo razonado del acervo en
1999, el Museo Nacional de Arte ha confirmado también
en sus publicaciones la vocación
que tiene de estudiar y difundir la
colección más representativa del
arte mexicano de cuatro siglos. Este
quehacer se materializó en el primer
tomo del catálogo comentado dedicado al arte novohispano.
Hasta ahora se han publicado
tres volúmenes de Pintura de la
Nueva España, y dos tomos de Pintura y dos de Escultura del siglo xix,
los cuales cuentan con el reconocimiento de importantes instituciones internacionales, como lo señala
Graciela de la Torre:
El catálogo correspondiente al
acervo colonial obtuvo en 2001
la mención honorífica de la Association for Latin American Art
de la Universidad de Chicago, en
la categoría de mejor libro sobre
arte latinoamericano, así como
un año antes, el segundo premio
en el concurso de diseño de publicaciones de museos, otorgado
por la American Association of
Museums, mientras que los relativos a la escultura recibieron
el primer premio de este mismo
certamen en 2002.
(Catálogo comentado del acervo del Museo Nacional de Arte.
Pintura. Siglo
xix,
tomo I, México,
2002, p. 17).
Gracias a un convenio de coedición
firmado en 2012 con el Instituto
de Investigaciones Estéticas de la
unam –y motivados por los éxitos
logrados–, actualmente se trabaja
en el tercer y último tomo del acervo
del siglo xix, integrado en su mayoría por obras del paisajista José
María Velasco, un referente cardinal
para el público que visita las salas de
museo. El Munal igualmente prepara el tomo I de Pintura del siglo xx,
y se llevan a cabo los seminarios de
investigación de las obras que formarán parte del segundo volumen
de este mismo periodo. Los seminarios son producto de las investigaciones individuales que se comentan en grupo –en el Instituto o en el
Munal– para abrir la discusión y el
intercambio de razonamientos sobre el tema y el artista en cuestión;
es decir, sobre el contexto histórico
en que fue realizada la obra, las variantes iconográficas y simbólicas,
así como el destino original de la
pieza. De este modo, cada uno de los
investigadores responsables presenta la ficha comentada de la obra en
estudio, apoyándose en diapositivas
que ilustran su análisis, y recibe las
sugerencias de los otros investiga-
DE FERIA EN FERIA
EDINBURGH
INTERNATIONAL BOOK
FESTIVAL
» SUSANA RIVAS
burgo se enfoca en actividades y foros al aire libre que, más que fomentar la lectura, buscan crear mejores
lectores. Por ejemplo, el reconocido
periódico The Guardian (co-organizadores) organiza diversos foros en
los cuales se invita a autores recono-
cidos de Gran Bretaña a que dialoguen sobre aspectos sociales y políticos de Escocia. Este año, los temas
más importantes son las elecciones
en Escocia y, sobre todo, el debate
que hay por su independencia ante
Inglaterra.
Aprovechando el festejo de su 30
aniversario, se invitó a especialistas
para que discutieran el pasado (desde 1983) y el futuro (hasta 2043) del
libro y de la literatura, teniendo como
referencia eventos que cambiaron la
historia y avances o cambios que se
esperan en nuestro futuro.
En esta edición, el enfoque principal son los cómics y la importancia
de la traducción; diversos traductores y dibujantes darán conferencias
en las que platicarán sobre la situación de sus respectivos mercados y
su futuro.
Todos los eventos tienen lugar en
el Charlotte Square Garden, ubicado
en el centro de la ciudad. La entrada
es gratuita y hay secciones enfocadas
para bebés, niños y adolescentes. La
feria inicia el 10 de agosto y se clausura el 26 del mismo mes.
munal.gob.mx | agosto | 2013
P
or trigésimo año consecutivo, la ciudad de Edimburgo
aprovecha su buen clima en
el mes de agosto y recibe a autores y
editoriales de todo el mundo en uno
de los parques más importantes de la
ciudad. La Feria del Libro de Edim-
dores sobre la historiografía del arte
mexicano.
Las publicaciones en marcha
sobre el arte moderno serán de especial interés; se trata de un período
que se caracterizó por tener como
eje el nacionalismo revolucionario
y, sin duda, serán herramientas de
consulta fundamental para el público e investigadores de arte.
Ha sido largo y productivo el
camino en que han sido reveladas
las aportaciones documentales de
las obras, en virtud de la valiosa
colaboración de catedráticos e investigadores como Fausto Ramírez, Rita Eder, Jaime Cuadriello,
Angélica Velázquez, entre otros
miembros del Instituto de Investigaciones Estéticas; de Esther Acevedo de la Dirección de Estudios
Históricos del inah y de Arturo
Camacho, del Colegio de Jalisco,
así como investigadores del propio Munal, entre muchos otros
connotados historiadores del arte.
Sus aportaciones académicas han
situado a los catálogos comentados
del acervo en un referente obligado
de consulta, aprendizaje, estudio y
goce estético.
Con ello, el Museo Nacional
de Arte confirma su misión de documentar, registrar e investigar los
fondos artísticos que resguarda y
pone al alcance en beneficio del
público.
19
munal.gob.mx | agosto | 2013
“Ruinas históricas”, en El Mundo Ilustrado, Año XIV, Tomo II, No.6, Agosto 11, 1907.
(Fotografía del convento de Churubusco, portada de El mundo Ilustrado, en blanco y negro).
20
HEMEROTECA
TOMÁS
URTUSÁSTEGUI
PROGRAMA MIRA... LEE, SESIÓN DEL SÁBADO 20 DE
JULIO, EN LA SALA 20 DE LA COLECCIÓN PERMANENTE
» FERNANDO CORONA
UNO GENERALMENTE
ASOCIA A LOS MUSEOS
CON LAS OBRAS
PLÁSTICAS. ¿CUÁL ES EL
IMPACTO PARA LA GENTE
DE LA DRAMATURGIA DEL
RECINTO DE UN MUSEO
COMO UN ESPACIO PARA EL
TEATRO?
Para mí la pintura es básica para las
artes, para el teatro en especial. Todas las ambientaciones nos las dan
las artes plásticas. Venir a un museo
y estar rodeado de arte ya provoca
que la gente, el público que viene,
tenga otro estado de ánimo; ya está
en un estado amplio y superior. Entonces mezclar música, literatura,
teatro, pintura, todas las artes en
resumen, es un enorme regalo para
cualquiera de los que asistan y, para
nosotros que estamos de un lado,
es importantísimo. Ojalá todos los
museos tuvieran esta idea de que los
museos vivan con la literatura, con
la música. Que el público venga, que
no nada más pase, sino realmente
disfrute, se quede y goce lo que está
oyendo y viendo.
UNO VE LOS CUADROS,
EVIDENTEMENTE
LOS RETRATOS, Y
SON MÚLTIPLES
PERSONALIDADES EN UNA
SOLA PIEZA. ESO PASA CON
LAS PERSONAS. ¿CÓMO
HACE UN DRAMATURGO
PARA LIDIAR CON TANTAS
PERSONALIDADES EN SU
MENTE Y EN SUS OBRAS?
Yo soy médico de profesión y lógicamente con la medicina me tocó tratar a mucha gente en momentos de
crisis realmente: la enfermedad, la
muerte, el nacimiento. Me tocó conocer a mucha gente, entenderla; la
medicina te hace entender más a las
personas. También la cultura en general, ver, ir a los teatros, te va dando muchísimas armas para también
crear personajes, crear situaciones,
que es lo que hace el teatro. Estamos
dando imágenes, estamos dando
historias. Estamos dando temas, entonces creo que un escritor se hace
a partir de todo lo que vivió, todo lo
que leyó, todo lo que es su tierra, lo
que es su pueblo, lo que es su nación.
Yo siempre estoy peleando mucho
por el teatro nacional, por el teatro
mexicano
ADEMÁS DE DRAMATURGO,
ES UN MAESTRO YA DE
MUCHAS GENERACIONES.
¿QUÉ HA SIDO LO MÁS
IMPACTANTE O LO MÁS
COMPLICADO A LA HORA
DE ENSEÑARLE A UN
JOVEN QUE QUIERE SER
DRAMATURGO?
Son muchas cosas. Primero que
realmente aprenda a trabajar, que se
dedique, que no esté pensando que
con la dramaturgia se va a hacer rico.
No. Con la dramaturgia se va a hacer
un artista. Lo que le va a importar es
ser un artista, no si va a ganar o no
dinero. Hay veces que con una obra
creen que ya son los reyes de este
mundo. Nunca somos nada, abrimos
la puerta y no hay nada. Yo creo que
el actor, el director, el autor, tienen
que ser modestos, tienen que aceptar que es un don el que nos dieron y
en vez de estar presumiendo hay que
estar agradecido.
MIRA LEE
{ENTREVISTA}
LAS
JOYAS
DE LA
BIBLIOTECA
EL PADRE ETERNO,
SATANÁS Y JUANITO
GARCÍA
DR. ATL
EDICIONES BOTAS,
MÉXICO, 1938
E
l Padre Eterno, Satanás y Juanito
García es una irreverente novela
que da cuenta, como el propio autor
lo confiesa, de un lenguaje lleno de
arbitrariedades, en el seno de un tema
antirreligioso llevado más allá de los
límites del sarcasmo para entrar en la
plena desacralización de las cosas veneradas.
Ramón Alva de la Canal, El cáfe de nadie (detalle), 1927.
WEB
ARTE PARA TODOS
Mediante el programa Platícame una obra se analiza
el acervo del Munal con un lenguaje práctico y sencillo.
Visítanos en http://www.youtube.com/user/MUNALmx.
» ISAAC ARTEAGA
U
del mundo motivó a los grandes filósofos, pero infortunadamente estos pensamientos y expresiones artísticas podían
ser alcanzados tan sólo por unos cuantos.
En el Renacimiento, algunos genios encontraron esferas específicas
para la difusión de sus obras. Entre
catedrales y bacanales, los mecenas
impulsaron el adiestramiento, propagación e intervención de los artistas en el nuevo orden occidental.
Aun así, sólo los ricos y poderosos
eran capaces de sumergirse entre los
océanos creativos del alma artística.
Cuando el Renacimiento terminó, dejó al artista dentro de un
ta para que todos los interesados
encuentren una guía dentro del universo intangible del arte mexicano.
Desde 2012 el programa Platícame
una obra ha sido un faro encaminado por doctores, maestros, profesores y estudiosos que realizan un análisis sobre las obras más importantes
dentro del acervo del museo. Detrás
de cada obra existe siempre una historia que marcó la vida del autor. De
la mano de Rivera, Velasco, Kahlo
y Orozco, entre otros, los expertos
se internan en las profundidades de
sombras, luces y matices con un leguaje práctico y sencillo.
El Munal hace la invitación a visitar su canal (http://www.youtube.
com/user/MUNALmx), donde es
posible ampliar la concepción artística
de la cultura mexicana a través de más
de cinco de siglos de historia.
munal.gob.mx | agosto | 2013
na vez que los individuos
se encontraron con la visión terrible de soledad e
impotencia ante la grandeza del cosmos, comenzaron a preguntarse sobre su propio origen; el sol y la luna ya
no eran respuesta para algunos. Esta
curiosidad intrínseca en la naturaleza humana se convirtió en el manto
perfecto para arropar la pasión por la
expresión del conocimiento.
Los griegos destinaron esta curiosidad para el desarrollo y la educación
en su período; al hacerlo, también establecieron las bases para las instituciones
educativas modernas. La compresión
lugar preponderante para las generaciones posteriores. El arte se
comenzó a reconocer como testigo
innegable dentro de la historia. Las
Bellas Artes se abrieron camino entre los grandes logros y vilezas de la
humanidad; a medida que prosperaban, también creció la necesidad de
sitios destinados para su exposición
y resguardo. Uno de los primeros lugares reconocidos para llevar a cabo
esta labor fue el Museo Ashmolean,
creado por la universidad de Oxford,
Reino Unido, en el año 1683.
Hoy en día los museos no sólo
son testigos de años transitados, de
logros alcanzados, guardianes de almas inexpugnables o luces compositoras de nuevas formas de expresión.
En pleno siglo xxi, estas instituciones forman parte incuestionable de
la estructura cultural de la sociedad.
Sin embargo, los museos más importantes del mundo se han visto obligados a evolucionar de acuerdo a las necesidades de las nuevas generaciones. Con
la tecnología es posible aprender, viajar o
construir espacios sin salir de casa.
Por todas estas razones el Museo
Nacional de Arte creó una propues-
21
En el mes de agosto, proyectamos tres de las siete obras
del cineasta ruso Andréi Tarkovsky y dos de su heredero,
Aleksander Sokúrov, como un homenaje a todos aquellos
artistas, maestros y discípulos cuya más grande pretensión ha
sido transformar el mundo mediante el arte.
»Oswaldo Truxillo
el cine del ruso como un cine pretencioso, difícil, adusto. Tarkovsky cuenta en
sus diarios que un obrero de Leningrado, le mandó una vez la siguiente carta:
Le escribo a causa de El espejo, una
película de la que nisiquera podría
hablar porque la estoy viviendo.Es
una gran virtud el poder escuchar
y entender...Éste es el principio de
las relaciones humanas: la capacidad para entender y perdonar a la
gente sus faltas involuntarias, sus
fallas naturales. Ojalá la gente pueda entender y experimentar impulsos comunes, humanos, tanto los
José María Obregón, Giotto y Cimabue, 1857.
propios como los de los demás.
munal.gob.mx | agosto | 2013
L
22
os críticos suelen dividir el arte
cinematográfico en dos tajantes mitades: el cine de autor y el
cine del resto. Pero, en sentido estricto,
incluso las películas mediocres —de
cineastas postrados ante los intereses
de una industria que soslaya la inteligencia de su público—, tienen un autor.
Podríamos decir incluso que son esas
películas las que más dejan ver el genio
de sus hacedores. Impregnadas de su
carácter —o su falta de carácter—, las
imágenes reflejan el espíritu de quienes
las concibieron: toda llaneza también
debe tener sus progenitores, incluso si
su estirpe resulta apenas tolerable. En
el otro extremo, se cuentan las obras de
varios genios particulares, pero hermanados por un espíritu reconocible y a
la vez anónimo: las obras de Antonioni
se confunden con las de Bresson, las de
Bergman, con las de Tarkovsky, las de
todos se mezclan entre el anonimato
del buen arte. Escribe Andréi Arsényevich Tarkovsky:
El cine de Tarkovsky es un cine sin
complacencias, sin asesinatos gratuitos, sin efectos especiales, sin chistes
fáciles ni gracejos para intelectuales;
es un cine que no subestima la inteligencia del espectador ni asume que su
voluntad es sólo entretenerse, o mejor
dicho: asume que quien ve la película
busca no sólo entretenimiento, busca
también la felicidad, la vitalidad del
arte. El cine de Tarkovksy es pretencioso no a la manera de la intelectualidad
joligudense que se asume superior al
resto del mundo e interpreta que los
públicos son estúpidos: todo lo contrario, es pretencioso porque pretende alcanzar la felicidad, transformar la vida
mediante un simple y minúsculo filme
hecho con amor ¡Vaya pretensión!
Aleksandr Nikiláyevich Sokúrov,
es otro cineasta ruso pretencioso. Explícitamente ha reconocido en más de
alguna ocasión su gusto por los filmes
de Tarkovsky; se ha declarado, incluso,
su discípulo. Y aunque occidentalmente entendamos el discipulado como
algo de dos, algo entre un maestro y
un discípulo, algo entre los vivos y no
los muertos, en este caso es diferente.
Muerto hace veinte años Tarkovsky,
Sokúrov ha aprendido de su ausencia,
de las palabras que dejó en sus libros y
en sus películas. Ambos se conocieron
y trabaron amistad a mediados de 1970,
pero el aprendizaje definitivo para Sokurov no le viene del Tarkovsky vivo,
y quizá ni siquiera sólo del Tarkovsky
muerto sino de la suma de los muertos
que hablan a través de sus películas, de
los vivos y los muertos, del arte vivo de
todos nuestros muertos.
Giotto y Cimabue —representados magistralmente por José María
Obregón en una tela inspirada por
Giorgio Vasari y su Vidas de los más
excelentes pintores, escultores y arquitectos— guardan una semejeanza en esa
relación de los cinesatas rusos. La leyenda quiso que el maestro florentino
encontrara al niño genio pintando en
las rocas y, justo en ese momento, lo
eligió. Pero los hechos muestran otro
sentido de los acontecimientos para
Giotto, la barriga de sus personajes, las
almenas de sus castillos y los dedos de
sus niños dioses, dan cuenta de que
no fue Cimabue quien eligió a su discípulo, sino Giotto quien eligió a su
maestro. Como si pudiéramos pensar
que así como las verdaderas amistades apenas se eligen —se aceptan
fatalmente— el destino hila y deshila
encuentros entre artistas, pintores, cineastas... seres todos geniales que se
aprenden mutuamente, que se enseñan mutuamente, en una cadena infinita de aprendizajes electivos.
Este mes, presentamos tres de las
siete obras maestras de Tarkovsky junto
a dos filmes de su amigo Sokúrov para
dar muestra de esos aprendizajes, que
más de una vez y con la más enorme justicia, se vuelven, elecciones, dilecciones,
predilecciones. Consulta cartelera.
Las obras maestras nacen de la
lucha del artista por expresar sus
ideales éticos; de hecho, sus conceptos y sus sensibilidad están
conformados por esos ideales: si
ama la vida, tiene una necesidad
avasallante de conocerla, cambiarla, de tratar de hacerla mejor.
Siete obras maestras son el legado de
Tarkovksy. A algunos críticos les ha parecido un legado magro. Otros, califican
Fragmento de Nostalgia, 1983.
A ESCENA
TARKOVSKY
Y SOKÚROV,
GIOTTO Y
C IMAB UE .
TRADICIONAL
ELECTIVOS:
LA ECONOMÍA
CINE
APRENDIZAJES
Fragmento de Stalker, 1979.
»Raciel Rivas
I
nundadas por el torrente agresivo
del mercado capitalista las economías tradicionales se han transformado en islas lejanas que el radar mercantil de la civilización moderna ya no
quiere detectar. Hoy en día aparecen
en el mapa económico-mundial las
abstractas transacciones digitales, ya
no la interacción corpórea del trueque
mano a mano. Nadamos en el océano
de la abstracción financiera y solo en el
naufragio se intenta recurrir a las tierras del intercambio tradicional.
En nuestro país la existencia del
tianquiztli o mercado sobre ruedas
constituye, desde aquellos amaneceres
prehispánicos, la mejor muestra de la
economía tradicional, y el Munal, en
contraposición al mercado global, se
ha encargado de ubicarla de nuevo en
el radar, de ponerla a escena. La sala
de cine Adolfo Best Maugard será el
islote desde donde podremos contemplar las arcaicas formas de intercambio
comercial, pero ¡cuidado! la pantalla
también será inundada con las consecuencias políticas y sociales que ha
traído consigo el mercado global.
Empezaremos por detectar en las
regiones calurosas de Sonora a Los que
viven donde sopla el viento suave (1973),
documental de Felipe Cazals que regis-
PAÍS DE PLATA
CINE
tra los tradicionales modos de vida del
pequeño grupo étnico Seris, quienes
al carecer de los medios técnicos propicios para la pesca, junto a la presión
desnaturalizada del trabajo industrial
estadunidense, han abandonado la Isla
Tiburón en busca de nuevas formas de
actividad laboral.
Luego, con La pesadilla de Darwin
(2004) nos internaremos en las entrañas comerciales del África. En este
documental Hubert Sauper nos testifica el experimento realizado durante
los años sesenta en las aguas del Nilo,
en dónde la perca introducida, reproduciéndose con rapidez, fue un voraz
depredador que exterminó a las demás
especies del río, propiciando con ello
la necesidad de comerciar internacionalmente a este género de peces. El
resultado; una industria multinacional
mortuoria de intercambio de peces por
armas explosivas con la unión soviética.
Así mismo con La toma (2004)
veremos los efectos desfavorables del
mercado global, pues Avi Lewis nos
trasladará a las fábricas de Argentina
para ver una de las crisis laborales más
significativas de Latinoamérica recién
iniciado el siglo xxi, cuando un grupo
de obreros en protesta por el despido
injustificado y cierre de algunas fábricas deciden tomar por su cuenta éstas
y comenzar por sí mismos el proceso
de producción.
Y por último, La doctrina del shock
(2009) de Michael Winterbottom, filme basado en el libro homónimo de
Naomi Klein, será el testimonio de los
estragos sociales del “capitalismo salvaje”. En el documental se construye
visualmente la teoría de la periodista
canadiense que critica las formas provechosas de los gobiernos para llevar a
cabo todo tipo de reformas a favor del
libre mercado, utilizando con oportunismo las coyunturas políticas traducidas muchas veces en ataques terroristas, epidemias, desastres naturales y
periodos de crisis económicas.
El cinematógrafo tiene, sin duda,
este mes, una función de rastreo crítico-visual, necesario para comprender
la fluidez vertiginosa de la cascada
mercantil en la que nos vemos arrastrados día tras día hacia un abismo
económico aún desconocido.
Fragmento de Macario, 1960.
LO MEXICANO EN
GABRIEL FIGUEROA
Este mes inauguramos la exposición México visto a través de la
fotografía, para la cual hemos preparado un ciclo que nos llevará
por los laberintos de la historia de México vista desde el cine.
»Pablo Martínez Zaráte
D
vo, así como los movimientos de cámara sencillos y en ocasiones redundantes,
comunicaban, como si fuera una maldición narrativa de este periodo histórico,
estereotipos o concepciones simplonas
de lo mexicano (aunque podría ser lo
ruso, lo gringo, lo francés…).
Solamente con la llegada de películas como Flor Silvestre (1943), María
Candelaria (1944) y más tarde La Perla
(1947), fue que la cámara de Figueroa
encontró esas líneas de luz características de sus rostros mexicanos. El mismo
Figueroa nos dice, ya hacia final del siglo xx y de su propia vida:
…en el blanco y negro yo tuve la
suerte, el acierto o el conocimiento de haber puesto una imagen de
México en el mundo. En colores
no hemos encontrado una imagen. Los que han inventado colores mexicanos son Rufino Tamayo, Luis Barragán, el arquitecto, y
Chucho Reyes… son los tres que
tienen un colorido muy mexicano.
Los demás pueden acercarse un
poco, lo que sea, pero no tienen
una cosa definitiva. Yo hice una
imagen mexicana en blanco y negro, pero en color ni yo ni ninguno
hemos logrado tenerla. Es muy
difícil porque el pueblo mexicano
no tiene color. Las camisas y los
calzones de manta, el sombrero
de petate y los rebozos negros de
las mujeres. No hay color, solamente en las fiestas sale el colorido muy barroco, pero en general
el pueblo está despojado de color,
por eso yo podría fotografiarlo a
partir del blanco y negro.
En este pasaje, las palabras de Figueroa
reflejan una conciencia profunda sobre su influencia en la construcción de
una imagen mexicana (no solamente
al interior del país, sino a nivel internacional). El impacto de su trabajo queda
justamente comunicado en la recién estrenada cinta de Emilio Maillé, Miradas
Múltiples (La máquina loca), que desde
el año pasado se ha visto en festivales alrededor del mundo. En ésta, Maillé teje
un montaje entre fragmentos de películas fotografiadas por Figueroa con entrevistas a cinefotógrafos importantes de la
actualidad, reflejando cómo a partir de
una identidad nacional, Figueroa fue capaz de transmitir emociones universales.
Más interesante resulta todavía la
reflexión de Figueroa sobre el blanco
y negro como configuración de su imagen de lo mexicano. Una de las tantas
ideas recopiladas por Maillé en su documental toca precisamente el punto,
destacando la referencia a Kurozawa:
¿qué colores vemos en los matices inagotables de Gabriel Figueroa? Porque
cuando uno mira en plata, es también el
oro el que reluce; esto es, en el blanco
y el negro de este artista cupo no solamente el color de la piel y el alimento
de un pueblo, sino también el carácter
de sus sueños. Eso es quizás lo que Figueroa dominó como ningún otro: el
sueño mexicano. Lo hizo con las texturas, pero también con sus formas; no
eran los rostros de María Félix o Dolores del Río los que importaban, sino las
sombras que las hacían la misma mujer
una y otra vez, la mujer que es madre,
que es amante, que es fantasma. Lo
mismo con Armendariz o López Tarso
o cualquier otro actor, mayor o menor,
con quien él trabajó. Ayer, como hoy,
aprender a usar una cámara no es el
reto: mirar con honestidad, como lo
hizo este hombre, es la condición para
develar ante nosotros lo antes oculto
(llámese maravilloso, terrorífico, siniestro, mágico), eso que todo el mundo ha
presentido, pero necesitaba del corazón
excepcional para encontrar su expresión exacta. La imagen de Figueroa es
esa expresión precisa de un tiempo y
un espacio únicos, un México que a
muchos nos parece inalcanzable, pero
extrañamente íntimo; un México, pues,
plenamente onírico.
En esta ocasión, este sueño mexicano pintará la pantalla del Museo Nacional de Arte con 5 filmes clásicos de dos
directores que acompañaron a Figueroa en su desarrollo como fotógrafo:
Emilio Fernández y Roberto Gavaldón. Las películas, a proyectarse cada
sábado de agosto a las 16:00 horas en
el auditorio Adolfo Best Maugard, son
las siguientes: María Candelaria (1944),
Río Escondido (1948), La Perla (1947),
El rebozo de la soledad (1952) y Macario
(1960). No se pierdan la oportunidad
de recordar grandes momentos del cine
nacional, y manténganse al tanto de los
siguientes capítulos de este ciclo donde
Gabriel Figueroa con luz de sueño nos
llevará por los rostros y paisajes mexicanos del pasado, de cuyos fantasmas nos
es imposible hoy librarnos.
munal.gob.mx | agosto | 2013
edicar unas líneas a confirmar
el dominio técnico y la genialidad de Gabriel Figueroa
sería redundante: sus imágenes hablan
por sí solas. Mejor, con el pretexto
ideal de que su mirada argéntea abre
nuestro ciclo de estampas cinematográficas sobre México, nos preguntamos: ¿qué es lo que hace a Figueroa
tan mexicano?
Los paisajes de Gabriel Figueroa, influenciados por la pintura y la
literatura nacionales y universales, no
solamente materializaron imaginarios
que rodeaban al mexicano desde antes
incluso de la llegada del cine a América, sino que además, y mucho más importante para el tema de este artículo,
crearon arquetipos de mexicaneidad
durante un periodo fundamental para
el desarrollo nacional.
El relato del ojo aquí homenajeado comienza, oficialmente, en 1932.
Por ese entonces, Sergei Eisenstein
batallaba por realizar su obra cúspide,
un relato de la magia de un pueblo que
le fascinaba: el mexicano. Si bien con
su colaboración en ¡Qué viva México!,
el sueño inconcluso del soviético, y en
una cinta de Miguel Contreras Torres
(La sombra de Pancho Villa), Figueroa
entra de lleno al mundo del cine, ya
desde antes había orientado su sensibilidad hacia las artes plásticas y la música, realizando estudios en la Academia de San Carlos y el Conservatorio
Nacional de Música.
Estos antecedentes parecen confirmarse en sus años de iniciación en
el cine. En obras como Vámonos con
Pancho Villa, de Fernando de Fuentes
(1936), podemos vislumbrar las tendencias estilísticas de Figueroa, sin embargo, toda su producción inicial parecería más una conformación con ciertas
tradiciones compositivas en torno a lo
mexicano: el ambiente de pueblo desde planos abiertos, la presentación de
personajes a través de oficios y temas de
circunstancia, la iluminación más bien
plana, que no depende del dominio del
claroscuro para enfatizar emociones y
crear tensión dramática.
Durante su primera década como
profesional de la cinematografía, Figueroa descansó su mirada en convenciones propias también de los años definitorios del cine, cuando el lenguaje del
medio todavía disputaba su identidad
estética entre el teatro, la literatura, la
fotografía, la pintura y la música. Estos
planos llanos, sin mayor relieve expresi-
Fragmento de María Candelaria, 1944.
23
OBRA DEL MES
CIUDAD
FÉNIX
Para este mes de agosto, valoramos la historia de nuestra ciudad
al recordar los 492 años de la caída de México-Tenochtitlán, aquel
13 de agosto de 1521, cuando Cuauhtémoc fue capturado por los
conquistadores españoles. La historia del nacimiento de la capital
novohispana y mexicana, es evocada a partir de una amplia
pintura del siglo xviii, que recrea una original imagen, entre mapa
y artificiosa vista aérea, de la muy Noble y Leal ciudad de México:
cuando era más una compacta villa que una vasta metrópoli.
» VÍCTOR T. RODRÍGUEZ RANGEL
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E
24
l Centro Histórico de la la humanidad haya visto. Como en
Ciudad de México es uno su momento la describió el soldado
de los más bellos e inte- español Bernal Díaz del Castillo:
resantes del mundo, y es
un vasto vecindario consciente de la
Otro día por la mañana llegamos a
trascendencia de sus calles y edificios.
la calzada ancha y vamos camino a
Esta localidad es el corazón de una
Estapalapa. Y desde que vimos tandescomunal megalópolis de más de
tas ciudades y villas pobladas en el
una docena de millones de chilangos
agua, y en tierra firme otras granorgullosos de su tierra de gigantes:
des poblaciones, y aquella calzada
de colosales plazas, museos, avenidas,
tan derecha y por nivel como iba a
estadios, monumentos, edificios, cenMéjico nos quedamos admirados, y
tros comerciales, parques, etcétera.
decíamos que parecía a las cosas de
La simétrica traza de damero
encantamiento que cuentas en los
del “ombligo” capitalino, encierra no
libros de Amadís, por las grandes
sólo el recuerdo de la infancia de las
torres y cúes y edificios que tenían
agobiantes y asoleadas jornadas redentro en el agua, y todos de calicorriendo las bulliciosas calles y en la
canto. Algunos de nuestros soldabúsqueda de las tiendas de casi todo lo
dos decían que si aquello que veían,
que se quiera encontrar, sino también
si era entre sueños, y no es de mase trata de un sitio arquitectónico e
ravillar que yo escriba aquí de esta
histórico con un valor simbólico que
manera, porque hay mucho que
recuerda el doloroso nacimiento de la
ponderar en ello que no se cómo lo
identidad mestiza, de padres europeos
cuente, ver cosas nunca
e indígenas, sin olvidar los aderezos
oídas, ni vistas, ni aun
de nuestra cultura, como la presencia
soñadas, como veíaárabe y negra.
mos. (Bernal Díaz del
México-Tenochtitlán, capital del
Castillo, Historia Verdapoderoso señorío mexica, se reedifidera de la Conquista de
có como novohispana sobre las cenila Nueva España, 1568)
zas del paso de los jinetes del apocalipsis: guerra, peste, hambre y muerte, La tragedia de Tenochtitlán
cuando de verdad se cumplieron los se suscitó en el Centro
vaticinios del fin del mundo del impe- Histórico de la muy Real
rio azteca. Los terrenos del Centro y Noble ciudad de MéxiHistórico, el antiguo islote ombligo co y en Tlatelolco, villa
de la luna de la lacustre Cuenca del hermana que fue indeAnahuac, fue el escenario de una de pendiente hasta 1473 y
las epopeyas más increíbles de la his- tierra de los pochtecas,
toria de la humanidad, al presenciar infatigables comerciantes
cómo un reducido contingente de que dominaron todas las
conquistadores españoles y sus alia- rutas mercantiles que los
dos indígenas, derrotaron al señorío aztecas desplegaron desmás poderoso que Mesoamérica de Honduras hasta el Río
haya visto. La consecuencia fue la Panuco, en Tamaulipas.
reducción a escombros de la capital Y me refiero a Tlatelolco
tenochca que, por las crónicas y ves- -simbólico lugar de sangre
tigios arqueológicos, se trató de una prehispánica y del 68, de
de las ciudades más fascinantes que misioneros franciscanos
y de la modernidad de los multifamiliares- porque justo ahí, en una canoa, ante
la bahía tlatelolca del lago de Texcoco,
el último Huey Tlatoani, Cuauhtémoc, cayó prisionero de los españoles
y fue conducido para rendirse ante el
maquiavélico Hernán Cortés, el 13 de
agosto de 1521.
El primer cuadro de Tenochtitlán,
con todos sus imponentes teocalis en
ruinas, descansa el sueño de la historia
sepultado bajo el centro citadino, en
el que se abre una pequeña ventana
al pasado: el Templo Mayor. De estas
ruinas, se erigió la señorial y palaciega capital novohispana luego de que
Cortés, instalado con sus huestes en
Coyoacán, decidió estratégicamente
trasladar el Ayuntamiento al emplazamiento de la capital azteca y edificar la
nueva ciudad. Entre el otoño de 1521
y mediados de 1522, los maestres arquitectos Alonso García Bravo, Bernardino Vázquez de Tapia y algunos
tlacuilos constructores aztecas, diseñaron, con las modernas convenciones urbanistas del Renacimiento, la
traza tablero de ajedrez de la nueva villa
rodeada de lagos, al pie de sus volcanes
emblemáticos y surcada por canales al
estilo veneciano.
Muy similar a la demografía de
la capital tenochca, la “Ciudad de los
palacios” se mantuvo entre 200 y 250
mil habitantes hasta mediados del
siglo xix. Sus límites se ensancharon
de forma muy lenta hasta los tiempos
de la República Restaurada y el Porfiriato, cuando inició la urbanización
y fraccionamiento de sus alrededores:
con las colonias Santa María la Ribera, San Rafael, la Juárez, la Obrera, la
Guerrero, y las posteriores Roma y
Condesa. Por siglos, el norte de la demarcación fue la garita de Peralvillo y
una extensión hasta Santiago Tlatelolco; al sur la caja de Salto del agua en
Arcos de Belén y San Antonio Abad;
al oriente la garita de San Lázaro y la
Candelaria del los patos; y el poniente la Alameda y una prolongación de
la calzada de Tlacopan (Tacuba) hasta San Cosme y la fuente de Tlaxpana.
Para lo anterior, recomiendo la obra
de Manuel Rivera Cambas, México
pintoresco, artístico y monumental, y
disfrutar de una amena descripción
de la fisonomía antigua y compacta
de la Ciudad de México.
PINCEL ANÓNIMO
La mancha urbana de la acotada ciudad se recorta en la extraordinaria
pintura que luce montada en la sala 12
del recorrido permanente del Munal.
Realizada en 1737 por un pincel anónimo, este gran formato al óleo (135 x
204 cm) fue una petición oficial de las
autoridades del Reino y supervisada
en los aspectos de la distribución objetiva de las calles, edificios, plazas y parques, por el Maestro del Arte de la Arquitectura Don Pedro de Arrieta, que lo
es de todo el Reino, como lo consigna la
inscripción encajonada en una reproducción pictórica de un marco rococó.
Arrieta, alarife [arquitecto] maestre
mayor, fue, por ejemplo, el constructor
de la última versión barroca de la Iglesia de Santo Domingo (que hasta hoy
perdura) y de la Colegiata (la antigua
Basílica) de Guadalupe.
Como un documento oficial, se
instruyó a otros artistas para que realizaran copias autorizadas de esta pintura
y funcionara en diversas dependencias
como una especie de registro territorial de la dimensión y distribución de
la capital del Virreinato, informando la
inscripción que hasta la fecha de 1737
hacía falta uno tan confiable.
Cabe destacar que la obra lejos
está de ser un estricto plano o mapa
propio de la ciencia cartográfica, ni
mucho menos sustentado en una vista cenital o con el apoyo de un globo
aerostático como aquel de Cantolla,
que le funcionó a Casimiro Castro
para publicar la espectacular litografía La ciudad de México tomado en
globo (1856). Se trata más bien de
una idealizada y fantástica vista área
de la capital, claro que con sus nomenclaturas de las calles y edificios
principales.
Inscrito en filacterias, en la parte superior de la pintura se señala el Oriente,
en la inferior el Poniente, a la derecha el
Sur y a la izquierda el Norte. Los puntos
fundamentales para orientarnos son: al
centro, la Catedral y la Plaza de Armas
con un edificio cuadrangular que dice
Caxones, y que no es otra cosa que el
Mercado del Parían derruido en 1843.
Hacia la parte baja, un rectángulo verdoso es la Alameda, con el trazo de sus
calzadas; en dirección a la diestra, una
masa grisalla y amplia es el Colegio de
las Vizcaínas. La fortificada Real fábrica
de tabacos, hoy la Ciudadela de Balderas, aun no se construía. Al centro sur, el
edificio titulado SAndres, es el hospital
jesuita de San Andrés, en los terrenos
que hoy son el Munal, luego de que se
demoliera ese nosocomio en 1902 para
edificar el Palacio de Comunicaciones y
Obras Públicas.
En la obra, las armónicas retículas
con colores ladrillo, sepia, gris y azul,
que identifican construcciones, calzadas, puentes y acequias (canales), están
rodeadas de las bucólicas recreaciones
ingenuas de los llanos y lagunas que
rodean la ciudad. Cabe destacar las pequeñas pinturas, dentro de la pintura,
que tienen la gracia de ser miniaturas y
que trazan patos y garzas dispuestos en
el lago de Iztapalapa, colindante con la
calzada del mismo nombre.
Otra fascinante miniatura es un
pequeño cuadro junto al edificio llamado El Matadero [el rastro], que se
encontraba en la desembocadura de
la calle del Rastro con San Antonio
Abad, hoy Pino Suárez. Dentro de
este recuadro, hay una pinturita del
rodeo del ganado conducido al rastro. Todos estos detalles fascinantes
se pierden en la ilustración completa
para este artículo, pero los invito a
descubrirlos ante la obra en la sala 12
del periodo Virreinal.
Anónimo, Plano de la Ciudad de México, 1737, óleo sobre tela.
S AR
A
T
L
ARTE BAJO LA LUPA
BA
» ANDREA VALENCIA Y JESSICA LEWINSKY
1
INFORGRAFÍA
Nueva España a finales del siglo XVI.
Trabajó con la orden franciscana y jesuita.
ORIO
1623) pintor y escritor vasco, radicó en la
VE
ARTISTA
Baltasar de Echave Orio( ca. 1558 – ca.
ECHA
E
D
ÓLEO SOBRE TABLA. SALA 1
ICONOGRAFÍA Y
PERSONAJES:
VISITACIÓN ES EL TÉRMINO QUE
SE USA EN EL CRISTIANISMO DE
LA VISITA REALIZADA POR LA
VIRGEN MARÍA, EMBARAZADA
DE JESÚS, A SU PARIENTE ISABEL,
EMBARAZADA A SU VEZ DEL
PREDICADOR JUAN EL BAUTISTA.
PROCEDENCIA DE LA
OBRA:
ESPÍRITU SANTO
En un primer momento la
pieza perteneció al convento
- Indicativo de la anunciación,
del espíritu vital, de la pureza,
franciscano de Santiago
renovación de vida y paz. Su
Tlatelolco el cual contenía 14
presencia en la escena trans-
pinturas del mismo artista.
mite dones como la sabiduría,
Posteriormente pasó a la
la ciencia, el entendimiento y
pinacoteca Virreinal de San
Diego y en el año 2000 se
la fortaleza.
adjudicó al Munal.
ISABEL
¿SABÍAS QUE…?
es la prima de la Virgen María. A
su vez esta Santa es la madre
Las colinas al fondo represen-
de Juan el Bautista, el profeta
tan lo montañoso de Judá, el
que bautizó a Jesús.
lugar donde se lleva a cabo
El relato según el Evangelio de
la escena. Hoy en día se
San Lucas cuenta cómo Isabel
considera que esta ciudad es
Ain Karim, ubicada a 6 km al
dio a luz, aún siendo estéril.
oeste de Jerusalén.
Fue el Arcángel Gabriel quien
se presentó con Zacarías, su
¿QUÉ PIENSAS?
esposo, anunciándole que
¿Qué estarán platicando los
sus súplicas de traer un niño
maridos (Zacarías y San José)
al mundo habían sido escu-
en el fondo?
chadas.
Poco después Isabel quedó
ESCENA:
embarazada, mantuvo su
En esta escena encontramos
embarazo en secreto dentro
a 5 personajes: La Virgen
de su casa.
María, Isabel, El Espíritu
Santo, Zacarías y San José.
EMOCIÓN:
Esto se relata en el Evangelio de San Lucas (1:39-56):
INTIMIDAD, lo vemos en:
En aquellos días, se puso en
La mano de la Virgen en el pecho.
camino María y se fue con
prontitud a la región montañosa, a una ciudad de Judá;
entró en casa de Zacarías y
saludó a Isabel. En cuanto
oyó Isabel el saludo de María,
saltó de gozo el niño en su
El gesto de invitación a pasar
seno, Isabel quedó llena de
al interior de la casa por parte
Espíritu Santo y exclamó a
de Isabel.
gritos: «Bendita tú entre las
mujeres y bendito el fruto de
tu seno; y ¿de dónde a mí
que venga a verme la madre
de mi Señor? Porque apenas
llegó a mis oídos la voz de tu
saludo, saltó de gozo el niño
en mi seno. ¡Feliz la que ha
La separación de las mujeres
creído que se cumplirían las
de sus esposos.
cosas que le fueron dichas
Las dos futuras madres
de parte del Señor!»
se toman de la mano para
representar la unión y
complicidad en sus roles
RELACIÓN
DENTRO DE LA
COLECCIÓN:
divinos.
Baltasar Echave
Orio encabezó la
dinastía de pintores Echave, por
eso es conocido
viejo.
ESTILO
DETALLES DE LA TÉCNICA
El claroscuro al que recurre Echave Orio nos remite a la
Para la ejecución de pintura sobre madera, se procuraba
transición hacia el barroco del siglo xvii donde el uso de la luz y la
cortar los árboles en noches de luna nueva, para que así el
sombra es más intenso.
contenido de agua en la madera fuese menor.
Su producción teatral sirve de puente para las formas que
Se ejecutaba un secado lento y se preparaba la madera en diversos talleres.
surgirán con el barroco.
Posteriormente se hacía la selección de tablones de buena calidad y preferentemente sin nudos.
En la Nueva España la mayoría de estas obras fueron ejecutadas sobre pino ayacahuite.
¡BÚSCALOS EN
LA SALA 2 Y
PASILLO A!
¿NOTASTE EL
MARCO?
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como Echave el
25
» SUSANA RIVAS / MARIO CHANONA ¿QUÉ HACER EN OTROS MUSEOS? • LOCALES
IMPULSOS
MODERNOS. PINTURA
EN MÉXICO 1840-1950
El Museo Dolores Olmedo prestará por primera vez sus salas de exhibición
permanente a una exposición temporal. Esto se debe a que la muestra
Impulsos modernos busca presentar obras de sus artistas principales:
Diego Rivera y Frida Kahlo, junto a obras de artistas e intelectuales que los
influyeron y con quienes se relacionaban.
El periodo de la muestra abarca la transición de la tradición académica
hacia la modernidad en México. Las primeras obras pertenecen a los
reconocidos maestros de la Academia de San Carlos, luego se muestran
piezas de los artistas mexicanos que viajaron a Europa para mejorar su
técnica, y llega hasta los artistas surrealistas que emigraron de Europa
durante el inicio de la Segunda Guerra Mundial y durante la posguerra.
Museo Dolores Olmedo
Hasta el 25 de agosto
Ave. México 5843, Col. La Noria
Martes a domingo, 10 a 18 h.
Tel: 55 55 10 16
10 pesos
La exposición incluye obras de Alfredo Ramos Martínez, Julio Ruelas,
María Izquierdo, Orozco y Siqueiros, entre otros.
HAY MÁS RUTAS QUE
LA NUESTRA
Rufino Tamayo tenía una postura muy clara respecto a la creación artística y
era la búsqueda de un concepto internacional; esto lo reflejaba en su colección,
a través de la cual buscaba mostrarle al público las grandes obras del arte
contemporáneo. El nombre de esta exposición surge como un rechazo a la idea
de David Álfaro Siqueiros (aludiendo al movimiento de la Escuela Mexicana y su
resistencia a las tendencias artísticas) de que “no hay más ruta que la nuestra”.
La exposición trabaja con la idea de que lo internacional no es necesariamente lo
extranjero, ya que la producción nacional también habla un lenguaje global.
La muestra está conformada por 35 obras de 23 artistas tanto nacionales como
extranjeros. Entre estos se encuentran Vicente Rojo, Max Ernst,
Teresa Margolles y Gabriel Orozco.
Museo Tamayo
Hasta el 18 de agosto
Paseo de la Reforma s/n (esquina con Gandhi), Col. Bosque de Chapultepec, I Sección
Martes a domingo, 10 a 18 h.
Tel: 52 86 65 19
19 pesos
Domingo entrada libre
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ÉPICA Y GLORIA
MONUMENTAL.
ERNESTO
TAMARIZ
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(La Patria, boceto inicial
para la figura central del
monumento a los Niños
héroes, México DF. Bosque de Chapultepec, 1951.
Bronce
Preservación de la obra de
Ernesto Tamariz, A.C.
Fotografía Michel Zabé)
Como homenaje a la vida y obra del escultor poblano
Ernesto Tamariz y continuando la revisión de la
Escuela Mexicana de Escultura, se organizó la
primera exposición monográfica de dicho artista.
Tamariz empezó su desarrollo artístico en
la Academia de Artes en su estado natal y
posteriormente trabajó en la Ciudad de México. Fue
la realización del monumento a los Niños Héroes en
el Bosque de Chapultepec lo que impulsó su carrera y
le permitió trabajar en diversos estados del país.
Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo
Hasta el 6 de octubre
Diego Rivera s/n (esquina con Altavista), colonia San
Ángel Inn
Martes a domingo, 10 a 18 h.
Tel: 55 50 10 04
30 pesos
Domingo entrada libre
La exposición se divide en cuatro núcleos:
Monumentos y figuras ecuestres e ilustres, Arte
religioso y fúnebre, Retrato civil y alegorías, y Obra
personal. Las piezas que conforman la exposición
incluyen esculturas realistas, barrocas y clásicas,
pinturas y fotografías.
¿QUÉ HACER EN OTROS MUSEOS? • NACIONALES » SUSANA RIVAS / MARIO CHANONA
DE LA PIEL AL UNIVERSO
Y LA CIUDAD EN LA PIEL
El Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) presenta dos series de la obra de
Carmina Hernandez Covarruvias: De la piel al universo y La ciudad en la piel. La obra
comprende imágenes trabajadas en collage con fotografías del universo y de la
ciudad combinadas con xilografías de siluetas.
Carmina Hernández tomó como eje temático para esta producción artística la ciudad
de Oaxaca vista como su Universo experimentado a través de la piel. Se inspira en
su maestro Samo Sunim, a quien dedica la serie Con la ciudad en la piel.
En estas series, Carmina Hernández toma como elemento representativo los Ensos;
círculos dibujados en un solo trazo que simbolizan la iluminación, fuerza y elegancia,
y representan el universo y el vacío como dicotomía en la meditación zen.
Carmina Hernández Covarrubias estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas
de la UNAM. Actualmente es miembro de Sistema Nacional de Creadores de Arte.
Es una figura representante del arte moderno oaxaqueño.
Instituto de las Artes Gráficas de Oaxaca
Macedonio Alcalá 507, Centro Oaxaca, Oax.
Tel. (951) 516 6980, 516 2045.
Exposiciones: miércoles a lunes, 9 a 20 h.
Entrada libre.
DE SER ÁRBOL MANUEL ÁLVAREZ BRAVO. UN
FOTÓGRAFO AL ACECHO.
Sandra Pani presenta la serie de dibujos monocromáticos,
De ser Árbol, en la que ha trabajado ya desde el 2007. La
serie se presentará en el instituto de las Artes Gráficas en
Oaxaca (iago) hasta finales de Agosto. El Museo Amparo, uno de los museos provincianos más importantes del país, presenta la exposición
fotográfica de Manuel Álvarez Bravo, Un fotógrafo al acecho. En ella se muestra cómo Manuel Álvarez Bravo
Por medio de esta serie, Sandra Pani explora la relación fue testigo, a través de su cámara, de la Revolución de 1910 y capturó el ámbito socio cultural, junto con la
entre el mundo interno, la psique, y el mundo externo, influencia internacional que recibió el país en ese momento. Esto lo llevó a convertirse en el pionero mexicano
lo simbólico y lo concreto. También tiene la intención de la fotografía moderna.
de expresar que los seres vivos compartimos una
diseño universal, aunque tenga diferentes variaciones. El Museo Amparo mostrará algunas fotografías inéditas, otras experimentales y las que han distinguido su
Así relaciona el cuerpo humano con los árboles, ejes trabajo, además de tomas cinematográficas experimentales de los años 60; una muestra del trabajo que
centrales de su obra: la capilaridad de una hora y las desarrolló durante ocho décadas. A través de la exposición, se pueden ver imágenes de diferentes épocas que
venas de una mano, la columna y el tronco, etc. muestran su evolución como fotógrafo.
La exposición se acompaña de música compuesta
especialmente para acompañar estas imágenes,
escrita por Mario Lindavista. Con la unión de
la imagen y el sonido se crea una atmósfera
de aislamiento y atemporalidad, que invita a la
meditación. A esto se le
suma parte del prólogo
del texto Systema
Naturae, escrito por
el naturalista Carlos
Linneo, que complementa
las dimensiones de la
exposición.
Instituto de las Artes
Gráficas de Oaxaca
Museo Amparo
2 Sur 708, Centro Histórico, 72000 Puebla
Tel: 01 222 229 3850
Miércoles a lunes, 10 a 18 h.
munal.gob.mx | agosto | 2013
Entrada libre.
La obra de Álvarez Bravo está
dispuesta en varios ejes temáticos:
Formar, que presenta imágenes
abstractas y sintéticas que
posteriormente fueron reclamadas
por el movimiento surrealista,
aunque la intención del autor
no fue esa. Juegos de papel,
imágenes también abstractas de
rollos de papel. Aparecer, en el
que se puede ver el interés del
fotógrafo por el efecto estético
y no documental de la imagen.
Yacer, que incluye La buena fama
dormida, fotografía por encargo de
André Breton y, por último, los ejes
Ver y Exponerse que se relacionan
directamente con el erotismo.
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