mosaico literario

Strauss. Hoy se conmemoran 150 años del natalicio del aclamado genio musical de Múnich. >3
EXCELSIOR
Miércoles 11 de junio DE 2014
tenor mexicano
Canta Camarena
en cena de Estado
EXPRESIONES
[email protected]
Foto: Cortesía Conaculta
Tras su histórico éxito en el MET
de Nueva York y el Festival de
Pentecostés de Salzburgo, el tenor
veracruzano Javier Camarena fue
invitado por el presidente Enrique Peña
Nieto a actuar en la cena de Estado
que ofreció el mandatario mexicano
en honor de la realeza española en el
Palacio Real de El Pardo. Interpretó
arias, zarzuela, así como canciones
españolas y mexicanas.
@Expresiones_Exc
brAsL
I
mosaico
literario
Una antología de 21 relatos ofrece
el panorama narrativo de un país
que a partir de mañana será sólo
futbol a lo largo de un mes >5
Fotos: Archivo y Especial
La exposición El teatro del mundo, que
se inaugura mañana en el Museo Rufino
Tamayo Arte Contemporáneo, cuestiona
la teatralidad que existe alrededor de la
arquitectura en las ciudades, desde los
rascacielos y los monumentos históricos,
hasta el trazo de zonas habitacionales y
regiones industriales que responden a un
contexto político-social específico. >6
Marcelino
perelló
Foto: Diego Mateos
Aquí entre nos, reconozcamos que la Asamblea Legislativa del Distrito
Federal es un circo. En otro sentido, pero circo al fin.
2
2 : e x p r e s i o n e s M i é r c o l e s 1 1 d e j u n i o d e 2 0 14 : e xc e ls i o r
Andrés
Trapiello
Marcelino
perelló
poeta / 61 AÑOS
Junto al agua, Las tradiciones, La vida fácil
y El mismo libro, sus primeros poemarios.
[email protected]
¿Qué me pongo?
autor español
Poeta, premio de la Crítica 1993,
novelista (Premio Nadal 2003) y
ensayista (especialmente con Las
armas y las letras. Literatura y guerra
civil). Desde 1975 vive en Madrid.
Animales ellos
La cosa no puede ser más deplorable
y, sin embargo, lo es.
L
a combinación de estulticia con soberbia es funesta. A
ella habrá que añadirle esta vez la iniquidad, con lo que
se produce una amalgama directamente catastrófica.
No es la primera vez, ni mucho menos, que nuestros ínclitos representantes dan muestras fehacientes
de poseer, sobradamente, las tres virtudes anteriores.
A menudo hacen gala y uso de ellas. Sin el menor recato. Pero esta
vez se pasaron. Me cae.
Nuestra muy ilustre y eximia Asamblea Legislativa del Distrito
Federal aprobó este lunes la ley por la que se prohíbe la participación
de animales en los espectáculos circenses. Bien es cierto que dicha
aprobación se dio sólo en comisiones, de momento, pero no cabe ninguna duda de que será ratificada en muy breve lapso por el Pleno. La
cosa no puede ser más deplorable y, sin embargo, lo es, si tenemos en
cuenta que la resolución se tomó por 41 votos a favor y 11 abstenciones. Ningún voto en contra. El hecho resultaría incluso divertido si no
fuera tan indignante.
Las cosas, sin embargo, van más allá, pues la susodicha aberración parlamentaria cuenta con el beneplácito de un sector, si
no mayoritario, sí digno de consideración de nuestra sociedad.
Descorazonador.
A todas luces la disposición es tomada en nombre de un supuesto
humanitarismo y en defensa de los derechos de los animales, si tal
concepto brumoso existiera. Se trata de evitar el presunto maltrato
al que por lo visto son sometidos, en general y en permanencia, en el
proceso de doma, amaestramiento y adiestramiento por el que son
aleccionados en vistas a su presentación en público.
Empecemos por afirmar, de manera contundente, que tal presunción es falsa. Es una opinión sostenida por quienes ni conocen ni quieren a los animales. Los entrenadores y domadores, en cambio, sí los
conocen y sí los quieren. Obviamente. Debe haber y las hay, excepciones. También es obvio. Al igual que hay madres que detestan a sus hijos, digamos. Pero, obviedad por obviedad, ello no debería prohibir la
reproducción u obligar a internar a los bebés en guarderías de neonatos en las que estuvieran a salvo de la furia de las madres domadoras.
No parece necesario argumentar que para combatir tales casos
de maltrato a las bestias bastaba con emitir una reglamentación pertinente que los persiguiera y castigara en justa medida, con base en
controles, inspecciones y sanciones que de todos modos
existen, supongo. Suena razonable. Digo.
También se equivocan
quienes consideran, en un mecanismo de proyección que el
sicoanálisis explica, que el hecho mismo de mantener a las
bestias circunscritas a espacios reducidos —a veces muy
reducidos—, a veces enjauladas, atadas o encadenadas,
constituye un acto de crueldad en sí mismo. El uso de la
propia palabra “cautiverio”
de connotaciones peyorativas
y estrictamente humanas, revela esa visión deformada y
enfermiza de la situación. Hay
algo del orden de la culpa en ella. Algo del orden de querer aparecer
como el bueno de la película. De querer demostrar que uno es tierno,
bondadoso y humanitario a toda costa. Aunque hierre el tiro. Freud
llamó a este fenómeno la verneinung, y lo resume de manera precisa
un sabio proverbio: “Dime de qué presumes y te diré de qué careces”.
No pretendo acusar ni señalar con dedo de fuego a nadie. Ni presupongo que todos los que apoyan la disposición de marras incurran
en tal conducta, pero tal mecanismo existe. Y por mala fe, o por exceso de buena fe, algunos ignoran hasta qué punto los animales disfrutan de la compañía humana.
La idea según la cual “son más felices en libertad” es, al menos,
harto discutible. Hace tiempo la entrañable @Vica3m me hizo llegar
un reportaje fílmico acerca de una pareja de homosexuales ingleses
que adoptan un cachorro de león al que llamaron Christian, creo, y
con el que conviven durante más de un año, después de lo cual deciden, sin preguntarle, que será más dichoso, se “realizará como león”,
en la jungla, y que ha llegado el momento de “liberarlo” allí, en algún
lugar de África. ¿O acaso el término correcto no sería el de “abandonarlo”? Me lo pregunto. Aunque a quien deberían preguntárselo es al
propio Christian. A lo mejor encontraría alguna manera de responder.
Además, y por si fuera poco, los animales son unos juguetones
empedernidos. Todos. Los bichos son unos coquetos a los que les
encanta exhibirse, ser admirados y aprender trucos. Y, que quede
claro, no es necesario maltratarlos para entrenarlos. No más que con
el fuete o las espuelas al caballo, digamos.
El circo constituye el espacio ideal de cercanía entre el hombre y los otros animales. Una especie de “club”, digamos, en el que
comparte y departe. Mucho mejor que el zoológico o las reservas
naturales. Una zebra, por ejemplo, no encontrará otro ámbito más
apropiado para relacionarse con los humanos. Ahora, con la prohibición, a las zebras chilangas les espera un triste destino: el exilio, el
abandono, la cárcel o la muerte.
Y, sin querer ni poder profundizar, permítame afirmar, atento lector, que las tendencias contemporáneas en la filogenia y la taxonomía
sostienen que los humanos somos mucho más cercanos y compatibles con los otros taxones de lo que parece. Si queremos convivir y
compartir este mundo con ellos, es preciso estar cerca. Lo más cerca
posible y recomendable.
Plantear otras soluciones suena inviable. Muchas investigaciones
modernas introducen variables interesantes en sus tesis a menudo
apoyando las ideas taxonómicas actuales. Determinar el lugar apto
para asentar nuestra zebra apela tomar aquellas medidas bajo inflexibles estatutos normativos.
Ahora, por lo visto los abnegados y beatos —y verdes— cruzados
defensores de la moral y la virtud se lanzan contra el zoobullying. Por
este camino pronto prohibirán la equitación y los perros lazarillo. Ahí
la llevamos. Hay que denunciar y perseguir toda crueldad y sevicia
que se cometa, en todas sus formas, por supuesto. Pero de ninguna
manera prohibir la convivencia lúdica y festiva con nuestros hermanos
de reino. La doma y el adiestramiento constituyen una de las esencias
del genuino espectáculo circense. Herencia entrañable e irrenunciable.
Aquí entre nos, reconozcamos que la Asamblea Legislativa del
DF es un circo. En otro sentido, pero circo al fin. Propongo entonces
que los animales ahí entreverados, que no son pocos, sean definitiva
e inmediatamente liberados. En Ruanda.
La disposición
es en nombre
de un supuesto humanitarismo y en
defensa de los
derechos de
los animales.
Víctor Manuel Torres
Coordinador
Meiz,
artista
callejero.
<una ciudad de las artes>
Hacen street art en
piedras volcánicas
Ocho creadores, que representan las nuevas tendencias dentro del arte urbano,
intervienen por primera vez los muros del Museo Diego Rivera Anahuacalli
¿dónde y cuándo?
por virginia bautista
[email protected]
M
eiz hizo un
autorretrato
con las manos
tapándose la
boca y Neuzz
da vida a la
pieza Hoy me voy p’al norte, en la
que un campesino negro cabalga
en un esqueleto rumbo a Estados
Unidos. Ocho artistas urbanos o
callejeros intervienen por primera vez los muros de piedra volcánica del Museo Diego Rivera
Anahuacalli.
Personajes fantásticos, paisajes estridentes, letras explosivas y mujeres de largas cabelleras
cohabitan, en un espacio individual de tres por diez metros, en
la pinacoteca del museo, que con
este proyecto, dice la coordinadora de exposiciones Karla Niño,
se acerca a lo que Rivera quería
que fuera: “una ciudad de las artes en la que estuvieran representadas todas las disciplinas”.
Meiz confiesa que es la primera vez que su arte entra a un
museo. “Y no sólo entramos,
sino que nos adueñamos de los
muros, los hacemos nuestros.
Es muy diferente trabajar en las
calles que en un recinto cerrado,
porque en la calle te contamina el
ruido y el movimiento de la gente. Aquí es más tranquilo, te llegan otras ideas”, comentó ayer
mientras trabajaba en su obra
que delineaba con aerosol.
Por su parte, Neuzz cuenta
que confecciona la primera obra
de una serie que dedicará a los
migrantes centroamericanos y
mexicanos. “Es un campesino
con atuendo no específico, montado en un esqueleto en lugar de
un caballito y lleva en la mano la
bandera de Estados Unidos.
“Es una reflexión sobre el racismo que persiste en los mexicanos y la difícil decisión de la
gente del campo de hacer a un
lado sus tradiciones milenarias para subsistir. Debería ser
algo natural que todas las especies emigren, pero el hombre ha
puesto fronteras mentales que
ha interrumpido ese fenómeno”, añade.
Los ocho artistas callejeros
que participan en la exposición
colectiva En concreto. Arte urbano del Museo del Juguete Antiguo
En concreto. Arte urbano del Museo del
Juguete Antiguo México en el Anahuacalli
permanecerá en exhibición del 20 de
junio al 14 de septiembre en el Museo
Anahuacalli (Calle Museo 150, colonia
San Pablo Tepetlapa, Coyoacán).
Roberto Shimizu,
curador de la
exposición.
9
AÑOS
en el arte urbano lleva
involucrado Shimizu.
David Vicenteño, Edgar Hernández, Oliver Flores y Eloísa Domínguez
Editores
Fotos: Paola Hidalgo
México en el Anahuacalli” fueron
seleccionados por el curador Roberto Shimizu, quien considera
que Neuzz, Motick, Paola Delfín, Fusca, Diego Zalaya, Minoz,
Meiz y Daniel Buchsbaum representan las tendencias que se exploran hoy en esta disciplina.
El arquitecto de origen japonés, quien ha estado involucrado
durante nueve años en el arte urbano, el grafiti o lenguaje callejero, destaca en entrevista que esta
es la primera vez que una institución de esta envergadura abre
sus puertas a los que se pueden
considerar los nuevos muralistas
mexicanos.
“Son dignos exponentes de
Humberto Dijard Téllez
Editor Visual
esta disciplina. Muestran no un
México trillado, sino un México
contemporáneo. Cada una de las
técnicas que manejan tienen esa
nueva identidad mexicana, una
nueva visión. Traté de buscar
a mexicanos jóvenes ejemplares, que quieren a sus papás, a
su país, que se sientan felices de
ser mexicanos. Creo que si no
tienes un gran corazón y mente
tu obra no transmite nada. Cuidé que tuvieran un gran sentido
humano”, añade.
Shimizu aclara que si bien
existe una transgresión fuerte
en las calles porque los jóvenes
quieren decir algo, también existe artistas urbanos preocupados
por otros temas y otras estéticas.
“Lo importante de ellos es
que llenan con un poco de color la
ciudad, que está muy gris y acartonada. Creo que la cultura y el
arte es lo único que va a salvar a
México, pues el país no necesita
la gran solución, sino pequeñas
soluciones”, dice.
Karla Niño explicó que este
proyecto nación con el propósito de acercar el museo a la comunidad. “Es un lugar de difícil
acceso para la gente. Estamos
aislados, es como un castillo, una
fortaleza. Estábamos desvinculados. Me pareció que el arte urbano, público, tendría mucha
pertinencia en un espacio como
este”, señaló.
Menciona que “si bien estamos haciendo un símil entre el
muralismo y el arte público actual, obviamente aún no se consolida este último en México,
pero creemos que tienen muchas
coincidencias. Ambos se hacen
para la gente, no es un arte para
galerías, no es de élite. Creemos
que la muestra jale a la gente,
que se sienta identificada, que
se acerque y pierda el miedo”.
Los artistas trabajan in situ
desde el 1 de junio y dejarán listas las obras antes del 20 de junio, día en que se inaugura.
Paola Rodríguez
Coeditora Visual
E L P E R I Ó D I C O D E L A V I DA N AC I O N A L
e x p r e s i o n e s : 3
e xc e ls i o r : M i é r c o l e s 1 1 d e j u n i o d e 2 0 14 <150 aniversario>
Recuerdan genio de Strauss
Hoy se conmemora el natalicio del aclamado compositor nacido en 1864 en
Múnich
DPA
[email protected]
DRESDE.- La música de Richard Strauss atrapa. El pulso
se acelera cuando Electra, la hija
de Agamenón, enfila hacia el
abismo en el final de la ópera homónima, y no solamente por la
fuerza del sonido, sino también
por su transparencia. El director
y compositor alemán concibió
como nadie a la orquesta como
un instrumento.
“Richard, el especial”, lo
califica el director alemán Christian Thielemann en una entrevista con motivo del 150 aniversario
del natalicio –hoy– de uno de los
precursores de la modernidad y
del compositor de ópera más importante del siglo XX.
Para Thielemann, la música
de Strauss está tan bien escrita
Es como
Wagner o
Mozart. La
música de
Strauss conmueve a la
gente aún
hoy.”
Christian
Thielemann
director
15
óperas
creó Richard Strauss
que no perderá su vigencia en el
futuro. “Es como Wagner o Mozart. La música de Strauss conmueve a la gente aún hoy. Y no
ha perdido nada de actualidad”.
Nacido en 1864 en Múnich,
Richard Strauss mostró desde
temprana edad su espectacular
talento musical. A los tres años
comenzó a tocar piano y a los seis
ya componía.
Se inició en la profesión de
músico como asistente de director a los 21 años en Meiningen
junto a Hans von Bülow, quien
vería en él al legítimo sucesor de
Richard Wagner. Strauss compuso primeramente música instrumental, en la que destaca su
Burlesca para piano y orquesta
de 1886.
Tras Meiningen asumió la dirección de orquesta en Múnich,
Weimar y nuevamente en Múnich. Allí conoció a la que sería
posteriormente su mujer, Pauline. Su relación dio paso a una
nueva etapa creativa.
Tras los primeros poemas
sinfónicos Macbeth y De Italia,
su obra Don Juan adquirió gran
popularidad. Otras piezas de
este género como Till Eulenspiegel y Así habló Zarathustra lo
catapultaron definitivamente a
la fama.
El majestuoso comienzo de
esta última fue empleado en 1968
por el cineasta Stanley Kubrick
para su 2001: Odisea en el espacio
y se convirtió en parte de la historia de la música pop.
Tuvo un solo gran fracaso: la
primera ópera, Guntram (1893).
“Nunca olvidaría este revés, ni
siquiera en sus últimas semanas
de vida”, apunta Bryan Gilliam
en la biografía Vida de Richard
Strauss.
La llegada del nuevo siglo fue
escenario de su meteórico ascenso y la ciudad de Dresde, la
cuna de sus óperas. Allí estrenó
de 1901 a 1911 cuatro de ellas: Necesidad de fuego, Salomé, Electra
y El caballero de la rosa.
Strauss lanzó nueve de sus 15
óperas en Dresde, que describió
como “el Dorado de los estrenos”, y trabajó con libretistas
de la talla de Hugo von Hofmannsthal y Stefan Zweig.
El compositor alemán Richard Strauss.
4 : e x p r e s i o n e s M i é r c o l e s 1 1 d e j u n i o d e 2 0 14 : e xc e ls i o r
AJEDREZ
Por Arturo Xicoténcatl
Justo cuando gana, se despeña
Topálov recibe un golpe de
KO y juega groggy
No hay críticos más despiadados que los ajedrecistas. Topálov despliega
una ofensiva posicional en flanco de dama y después de 31 movimientos
alcanza ventaja decisiva, justo en ese momento, comete un error que
cambia la valoración del juego. Sufre, como sucede en este tipo de juegos,
un shock. Giri aprovecha el error y le conecta un golpe que deja groggy
al búlgaro, en el tablero se plasma el error tras el error. El exmonarca
mundial se ha de haber flagelado verbalmente sin expresar ninguna
palabra de ternura ni comprensión.
Blancas: Anish Giri, Holanda, 2,752.
Negras: Vesselin Topálov, Bulgaria, 2,772.
Defensa Siciliana, Ritcher-Rauzer, B67.
R-5, Norway Chess, Stavanger, 08-08-2014.
1.e4 c5 2.Cf3 d6 3.d4 cxd4 4.Cxd4 Cf6 5.Cc3 Cc6 Ataque
Ritcher Rauzer. El siguiente movimiento de las blancas impide la
formación del Dragón con g6. 6.Ag5 Este lance impide g6 porque las
blancas tras Axf6 dañan la estructura negra. 6...e6 7.Dd2 a6 8.0–
0–0 Ad7 9.f4 Bronstein-Ragozin, 1949, 1–0. 9...b5 Si usted observa
la posición en la jugada 5 se dará cuenta que este ataque tan natural que
aparece con frecuencia en la Siciliana no puede llevarse más temprano
por la presencia del C en c6. 10.Axf6 gxf6 La formación central negra
es sólida. La captura con peón obedece a la idea, en esta línea, de llevar a
la Dama a flanco dama con intenciones ofensivas. 11.Rb1 b4 12.Cce2
Db6 Shirov-Kozul, 0–1, 2007. 13.De1 Tc8 14.h4 Un fino movimiento
estratégico de Giri en relación con la idea de incorporar, activar, a la
TR por la tercera fila. Las negras están mejor desarrolladas y pueden
conectar sus torres más rápido que las blancas. 14...Ca5 15.Cc1 Cc4
16.Th3 a5 La ofensiva negra crece en forma gradual. [16...e5 17.Cf5 Dc6
18.Tf3 a5] 17.Axc4 [17.h5 a4 18.Tf3 Tg8 19.Axc4 Txc4 20.Df2 e5 21.fxe5
dxe5 con ligera ventaja de las negras.] 17...Txc4 Las blancas desahogan
un poco la presión y ceden la pareja 18.Thd3 h5 19.g3 Ae7 20.De2
Ac8 21.T3d2 Se anticipan a la manifiesta intención de las negras de
instalar el alfil en a6. 21...Aa6 22.Df3 a4 23.Cce2 Ab7 24.Dd3
Giri juega con exactitud la defensa ante un fuerte jugador como Topálov.
Hay tensión en la lucha. 24...Tc5 25.c4 Rf8 26.b3 Tg8 [26...axb3
27.axb3 Rg7 28.De3 Ta8 -/+] 27.bxa4 Da6 28.Cb5 Rg7 29.Ced4
Dxa4 [29...Tgc8 30.Tc2 Da8 31.Te1 Dxa4=] 30.f5 Te5 31 .Te1 Según los
engines las negras tienen ventaja decisiva. Se puede interpretar por la
presión que ejercen en las casillas centrales y al control que tienen en d5
donde pueden hacer un rompimiento; las blancas no pueden capturar
con e4. La torre de g puede instalarse en d8. Justo en este momento
Topálov mueve su rey y pierde la ventaja señalada por las máquinas.
31...Rh8 32.Cf3! Y ahora las blancas tienen signo de victoria. Se
muestra debilidad en d6 y el caballo no podría ser clavado por el doblete
en f7. 32...exf5 33.Cxe5 fxe5 34.Cxd6 b3 35.Cxb7 bxa2+
36.Ra1 Db4 37.De3 La dama toca h6 con ideas asesinas. 37...f4
38.gxf4 Axh4 Con la posición en equilibrio inestable se suceden
errores gruesos como un boxeador que ha sido tocado por un golpe
de nocaut que lo deja groggy. Y trastabilla. 39.Th1 Dxb7 40.fxe5
Tg4 41.Dh6+ Rg8 42.Dxh5 Dxe4 43.Td8+ 0-1 . Las negras
abandonan. Si: 43...Axd8 [43...Rg7 44.Dh8+ Rg6 45.Td6+ Rf5 46.Tf6+
Axf6 (46...Rxe5 47.Txf7+ Re6 48.De8+ Rd6 49.Td1+ Dd4+ 50.Txd4+ Txd4
51.Td7+ Rc5 52.De5+ Rb4 53.Dxd4 Af6 54.Tb7+ Ra4 55.Dxf6 Ra5 56.Tb2
Ra4 57.Da6#) 47.Dxf6++] 44.Dh8++.
<
>
Pago en Especie
Festeja con muestra
de sus fundadores
Reunirán la obra de Tamayo, Rivera, Anguiano, Goeritz, Rojo, Felguérez y
Cuevas dentro de las renovadas salas del museo que cumple 20 años
por juan carlos talavera
[email protected]
E
Posición ganadora de Topálov, con negras tras 31. Te1 de las blancas que conduce
Anish Giri. El exmonarca movió su rey a h8 y le respondieron con 32. Cf3! y perdió el
juego.
Con Krámnik, Carlsen y Caruana
Karjakin se suma a los
líderes en el Norway Chess
En largo final de 131 movimientos
el gran maestro Sergey Karjakin,
con las piezas negras, derrotó al
joven holandés Anish Giri durante
la séptima y antepenúltima
ronda del emocionante Torneo
Norway Chess que se desarrolla en
Stavanger, Noruega. Con el triunfo
de Karjakin el certamen tiene
cuatro líderes: Krámnik, Carlsen,
Karjakin y Caruana.
Karjakin y Giri se enfrascaron
en una dura lucha de piezas
pesadas y peones en flanco dama.
Giri ganó calidad sólo que Karjakin
penetró en la cerrada defensa con
su dama y ante una imprecisión
del holandés tendió una red de
mate.
Los juegos restantes
finalizaron en tablas. Repartieron
el punto Svídler-Agdestein
que llegó a siete empates
consecutivos; CaruanaTopálov, Carlsen-Grischuk y
Krámnik-Aronian.
Clasificación a la séptima
ronda:
1º. Vladimir Krámnik, Magnus
Carlsen, ambos con 13.75 de
Sonnenborg-Berger; Sergey
Karjakin y Fabiano Caruana, con
13. De SB y los cuatro con cuatro
puntos reales.
5º.Simen Agdestrein y Alexander
Grischuk con 3.5 puntos.
7º. empatados con 3 puntos:
Topálov, Aronian, Svídler y Giri.
El jueves, la octava ronda:
Levon Aronian – Fabiano Caruana
Sergey Karjakin – Vladimir
Kramnik
Alexander Grischuk – Anish Giri
Peter Svidler – Magnus Carlsen
Simen Agdestein – Veselin
Topálov.
Sergey Karjakin
Foto: Especial
Foto: Cortesía Pago en especie
Los artistas Raúl
Anguiano, David
Alfaro Siqueiros y
el político Hugo B.
Margáin fueron los
promotores.
n noviembre será
reunida la obra
de Rufino Tamayo, Diego Rivera,
Raúl Anguiano,
Mathias Goeritz,
Vicente Rojo, Manuel Felguérez
y José Luis Cuevas, proveniente
de la colección Pago en Especie, dentro de la renovada Sala
de Fundadores del Museo de la
SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado, para celebrar los 20
años de la apertura de este recinto, explicó a Excélsior José Ramón San Cristóbal Larrea.
También adelantó que su
equipo está en proceso de proyectar el montaje de seis nuevas
exposiciones con obra de artistas
clásicos y de reciente adquisición
en dicha colección, así como la
colocación de una placa conmemorativa en la fachada del museo
y la posible emisión de un timbre
postal conmemorativo para mostrar la importancia del museo y
su colección.
“Tendremos al menos seis
exposiciones en las salas temporales de todo el museo, con
distintas piezas de la colección,
pues la idea es que además de
montar la Sala de Fundadores
en el Museo de la SHCP, tengamos ocupadas todas las salas del
museo”, precisó.
Paralelamente se llevará a
Tendremos
al menos seis
exposiciones
en las salas
temporales
de todo el
museo.”
Además de
montar la
Sala de Fundadores en
el Museo de
la SHCP,
tengamos
ocupadas todas las salas
del museo.”
José Ramón San
Cristóbal Larrea
director
cabo la edición de un libro conmemorativo para mostrar la obra
que ha ingresado a la colección
a lo largo de estos 20 años, y se
complementará con una serie de
conferencias que serán dictadas
por críticos y conocedores en el
mundo del arte.
¿Cuáles son las piezas fundadoras de la colección?, se le
pregunta al funcionario. “Algunas de las que podemos mencionar son: El estudio del artista y
Rompiendo el Hielo del Danubio
en Bratislava de Diego Rivera, El
Beso de Raúl Anguiano, La Venus fotogénica de Rufino Tamayo, Río Revuelto de José Chávez
Morado y Zapata de Adolfo Best
Maugard”.
Aunque también están: Fusilamiento de Arturo García
Bustos, Tarros y sandías en la
ventana con trabajadores del asfalto de Rina Lazo, Figura con
vaso blanco de Ricardo Martínez, Desde el templo de las inscripciones de Nicolás Moreno,
La manda de Luis Nishizawa, La
niña Muerta de José Reyes Meza
y La novia y el Lechero de Antonio
Ruiz El Corcito.
Cabe recordar que la Colección de Pago en Especie del
Museo de la SHCP cuenta con
un total de cuatro mil 611 obras
de 745 artistas, donde cuatro
mil 395 piezas fueron recibidas
a partir del programa y 216 han
sido donaciones.
En opinión de Ramón San
Cristóbal, ésta es la más importante colección de arte contemporáneo mexicano. “Hay que
comprender que aquí tenemos
obras que vienen desde lo que sería la Escuela Mexicana de Pintura, pasando por la Ruptura y
el arte contemporáneo, es decir,
abarca tres periodos muy importantes en la historia del arte que
son fácilmente identificables”.
“Y aunque existen colecciones importantes como las del
INAH, el INBA y Jumex, la nuestra es la cuarta más importante
en todo el país, aunque me parece que enfocado al tema de arte
contemporáneo es la importante
porque es la que tiene el mayor
número de expresiones”, añade.
¿Cuáles son los artistas plásticos que más recientemente se
han incorporado a la colección
del Pago en Especie? “Hay distintos artistas que se acaban de
incorporar, como Amador Montes, Demián Flores y otros 15
artistas oaxaqueños, así como
Nacho Rodríguez Bach, Jonathan Hernández y el argentino Máximo González.
Por último, el funcionario
también dio a conocer que el Museo de la SHCP está trabajando
con el Instituto de Investigaciones Estéticas (IIE) de la UNAM
para mostrar toda la obra de la
colección de Pago en Especie en
línea, esto para que sea consultada tanto por el público mexicano
como extranjero.
Documenta Banamex apoyo cultural
por luis carlos sánchez
[email protected]
De los 190 millones de pesos
que Banamex invirtió en 2013
como parte de sus programas
de Fomento Social, el 45 por
ciento correspondió a actividades culturales. De acuerdo con
el Informe de Compromiso Social, Ciudadanía Corporativa y
Desarrollo Sostenible, dado a
conocer ayer, la institución financiera invirtió un total de
84.8 millones de pesos en diferentes actividades que incluyeron exposiciones, programas de
apoyo artesanal, publicaciones,
así como restauración y conservación del patrimonio cultural.
“Somos fomento y no funda-
ción porque lo que está atrás de dial de Naciones Unidas, detala concepción de nuestras áreas lla la actividad que durante el
de compromiso es justamente año pasado tuvo la firma en los
la idea de promover, de fomen- cuatro rubros de actividad benétar, de participar desde
fica: la ecológica, social,
una perspectiva acde educación financieLa mitad
tiva. Pensando en fora y cultural. En este
El 45 por
mento cultural lo que
último, destaca la orciento del
estamos buscando es
ganización de 25 expoapoyo de
la promoción del desasiciones con las que se
Banamex
rrollo a través de la culalcanzó la cifra de dos
correspondió
tura, este es quizás uno
millones 734 mil 208
a actividades
de los objetivos más
visitantes.
culturales.
importantes”, afirmó
“En 2013 logramos
Andrés Albo, director
una asistencia a nuesde Compromiso Social
tras exposiciones releBanamex.
vante de más de dos millones 700
El documento, elaborado mil visitantes, resalto el caso de
bajo los lineamientos del GRI cinco exposiciones que se rea(Global Reporting Initiative) y lizaron en el extranjero, una de
los principios del Pacto Mun- ellas en el Museo de Louvre (so-
bre pintura novohispana) y hasta
donde tengo conocimiento es la
primera vez que una institución
financiera en el mundo presenta
una exposición en el que puede
ser para muchos el museo más
importante del mundo”, dijo.
El reporte contabiliza un total
de 4.3 millones de personas beneficiadas con las cuatro áreas de
fomento. De acuerdo con Albo,
actualmente la institución financiera elabora una herramienta de
medición que registre el retorno
social real que tiene la inversión.
Los programas de fomento del banco surgieron hace 43
años; desde entonces a partir de
ellos se han organizado 520 exposiciones nacionales e internacionales.
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e xc e ls i o r : M i é r c o l e s 1 1 d e j u n i o d e 2 0 14 1
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Título: La invención de la realidad
compiladora: Paula Parisot
brAsL
I ,
Editorial: Cal y Arena, 2013, 282 pp.
6
un mapa
literario
9
10
11
La brasileña Paula Parisot lanza, para el público hispanohablante, la antología
La invención de la realidad, una reunión de 21 relatos de autores contemporáneos
¿Quiénes son?
por Víctor Manuel Torres
[email protected]
T
1 Marçal Aquino
razar la inmensa
cartografía literaria del Brasil de
hoy, a través de
una reunión de
21 voces distintas que representan en conjunto
la realidad actual de un pueblo
que, todo música, barullo y violencia, está en la víspera de no
ser otra cosa que futbol durante
un mes a partir de mañana, es lo
que intenta ser la antología La
invención de la realidad, de Paula Parisot.
En entrevista, la también novelista nacida en Río de Janeiro
—autora de La dama de la soledad— explica cuáles fueron los
criterios para seleccionar a los
21 escritores, “todos vivos, todos en activo”, que conforman la
compilación publicada por Cal
y Arena y traducida por Regina
Crespo y Rodolfo Mata.
“Fue muy difícil, un verdadero sufrimiento; nunca pensé
que fuera algo que iba a costarme tanto trabajo. Al principio creí que iba a poder incluir
a más escritores, pero no tenía
más espacio, pero se tuvo que
hacer una selección.”
En primer lugar, detalla,
hubo escritores “definitivamente no podían quedar fuera, porque son autores de gran
prestigio, no sólo los consagra-
(Amparo, 1958), es un periodista,
escritor y guionista de cine. Ha
publicado, entre otros libros, O
amor e outros objetos pontiagudos y Eureceberia as piores
noticias de seus lindos lábios.
2 João Anzanello
Carrascoza
(Sao Paulo, 1962), es publicista y
profesor de la Universidad de
Sao Paulo. Ha publicado O
volume do silencio, Espinhos e
alfinetes, Amores mìnimos y
Aquela agua toda, entre otros.
3 João Paulo
Cuenca
(Río de Janeiro, 1978), es autor de
las novelas Corpo presente
(2003), O dia Mastroianni (2007),
O único final feliz para una
historia de amor é um accidente
(2010) y una obra de teatro.
12
dos, como los llamados cuatro
grandes de Brasil (se refiere a
Lygia Fagundes Telles, Rubem
Fonseca, Dalton Trevisan y
João Ubaldo Ribeiro). Esos son
los grandes que no podían faltar, porque continúan creando”.
Pero, continúa Parisot, existe también una generación cuyas edades oscilan entre 50 y
70 años, como Cristovão Tezza, Luiz Ruffato, y también gozan de gran prestigio. “Por ello
también tenía que incluirlos,
porque eso proporciona al lector
un gran panorama de la gente
que ha publicado, que tras de sí
tiene ya una obra, no es alguien
que escribió un libro y se quedó
ahí, sino que sigue trabajando.”
Y sin pretender olvidar ningún nombre, menciona en ese
rubro a varios antologados.
“Me viene a la mente Milton
Hatoum, Patricia Melo, Elvira
Vigna, João Anzanello Carrascoza, uno de los grandes cuentistas brasileños, que además es
alguien muy particular, porque
escribe sobre las pequeñas epifanías diarias que parecerían
muy simples, porque estamos
muy acostumbrados a escuchar
y leer sobre la violencia brasileña, como lo que hacen Fonseca o
Marçal Aquino, pero Carrascoza escribe con un tono muy íntimo; también está Ana Miranda,
fabulosa escritora, que nos entregó un cuento acerca de una
mujer que va a recibir dos visitas; ese relato está basado, sin
mencionar sus nombres, en una
visita real que Vinicius de Moraes y Chico Buarque le hicieron
a Clarice Lispector.
Todos vivos
Todos los antologados son escritores vivos, asegura Parisot.
“Todos siguen escribiendo. No
vas a encontrar a Clarice, Machado de Assís, nada, sólo los
vivos, para mostrar lo que es-
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14
16
tamos haciendo hoy en términos literarios en Brasil; esa es la
finalidad de la antología. También incluí a escritores jóvenes,
de mi generación, porque creí
importante mostrar que existe
gente menor de 40 años haciendo literatura de calidad.”
—¿No ha recibido reclamos
de gente excluida?
—Siempre hay, pero no directamente. Este libro además
no circuló en Brasil, porque no
tenía sentido dar a conocer escritores que en mi país son demasiado conocidos, no tenía
sentido, aunque debo decir que
la editorial que me publica está
tratando de comprar los derechos de Cal y Arena.
Decanos
João Ubaldo Ribeiro (Bahía,
1941): “Él es un gran escritor,
pero también un gran periodista, y muy divertido. Tenemos
la idea de que la literatura está
sólo en los libros y lo que no está
en ellos no es literatura. En Brasil la crónica periodística es algo
muy arraigado, con gran tradición, muy fuerte; incluso se sabe
que Brasil es uno de los países en
donde más se publica crónica en
los periódicos. Ese mirar lo cotidiano y registrarlo.
Dalton Trevisan (Curitiba,
1925): “Él es uno de nuestros
grandes cuentistas. Para mí fue
una gran satisfacción tenerlo en
el libro, porque es una persona
muy inaccesible, difícil: no tiene correo electrónico, no atiende sus llamadas telefónicas, y
cruzar datos y llamados con su
sello editorial resultó al final
como una novela, pero luego,
un buen día, llegó a mí, a través
de una carta, la autorización de
Dalton. Feliz”.
Rubem Fonseca (Minas Gerais, 1925): “Para mí, pienso que
le aprendí en muchas etapas. Se
sentaba a pensar conmigo la literatura; enseña a mirar. Rubem es generoso, te enseña todo
lo que sabe, desde cómo se hace
una investigación (literaria),
pero su gran pasión es la poesía;
pienso que fue en ese terreno en
donde nos encontramos: nuestro amor a la poesía. Aunque él
no es poeta, en México está por
lanzarse un libro de relatos cortos con algo de poesía: corto y
bruto, eso es Fonseca: él no va a
escribir poemas de amor”.
17
4 Rubens Figueiredo
(Rio de Janeiro, 1956), se formó
en portugués y ruso en la Facultad de Letras de la Universidad
Federal de Río de Janeiro. Sus
libros más recientes: Contos de
Pedro y Passageiro do fim do dia.
6 Milton Hatoum
(Manaos, 1952) se graduó en
Arquitectura en la Universidad
de Sao Paulo. Sus novelas Relato
de um certo Oriente, Dois irmaos,
Cinzas do Norte y Órfaos de
Eldorado han recibido premios.
8 Patricia Melo
(Assis, 1962) es dramaturga,
guionista y escritora. Entre
sus obras más conocidas
figuran O matador, Inferno,
Valsa negra y Escrevendo no
escuro.
19
20
5
7 Michel Laub
(Rio Grande do Sul, 1973), vive
actualmente en Sao Paulo. Ha
publicado cinco novelas. Los
derechos de Diário da queda
fueron adquiridos para una
adaptación cinematográfica.
9 Ana Miranda
(Ceará, 1951), es novelista y
poeta. Realiza un trabajo de
redescubrimiento, valoración y
diálogo con las obras y autores
de la tradición literaria brasileña.
Su obra integra más de 20 libros.
11 João Gilberto Noll
(Rio Grande do Sul, 1958) es
escritora, periodista y guionista,
además de maestra en Teoría
Literaria. Es autora de O reino
das cebolas, Dosiguales y Anotaçoes durante o incendio.
(Rio Grande do Sul, 1946), es
autor de O cejo e a dançarina, A
fúria do corpo, Bandoleiros, A
máquina do ser. Su novela
Harmada fue incluida entre los
100 libros brasileños esenciales.
12 João Ubaldo Ribeiro
(Bahía, 1941), es uno de los más
importantes escritores brasileños contemporáneos, autor de
Viva o povo brasileiro y Sargento
Getúlio. Miembro de la Academia
Brasileira de Letras.
13 Luiz Ruffato
(Cartaguases, 1961), es autor
de los libros Eles eram muitos
cavalos, De mim já nem se
lembra, Estive em Lisboa e
lembrei de voce y la pentalogía Infierno Provisório.
14 Deonísio Da Silva
15 Veronica Stigger
(Santa Catarina, 1948), es autor
de varios libros entre los que se
cuentan Avante, soldados: para
atrás, Premio Internacional Casa
de las Américas, con jurado
presidido por José Saramago.
(Rio Grande do Sul, 1973), es
escritora, crítica de arte y profesora. Es autora de O trágico e
outras comédias, Gran Cabaret
Demenzial, Os anoes, Massamorada y Delirio de Damasco.
16 Lygia Fagundes
Telles
17 Cristovao Tezza
18 Dalton Trevisan
19 Elvira Vigna
(Sao Paulo, 1923), es una de las
escritoras brasileñas más
importantes. Es autora de más
de 30 libros, entre novelas,
cuentos y memorias, algunos ya
fueron adaptados a la televisión.
(Curitiba, 1925), comenzó su
carrera a los 20 años con Sonata
ao luar. Ha publicado más de 40
libros en Brasil y en el exterior,
entre los que se cuentan O
Maníaco do olho verde.
21
(Minas Gerais, 1925), es novelista, cuentista y guionista de
cine. Entre los varios premios
que ha recibido, figuran, en
2003, el Premio Camoes y el
Premio Juan Rulfo.
10 Cíntia Moscovich
20 Joca Reiners
Terron
18
5 Rubem Fonseca
(Mato Grosso, 1968) es autor de
Curva de rio sujo, Hotel Hell,
Sonho interrompido por guilhotina, Nao há nada lá, Guia de ruas
sem saída y A tristeza extraodinaria do leopardo-das-neves.
(Santa Catarina, 1952), es autor
de más de una decena de libros
de ficción. Su novela O filho
eterno se publicó en 13 países
incluyendo México. Ha recibido
los más importantes premios.
(Rio de Janeiro, 1947), es autora
de los libros Coisas que os
homeus nao entendem, Nada a
dizer y, más recientemente, O
que deu para fazer em matéria
de história de amor.
21 Adriana Lisboa
(Rio de Janeiro, 1970), ha escrito
las novelas Hanói, Azul-corvo y
Sinfonía em branco, además de
obras para niños y jóvenes.
Recibió los premios José Saramago y Moinho Santista.
6 : e x p r e s i o n e s M i é r c o l e s 1 1 d e j u n i o d e 2 0 14 : e xc e ls i o r
<museo rufino tamayo>
Arquitectura y teatralidad
E
por sonia ávila
[email protected]
n 1787 Grigory
Potemkin, un
militar y político ruso, ordenó construir
fachadas falsas
de casas y negocios para montar una suerte de escenario de
una ciudad próspera dentro de
las tierras recién conquistadas
en Crimea que en realidad estaban desoladas; el montaje se
hizo para ofrecer un recorrido a
la reina Catalina II, quien financiaba las expediciones.
La leyenda cuenta que conforme avanzaba el convoy de la
reina, los aliados de Potemkin
desmontaban la escenografía
para colocarla más adelante, y
así alargar el camino de una urbe
ficticia llena de utopías de un desarrollo económico y político.
La anécdota es el punto de referencia de la exposición El teatro
del mundo, que se inaugura mañana en el Museo Rufino Tamayo Arte Contemporáneo, la cual
cuestiona la teatralidad alrededor de la arquitectura en las ciudades, desde los rascacielos y los
monumentos históricos, hasta el
trazo de zonas habitacionales y
regiones industriales que responden a un contexto políticosocial específico.
Con la curaduría de Andrea
Torreblanca, la muestra se compone de 25 obras —fotografía,
escultura, video, instalación y
dibujos— de 21 artistas quienes
en conjunto reflexionan el concepto del “teatro del mundo”
que se ha usado también en la literatura de Calderón de la Barca y Shakespeare para referir a la
arquitectura como un escenario
distinto a la realidad.
“El teatro del mundo es un
concepto que se ha usado desde
la antigüedad y hace referencia
a que el mundo es un escenario
donde todos tenemos un rol establecido, la arquitectura funciona
como ese escenario, y da pie para
hablar de temas como nacionalismo, representación de la cultura e identidad.
La exposición es un recorrido que nos permite ver diversos
momentos de la historia representados en el arte”, detalla en
entrevista Torreblanca.
Sin seguir un orden cronológico, el discurso curatorial presenta el trabajo de artistas que
abordan problemas sociales, políticos y económicos desde revisiones del entorno urbano. Es el
caso de la instalación Ciudad doblada, de Carlos Garaicoa (Cuba,
1967), quien dibujó en cartón las
fachadas de edificios emblemáticos para formar una maqueta
que refiere a la función social de
la arquitectura.
Mientras que Meschac Gaba
(República de Benín, África,
1961) presenta Trenzas, una serie
de pelucas con cabello trenzado
que toman la forma de edificios
de Alemania y Francia en una
crítica a los rascacielos como
símbolos de un desarrollo irreal.
“Otras obras son más irónicas con un sentido del humor que
igual abordan cómo se adornan
las ciudades, cómo se ornamentan para un evento mundial, un
evento deportivo o cuando llega un diplomático. Otros artistas analizan hechos particulares
desde la idea de utopía y sus fracasos”, añade.
Aquí se insertan trabajos
como la serie fotográfica Costa
esqueleto, de Alexander Apóstol (Venezuela, 1969), quien se
propuso retratar las estructuras
metálicas de hoteles y centros de
diversión en la zona turística de
Venezuela, pero que quedaron
sin concluir y en abandono por
la crisis económica.
“Vemos una representación
de utopías y promesas fallidas
donde el monumento es un espectáculo”, concluye.
Una muestra cuestiona la “ficción” de los rascacielos, los monumentos históricos, el trazo de zonas
habitacionales y regiones industriales que responden a un contexto político-social específico
El concepto del “teatro del mundo” se ha usado en la literatura de Calderón de la Barca y Shakespeare para referirse a la arquitectura como un escenario distinto a la realidad.
¿dónde y
cuándo?
Antígona. Exposición
documental y El Teatro
del Mundo se inauguran
mañana a las 19:30
horas en el Museo
Rufino Tamayo Arte
Contemporáneo. Paseo
de la Reforma 51,
Bosque de Chapultepec
Fotos: Diego Mateos
<antígona. exposición documental>
Tamayo, sobre el escenario
Vemos una
representación de
promesas fallidas donde
el monumento es un
espectáculo.”
El teatro del
mundo es un
concepto que
se ha usado desde la
antigüedad.”
En 1959, el pintor
oaxaqueño participó con
el diseño del vestuario y
escenario de una coreografía que se presentó
en el Royal Opera House
por sonia ávila
[email protected]
El pintor imprimió la iconografía de la cultura mexicana.
andrea
torreblanca
ella curó la muestra
Imágenes: Cortesía Museo Rufino Tamayo Arte Contemporáneo
Este trabajo se activa a partir
del archivo de Tamayo que hemos recibido de la familia.”
juan carlos pereda, curador de la exposición
Sin perder los elementos universales de la historia griega,
Rufino Tamayo imprimió la iconografía de la cultura mexicana
en el ballet Antígona, del Covent
Garden de Londres en 1959, en
el que participó con el diseño
del vestuario y escenario de la
coreografía que se presentó en
el Royal Opera House como una
propuesta innovadora.
A medio siglo de su estreno,
los bocetos originales, fotografías y documentos periodísticos
sobre este trabajo escénico del
pintor mexicano se revelan en
la muestra Antígona. Exposición
documental, que se presenta en
el Museo Rufino Tamayo a partir
de una revisión del archivo personal del artista.
“Este trabajo se activa a partir del archivo de Tamayo que
hemos recibido de la familia, y
se trata de un episodio poco conocido que hizo el pintor en Londres cuando lo invitan a hacer la
escenografía y vestuario para
Antígona; este ballet era una pieza hecha por el coreógrafo John
Cranko y el músico Mikis Theodorakis”, cuenta Juan Carlos Pereda, curador de la exhibición.
En entrevista el investigador
detalla que si bien Tamayo había
participado en un trabajo similar
años antes, éste fue la máxima
participación del pintor en un
ejercicio escénico, no sólo por
ser un trabajo interdisciplinario,
sino porque consiguió llevar la su
cosmovisión del arte mexicano a
escenario europeos.
“El Covant lo invita porque
para esa época ya es un artista innovador, contemporáneo con reconocimiento internacional y la
fundadora del ballet hace un grupo interdisciplinario para realizar el ballet atípico, diferente al
lenguaje clásico, quiere renovar,
y reconoce en Tamayo esta propuesta. Me parece que esta invitación es un reconocimiento a la
obra del pintor”, añade.
La muestra se compone de
documentos, fotografías y recortes de prensa que dan cuenta
del montaje; además por primera vez se muestran los 14 diseños
originales que Tamayo realizó
para el ballet, y en algunos incluso hay muestras de telas para
los vestuarios.
Pereda detalla que en la estética tanto de los vestidos como
del escenario hay referentes a
iconografía mexicana que Tamayo plasmó en toda su obra pictórica, aunque nunca se perdió la
esencia de la historia griega. Por
ejemplo, el escenario tiene una
greca en forma de triángulo que
el artista retomó de la arquitectura de las iglesias oaxaqueñas,
y lo mismo se halla en sus óleos.
A decir del curador, la revaloración del archivo del pintor
revela su extensa producción durante más de 70 años que no se limitó a la obra de caballete: “Aún
nos falta descubrir muchas otras
facetas de Tamayo, un artista interdisciplinario”, concluye.
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e xc e ls i o r : M i é r c o l e s 1 1 d e j u n i o d e 2 0 14 <Fondo Nacional de Gran Bretaña>
explanada del palacio
Autentifican un Rembrandt
Pruebas científicas confirman que la obra fue realizada por el holandés
ap
[email protected]
Foto: David Solís
Unifican piso de Bellas Artes
Como parte de las obras que la Autoridad del Espacio
Público del Distrito Federal lleva a cabo en la calle Ángela
Peralta (que conecta la Alameda Central con el Palacio
de Bellas Artes), comenzaron las labores para “unificar
las banquetas” en toda el área, informó la oficina de
prensa del Instituto Nacional de Bellas Artes.
LONDRES.- Pruebas científicas confirmaron que una pintura donada al Fondo Nacional de
Gran Bretaña por un adinerado
mecenas, es un autorretrato de
Rembrandt que vale decenas de
millones de dólares.
Durante años se creyó que el
retrato del artista luciendo una
gorra con una pluma blanca pertenecía a uno de los pupilos de
Rembrandt y se dijo que reproducía “el estilo” del maestro holandés del siglo XVII.
Pero el año pasado Ernst van
de Wetering, el principal experto
en la obra de maestro holandés,
declaró que la pintura era genuina y el Fondo Nacional informó el
martes que las pruebas practicadas a la obra, la firma y el marco
de madera confirman su autenticidad. Rembradt habría pintado
el autorretrato en 1635, cuando
Expertos de la Universidad de Cambridge analizaron la obra.
Foto: AP
tenía 29 años.
Expertos de la Universidad de
Cambridge analizaron la estructura celular del panel de madera
en el que se pintó el retrato —álamo o sauce, un tipo favorecido
por Rembrandt— y usaron radiografías para revelar cambios
a la composición con el paso
del tiempo, también típico del
artista. Los pigmentos, incluyendo el mineral azurita y azul
cobalto, también fueron conse-
cuentes con aquellos usados por
Rembrandt.
“El barniz estaba tan amarillo
que era difícil ver lo hermoso que
está hecho el retrato”, dijo David Taylor, curador de pinturas
y esculturas del Fondo Nacional.
“Ahora uno de verdad puede ver
todos los tonos de la piel y otros
colores, así como el modo en
que la pintura se manejó. Ahora es mucho más fácil apreciarlo
como un Rembrandt.”
8 : e x p r e s i o n e s M i é r c o l e s 1 1 d e j u n i o d e 2 0 14 : e xc e ls i o r