File

DEFENSA DE LA COMEDIA DEL ARTE Los alumnos de tercer año que ya han visto realismo, expresionismo, teatro clásico, Brecht, Artaud, etc., etc., etc., siempre llegan a Comedia del Arte con un profundo desconcierto: algunos temen porque nunca han improvisado y lo poco que saben del estilo es que es un teatro de máscaras cuyo texto se improvisa. Otros llegan reclamando y cuestionando el porqué se les enseña algo tan pasado de moda, tan añejo, sin ninguna contingencia actual, de “museo”. Y otros simplemente llegan porque así lo determina su carrera en la línea de movimiento a continuación de pantomima. Nadie les ha explicado qué es la Comedia del Arte y porqué es necesario experiencias en ella. Y si lo han hecho, ha sido desde la línea teórica de las mallas curriculares que la mencionan dentro de la historia del teatro, pero jamás la han asociado a fenómenos como el Chavo del ocho, los dibujos animados o el carnaval. Ciertamente la comedia del arte es un estilo añejo. Más bien un estilo en extinción y mejor aún, ajeno. Difícilmente habremos visto un espectáculo del estilo o comprenderemos qué significa Colombina si vivimos en Chile, a años luz de la provincia italiana que dio origen a este fenómeno y a varios siglos de evolución histórica que nos distancian con las problemáticas renacentistas. Quizás lo único que nos haga sentido de la comedia del arte es que uno de sus grandes aportes al teatro mundial sea el haber convertido a los bufones y las prostitutas del Renacimiento en actores profesionales. Pero cabe preguntarse entonces ¿por qué enseñarla? Y más aún, ¿por qué aprenderla? ¿Que es la Comedia del Arte? Un estilo de teatro renacentista es la respuesta obvia. Pero ¿qué significa eso? Un estilo de teatro responde a una determinada forma de hacer teatro, que es la concretización de ideas (conceptuales y estéticas) que a su vez son consecuencia de una determinada visión de mundo o cosmovisión. Así por ejemplo, tenemos el nacimiento del expresionismo como movimiento artístico, que en el teatro se plasmó con una fuerte gestualidad, con quiebres al actuar, sin unidades de tiempo y que nació al alero de la II Guerra Mundial. Otro ejemplo es el teatro realista, basado en el texto, en una actuación emotiva, con un desarrollo psicológico de los personajes, que alimenta nuestro voyerismo a través de la cuarta pared y del respeto de las unidades aristotélica (nuestro querido y también “añejo” Stanislavsky). En la comedia del arte confluyen aspectos de varios estilos. Es tan añeja que influenció la expresividad expresionista, la imaginación surrealista, los conflictos shakesperianos, los quiebres emotivos, la verdad, etc. Pero eso mismo constituye parte importante del problema. Si es tan amplia ¿Como podemos definirla en términos estilísticos? Primero hablamos de máscaras: Se utilizan máscaras. Casi todos los personajes son enmascarados porque son alegorías. Las máscaras se asocian a arquetipos humanos, que han existido siempre y nunca dejarán de existir, por lo que son de fácil recepción para el espectador y facilitan su reconocimiento social. Al ser caracteres exagerados requieren de una determinada corporalidad y provocan gracia, porque parecen seres de otra especie, ridículos y que adquieren vida propia. Las máscaras no son exclusivas de la comedia del arte, encontramos los mismos caracteres asociados a las máscaras griegas, a las del teatro Noh, del Balinés y hasta del clown ( “una nariz que desenmascara”) pero también fuera del aspecto teatral. Encontramos máscaras en danzas tradicionales latinoamericanas, africanas y asiáticas, en rituales mapuches, festividades europeas y en cada carnaval o fiesta tradicional. A través del trance que inducen “se realzan los demonios, los rostros inmutables, inmóviles, estáticos, que se encuentran en las raíces del teatro” (dice Georgio Strehler, ex director del Piccollo Teatro de Milán) y que permiten una comunicación misteriosa con otra parte de uno mismo. Luego hablamos de improvisación: Solucionar problemas, actuar sin premeditación, hacer algo inesperado o sin pensar. Improvisar es básicamente HACER. Ni siquiera se pide ser asertivo, sólo se pide hacer. La comedia del arte se basa en la acción. Los personajes arquetípicos ACTUAN y casi siempre se equivocan en sus acciones porque sus intenciones están determinadas por su carácter y no por el sentido común (son personajes de comedia). Improvisar es una técnica y se entrena. Se trabaja desde el personaje y desde las relaciones que estos generan, pero principalmente, desde el juego. La gente le teme a improvisar porque le teme a equivocarse, pero nadie se equivoca en los juegos, a lo más se pierde y siempre se puede jugar de nuevo. Es Renacentista: La Comedia del Arte nace en el quiebre de la edad media (1550) de parte de aquellos juglares que habían investigado en los Misterios Bufos medievales. Italia no era como ahora la conocemos. Estaba dividida, mal organizada y con una profunda falta de fe. El Renacimiento, si bien enaltece al hombre, fue un movimiento cultural muy religioso y lo que se quebró fue respecto a la Iglesia como institución que administra una doctrina y no a la relación que el hombre establece con Dios, que finalmente es lo que consideramos como religión. De las fiestas tradicionales de cada pueblo nace un arquetipo enmascarado y de las nuevas tendencias socio-­‐económicas imperantes (en el renacimiento nace lo que hoy llamamos “libre mercado”) nace la critica social que está innegablemente ligada a la comedia del arte. Sin ir más lejos, la relación principal es la del amo y su sirviente; y la inclusión de la mujer en las tablas por primera vez, se debe a reglamentos que establecían que toda aquella persona considerada como escoria social (deformes, actores, ladrones y prostitutas) tenían que vivir a una legua de los centros urbanos (Ley de la Legua). El movimiento nació en el Renacimiento como una protesta contra él, contra un nuevo “sistema” que cambiaba a Dios por el dinero. Es callejera: Las plazas medievales (e incluso antes) y las ferias eran verdaderos centros sociales. El espacio público era considerado como un espacio cultural donde convivían las artes, las religiones, los pensadores, etc, y se creaban diálogos de todo tipo. Era el escenario perfecto para debates y obras de teatro, en un principio adaptaciones de las misas que luego serían recitadas en latin dentro de la Iglesia y luego versiones cómicas de los misterios bíblicos. Los espacios teatrales eran burgueses (recordemos al Rey Sol sentado en su propio escenario vestido de sol mientras Moliere y su compañía interpretaban sus comedias), ligados a los nobles que contrataban compañías para sus fiestas particulares. El espacio público era el espacio de la cultura popular y es donde sucede el carnaval (dias de fiesta antes de la cuaresma donde se permitía el mundo al revés). ¡Es comedia! Alta comedia. Se cree que incluso deriva de la comedia erudita y se cita a Plauto cuando hablamos de ciertos personajes, pero lo importantes es que es comedia. Según Aristóteles, la comedia se caracteriza por “ridiculizar lo feo” y según Bergson, la risa “apela a la inteligencia de los hombres”, siendo más cercana a la anagnórisis que a la catarsis. La comedia del arte utiliza recursos cómicos y personajes arquetípicos, que a través de historias muy simples, basadas en los personajes más que en la importancia de los argumentos, hablan de los vicios humanos que nos causan gracia con sus estupideces y nos permiten evidenciar y enjuiciar nuestros propios defectos: egoísmo, soberbia, sabiduría, avaricia, vanidad, enamoramiento, etc. Es tradicional y critica: Al hablar de tradición estoy hablando de una manera distinta de relacionarse con Dios. El uso de máscaras y del espacio público está relacionado intrínsicamente con el Carnaval, una instancia festiva donde los roles se invierten: es el siervo el que reina, el feo el más admirado, el tonto el más ingenioso (“el mundo al revés, abajo la cabeza y arriba los pies”. LEAR, traducción de Nicanor Parra de la obra de Shakespeare). Podemos decir que el teatro es un carnaval, porque desde el momento en que el espectador asiste al espacio consagrado para la representación, es él quien comienza a mirar y el que aplaude al tonto. Fuera de ahí, los tontos somos nosotros que observamos las conductas humanas para nuestra próxima función (y somos tan tontos que además pretendemos que nos paguen por ser creativos) La Comedia del Arte juega al carnaval porque nace desde allí y utiliza elementos sagrados, como las máscaras, para su representaciñon del hombre. Un actor clama justicia, denunciándola con la imagen de la injusticia de la realidad. Lo que sucede, catarsis y/o anagnórisis, también es sagrado. El aspecto festivo y carnavalazo también le permite a la comedia ser mordaz en su crítica. Como los personajes, al estar enmascarados, no corresponden a la realidad de los hombres, se les permite hablar y criticar a la sociedad sin tapujos, y tal como dice el Misterio Bufo “NACIMIENTO DEL JUGLAR” recopilado por Dario Fo, “no es sino con la risa que al patrón se va desnudando” (…) Es una gran herramienta para el actor: Además de ser una visión para redescubrir el teatro, en términos actorales la comedia del arte plantea el gran desafío de crear e interpretar a la vez. Solucionar problemas, relacionarse y crear humor en escena sin guiones previos, a partir únicamente de lo que el actor pueda hacer con su voz y con su cuerpo, es un ejercicio que desarrolla al máximo las capacidades actorales. Innumerables técnicas se conjugan (pantomima, danza, cantos, acrobacia, etc.) y dan origen a un espectáculo de gran belleza, honestidad, frescura y gracia, lleno de vida y de alegría que no necesita de grandes requerimientos técnicos, solo un ”espacio vacío, un actor y alguien que lo mire” (Peter Brook) Luego de todo esto cabe preguntarse si la comedia del arte es o no añeja, si no tiene ninguna relación con la actualidad y si no vale la pena experimentarla, porque además para los actores es un ejercicio de gran frescura y un gran desafío lograr interpretar un personaje arquetípico, crear humor y desarrollar la dramaturgia en un espectáculo. El porqué se inserta en la línea del movimiento se debe a la necesidad técnica del uso de máscaras, que requiere una plasticidad física y una orientación menos intelectual para desarrollar los juegos. Personajes ARLECCHINO Nacido en el bajo Bergamo de Italia, Arlequín se presenta como el segundo de los sirvientes. Ágil en sus movimientos corporales, cándido y encantador siempre anda en líos debido a su gran capacidad para cometer errores. Es melancólico y enamoradizo, lo que lo lleva a expresar ideas filosóficas absurdas e incoherentes. Arlequín es un estupendo bailarín y ejecuta movimientos acrobáticos. Su vestuario consta de mameluco con parches multicolores, los cuales fueron derivando con el tiempo en rombos, triángulos y corazones de colores azul, verde y rojo. Usa una capa decorada con piel de zorra o conejo. Lleva puesta una media máscara negra, la cual se cree representaba a los esclavos africanos; otra versión dice que representaba a los habitantes de las montañas de Bergamo, quienes tienen la cara quemada por el sol. Responde al arquetipo del niño. Es un astuto sirviente (segundo zanni)siempre hambriento, al que le gusta jugar, que pasa de la tristeza a la felicidad con gran facilidad y que por su ansiedad siempre genera enredos. Es vital, ágil, activo, ladrón si es necesario, básico (comer, dormir y amar son sus motivaciones principales) y fiel a su amo. Se trabaja con la idea del gato o del mono. Es el sirviente de Pantalone y también su enemigo. Su personaje es infantil y animalesco. También es la pareja de Colombina. El busca ayudar a los Enamorados en su unión. Su mascara se basa en un mono. BRIGUELLA Primer zanni (de las ideas) es el que genera intrigas. Pelador, inescrupuloso, maquiavélico a veces, es quien sabe hacer todo tipo de oficios con la prolijidad de un asesino. El arquetipo del cínico, representa las mentiras. A todos adula mientras piensa en como causarles mal y sacarles provecho. Egocéntrico, bebedor y flojo, trabaja con la imagen de un cuervo. Es el zanni recatado y fino. El ayuda a sus amos de cualquier forma, contando chismes, rompiendo citas ,etc. Su mascara se basa en un cuervo. PULCHINELLA Un doble personaje es Pulchinella; inicialmente alto y jorobado, se transformó en un personaje bajo y gordo. Por un lado, tenemos a un personaje grotesco y oscuro, mientras que su hermano gemelo es carismático, sensual e inteligente. Sin embargo, el tiempo lo fue dejando como un personaje soñador y poeta, algo excéntrico, al mismo tiempo que intuitivo y triste. En los primeros tiempos su máscara oscura, mostraba una prominente nariz, la cual era acompañada de unos labios gruesos. Su joroba y en algunos casos barriga, mostraban a un ser ridículo. Usaba un sombrero en forma de cono, el cual ha derivado en ocasiones en un cucurucho puntiagudo. Responde al arquetipo del feo. Jorobado hedonista, disfruta con ser el más feo y asqueroso de los sirvientes. Es flojo, glotón y desprecia a la humanidad, aunque se conmueve con facilidad. Siempre risueño y zalamero, trabaja con la imagen de una pulga o de una rata. Es el zanni mas feo de todos, parecido al jorobado. Es depresivo por su fea presencia pero a las vez busca amoríos con las jóvenes del Canovaccio. COLOMBINA Inteligente, seductora y astuta son las características de la Colombina, quién ayuda a su señora la innamorata, a lograr su verdadero amor. Su habilidad en las cosa del amor le permite juguetear con Arlequín, quién está enamorado de ella. Siempre consiguen que los babosos zannis les hagan la pega y son las que funcionan en complicidad con el público. Este personaje femenino, es el único que no lleva máscara. Viste la ropa de la época y su maquillaje es un poco exagerado. Es el único personaje realista e inteligente del Canovaccio. Cumple los mismos roles de Arlequín, incluso se le llama a veces Arlequina, salvo que no tiene comportamientos animalescos. PANTALEON: Este es el típico mercader. Pantalón es presentado en ocasiones como un viejo bondadoso que representa la prosperidad de Venecia. Sin embargo, la más de las ocasiones se representa como un viejo avaro preocupado solamente por los bienes materiales. Siempre ocupado en los negocios, descuida el hogar; de lo que resulta algún enredo ocasionado por Arlequín o Brighella. Como padre es autoritario, riguroso y conservador. Usa larga capa negra con pantalones rojos y calza pantuflas turcas. Su máscara es de color café con una enorme nariz, su bigote es gris y su blanca barba cubre de oreja a oreja terminando en punta. Es un viejo decrepito que se rejuvenece al ver a las señoritas jóvenes, ya que es mujeriego a pesar de su edad tan avanzada. Además de ser millonario, se considera pobre y mendiga a pesar de su alta fortuna. Los otros personajes lo que buscan en él, para engañarlo y robarle. Lo que mueve a este personaje son sus manos, que desean tomar todo lo posible. Su mascara se basa en un águila (de ahí su enorme nariz). DOTTORE Este personaje es amigo de Pantalón y se reúnen frecuentemente para realizar negocios o simplemente como vecinos del lugar. El doctor tiene conocimientos en filosofía, astronomía, letras, medicina, y otros menesteres académicos. Sin embargo, siempre confunde el griego con el latín y termina diciendo tonterías cuando habla, cosa que no toma en cuanta pues le encanta ofrecer citas y moralejas; las cuales resultan en las más, de las ocasiones en alguna cosa fuera de lugar. En ocasiones pretende a una joven dama, por lo que se mete en líos y es la burla de más de uno. Elocuente y flemático, el Doctor es un buen pretexto para satirizar a la burguesía de la época. Su media máscara le cubre la frente y la nariz. Lleva las mejillas coloradas como síntoma de salud y bienestar. No usa barba y su grueso bigote sube ligeramente. Viste con forme a la época y su posición social. Dottore es el "sabio" del Canovaccio. El representa a los farsantes de la época que juraban ser letrados en todas las ciencias. Dottores es un gordo ebrio, de modales grotescos, que busca la unión con alguna jovencita, a través de sus inventos de carreras y doctorados. Su personajes se asocia al cerdo. TARTAGLIA El que tartamudea. Es el arquetipo del Tímido, que se corta hasta para hablar. Generalmente el notario o juez que llega a resolver los enredos, disfruta en secreto del oporto y se queda pegado en las sílabas más cochinas de las frases. Es un ñoño que se estresa con facilidad y que trata de buscar en el conocimiento un resguardo, pero no puede porque ante el público sufre de ataques de pánico. Su imagen es la de una tortuga. CAPITAN Héroe militar generalmente español, es aquel que habla de sus éxitos en batalla y en amores y arranca hasta de su sombra. Paranoico, asustadizo y cobarde, es el arquetipo del fanfarrón. Siempre imitando a los héroes, elaborando estrategias y seduciendo a las mujeres, se transforma en una gallina ante cualquier eventual peligro. Se muestra valiente y varonil, pero en si es cobarde. Busca la unión con la Enamorada y para ello recurre a inventar victorias y conquistas. ENAMORADOS Están enamorados del amor. Vanidosos, siempre esperan al príncipe azul y son incapaces de ver que lo tienen al lado. Preocupados en exceso por el día en que consumarán el amor, revisan sus posturas y su apariencia, la pureza de sus sentimientos, su poesía, pero siempre mirando el horizonte y no la realidad tangible. Los Enamorados, son el pilar del Canovaccio. Son personajes completamente necios, que no pueden solucionar sus problemas por ellos mismos y deben recurrir a sus sirvientes para resolverlos. La pareja es dramática al no poder estar juntos. Nunca deben tocarse, salvo hasta el final (eso le da el factor cómico al dúo). Se expresan con tono cantarín y saltan a través del escenario, como pasos de ballet, diciendo y expresando su amor de las formas mas bizarras. Ambos no usan mascaras, sino un maquillaje blanco. Muy mal pintado.