FIJAZZ Alicante 2016 - Bibliotecas Públicas

LIOTECA
PÚBLICA DE ALICANTE
Nicholas Payton trio
■ BIOGRAFÍA
Nicholas Payton es un músico genial, un compositor y
productor superdotado, un experto y astuto escritor y
algunas veces agitador social. Su arte y su destreza
desafían todas las restricciones dejando poco que él
no pueda hacer y de esa forma está claro que
Nicholas está arraigado en algo excepcional.
Nicholas Payton es el compendio de todo trompetista
antes que él, y es guía para los que le siguen.
Reconocido como virtuoso antes de incluso haber
terminado la escuela superior, su madurez como talento prodigioso le ha ganado
alabanzas como uno de los más importantes artistas de nuestro tiempo.
En 1994, Nicholas Payton debutó grabando como líder From This Moment (Verve)
donde fue identificado inmediatamente como “young lion”. Desde entonces, Payton se
ha comprometido consistentemente consigo mismo a desarrollar una voz distinta.
Él dice: “Como músico, como artista, uno siempre está tratando de concentrarse en
dar en el blanco, como una forma de convertirse en una mejor versión de uno mismo.
Yo he podido encontrar el tipo de música que incluye todos los aspectos de mi vida. El
enfoque y las ideas de mi música se han convertido en una forma más excepcional,
más cohesiva. Yo no tengo un programa en términos de un género o estilo específico,
solamente el ser genuino o verdadero”.[...]
Nicholas Payton nació el 28 de Septiembre de 1973, en New Orleans, Louisiana, en
una familia musical. [...]
También ha actuado y grabado con músicos que representan una multitud de géneros
musicales, desde jazz, R&B y hip-hop y se le acreditan muchas más de 120
grabaciones como invitado especial, o compositor, arreglista, líder de su propia banda,
en cuarteto, quinteto o sexteto y incluso con una big band de 21 músicos, y en el año
2012 con una orquesta: The Black American Symphony.
Como líder, Nicholas ha grabado ocho álbumes bajo su propio nombre, incluyendo:
From This Moment (1994, Verve); Gumbo Nouveau (1995, Verve); Payton’s Place
(1998, Verve); Nick@Night (1999, Verve); Dear Louis (2001, Verve); Sonic Trance
(2003, Warner Bros.); Into The Blue (2008, Nonesuch); Bitches (2011, In+Out
Records); y el ganador de un premio GRAMMY® en colaboración con Doc Cheatham,
titulado: Doc Cheatham & Nicholas Payton (1997, Verve).[...]
En el año 2011 lanzó su novena grabación como líder, titulado Bitches. Es una historia
de amor que musicalmente relata las alegrías y los desengaños de las relaciones. Un
disco provocativo en el cual Nicholas tocó todos los instrumentos, compuso todas las
canciones, escribió todas las letras, produjo cada pista, y cantó en toda la grabación.
El disco incluye la actuación de estimados vocalistas: Cassandra Wilson, Esperanza
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Spalding, N´Dambi, Chinah Blac y Saunders Sermons.
Nicholas continúa expresando que: “Para mí, todo el sentido de la vida es estar en una
relación con uno mismo y con otras personas. Sin ese espejo de una relación,
nosotros no podemos descubrir quienes realmente somos. Mi misión es definir y redefinir constantemente quién yo soy y qué yo soy... para tratar de mejorar y para vivir
las cosas que yo creo y digo. Éso no es un camino fácil, pero para mí es la única
manera de vivir.”[...]
En el año 2013 salió su trabajo, titulado, “Sketches of Spain”. En el año 2014
“Numbers” y en el año 2015 editó su último trabajo “Letters”.
Fuente: http://www.fijazzalicante.com/
■ PÁGINA WEB DEL MÚSICO
http://www.nicholaspayton.com/
■ DISCOGRAFÍA EN LA BIBLIOTECA
PAYTON, NICHOLAS
#BAM: Live at Bohemian Caverns
[S.l.]: BMF Records, p 2013
1 disco compacto (ca. 80 min.): digital;
12 cm + 1 folleto
R.C.D. 8399
Rojo
Contiene: 1. The Backward Step; 2. Drad
Dog; 3. Catlett Out of the Bag;4.
Pannonica; 5. The African Tinge;
6.Return of the African Tinge; 7. Frankie
and Johnny
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PÚBLICA DE ALICANTE
PAYTON, NICHOLAS
SKETCHES OF SPAIN / Nicholas
Payton with SimphonieOrchester Basel.
[S.l.] : BMF Records, p 2013
R.C.D. 8398
Rojo
1 disco compacto (ca. 40 min.): digital;
12 cm + 1 folleto
Contiene: 1. Concierto De Aranjuez; 2.
Will O' the Wisp; 3. The Pan Piper; 4.
Saeta; 5. Solea
Int.: Nicholas Payton, trumpet; Vicente
Archer, bass; Lenny White, drums;
Daniel Sadownick, percussion; Members
of Simphonie Orchester Basel
PAYTON, NICHOLAS
NUMBERS / Nicholas Payton
[S.l.]: Paytone Records, p 2014
1 disco compacto (ca. 68 min.): digital;
12 cm + 1 folleto
R.C.D. 8397
Rojo
Contiene: 1. Two; 2. Three; 3. Four; 4.
Five; 5. Six; 6. Seven; 7. Eight; 8. Nine;
9. Ten; 10. Eleven; 11. Twelve; 12.
Thirteen
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Jane Monheit
La joven cantante, Jane Monheit, (1977), comenzó su carrera profesional a los 17
años cuando estudió en la prestigiosa "Manhattan School of Music", donde fue
discípula del prestigioso Peter Eldridge, de "The New York Voices". Concursa muy
pronto (en 1998, a los veinte años de edad) al premio del instituto vocal Thelonius
Monk, en el que queda en segundo lugar tras el veterano Teri Thornton, después de
ser evaluada por un jurado en el que se encontraban Dee Dee Bridgewater, Diana
Krall y Dianne Reeves.
Su debut discográfico, con el disco "Never Never Land", (N-Codex, 2000), en el que se
hace acompañar de figuras como el pianista, Kenny Barron, el baterista, Lewis Nash,
el bajista, Ron Carter, el saxofonista alto, Han Crawford o el guitarrista, Bucky Pizarelli,
fue saludado por la crítica internacional como la irrupción de una voz capaz de
alcanzar las más altas cimas del canto jazzistico. Las canciones del disco tienen
diversas procedencias, en una muestra de la pluralidad de registros que la intérprete
es capaz de asumir, desde el añorado, Nat King Cole hasta el propio, Duke Ellington,
desde la bossa nova a la canción infantil y con el que la cantante quiere recrear su
todavía cercana niñez.
Jane Monheit, grabó su segundo álbum, titulado "Come Dream With Me" (N-Codex,
2001) en el que desarrolla muchas de las constantes estilísticas apuntadas en su
primer disco. De nuevo su mundo infantil, del que no parece querer desarraigarse,
surge en el tema: "Somewhere Over the Rainbow" y la música brasileña con "Waters
of March" de Antonio Carlos Jobim. Su tercer y último disco hasta ahora, "In the Sun"
(N2K, 2002)mas endeble conceptualmente que los dos anteriores, deja un paréntesis
abierto en su carrera que tendrá que consolidar en el futuro.
http://apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=2662:janemonheit&catid=92&Itemid=259
PÁGINA WEB DEL MÚSICO
http://janemonheitonline.com/
■ DISCOGRAFÍA EN LA BIBLIOTECA
MONHEIT, JANE
The Heart Of The Matte
[S.l.]: Universal Music, p 2013
1 disco compacto (ca. 57 min.): digital +1
folleto.
R.C.D. 8395
Rojo
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PÚBLICA DE ALICANTE
Manu Katché
■ BIOGRAFÍA
Manu Katché nació el 27 de octubre de 1958 en St Maur des
Fosses (Francia). Hizo sus primeros pasos en el mundo del
arte a la edad de cinco años practicando ballet dos años
antes de pasar al piano, la actividad más próxima a sus
aspiraciones.
Tiene una formación clásica. Estudió en el Conservatorio
Nacional Superior de Música de París. Su carrera se originó
como músicos percusionista en una orquesta sinfónica.
Quizás por eso tiene tanto reconocimiento entre su más
variado público, pues sus estilos musicales van desde el
Jazz clásico al pop-rock más actual.
Al mismo tiempo que cursa sus estudios desempeña trabajos con pequeños grupos
antes de encontrar un compromiso para acompañar a “Coluche” en varios tours.
Entre los grandes músicos franceses con los que ha colaborado en grabaciones de
estudio, caben destacar a: Goldman, Souchon, Chedid, Catherine Lara, y Michel
Jonasz, entre otros. Y la explosión de su carrera la tuvo cuando Peter Gabriel le pidió
que formara parte de su grupo, en su álbum “So”.
Algunos músicos se niegan a ser colocados en una categoría, pero Manu tiene el
privilegio de mezclar varias influencias y adaptarlas a cualquier estilo.
El sonido de su batería tiene algo especial y fue el que le abrió ls puertas de los
estudios y de los principales escenarios internacionales, con bandas de rock. Entre
sus colaboraciones internacionales cabe destacar a: Joni Mitchell, Sting, Dire Straits,
Tears for Fears, The Christians, Robbie Robertson, Joan Armatrading, Paul Young,
Tracy Chapman, Youssou N’Dour, Pino Danielle, Simple Minds, Joe Satriani, Richard
Wright …
Manu sigue trabajando para forjarse una gran reputación como batería. Entre los
premios que se le han otorgado podemos destacar: el premio de “Victorie de la
Musique” por “Meilleurs arrangements » en el año 1986 y también en el año 1987
obtuvo el « Meilleur musicien de studio ».
En el año 1996 recibó el premio al mejor batería del año por “Moderm Drummer”, por
la Banda Sonora Original de “Un Indien Dans La Ville”.
Y en el año 2004, en el Festival de Baterías de Montreal se le otorgó el premio al
“Caballero de las Artes y Las Letras” entregado por el Ministro de Cultura.
En 2005, Manu Katché decidió tomar un nuevo impulso en su carrera regresando a su
primer amor, el Jazz, en un álbum titulado"Neighbourhood", con el sello discográfico
ECM Records y en colaboración con el saxofonista noruego Jan Garbarek.
En 2007, se deditó con el mismo sello discográfico, su segundo álbum "Playground".
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Desde abril de 2007 hasta mediado del año 2010, Manu Katché co-presentó un
programa mensual en el canal de jazz Arte.TV "One Shot Not", la oportunidad para
que los aficionados descubran nuevas experiencias musicales.
En el año 2010 editó su álbum “Third Round”. Y en el año 2012 su álbum titulado
“Manu Katche” y estuvo de gira con el aniversario del “So” de Peter Gabriel.
Hoy en día Manu posee gran prestigio en su ámbito instrumental y ha acompañado a
otros artistas de la tallla de Dire Straits, Sting, Bee Gees, Mango, Claudio Baglioni, Jan
Garbarek o Joe Satriani.
En el año 2014 editó dos álbumes: “Touchstone For Manu” y “Live in Concert”.
Y en el año 2016 ha editado su último álbum “Unstatic”.
Fuente: http://www.fijazzalicante.com/
■ PÁGINA WEB DEL MÚSICO
http://www.manu-katche.com
■ DISCOGRAFÍA EN LA BIBLIOTECA
KATCHÉ, MANU
Manu Katché
[S.l.]: ECM Records, p 2012
1 disco compacto (ca. 52 min.): DDD + 1
folleto
R.C.D. 8401
Rojo
Contiene: 1. Running After Years; 2.
Bliss; 3. Loving You; 4. Walking By Your
Side; 5. Imprint; 6. Short Ride; 7. Beats
& Bounce; 8. Slowing The Tides; 9.
Loose; 10. Dusk On Carnon
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Gregory Porter
■ BIOGRAFÍA
Con una voz que puede acariciar, abrazar o enfrentar,
Gregory Porter nominado al Grammy, como “Best
Jazz Vocal” por su álbum “Water” presenta un grado
increíble de maestría vocal que hasta Wynton
Marsalis ha dicho de él, que es “un fantástico
cantante”, y de hecho, “Water” (con el sello
discográfico “Motema Music”) fue su debut mas
impresionante. También consiguió ser número 1 en
iTunes y en Amazon en el Reino Unido. Y obtuvo
importantes ventas que lo llevaron a ser incluido en la
mejores listas del año 2010, en diferentes géneros.
Da una gran sensación de intemporalidad que refleja los talentos experimentados de
los gigantes del blues, el gospel y el soul que tanto han influido en Porter a lo largo de
su carrera. Algunos de los cantantes que Porter cita como su inspiración e influencia a
lo largo de su carrera son - Nat King Cole, Joe Williams y Donny Hathaway - entre
otros – y también el pastor de la iglesia a la que asistió cuando era niño, pues nunca
se tienen en cuenta a personas que no son famosas y sin embargo ejercen un impacto
importante en el desarrollo de un artista. Por supuesto, el trabajo de cantantes como
Hathaway o Cole, ayudaron a dar forma al estilo vocal de Porter y tener su propia
visión del mundo, como demuestra en sus siete composiciones originales y su
interpretación, tan sorprendente, de clásicos como "But Beautiful" y "Skylark", que
añaden un intensidad emocional que hace que cada una de sus canciones hablen tan
elocuentemente.
Para la grabación de su primer álbum “Water” (año 2008), se rodeó de importantes y
poderosos músicos, como el emblemático saxo alto James Spaulding (Max Roach,
Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson) que juega un papel destacado en dos canciones:
“Wisdom” y “Black Nile.”
El CD fue producido por el saxofonista, pianista y compositor Kamau Kenyatta, a quien
Porter se refiere como su "mejor amigo". De hecho, es Kenyatta que lleva gran parte
de la responsabilidad de la trayectoria profesional de Porter, que se remonta a los
primeros días en los que cantaba en pequeños clubes de jazz en San Diego. En esa
ciudad vivió mientras asistía a la Universidad con una beca de futbol americano, hasta
que sufrió una lesión en el hombro y tuvo que abandonar.
Kamau Kenyatta lo invitó a visitarle en su estudio de Los Angeles, donde estaba
produciendo su nuevo trabajo: “Remembers the Unforgettable Nat King Cole”.
Kenyatta era consciente la influencia que Cole había tenido en la infancia de Gregory
Porter, e incluso podía oír los ecos de barítono suave de Cole, en la propia voz de
Porter. Lo que no podía prever era que al escucharlo cantar “Smile” de Charlie
Chaplin, se quedara tan impresionado que decidió incluir una canción, un bonus, en su
álbum. Los musicales de Broadway, siempre han sido una plataforma indispensable
para muchos cantantes de jazz y, en el caso de Gregory, una de sus primeras
experiencias como profesional fue su participación en "It Ain't Nothin But' The Blues".
Eloise Laws, la hija de Hubert Laws, estuvo aquel día en el estudio de grabación e
invitó a Porter a unirse a la obra. A pesar de su poca experiencia teatral, obtuvo uno de
los ocho papeles principales en la obra que se estrenó en Colorado en el
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“DenverCenter for the Performing Arts” y más tarde en el “Off Broadway” y en el
“Broadway Teather”. Las críticas en el “New York Times” en el año 1999, destacaron a
Porter como un cantante con un gran poder. La obra obtuvo dos nominaciones a los
premios “Tony” y “Drama Desk” de ese año.
En su semi-autobiográfía "Nat King Cole and Me", dramáticamente, documentó que su
niñez estuvo marcada por la ausencia de la figura paterna y por la alegría y el dolor de
cuando su madre escuchaba los discos de Nat King Cole. Al parecer, un día, cuando
su madre oyó a su hijo pequeño a cantar, comentó que se parecía mucho a Cole. Esto
dio lugar a una rica vida imaginaria donde el joven Porter realmente creyó que el
cantante era su padre, y las canciones de amor, las cantaba, secretamente para él.
Nacido en Los Ángeles, creció en Bakersfield, y ahora vive en el área de BedfordStuyvesant en Brooklyn, Gregory Porter ha hecho del mundo su hogar musical. Es un
artista invitado frecuentemente por la “Jazz Lincoln Center Jazz Orchestra”, y también
mantiene una residencia en la “Smoke Jazz” de Nueva York.
Su carrera musical subió brillantemente en Europa y especialmente en el Reino Unido
donde actuó en programas como: “Jamie Cullum´s BBC radio program”, “Later with
Jools Holland”, como invitado especial en el “London Jazz Festival” o como uno de los
dos artistas invitados en el “Carole King´s 2011 BBC holiday televisión special”.
La revista inglesa “Jazzwise” nombró a su primer trabajo “Water” como el Álbum
número 1 del año 2011. La primera vez que un álbum vocal obtiene ese título.
La prensa Francesa y Holandesa también hicieron eco de su trabajo.
Porter ha participado en dos canciones del nuevo disco de Nicola Conte. Ha aparecido
en el programa de “Jools Holland” de la BBC y este año, 2012, entre los muchos
festivales y eventos se incluyen actuaciones en el “elb Jazz Festival” en Hamburg, el
“North Sea Jazz Festival” en Holanda y el “National Black Arts Festival” en Atlanta.
En el año 2012, ha editado su segundo disco “Be Good”, con el sello discográfico
“Motema Music”. Como productor ha tenido a Brian Bacchus (Norah Jones, Cassandra
Wilson, Joe Lovano, Lizz Wright, etc.). En este trabajo, Gragory Porter destaca en
todas sus facetas: cantante de poderosa voz y gusto a la hora de interpretar, sus
composiciones llenas de compromiso social y esa mezcla de jazz y soul que él realiza
a la perfección. Como muchos de los cantautores de décadas pasadas, hay que oírle
despacio, sin prisas y considerando todos los aspectos de su álbum. En "Be Good" los
temas son suyos, excepto la gran versión que realiza de "Work Song", de "Cannonball"
Adderley y "God Bless The Child" de Billie Holiday.
El cantante de Soul y Jazz, lanzo en septiembre 2013, su nuevo álbum “Liquid Spirit”
con el sello discográfico “Blue Note”. Hizo una gira mundial donde caben destacar
ciudades como Los Ángeles, en el “El Rey Teatre” el 25 de septiembre y dos fechas en
la ciudad de Nueva York en el “Le Poisson Rouge” en Manhattan, el 24 de octubre y en
el “Littlefield” en Brooklyn el 26 de octubre.
En la 56 Edición de los Premios Grammy, ha ganado un premio Grammy en la
categoría de “Best Vocal Jazz Album”.
“NPR Music” recientemente, ha hablado de Porter como el próximo gran cantante de
Jazz. Y el “The Wall Street Journal” ha descrito su nuevo trabajo con notables críticas.
También el periodista Ben Ratliff del “The New York Times” escribió un artículo sobre
Gregory y su triunfante debut en el Festival de Jazz de Newport, este año.
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El magazine “Mojo” le dio la categoría de 4 estrellas a este nuevo álbum de Porter.
En el año 2016 su nuevo disco se titula “Take Me To The Alley”. Saldrá al mercado el 6
de mayo. Es su trabajo más esperado después del sensacional clásico y disco de
platino, “Liquit Spirit” que llegó a ser Top 10 en el año 2015 y se convirtió en el álbumd
de Jazz más “streaming” de todos los tiempos. Llego a vender más de un millón de
álbumes en todo el mundo, convirtiendo a Porter en la voz más especial del momento,
dentro de la escena del Jazz.
Gregory Porter ha demostrado tener una habilidad innata para trascender los géneros
y conectar con el público de todos los ámbitos. Incluso su canción “Liquit Spirit” se hizo
un remix - Liquid Spirit Claptone Remix – y sono en la isla de Ibiza, convirtiéndose en
uno de las canciones del verano.
Fuente: http://www.fijazzalicante.com/
PÁGINA WEB DEL MÚSICO:
http://www.gregoryporter.com/
■ DISCOGRAFÍA EN LA BIBLIOTECA
PORTER, Gregory
Liquid Spirit/ Gregory Porter
[Deluxe Edition. -- [S.l.] : Blue Note
Records, p. 2014.
R.C.D. 8011
Rojo
1 disco compacto (ca. 76 min.) : digital +
1 DVD (ca. 30 min.) + 1 folleto
PORTER, Gregory
Take Me To The Alley / Gregory Porter
Edición Deluxe. -- [S.l.] : Blue Note
Records, p 2016.
R.C.D. 8361
Rojo
1 disco compacto (ca. 63 min.) : digital +
1 DVD (ca. 37 min.)+ 1 folleto
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PÚBLICA DE ALICANTE
PORTER, Gregory
Water/ Gregory Porter.
[S.l.] : Sony Music, p 2010.
1 disco compacto (ca. 70 min.): DDD; 12
cm + 1 folleto
R.C.D. 7734
Rojo
Antonio Lizana
■ BIOGRAFÍA
Antonio Lizana comenzó los estudios de saxo a los 10
años, en el conservatorio de San Fernando (Cádiz), y
tuvo sus primeros contactos con el jazz en varios
seminarios del género impartidos por Jerry Bergonzi,
Dick Oatts, Jim Snidero o Perico Sambeat. En 2011
finalizó los estudios superiores de Jazz en el centro
Superior de música del País Vasco, donde nació su
propio proyecto, Antonio Lizana Group.
Galardonado con el premio Cádiz Joven en el campo del
arte, como reconocimiento a su proyección, ha participado con la Afrodisian Orchestra
de Miguel Blanco (Satierismos 2011), donde interviene como saxofonista, arreglista y
cantaor. También Ha colaborado en el último disco de la Big Band de Arturo O'Farrill,
con sede en Nueva York, en calidad de saxofonista, cantaor y arreglista, siendo este
trabajo ganador del Grammy al mejor disco de latín jazz instrumental. Con esta big
band ha compartido escenario con los hermanos Andy y Jerry González, Dave
Valentin, Papo Vázquez, Pablo Mayor, Cristina Pato, Ximo Tévar o Gregg Agust, entre
otros.
Antonio Lizana ha trabajado con artistas como Samuel Torres, Pablo Martín Caminero,
Ana Salazar, Patáx, Maita Vende Cá o Mario Díaz, y ha colaborado con Marcus Miller,
Miguel Ríos, Chambao, Raimundo Amador, David DeMaría, José Mercé, Juan Parrilla,
India Martínez, Tucara o Rancapino.
Fuente: http://www.fijazzalicante.com/
■PÁGINA WEB DEL MÚSICO:
www.antoniolizana.net
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David Pastor & Nu-Roots
■ BIOGRAFÍA
El trompetista valenciano David Pastor presenta su disco 'New
Tunes & Old Tunes', un proyecto de jazz electrónico con
'groove'.
Fue la gran revelación 'jazzística' de nuestra escena a
principios de 2000, cuando entregaba un álbum soberbio,
'Introducing' (2002), al que no le costó mucho auparse a uno
de los mejores discos del año. Aquellla presentación se
apoyaba en una visión personal del 'bebop', pasando después
a experimentar jazz y música clásica en su siguiente trabajo,
'Stringworks' (2005). A partir de ese momento, el trompetista
David Pastor (Sedaví, Valencia, 1974) fue tocado por la mano de un Dios electrónico,
entregándose a un evangelio de de jazz contemporáneo con mucho 'groove'. Esta
nueva religión hoy tiene un nuevo mandamiento, 'New Tunes & Old Tunes'.
Como buen Pastor, David cuenta con feligreses entregados a ese revisionismo
electrónico de viejos patrones jazzísticos y tradiciones de 'blues', en concreto, José
Luis Guart (piano eléctrico, órgano y teclados) y Toni Pagès (batería y laptop), con
quienes comparte su proyecto Nu-Roots. "El proyecto intenta ser una nueva manera
de entender la música, una visión futurista, como una película donde el director se
imagina cómo será el futuro", explica el trompetista. "Es la forma en la que nos
gustaría que sonaran los standards de jazz de los 50 en 2015".
Profesor en L'Escola Superior d'Estudios Musicals y director de la Original Jazz
Orquestra, David Pastor ha venido alimentando distintas concepciones jazzísticas,
como las que también quedan registradas en sus discos 'Camins Dispars' (2011) o
'Armageddon' (2012), aunque queda claro que actualmente su corazón late hacia atrás
con la mirada puesta en el mañana. "Cada concierto con Nu-Roots es una
sorpresa… . Nadie sabe qué ocurrirá; ni yo mismo. Lo único asegurado es que la
gente que venga a escucharnos no lo olvidará en mucho tiempo".
Se llama David Pastor y su evangelio jazzístico, que hoy cuenta con un capítulo más,
está dirigido a almas con ganas de pensar... y de divertirse…
Fuente: http://www.fijazzalicante.com/
■PÁGINA WEB DEL MÚSICO
www.davidpastortrumpet.com
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PÚBLICA DE ALICANTE
THE STANLEY CLARK BAND
■ BIOGRAFÍA
Nacido en Filadelfia, Clarke se traslado a vivir a la ciudad
de Nueva York después terminar el sus estudios, como
bajista de formación clásica, en la Academia de Música de
Filadelfia
Rápidamente se hizo un hueco en la escena del jazz de
Nueva York, al tocar con músicos de la talla de Stan Getz,
Joe Henderson, Horace Silver, Art Blakey, Dexter Gordon,
Pharaoh Saunders, Gil Evans, Stan Getz, un joven compositor y pianista incipiente
llamado Chick Corea.
Todos estos músicos reconocieron de inmediato la feroz destreza y musicalidad del la
joven Clarke con el bajo acústico. No sólo era experto en la composición sino que
también funcionaba como un controlador de tiempo, en el bajo. Stanley también
poseía un gran sentido de la lírica y la melodía obtenida de sus bajistas preferidos
Charles Mingus, Scott LaFaro, y otros bajistas como su gran héroe musical, John
Coltrane.
Clarke reconoció la oportunidad de impulsar el bajo en una alternativa viable como
solista melódico y fue el único excepcionalmente cualificado para hacer precisamente
eso. La oportunidad de impulsar el bajo a la parte delantera del escenario del concierto
se convirtió, en realidad, cuando Clarke y Corea formaron la banda de jazz/fusión
eléctrico: Return to Forever
“RTF” era un escaparate para cada una de las personalidades fuertes del cuarteto
musical. Clarke, conjetura que, "realmente no nos dimos cuenta del impacto que
estábamos teniendo en la gente en ese mismo momento. Pasábamos mucho tiempo
de gira, pero sólo queríamos hacer un disco y volver a estar de gira”.
La banda grabó ocho discos, dos de los cuales fueron Disco de Oro (el famoso “Hymn
of the Seventh Galaxy” y el clásico “Romantic Warrior”). Ganaron un premio Grammy
con “No Mystery”, además de recibir numerosas nominaciones.
La banda fue cada vez más eléctrica. A la banda se fueron uniendo músicos como Bill
Connors y Lenny Whyte y después Al Di Meola.
Stanley, y su famoso bajo Alambique en mano, lanzó “Round The World”. Él solo
comenzó en los 70 “la revolución del bajo”, allanando el camino para todos los
bajistas/solitas/directores de orquesta. En 1973 lanzó su álbum “Children Forever”. En
1974 su álbum homónimo “Stanley Clarke”, que incluyo su éxito 45rpm “single”
(seguimos hablando de jazz aquí) titulado “Lopsy Lu”. Y en 1976 Stanley lanzó “School
Days”, del que la canción con el mismo titulo es un himno para bajos. Él reconoce, sin
mucho entusiasmo o alegría: "Toda persona que quiere aprender a tocar el bajo en
serio tiene que comprar ese disco y aprender a tocar esa canción."
Bajistas aspirantes también deben dominar la técnica de percusión “slap funk” de la
que Stanley fue pionero también. Stanley vio la técnica de Larry Graham (Sly & The
Family Stone) y se apoderó de la idea. Stanley dice, "Larry empezó, pero sólo le dio un
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lametazo. Yo lo vi hacerlo, y lo saque de allí." Stanley fue el primer músico pop en
cambio de acordes. "Un montón de chicos son capaces de bloquear todo el día en E,
pero no podrían tocar sobre cambios".
La palabra "leyenda" se utilizó para describir Stanley cuando él tenía 25 años. Era un
célebre pionero en la música de jazz fusión. También fue el primer bajista de la historia
en ser un virtuoso con los dos bajos, bajo acústico y doble bajo eléctrico. También
inventó dos nuevos instrumentos: el bajo piccolo y el bajo tenor. El contrabajo piccolo,
construido bajo sus especificaciones en Nueva York, se afina una octava más alta que
la guitarra tradicional de bajo eléctrico. El bajo tenor es un bajo nivel Alambique
afinado hasta un cuarto más alto que el estándar. Con ambos instrumentos, la gama
melódica de Stanley se amplía para tocar en los registros más altos.
Cualquiera que sea el instrumento: viola, bajo acústico, bajo eléctrico, bajo tenor, bajo
piccolo, bajo acústico, en posición vertical eléctrico, o cualquiera de los cientos de los
ejes de su arsenal, la musicalidad de Stanley y el dominio de estos instrumentos
claramente lo definen como el más grande virtuoso del contrabajo en el mundo.
Habiendo consolidado su carrera en solitario, Clarke hizo aclamados proyectos en
dueto. Por aquel entonces, el rey de los mundos del jazz acústico y eléctrico, en 1981,
Stanley se asoció con George Duke para formar el Clarke / Duke Project. Juntos, se
anotaron un top-veinte pop con el sencillo "Sweet Baby" y grabaron tres discos.
Stanley participo en nuevos proyectos como líder o miembro activo en los que se
incluyen: Jeff Beck (gira por Japón y Europa, 1978-1979), Ronnie Wood's & Keith
Richards’ New Barbarians (Norte America gira , 1979), Animal Logic (con Stewart
Copeland, 2 álbumes y giras, 1989), The "Superband”(con Larry Carlton, Billy Cobham,
Najee, y Deron Johnson, 1993-94), The Rite of Strings (con Jean Luc Ponty y Al
Dimeola, 1995), Vertu’ (con Lenny White, 1999).
Clarke, literalmente, ha ganado todos los premios mayores a disposición de un bajista:
Grammys, Emmys, cada encuesta de los lectores, las encuestas de todos los críticos
“, discos de oro y platino, los sectores de la fama, lo que sea. Fue Jazzman de Rolling
Stone y el bajista ganador del Premio de Música de Playboy durante diez años
consecutivos.
Siempre buscando nuevos retos, en 1985 Stanley puso su energía y creatividad en el
cine y televisión. Comenzando en la pequeña pantalla con un premio Emmy, por “Pee
Wee's Playhouse”. Más tarde pasó a ser compositor, director de orquesta e intérprete
de partituras para películas como: “Los niños del barrio”, “What's Love Got to Do With
It” (la Historia de Tina Turner), “Pasajero de 57”, “Enseñanza Superior”, “Justicia
Poética”, “Panther”, “The Five Heartbeats”, “Little Big League”, y “Romeo Must Die”.
Incluso participó en un vídeo de Michael Jackson dirigido por Jon Singleton, titulado
“Remember the Time”. Stanley se ha convertido en uno de los compositores de la élite
en la demanda en Hollywood.
Stanley dice que: "las películas me han dado la oportunidad de componer grandes
partituras orquestales y componer música que normalmente no se asocia a mí. Ha
sido una experiencia muy diversa para mí, musicalmente, y me convirtió en un músico
más completo”.
Su arte se ha extendido tanto en la música clásica, el jazz, como el R & B e incluso el
pop.
Fuente: http://www.fijazzalicante.com/
LIOTECA
PÚBLICA DE ALICANTE
■ PÁGINA WEB DEL MÚSICO
http://stanleyclarke.com/
■ DISCOGRAFÍA EN LA BIBLIOTECA
CLARKE, Stanley (1951-)
Stanley Clarke.
[S.l.] : Epic, p 2007
R.C.D. 6513
Rojo
5 discos compactos (ca. 41, 40, 38, 39,
37 min.) : digital ; 12 cm. -- ((Original
Album Classics))
CLARKE, Stanley (1951-)
Jazz in the garden/ The Stanley Clarke
Trio with Hiromi & Lenny White.
[S.l.] : Heads Up, p 2009
R.C.D. 6511
Rojo
1 disco compacto (ca.
digital ; 12 cm + 1 folleto
62
min.):
38
min.)
CLARKE, Stanley (1951-)
School Days/ Stanley Clarke
[S.l.] : Sony Music, p 2010.
1 disco compacto (ca.
: digital ; 12 cm + 1 folleto
R.C.D.7932
Rojo
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CLARKE, Stanley (1951-)
The Stanley
Hiromi with
Bruner Jr.
Clarke Band featuring
Ruslan & Ronald
[S.l.] : Heads Up, p 2010.
R.C.D.6568
Rojo
1 disco compacto (ca.
digital ; 12 cm + 1 folleto
63
min.):
D-Stringz / Stanley Clarke;
Lagrène; Jean-Luc Ponty.
Biréli
CLARKE, STANLEY (1951-)
[S.l.] : Impulse!, p 2015
R.C.D.8396
Rojo
1 disco compacto (ca. 51 min.): digital;
12 cm + 1 folleto
CLARKE, STANLEY (1951-)
Up / The Stanley Clarke Band.
[S.l.]: Mackavenue, p 2015
R.C.D.8400
Rojo
1 disco compacto (ca. 45 min.): digital;
12 cm
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GONZALO RUBALCABA VOLCAN trio
■ BIOGRAFÍA
Gonzalo Rubalcaba (La Habana, 1963), es uno de los
grandes músicos cubanos de jazz. Pianista versátil,
instrumentista hábil y elegante, Rubalcaba es una de las
grandes
figuras
contemporáneas
emergentes
representativas del jazz afro cubano. Comenzó sus
estudios musicales a la edad de ocho años. Siendo muy
joven pasaba muchas horas escuchando a su padre
Guillermo tocar el piano con la Enrique Tomin Orchestra,
Machito, Chico Hamilton y el quinteto de Paquito De Rivera con Chucho Valdez.
Sus influencias musicales más importantes provienen de Theolonius Monk, Errol
Garner, Oscar Peterson, Art Tatum, Herbie Hancock y Bill Evans.
Estudió música en el conservatorio de su ciudad natal desde 1971 a 1983 y ya en los
años ochenta salió de gira por Europa y algunos países africanos dentro de la
Orquesta Aragón, una de las mas importantes del país. Su carrera profesional dio un
giro de ciento ochenta grados cuando el contrabajista, Charlie Haden, que ya lo había
escuchado con anterioridad en Cuba, lo llamó para que se incorporara a su grupo. Con
Haden, Gonzalo Rubalcaba, debutó en el Festival de jazz de Montreux, en 1960.
Grabada en disco, aquel debut, supuso el espaldarazo definitivo para Rubalcaba. Su
perfecto conocimiento del trío de jazz quedo de manifiesto y critica y publico vieron en
el a uno de los grandes pianistas del jazz contemporáneo.
En 1987 graba su primer disco a su nombre para el sello "Messidor" titulado "Mi gran
pasión" un autentico éxito de critica y publico. El disco le abre las puertas del sello
"Blue Note" con quien firma un contrato que le permite grabar su primer disco en 1990
en directo desde el Festival de Montreux, donde volvió en trío junto a Paul Motian a la
batería y Charlie Haden al contrabajo.
Con una sólida educación musical y un gran talento, Gonzalo Rubalcaba, produce en
1999, su disco "Inner Voyage" (Blue Note), posiblemente el disco de Jazz más
importante de su amplia discografía. En su repertorio encontramos estándares clásicos
del jazz, como "Caravan", donde demuestra el dominio de la estética formalista y las
acariciadas influencias de la música de su origen, la cubana, creando una versión llena
de Jazz tradicional y el sentimiento de música Afroantillana aprovechada al máximo
por sus conocimientos de la materia e instrucción académica.
El éxito de ese disco, hizo posible que Rubalcaba fuera elegido ese mismo año por la
prestigiosa revista "Piano & Keyboard" entre los sesenta pianistas mas importantes del
Siglo XX, compartiendo ese honor con Duke Ellington, entre otros. Actualmente
Gonzalo Rubalcaba, reside en Florida y su actividad musical es además de intensa,
extraordinariamente buena.
Junto a su gran amigo, Charlie Haden, grabó en el año 2001, un disco de boleros
titulado "Nocturne" que al margen de purismos formales, sobre si la música es jazz o
no, es una delicia escuchar.
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Gonzalo ha recibido un Grammy Latino por el mejor Álbum de Jazz del año
“Supernova” y un Grammy por la co-producción con Charlie Haden en el cd “Nocturne”
(Verve). Y a lo largo de su carrera ha recibido la nominación a más de 15 premios
Grammy, incluyendo la nominación al quinto mejor Álbum de Jazz del año, Rapsodia,
en el año 1995, Antiguo y Inner Voyage en 1999, Supernova en el año 2002 y Avatar
en el año 2008.
Entre otros premios que ha recibido cabe destacar en el año 2001 el SFJazz Leaders
Cirble Laureate Award.
Gonzalo continua de gira por el mundo también tanto como pianista de Jazz como de
música clásica y también como líder de su banda. Su amplio repertorio de música
sigue expandiéndose dentro de la música straight-ahead, bop, Afro-Cuban entre otras,
como la música tradicional Cubana o las baladas Mexicanas.
En cualquiera de los idiomas con los que Gonzalo trabaja, sus creaciones musicales
son melodiosas y rítmicas, emocionantes y tiene en sus complejidades, integrada la
intención del artista de transformar la rutina diaria de nuestras vidas en algo más
hermoso y significativo.
Gonzalo, actualmente, produce y graba bajo su propio sello discográfico, la compañía
de producción “5 Passion LLC” creada en el año 2010.
Entre los artistas con los que a lo largo de su vida, Gonzalo ha compartido escenario
están: Dizzy Gillespie, Ignacio Berroa, Chick Corea, Al DiMeola, Herbie Hancock,
Charlie Haden, Katia Labeque, Richard Galliano, Francisco Cepsedes, Tony Martinez,
Issac Delgado, Juan Luis Guerra, Dave Holland, Chris Potter, Eric Harland, Dennis
Chambers, Brian Bromberg, Ron Carter, Yosvany Terry, Matt Brewer, Mike Rodriguez,
Marcus Gilmore, Pat Martino, Giovanni Hidalgo, John Patitucci, Jack DeJohnette ,
Joao Bosco, Eric Harland , Ivan Linz,
Fuente: http://www.fijazzalicante.com/
■ PÁGINA WEB DEL MÚSICO
http://www.g-rubalcaba.com/
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■ DISCOGRAFÍA EN
LA BIBLIOTECA
Rubalcaba,Gonzalo
Inner Voyage / Gonzalo Rubalcaba
[S.l.]: Capitol Records, p 1999 disco
compacto (ca. 73 min.): digital + 1 folleto
R.C.D. 8391
Rojo
Contiene:1.Yolanda Anas; 2.Promenade;
3. The Hard One; 4. Sandyken; 5. Here's
That Rainy Day; 6. Caravan; 7. Joan; 8.
Blues Lundvall; 9. Joao
HADEN, CHARLIE (1937-)
Tokyo Adagio / Charlie Haden, Gonzalo
Rubalcaba
[S.l.]: Universal Music, p 2016
R.C.D. 8393
Rojo
1 disco compacto (ca. 51 min.): digital;
12 cm + 1 folleto
Contiene: 1. En la orilla del mundo (The
Edge Of The World) ; 2. My Love And I;
3. When Will The Blues Leave; 4.
Sandino; 5. Solamente una vez (You
Belong To My Heart); 6. Transparence.
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■ FESTIVALES DE JAZZ EN LA COMUNITAT VALENCIANA
FIJAZZ (Alicante)
http://www.fijazzalicante.com/
FESTIVAL PALAU DE LA MÚSICA
(Valencia)
http://festivaljazzvalencia.com
JAZZ FESTIVAL DE PEÑÍSCOLA
http://www.todopeniscola.com/docs/XII-Festival-Jazz-de-Peniscola.pdf
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PÚBLICA DE ALICANTE
FESTIVAL DE JAZZ PANORAMA DE TORRENT
http://www.auditoritorrent.com/
GODEJAZZ (Godella)
http://gothejazz.com/
FESTIVAL DE JAZZ DE DÉNIA
https://www.facebook.com/festivaljazzdenia/
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FESTIVAL DE JAZZ d'ELX
http://www.visitelche.com/eventos/Festival-de-Jazz-de-Elche/