Música Antigua Aranjuez 2005 XIIª Edición

Música Antigua Aranjuez
2005
XIIª Edición
Música Antigua Aranjuez
Memoria 2005
1. Breve historia
En 1992 finalizan en Aranjuez una serie de intervenciones públicas que cambian la fisonomía de la
ciudad que se ve liberada de la carretera a Andalucía, recuperándose para la vida diaria de los
vecinos la magnífica plaza de San Antonio en su diseño original.
También comienza su andadura el Centro Isabel de Farnesio, que será a partir de ese momento el
eje de la cultura ribereña con el conservatorio y su auditorio, la biblioteca y la sala de exposiciones.
En los Jardines, la mayor atracción para el visitante, Patrimonio Nacional ha acometido
importantes reformas para su mejor conservación. La Unesco concede a Aranjuez en el año 2001, la
categoría de PAISAJE CULTURAL DE LA HUMANIDAD.
La Unesco reconoce así el esfuerzo institucional para devolver a la ciudad lo mejor de su historia a
través de las restauraciones arquitectónicas, paisajísticas y culturales.
Al ocupar la música un lugar privilegiado en la historia de la ciudad, desde el reinado de Felipe II
a nuestros días, se comienza a pensar en un evento musical de carácter internacional.
El festival de Música Antigua se crea en 1994 para recuperar la ingente creación musical de siglos
pasados, para dar a conocer las actividades musicales que tuvieron lugar en la ciudad así como
mostrar el altísimo nivel artístico de los artistas que desfilaron en los diferentes momentos
históricos y la influencia que su trabajo ejerció en el resto de España y en Europa.
1994: Primer Festival. Institución organizadora: Comunidad de Madrid
Colaboradores:
Ministerio de Cultura. INAEM.
Ayuntamiento de Aranjuez
Radio Nacional de España. R2-Clásica.
1998 -2000. Entra a formar parte del Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid.
2001. Recupera su propia identidad, se trasladan los conciertos al mes de mayo-junio. Se incorpora
a las instituciones organizadoras Patrimonio Nacional. Comienza el programa Paseos Musicales
por los Jardines de Aranjuez y los conciertos en el Palacio Real.
2. Música Antigua.
La Música Antigua es un movimiento que añade a la interpretación y al repertorio musical un
concepto histórico, es decir, se investiga la música de cada época para buscar el sonido original de
los instrumentos de ese periodo, y a su vez explorar su función en la vida cotidiana de la
comunidad, descubriéndonos costumbres, hábitos, fiestas, juegos, creencias y tradiciones
olvidadas.
Música Antigua Aranjuez se enfocó desde un principio como una plataforma de difusión de la
música española, desconocida en nuestro país e inexistente en el entorno europeo, dónde hablar
hoy de la música del pasado es hablar de la de Alemania, Inglaterra, Italia o Francia.
El festival comenzó a colaborar con músicos y musicólogos para dar salida al trabajo de
investigación sobre partituras y músicos olvidados, con una clara vocación de contribuir a
enriquecer nuestro patrimonio musical y cultural.
3. Aranjuez, Ciudad de la Música.
Aranjuez comenzó en ese momento a definir en el ámbito cultural de la Comunidad de Madrid su
espacio como ciudad de la música, de la misma manera que Alcalá de Henares, por razones
obvias, se había configurado como ciudad de las letras. El festival se sumaría a ese perfil musical
de la ciudad, incorporándose a la actividad del Centro Isabel de Farnesio y evidenciando la
necesidad de la rápida recuperación del teatro de Carlos III, para completar el mapa cultural de la
ciudad.
4. Incorporación de Patrimonio Nacional.
Con la incorporación en el año 2001 de Patrimonio Nacional a la organización de Música Antigua
Aranjuez el festival da un salto importante en sus objetivos artísticos y sociales.
El primero, con la creación del programa Los Paseos Musicales por los Jardines, que ofrece al
público la posibilidad de hacer un recorrido relajado por los jardines, acercándose, por las
explicaciones de los guías, a la botánica y a la historia de los mismos, los reyes que los
construyeron, los arquitectos que los diseñaron, los jardineros que los realizaron, los escultores que
los adornaron, las personalidades que los visitaron así como las fiestas y actividades que se
organizaron en ellos.
La música que se interpreta en los lugares mas significativos de estos jardines esta siempre
vinculada a esta historia y los músicos explican todos los pormenores de la misma, como algún
aspecto curioso de sus compositores, la función para la que fue compuesta, cómo ha sido el trabajo
de recuperación, dónde se han encontrado las partituras, cómo llegaron hasta allí, las
particularidades de los instrumentos…etc.
La visita guiada a los jardines y la música que se escucha en ellos es un programa que atrae a un
público más amplio que el interesado en asistir a un concierto en una sala. Además, la visita a los
jardines descubre muchos aspectos desconocidos del propio jardín y aviva la curiosidad por la
botánica, la historia y la música.
El segundo aspecto importante de la incorporación de Patrimonio Nacional, es que el festival pudo
ampliar la oferta de recintos y adecuar de una manera más precisa el
repertorio musical a la sala de audición. La Capilla de Palacio con una extraordinaria acústica para
las voces y la Sala del Teatro, excepcional para los instrumentos, resultan muy atractivas para el
público que asiste a un concierto por lo que va a escuchar y descubre un entorno absolutamente
extraordinario, rebosante de arte.
La proximidad entre músicos y público que ofrecen ambos espacios hace que la comunicación
entre el intérprete y su audiencia sea única.
5. Grabaciones.En la pasada edición del año 2004, pudimos realizar las grabaciones de los primeros tres proyectos
discográficos sobre programas presentados en el marco del festival y que se editarán en 2005, con
el sello creado especialmente para estos proyectos Música Antigua Aranjuez Ediciones, que tendrá
distribución mundial con Harmonia Mundi.
La primera grabación, a cargo de Los Músicos del Buen Retiro, recupera la ópera “Las Amazonas
de España”, en versión de cámara, sobre libreto de José Cañizares y música de Giacomo Facco, en
su primera representación pública desde el siglo XVIII.
Se trata de la recuperación de una obra que vió de nuevo la luz en Aranjuez y que obtuvo un
reconocimiento extraordinario de crítica y público.
Del grupo Axivil grabamos “La música en el tiempo del Motín de Aranjuez”, colección de músicas
de compositores del momento que derrocharon una gran fantasía uniendo, ritmos populares, un
clasicismo camerístico impecable y la tradición de la tonadilla escénica.
El tercer disco, también interpretado por el grupo Axivil, “Sarao Barroco” trata sobre música
española del siglo XVII, que reproduce el sonido que podían tener esas músicas, con una
combinación instrumental que sólo en España podría darse: violín, violonchelo, tiple, mandola,
bandurria, guitarras, castañuelas y pandereta.
Para esta edición del 2005 queremos completar esta edición discográfica con la edición musical de
las partituras de estas obras y sus análisis críticos.
Por celebrarse el doscientos aniversario de la muerte de Luigi Boccherini, editaremos este año la
OPUS 9, nunca grabada, interpretada por el cuarteto Artaria en coedición con la Asociación L.
Boccherini, proyecto que explicaremos mas adelante.
6.- Publicaciones.
1.- Catálogo Editorial.
Estamos ultimando la edición de las partituras y el aparato crítico sobre la música grabadas en la
edicón pasada: Las Amazonas de España, el Sarao Barroco y La Música en Tiempos del Motín de
Aranjuez. La edición será distribuida por Ediciones Bocaccio de Madrid.
Para afrontar con rigor este catálogo editorial hemos llegado a un acuerdo con un comité científico
dirigido por el musicólogo Alvaro Torrente, profesor del departamento de musicología de la
Universidad Complutense con el que tratamos de garantizar un programa editorial coherente que
ilumine la música en España, principalmente del siglo XVIII.
El comité reúne a musicólogos y músicos en un esfuerzo de, no sólo investigar en partituras
perdidas de nuestro Patrimonio Musical, sino a través del festival interpretarlas cada año,
grabándolas además para ser editadas discográficamente.
2. Colección de libros. Acuerdo con La Asociación Luigi Boccherini.
Para la edición 2005 queremos comenzar las primeras publicaciones de la colección de libros
vinculados a la temática de música española entre las que se encuentran la edición del libro
“Fiestas Reales” que escribió primorosamente Farinelli y del quién se cumplen trescientos años de
su nacimiento (1705-2005) y una biografía de Luigi Boccherini publicada en Francia a mediados
del siglo XIX e inédita en España que coeditaremos con la Asociación Luigi Boccherini de Madrid.
Este acuerdo con la Asociación Boccherini de Madrid nos va a permitir presentar año a año una
colección de libros sobre la temática indicada con la mayor garantía académica y científica. La
Asociación reúne bajo la presidencia de Jose Antonio Boccherini, (abogado e investigador,
descendiente en 6ª generación del compositor) a historiadores como Jaime Tortella, musicólogos
como Carlos José Gonsalvez, director de la Biblioteca del Conservatorio de Madrid, Germán
Labrador, Profesor de musicología en la Universidad Autónoma de Madrid, Elisabeth Le Guin,
violonchelista y profesora de musicología en la Universidad de California y periodistas como
Sergio Pagán redactor de RNE- Radio Clásica.
7.- Sobre el Festival 2005.
Para el XII Festival de Musica Antigua de Aranjuez a celebrar en mayo-junio 2005 , hay diversos
temas que conforman el hilo conductor de la programación:
7.1. Centenarios de Luigi Boccherini (1743-1805) y Farinelli (1705-1782).
Boccherini.
El festival comienza este año el 3 de mayo 2005, día de la Comunidad de Madrid con una Fiesta de
la música: ¡ Viva Boccherini !. Es una fiesta popular que se desarrolla en diferentes entornos de
Aranjuez con el objetivo de difundir la figura de Boccherini y hacer partícipes a los habitantes de
Aranjuez del Festival de Música Antigua, a través de una serie de conciertos gratuitos que incluye
un concierto para los niños.
Por la mañana, de 12h a 13h, Música para niños en el Jardín del Príncipe en el salón de tilos, junto
al embarcadero y los Pabellones, Ara Malikian presentará su concierto infantil “Mis primeras
cuatro estaciones” sobre la música de Vivaldi.
Por la tarde, a las 17 horas en Jardín de la Isla, en el marco de la Fuente de la Espina tendrá lugar la
actuación del grupo Passamezzo Antico con un programa dedicado a la música de cámara (los
tríos) de Boccherini.
A las 19 horas un concierto en la Casa del Labrador a cargo del grupo La Tempestad con un
programa dedicado a los quintetos de Boccherini
Durante el festival hay programados diversos conciertos con música de Boccherini con intérpretes
de excepción como la suiza CHIARA BANCHINI & ENSEMBLE 415, que
presentará el Stabat Mater cantado por la soprano Mª Cristina Kiehr o EL CONCIERTO ESPAÑOL
que dirige Emilio Moreno y que interpretarán las Arias Académicas.
El proyecto de colaboración con la asociación Luigi Boccherini de Madrid para la edición de la
primera biografía sobre el compositor: “Noticia sobre la Vida y obras de Luigi Boccherini”, de
Louis Picquot, editada en Francia a mediados del XIX (1851) e inédita en España, que además
contiene el primer catálogo de su música.
En colaboración con la Asociación también editaremos este año un disco doble con los cuartetos de
la Opus 9 en interpretación del ARTARIA Quartet de EEUU, que completaría nuestro programa
Boccherini.
Farinelli. Coproducción con Sarrebourg.
Continuando nuestra colaboración con la Real Compañía de Opera de Cámara para la
recuperación de óperas históricas y habiendo coproducido hace un par de años con ellos “Eco y
Narciso” de D. Scarlatti, este año abordamos la producción de un Orlando con música de Nicola
Porpora, sobre un libreto de Pietro Metastasio, primera obra de ambos, que fue precisamente la
obra con la que debutó Farinelli. Fue encargada con ocasión del aniversario de la emperatriz
Isabel de Austria y estrenada en Nápoles, en el teatro privado del palacio del príncipe de Torella,
Antonio Caracciolo, el 20 de Agosto de 1720.
Esta ópera es la primera iniciativa de un proyecto de coproducción y vinculación 2005-2007, entre
la Real Compañía Ópera de Cámara, el Festival de Aranjuez y el Festival Le Couvent-"Les
Chemins du Baroque"de Sarrebourg (Francia).
Por otra parte, está prevista la grabación de esta ópera para la compañía discográfica francesa K617, editada en coproducción con el Festival de Aranjuez.
La trascendencia de este proyecto es absolutamente internacional. Así, una cadena de televisión
privada francesa tiene intención de grabar un documental que será emitido por las cadenas de arte
de la Unión Europea de Radiodifusión, sobre la vida de los castrati. El reportaje girará en torno al
contratenor Robert Expert, reconocido internacionalmente, al cual hemos otorgado el papel de
Orlando. Consistirá en un documental realizado durante los días de nuestra producción en
Aranjuez, trufado de hechos históricos y grabaciones del Palacio Real.
También estamos en gestiones con la prestigiosa cadena de radio alemana WDR (West Deutsche
Rundfunk) de Colonia para la grabación y su retransmisión en directo -con señal a varias cadenas
de radio en lengua germana-, del estreno de la producción el próximo mes de Mayo.
Todos los años RNE –Radio Clásica graba y emite diversos conciertos del festival y estamos en
negociaciones para los conciertos de este año, entre los cuales estará seguro el de esta producción.
Por tanto, podemos afirmar que el Orlando de Porpora nos ha abierto por primera vez las puertas
de las coproducciones internacionales y de su mano, el festival tendrá una clara proyección en
Francia y Alemania y en menor medida, pero nada desdeñable, en toda Europa a través de la
Unión Europea de Radiodifusión.
7.2. El Quijote
Creemos que tenemos una importante aportación que realizar a la celebración del cuatrocientos
aniversario de la edición del Quijote y es la recuperación de la ópera Don Quijote que realizó
Antonio Caldara (1670-1736) “Don Chisciotte in corte della duchessa” de G.C.Pasquini. Estrenada
el 6 de febrero de 1727 en Viena, en el Teatro de la Corte.
En esta edición presentaremos, de los cinco actos de la ópera las mas bellas arias junto a la sinfonía
y a algunos intermedios, recuperadas en la biblioteca de Viena y esperamos que para el año que
viene podamos presentar toda la ópera completa. El proyecto realizado con Los Músicos del Buen
Retiro, dirigido por Isabel Serrano y Antoine Ladrette tendrá el formato de concierto, al igual que
Las Amazonas de España el año pasado.
Para hacernos una idea de la importancia de Caldara en la música barroca diremos que compuso
mas de sesenta óperas, estrenadas todas con mucha repercusión. Además, entre otros ejemplos,
Telemann tomó su música como modelo para sus composiciones religiosas e instrumentales,
Haydn cantó las misas de Caldara en el coro St Stephens. Mozart, Beethoven y Brahms utilizaron
o se basaron para algunas de sus composiciones en canones de Caldara.
Caldara residió unos años en Barcelona en la corte de Carlos III, hermano menor del emperador
José I de Ausburgo, pretendiente a la corona española, que fue posteriormente su protector.
De su mano salió la primera ópera italiana representada en España, compuesta sobre un libreto de
Pariati, con motivo de la boda de Carlos III con Cristina Isabel de Braunschweig.
8. Resumen de la Programación 2005
En resumen el festival presenta las siguientes actividades:
14 grupos, de los cuales 10 son españoles, 1 suizo-italiano,1 holandés, 1 belga y 1 italiano
16 conciertos:
4 conciertos dedicados a Boccherini
3 representaciones del Orlando en homenaje a Farinelli
4 conciertos de música española
1 concierto para niños
1 programa dedicado a la música francesa
1 programa dedicado a la música italiana
1 recital de Clave (G. Leonhardt)
1 programa dedicado al renacimiento europeo (Palestrina, Victoria, Desprez, Scarlatti.. etc).
Como actividades editoriales
2 libros dedicados a Boccherini y Farinelli
2 discos sobre música de Boccherini
1 DVD sobre la ópera Orlando de Porpora
3 discos grabados en 2004
3 partituras de las grabaciones del 2004
MÚSICA ANTIGUA ARANJUEZ
Mayo-Junio 2005, XIIª Edición
Programa
MAYO
M3
Fiesta de la Música: ¡Viva Boccherini!
Música en los Jardines
S7
Paseo Musical. Jardín de La Isla
Salida Puerta Plaza Rusiñol
Concierto final Capilla de Palacio
Grupo Jácara
D8
Chiara Banchini & Ensemble 415 con Mª Cristina Kiehr
Capilla de Palacio
Luigi Boccherini: Stabat Mater y Quinteto
S14
Paseo Musical. Jardín del Príncipe
Salida Puerta Principal
Concierto final Fuente de Apolo
Ministriles de Marsias. “Aires desde la torrecilla”
J 19, S 21, D 22
Real Compañía Ópera de Cámara
Capilla de Palacio
Opera en versión semiescénica:
Orlando. Música de Nicola Porpora. Libreto de Pietro Metastasio
Dirección: Juan Bautista Otero
S 28
Gustav Leonhardt
Capilla de Palacio
Couperin, Forqueray, Rameau,…
D29
Huelgas Ensemble. Paul Van Nevel
Capilla de Palacio
Jean Richafort: Réquiem, Motetes, Chansons
MÚSICA ANTIGUA ARANJUEZ
Mayo-Junio 2005, XIIª Edición
Programa
JUNIO
S4
La Risonanza
Capilla de Palacio
Música Vocal de Corelli
Fabio Bonizzoni
D5
Paseo Musical. Jardín del Príncipe.
Salida Puerta Plaza Redonda
Concierto final: Casa del Labrador:
Els Sonadors de Martín i Soler. Vientos del XVIII: de la Ópera a la Serenata
S 11
El Concierto Español
Centro Isabel de Farnesio
Arias Académicas de Luigi Boccherini
Director: Emilio Moreno
D 19
Coral de Cámara de Pamplona
Capilla de Palacio
Stabat Mater: Scarlatti, Desprez, Palestrina, De Victoria
D 26
Los Músicos del Buen Retiro
Salón del Teatro
Tonos Humanos de José de Torres y Arias del Quijote de Antonio Caldara
Fiesta de la Música: ¡Viva Boccherini!
Música en los Jardines:
Concierto para niños: Ara Malikian
La Tempestad
Martes 3 de Mayo
ARA MALIKIAN
Nacido en Líbano en 1968 en el seno de una familia armenia, Ara Malikian se inició en el violín a
muy temprana edad de la mano de su padre. Dio su primer concierto con 12 años y a los 15 recibió
una beca del Gobierno Alemán (DAAD) para cursar estudios en la "Hochschule für Musik und
Theater Hannover". Posteriormente amplió sus estudios en la "Guildhall School of Music &
Drama" de Londres, además de recibir lecciones de algunos de los más prestigiosos profesores del
mundo como Franco Gulli, Ruggiero Ricci, Ivri Gitlis, Herman Krebbers o miembros del Alban
Berg Quartett.
Una inagotable inquietud musical y humana han llevado a Ara Malikian a profundizar en sus
propias raíces armenias y asimilar la música de otras culturas del Medio Oriente (árabe y judía),
Centro Europa (gitana y kletzmer), Argentina (tango) y España (flamenco), todo ello dentro de un
lenguaje muy personal en el que se dan la mano la fuerza rítmica y emocional de estas músicas con
el virtuosismo y la expresividad de la gran tradición clásica europea.
Poseedor de un amplísimo repertorio, que incluye la práctica totalidad de las grandesobras escritas
para el violín (conciertos con orquesta, sonatas y piezas con piano y música de cámara) ha
estrenado también obras de compositores actuales como Franco Danatoni, Malcolm Lipkin,
Luciano Chailly, Ladislav Kupkovic, Loris Tjeknavorian, Lawrence Roman y Yervand Yernakian.
Malikian es además uno de los pocos violinistas que realiza recitales para violín solo con
programas dedicados a integrales tan significativas como los "24 Caprichos de Paganini", las "6
sonatas de Eugene Ysaÿe" y las "Sonatas y partitas de J.S. Bach".
Su calidad y nivel como violinista ha sido reconocida en numerosos concursos de prestigio
mundial, entre los que cabe destacar los Primeros Premios obtenidos en los Concursos
Internacionales "Felix Mendelssohn" (1987 Berlín, Alemania) y "Pablo Sarasate" (1995 Pamplona,
España) además de los premios recibidos en concursos como "Niccolo Paganini" (Génova, Italia),
"Zino Francescatti" (Marsella, Francia), "Rodolfo Lipizer" (Gorizia Italia), "Juventudes Musicales"
(Belgrado, Yugoslavia), "Rameau" (Le Mans, Francia), "International Artist Guild" (Nueva York,
USA), y en la "International Music Competition of Japan". En 1993 recibió el "Premio a la
Dedicación y el Cumplimiento Artístico" del Ministerio de Cultura de Alemania.
Ha tocado en las mejores salas de concierto del mundo en más de cuarenta países de los cinco
continentes: New York (Carnegie Hall), París (Salle Pleyel), Viena (Musikverein), Toronto (Ford
Center), Madrid (Auditorio Nacional y Teatro Real), Zürich (Tonhalle), Londres (Barbican Center),
Tokio, Estambul, Berlín, Atenas, Venecia, Los Ángeles, Taipei, Hong Kong, Kuala Lumpur, Cuba,
Barcelona y Bilbao entre otros. También ha participado en los festivales de Aspen, Colmar, Prades,
Schleswig Holstein, Braunschweig, San Sebastián, Segovia, Bergen, Freden, Metlach y Praga.
Como violín solista ha sido invitado por orquestas de la talla de la Tokio Symphony Orchestra,
Bamberg Symphony Orchestra, Zürich Chamber Orchestra, London Chamber Orchestra, Genova
Opera Orchestra, Sinfónica de Madrid, Sinfónica de Portugal, Orquesta de Cámara de Tubingen,
Virtuosos de Moscú, Filarmónica de Belgrado, Orquesta de Cámara de Toulouse, Filarmónica de
Armenia y las Orquestas Sinfónicas de la Comunidad de Madrid, Galicia, Euskadi, Bilbao, Málaga
y Tenerife entre otras, bajo la batuta de directores tan importantes como Mariss Janssons, Peter
Maag, Jesús López Cobos, Miguel Ángel Gómez-Martínez, Luis Antonio García Navarro, Peter
Schneider, Vassili Sinaisky, Edmond de Stoutz, Gudni Emilson, Juan José Mena, Jo Ann Falletta o
Pedro Halffter.
NOTAS AL PROGRAMA
Ara Malikian tiene una amplia discografía que incluye las "Cuatro Estaciones" de Antonio Vivaldi,
mas de 80.000 copias vendidas para UNICEF, integral de las sonatas para violín y piano de Robert
Schumann, las sonatas y partitas para vioín solo de J:S:Bach, las 6 sonatas de Eugene Ysaÿe y los 24
Caprichos de Niccolo Paganini entre otras. Su presencia ha sido solicitada por importantes
compositores de música de cine como Alberto Iglesias, Pascal Gainge, Lucio Godoy o Roque
Baños, en peliculas como "Hable con Ella”, “Lunes al sol” u “Otro barrio”.
“Mis primeras Cuatro Estaciones” se trata de un concierto en el que antes de cada movimiento se
van explicando y dramatizando los sonetos que el compositor redactó para estos conciertos.
Vivaldi hace referencia durante toda la obra a situaciones, fenómenos naturales, animales,
personajes, estados de ánimo, celebraciones…que conforman la música, estos textos son los que se
utilizan para dar una forma teatral a este concierto.
De una manera sencilla, la palabra introduce y facilita la comprensión de la música, de tal forma
que nos adentra en esta aventura y convierte el concierto en una fabulosa experiencia musical
tanto para niños como para adultos.
PROGRAMA
Dramaturgia y narración: Marisol Rozo Dirección: Ara Malikian
Ara Malikian nos presenta esta aventura musical: "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi en concierto
dramatizado.
La Primavera Op.8 RV269
Irrumpe la primavera
Los Pájaros
Un manantial
Una tormenta
La calma
Armonía
Un pastor
La celebración
El Verano Op.8 RV 315
Llega el calor
El cuco
La tórtola y el jilguero
Viento sur
Viento norte
Queja
Revuelta impetuosa
Las moscas y moscones
Rayos y granizo
El Otoño Op.8 RV 293
El pueblo celebra
Un borracho
Un sitio para descansar
El sueño
Los cazadores
Un ciervo
Huida
Cae al suelo
Escape
El Invierno Op.8 RV 294
Todo se congela
Un viento rebelde
Chasquido de pies
Tiritar de dientes
Lluvia
Andar cauteloso
Resbalón sobre el hielo
Correr, avanzar, girar
El hielo se rompe
El viento sur regresa
Contienda de los vientos
LA TEMPESTAD
Siguiendo las pautas establecidas por Corelli, y durante cuatro generaciones de músicos, se
desarrolla en Europa un modelo de sonata que llegará a dar a la música de cámara uno de sus
momentos más sublimes.
LA TEMPESTAD, que toma su nombre de un fenómeno que fascinó a pintores y músicos barrocos
por lo extremo de las potencias en él contenidas y desatadas, se constituye por el deseo de sus
componentes de proporcionarse el placer de interpretar y difundir esta gran música, pues aunque
la obra de autores como J.S. Bach, Händel y Telemann puede oírse con cierta frecuencia en las salas
de concierto de nuestro país, no así las de Rameau, C.Ph.E.Bach o Guillemain.
Los componentes de este grupo han colaborado durante años en el seno de otras prestigiosas
formaciones de cámara. Esto le ha hecho nacer con una gran madurez interpretativa, como avala el
preciosismo de sus interpretaciones así como el éxito obtenido por sus conciertos.
FORMACIÓN
Guillermo Peñalver, flauta travesera
Alexis Aguado, violín
Kepa Arteche, violín
Antonio Clares, viola
Juan Pérez de Albéniz, violoncello
Silvia Márquez, clave
PROGRAMA
Boccherini, ¿un músico ilustrado?
I
Luigi Boccherini (1743 - 1805), Quintetto Secondo, Op. 55, en Fa Mayor para flauta, 2 violines, viola y
violonchelo.
Andantino
Minuetto-Trio-Da Capo il minuetto
Luigi Boccherini (1743 - 1805), Quintetto Terzo, Op. 56, en Mi menor para fortepiano y cuarteto de
cuerda.
Andante lento assai
Minuetto non presto, con grazia
Provensal: allegro vivo
Andante lento
Provensal: allegro vivo e pp come prima
II
Luigi Boccherini (1743 - 1805), Quintetto Terzo, Op. 55, en Re Mayor para flauta, 2 violines, viola y
violonchelo.
Allegretto
Tempo di Minuetto-Trio-Da Capo il Minuetto
J.Haydn/ J.P.Salomon, Quinteto basado en la Sinfonía nº 94 “La sorpresa” de J. Haydn, para flauta,
cuarteto de cuerda y fortepiano ad libitum.
Adagio – Vivace assai
Andante
Menuet. Allegro molto-Trio
Finale. Allegro di molto
Paseo Musical. Jardín de La Isla
Salida Puerta Plaza Rusiñol
Concierto final: Capilla de Palacio
Grupo Jácara
Sábado 7 de Mayo
GRUPO JÁCARA
El grupo Jácara nace por la iniciativa de Luz Martín, Juan Carlos de Mulder y Jordi Ricart, y está
formado por especialistas de reconocido prestigio en la interpretación de música antigua.
Jácara quiere recuperar parte del patrimonio musical español, centrándose en los aires más
populares y castizos de los siglos XVI al XIX. La utilización de instrumentos antiguos y los criterios
de interpretación de Jácara pretenden acercar la música al público tal como se escuchaba, tanto en
palacios como en corrales de comedias, fiestas y saraos.
Juan Carlos de Mulder, dirección
PROGRAMA
JÁCARAS Y TONADILLAS DE MADRID
Danzas con variaciones o diferencias
Siglo XVI
Hans Newsidler – Diego Ortiz Ortega
Passamezzo antico y moderno
Pues que me tienes Miguel (Cancionero de Medinaceli)
Barroco temprano
Primera mitad del siglo XVII
Canciones sobre ritmos populares
Anónimo (Canciones de Munich)
Anónimo (Libro de tonos)
No hay que decirle primor (Jácara)
Barroco
(segunda mitad XVII y XVIII)
Danza con variaciones
Anónimo – Fco. Guerau
Juan Hidalgo
Gaspar Sanz – Martín i Coll
Canarios (Tono humano)
Cuidado pastor (Instrumental)
Folías de España
Tonadilla
Siglo XVIII
Blas de la Serna
Anónimo
Anónimo
Blas de la Serna
El abate tuno: Laraniera
Yo me alegro de haber sido (Tirana)
Zorongo del navío
El majo y la italiana fingida:
Seguidillas y Seguidillas majas
Antonio Literes
Blas ded la Serna
Anónimo
Blas de la Serna
Pablo Esteve
Júpiter y Semele: Guapo de la artesilla
El majo y la italiana fingida:
Te has portado bien. Oigan las seguidillas
Yo no sé qué me quiere (Bolero)
La Tirana del Trípili
Los pillos cicateros: Aquesta tonadilla nueva
Para ver esta película, debe
disponer de QuickTime™ y de
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Chiara Banchini & Ensemble 415
con Mª Cristina Kiehr
Capilla de Palacio
Luigi Boccherini: Stabat Mater y Quinteto
Domingo 8 de Mayo
CHIARA BANCHINI
Nacida en Lugano (Suiza), Chiara Banchini ha obtenido reconocimiento mundial como una de las
más destacadas violinistas barrocas, siendo artista invitada de los más prestigiosos festivales de
música antigua.
Tras su paso por el Conservatorio de Ginebra con premio especial al virtuosismo como alumna de
Corrado Romano, continuó su formación con Sandor Wegh y Sigiswald Kuiken y se graduó en el
Conservatorio de La Haya.
Comenzó de forma casi inmediata su carrera internacional, que compaginó con la docencia en el
Centro para la Música Antigua de Ginebra y posteriormente en la cátedra de violín barroco de la
Schola Cantorum de Basilea. También imparte clases magistrales por toda Europa.
En 1981 cubrió el hueco existente en la vida musical suiza con la fundación de su propia orquesta
de cámara, Ensemble 415. El éxito fue inmediato, de tal manera que el Ensemble 415 realiza
habitualmente numerosas giras y grabaciones que han recibido el aplauso de la crítica
internacional hasta el punto de que cada nuevo disco representa un acontecimiento musical.
Merece mención aparte la grabación con orquesta completa en 1992 de todos los Concerti grossi Op.
VI de Corelli, que generó un enorme entusiasmo y discusiones sobre el resurgimiento de la música
antigua. Su grabación del Stabat Mater de Vivaldi con Andreas Scholl fue considerado un “triunfo”
por la prensa internacional y obtuvo diversos premios.
Chiara Banchini toca un violín construido en Cremona en 1674 por Nicola Amati (maestro de
Stradivarius) y restaurado para devolverlo a su condición original, un hecho reseñable en la
historia de la fabricación de violines.
Distinciones conseguidas por grabaciones de Chiara Banchini y el Ensemble 415 :
1987
1991
1991
1993
1995
1996
1996
1997
1999
2002
2002
2002
Premio de la Deutsche Schallplatten Kritik : Italienische Violinmusik 1600-1750
Premio CD Compact (España) a la mejor grabación de música de cámara del año por sus
Boccherini Quintetts
International Disc Price A. Vivaldi por Vivaldi Chamber Sonatas
«Distinguished Achievement» en el International Disc Price A. Vivaldi por el A. C
Corelli Concerti grossi op. VI
«Distinguished Achievement» en el International Disc Price A. Vivaldi por Tartini
Concertos
Gramophone Award por el « Stabat Mater » de Vivaldi con Andreas Scholl
«Distinguished Achievement» en el International Disc Price A. Vivaldi por Vivaldi Stabat
Mater
«Premio de la Deutschen Schallplatten Kritik» por las 10 Invenzioni a violino solo Op. 10 de
F.A. Bonporti
« Diapason d’or » por « L’armonico tributo » de G. Muffat
« Diapason d’or » por « Concerti » de Giuseppe Valentini
« 10 de Répertoire » por « Concerti » de Giuseppe Valentini
«Diapason d’or » por « Pièces en concert » de Jean Philippe
ENSEMBLE 415
Fundado en 1981 en Ginebra por Chiara Banchini, toma su nombre de uno de los tonos en los que
se toca la música barroca. En una primera generación de pioneros entusiastas se encontraban
François Fernández, Enrico Gatti, Emilio Moreno, Fabio Biondi o Roel Dieltens. Más de veinte años
después Ensemble 415 continúa su andadura con jóvenes violinistas reunidos en una sociedad de
solistas: Olivia Centurioni, David Plantier, Odile Edouard y Stéphanie Pfister perpetúan el
entusiasmo inicial del Ensemble 415.
Con renombre internacional, el Ensemble 415 ha estado invitado en los mejores festivales y salas
de concierto. No sólo sus conciertos y grabaciones han recibido el aplauso unánime del público y
la crítica, sino que crean impulsos duraderos en el desarrollo de la percepción y la interpretación
de los trabajos musicales de los siglos XVII y XVIII, así como en la ampliación del repertorio que
proponen a los amantes de la música. Grabaciones como la de los Concertos de Corelli opus 6 con
una gran orquesta barroca, del Stabat Mater de Vivaldi con Andreas Scholl, del Armonico Tributo
de Muffat o el redescubrimiento de compositores como Giuseppe Valentini y Giovanni Bononcini
han demostrado que el éxito de esta agrupación descansa en la continua investigación de la
calidad, en el descubrimiento y renovación del repertorio y en la integridad artística.
Más europeo que suizo, el Ensemble 415 ha mudado su sede a Cressia, departamento de Jura
(Francia). Se convierte así en la primera agrupación musical de esta importancia que fija su base en
un área rural francesa. La localidad de Cressia cuenta solamente con 314 habitantes, habiendo
correspondido al Franco Condado el honor de dar la bienvenida a una de los más prestigiosas
formaciones barrocas de hoy en día.
Ha cambiado la dirección, pero no la fórmula: reunión de los violinistas y violistas de mayor
talento, excelentes solistas, apoyados en un continuo de inspiración italiana. Espoleado por el
dinamismo de su líder, la celebrada violinista barroca Chiara Banchini, el Ensemble 415 se
especializa en Corelli y su escuela, en particular Valentini, así como en Bach, Boccherini,
Bononcini, Haydn, Mozart y muchos otros.
Ensemble 415 se presenta en formaciones orquestales de 13 a 40 instrumentistas (sinfonías de
Sammartini y Boccherini, Concerti grossi de Corelli y Muffat) así como en formato de cámara
(Sonatas opus 5 de Corelli, Triosonatas de Vivaldi, quintetos y sextetos de Boccherini, Mozart, etc.)
A lo largo de su extensa carrera ha publicado más de 20 CDs, la mayoría de los cuales ha sido
galardonado con premios internacionales y distinciones de la prensa especializada. Desde 2001
Ensemble 415 está asociado con el sello parisino Zig-Zag Territoires. La primera publicación de
esta colaboración, los Concertos de Giuseppe Valentini, recibió la aclamación de público y crítica,
ganando un “Diapason d’Or” y un “10 de Répertoire” en septiembre de 2002.
Como agrupación de cámara Ensemble 415 se ha dedicado a la música de Boccherini, de quien ha
grabado una selección de quintetos, opus 39, 60 y 63; 3 sextetos, opus 23; además del Stabat Mater
en su primera versión para soprano y quinteto de cuerda con la solista Agnes Mellon.
Aparte de las piezas orquestales de Corelli, composiciones de Vivaldi, Valentini, Muffat,
Bononcini, Porpora y Geminiani aparecen en los programas. Los programas de música de cámara
incluyen tríos de Mozart y Haydn interpretados por Chiara Banchini y Käthi Gohl con el pianista
australiano Geoffrey Lancaster, el quinteto de Mozart con el clarinetista francés Gilles Thomé y
sonatas para violín y continuo de Corelli y Bononcini.
Entre los distinguidos solistas que colaboran con el Ensemble 415 se encuentran: Christophe Coin,
Roel Dieltiens, Christiane Jaccottet, René Jacobs, Maria Cristina Kiehr, Agnès Mellon, Guy de Mey,
Luciano Sgrizzi, Conrad Steinmann, Geoffrey Lancaster, Andreas Scholl, Giuliano Carmignola,
Lars Ulrich Mortensen, Juliette Galstian, Bart Kuijken, Gilles Thomé, Martín Oro, Adriana
Fernández, Furio Zanasi y Gaetano Nasillo.
MARÍA CRISTINA KIEHR
María Cristina Kiehr nace en Tandil (Argentina), donde recibe sus primeras lecciones de canto y
violín. En 1983 se traslada a Europa para proseguir sus estudios de canto bajo la guía de René
Jacobs en la Schola Cantorum Basiliensis (Suiza) y de Eva Krasznai en técnica vocal. A partir de
entonces comienza su actividad como solista que la lleva a presentarse en Europa, Japón,
Australia, Estados Unidos y Sudamérica, participando junto a renombrados directores,
formaciones orquestales y de cámara, tanto en conciertos como en grabaciones. Entre ellas, “La
Pasión según San Mateo con Frans Brüggen al frente de la Orquesta del Siglo XVIII; el Vespro della
Beata Vergine de Monteverdi con Jordi Savall y su Hesperion XX, René Jacobs y Concerto Vocale, y
con Cantus Cöln dirigido por Konrad Junghaenel; el Oratorio de Caldara La Maddalena ai Piedi di
Cristo en el papel protagonista bajo la dirección de René Jacobs; la Juditha Triumphans de Vivaldi
con Robert King y el King Consort; como así también destaca su colaboración con Philippe
Herreweghe, Chistophe Coin y el Ensemble Baroque de Limoges, Gustav Leonhardt, Chiara
Banchini y su Ensemble 415, Jean Tubéry con La Fenice, Roberto Festa con Daedalus, Concerto
Köln, la Freiburger Barockorchester, la Venice Baroque Orchestra, la Orquesta Ciudad de Granada,
el Concierto Español dirigido por Emilio Moreno.
María Cristina Kiehr es asidua artista invitada de los más prestigiosos festivales europeos de
Música Antigua, como el de Brujas (Bélgica), Utrecht (Holanda), Ambronay (Francia), Innsbruck
(Austria), Montreux (Suiza), habiendo asimismo cantado en salas y teatros tales como el
Concertgebouw de Amsterdam, la Filarmónica de Berlín, Konzerthaus de Berlín, Filarmónica de
Colonia, Mozarteum de Salzburgo, Musikverein de Viena, Auditorio Santa Cecilia de Roma,
Théatre des Champs Elysées de París, Théatre de La Monnaie de Bruselas, Teatro Real de Madrid,
Kursaal de San Sebastián, Auditorio Stravinsky (Suiza), la Opera de Sydney, Santory Hall de
Tokyo, Barbican Hall y Royal Festival Hall (Londres).
Es miembro fundador del Cuarteto Vocal La Colombina, dedicándose con el mismo principalmente
a la música del Renacimiento Español y Latinoamericano (numerosas producciones discográficas
son testimonio de más de 10 años de colaboración). Crea así mismo, junto al clavecinista Jean-Marc
Aymes Concerto Soave, grupo con el cual se centra en la música italiana del Barroco temprano. Sus
grabaciones para los sellos Empreinte Digitale y Harmonia Mundi France, han obtenido unánimes
elogios de la crítica internacional.
Debuta en la ópera con el Giasone de Cavalli en el Landestheater de Innsbruck bajo la
dirección de René Jacobs. Seguidamente participa tanto en la escena como en las producciones
discográficas de L’Incoronazione di Poppea de Monteverdi, L’Orontea de Cesti, Orpheus de Telemann,
Venus y Adonis de Blow, Dido y Eneas de Purcell, La Guerra d’Amore (espectáculo coreográfico sobre
madrigales de Monteverdi), Orfeo ed Euridice de Glück, siempre bajo la dirección de R. Jacobs. En
Niza, bajo la dirección de G. Bezzina canta el papel protagonista de Dorilla in Tempe de Vivaldi.
Participa asimismo en las producciones del Teatro Massimo de Palermo en la Dafne de Gagliano
como “Venere”; es “Musica” y “Speranza” en el Orfeo de Monteverdi; “Minerva” en Il Ritorno di
Ulisse in Patria de Monteverdi, bajo la dirección de G. Garrido.
La investigación y recreación son uno de los fundamentos de su actividad artística. En
consecuencia ha grabado en primera audición la obra de compositores del siglo XVII como
Giovanni Felice Sances, devuelto las canciones de Fanny Hensel a la luz del día en la Filarmónica
de Berlín, y estrenado en el Salzburger Osternfestspielen los 5 Lieder über Gedichten von Giuseppe
Ungaretti del compositor contemporáneo Alexander Müllenbach.
En la próxima temporada cantará en San Francisco La Guerra d’amore bajo la dirección de René
Jacobs; la Pasión según San Mateo de Bach junto a la Filarmónica de Viena dirigida por Nikolaus
Harnoncourt en la Sala Grande de la Musikverein de dicha ciudad; y la ópera de Haydn Orlando
Palladino con el Concertus Musicus y Harnoncourt a la batuta, en Viena, Lisboa y Roma. Su
calendario incluye así mismo giras de conciertos y recitales junto a Jean-Marc Aymes y Concerto
Soave, la Camerata Berna (Suiza), la Israel Camerata, y la Australian Brandenburg Orchestra, entre
otros.
PROGRAMA
Luigi Boccherini (1743-1805)
Quinteto en Do menor opus 31 n°4
Para dos violines, viola y dos violonchelos
1 Preludio.Adagio
2 Allegro vivo
3 Adagio
4 Allegro ma non troppo
Duración : 20 minutos
Stabat Mater
Primera versión, 1781
Para soprano, dos violines, viola y dos violonchelos
Stabat Mater dolorosa;
Cujus animam gementem;
Quae moerebat, et dolebat;
Quis est homo, qui non fleret;
Pro peccatis suae gentis;
Eja Mater, fons amoris;
Tui nati vulnerati,
Virgo virginum praeclara;
Fac, ut portem Christi mortem;
Fac me plagis vulnerati;
Quando corpus morietur
Duración : 1 hora
FORMACIÓN
Ensemble 415, dirección Chiara Banchini
Chiara Banchini, primer violín y dirección
Eva Borhi , violín
Peter Barczi, viola
Gaetano Nasillo, violonchelo
Sara Bennici, violonchelo
María Cristina Kiehr, soprano
Paseo Musical. Jardín del Príncipe
Salida Puerta Principal
Concierto final: Fuente de Apolo
Ministriles de Marsias. “Aires desde la Torrecilla”
Sábado 14 de Mayo
MINISTRILES DE MARSIAS
Ministriles de Marsias es propiamente un conjunto de ministriles o instrumentos de viento,
cuyo nombre alude a la disputa del civilizado tañedor de uno de cuerda, Apolo, contra el
ministril Marsias, bárbaro sileno que soplaba en la tibia. Tal certamen fue evocado por
Monteverdi y otros contemporáneos al instrumentar sus obras con arreglo a la capacidad de
los ministriles para imitar y sostener a la voz humana. Y no sólo por los músicos sino por
ilustres pintores (Ribera, Rubens, Velázquez ...) y literatos de la época.
El grupo está especializado en la interpretación de la música española, no tan sólo
instrumental sino sobre todo vocal y con ella recrea, añadiendo cantantes y el órgano, la que
fue plantilla típica en las capillas de nuestras iglesias y catedrales, donde los ministriles
resultaron indispensables desde finales del s. XV hasta bien entrado el s. XVIII y donde
germinó nuestra mejor música (Anchieta, Peñalosa, Morales, Guerrero, Victoria, Cabezón,
Correa de Arauxo ...).
Aparte de la española, Ministriles de Marsias ofrece la virtuosa música italiana en stil
moderno, publicada sobre todo en Venecia en las primeras décadas del s. XVII, así como la
música italianizada de Alemania (de los Schütz, Rosenmüller, Schmelzer, Fux), hasta llegar al
Arte de la Fuga de Bach.
Ministriles de Marsias ha actuado en buena parte de Europa y de la geografía española en
prestigiosos festivales de música antigua (Amberes, Utrecht, Gante, Perugia, San Sebastián,
Segovia, Salamanca, Granada, Daroca, Sajazarra, Murcia, Toledo ...) tanto en solitario como
en colaboración con grupos vocales, tales como la Capilla Peñaflorida, o junto a un solista, ya
fuera tañedor de órgano (Javier Artigas, Claudio Astronio, José Luis González Uriol) o
cantante (Marta Almajano), y ha grabado para varias radios, casas de discos y televisiones.
Sus componentes o imparten la docencia musical, no sólo durante el año escolar sino también
en cursos de verano, o bien son miembros solistas de orquestas sinfónicas con el respectivo
instrumento moderno, a la vez que desarrollan labores de investigación musicológica u
ofrecen recitales en solitario.
FORMACIÓN
Ministriles de Marsias
Paco Rubio, corneta
Katharina Schmucker, chirimía
Simeón Galduf, sacabuche
Fernando Sánchez, bajón
PROGRAMA
Aires desde la torrecilla de la música
Danzas, canciones y tientos, motetes y diferencias
Adorámoste, señor (Cancionero Musical de Segovia)
Propiñán de Melhior (Cancionero de Palacio)
Danza Alta (F. de la Torre: C. de Palacio)
Mi querer tanto vos quiere (Enrique [de París]: C. de Palacio)
Diferencias sobre el canto de Madama le demanda (Cabezón, 1578. Arreglo: Pepe Rey)
Diferencias sobre las Vacas (Cabezón. Arreglo: Pepe Rey)
Jerigonza (Mateo Flecha)
Pavana y gallarda (Luis de Milán. Arreglo: Pepe Rey)
Sancta Mater istud agas (Peñalosa)
Vecchie letrose (Willaert)
Marizápalos (Francisco de Tejada, 1721)
Canario (Improvisación)
Tiento 3º de 6º tono sobre la 1ª parte de la batalla de Morales (Correa, 1628)
Veni sponsa Christi (Juan García de Salazar, 1639-1710)
Da pacem domine (J. G. de Salazar)
Regina Coeli (J. G. de Salazar)
NOTAS AL PROGRAMA
El Diccionario de Autoridades explica así, en fecha tan tardía para ellos como 1732, lo que son los
ministriles:
“Se llaman los instrumentos músicos de boca," (se sobreentiende, de viento) "como chirimías, bajones
y otros semejantes” (cornetas, sacabuches) “que se suelen tocar en algunas procesiones y otras fiestas
públicas. Ministril: Se llama también el que toca los instrumentos llamados ministriles”.
Este programa se inspira en una noticia que nos comunica nuestro amigo Pepe Rey, el cual,
como madrileño, barre para casa, si bien la tal torrecilla no fuese, sin ninguna duda, algo
privativo de Madrid, como él mismo insinúa al final de su texto:
"Por lo demás, en esta ciudad (Madrid) podemos gloriarnos de algo que otras no tenían. En
el Prado de San Gerónimo, cerca de la fuente, aproximadamente en el lugar que hoy ocupa
el palacio de Vistahermosa o museo Thyssen, erguíase airosa la que se llamaba "Torre o
torrecilla de la música", de dos pisos con un puntiagudo chapitel como remate. En los
balcones del piso superior se situaban los ministriles para amenizar los paseos de los
madrileños. La torre se localiza en varios planos del siglo XVII y puede verse en un
cuadro que perteneció al "Marqués de la Torrecilla" (¡), actualmente propiedad de la
marquesa de Santa Cruz, que salió a la luz pública en una exposición reciente. En el
cuadro se observa a un tañedor de chirimía amenazando el sosiego de la tarde madrileña.
En Granada, en un lugar típicamente de paseo junto a la ribera del Darro, se conserva un
edificio conocido como la Casa de las chirimías."
Los ministriles no sólo se prodigaban en la torrecilla o en las procesiones, sino, por
extensión, en cualquier acontecimiento secular donde se les requiriera, sobre todo festivo.
Entre la documentación o estudios que lo prueban, merece señalarse un ameno artículo de
Carlos Martínez Gil: "ofrécese compañía de ministriles ..." para participar en bailes y saraos
en la ciudad de Toledo y sus alrededores en 1668. Pero las actuaciones de mayor calado
musical de los ministriles se daban en las iglesias, donde sostenían a los cantantes de la
capilla durante casi todo el año (salvo en Cuaresma). Por todo lo cual se les ha definido, muy
acertadamente, como "bisagra entre lo profano y lo sagrado" (Luis Robledo) o como
"ministriles para todo" (Martínez Gil).
Para finalizar estas notas, daremos una breve reseña sobre nuestros pitos. El sonido de la
corneta (más conocida hoy por su nombre italiano de cornetto) es, según Mersenne y Trichet,
en sendas obras publicadas sobre 1640, similar a "un rayo de sol en medio de la niebla,
cuando se le oye destacar entre los cantantes en la penumbra de las catedrales" y gozó de la
reputación, que apuntan múltiples testimonios, de ser el que mejor imitaba a la voz humana.
Se trata de un instrumento de madera, recubierto de pergamino, en forma de cuerno -de ahí
su nombre- al que se añade una boquilla.
A pesar del tremendo virtuosismo que al sacabuche (asimismo conocido hoy por su
nombre italiano de trombón) exige Castello, por ej. en la "Sonata Duodecima. Due Soprani e
Trombon. Ouero violeta" de su Libro Secondo, cuyas obras se inscriben dentro del stil
moderno, que es la versión instrumental de los afectos de la revolucionaria seconda prattica
instituida por Monteverdi para el canto, el sacabuche continuó asociado al stilo antico,
desterrado de la vanguardia musical del Barroco, olvidado en la oscuridad de las catedrales,
donde todavía lo pudo escuchar Schumann hacia 1850, inspirándole el penúltimo
movimiento de su Sinfonía Renana. Henchido el sacabuche, como la corneta, de las
connotaciones bárbaras y funerarias que ya les había señalado Monteverdi en una carta a
Alessandro Striggio, las mismas que le atribuye Mozart en el Requiem y en Don Giovanni y
hasta Wagner en Parsifal.
Estos dos instrumentos de boquilla se complementan con otros dos de caña. Empezaremos
por el más prestigioso de entre todos los ministriles, el bajón, antecedente del fagot. Era el
que no podía faltar nunca en las capillas. Hasta el punto de que bajón, en realidad, no es el
nombre de un instrumento sino de una tesitura, la del bajo, y así, bajón es, por antonomasia,
el instrumento que toca el bajo, de la misma manera que en nuestras bandas de música,
herederas de la tradición de los ministriles, era costumbre, hasta hace poco, que la tuba no se
llamara tuba sino bajo. Nuestra península acunó tanto a prestigiosos constructores, como
Pedro Aldao, como a ilustres intérpretes del bajón, de entre los que destaca Bartolomé de
Selma y Salaverde, que publicó en Venecia en 1638 un famoso libro de fantasías, glosas y
canzone, consagradas a su instrumento, llenas de pasos difíciles, signos del virtuosismo de
Selma.
La chirimía es el predecesor del oboe. Lo cual no quiere decir que, triunfante este, aquella
desapareciera de los usos musicales ibéricos. Un artículo de J. Borràs y A. Ezquerro nos
asombra a propósito de unas chirimías que se tocaban en Calatayud en pleno siglo XIX. Más
que ningún otro ministril, la chirimía se asociaba a ocasiones de regocijo, de ahí la indicación
tópica de los cabildos que ordenaban fiestas: "con los acostumbrados fuegos de luminarias y
chirimías".
Los ministriles, en su deseo afectuoso de imitar a la naturaleza, esto es, a la voz humana,
asumieron hermosamente el riesgo de la “imperfección” y fueron desplazados en la segunda
mitad del siglo XVII por instrumentos más técnicos, más “instrumentales”, como el violín, el
oboe o el fagot, si bien en España, país de frutos tardíos, alargarían durante muchos más
años su presencia.
Paco Rubio
Real Compañía Ópera de Cámara
Capilla de Palacio
Ópera en versión semiescénica
Orlando. Música de Nicola Porpora
Libreto de Pietro Metastasio
Viernes 20, Sábado 21 y Domingo 22 de Mayo
REAL COMPAÑÍA ÓPERA DE CÁMARA
La Real Compañía Ópera de Cámara (RCOC) es un ensemble de producción independiente de
ópera con sede en Barcelona, que contribuye a la recuperación de obras de compositores españoles
e italianos pertenecientes a los siglos XVII y XVIII, incidiendo en el elemento escénico como eje
generador de la interpretación musical de serenatas, cantatas escénicas y óperas, tanto en versión
escénica como en versión concertante. Bajo la dirección de Isidro Olmo y Juan Bautista Otero, ha
llevado a escena para distintos festivales y teatros de ópera europeos (Dresden, Amsterdam,
Barcelona, Frankfurt, Basilea, Zürich, Rotterdam) obras como Los Elementos de Antonio de
Literes, L'Arbore di Diana e Il Sogno de Vicente Martín y Soler, Artaserse de Domènec Terradellas,
o Gloria e Imeneo de Antonio Vivaldi.
RCOC dispone de una sección editorial propia destinada a publicar las obras que han sido llevadas
a escena por la compañía, o que constituyen futuros proyectos de la misma. La colección está
compuesta por títulos de extraordinario valor que no han sido editados en su mayoría por ninguna
otra editorial en el mundo. Entre ellos figuran las primeras ediciones de óperas de compositores
como Martín y Soler, Terradellas, Pérez, Mariana Martínez, Mele, Lidón, o Bonno. Para la presente
temporada 2003-2004, además del estreno de Eco y Narciso en el Festival Internacional de Música
Antigua de Aranjuez, RCOC estrenará en el Festival de Otoño de Madrid un espectáculo dedicado
a la compositora Mariana Martínez y para el Festival Internacional de Música Antigua de Úbeda y
Baeza, el estreno mundial de la ópera seria de Martín y Soler, Ifigenia in Aulide.
JUAN BAUTISTA OTERO, Dirección musical
Inicia sus estudios de canto en Barcelona con Margarita Sabartés, ampliándolos en Londres (King’s
College, canto y composición), en Basilea -Schola Cantorum Basiliensis, con Dominique Vellard
(ensemble Gilles Binchois), en donde se especializa en música medieval y barroca y finaliza sus
estudios junto a René Jacobs, Nigel Rogers, Rosmarie Meister y Karin Smith –musicología-, Hans
Martin Linde –dirección-, y más tarde con Peter Kooy en Hannover. Interesado en la recuperación
y difusión de la música barroca española e italiana, crea en 1987 el Beatus Ille Ensemble, orquesta
de cámara centrada en la interpretación con instrumentos originales –bajo la batuta de directores
como Alessandro de Marchi, Paul Dombrecht o Marcel Pérès-, base de la futura Real Compañía
Ópera de Cámara (RCOC). Junto a RCOC ha llevado a la escena con éxito obras de Antonio de
Literes (Los Elementos, 1992), Antonio Vivaldi (Gloria e Himeneo, La Senna Festeggiante, 1993),
David Pérez (L’Olimpiade, 1994), Vicente Martín y Soler (L’Arbore di Diana, bajo la dirección
musical de Arnold Östman, la temporada 1995-1996, Il Sogno, temporada 2000-01) Domènec
Terradellas (Artaserse, Anfiteatro del Festival Grec de Barcelona 1998, bajo la dirección musical de
Christophe Rousset). Afincado de nuevo en Barcelona tras su estancia de más de ocho años en
Suiza y Alemania, en la actualidad dirige la RCOC con el objetivo de recuperar la música escénica
del barroco español y de los reinos españoles de Italia durante los siglos XVII y XVIII.
OLGA PITARCH, Soprano
Olga Pitarch realiza sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de Valencia
donde obtiene el título superior de Piano (con A. Bueso) y de Canto (con A . L. Chova) y, becada
por el Ministerio de Cultura, perfecciona posteriormente sus estudios de canto en la
Musikhochschule de Viena. Galardonada con varios premios nacionales (Juventudes Musicales-
1991, concurso de ópera Eugenio Marco-1994), actúa como solista tanto en recitales como en
oratorio ( Misa en do menor de W. A. Mozart, Le Roy David de A. Honegger).
Participa igualmente en diferentes producciones de ópera : La Didone de F. Cavalli (Iride, Amore)
dirigida por C. Rousset y puesta en escena por P. Paul-Harang en el festival d’Ambronay,
L’incoronazione di Poppea de C. Monteverdi (Drusilla) dirigida por A. Zedda y puesta en escena
por A. Garcia-Valdes en el teatro de La Zarzuela de Madrid, Artaserse de D. Terradellas (Semira)
producción de RCOC para el festival Grec de Barcelona, dirigida por C. Rousset y puesta en
escena por J. B. Otero, Un voyage dans la lune de J. Offenbach dirigida por F. Chauvet y puesta en
escena por P. Thirrion-Vallet en el festival de Dinard y últimamente Zelos aun del ayre matan de J.
Hidalgo (Floreta) dirigida por J. C. Malgoire y puesta en escena por P. L. Pizzi en el Teatro Real de
Madrid, e Il Sogno de Martín y Soler.
Su predilección por la época del barroco le ha llevado a participar en la recuperación de un amplio
repertorio español, concretamente con la « Capella de Ministrers » junto a la que ha realizado
varias giras al extranjero (Argentina, Chile, Méjico, Italia…) y numerosas grabaciones (Júpiter y
Dánae de A. Literes, La Madrileña de V. Martin y Soler, A la pasión de Cristo Nuestro Señor de A.
T. Ortells, entre otras ). Paralelamente desarrolla este repertorio en concierto junto a grupos como
« Le Parlement de Musique », « Al Ayre español », « La Romanesca », « La Grand Ecurie et la
Chambre du Roy » , ampliándolo al máximo : Dido and Aeneas , The Fairy Queen , King
Arthur de H. Purcell, Vespere a la Beata Vergine de C. Monteverdi , Carissimi , Frescobaldi,
Strozzi, la trilogía monteverdiana dirigida íntegramente por J. C. Malgoire en el teatro de Orléans
y en el teatro de los Campos Elíseos de París, Il ritorno d’Ulisse in Patria (Minerva) dirigida por
William Christie. Para la temporada 2003-2004 además del estreno de Eco y Narciso en el Festival
Internacional de Música Antigua de Aranjuez, RCOC Olga Pitarch cantará bajo la dirección de
Otero en el Festival de Otoño de Madrid un espectáculo dedicado a la compositora Mariana
Martínez y para el Festival Internacional de Música Antigua de Úbeda y Baeza, interpretará el
papel principal en el estreno mundial de la ópera seria de Martín y Soler, Ifigenia in Aulide.
ISIDRO OLMO CASTILLO, Dirección adjunta, puesta en escena
Barcelona (1965), diplomado en Arte Dramático por el Institut de Teatre de Barcelona-Universidad
Autónoma de Barcelona. Ha participado en diversas producciones teatrales para compañías
nacionales e independientes, entre otras El Despertar de la Primavera de Wedekin, El Misàntrop
de Moliere, La Dama del Mar de Ibsen, la Cubana Maratón Dancing, El Vol d’Icar de Queneau o
Anatol de Schnitzler bajo la dirección de Jordi Mesalles. Además de su intensa actividad como
editor de música española de los siglos XVII y XVIII junto a la RCOC, de la que es director, ha
participado en la puesta en escena de las óperas L’Arbore di Diana de Martín y Soler (Nationale
Reisopera y Festival de Dresden, dir.Arnold Östman), Gloria e Imeneo de Vivaldi (dir. Alessandro
de Marchi) Artaserse de Domingo Terradellas dir.mus.de Christophe Rousset , para el Festival
Grec de Barcelona, Il Sogno de Martín y Soler.
NICOLA PORPORA
ORLANDO
ou le délire
1720
Real Compañía Ópera de Cámara
Juan Bautista Otero
con instrumentos originales
Orlando
Robert Expert, contratenor
Medoro
Olga Pitarch, soprano
Angelica
Betsabée Haas, soprano
Hiro Kurosaki, Violín concertino
Ilia Korol, Violín I
Mihoko Kimura, Violín I
Andreas Preuss, Violín II
Beatrix Hülsemann, Violín II
Lothar Haass, Viola
Marcial Moreiras, Viola
Guido Larish, Violoncello
Andrea Fossà, Violoncello
Juan Ruíz, Contrabajo
Barbara Ferrara, Oboe I
Mark Radcliffe, Oboe II
Eckhard Lenzing, Fagotto
Marco Panella, Corno I
Dimer Maccaferri, Corno II
Hugh Sandilands, Teorba
Siobhán Armstrong, Arpa
Dirk Börner, Clave
Juan Bautista Otero, dirección musical
Isidro Olmo, dirección adjunta
Otero-Olmo, puesta en escena
Joaquim Roy, escenografía
Montserrat Figueras, iluminación
Fran De Gonari, vestuario
Lewis Amarante, maquillaje y peluquería
ARGUMENTO
Los episodios originales de Orlando se desarrollan durante la guerra entre las tropas cristianas de
Carlomagno contra las de Agramante, rey de los musulmanes.
Orlando, conde de Anglant, regresa a Francia tras un largo período en Oriente, acompañado por
Angelica -princesa hija del Can de Catay (China)-, con el objeto de unirse a las huestes de
Carlomagno. Consciente de la rivalidad existente entre sus dos lugartenientes principales, Orlando
y Rinaldo, señor de Montalban, por conquistar a Angelica, Carlomagno promete la mano de ésta a
quien con mayor gallardía luche en la batalla contra los sarracenos. Sin embargo, Angelica, sin el
menor deseo de unirse a sus pretendientes y ante la inminente derrota de los cristianos, emprende
la huída sola, con la intención de regresar a su reino. Se inicia de este modo una persecución,
protagonizada por Orlando y otros muchos caballeros, por conquistar a la princesa oriental;
jalonada de numerosas peripecias, batallas, encuentros, rechazos y nuevas huídas de Angelica, les
lleva errantes por diversos puntos de Europa hasta alcanzar un antiguo y espeso bosque en las
cercanías de París: allí la búsqueda se transformará definitivamente.
Medoro y Cloridano, dos soldados que han sobrevivido a la masacre de las tropas musulmanas a
manos de las huestes carolingias, deciden adentrarse en el campo enemigo para recuperar el
cadaver de su amado rey - el joven musulmán Dardinello, hijo bastardo de Almonte y guía de las
tropas de Agramante- y darle sepultura. Atraviesan por la noche el campo de batalla y, tras dar
muerte a numerosos enemigos, gracias a la luz de la luna logran encontrar el cuerpo del monarca.
Carga con él Medoro a sus espaldas pero son vistos por un grupo de caballeros escoceses.
Cloridano y Medoro huyen y se adentran en el denso bosque junto al campo de batalla.
Perseguidos por los soldados carolingios son finalmente interceptados. Medoro es herido en el
pecho a traición cuando imploraba que le permitieran, antes de morir, enterrar a su rey. Cloridano
muere a su lado.
Hacia aquel mismo bosque huye de París Angelica cuando halla a Medoro, que yace moribundo,
perdiendo gran cantidad de sangre, junto a Cloridano y el rey, ya muertos. Amor decide vengar la
altanería y orgullo de Angelica haciendo que se enamore de Medoro.
Cuando ve al joven tan gravemente herido quejarse, no del dolor que le causa la herida, sino de no
poder dar sepultura a su rey y amigo, Angelica se apiada y decide salvarle. Rememora sus
conocimientos médicos y va a recoger plantas curativas: díctamo y pánace. Rápidamente prepara
el líquido curativo y se lo aplica a la herida, cortando milagrosamente la hemorragia. Angelica
decide quedarse -primero por piedad y luego por amor- hasta que se cure Medoro. En efecto, se
produce la transformación esperada por Cupido: cuanto más se va cerrando la herida del soldado,
más se va abriendo la herida de amor en Angelica.
Medoro sana y Angelica empeora más y más. Hasta el punto que para evitar su propia muerte,
finalmente supera su orgullo y declara abiertamente su amor y su deseo. Se une a Medoro y
declaran su amor por todas partes: en troncos, piedras y la gruta que les da cobijo. Pero Orlando,
hallándose persiguiendo al sarraceno Mandricardo, penetra en ese mismo bosque y lo descubre...
NOTAS DEL DIRECTOR
El abandono por amor
“Orlando ou le délire” o “Angelica” es una excepcional obra que narra el devenir del célebre
paladín a partir de dos fuentes fundamentales: Orlando furioso (1516) de Ludovico Ariosto y
Orlando innamorato (1483) de Matteo Maria Boiardo. Fue encargada con ocasión del aniversario
de la emperatriz Isabel de Austria y estrenada en Nápoles, en el teatro privado del palacio del
príncipe de Torella, Antonio Caracciolo, el 20 de Agosto de 1720.
Nicola Antonio Porpora (Nápoles, 17 de Agosto de 1686- 3 de Marzo de 1768) la compuso a la
edad de 34 años y, aunque perteneciente a su primer período creativo -si tenemos en cuenta que
escribió su última ópera con 74 años- es, claramente, una obra de plena madurez como músico y
como artista. Había estrenado ya siete óperas, además de un pequeño componimento drammatico
y una breve serenata: para Nápoles, Agrippina (1708), Flavio (1711), Basilio (1713) y Faramondo
(1719); para Viena, Arianna (1714) y Temistocle (1718); y, para Roma, aquel mismo año de 1718,
Berenice, en colaboración con Domenico Scarlatti, autor del primer acto y parte del segundo. De
todas ellas, la primera obra vocal de peso, escrita por Porpora para la escena y conservada hasta
nuestros días es, precisamente, "Angelica".
Tanto por el número de personajes que intervenieron -seis en el original metastasiano-, extensión,
variedad y lucidez narrativa de las piezas, así como por la duración e ingente cantidad de material
musical de la totalidad de la obra, no existe una verdadera diferencia entre este "componimento
drammatico" y una ópera seria del momento; tan sólo en el plano formal lo distingue la
estructuración en dos partes, en lugar de los tres actos de sus óperas serias anteriores. Si además
tenemos en cuenta que, en aquel año de 1720, Porpora compuso únicamente esta obra para la
escena, bien puede Orlando encabezar el corpus creativo operístico del napolitano, identificado
hasta la fecha.
Este fue el primero de los motivos que nos impulsó a iniciar la recuperación de la música vocal
escénica de este genial compositor precisamente con esta obra y no con una de sus óperas
posteriores. Por otra parte, convergen, además, dos circunstancias históricas de enorme interés en
la creación de Orlando: constituye el debut teatral de, sin lugar a dudas, uno de los mejores
cantantes de la historia de la música, Carlo Broschi, "Farinelli"(1705-1782), y la primera
composición para la escena del que sería el más sobresaliente libretista del siglo XVIII, Pietro
Metastasio (1698-1782). Al hilo de esta circunstancia debemos añadir el espectacular elenco de
cantantes que participaron en el estreno: la soprano Maria Anna Benti Bulgarelli, "La Romanina",
que interpretó el papel de Angelica -verdadera mentora del propio Metastasio, tal y como él
mismo lo señala en su correspondencia, a raíz del estreno de esta obra y uno de los motivos por los
que la tituló con este nombre y no con el original que hemos reintegrado de "Orlando"; el soprano
castrato Domenico Gizzi, discípulo, como Farinelli, del propio Porpora, y la mezzosoprano Maria
Antonia Marchesini. En efecto, la inusitada conjunción de hechos y personalidades que rodearon la
creación de nuestro Orlando queda plenamente corroborada por el resultado: una apabullante joya
de la música vocal escénica del barroco. Sin lugar a dudas, pieza significativa para la
conmemoración del 300 aniversario del nacimiento de Farinelli, artista clave de la música escénica
europea del XVIII y, además, creador de la compañia de ópera de cámara, inspiradora, hoy día, de
nuestra Real Compañía Ópera de Cámara.
Ya en un primer acercamiento a la partitura se evidencia la experiencia de Porpora como
dramaturgo musical, además de como maestro de canto. Confrontada a Gli Orti Esperidi (Palacio
Real de Nápoles, 1721; la siguiente obra que se conserva del compositor napolitano y segunda
colaboración con Metastasio), se ponen de manifiesto, no obstante el incuestionable valor musical
de este otro componimento drammatico, numerosos elementos que constatan la singularidad de
ese "nacimiento" que fue Orlando: pese al brillante verso metastasiano, se percibe una mayor
relajación dramática de los personajes y sus intervenciones musicales; parece como si faltara una
parte de ese ésprit propio del inicio de algo. Lo corrobora, por otro lado, el hecho de que en este
primer período compositivo, Orlando fuera la única de sus obras que volviera a ser representada:
en el mismo año de su estreno, en Viena, con motivo de la celebración de la onomástica de la
emperatriz Isabel, y en 1722, en Nápoles, nuevamente por el cumpleaños de la monarca -prueba
indudable de su éxito. Más aún si tenemos en cuenta que en raras ocasiones se reponían este
género de piezas, lo cual no sólo subraya su calidad sino afianza su parentesco con la ópera seria.
En el manuscrito autógrafo procedente de la British Library que hemos empleado para la presente
interpretación y edición -además de la copia existente en Viena-, no se conserva la sinfonía
introductoria a la obra. A decir de sus anotaciones en el manuscrito, Porpora no parece que
deseara componer una obertura expresamente para Orlando. A diferencia del manuscrito también
autógrafo de Gli Orti Esperidi, -en el que el encabezamiento original precede la sinfonía,
encadenada al primer recitativo accompagnato de la obra-, aquí Porpora anota "7 de Agosto de
1720" al iniciarse el primer recitativo de la primera escena, desvinculándolo de la pieza que debió
emplear a modo de introducción. Era esta una circunstancia muy frecuente en la creación de
óperas serias y componimenti drammatici de principios del XVIII. En este caso era práxis común
encajar una obertura escrita con anterioridad por el propio compositor.
A diferencia del caballero errante ariostiano, sobre el cual compuso tan sólo una obra -la que nos
ocupa-, Porpora se inspiró en tres ocasiones en la figura de Arianna para escribir sendas óperas: en
Viena, en 1714, en Venecia, en 1727 y en Londres en 1733. De ellas el propio Porpora reutilizaba
material para modelar la nueva versión; algo así como un work-in-progress dieciochesco.
Precisamente, por este aspecto recurrente y obsesivo -único en la producción porporiana-, y por el
extraordinario dramatismo de esta pieza, nos ha parecido oportuno elegir su obertura como
introducción a los trágicos aconteceres de Orlando. Sorprendentes concomitancias programáticas
nos avanzan el carácter del héroe carolingio, evocan su quimérica búsqueda y, lo que es más
importante, nos sitúan en un espacio de affetti comunes: el abandono y vacío emocional de
Arianna que sufre también Orlando. Un contundente movimiento inicial alla francese fácilmente
nos sugiere las turbulentas batallas de Carlomagno en Francia contra las tropas musulmanas,
durante las cuales se desarrolla la acción del Orlando, y pueden emular tanto la decepción del
amor frustrado del protagonista como las tristes singladuras de Medoro. Le sigue una
monumental fuga, preñada de imágenes propias de esta forma: el carácter huidizo de Angelica y la
eterna enqueste orlandiana. Por último, el breve movimiento final, desproporcionado con respecto
a la búsqueda del movimiento anterior, pleno de gestos musicales ligeros y bizarros, premonitorios
del delirio de Orlando. La magnífica factura de esta ouverture nos parece ya, por sí sóla, motivo
indiscutible para la recuperación de la figura de este compositor, maestro de maestros: de Hasse,
Haydn y Mariana Martínez; de Farinelli, Gizzi, Regina Mingotti o Caffarelli; modelo a seguir para
compositores com Jommelli, Pérez o tantos otros y sin lugar a dudas, fuente de inspiración de
Handel, hecho este ignorado por el desconocimiento de la obra de Porpora de musicólogos e
intérpretes en nuestros días.
Para esta nueva producción de la Real Compañía Ópera de Cámara, hemos reintegrado, con
escrupuloso rigor y respeto, el libreto metastasiano de Angelica a la secuencia de episodios
originales del Orlando Furioso de Ludovico Ariosto. Y ello con el objeto no sólo de hacer
comprensible para el público de hoy los avatares de los tres personajes principales de la acción,
sino de incidir en las transformaciones que sufren cada uno de ellos y que tan admirablemente nos
las hace sentir vivas la música de Porpora.
Uno de los motivos que nos impulsaron a realizar una versión ariostiana de la obra de Metastasio en lugar de presentar sencillamente la obra tal cual-, es la subtrama que el joven libretista romano
introdujo, siguiendo aún la tradición de finales del XVII, en el texto original de Angelica y que sin
duda desvía la atención del público y constituye un obstáculo para una percepción más limpia de
los tres ejes de la historia, Angelica, Medoro y Orlando. Metastasio intercala un poco significativo
conflicto de celos, paralelo al enamoramiento de Angelica y Medoro, entre Licori, pastora hija de
Titiro -este personaje sí incluído de forma lateral por Ariosto-, y el también pastor Tirsi. Ambos no
son sino meros instrumentos utilizados por Angelica para huir junto con su amor Medoro del
acecho de Orlando. Aunque dotados de ciertos momentos de hermosa poesía, en general, tanto por
sus intervenciones como por su significación dentro de la trama principal, estos personajes son
fruto de un Metastasio brillante pero primerizo y, aunque de un discutible valor histórico, no
añaden elementos dramáticos diversos de los expuestos ya por los principales, ni crean nuevas
tensiones con respecto a la narración fundamental. No ocurre así con sus vigorosas y exquisitas
arias, que, tal y como hemos señalado, reinciden en affetti ya expresados por Angelica, Orlando y
Medoro y que nosotros, fieles a su carácter, hemos preservado integrándolas a los acontecimientos
originales descritos por Ariosto con el objeto de incrementar, en los tres roles restantes, las
emociones que encierran.
Perpetuando la tradición del dieciocho en la que con total flexibilidad se modelaba una nueva
versión de la obra a representar para cada circunstancia, hemos articulado nuestro Orlando a
partir de los cuatro cantos principales de Ariosto en los que se inspiró Metastasio para elaborar
Angelica. En ellos se desarrolla la historia de Angelica y Medoro y adquieren sentido las
consecuencias que ésta tiene sobre el caballero carolingio: el Canto I, en el que se fragua la huída
de Angelica y la vana persecución de Orlando; los Cantos XVIII y XIX, en los cuales aparece
Medoro, es herido y hallado por Angelica, además de relatar el grueso de la acción entre los dos
personajes: la curación del joven soldado por la princesa y su posterior unión; y, por último, el
Canto XXIII, en el que se describe el fortuito descubrimiento de la infidelidad de Angelica que
desata, primero los celos, luego la cólera y, finalmente, la pérdida de la razón de Orlando.
Nuestro deseo, en definitiva, ha sido recuperar la esencia de las tres personalidades creadas por el
poeta de Ferrara, captadas magistralmente en los versos de Metastasio y que cobran vida, de
manera prodigiosa, a través de la música de Porpora. Precisamente con el objeto de subrayar el
conocimiento, tanto del libretista como del compositor, de los rasgos primordiales de Orlando,
Angelica y Medoro, nos ha parecido más necesaria aún llevar a cabo esta labor de reintegración de
estos tres genios, Ariosto, Metastasio y Porpora, en una pieza más esencial y no conformarnos con
un mero historicismo interpretativo, para centrar la atención del público de hoy en un contexto
dramático que permita conmovernos, viendo, comprendiendo y sintiendo, de la manera más
intensa, las desdichas o los goces de estos seres, la fina capa sobre la que se sustentan el carácter y
los principios del ser humano.
La fortaleza, capacidad de acción y cordura de Orlando, transformados en vana búsqueda,
pusilanimidad, triste enajenación y delirio por un amor idelizado, irreal; la vanidad y el orgullo
personificados por Angelica, aderezados por el miedo a la entrega, a compartir, es decir, el
Egoismo doblegado por Amor (tema sobre el cual incidió particularmente Metastasio en este
libreto): una pasión irrefrenable hacia la persona menos digna; su rango social, princesa, humillado
por un soldado, Medoro, que para mayor vergüenza de los caballeros carolingios, pertenece a las
tropas musulmanas. Medoro, a su vez, experimenta cómo el amor puro, fraternal hacia su amigo y
señor, es suplantado por el amor pasional, brevemente polucionado por los celos y el engaño de
Angelica, y por cuya irracional fuerza se ve impelido a la unión que le procurará la mayor dicha.
Tres sublimes muestras del abandono del yo por la fuerza de Amor.
Juan Bautista Otero
Barcelona, invierno de 2004
Gustav Leonhardt
Capilla de Palacio
Couperin, Forqueray, Rameau,…
Sábado 28 de Mayo
GUSTAV LEONHARDT
Nacido en Holanda, Gustav Leonhardt está considerado como uno de los más eminentes
especialistas en el campo de la música antigua, tanto en el aspecto práctico como en el teórico.
Creció en un ambiente familiar donde la música era habitual, y desde el principio se interesó por
los instrumentos órgano y clave. Tras acabar sus estudios secundarios se trasladó a Suiza, a la
Schola Cantorum Basilensis, bajo la dirección de Eduard Müller.
En 1952 fue nombrado profesor de musicología y clave en la Academia de Música de Viena, cargo
que desempeñó hasta 1955. A continuación impartió clases en el conservatorio de su ciudad natal,
Amsterdam, y obtuvo el puesto de organista del Nieuwe Kerk. Desde 1950 ha venido
desarrollando una intensa actividad como solista de clave y órgano, dando recitales por toda
Europa , Norteamérica, Japón, Australia y Suramérica. Ha grabado más de 180 discos para
diversas casas discográficas (Phillips, Harmonia Mundi, Sony, BMG etc) .
Como musicólogo ha publicado un detallado estudio sobre el "Arte de la Fuga" de J. S. Bach y ha
supervisado para Ediciones Universal la publicación de una serie de música de cámara del siglo
XVII. Asimismo ha revisado para la Sociedad de Historia de Música Holandesa la edición de la
obra para teclado de Sweelinck.
En 1967 interpretó el papel principal (J.S. Bach) en la película de Jean Marie Straub "Crónica de Ana
Magdalena Bach".
Desde 1969 ocupa una cátedra en la Universidad de Harvard en los Estados Unidos.
Tan extensa como su carrera de solista es su actividad como director. Al frente de las principales
agrupaciones de instrumentos originales, de las que él ha sido un constante inspirador, como La
Petite Bande, The Orchestra of the Age of Enlightenment y Freiburger Barockorchester, ha
recorrido las principales salas de conciertos del mundo. Y dirigido óperas de Monteverdi y
Rameau. En colaboración con Harnoncourt ha grabado la totalidad de las Cantatas de Bach, así
como una ingente cantidad de obras inéditas de autores franceses y alemanes. Esas grabaciones
han sido merecedoras de los más prestigiosos premios que otorgan las Academias y las Revistas
especializadas en Europa y América: Diapasón d’Or, Charles Cross, etc.
Extraordinariamente importante fue su labor como integrante del trío Brüggen, Bylsma y
Leonhardt, con quienes desarrolló una importante actividad musicológica y concertística, sentando
las bases de lo que ahora conocemos como interpretación con criterios e instrumentos originales, la
verdadera aportación de los instrumentistas a la historia de la música en el S.XX.
En 1980 recibió el "Premio Erasmus" que se otorga en Europa, y en 1983, 1984 y 1991 recibió varios
doctorados "Honoris Causa" por las universidades más prestigiosas de Europa y América.
Gustav Leonhardt
clave
PROGRAMA
L. Couperin
Suite en re mayor
Prélude, Allemande, Courante, Sarabande, Gaillarde, Chaconne
J.A.Reinken
Toccata en sol menor
J.Pachelbel
3 fugas
Fantasía en mi bemol mayor
G. Böhm
Partita sopra “Wer nur den lieben Gott lässt walten”
Chacona en sol mayor
H. Purcell
Ground en mi menor
Suite en re menor
Allemand, Corant, Hornpipe
C. Ritter
Allemande por la muerte de Carlos XI de Suecia (1697)
J.C.F.Fischer
Chacona en sol mayor
----------- pausa -----------
A. Forqueray
La Marella
La d’Aubonne
La Saincy
La Buisson
J.P.Rameau
Entretien des Muses
L’Enharmonique
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Huelgas Ensemble. Paul Van Nevel
Capilla de Palacio
Jean Richafort: Réquiem, Motetes, Chansons
Domingo 29 de Junio
PAUL VAN NEVEL
Paul Van Nevel es el fundador y líder de Huelgas Ensemble, agrupación que formó tras concluir
sus estudios en la Schola Cantorum Basiliensis.
En sus inicios con Huelgas Ensemble Van Nevel se orientó hacia la música contemporánea, pero
gradualmente pasó a centrarse más en los periodos medieval y renacentista, con especial énfasis
en la riqueza de la polifonía flamenca. Van Nevel hace una aproximación a esta música desde su
contexto original, reflejando sus interpretaciones el espíritu de la época en que cada pieza fue
compuesta (su literatura, pronunciación, experiencia, tempo, contrapuntos improvisados, actitudes
declamatorias, etc.).
En la actualidad Huelgas Ensemble goza de un merecido prestigio que le han proporcionado sus
grabaciones y conciertos. Entre las distinciones recibidas por Van Nevel y Huelgas Ensemble están
los prestigiosos ”Prix In Honorem” de la Académie Charles Cros de Paris, dos Cannes Classical
Awards for Ancient Music, el Diapason d’Or de l’Année y el ECHO Deutscher Schallplattenpreis.
Esta agrupación actúa habitualmente en prestigiosas salas y festivales de toda Europa y puede
escucharse en las principales emisoras de radio.
Además de un trabajo intensivo con Huelgas Ensemble, Van Nevel ha dedicado gran cantidad de
tiempo a la investigación y transcripción de música medieval y renacentista. Parte de estas
transcripciones están disponibles en la editorial alemana Bärenreiter. Entre sus artículos se
encuentra un monográfico sobre Johannes Ciconia y un popular ensayo titulado “Nicolas Gombert
y las aventuras de la polifonía flamenca”. En la actualidad se encuentra preparando un trabajo
sobre los "Franco-Flamands", los compositores franco-flamencos del norte de Francia de los siglos
XV y XVI.
Van Nevel ha sido durante varios años director invitado de diferentes formaciones de renombre
como el Collegium Vocale Gent, el Nederlands Kamerkoor y el coro del Nederlandse Bach
Vereniging, además de conferenciante invitado en el Sweelinck School of Music de Ámsterdam,
donde impartió un curso de notación e interpretación a la sección de dirección coral.
Paul Van Nevel es un aficionado a los cigarros puros de reconocido prestigio internacional.
HUELGAS ENSEMBLE
Fundado por Paul Van Nevel, Huelgas Ensemble se ha convertido en una de las más destacadas
agrupaciones vocales de Europa dedicadas a la interpretación de música medieval y renacentista.
Combinando gran erudición académica con una técnica y un brío excepcionales, vuelven a dar
vida a piezas musicales largamente olvidadas en oscuros rincones de archivos y bibliotecas del
continente europeo.
El estilo interpretativo de esta agrupación gira en torno al reconocimiento de la relación simbiótica
que existía, según la mentalidad medieval y renacentista, entre las diferentes ramas de las artes. El
estudio de los temperamentos de Alberto Magno, del “teatro de la memoria” de Giulio Camillo y
de las técnicas oratorias, forman parte de la investigación interdisciplinar que hace que los
conciertos de Huelgas Ensemble alcancen un resultado sorprendente a la vez que ajustado al rigor
histórico.
Los logros alcanzados impresionan: entre las numerosas distinciones de la crítica han conseguido
el premio Edison; el de Caecilia en 1991, 93 y 95; el Snepvangers, premio de la prensa musical belga,
en 1991 por el CD que contiene la Misa para doce voces “Et ecce terrae Motus” de Antoine Brumel,
y en 1993 por el CD “Nicolas Gombert: Música en la corte de Carlos V”; el Diapasón d’Or por su
grabación de 1995 “Utopia Triumphans”; el primer premio CD Compact Records Award de 1991 por
la grabación de las misas “L’Homme armé” del siglo XV titulada “La Dissection d’un homme
armé” y tantos otros.
Huelgas Ensemble grabó un importante número de CDs de música medieval y renacentista para el
sello Sony Classical comprendidos en la llamada serie "Vivarte" del productor Wolf Erichson. A
partir de 1999 con el CD "Lamentations de la Renaissance" pasaron a publicar en el sello Harmonia
Mundi France.
FORMACIÓN
Director Artístico: Paul Van Nevel
Axelle Bernage (superius)
Poline Renou (superius)
Petra Noskaiová (superius)
Peter De Groot (altus)
Tom Phillips (tenor)
George Pooley (tenor)
Bernd Oliver Fröhlich (tenor)
Paul Kirby (tenor)
Stefan Berghammer (tenor)
Jasper Schweppe (baritonans)
Lieven Termont (baritonans)
Marc Busnel (bassus)
Joel Frederiksen (bassus)
1
Jean Richafort
(ca1480-1547)
Chansons
Ne vous chaille mon cœur
Il nest si doulce vie
à 5 aequales
à4
L'art du motet
Sufficiebat nobis paupertas nostra
Laetamini in Domino
Salve Regina
à 4 aequales
à 5 aequales
à5
pause
2
Requiem (in memoriam Josquin Desprez)
à6
Introitus
Kyrie
Graduale
Offertorium
Sanctus
Agnus Dei
Communio
NOTAS AL PROGRAMA
En 1556 los famosos impresores musicales parisinos Le Roy et Ballard publicaron un
volumen póstumo de diecinueve motetes del compositor franco-flamenco Jean
Richafort: “Joannis Richafort modulorum quatuor, quinque et sex vocum, liber primus…”.
Esta publicación figura entre los incontables homenajes que se rindieron en honor de
uno de los más destacados polifonistas de la primera mitad del siglo XVI.
Aparte de esta edición dedicada exclusivamente a Richafort, vieron la luz entre 1519 y
1583 más de sesenta antologías que contienen alguna una obra suya. Resulta aun más
impresionante saber que más de doscientos manuscritos incluían copias de
composiciones de este destacado autor. Entre estos manuscritos encontramos varios
ejemplos famosos, en ocasiones comisionados por y para círculos ilustres.
Tan amplia circulación de su obra nos permite suponer que Richafort debió de ser un
músico altamente reputado. Esta suposición se confirma con una serie de hechos
conocidos:
Cuando el rey francés François I se entrevistó con el Papa León X en Bolonia en 1516
Richafort pertenecía al séquito musical de su majestad. El arte de Richafort produjo tal
impresión en el melómano Papa que el 30 de enero de ese mismo año éste le hizo
entrega de varios regales al compositor (el mismo honor concedido a Claudin de
Sermisy).
Un tal Giovanni Antonio Merlo, cantante de la Capilla Sixtina entre 1555 y 1588, guardaba
un diario-memorandum en el que menciona las composiciones que en su época eran
consideradas las “imperecederas” en el coro de la Capilla Sixtina. Entre las 18 obras
que aparecen en esta lista se encuentra el motete de Richafort Quem dicunt hominess. Vale
la pena destacar que esta pieza ya encontró su sitio en un libro de coro de 1518, así pues
estuvo más de cincuenta años cantándose.
El humanista y musicólogo suizo, corresponsal de Erasmo, Henricus Glareanus (1488-1563)
publicó en Basilea en 1547 el tratado Dodecachordon en el cual menciona al más joven
cmpositor de su generación, Richafort, en los siguientes terminus: ‘…cuius magna est
nostra etate laus in componendis vocibus’.
En uno de los discípulos de Glareanus, Aegidius Tschudi (1505-1572), pervivía la
admiración de su maestro por Richafort y en uno de sus manuscritos (St. Gallen,
Stiftsbibliothek, ms. 463) copió siete de sus composiciones.
También encontramos muestras de admiración por su arte en lugares un tanto
inesperados: Pierre de Ronsard (1524-1585) le sitúa entre los grandes compositores en
su Livre des Meslanges contenant six vingtz chansons des plus rares et plus industrieuses qui
se trouvent…(1560): ‘…Et pource, Sire, quand il se manifeste quelque excellent ouvrier en cet
art, vous le devez songneusement garder, comme chose d’autant excellente, que rarement elle
apparoist. Entre lesquels se sont depuis six ou sept vingtz ans eslevez Josquin des Prez, et ses
disciples Mouton, Vuillard, Richaffort…’.
Eran, sin embargo, sus propios colegas compositores los que le tenían en más alta
estima y aprecio. Hacia 1510-1515, cuando en el seno de la capilla de la corte de Francia
se compusieron las primeras misas parodiadas/cantadas (misas basadas en
composiciones preexistentes –motetes, canciones, etc.-), se tomaba precisamente como
modelo un motete de Richafort (el ya mencionado Quem dicunt hominess). De modo que
hasta el final del siglo XVI Richafort permaneció entre los compositores más
frecuentemente interpretados. Divitis, Mouton, Lupus, Morales, Gombert, Ruffo,
Pullauer e incluso Palestrina compusieron misas basadas en modelos de Richafort. Con
toda seguridad el compositor no pudo haber soñado con mayores homenajes.
Tras lo expuesto se podría pensar que la vida y la carrera de Richafort estarían
ampliamente documentadas en archivos contemporáneos. Sin embargo nos
encontramos con la paradoja de que la supervivencia y transmisión de su obra son de
una amplitud inversamente proporcional a los hechos conocidos de su vida. A
continuación citamos algunos de los escasos detalles conocidos:
Jean Richafort nació en torno a 1480 en el Flandes francés en un lugar entonces
conocido como Ricartsvorde (Ryfvart cerca de St. Omaars?). Nada se sabe de sus
primeros años de vida y educación. En 1507 se convirtió en Maestro de Capilla de la
catedral de Saint-Rombaud de Malinas, donde dos de sus hermanos, Guillaume and
François, eran integrantes del coro. En 1509 le sucedió Noël Baudoin (Bauldewyn).
Lo que aconteció después no está claro. En algún momento debió de frecuentar la corte
francesa, donde probablemente compuso el motete Consolator captivorum para el
funeral de Luis XII en 1515. Como ya se ha dicho, estuvo en Bolonia en 1516. Otra
fuente (Vicenzo Galilei), le sitúa en Roma ya en 1513.
Su ultimo puesto conocido fue el de Maestro de Capilla en la iglesia de Saint-Gilles de
Brujas desde 1542 hasta 1547. Tras este destino perdemos cualquier pista de él.
Teniendo en cuenta el elevado número de publicaciones francesas y la naturaleza de
sus composiciones, es posible que Richafort pasara los años 20 y 30 al servicio de los
reyes franceses.
Las obras recogidas en este programa son reveladoras del talento creador y de las
carcterísticas del estilo.de Richafort. Así el poético y a veces misterioso texto del motete
a cuatro voces Sufficiebat nobis paupertas es una paráfrasis de un pasaje del Antiguo
Testamento (Tobías 5, 20-23 y 10, 4). Diez Fuentes de esta obra han sobrevivido. Para la
voz superior Richafort utiliza la parte del tenor de la chanson Mon souvenir me fait
mourir de Hayne van Ghizegem. El contrapunto, formado por las tres voces bajas,
contrasta fuertemente con la calma del movimiento en valores lentos de la voz
superior. Estas tres voces forman una rica estructura armónica de base que hace uso
frecuente de las figuras retóricas (p.ej. con las palabras ‘pecunia ipsa’). Además
Richafort aplica el principio de fuggir le cadenze: en ‘filium nostrum’ introduce una
cadencia en si bemol éloignée sur le plan modal.
El breve motete Laetamini in Domino tiene un carácter completamente diferente.
También para voces masculinas, está compuesto en estilo contrapuntístico para cuatro
voces. Por medio de un ingenioso cruce de partes (en un punto la primera voz llega
incluso a cruzarse con la cuarta) y breves imitaciones, Richafort consigue escribir un
contrapunto móvil que trasciende el mero ingenio técnico.
Una de las cumbres de la obra de Richafort es la Salve Regina tripartita a cinco voces. La
melodía gregoriana de esta antífona es citada y parafraseada a cinco voces. Al
comienzo hay un intercambio alternatim de contrapunto virtuoso entre dos grupos de
voces. Partiendo solamente de la palabra ‘clamamus’ asistimos a un despliegue
completo y simultáneo de las cinco voces con un rico desarrollo melismático. La
segunda parte está compuesta para cuatro voces, sin la voz superior. La tercera está
majestuosamente construida sobre las palabras ‘Et Jesum’ (con un neuma) y culmina
en un pasaje melismático en ‘nobis post hoc’. Cada una de las invocaciones finales ‘O
clemens’, ‘O pia’ y ‘O dulcis Virgo Maria’ tiene su propio motivo desarrollado, para
llevarnos a un acorde final aplacado de un quinto perfecto.
La chanson en cuatro partes Ne vous chaille para voces masculinas está compuesta a la
manera intimista franco-flamenca con imitaciones densas.
La verdadera cima de su arte la alcanza Richafort indudablemente con el Requiem en
seis partes. La obra se basa en dos cantus firmi que hacen referencia a Josquin Desprez.
Probablemente fue compuesto a la muerte de este compositor, acaecida en 1521, y es en
todos los sentidos un homenaje a su arte. En esta pieza se despliega todo el talento de
Richafort desde un punto de vista eminentemente auditivo, que sólo revela su
significado más profundo tras la escucha de la totalidad de las seis partes que
evolucionan pausadamente. No basta pues, para su total comprensión y disfrute, un
concepto únicamente visual de la partitura.
Las valoraciones que de los logros artísticos de Richafort se hagan basándose
exclusivamente en estudios visuales de su música no pueden captar su verdadero
significado y llevarán a juicios manifiestamente erróneos. Así nos encontramos con
apreciaciones equivocadas como la de un conocido musicólogo estadounidense, quien
se atreve a comentar: ‘…compositores como Jean Richafort y Pierre de Manchicourt,
miembros sólidos aunque sin emoción (sic!) de lo que medio en broma llamaremos una
generación “anónima” (sic!).’ (Allan W. Atlas, Renaissance Music, New York, 1998,
p. 343). El tempo intuitivamente pausado y la concomitante amplitud de línea
expansiva, el equilibrio espléndidamente inestable entre consonancia y disonancia, la
flexibilidad gregoriana de las líneas melódicas –todas estas características están
presentes en el REQUIEM.
El primer cantus firmus que se repite en todas las partes del Requiem es la cita
gregoriana ‘Circumdederunt me gemitus mortis, dolores inferni circumdederunt me’,
cita que también usaba con frecuencia Josquin Desprez. Este cantus firmus se presenta
en canon sólo en las dos partes de tenor. En el Graduale y en el Offertorium,
majestuosamente construidos, hace uso igualmente en las partes de tenor del
fragmento ‘C’est douleur sans pareille’ de la chanson de Josquin ‘Faulte d’argent’.
Alrededor de estos dos cantus firmi Richafort crea un contrapunto que destaca por la
equilibrada construcción de líneas melódicas meditativas, coloreadas con parsimonia a
la vez que con gran efecto gracias a la musica ficta y al commixtio (el empleo simultáneo
de varios modos).
El Requiem es un ejemplo perfecto de lo que su predecesor Franchino Gaffurio
describe en su obra Theorica Musice de 1492 (Ch. V, 62): ‘…pero se dice que la voz
humana, bien adaptada y formada para el arte es mucho más adecuada que el sonido
de todos los instrumentos a la hora de sosegar el oído, calmar las pasiones del alma,
expulsar la debilidad del cuerpo, inducir el movimiento y servir de alternativa a la
impulsividad.’
Paul Van Nevel
La Risonanza
Capilla de Palacio
Música Vocal de Corelli
Sábado 4 de Junio
LA RISONANZA
La Risonanza es un conjunto vocal e instrumental fundado en 1995 por Fabio
Bonizzoni. Tiene un organico variable de tres hasta 16/20 músicos, entre cantantes e
instrumentistias, en función de los diversos programas que desarrolla. Su repertorio
fundamental es la música barroca italiana y, más en general, la musica escrita en los
siglos XVII y XVIII influída por el estilo italiano.
La Risonanza colabora regularmente con cantantes como la soprano Roberta
Invernizzi, la mezzosoprano Gloria Banditelli, el contratenor Martin Oro, la soprano
Emanuela Galli o el bajo Sergio Foresti.
Después de registrar en 1996 un CD enteramente dedicado a Girolamo Frescobaldi
para la revista Amadeus, La Risonanza ha grabado un CD con la "Missa non sine
quare" de Johann Caspar Kerll para la casa discográfica Symphonia (disco que ha
obtenido el premio “CHOC” de “Le monde de la Musique”) y un CD dedicado a las
cantatas de Luigi Rossi en el sello milanés Stradivarius. Desde el año 2000 La
Risonanza graba para el casa discográfica española Glossa, donde han aparecido sus
últimos registros: un CD dedicado a Barbara Strozzi y, recientemente, los Concerti per
organo Op. IX de Giuseppe Sammartini.
La Risonanza es regularmente invitada por importantes Festivales musicales como el
Netwerk vor Oude Muziek de Holanda, il Kupferberg e Villa Musica de Magonza, el
Rheingau Musik Festival di Wiesbaden, MDR Musiksommer de Lipsia, Styriarte de
Graz, Musica e Poesia a San Maurizio, Los Siglos de Oro de la Fundación Cajamadrid,
Festival de Utrecht, la Fondazione Marco Fodella di Milano, el Festival Internazionale
di Musica Antica di Cesano Maderno, Semana de Música Religiosa de Cuenca y
muchos otros. A lo largo de todo el año 2004, y en conmemoración del tercer centenario
de la muerte de H. I. F. Biber, La Risonanza ha efectuado una gran gira de conciertos
por España (Liceo de Cámara de la Fundación Cajamadrid, Festival Internacional de
Santander, Quincena Musical Donostiarra, Festival Internacional del Camino de
Santiago, Pórtico de Semana Santa de Zamora) con la integral de las Sonatas del Rosario
de Biber obteniendo un clamoroso éxito de público y de crítica.
FABIO BONIZZONI
Fabio Bonizzoni, organista y clavicembalista milanés, desarrolla una intensa actividad
concertística como solista, como director de su ensemble “La Risonanza” y como
continuista del conjunto vocal “La Venexiana” .
Paralelamente colabora con la orquesta Amsterdam Baroque Orchestra de Tom
Koopman y con Europa Galante de Fabio Biondi.
Diplomado en órgano y, cum laude en clavicembalo, ha estudiado desde 1987 a 1994
en el Conservatorio Real de la Haya, bajo la guía de Tom Koopman con quien ha sido
el único alumno en obtener el diploma en órgano barroco como también el de solista en
clavicembalo.
Graba regularmente para las más importantes emisoras europeos de música clásica
(Radio France, ORF, BBC, WDR, etc.) y participa en festivales internacionales como el
Festival de Brujas, el Rheingau Musik Festival de Wiesbaden, el Tage für Alte Musik de
Berlín, etc. Sus grabaciones discográficas, realizadas en sellos como Stradivarius,
Symphonia, Arcana o Glossa, han recibido encendidos elogios de la crítica
especializada así como distinguidos galardones (“Preis der Deutches
Schallplattenkritik”, “CHOC” de “Le monde de la Musique”, “ffff” di Télérama,
“Excepcional” de Scherzo, “Goldberg 5 estrellas” etc...). Actualmente es docente de
clavicembalo en el Conservatorio “A. Scontrino” de Trápani y en el Conservatorio
“Suizo-Italiano” de Lugano.
PROGRAMA
"CORELLI TRASFORMATO"
Música Vocal de Arcangelo Corelli
A.Corelli
(1653-1713)
Ciacona
per 2 violini e bc
A.Corelli-A.Tonelli
(1653-1713-1686-1765)
Ave Regina Celorum
Antifona per soprano, alto, 2 violini e bc
Regina Celi
Antifona per soprano, alto, 2 violini e bc
A.Corelli
Sonata op 5 n 3
per violino e bc
A.Corelli-A.Tonelli
Tantum ergo III
per soprano, alto, 2 violini e bc
Salve Regina
Antifona per soprano, alto, 2 violini e bc
A.Corelli
Triosonata op 4 n 12
per 2 violini e bc
Alma Redemptoris
Antifona per soprano, alto, 2 violini e bc
FORMACIÓN
LA RISONANZA
Emanuela Galli - soprano
Gabriella Martellacci - alto
Olivia Centurioni, Nick Robinson - violines
Caterina Dell'Agnello - violonchelo
Gabriele Palomba - tiorba
Fabio Bonizzoni - clave, órgano y dirección
NOTAS AL PROGRAMA
Estamos ante un importante descubrimiento musicológico de composiciones hasta el
momento consideradas perdidas de Arcanuelo Corelli y, lo que es más sorprendente,
de música vocal. Para ser más exactos diremos que se trata de música compuesta por
Corelli con adaptación vocal de su contemporáneo y admirador Antonio Tonelli.
Nos encontramos ante composiciones sacras a dos, tres y cuatro voces, dos violines y
bajo continuo escritas sobre las sonatas de iglesia del maestro. La música de Corelli
permanece intacta y sobre ella se añaden dos o más voces, habitualmente soprano y
alto. Las voces intervienen casi siempre "colla parte", siendo alternativamente dobladas
por uno de los dos violines. En otras ocasiones aparecen como contrapunto y
finalmente a veces quedan los instrumentos solos siguiendo un esquema utilizado por
Monteverdi en sus Scherzos musicales.
Por tanto les presentamos un Corelli completamente inédito que La Risonanza propone
en un concierto para soprano, alto, dos volines y bajo continuo. Entre los motetes
recientemente descubiertos completan el programa unas sonatas de cámara
pertenecientes también a Corelli.
Paseo Musical. Jardín del Príncipe
Salida Puerta Plaza Redonda
Concierto final: Casa del Labrador
Els Sonadors de Martín i Soler
Vientos del XVIII: de la Ópera a la Serenata
Domingo 5 de Junio
ELS SONADORS DE MARTÍN I SOLER
Els Sonadors De Martín i Soler es un ensemble que se articula como banda histórica de
viento cuya principal formación es el Octeto de Viento con Contrabajo (2 oboes, 2
clarinetes, 2 trompas y 2 fagotes) y, en ocasiones, percusión.
Se compone de un grupo de músicos especializados y de alto nivel artístico que
interpretan, con instrumentos originales, la “Harmoniemusik” (música para vientos)
compuesta durante el período que abarca aproximadamente las tres últimas décadas
del siglo XVIII y la primera mitad del XIX.
Sus miembros coinciden asiduamente, como instrumentistas, en las más prestigiosas
orquestas y agrupaciones de carácter historicista europeas: Orchestra of the Eighteenth
Century, Freiburger Barockorchester, Concerto Köln, Anima Eterna, Orchestre des ChampsElysées, Orquesta Barroca de Sevilla, Les Talens Lyriques, Nachtmusique...
Se trata de un conjunto estable que, tanto por sus características como por su
repertorio, carece de precedentes y paralelos en nuestro país.
Su objetivo es difundir el extraordinario y popular repertorio que fue escrito -o
transcrito- para estos conjuntos de vientos aparecidos en una época de muchos
cambios y grandes alteraciones sociales, un período en el que esta “nueva sonoridad”
adquirió un gran auge por su carácter funcional y divulgativo, en una sociedad en la
que emergía con pujanza una nueva clase social poderosa: la burguesía, deseosa de
simular los hábitos y conductas de la nobleza y, por consiguiente, de acceder al mundo
de la cultura y las artes.
FORMACIÓN
ELS SONADORS DE MARTÍN I SOLER
(con instrumentos originales de época)
Oboes
Albert Romaguera
Pere Saragossa
Clarinetes
Diego Montes
Fernando Romaguera
Trompas Naturales
Rafael Mira
Jorge Rentería
Fagotes
Fernando Sánchez
María Cresol
Contrabajo
Juan Jaime Rúiz
PROGRAMA
Vientos del XVIII: de la Òpera a la Serenata
I
Obertura y arias de La Flauta Màgica (arr. Karl Heidenrich)
Divertimento núm. 3 y núm. 6 sobre la ópera Una Cosa Rara
W. A. MOZART
(1756 – 1791)
V. MARTÍN I SOLER
(1754 – 1806)
Allegro
Andanta Sostenuto
Allegro
Cotillón-Trio
II
Serenata en Do menor, KV 388 (384a)
Allegro
Andante
Menuetto in canone
Allegro
W. A. MOZART
(1756 – 1791)
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El Concierto Español
Director: Emilio Moreno
Arias Académicas de Luigi Boccherini
Centro Isabel de Farnesio
Sábado 11 de Junio
EL CONCIERTO ESPAÑOL
Conscientes de la necesidad de recuperar parcelas de nuestro patrimonio musical histórico
aún por ser abordadas, un grupo de músicos españoles en torno a los violinistas Isabel
Serrano y Emilio Moreno y el trompa Javier Bonet, y Mónica Hernández en las tareas de
coordinación, tomaron la decisión a principios de 2000 de aunar sus conocimientos y
entusiasmo en el proyecto de crear una pequeña orquesta capaz de abordar el
insuficientemente conocido repertorio español de las épocas “barroca” y “preclásica”,
contando para ello con los mejores especialistas españoles o residentes en nuestro país en la
interpretación con criterios históricos, y con probada experiencia todos en el campo de la
música de cámara y orquestal con instrumentos originales dentro y fuera de España.
El proyecto nació con dos convicciones: una, el convencimiento de que el nivel de nuestros
músicos está a la misma altura que el de los mejores de fuera de nuestras fronteras, y la
segunda, que la música española ha de ser hecha en primera instancia por músicos que se
sientan implicados en la recuperación de su propio patrimonio cultural, sin concesiones a
comercialismos fáciles y con el máximo rigor musicológico. Para ello se constituyó “el
concierto español” agrupando una plantilla básica de la orquesta dieciochesca (cuerda,
madera, trompas y continuo), con la ambición de abordar el repertorio hispano de manera
honesta e históricamente válida, y con la prioridad básica de recuperar todo lo recuperable
de nuestra mejor música inédita, intentando con ello ir cubriendo los huecos que aún hoy
siguen vacíos en el conocimiento de nuestro pasado musical.
Con una ayuda inicial del INAEM, el apoyo de personalidades de la vida musical y cultural
española, y el respaldo discográfico de un sello del prestigio internacional de Glossa, con
quien acaba de grabar su primer disco dedicado íntegramente a la música de Francisco
Corselli, el concierto español inició su andadura en el Festival de Música Antigua de
Aranjuez en otoño de 2000 con un programa dedicado al maestro de capilla Francisco
Courcelle recibido elogiosamente por la crítica y el público. Dentro, sin embargo, de la
enorme dificultad que supone el arranque de una orquesta de estas características sin
ayudas estables ni patrocinios, el concierto español ha conseguido ya gracias al prestigio de
todos y cada uno de sus componentes, una credibilidad nacional e internacional que se ha
plasmado en su participación en temporadas tan prestigiosas como Los Siglos de Oro de la
Fundación Cajamadrid con un programa dedicado a la tonadilla escénica madrileña en marzo
de 2001 y el 50 Festival Internacional de Granada en julio de 2001, conciertos en Bratislava
(Eslovaquia) y México DF apoyados por el INAEM en octubre y diciembre pasados, y más
recientemente con la celebración del concierto Inaugural del Ciclo de los Siglos de Oro de
Caja Madrid con un programa de José de Nebra, también el pasado mes de abril el concierto
español ha iniciado un ciclo dedicado a la tonadilla escénica en colaboración con el Centro
Cultural Conde-Duque y la Universidad Autónoma de Madrid, dedicado en su primer
concierto a la obra de Luis Misón, y en agosto de este mismo año ha actuado en la XXIV
edición del Festival de Musica Antigua de Daroca, en el III Festival de Música Antigua de
Langreo (Asturias) en diciembre de 2002 con un programa dedicado a las sinfonías de
Fábregas, Brunetti y Boccherini y en el Auditorio Enric Granados de Lleida, con un
programa de música navideña del barroco español. Entre sus próximos proyectos está su
participación en el Festival Internacional de Torroella de Montgrí, en el concierto homenaje
que se celebra cada año en memoria de Ernest Lluch, la grabación de un Cd dedicado a la
tonadilla escénica española, conciertos en Budapest, Varsovia y Cracovia y su presentación
en Francia en la primavera de 2004 en Nantes y París, siempre con programas consagrados
exclusivamente a la música española de los siglos XVII y XVIII.
Coral de Cámara de Pamplona
Capilla de Palacio
Stabat Mater: Scarlatti, Desprez, Palestrina, De
Victoria
Domingo 19 de Junio
CORAL DE CÁMARA DE PAMPLONA
La Agrupación Coral de Cámara de Pamplona, fue fundada en 1946 por el Maestro Luis
Morondo Urra, ofreciendo el primer concierto el 11 de Diciembre de dicho año en el Coliseo
Olimpia de Pamplona, siendo su Director artístico durante 37. La Agrupación Coral de
Cámara de Pamplona nace con la intención de estudiar, trabajar y cultivar la música de los
siglos XV, XVI y XVII. Conforme van pasando los años, amplía su repertorio a todo género
de música vocal.
En 1950 La Agrupación Coral de Cámara, gana el Primer Premio del Concurso Internacional
de Canto de la ciudad Francesa de Lille, lo que supone alcanzar una gran notoriedad en los
más importantes ámbitos musicales de todo el mundo, así como su consagración
internacional. Desde ese momento hasta nuestros días, La Coral participa con éxito en
numerosos festivales, actuando en los escenarios y salas más prestigiosas del Mundo: Sala
Pleyel de París, Sala Gaveu de París, Teatro de la Opera de Argel, Teatro Colón de Buenos
Aires, Konzerthaus de Viena, Metropolitan House de Nueva York, Constitution Hall de
Washington, Iglesia de Los Inválidos de París, Micrófonos de la BBC de Londres, Finlandia
Hall de Helsinki, Concert Hall de Nueva York, Sala Volksbühne de Hannover, Teatro Sodre
de Montevideo, Teatro Mauritania de Tanger, Gran Teatro de La Habana, Sala Pergola de
Florencia, Concertgebow de Amsterdam.
En 1983 fallece Luis Morondo, siendo nombrado José Luis Eslava Director de La Coral, a lo
largo de los diez años largos que estuvo como Director, se trató de seguir en la misma
dirección de trabajo. Durante este tiempo destacaremos entre otras las giras por Finlandia,
Israel, Cuba, URSS y Estados Unidos.
José Luís Eslava es sustituido por Máximo Olóriz, quien acomete un importante proceso de
renovación, incorporando nuevas voces, convirtiéndose en un cambio de estilo en la
interpretación. En esta etapa cabe destacar la participación en Festivales Internacionales:
Biarritz, Nantua, Primavera Musical de Venecia, Festival de Arte Sacro de Madrid; todo ello
unido a una gira por tierras Argentinas en Diciembre de 1995.
En 1998, Koldo Pastor Arriazu asume la dirección de la Agrupación Coral de Cámara de
Pamplona. Durante esta etapa se interpretan obras de autores contemporáneos como
Agustín González Acilu, Tomás Marco, Leonardo Balada, Fernando Remacha, Paul
Arma...etc. Participa en el Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante,
Auditorio de Zaragoza con motivo de la IV Semana de Música Contemporánea, ciclo de
Música Antigua de la Quincena Musical de San Sebastián, Capilla del Palacio Real de
Aranjuez y lleva a cabo una gira por Marruecos, visitando Rabat, Casablanca, Tánger y
Tetuán. Destacar también la grabación, edición y estreno de la Suite Coral “El Camino,
Campo de Estrellas” que incluye obras compuestas C. Etxeberria, K. Pastor y V. Egea.
Participa en los Festivales Internacionales de Santander, Semanas de Música Sacra de Bilbao
y Segovia, Ciclo \"Generaciones y Escuelas Musicales Europeas\" organizado por la
Fundación Marcelino Botín y Festival Internacional de Guitres (Francia).
De Septiembre de 2001 a Diciembre de 2003, es nombrado Director Pedro María Ruiz Huici.
Durante este periodo la coral participa entre otros en una gira por diversas ciudades
Centroeuropeas, actuando en Aquisgrán, Bonn, Paderborn y Maastricht, ofrece un concierto
en la Iglesia de los Inválidos de París, donde bajo la batuta de Michel Maunas, y
acompañados por la Orquesta del Conservatorio Erik Satie y cuatro solistas de la Opera de
Viena, interpretan la “Missa In Tempore Belli” Joseph Haydn.
En Enero de 2004 asume la Dirección Musical David Guindano Igarreta, participando entre
otros en la Semana de Música Sacra de Segovia, Quincena Musical de San Sebastián, Musica
in Voce 2004, grabación y edición de un disco con el sello RTVE Música sobre el Padre
Donostia.
Cuenta con condecoraciones como la Encomienda de la Orden del Mérito Civil o la
Encomienda de la Orden de Alfonso X el Sabio, así como con el diploma del Colegio de
Críticos Musicales de Sudamérica al mejor conjunto coral que ha visitado América del Sur.
DAVID GUINDANO IGARRETA, director
Comienza su formación musical a los 8 años de edad bajo la dirección de José María
Goicoechea Aizcorbe como miembro de la Escolanía “Niños cantores de Navarra”. Realiza
sus estudios de canto con la soprano Eugenia Echarren, recibiendo también orientación y
consejos del bajo-barítono Alfonso Echeverría, amplía sus estudios en la Escuela Superior de
canto de Madrid con Ana Higueras y Fernando Turina y en la Scuola Civica di Milano con
Roberto Coviello. Es profesor de canto por el Conservatorio Superior de música de
Donostia-San Sebastián.
Tras comenzar estudios de derecho en la Universidad de Navarra, pronto orientará su
interés hacia la música teórica estudiando Geografía e Historia en la U.N.E.D. y es
Licenciado en Musicología por la Universidad Complutense de Madrid.
Funda en 1989 la Coral de Cámara Ilunaldi con la que debutará como director en 1992 en el
XXVº Certamen Internacional de Coros de Tolosa, con este mismo grupo organiza una
semana dedicada a la figura de Claudio Monteverdi en 1994. Este mismo año funda el grupo
vocal e instrumental “Vaghi Concenti” orientado a la interpretación de música renacentista
y barroca con criterios históricos. Con esta formación ha profundizado en la obra de
compositores como Josquin, Morales, Guerrero, Victoria, Palestrina, Fletxa el viejo,
Monteverdi, Purcell, Buxtehude, Cererols, Durón, Casanoves, Soler, Iribarren y Vivaldi.
Destacando la puesta en escena de la ópera Dido y Eneas en diferentes ciudades del norte de
España en 1996, y la exitosa participación en la semana de música antigua de Estella en 1998.
En 2004 es invitado por el Centro de atención al profesorado del Gobierno de Navarra
(C.A.P.) a impartir un curso de 50 horas de duración orientado a profesores de
conservatorios y escuelas de música y docentes de primaria y secundaria cuyo título es:
“Acercamiento a la técnica vocal cantada: Una herramienta pedagógica”
Interesado también por el mundo teatral y su relación con la música ha trabajado como
regidor y ayudante de dirección en varias ocasiones con personalidades como Guillermo
Heras, Franc Aleu, Roland Olbeter, Sabine Dahrendorf, Jaime Martorell o Lorin Maazel.
Actualmente es jefe de estudios y profesor de técnica vocal y fonética aplicada en la Escuela
de canto “Eugenia Echarren”, asesor de técnica vocal de varios grupos, así como director de
la Orquesta “Juan Francés de Iribarren” y del Ensemble Vaghi Concenti. En enero de 2004 es
nombrado director de la Coral de Cámara de Pamplona. En noviembre de 2004 graba, con el
sello de RTVE dirigiendo la Coral de Cámara de Pamplona, el disco compacto “In
memoriam” dedicado a Juan Eraso y Padre Donostia con obras de este último.
PROGRAMA
STABAT MATER
Stabat Mater
Josquin Desprez
(ca. 1440-1521)
Miserere
Josquin Desprez
Stabat Mater
Giovanni Pierluigi Palestrina
(ca. 1525-1594)
Improperia
Tomás Luís de Victoria
(ca. 1548-1611)
----------------------------
Stabat Mater
Stabat mater dolorosa
Cujus animam gementem
Quis non posset contristari
Eja mater, istud agas
Sancta mater, istud agas
Fac me vere tecum flere
Juxta crucem tecum stare
Inflammatus et accensus
Fac ut animae donetur
Amen
Domenico Scarlatti
(1685-1757)
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Los Músicos del Buen Retiro
Salón del Teatro
Tonos Humanos de José de Torres y Arias del
Quijote de Antonio Caldara
Domingo 26 de Junio
LOS MÚSICOS DEL BUEN RETIRO
Bajo la iniciativa de Isabel Serrano y de Antoine Ladrette, y con el fin de investigar e
interpretar especialmente la musica barroca española, nacen “los Mùsicos del Buen Retiro,”
refiriendose al hoy desaparecido Palacio madrileño. Grupo en que se integran otros musicos
con prestigiosa trayectoria en en mundo de la musica barroca dentro y fuera de nuestras
fronteras, el conjunto a conseguido en tan solo quatro años, ser reconocido como uno de los
mejores en España, al lado de “El Ayre Español”, “La Orchesta barroca de Sevilla”, y “El
Concierto Español”, de qual son tambien activos miembros.
Su proyecto es retratar los llamados “Mùsicos de la Càmara”, grupo reducido de cantantes e
instrumentistas al servicio de los Reyes, en la intimidad de sus palacios. Que sean “maestros
de mùsica” de un Infante, o de la propia Reyna, como lo fue Domenico Scarlatti, tenian un
papel fundamental en la vida quotidiana, que iba de la simple distracciòn de una velada
musical, con una simple sonata a violin solo, a la composiciòn de una serenata a quatro
voces, interpretada en el “Salon de Reynos”, con unos decorados efimeros, o prestados por
el cercano “Coliseo del Buen Retiro”, en caso de gran Festejo.
El verano 2004 sera un dato importante para “Los Musicos del Buen Retiro”, quien despues
del festival “Musica antigua Aranjuez 2002”, con dos arias, y del “Festival internacional
Camino de Santiago 2003”, con cinco arias, daran una version en càmara de “Las Amazonas
de España”, dramma de Jose de Cañizares puesto en mùsica por Giacome Facco en 1720, y
efectuaran su grabacion inedita, unos 284 años despues de su estreno.
Programas ya realizados
“ENTRE LA ESCENA Y LA IGLESIA: ARIAS Y CANTATAS PARA MADRID Y TOLEDO”:
Corselli, J. de san Juan, Literes, Nebra, Casellas.
“AMOR Y MUERTE : SONATAS CANTATAS Y LAMENTACIONES”:
Corelli, Scarlatti, Caldara, Corselli.
“TRIOS, QUARTETOS Y QUINTETOS DE BOCCHERINI”
“LA LUZ DEL BARROCO: MUSICAS PARA VENETIA”: Vivaldi, Marcello, Sanmartini.
“LAS AMAZONAS DE ESPAÑA”: Dramma de Jose de Cañizares, puesto en mùsica por
Giacome Facco, Version de Càmara.
FORMACIÓN
Maria Luz Alvarez y Raquel Andueza, sopranos
Isabel Serrano y Suzane Scholtz, violines barrocos
Marcial Moreiras, viola barroca
Antoine Ladrette, violonchelo barroco
Eduard Martinez, clave
Juan Carlos de Mulder, tiorba
Juan Jaime Ruiz, contrabajo
PROGRAMA
DE TORRES A CALDARA: ESPAÑA EN EUROPA
Dúo Humano “Amante Fatiga”
Dos sopranos,violines y b.c.
Sinfonia
Estribillo-Grave: Aria a duo
Recitado-Aria
Recitado-Aria
Recitado- Aria
Recitado-Aria final a duo
José de Torres
(1670-1738)
II PARTE
“Don Chisciotte in corte della duchessa”
Sinfonia
Ben mi volea meravigliar(aria duchessa)
Da si austera virtú (aria Altisidora)
Sancio amico,e figliuol..(duo Don Chisciotte,Sancio)
Intermedio instrumental
Or che presso..(aria il duca)
Viva,viva Don Chisciotte(duo final)
Antonio Caldara
1670-1736)
NOTAS AL PROGRAMA
En la biblioteca del Palacio de Liria ( Casa de Alba),al ir a buscar algunas particellas impresas
de la ópera “Las Amazonas de España“ de G. Facco,procedentes de la imprenta de José de
Torres, apareció un borrador del Duo Humano con violines “Amante Fatiga”, del ya citado
José de Torres. A pesar de los estragos sufridos por este valioso archivo durante la guerra
civil, teníamos la suerte de tener estos tesoros musicales en nuestras manos.
Inmediatamente pensamos en incluir la música de Torres (maestro de Capilla de Felipe V)
siempre un seguro de gran calidad, en el programa que confeccionábamos para el Festival de
Aranjuez del 2005. Es un dúo de amor entre un zagal y una zagala,y tiene todos los encantos
de las recién llegadas formas a la italiana con las arias da capo ,si bien coexistencon estribillos
típicamente hispanos.
Pero en este año,de efemérides quijotescas ,queríamos ofrecer nuestro humilde homenaje a
esta obra ,de la mano de Antonio Caldara, compositor veneciano, que vivió exactamente
elmismo tiempo que Torres, y que estuvo en Barcelona en 1708,invitado por Carlos de
Austria, pretendiente al trono de España. Cuando Carlos llega a ser emperador de
Austria,Caldara es invitado como vicemaestro de capilla.En 1727 y ante la enfermedad de
otro gran compositor que era F. Conti, debe asumir la responsabilidad de componer una
ópera para los carnavales. El libreto elegido fue “Don Chisciotte in corte della duchessa” de
G. C. Pasquini, y con un tema tan a la moda en Europa en esos momentos no sería el único
libreto con dichos temas: En 1733 se representaría “SancioPansa governatore dell’isola
Barattaria” siendo Pasquini también el autor del texto.
De entre esos cinco actos que constituyen la ópera ,nosotros ofreceremos la sinfonía y algún
intermedio instrumental que alternarán con las Arias más bellas de los más representativos
personajes: Don Chisciotte, Sancio, la duchessa o Altisidora.