revista Parteaguas - Gobierno del Estado de Aguascalientes

x a niversa rio
Manuel Alberto Solís Mendoza
El imperio de lo atroz
sobre la barbarie y la violencia
Distritro Federal
[página 3]
Yoallith Moreno Martínez
El monumento
Santiago de Anaya, Hidalgo
[página 97]
Pável Mora Delgado
Paisaje arbolado
Cuernavaca, Morelos
[página 109]
Adolfo Camacho Silva
100 kg-36
Distritro Federal
[página 127]
Presentación
D I R E C T O R I O
Ing. Carlos Lozano de la Torre
Gobernador Constitucional del
Estado de Aguascalientes
Lic. Dulce María Rivas Godoy
Directora General del
Instituto Cultural de Aguascalientes
REVISTA PARTEAGUAS
Dirección
Patricia Guajardo Garza
Coordinación editorial
Araceli Suárez Aroche
Diseño gráf ico
Patricia Espínola Ayala
Araceli Suárez Aroche
Corrección de estilo
Mariana Torres Ruiz
Patricia Guajardo Garza
Emmanuel Ruiz Castellanos
Revisión de pruebas
Rocío Reyna Ortega
Captura
Gabriela Gómez Serrano
María de Jesús Gutiérrez
Distribución y ventas
Sonia Melgarejo de la Loza
Consejo editorial
Mariana Torres Ruiz
José Luis Justes Amador
Colaboración especial
Archivo General del ica, agica
Coordinación de Comunicación ica
Juan Castañeda
Jaime Lara
Nueva época, núm. 35
ARTE JOVEN
Precio $40.00
Publicación cuatrimestral del
Instituto Cultural de Aguascalientes
Dirección Editorial,
Venustiano Carranza 101, Centro Histórico
Aguascalientes, 20000, México
Tel. (449) 9183669 y 9158819
Impresa en México
Certif icado de Reserva Núm.
04-2009-051916365700-102
Toda correspondencia, incluyendo
colaboraciones, deberá dirigirse a
[email protected]
Parteaguas es una publicación sin f ines de lucro. La opinión expresada en los artículos es de los autores y no necesariamente
compartida por el
Instituto Cultural de Aguascalientes.
“Un foro abierto a la reflexión sobre la vida social y
cultural que promueve, bajo el principio del respeto a la diferencia, la publicación de diversos temas y puntos de vista”. Bajo esta premisa se presentó,
en junio de 2005, el primer número de Parteaguas, la nueva revista del Instituto Cultural de Aguascalientes. Desde entonces, más de mil colaboradores
han hecho posibles 35 números a lo largo de los cuales la edición ha experimentado varios cambios; quizá dos de los más significativos son: la apertura
de una sección dedicada exclusivamente a la creación artística y la oferta de
descarga gratuita en línea. Queremos celebrar este número de décimo aniversario contagiando la emoción, poderosa y única, que el arte es capaz de
generar en cada persona. Con esta idea en mente fraguamos un circuito de
gestión, para lo cual decidimos colocar ochocientas obras de arte en las casas
de nuestros lectores. No se trata de invitar a la contemplación en un espacio
museístico, vamos más allá: queremos que Fértil y bella se convierta en un
objeto de deseo y sea posible, realmente, poseerlo. Lo encartamos en este
número para ti.
Esta celebración es también un pretexto para difundir y potenciar la técnica ancestral que dio fama a José Guadalupe Posada y que se mantiene viva
como instrumento para la exploración de inquietudes creativas y producción
de imágenes contemporáneas. La obra que acompaña la presente edición
es un grabado hecho con aguatinta, aguafuerte y punta seca sobre una placa de cobre. El autor, Carlos Castañeda, es un aguascalentense egresado de
la Universidad de las Artes del ica, cuya trayectoria incluye exposiciones
individuales en México, Francia, España y Estados Unidos, y que generosamente accedió a crear, en exclusiva para Parteaguas, una imagen festiva
que, además, capturara la carga cultural de nuestra identidad, arte e historia
local. Cada una de las impresiones fue realizada en el Taller de Grabado del
emblemático Museo José Guadalupe Posada y está numerada, firmada y tiene el sello del autor y del taller.
La muerte es una imagen que compartimos, su simbolismo es una de las
más altas y complejas expresiones de nuestro espíritu macabro y divertido.
Nos motiva el sueño de hacer accesible el apasionante mundo de la gráfica
para que el espectador viva intensamente la experiencia estética, cree nuevas
interpretaciones, amplíe su universo y construya sus propios discursos. El
arte puede tener tantas lecturas como espectadores; esperamos que esta pieza, que ahora es tuya, detone emociones que comulguen naturalmente con un
sentido de pertenencia a esta tierra.
Y como en cada número, nuestros colaboradores –escritores, artistas visuales, académicos, investigadores, críticos– ponen a tu alcance otra oportunidad para confrontar, dialogar, reflexionar, disfrutar o debatir sus ideas para
construir dialógicamente este universo cultural al que pertenecemos.
El Gobierno del Estado, a través del Instituto Cultural de Aguascalientes, celebra y promueve a su gente, artistas e instituciones, pero, sobre todo,
celebra el encuentro entre creadores y público. Gracias por estos primeros
diez años.
Patricia Guajardo
Índice
ARTE
Artes plásticas
8 Dibujo y grabado
Carlos Castañeda, despojo del cuerpo
Avelina Lésper
Graciela Kartofel
Raquel Olvera
Carlos-Blas Galindo
Literatura
16 Poesía joven, un diálogo
Entrevista con Jehú Coronado,Verónica G. Arredondo, Ileana Garma-Estrella, Horacio
Lozano Warpola, Moisés Ortega y Armando Salgado
Artes escénicas
26 “André & Dorine”
Entrevista con Kulunka Teatro
32 Habitar la independencia,
charla a tres voces para celular e
inbox
Mariana Torres Ruiz
DOSSIER: ARTE JOVEN
40 Concurso Nacional para Estudiantes
de Artes Plásticas
Juan Castañeda
51 Discurso en las
narcoejecuciones
Entrevista con Trino Guerrero
55 Frontera, reflexión de la división y
el quebranto
Entrevista con Alondra Alonso
61 El astronauta, una metáfora
de la ciencia
Entrevista con Yeshua Zamora
64 Arte Joven, un mecanismo de
legitimación artística
Mayté Esparza Díaz
75 Arte Joven, premios y menciones,
1966-2015
Galería
98
Columnas
110 La sombra de Peter Pan
Sandra Reyes Carrillo
110 ((paréntessis))
Jonatan Frías
111 pasapáginas
Agustín Delgado
112 Lo normal de lo anormal
(o viceversa)
Eréndira Hernández Velasco
113 Zombis
emmanuel ruiz c.
Thema
114 Desiderio Macías Silva
y la poesía social
Roberto Bolaños Godoy
117 Importancia de la obra poética
de Desiderio Macías Silva
Ricardo Esquer
121 Una luz desfasada
Jorge Terrones
ÁGAPE
124 Canto cardenche
Entrevista con los Cardenches de Sapioriz
narrativa
128Vértigo
Fernando Yacamán
129María está preocupada porque nadie
le ayudó a preparar su presentación,
así que ensaya frente al espejo
René López Villamar
131Accidental
José Pérez
POESÍA
38 1 Papeles para el desaliento
Jesús Ramón Ibarra
72 Anoche soñé que era un dj
Frank Báez
108Cuatroveinte poemas sueltos...
José Ignacio Echeagaray Cumming
último tema
134 Jurados en en el cneap y en el enaj
En portada: Carlos Castañeda,
Fértil y bella,
aguatinta y aguafuerte sobre cobre,
23.5 x 16.5 cm, 2015.
Premio
Manuel Alberto Solís Mendoza
El imperio de lo atroz sobre la barbarie y la violencia,
óleo, temple y encausto, collage sobre lino y
madera,183 x 182 cm, políptico de 81 piezas, 2015
Distritro Federal
xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven, 2015
colaboran
en este
número
Alondra Alonso Álvarez Licenciada en Artes Visuales. Abril
2015, Selección “Concurso Nacional de Arte Joven”, Galería de la
Ciudad, Primer Patio de la Casa de la Cultura, Aguascalientes. Febrero 2015, Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico de Aguascalientes, pecda. Abril 2014, Selección “Concurso Nacional de Arte Joven”, Galería de la Ciudad. Febrero 2012.
Selección “1er. Concurso de Artes Plásticas y Gráficas 2011 Dr.
Alfonso Pérez Romo” Galería Universitaria de c. u., Aguascalientes. En septiembre de 2011 contó con el apoyo del Fondo Nacional
para la Cultura y las Artes, en su categoría de Jóvenes Creadores.
Frank Báez Santo Domingo, 1978. Es poeta y narrador. Es autor
del poemario Postales. Recientemente la editora Jai Alai Books
publicó una antología en inglés de su poesía titulada Last night I
dreamed I was a DJ.
Leonardo Barrera Macías Los Ángeles, California, 1991. En
2014 egresó de la Licenciatura en Artes Visuales de la Universidad
de las Artes en la especialidad de fotografía. A lo largo de su carrera cursó diplomados y talleres a cargo de Miguel Rodríguez, Pilar
Villela, Pavka Segura, Javier Ramírez Limón, Cannon Bernáldez,
David Corona, Adela Goldbard, Mónica Espinoza, Rafael del Rio
y Francisco Mata. En 2013 obtuvo el segundo lugar en el concurso “Plástica sobre rieles”, organizado por el Instituto Cultural de
Aguascalientes, y el presente año fue seleccionado con dos obras
en el xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven, obteniendo con su
pieza titulada Esclavos del mes, premio de adquisición. Cuenta con
más de diez exposiciones colectivas en el estado de Aguascalientes, y actualmente es esclavo.
Carlos-Blas Galindo México d.f., 1955. México. Académico,
crítico de arte, curador independiente, artista visual y artista conceptual. Ha participado en más de 100 exposiciones colectivas en
su país, Argentina, Brasil, Catalunya, Chile, Eslovaquia, España,
Estados Unidos, Grecia, Puerto Rico y Québec; obra suya se encuentra en las colecciones de la Facultad de Artes y Diseño (unam),
el Museo Nacional de la Estampa (inba), el Museo de Arte Moderno (inba), el Museo Internacional de Electrografía en Cuenca,
España, y el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca. Es autor de
los libros Enrique Guzmán. Transformador y víctima de su tiempo
(1992), y Reynaldo Velásquez. Penilunio. Texto de Carlos-Blas Galindo; textos suyos han sido traducidos al alemán, al chino, al francés, al inglés, al italiano y al ruso. [email protected]
Roberto Bolaños Godoy Aguascalientes, 1989. Es ensayista
y crítico literario. Ha sido columnista de La Jornada Aguascalien-
tes y colabora de manera habitual en la revista Parteaguas. En
2009 fue ganador del Premio Nacional de Ensayo Juan Rulfo. En
2011 fue seleccionado para participar en el Curso para Jóvenes
Creadores de la Fundación para las Letras Mexicanas, en la ciudad
de Monterrey, y en 2013 en el ix Encuentro Nacional de Ensayistas de Tierra Adentro. Actualmente trabaja en su primer libro de
ensayo. También es editor de Frontal. Gaceta digital de crítica
literaria.
Adolfo Camacho Silva México, d.f., 1984. Ha participado en
numerosas exposiciones individuales y colectivas, Nacionales e
Internacionales como España, Bélgica, Suecia, China y México;
ha sido seleccionado en diversas bienales nacionales e internacionales. Su obra cerámica se encuentra en algunos museos importantes del mundo y colecciones privadas como el Museo de Cerámica
de Manises España; el Museo Internacional de Arte de Albissola,
Italia; el Museo de Arte Internacional de Teteras, Shanghái, China;
el Museo Pantaleón Panduro, Tlaquepaque, México; el Museo Nacional del juguete, Guanajuato, México; la Galería Internacional
de Residencias Artísticas de Cerámica en Henan, China, y en la
colección privada de cerámica en París, entre otros.
Edu Cárcamo Logroño, España, 1976. Actor, licenciado en interpretación por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de
Madrid en 2004. Amplía su formación con estudios de danza clásica y contemporánea, acrobacia, zancos, canto. Desde 2004 trabaja
en más de 30 espectáculos compaginando su faceta de actor con
las de asesor de movimiento y director. Ha participado en diferentes festivales: Madrid Sur, Festival de Teatro Clásico de Mérida
o Escena Contemporánea con importantes compañías de nuestro
panorama nacional.
Carlos Castañeda Aguascalientes, 1981. Ha realizado exposiciones en el Museo Naciona de la Estampa, el Museo José Guadalupe Posada, el Museo-Casa Diego Rivera, el Museo de Arte
Contemporáneo de Yucatán y el Museo de Arte Contemporáneo
de Aguascalientes. Ha obtenido el Premio Nacional de Grabado
José Guadalupe Posada 2007.
Juan Castañeda Aguascalientes, 1942. Inmerso en el ámbito
cultural desde hace 52 años. Pintor, escultor, fotógrafo, dibujante,
escenógrafo. Profesor de arte en el ica y en la uaa. Colaborador
en medios escritos y electrónicos. Miembro del Sistema Nacional
de Creadores de Arte del fonca, emisión 2010.
Damián Cervantes México d.f., 1981. Director, actor y dramaturgo. Becario del fonca, Jóvenes Creadores (Dirección escénica) 2012-2013. Cofundador y director artístico de la agrupación
Vaca 35 Teatro en Grupo a.c. Director de cinco obras en el grupo, mismas que han obtenido reconocimientos así como viajado a
diversos festivales. Primera obra mexicana con temporada de 39
funciones en Matadero, Madrid y Sala Atrium, Barcelona.
Jehú Josué Coronado López Monterrey, 1987. Es pasante
de Letras Hispánicas por la uanl. Fue becario del Centro de Escritores de Nuevo León 2012. Ha publicado Apocalipsis Juanito
(luegoluego editores) y Piedra (Atrasalante). Ganó el Premio
Nacional de Literatura Joven Salvador Gallardo Dávalos 2014.
José Dault Zaragoza, España, 1976. Productor y actor, es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte
Dramático de Madrid. Amplía su formación con grandes maestros como Phillipe Gaulier y Arianne Mnouchkine en París, Mar
navarro (Lecoq), Fabio Mangolini o Will Keen. Ha trabajado en
varias ocasiones para el Centro Dramático Aragonés, con Pérez
de la Fuente Producciones, Teatro de la Estación y en la actualidad se encuentra de gira con una coproducción entre Teatro de la
Fundición y Tranvía Teatro.
Agustín Delgado México d.f., 1982. Traductor y fotógrafo
aficionado. Beneficiario del pecda 2014 por el proyecto de traducción Stag’s Leap de Sharon Olds. Colaborador ocasional en
Hermano Cerdo Literatura y Artes Marciales. www.casadegansos.blogspot.com
José Ignacio Echeagaray Cumming Aguascalientes,
1992. Estudia Derecho en la Universidad Panamericana Campus
Mixcoac y escribe regularmente en la aplicación de notas en su
celular. Esta es su primera publicación de poesía en papel.
Ricardo Esquer Sonora, 1957. Poeta y ensayista. Obtuvo el
Premio Nacional de Literatura Joven “Salvador Gallardo Dávalos” en 1985 por el poemario Ir es nunca llegar. Becario del feca
de Aguascalientes en 1997-1998 y en 2011-2012. Ha publicado
varios títulos de poesía. Imparte un taller de ensayo en el Centro
de Investigación y Estudios Literarios de Aguascalientes.
Mayté Esparza Díaz Guadalajara, 1979. Investigadora interesada en procesos artísticos y culturales, generadora de proyectos colectivos en la red de producción Cartografías del Deseo.
Autora de artículos y ponencias sobre sociología de lo invisible,
un capítulo del libro Discursos Fragmentarios, y la tesis Procesos de legitimación en el Arte Contemporáneo, ha expuesto sus
análisis y propuestas artísticas en foros de discusión a nivel local
y nacional. Actualmente realiza la serie Damasco. Ciudad despojo, donde reflexiona sobre las últimas consecuencias de la comunicación humana, las guerras y su posterior edificación sobre
ruinas, así como los sentimientos humanos residuales.
Axel Flores Serna México d.f., 1968. Vive en Aguascalientes
desde 1988, realizó estudios en Biología, en la uaa, y estudios
de pintura, dibujo y grabado en el centro de artes visuales del
Instituto Cultural de Aguascalientes. Desde 1995 ha expuesto individual y colectivamente. Fue becario por el Fondo Estatal para
la Cultura y las Artes de Aguascalientes en los años 1998 y 2002.
Actualmente es profesor de la Licenciatura de Artes Visuales.
Jonatan Frías Aguascalientes, 1980. Cursó estudios de Filosofía. La literatura, historia, rock y el jazz conforman parte importante de sus hábitos. Fue conductor de radio y ha publicado
en varias revistas. También publica regularmente en www.parentessis.blogspot.com
Ileana Garma-Estrella Yucatán, 1985. Poeta. Es autora de Itinerario del agonizante (2006), Y el estado de sitio, 7 Obra poética
(2012) y con su libro Ternura obtuvo el Premio Caza de Letras de
la unam (2012). Fue becaria del fonca en el periodo 2013-2014.
En el 2014 obtuvo el premio estatal de cuento corto El espíritu
de la letra. Días de fiesta y otros cuentos y 29 son sus libros más
recientes.
David Gaytán México d.f., 1984. En 2006 fundó la compañía
Teatro Legeste con la que ha escrito y dirigido cinco montajes.
En 2009 cofundó la “Compañía Ocho metros cúbicos”, en la que
funge como actor y dramaturgo. Ha participado como actor en
más de 15 puestas en escena y 4 películas. Ha escrito 13 obras de
teatro de las cuales 10 han sido puestas en escena y 4 publicadas.
Ha dirigido 7 montajes. Ha sido invitado 3 veces a la Muestra Nacional de Teatro. En 2010 fue seleccionado como parte del grupo
internacional de dramaturgos de la Royal Court Theater de Londres y en 2012 participó en la residencia artística del Lark Play
Development Center, de Nueva York. Actualmente se encuentra
de gira en Europa.
Verónica González Arredondo Guanajuato, 1984. Doctora
en Artes por la Universidad de Guanajuato, maestra en Filosofía e
Historia de las Ideas por la Universidad Autónoma de Zacatecas.
Autora de Señas particulares 2014, Verde fuego de espíritus 2014
y Desparpajados libro de artista, reedición 2014. Ha publicado en
el Periódico de Poesía. Obtuvo el Premio Nacional de Poesía Ramón López Velarde 2014 y el Premio Nacional Dolores Castro
2014, Poesía y Narrativa escrita por mujeres. Becaria del pecda
Zacatecas en 2012-2013.
Trino Guerrero Aguascalientes, 1991. Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de las Artes de Aguascalientes. Ha participado en más de media docena de exposiciones colectivas, en
2013 y 2015 obtuvo mención honorifica en el enaj. Fue becario del
Programa Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico Aguascalientes (2013-2014). Actualmente realiza estudios de posgrado en
la Maestría en Arte de la uaa.
Eréndira Hernández Velasco Aguascalientes, 1982. Licenciada en Psicología. Su área de especialización es la psicoterapia
de premisas. Artículos sobre diversas ramas han aparecido en revistas de salud y periódicos locales. Actualmente, se desempeñada
como docente y terapeuta.
Jesús Ramón Ibarra Sinaloa, 1965. Hizo estudios en la Escuela de Filosofía y Letras de la uas. Ha publicado en revistas
y suplementos como La Jornada Semanal, Confabulario, Blanco
Móvil, La Gaceta del fce, Dos Filos, Crítica, Armas y Letras, Literal, Luvina, Oráculo de Poesía, entre otros. Obtuvo el Premio
Nacional de Poesía Clemencia Isaura, en 1994 y 1997, por Barcos
para armar y Amigo de las Islas, respectivamente; el Premio Nacional de Poesía San Román, en el 2005, por El arte de la pausa;
el Premio Nacional de Literatura Gilberto Owen, en el 2006 por
Crónicas del Minton’s Playhouse, y el Premio Bellas Artes de Poesía Aguascalientes 2015, por Teoría de las Pérdidas.
Garbiñe Insausti Hernani Gipuzkoa, 1981. Productora y actriz, es licenciada en Arte Dramático por la Real Escuela Superior
de Arte Dramático de Madrid. Especialista en Patología de la voz
por la Universidad de Alcalá y Musicoterapia por la uned. Ha completado su formación actoral y vocal en Polonia, Italia y Francia.
Ha trabajado para diversas compañías, entre ellas, Yllana, Imprebís, Gato Negro, Atalaya, Kohinoor, con las que ha recorrido gran
parte de España, Noruega, Eslovaquia, Paraguay, Colombia, Cuba,
Perú y Francia. Compagina su trabajo de actriz con la música, ya
que es vocalista en la formación de folk contemporáneo “Lantz”
con la que editó el disco “Igaran Gaiak” y también publicó su primer trabajo como solista con su disco “Ibilian”.
Graciela Kartofel Especialista en Arte Contemporáneo Internacional con concentración en América Latina, teoría, curaduría,
crítica, museografía y conservación. Creadora del programa Arte
Argentino para el cit. Creadora del área de Arte Moderno y Contemporáneo de América Latina para cepe-unam, 1983. Asesora de
Escultura en el Centro Cultural unam y de instituciones, galerías y
ferias nacionales e internacionales. Directora de Artes Visuales del
Instituto Cultural Mexicano en Nueva York. Curadora de espacios
de exhibición, como Nafinsa, Nueva York, con Premio Recuperación Edificio Histórico y Reconversión Cultural.Editora de Artes
Visuales para vogue-México. Crítica de Arte en ArtNexus, La Voz,
Kunst, Radio y tv.
Avelina Lésper Crítica de arte. Licenciada en Literatura Dramática y Teatro por la Facultad de Filosofía y Letras de la unam.
Se graduó como Maestra en Historia del Arte en Polonia. Escritora
profesional de guiones, ensayos y críticas. Dirigió el proyecto de
programas televisivos El milenio visto por el arte de Grupo Milenio. Gran parte de sus trabajos pueden leerse en su sitio www.
avelinalesper.com
Horacio Lozano Warpola 1982. Publicó junto a Gerardo
Arana y Antonio Tamez Neónidas 2006-2008 y apareció en la
antología de escritores queretanos Besar de Lengua. Actualmente
coordina los proyectos “Laboratorio Murciélago” y “Cine Panorama”. También es editor del blog de ilustración y poesía “Gus
Ultramar”. Ha publicado los libros Lago Corea, Física de Camaleones y Gestas (de próxima aparición). Hizo para Mamá Dolores
Cartonera la selección y edición de Embutido de Poetas –Muestra
de Poesía Mexicana Actual y Mis primeros dientes: Antología de
Escritores Queretanos Nacidos en los 90. En 2014 ganó el Premio
del Festival Internacional de Literatura de San Miguel. Ha sido,
con distintos seudónimos, colaborador en revistas, periódicos, suplementos, blogs y exposiciones de arte. También escribe en warpola.tumblr.com y da talleres a jóvenes escritores.
René López Villamar México d.f., 1979. Estudió Ingeniería
Electrónica y Letras Hispánicas. Ha colaborado como crítico literario, cuentista y ensayista en varias publicaciones en México
y España, como La Tempestad, Quimera, Pez Banana, Hermano
Cerdo y Tierra Adentro. Fue editor de estas dos últimas publicaciones. Sus cuentos están antologados en Lados B (Nitro Press,
2014) y Cerati. Siempre seremos prófugos (Marvin, 2014).
Pável Mora Delgado Morelos, 1985. Ha expuesto individualmente en la Galería del cma en 2012, así como varias exposiciones
colectivas; cna, Embajada de Israel en México en 2009, Museo
Diego Rivera Anahuacalli, Museo de los pintores Oaxaqueños,
Centro Cultural Ollin Yoliztli, 2011, lac Gallery, Miami, Florida,
San Pedro Museo de Arte, Puebla en 2014. Cuenta con reconocimientos y distinciones como: Premio de adquisición xxxv Encuentro Nacional de Arte jóven en 2015, la selección en la iv Bienal Nacional Artes Gráficas Shinzaburo Takeda en 2014 y en la iv
Bienal Nacional de dibujo Sylvia Pawa en 2009, así como en el ii
Encuentro Nacional de Arte 40 (cna) en 2010.
Yoallith Moreno Martínez Hidalgo, 1991. Egresada de la
Licenciatura en Artes Visuales, énfasis en escultura por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo. En 2012 realizó un intercambio académico con la Universidad de Colima y en 2013 una
estancia de investigación en la Pontificia Universidad Católica de
Chile. En ese mismo país participó en perfolink una plataforma
del arte del performance. Ha participado en diversas exposiciones
colectivas y fue una de las ganadoras del Encuentro Nacional de
Arte Joven Aguascalientes, en 2015.
Raquel Olvera México d.f., 1966. Realiza sus estudios en el
Instituto de Artes Visuales y en la Facultad de Artes Plásticas de la
Universidad de Veracruz. Estudia la especialidad en Grabado en La
Esmeralda y la Maestría en Artes Plásticas unarte, Puebla. Realizó
eventos literarios y de artes plásticas en México y el extranjero.
Libros publicados: Al filo del azar (1996), En boca de otro (1996),
Transitorio (2000), Fundió la nieve el sol (2000), Cuatrocientas
mentiras (2001), Concierto para cinco sentidos (2002), La mordedura (2004), El noveno río (2006). En prensa: La música de no
entender (poesía).
Francisco Orozco Guadalajara, 1986. Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Guadalajara, ha mostrado su trabajo
en diversas galerías y museos en la ciudad de Guadalajara y en
estados como Aguascalientes y Querétaro, también ha sido seleccionado y becado en diversos proyectos culturales de ilustración,
Arte Contemporáneo y de Libro de Artista donde sus piezas han
llegado a diversas colecciones privadas y acervos en México, Estados Unidos y Argentina.
Moisés Ortega Aguascalientes, 1988. Poeta. Es egresado de la
Licenciatura en Letras Hispánicas por la Universidad Autónoma
de Aguascalientes. Es autor-compilador del libro: Los Médanos de
la Memoria, Editado por el Instituto Municipal Aguascalentense
para la Cultura, 2013. Y del poemario Autorretrato con seres que
vuelan, Editorial Ojo de Pez, Tijuana, 2014. Fue beneficiario del
Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico en la
categoría de Jóvenes Creadores (pecda) 2014-2015. Actualmente
es Profesor de Lengua Española y Literatura para el Instituto Tecnológico de Monterrey Campus Aguascalientes.
Víctor Manuel Peña Lucero México d.f., 1989. En 2013 es
egresado de la enpeg “La Esmeralda”. Desde 2012 participa en exposiciones colectivas en espacios culturales de la Ciudad de Mé-
xico incluyendo el cenart y en 2013 participa el 1er. Festival de
Arte Contemporáneo Universitario (facu). En este último obtiene
el 2do lugar. Actualmente participa en el proyecto “Salón Abierto”
dentro del cenart con una beca de producción interdisciplinaria y
es parte de la colección Benetton que se presenta en la bienal de
Venecia en el presente año.
José Pérez (José Ricardo Pérez Ávila) Aguascalientes, 1985.
Narrador, licenciado en Letras Hispánicas por la uaa, director editorial del blog “México Kafkiano”, publicó la antología de cuentos
La política del Silencio (ica, 2008) y fue becario del feca en 2009
con el proyecto Crónicas de Siemprellueve; ha sido maestro de redacción a nivel licenciatura, burócrata, recepcionista de urgencias,
promotor de tiendas departamentales y servidor público, como
coordinador de la fuerza de venta de pensionissste en el estado de
Aguascalientes.
Norma Pezadilla Aguascalientes. Estudió la Licenciatura en
Artes Visuales del Instituto Cultural de Aguascalientes, se especializó en gráfica y actualmente se encuentra laborando dentro del
mismo instituto como docente de dibujo en la Universidad de las
Artes, ha expuesto en la galería de la misma universidad individualmente con el proyecto “Versus”, también ha expuesto en la
galería “Espacio de Arte Lúdico” de León, Guanajuato, en el Museo Nacional de la Muerte, Aguascalientes, y “Forvm Galería” en
el estado de Morelia. La obra de Norma Pezadilla ronda en torno
a sus propias experiencias de vida; busca siempre una catarsis a
través del arte.
Sandra Reyes Carrillo Aguascalientes, 1987. Es licenciada
en Letras Hispánicas con mención honorífica por la Universidad
Autónoma de Aguascalientes. En el año 2010 comenzó a trabajar
como correctora de textos para diversas instituciones, oficio que
no ha dejado de ejercer. Desde el año 2013 estudia en el Centro de
Estudios Psicoanalíticos Mexicano (cepsimac), donde actualmente
cursa los seminarios “Formaciones del inconsciente (interpretación de los sueños)” y “Lacan: el personaje y su obra”. Sus principales intereses son la literatura y el psicoanálisis.
Armando Salgado Michoacán, 1985. Es profesor por la Normal Rural Vasco de Quiroga de Tiripetío, Michoacán, maestro en
Educación Básica por la Universidad Pedagógica Nacional y candidato a Doctor por el Instituto McLaren de Pedagogía Crítica de
Ensenada, Baja California. Es autor de los libros: Cofre de pájaro
muerto, Estancia de ánimas, Azogue Suite, Corvus Suvroc, Liturgias, y Variaciones de una vida rota. Actualmente se dedica a la
docencia en la ciudad de Morelia.
Manuel Alberto Solís Mendoza México d.f., 1985. Cuenta
con dos exposiciones individuales y más de treinta colectivas. En
2011 obtiene la Beca de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional
Para la Cultura y las Artes. 2012. Mención Honorífica en la Quinta
Muestra de Arte, Grupo Reforma. 2015 premio de adquisición en
el xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven. Ha colaborado en siete
proyectos de pintura mural en diferentes instituciones y museos.
Jorge Terrones Aguascalientes, 1982. Escritor y profesor.
Maestro en Artes Visuales y Educación por la Universidad de Granada. Maestro en Estudios Humanísticos por el itesm.
Mariana Torres Ruiz Tamaulipas, 1976. En 2003 obtuvo el
Premio Estatal de la Juventud por su destacada trayectoria artística
y aportación a la cultura. Ha sido becaria del Fondo Estatal para la
Cultura y las Artes en el área de teatro en dos ocasiones (2003 y
2008). Obtuvo el Premio de Literatura Regional Infantil en 2011,
convocado por el Instituto Cultural de Guanajuato, y el Premio Nacional de Literatura escrita por mujeres “Dolores Castro” en 2013.
Es autora de los libros para niños y niñas Con alas de colores (ica,
2009), y Caleidoscopio (Alfaguara, 2013), y del poemario “De
muerte y rabia” (imac, 2013).
Juan Vizcaíno México d.f., 1984. Realizó estudios en la Licenciatura en Artes Visuales del Instituto Cultural de Aguascalientes,
con especialidad en pintura. Cuenta con una exposición individual
en el 2010, pero a partir de entonces decide trabajar con colegas en
parejas y colectivos realizando más de 15 exposiciones en conjunto
y proyectos de creación artística. Fue museógrafo durante cinco
años en la Universidad Autónoma de Aguascalientes, en el Museo
Nacional de la Muerte, posteriormente encargado de Galería Universitaria y de la Bóveda Jesús F. Contreras.
Fernando Yacamán Neri México d.f., 1985. Ha publicado
dos libros de narrativa Ya quiero despertar (foc 2014) y La pócima
del diablo (Viernes Editores 2015) Su obra literaria se ha publicado
en diversas antologías y revistas nacionales y extranjeras. Con el
apoyo del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Aguascalientes 2010, ha terminado y publicado en una antología su novela
corta Los ángeles del último sueño. Recibió el premio del segundo
lugar Punto de Partida unam 2009 y el premio Elena Poniatowska
2009. Escribió la dramaturgia de la obra Destrozando el tiempo que
se ha presentado en diversos foros en la Ciudad de México.
Yeshua Axel Zamora Vázquez Aguascalientes, 1988. Productor visual. Egresado de la Licenciatura en Artes Visuales, Universidad de las Artes del Instituto Cultural de Aguascalientes. Ganador en el xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven, seleccionado
en la tercera bienal de dibujo y pintura Pedro Coronel, ha participado en más de una docena de exhibiciones colectivas, entre ellas,
“Metamorfosis”, en el Centro Cultural Universitario, y el Primer
Encuentro Acústico de Sucesos Simultáneos “Punto ciego”, en el
Museo de Arte Contemporáneo número 8.
colaboran
en este
número
Dibujo y
grabado
Carlos
Castañeda,
despojo del
cuerpo
Avelina Lésper
Graciela kartofel
raquel olvera
carlos-blas Galindo
Las voces de cuatro críticos encuentran
en la obra del grabador Carlos Castañeda
un meticuloso trabajo de la representación
corporal de la muerte, así como a un artista
de indudable talento, excepcionalmente
expresivo, a cuya obra definitivamente hay
que acercarse.
Carlos Catañeda, www.castanedacarlos.com,
fotografía de Daniela Soriano
A RT E S P L Á ST I C A S
La tragedia es
monocromática
Avelina Lésper
Q
ué difícil es mirar a la cara a la muerte, el instante en que la vida se esfuma queda en el rostro detenido, petrifica a la expresión. Terror, descanso, los
músculos dejan escrita la última sensación, describen
la exhalación final. Carlos Castañeda toma el reto
formidable de recrear al cuerpo despojado de vida;
hace un retrato del ser inerte. El cadáver deja de ser
una persona presente, es la noción de alguien que ya
no es más, que despojado de la voluntad no permanece, se autodestruye.
El estado de abandono del cuerpo sin la voluntad
que lo rija es llevado a la placa de grabado y plasmado en tinta negra en gran formato, casi se aprecia
las caras de tamaño natural, tumefactas, los torsos
inmóviles.
Con esta estética Castañeda aporta una mística a
la muerte violenta de los personajes que recrea, les da
un limbo protector, una estancia que dimensiona el
dramatismo de una muerte abrupta y cruel. El sacrificio social se magnifica y se recupera, expuesto de
esta forma tenemos que verlo. El cadáver del que no
tiene nombre, de esa persona que es ultrajada por la
criminalidad que se reduce a estadísticas, a números
de un encabezado en un noticiero; con la recreación
en grabado la noticia queda atrás, el amarillismo desaparece y el humanismo, la tragedia del ser, se hacen
presentes.
En una pieza realizada con el cuidado y el talento
de Castañeda estamos obligados a la contemplación
y ese rostro de terrible dolor, esa contracción del
cuerpo que en otros ámbitos nos negaríamos a ver
o simplemente se sumaría a la interminable lista de
crueldades, aquí en la impresión en papel, en la placa
rayada, en la tinta extendida, es un ser indefenso que
no debe ser olvidado, cuyo sacrificio se prolonga en
todos los que vivimos este derrumbe social.
La denuncia de Castañeda es filosófica. Su obra
nos confronta con la degradación del ser humano, nos
impone la responsabilidad de lo que ahora ya sabemos, de lo que hemos visto.
Dibujar, reducir el volumen a la línea, destacar
luz y sombra, la austeridad de la monocromía, implica un estado de observación sobre el modelo, sobre
el cadáver que lleva al artista a sumergirse y entender
que la muerte no es únicamente un pretexto estético,
es un reto; se está delante del destino. Eso que está
PARTEAGUAS
9
A RT E S P L Á ST I C A S
Castañeda podría crear imágenes fáciles, obras decorativas y aplicar todo su talento y capacidad técnica
en eso pero no lo hace: elige el abismo de la realidad,
la ausencia de paz.
El círculo negro en la frente, un balazo, un crimen
o un suicidio, el golpe que lleva consigo el cese del
ruido, se prolongan porque Castañeda pone el rostro
en la parte de abajo del grabado y con una audacia
estética eleva el negro en un grabado que dimensiona la lejanía de ese ser, la ausencia que deja. Pensar
en la esencia del ser no es únicamente misión de los
filósofos o de los guías espirituales, es un destino de
los artistas, es una meta de los creadores.
El cuerpo y su carga filosófica, como receptáculo
del castigo y del dolor, como demostración de poder
o excusa para la diversión insana, eso que es lo único que tenemos y que nos hace frágiles y efímeros;
llevado al arte es capaz de contener a la humanidad
entera en una imagen, nos reduce y nos une.
La historia de una muerte
Expulsados del paraíso en busca del edén, díptico, aguatinta, aguafuerte y punta
seca a dos placas, 80 x 60 cm, 2013.
ahí, esa putrefacción es algo que todos seremos, que
tenemos latente en nuestra persona, es nuestra gran
compañía.
Cabezas; tríptico de decapitados, todos con los
ojos abiertos, uno tiene un rictus en la boca, los otros
dos parece que van a hablar; no ven a ningún sitio, su
mirada se aleja con su vida. Castañeda raya la placa,
deja manchas –las cabezas están cercenadas–, las rodea con un vacío negro, las lleva a un túnel perpetuo,
sin cuerpos, con una palabra en los labios, las líneas
caóticas, y la soledad infinita. ¿Por qué Castañeda nos
impone esta visión? ¿Para qué nos hace enterarnos
de lo que no queremos? El compromiso es que son
obras plenas, que tienen una factura impecable, que
son el resultado de la obsesión de Castañeda por dominar la técnica del grabado.
El arte no es complaciente ni es una experiencia
evasiva; nos enfrenta a lo que somos, a la terrible
disyuntiva de ser más humanos en la medida en que
aceptamos el horror de nuestra naturaleza. Carlos
10
PARTEAGUAS
Está colgado del cuello, el torso se pierde en la negrura de la tinta, los ojos están cerrados; cedió, se
rindió a esta última acción. Es inimaginable la tortura por la que pasó ese hombre, la historia que hay
detrás de ese instante brutal. Lo que nos digan que
haya hecho, lo que podamos saber es menor a lo
que ignoramos porque nadie pude sentir ese dolor, no
hay forma de compartirlo. El artista se detiene, estudia, trata de comprender y de captar el significado
de esta historia, de darle el sentido que en la realidad
nunca alcanzó. Castañeda hace a un ahorcado –en
este país se lincha y cuelga con excusas que van del
ensañamiento de la delincuencia hasta los que mueren a manos de la turba enfurecida que se cree con
derecho a ser juez y verdugo–. Este grabado hace inolvidable a la muerte, literalmente, la graba, la hace
imborrable. La clara concepción que tiene Castañeda
de la belleza, su comprensión, crea algo que nos estremece: nos enfrenta a una dolorosa armonía, a la
estética del sufrimiento. Con la obra de Carlos Castañeda estamos ante nuestros Desastres de la Guerra,
su creación es la memoria de una época que nos llevó a conocer un estado de putrefacción social que no
habíamos visto antes, pero no se va a quedar en eso,
la denuncia va a superar este momento histórico para
convertirse en un estudio humanista de lo que somos.
Podremos ver estos grabados despojados de su contexto socio-político y veremos cómo el arte va más
allá del tema. El arte es más poderoso que los hechos
que lo inspiran.
Carlos Castañeda
Expulsados del paraíso en busca del edén, díptico
aguatinta, aguafuerte y punta seca a dos placas
80 x 60 cm, 2013
A RT E S P L Á ST I C A S
Tuve miedo de estar desnudo y me maté, aguatinta, aguafuerte y punta seca, 120 x 240 cm, 2011
Carlos Castañeda expande la
dimensión del grabado
Graciela Kartofel
Aguascalientes / Nueva York
Carlos Castañeda ha superado el planteo tradicional de la obra en estampa, mostrando su trabajo a la
par profesional y emergente. Para comprender esta
afirmación se señala que compone y descompone el
grabado sin reducirse a un formato y una dimensión
para cada obra. Entiende la obra unitaria y el políptico en una estrecha vinculación con el concepto
del ser humano: uno, el individuo funcionando en la
sociedad, y las partes, su trágico desmembramiento
en la agresiva sociedad actual que desvaloriza la vida
en coches-bomba, guerras no objetivas y comercio de
personas y órganos. Sin alejarse del tema-modelo del
cuerpo humano, revive su estudio desde la acidez
del presente.
En la faceta de despojamiento, Castañeda ha invertido ciertas relaciones fundamentales del procedimiento técnico. Usa su cuerpo como material imprimible. Se entinta, se entiende, se contamina, decide
limitar el uso de la tinta en el cuerpo por la dificultad
de eliminarla. En los grabados con placa de metal u
otros soportes de trabajo, mantiene la figura humana
pero recurre al aguatinta y al aguafuerte para liberar a personajes del ultramundo, para hacer emerger
secciones de cuerpos que están semiflexionados, extendidos, ocultándose o mostrándose mediante focos
específicos que iluminan sólo ciertas partes de un ser.
12
PARTEAGUAS
Graduado de la licenciatura en Artes Visuales,
importa destacar que no ha cesado de trabajar, concursar, tomar seminarios de varios temas y recibir
premios nacionales, inclusive de adquisición. Castañeda trabaja en el área de originales numerados, pero
no siempre hace el tiraje y, sobre todo, establece una
situación atípica dado que, al entintar su cuerpo para
imprimirse, no hay posibilidad de que se use un bon
á tirer como nomenclador, cada impresión es original
único. Cuando se habla de figura no se trata del modelo ni del tradicional autorretrato sino que se acerca
más al adn o a las huellas dactilares. Della Volpe diría que es un “verosímil teatral” pero las resultantes
de Carlos Castañeda no buscan representación escenográfica ni cotidiana. En esos trabajos la imagen
se escapa, no se define sobre el papel, y en unas u
otras alcanza una blandura visual muscular o un barroquismo por contraste caravaggiano. Hasta ahora
expresionista en el contexto de sus obras, aporta una
agitación que el espectador percibe, recibe y a la que
da cause. ¿Hacía dónde encauza el espectador esos
dramas del ser? Cada quien lo resuelve frente a la
obra, en muchos casos, con respuestas diferentes según lugar y circunstancia.
Ubicar a un artista dentro de una sola disciplina
hoy, en México y en el mundo, es como no asumir
el presente y haberse quedado en convenciones superadas. Nada indica que Carlos Castañeda se quedará anclado en el grabado. De hecho, en su obra se
advierte un dúo constante. Él trabaja a la par dibujo
y grabado, aunque sea por medio de la última de
las técnicas citadas. Realiza grabado e instalación
por medio de grabados, veladoras, grasa de cerdo y
otros elementos. Al ver sus realizaciones y enunciar
sus materiales, aflora la voz de las tradiciones que
el artista reinterpreta en Aguascalientes, su tierra de
tacos, grabadores e impresores. Y surgen como miradas aun más remotas porque los mundos de Goya en
la Quinta del Sordo se ven aludidos, homenajeados
e interpretados por Carlos desde el presente. Hay un
discurso histórico no verbalizado y aun así perceptible en la obra de este joven autor que enlaza a Posada
y al tgp: el grabado se hace para la comunidad.
Testigo, litografía, 80 x 60 cm, 2010
A la fosa común sin homenajes ni aplausos, aguatinta, aguafuerte, punta seca y cuna, 70 x 50 cm, 2013.
Grabados como lienzos
Raquel Olvera
Del gesto que la mano hace para comunicar nació el
grabado. Vinculado al sentido, está más cerca de la palabra que de la representación en sí. La habilidad técnica que el grabador debe tener en complicados procedimientos para obtener la gama tonal necesaria en
su elaboración es insustituible, pero esa habilidad es
sólo una parte. La otra, fundamental en el grabado,
es el discurso. Vinculado a los movimientos de resis-
tencia más importantes de todas las épocas, el grabado ha ido perdiendo su sentido de comunicación, de
motor de crítica. La mayoría de los grabadores que
actualmente están en funciones parecen conformarse
con evidenciar esas habilidades técnicas, por un lado,
o el discurso panfletario, por el otro.
Por eso cuando tuve la oportunidad de ver los grabados del joven maestro Carlos Castañeda me dio un
vuelco el cerebro y otro la entraña. Su habilidad técnica para obtener de la placa de metal los negros en
mezzotinta más expresivos que he visto últimamente, las líneas gestuales más decididas, las aguatintas
más delicadas, me hicieron aguzar el pensamiento.
Mientras sus manos iban desplegando uno a uno sus
casi lienzos de algodón frente a nuestros ojos el silencio se iba entrando en mí, hasta que, alejada de las
expresiones de asombro que mis acompañantes iban
pronunciando, se adueñó de mi boca el total silencio
y me quedé a solas con sus impecables estampas.
PARTEAGUAS
13
A RT E S P L Á ST I C A S
modo que terminan haciendo grabados tan mal hechos que dan pena.
¿Cómo logró Carlos Castañeda reunir en esa cúspide la rigurosidad de la técnica y la flexibilidad de
un pensamiento vivo? Teniendo buenos maestros,
siendo riguroso en la disciplina y manteniéndose despierto y alerta para encontrar las formas para dialogar
con su tiempo. Estoy segura de que Carlos Castañeda
es ya una referencia en la historia viva del grabado,
y que habrá jóvenes aprendices con ímpetus de vida
que abrevarán de su lenguaje para hacer uno propio.
Más allá de los innumerables premios que merecidamente se le han otorgado, estaría bien que las instituciones y las personas que somos devotos del grabado escuchemos con atención lo que nos enseña este
maestro: que la oscuridad que deja en sus huellas la
cuna estuvo antes en el alma del autor, y la luz que
obtiene con el bruñidor estuvo antes en esa mirada
que aprendió a ver el revés de las cosas.
La gráfica de Carlos
Castañeda: un enfoque
humanista al tema de
la muerte
Carlos-Blas Galindo
Él me dijo que sería eterna, aguatinta y aguafuerte, 120 x 80 cm, 2008. Premio xiii
Bienal de Dibujo y Estampa Diego Rivera, 2008.
Me llevó mucho tiempo verbalizar lo que ahora
escribo pues lo que vi esa mañana en el taller de
Carlos fue a un grabador vivo. La mayoría de los
grabadores conversan con los maestros muertos del
pasado. En el mejor de los casos con Rembrandt, con
Tapies, con Durero, con Posada. O con un pasado
igualmente muerto aunque reciente como la gráfica del 68 o los movimientos políticos vinculados al
Taller de Gráfica Popular; en sus grabados e incluso
en sus talleres y formas de vida expresan, con una
necedad casi autista, su decisión de aferrarse al pasado como si el presente no debiera existir. Los que
otorgan algún rasgo innovador a la técnica mantienen
el discurso rígido con un romanticismo casi infantil,
y los que intentan incluir en su discurso los nuevos
giros del pensamiento desprecian la técnica de tal
14
PARTEAGUAS
En el ámbito occidental de hoy –el cual, como bien
sabemos, rezuma hipocresía–, la mera vista de la representación artística de algún cadáver genera, en la
mayoría de las personas, reacciones de pánico y de
repulsa. ¿Por qué, entonces, esto no nos sucede (o no
siempre, ni tampoco únicamente) ante las obras de
Carlos Castañeda, si éstas se hallan resueltas en torno a rostros de seres humanos ya sin vida? Tal cosa
acontece porque Castañeda recurre a una compleja y
eficaz combinación de recursos expresivos en la que,
por supuesto, están presentes lo brutal, lo dramático,
la fealdad, lo grotesco, lo patético (entendido como
aquello que es capaz de suscitar efectos de dolor, tristeza y nostalgia), lo ominoso, lo siniestro y lo terrorífico, sólo que interactuando con otros recursos como
la belleza, lo grandioso, lo placentero, lo precario, lo
sentimental, lo sublime y lo trascendente. Todo esto
diversifica las posibles respuestas de los públicos
frente a la producción de Castañeda y hace que experimentemos reacciones de conmoción, inquietud, impacto, impresión o rechazo, y que a la vez sintamos
agrado, asombro, atracción y sorpresa.
Maldita sea la tierra por tu culpa, aguatinta, aguafuerte y chine collé, 60 x 50, 2007.
Premio en el xv Concurso Nacional de Grabado José Guadalupe Posada.
El asunto que Carlos Castañeda nos plantea en sus
estampas no es “llanamente” el de la muerte sino que
su motivo principal parece ser el de esa breve fase de
vida terrenal que sobreviene después de la muerte,
etapa que supera lo corpóreo y que aun cuando no es
privativa de los humanos, él subraya en los personajes que retrata. El enfoque temático de este autor resulta humanista, de amor por la humanidad, a la vez
que profundo, adecuado, convincente y preciso, pero
sobre todo provocativo, en tanto que su actitud se
percibe como esperanzada, liberadora y testimonial,
al tiempo que imbuida de altas dosis de indocilidad.
Las suyas son imágenes que devienen enigmáticas
Maldita seas entre de todas las bestias, aguatinta, aguafuerte y chine collé, 60 x 50,
2007. Premio en el xv Concurso Nacional de Grabado José Guadalupe Posada.
porque suscitan entre los públicos múltiples lecturas
así como evocaciones y procesos de asociación.
En las obras gráficas de Carlos Castañeda sobresale el amplio repertorio técnico del cual se ha provisto durante su trayectoria, y en el que destacan los
múltiples efectos y las ricas calidades que es capaz
de lograr en las matrices que trabaja. En cuanto al
aspecto técnico igualmente son notorios el vigor y
la osadía con las que hace uso de su acervo técnico,
tanto como la destreza, la audacia y la pulcritud (de
suyo asociada con la gráfica) con las cuales resuelve
sus obras, en las que además se advierte una clara
madurez de estilo individual.
PARTEAGUAS
15
Poesía
joven,
un diálogo
Entrevista con
Jehú Coronado,
Verónica G. Arredondo,
Ileana Garma-Estrella,
Horacio Lozano Warpola,
Moisés Ortega y
Armando Salgado
¿Qué significa ser un “poeta joven”? Becas,
concursos y publicaciones coinciden como
criterios para clasificar los trabajos de los
poetas menores de 30 o 35 años, pero, ¿cómo
se sienten los interesados al portar tal etiqueta?
En esta entrevista varios de ellos dan su opinión
acerca de este y otros temas, como el papel
que recientemente desempeñan las redes
sociales como una forma de permear e influir
directamente en el medio social.
Moisés Ortega, Armando Salgado, Horacio Lozano Warpola y María
Baranda en las Jornadas de Poesía 2015, en el ciela “Fraguas”.
L I T E R AT U R A
P
arteaguas, P Soy de la opinión de que la poesía
no debe tener etiquetas y, sin embargo, todos ustedes
entran en eso que las instituciones, las becas y los
premios llaman “poesía joven”. ¿Existe?, y si existe,
¿qué es?
Verónica G. Arredondo, VGA Existe de acuerdo al
supuesto de que “ser un poeta joven” implica tener
menos de 30 años para solicitar una beca, menos de
31, cumplidos al cierre de la convocatoria, menos
de 35, para aspirar al fonca. No sé quién determinó
esto. Supongamos que tengo 32, y de acuerdo a estas
clasificaciones soy y no soy poeta joven, al mismo
tiempo, ¿no hay acaso una contradicción?
Moisés Ortega, MO Considero que las etiquetas
las necesitan las instituciones y el canon porque es
necesario clasificar, ordenar, saber en dónde va cada
cosa. Pero creo que el concepto como tal de “poesía
joven” no existe, en todo caso sería la poesía que escribimos las personas que estamos dentro de cierto
rango de edad y que tal vez coincida en temáticas, en
el tratamiento del lenguaje o quizá no; no creo que
pueda entrar todo lo que escribimos dentro de la misma caja.
Ileana Garma-Estrella, IG-E Alguien hablaba de
cierta idea de equidad y surgieron los poetas “mayores”. Yo propondría que hablemos de trayectoria,
no de edades. Compañeros que hoy tienen poco más
de cincuenta años y que comenzaron a escribir en la
misma época que yo opinan lo mismo.
Horacio Lozano Warpola, HLW La poesía joven
existe y siempre ha existido. También hay poesía
joven que se eterniza como la de Rimbaud, Thomas
Chatterton o Gerardo Arana. La poesía joven de
nuestro tiempo lleva la ventaja de la era digital: los
nuevos consumidores de poesía, plataformas independientes, fans, poesía rápida, fugaz, transpoéticas
y todo eso. La poesía joven quiere ser poesía adulta,
pero no es necesario porque las voces jóvenes se atreven a cualquier cosa. De pronto hay una urgente demanda por intervenir la poesía, por quitarle la solemnidad, y este juego lingüístico es divertido y salvaje.
Practicar la poesía como deporte extremo. El poeta
joven es su propio gestor, un community manager de
sí mismo. Las generaciones hacen su debut cada diez
años y todos van a querer ser parte de eso. Sí, existe.
PARTEAGUAS
17
L I T E R AT U R A
Edilberto Aldán y poetas en las Jornadas de Poesía 2015 en el ciela “Fraguas”
Armando Salgado, AS Para mí no existe la poesía
joven. No creo que haya “poeta joven” alguno que
crea escribir poesía con esta nomenclatura. Ya me
imagino diciendo para mis adentros: “deja escribo
ahora un poema joven”. Habría que ver quién determina esta categoría y desde qué enfoque. Penetraríamos los terrenos del institucionalismo cultural que, si
bien es una plataforma de diseño gubernamental, no
es el detonante de ningún proceso creativo personal
ni colectivo. Serían pocas las personas que afirmen
escribir para obtener premios o que crean que una
beca determina su funcionalidad como escritor. Esto
por un lado. Como segundo quiebre podemos cuestionar la edad de quienes coordinan dichos espacios
institucionales; la mayoría son personas que oscilan
el medio siglo. Dante Medina, gran narrador mexicano dice que: “Nadie puede ver su juventud de cerca
sin obnubilarse: es algo que sólo se observa haciéndose para atrás y abriendo la distancia. Imposible, en
un ser humano, ser joven y saberse joven y vivirse
joven simultáneamente. La juventud tiene su lugar
desde la vejez: ahí aparece, como una revelación de
lo no visto, por primera vez, junto con el anuncio y la
consternación de que ya se ha ido. Le llaman ‘recuerdo’ a esa mentira piadosa”. Para mí la poesía joven es
esa mentira piadosa que pertenece a otros y que hoy
por hoy es el molde en el que nos catalogan como un
producto más.
18
PARTEAGUAS
Jehú Coronado, JC Para mí sólo es un parámetro
referente a la edad de los poetas, menores a 30 o 35
años quizá; no significa mucho.
P En la obra de todos ustedes hay, de cinco modos
totalmente diferentes, una preocupación por lo contemporáneo (en el sentido universal, no el de categoría) ¿Hay otro modo de escribir que no sea del aquí
y el ahora?
VGA Ese otro modo existe en la negación por el lenguaje del “aquí y ahora”. Me parece que la forma más
natural de escribir un poema sería en la aceptación
del supuesto. La lengua es un ser vivo, cambiante,
y responde al contexto histórico-social en el que vivimos.
MO Supongo que lo habrá, pero para este que escribe
no ha habido otro modo que no sea el de la experiencia, yo no puedo escribir sobre algo que no haya
sentido.
HLW Creo que hay muchos modos de escribir, la
necesidad de adentrarse en temas precisamente contemporáneos es una cuestión generacional. Cualquiera que esté viviendo algo que le resulte trascendental
lo quiere transmitir, ya sea a través de neologismos
técnicos o metáforas preciosistas, como sea, la búsqueda es personal y caótica. Aún así, todo es aquí y
ahora, y el poema, como objeto ubicado en este tiempo-espacio, existe en este plano.
AS Este asunto de la contemporaneidad. Cada persona vive su propia época. Eso es lo contemporáneo.
Lo que hoy es novedoso y parteaguas mañana (si es
que el consumo y la inmediatez lo permiten) será un
referente clásico. Así hasta el final de los tiempos.
Los griegos nunca pensaron el mundo creyendo que
eran contemporáneos de sí mismos, ni los egipcios,
ni en Mesopotamia. Esta forma de universalizar el
pensamiento se relaciona con la tendencia actual
de medir cualquier cosa. ¿No es ésta una tendencia
global y mercantil? Siempre escribiremos desde el
aquí y ahora y nunca podremos negar la filosofía de
nuestra época; eso sí, tendremos un posicionamiento
a favor o en contra o de manera neutral a partir de
nuestras influencias y el criterio de la escritura que
vamos construyendo diariamente.
IG-E Es un poco triste ser tan yoísta. Creo que a la manera de Chopin: “Dejad que sea lo que debo ser, nada
más que un compositor de piano, porque esto es lo
único que sé hacer”, el escritor, joven o no, escribe
lo que le toca, lo que puede.
JC Hay muchos modos de escribir, cada uno lo hace
como puede y, un poco, como quiere. Se puede escribir también desde el pasado o el futuro; quizá se
logren cosas diferentes.
P Los Contemporáneos fueron el grupo sin grupo,
un archipiélago de soledades. En un ambiente tan
disperso / confrontado / grupuscular como el de la
poesía mexicana del siglo xxi, ¿quiénes son sus contemporáneos?
JC Todos los que escriben ahora. Somos muy individualistas y competitivos en esta época, se pueden
formar grupos pero yo, al menos, no pertenezco a
ninguno. Tengo amigos que escriben y que admiro,
con los que platico de literatura pero jamás hemos
querido formar un grupo a partir de eso. Aún así existe una complicidad implícita.
IG-E Paula Abramo, Nadia Escalante, Xitlálitl Rodríguez, Manuel Iris, Jorge Posada, Inti García Santamaría y muchos más que no alcanzo a nombrar. Esos
compas que alcanzaron a nacer en la misma década
Presentación del libro Autorretrato con seres que vuelan de Moisés Ortega,
Eudoro Fonseca a la derecha.
que yo. Nos conocemos, nos hemos leído, hemos
coincidido en algunos encuentros, becas, ciudades.
No somos el resultado de un taller determinado ni
nos encontramos bajo alguna etiqueta. Estamos vivos
y escribimos ahora.
AS Los poetas jóvenes, esos son mis contemporáneos. También la generación de los setenta, sesenta, cincuenta y así hasta llegar a los poetas muertos.
Igual los muchachos de los noventa que publican ya
en fondos nacionales y estatales. Todo escritor vivo.
Todos ellos son mis contemporáneos. Todos nos pertenecemos y somos parte de la misma vorágine y
masividad. Somos el valor de una misma discusión
que antepone un sin total de conceptos para alejarnos
unos de otros. Quedar entre el vacío de los números.
Ser sólo un código de barras, un premio que después
se olvidará o la beca que salvó tu hambre por un año.
¿Necesito nuevos padres poéticos para alejarme de
esta orfandad o basta con creer en uno mismo y tener
los pies firmes como tierra fija? Creo tanto en los vivos como en los muertos y leo. Sigo leyendo.
VGA Pienso como mis contemporáneos a los autores nacidos en mi década, los ochenta, los nacidos
en los noventa; en poetas vivos y muertos de los
PARTEAGUAS
19
L I T E R AT U R A
Entrega del Premio Nacional de Literatura Joven Salvador Gallardo Dávalos 2013. En la mesa Mariana Torres, directora del Centro de
Investigaciones y Estudios Literarios de Aguascalientes, ciela “Fraguas”, Martín Andrade, director del Instituto Cultural de Aguascalientes, Armando Salgado, ganador del premio con su trabajo Azogue suite, y Jorge Esquinca, miembro del jurado.
cincuenta a los setenta cuyo discurso tiene una vigencia en la actualidad y que ha ejercido una influencia
en mí, en mi generación; autores con quienes comparto el mismo lenguaje, independiente de las búsquedas estéticas que cada quién tenga. A veces pienso mucho en el gran Ulises Carrión.
uno, el proyecto o el primer y segundo poema del que
nacen los demás?
HLW Considero mis contemporáneos a aquellos nacidos entre 1970 y 1999, a mis followers en Twitter, y
a dos poetas muertos.
AS El poeta Jesús Ramón Ibarra coordina un taller
de creación en Sinaloa. En una de las más recientes
sesiones les comentó a sus talleristas: sobre la necesidad –ante la competencia feroz en los distintos ámbitos de la literatura– de crear estrategias creativas para
desarrollar proyectos más sólidos. Creo lo que él muy
bien confirma: los creadores vivimos a la sombra de
la institucionalización de criterios donde dominan
rasgos como la unidad formal, la unidad temática,
la unidad estilística. Cuando escribes poemas sueltos siempre les estamos buscando compañía o mínimamente una habitación para hermanarlo con otros.
Les dijo que hay niveles de creación: escribir un
poema, escribir un conjunto de poemas, escribir un libro, armar un libro. Son aspectos de una sola creatividad. Creo firmemente que no debemos forjar una
receta universal para describir nuestro mundo interior
y por supuesto el exterior. Aunque tengamos las mismas influencias u otras distintas, siempre imperará la
multiplicidad. Mi apuesta no es por tener una única
voz –rígida y finita–, mi postura personal es lograr
que el lenguaje me revista de distintas maneras para
ser parte de ese universo polifónico que es la poesía.
P Parece que una de las características comunes a su
obra es la del poemario-proyecto, un tema que se extiende y extiende. ¿Qué es antes, en el caso de cada
IG-E El primer libro fue un proyecto, los otros dos
poemas sueltos que luego se volvieron poemarios y
más tarde libros. Mi último trabajo es el resultado de
MO Mis contemporáneos son los poetas con los que
coincido en encuentros, no siempre dentro del mismo
rango de edad; para mí, que empecé a escribir hace
diez años es muy difícil identificarme con lo que escriben los chicos que nacieron después de los noventa e incluso con lo que escriben los poetas de mi edad,
y sin embargo puedo identificarme sin problemas
con la obra de Joan Margarit, Juan Gelman, Luis Armenta, Luis Aguilar, Leticia Herrera, Miguel Ángel
Ortiz, Arlette Luévano, Paloma Mora, etcétera. Mis
contemporáneos son, supongo, los amigos y escritores con los que me ha tocado compartir una mesa de
lectura o presentar alguno de sus libros. Cierto es que
hay grupos, pero eso es otra cosa que no tiene que ver
con la poesía.
20
PARTEAGUAS
otra beca. Ahora tengo un nuevo proyecto en la cabeza. Ningún poema. No tengo un método, ni fórmula, ni
ritual que ayude en estos casos. Suerte para el que sí.
VGA El proyecto-libro inicia con un texto que aún
no se contempla como “el primero de la serie” sino
hasta que está ahí, de pie, en la mayoría de los casos.
A menos que conciba la idea de un libro unitario y no
de fragmentos, comienzo por trazar el proyecto.
MO Siempre hay un primer poema, acaso dos o tres
que son los que detonan el proyecto. Lo del proyecto surge quizás también por la etiqueta, por aquello
que se nos exige como unidad o hilo conductor. En
mi caso siempre hay poemas medulares y los que se
desprenden, pero que nunca sobran.
MO Para mí las redes sociales son una bitácora de
viaje, un estar anotando constantemente lo que se me
ocurre, una imagen, el principio de un poema, un comentario sin importancia y eso afecta, claro, porque
al final del día cuando hay que ponerse en el oficio,
yo regreso a las redes. Como he dicho, yo no puedo,
aunque quisiera, escribir algo que no he sentido. Rescato algunas cosas, borro otras tantas que me avergüenzan y bueno, luego sigue el ejercicio, el oficio
de escribir diario, aunque sea un tuit o el estado de
Facebook.
JC Ahora me gustan los proyectos, tener cierto eje
del cual partir a quién sabe dónde. También observar
tus propios poemas sueltos puede darte una idea de
hacia dónde puedes dirigirte, una idea, un concepto
que no habías notado que era tan importante para ti
en ese momento. Y aprovecharlo a veces es útil, te
lleva a escribir cosas que de verdad buscabas decir y
a lo mejor ni te dabas cuenta.
HLW Últimamente trabajo sobre proyecto, hago escaletas, apuntes, preparo un libro de poemas como
si fuera una novela, un conjunto de piezas intercambiables. La mayoría de las veces todo se va resolviendo en el camino, como por instinto y por suerte.
Me parece que el proceso de escritura de un libro de
poemas es también como armar un disco, una exposición, un performance o un catering.
Verónica G. Arredondo, ganadora del Premio Nacional de Poesía Ramón López
Velarde 2014, por su trabajo La que sé que no soy y me vuelvo,
P Comentaba hace unos días con un amigo, sin llegar a ninguna conclusión, cómo afectan (para bien y
para mal) las redes sociales (en las cuales en mayor o
menor medida son ustedes bastante activos). ¿Cómo,
tanto en el caso de que sí como en el de que no, afectan a su escritura?
JC Puedo notar que afecta de manera positiva en el
constante descubrir poemas o poetas que no conocía gracias a gente que los comparte. Eso está chido.
En mi escritura el internet afecta mucho porque soy
adicto a estar frente a la laptop. Se vuelve un tema
recurrente hablar de la soledad y la incomunicación.
IG-E Poemas, reseñas, artículos diversos, comentarios banales, comentarios serios, memes, basura,
claro que afectan. Todavía no sé muy bien cómo. En
todo caso paso un rato cada día con eso.
PARTEAGUAS
21
L I T E R AT U R A
VGA Hasta ahora no sé qué tanto afecte o beneficie
a mi escritura. Es lamentable cuando el autor se convierte en la figurita del pastel y lo último a considerar
es su obra. Una red requiere actualizar el estado, de
lo contrario la lluvia de correos solicitará tu actividad
en la cuenta. Por lo general, procuro no publicar detalles personales. Me parece que en Twitter se permite
más el juego entre lo real y lo ficticio, es interesante,
incluso como autopromoción.
Salvador Gallardo Topete, Dulce María Rivas Godoy, directora general del
Instituto Cultural de Aguascalientes, Jehú Coronado y Eduardo Hurtado
en la entrega del Premio Nacional de Literatura Joven Salvador
Gallardo Dávalos 2014, por su trabajo Sangre.
HLW Las redes sociales son la plataforma cumbre
del escritor, sin embargo, la autopromoción desmedida, la macpoesía, el revolcón de la verborrea es lo
que más me interesa. Publicar poemas que acabas de
escribir, poner la foto de la nota de prensa como perfil, el postinternet y sus poderes mediáticos e influyentes. La pregunta sería: ¿cómo le va a un escritor
que no está en las redes sociales? Cualquier escritor joven dirá que son fundamentales, sin embargo,
la frivolidad del like aumenta la frivolidad del post,
creo en la redes como un ejercicio dadá, como una
fuerza de experimentación, sin embargo, jamás me
tomaré en serio el Facebook, aunque me autopromocione todo el tiempo, no soy yo, no son mis fotos,
no son mis poemas; si quieres que te lean, adelante, si quieres hacer literatura, adelante, quién quieres
ser en la poesía, esa desesperación por ubicarte hace
que muchos escritores se conviertan en personajes de
ellos mismos, como yo, pero sin querer.
AS Hace poco la Revista Proceso manejó varias cifras duras. Dijo que de acuerdo con el Instituto Federal de Telecomunicaciones (ift), los niños mexicanos
son quienes más televisión ven en todo el mundo, con
un rango de 4 horas con 34 minutos. Pero también
estiman que: para 2020 el 75 por ciento de los contenidos audiovisuales serán consumidos vía internet.
Mi primer detonante de creatividad fue la programación del Canal Once en los noventa y las series animadas del canal 5. Mucho después llegó la lectura
por encargo de una profesora en secundaria y a la par
los primeros brotes de escritura. Es decir, soy parte
de las dos cifras anteriores: vi televisión por muchos
años y ahora soy participe de las redes sociales. Al
mismo tiempo charlo con Joel Flores en Tijuana,
Fernando Trejo en Tuxtla Gutiérrez y Manuel Iris en
Cincinnati y discutimos sobre literatura. Después le
envío un mail a Karina García Albadiz y sé lo que
hacen en Valparaíso, Chile a través del Centro de
Investigaciones Poéticas “Casa Azul”. Y luego Manuel Parra Aguilar me escribe desde Argentina y sé
22
PARTEAGUAS
que acaba de llegar a Sonora. Gracias a las redes sociales. Creo que la tecnología es un complemento y no
un sustituto. Enriquece nuestra comunicación y debemos de usarla. Es la época que nos tocó vivir y lo
que escribo yace entre estos dos polos: lo tangible y
siempre la distancia.
P Encuentros, mesas, lecturas, revistas, redes sociales. Demasiados lugares donde escribir (leer). ¿Ha
muerto el poeta introspectivo?
IG-E Ese poeta nunca ha existido.
VGA Tal vez en algún lugar recóndito vive un poeta
ermitaño con conexión wifi. O vive en la civilización,
suicidó su cuenta, borró su perfil.
HLW El poeta quiere ser famoso, quiere que lo lean,
y aunque anteponga siempre la poesía sobre cualquier
cosa, quiere gritarle a todos que es introspectivo.
AS No. Esa suma de interactividad es sólo un fragmento del iceberg personal que todos llevamos dentro. Lo interesante es cuestionar el nivel de estrés de
esa introspección. Tanta masividad abre un desfiladero entre nosotros y el terreno firme que nuestros
padres y abuelos tuvieron. Esta era del vacío lipovetskiana acrecenta el estrés de esa introspección a
tal riesgo que es complejo poder interactuar con otros
y tener confianza. A partir de ahí se cree que el poema
debe tener un formato de casa Infonavit entre protecciones y alarmas (que asustan al lector) y peor aún,
creer que es lo más underground como cualquier otra
categoría contrahegemónica (que es una manera de
aceptar la marginalidad y la falta de comunicación
con otros). El poeta introspectivo no ha muerto pero
sí hay nuevos “tipos” de poetas a partir de estos vacíos neoexistenciales.
MO No podría haber escritura sin introspección,
creo. Las mesas, las redes, las revistas y lecturas son
lo que viene luego. Y qué bueno que las hay. Es un
diálogo, un querer pensar que no se está solo, o no
tan solo.
JC No creo. Cada quién tiene la decisión de qué tan
participativo sea en esas cosas. Yo sólo participo en
donde me inviten. Nunca pido chance en una lectura
o en un encuentro. Una vez me dijeron “escritor pasivo” por ser así. Conozco poetas muy buenos alejados
Ileana Garma-Estrella ha recibido varios premios como el Nacional de Poesía
Francisco Javier Estrada 2008 y el Nacional de Poesía Caza de Letras de la
Universidad Autónoma de México por su libro Ternura..
totalmente de estos círculos. No son necesarios. Lo
importante es escribir y escribir bien. Qué difícil.
P Todos tienen uno o más libros. ¿Qué le agradecen
al primer libro? ¿Qué le cambiarían ahora?
HLW Mi primer libro está lleno de erratas y tiene
varios poemas que ya no me gustan; pero no le cambiaría nada porque lo publicó Herring Publishers México, lo editó Gerardo Arana Villareal, y gracias a ese
libro ahora soy poeta.
IG-E Como cuando tienes nueve años y no quieres
bajar de la rueda de la fortuna. Sabía que iba a querer
eso. Todavía lo quiero. Me siento avergonzada del
título de mi primer libro. La mujer que lo decidió no
tiene nada que ver con la persona que soy ahora.
AS Los primeros libros que publiqué a la par fueron
dos óperas primas de poesía y narrativa. Salvo por
detalles de edición que no fueron mi responsabilidad
yo los dejaría igual.
VGA Mucho. A Desparpajados (2013) le agradezco
el descubrimiento de mi pasión por los libros artesanales y la edición, el valorar mi trabajo, después
de haber ensamblado casi 200 ejemplares, el amor
por el libro. Lo haría más conceptual, quitaría letras,
PARTEAGUAS
23
L I T E R AT U R A
es el odio el único conducto para liberar nuestra voz?
¿En verdad, escribo desde el amor y por el amor? Es
irremediable escribir sobre la humanidad. El amor y
el odio son dos categorías inequívocas. Mi obra parte
desde el hombre y ama y odia y me agrada y duele.
HLW Claro que es posible escribir de poesía sin escribir de amor, es posible hacer poesía sobre grúas,
drones o aspirinas.
VGA Claro. Sólo tengo un par de textos sobre el amor
y son de deseo o de ausencia. Hace tiempo decidí no
relacionar al amor (real, imaginario o no concretado)
y a la poesía. El último texto que escribí con el tema
reúne palabras que en su momento no supe encontrar
y tal vez haya más amor ahora en el texto del que hay
en la realidad. Es una evocación y lo último a considerar es qué tan verdadero es.
Horacio Lozano Warpola. En 2014 ganó el Premio del Festival
Internacional de Literatura de San Miguel.
palabras (posiblemente al azar) y estaría contenido en
una caja de cartón (sin niebla).
MO Le agradezco todo, la primera experiencia con
una editorial, lo que se aprende, le agradezco lo que
se acabó con la publicación, ese ciclo que necesitaba
cerrarse. Y salvo dos, tres versos que ahora no me
gustan, y la errata que tiene en uno de los poemas
finales, no le cambiaría nada.
JC Agradezco la difusión, la retroalimentación y las
personas que he llegado a conocer. No le cambiaría
nada. Sólo soy muy consciente de que ese ya no soy
yo. Los errores hay que dejarlos. No me gustan los
libros perfectos. zzZzZzZzZz.
P Cada uno de ustedes se acerca al amor de modos y
maneras bastante disímiles entre sí pero (hasta donde
me alcanza al leerlos) parece ser uno de sus temas
centrales. ¿Es posible escribir poesía sin escribir de
amor?
JC No creo. El amor como tema se esconde muy bien
en todos lados, ni te das cuenta.
IG-E Hablamos de amor porque se trata de ese puente que nos une a la infancia, a la familia, a ciertas personas, a las calles y a las cosas. Ese sentimiento que
nos obliga a mirar atrás, a detenernos si es necesario.
AS Yo no escribo sobre el amor. Yo escribo sobre el
amor. ¿No es el amor la textura trágica del odio? ¿No
24
PARTEAGUAS
MO Creo que escribo desde el desamor. Y sí, se puede escribir a las aves, a la ira, al mar (siempre al mar).
Se puede escribir de otra cosa que no sea amor, mas
no de algo que no haya pasado por los sentidos.
P Muchos son los poetas jóvenes y menos los maduros. Poco a poco se va quedando gente en el camino.
¿Qué les impulsa a seguir escribiendo, a superar ese
techo de cristal del poeta joven que se convierte en
poeta?
MO No lo sé de cierto. Una necedad, quizás, un
no querer conformarme con la realidad, un asidero,
como Dios. Una necesidad de contarme que en la
poesía, el mundo puede ser mejor.
AS En serio, ¿hay diferencia entre un poeta joven y
otro madurado por la edad? Conozco a muchas estrellas de rock jóvenes que escriben muy bien. Poetas
consagrados que son grandes amigos pero sobre todo
grandes humanos. Estrellas de rock lejos de la poesía. Estrellas internacionales, nacionales, locales. En
el escaparate del Señor hay una gran gama y existen
porque son y así hasta siempre. Yo escribo simplemente para existir. Lo demás será un soplo que tarde
o temprano se desinflamará y si no sucede es porque
en verdad ahí había poesía.
HLW Lo que me mantiene escribiendo es el poder
del lenguaje, tal vez cuando comienzas a hacer poesía
para dejar un registro crear artefactos la trascendencia literaria es lo de menos. Un poeta es un artista, y
entre todas las cosas que hace, también escribe.
Víctor León Leiton, Armando Salgado y Horacio Lozano Warpola
JC No sé por qué lo hago y no quisiera descubrir que
es sólo por ego. Quisiera creer que es lo mejor que puedo hacer. Mientras me siga llamando la atención lo
seguiré haciendo.
VGA La idea de un libro. El concebir la poesía desde otras plataformas y formatos, ya sea a través del
libro de artista, la fotografía, la instalación, el video.
Entiendo que los “jóvenes poetas” somos promesas
inciertas. Aún no sé si el motor de la creación poética
se agota o simplemente se abandona. Ahora no está
en mis planes el abandono.
IG-E La gente se queda en el camino. Así es. Nada
me asegura que un día no sea yo la que se detenga.
Este mundo es pequeñito. El universo se expande.
Mis poemas no son más que basurilla. Es probable
que un día me canse de todo esto, que descubra que
leer o viajar o salir a la terraza cada tarde es mejor
que escribir poemas. Entonces me pondré a sembrar
tomates (siempre he querido hacerlo) y el mundo seguirá girando. También puede ser que esto no pase.
P Después de una lectura, ¿qué les gustaría que les
hubieran preguntado y nunca lo han hecho?
IG-E Recuerdo que sabía qué pregunta era esa pero
la he olvidado.
VGA No lo había pensado. Ahora que lo mencionas,
me gustaría haber cruzado miradas con alguien del
público, recibir su comentario de la lectura y escuchar una propuesta que tuviera que ver con cumplir
una fantasía o algo en privado. Después de una lectura en un espectáculo erótico, lésbico, musical, una
señora se acercó para felicitarme y preguntarme mi
preferencia sexual. Me habría encantado responderle
“soy heteroflexible” sólo para ver qué cara ponía.
AS Qué tal, me llamo Antonio Gamoneda, ¿te agradaría beber una copa de vino y conversar de poesía y
cualquier otra cosa que se nos ocurra?
MO Nada. De hecho me cuesta mucho trabajo responder cualquier pregunta después de la lectura.
JC Es que no me gusta que me pregunten cosas de
mis poemas, muchas cosas no las sé en realidad; para
qué engañarnos, me pongo nervioso y digo pendejadas.
HLW ¿Cuáles son tus drogas favoritas?
PARTEAGUAS
25
André &
Dorine
Entrevista
con
Kulunka
Teatro
La compañía Kulunka Teatro, creada en 2010
por jóvenes pero experimentados artistas de
extensa trayectoria teatral, en esta ocasión
presenta “André & Dorine”, obra basada en
un texto de André Gorz que explora el tema
siempre inquietante, pero cada vez más vigente
del amor en la vejez. Sobre esta pieza, que se
ha presentado con éxito arrollador en diversos
escenarios del mundo, habló Parteaguas con Edu
Cárcamo, José Dault y Garbiñe Insausti.
Edu Cárcamo,Yayo Cáceres (creador de la música de
“André & Dorine”), Garbiñe Insausti y José Dault en
los Premios max.
https://www.facebook.com/kulunkateatro/photos
A RT E S E S C É N I C A S
E
n materia de arte la coincidencia total suele ser
bastante rara. Pocas obras logran la unanimidad. El
perfecto reflejo de lo humano en el teatro de Shakespeare, la perfección formal de las “Variaciones
Goldberg”, el misterio siempre irresoluto de La Tempestad de Giorgone, la seminalidad del primer disco
de la Velvet o la serenidad trágica de la Carta a D. de
André Gorz son algunas de las pocas obras que lo
han logrado.
Acabas de cumplir ochenta y dos años. Has
encogido seis centímetros, no pesas más de
cuarenta y cinco kilos y sigues siendo bella,
elegante y deseable. Hace cincuenta y ocho
años que vivimos juntos y te amo más que
nunca. De nuevo siento en mi pecho un vacío
devorador que sólo colma el calor de tu cuerpo abrazado al mío.
Esa carta, el descubrimiento y la lectura de esta carta,
llevó al grupo Kulunka Teatro a adaptar para la escena una historia que ha alcanzado desde su primera
presentación el reconocimiento unánime de la crítica
y el público.
“Todo esto nació por una necesidad de contar
una historia de amor en la vejez, algo de lo que no
se habla muy a menudo sobre las tablas. A lo mejor
tenemos una especie de sensibilidad con el tema de
la vejez por los miedos o las inquietudes personales
de cada uno. Y un poco nació a raíz de ese deseo.
Aunque sí, en verdad hubo un hecho concreto que fue
también lo que encendió un poco la semilla. La historia de amor de André Gorz, un filósofo austriaco afincado en Francia, y su mujer, Dorine Keirde, inglesa.
Cuando conocimos la historia fue en un artículo
de El País que contenía extractos de Carta a D. La
belleza de estos extractos despertaron algo en nosotros como para comprar el libro, leer la carta entera
y sentir esa necesidad de contar una historia de amor
en la vejez que no es la historia de ‘André & Dorine’, los originales, pero que se mantuvo en el título
a modo de homenaje porque estos personajes ya son
nuestros André y Dorine, con sus particularidades y
con la biografía distinta a la de André Gorz”.
El programa de mano resume de una manera perfecta lo que el espectador se dispone a ver. “En un
pequeño salón, el frenético tecleo de una máquina
de escribir se enzarza a diario con las notas de un
violonchelo. Son André y Dorine, una pareja de ancianos que, como tantas otras, ha caído en la desidia,
PARTEAGUAS
27
A RT E S E S C É N I C A S
recuerdo que nos sorprendió. No sabíamos que iba a
pegar tan fuerte.
Estábamos tan al servicio de contar la historia y
que se entendiera que fuimos los primeros sorprendidos de la capacidad emotiva que tenía la historia. Eso
por otro lado es bonito porque no es algo buscado, no
responde a una fórmula. No fuimos a provocarlo sino
que es algo que nos ha surgido, algo inherente a la
historia que hemos encontrado. Y tanto en el recorrido internacional como en la capacidad emotiva de la
historia que estábamos contando, fuimos los primeros en sorprenderse”.
Cuando tu estado de salud se agravó dramáticamente, fui a ver a ese médico. Ya no podías
acostarte de tanto que te hacía sufrir tu cabeza. Pasabas la noche de pie en el balcón o
sentada en un sillón. Había querido creer que
lo compartíamos todo, pero tú estabas sola en
tu desamparo.
Fotografía: https://www.facebook.com/kulunkateatro/photos
olvidando así lo que un día los unió. De las paredes
cuelga el pasado enmarcado, como único testimonio
de lo que compartieron. Pero un suceso, la enfermedad, será el encargado de sacudir el polvo de su relación, obligándolos a recordar quiénes fueron para
reencontrarse con quienes son. Recordar cómo han
amado para seguir amando”.
Allí permanecías tú, inmóvil, mirando fijamente a lo lejos. Estoy seguro de que te esforzabas en acostumbrarte a la muerte para
combatirla sin temor. Estabas tan hermosa y
resuelta en tu silencio que no podía imaginar
que pudieras renunciar a vivir.
“La realidad es muy dura, pero para mí, en mi experiencia como actor y como creador dentro de la historia,
tampoco da la sensación de ser un tema tan duro. De hecho, las primeras veces que invitamos a gente para ver
el trabajo o cómo iban los ensayos, recuerdo que me
sorprendía lo fuerte que les llegaba o lo duro que
les resultaba.
Fue algo más lúdico. Estábamos con la idea de
ver si las cosas quedaban claras, si la enfermedad
quedaba clara, si contábamos lo que queríamos contar. Después, cuando lo empezaba a ver la gente, yo
28
PARTEAGUAS
“En nuestro intento por crear un espectáculo sin
fronteras, nuestra voluntad fue la de descubrir un lenguaje que trascendiera más allá de la palabra. Un
lenguaje capaz de emocionar y divertir. Para ello, nos
apoyamos fundamentalmente en un teatro de gesto,
en el que la máscara actúa como puente hacia una
poética visual. Ellas abren las puertas del imaginario
hacia un mundo en el que todo es posible”.
Y ese silencio de la obra ayuda también a la presentación ante públicos de cualquier lengua. “La verdad es que la producción internacional ha sido más
una sorpresa que nos hemos ido encontrando después.
El objetivo, en un primer momento, no fue hacer algo
para poder trabajar fuera del país sino contar esta historia con este lenguaje porque pensamos que podía
expresarse y comunicarse muy bien de esa manera.
Y luego es verdad que hemos trabajado mucho para
que esto sucediera, toda esta producción internacional. Pero el primer objetivo fue contar esta historia.
Ni en el mejor de los sueños hubiéramos imaginado
que tendríamos este recorrido”.
Nepal, Finlandia, Colombia, ¿hay diferencias en
los públicos? “En la esencia de cómo reciben la obra,
no. Todos se dejan impactar por lo mismo. Es verdad
que luego te encuentras con públicos de carácter más
tímido o más expresivo. En Colombia es verdad que
fueron muy, muy expresivos, y en China, por ejemplo, durante la obra suelen ser más tímidos, no estallan hasta que acaba pero sí hemos podido comprobar
que en todas partes la respuesta ha sido la misma por
parte del público”.
Una respuesta que también fue unánime por parte de la crítica: “‘André & Dorine’ es una historia
sobre el Alzheimer, pero especialmente sobre la superación, la lucha y el amor”. “‘André & Dorine’ es
ternura, conmoción, herida y canto. Un placer que
parecía perdido y ha sido recuperado”. “‘André &
Dorine’: el lenguaje preciso de las máscaras y del corazón”. “A qué maravilloso género teatral pertenece
‘André & Dorine’, no lo sé –acaso responda por tragicomedia muda de máscaras–, pero sí sé que provoca la emoción auténtica de una obra maestra”.“André
y Dorine consiguen dejar al público sin palabras”.
“La intensidad del trabajo radica justo en su síntesis, en el modo en que se complementan el lenguaje
seleccionado y el tema, en el trabajo con lo esencial:
la acción justa, el gesto preciso”. “El reto, tremendo,
que asumen los jóvenes artistas de Kulunka es el de
poner las máscaras al servicio de una emoción pura,
absoluta, redonda e inconfundible”.“‘André & Dorine’ es una montaña rusa de llantos y risas”.
“También de alguna manera la propia vida es un
poco así. Es una tragicomedia que a pesar de la rudeza de la enfermedad y de la crudeza, también tiene
lugar para la risa y para la comedia. Cuando empezó
a venir la gente, gente cercana que estuvo cerca del
proceso, lo primero que mostramos fue toda la parte
del presente donde se desarrolla la enfermedad, sin
ningún recuerdo. Funcionó muy bien pero era muy
duro de soportar y había que buscar un poco el equilibrio en la historia”.
Y una obra como “André & Dorine” ha desatado emociones en el público dondequiera que se haya
presentado. “Lo más bonito que tiene este espectáculo es que nos hace sentir que lo que hacemos es útil,
más que necesario, útil a la gente que lo ve. Y muchas
veces nos ocurre cuando hacemos encuentros con el
público que nos pagan con la misma moneda en
el sentido de que ellos nos cuentan cómo han vivido
la obra. Y nos cuentan su experiencia personal lo que
hace que nos conmovamos muchísimo y acabamos
llorando nosotros también. Se establecen vínculos”.
Y corren las anécdotas. “Un día nos íbamos de
Valencia después de haber estado una semana y, cargando la furgoneta, antes de irnos, una vecina del
teatro que nos había visto el primer día, Enriqueta
de 84 años, fue al mercado a comprarnos un dulce
para que merendáramos en el viaje. La obra despierta
algo que creo es común a todos independientemente
de que seas chino, seas finlandés, y muchas veces se
nos han acercado con la necesidad de contarnos su
historia particular como, por ejemplo, una chica joven en China.
Fotografía: https://www.facebook.com/kulunkateatro/photos
“André & Dorine”, Kulunka Teatro en el teatro Morelos, Aguascalientes
PARTEAGUAS
29
A RT E S E S C É N I C A S
Función en el teatro Morelos, Aguascalientes
Pero igual que en China en muchísimos sitios nos
dicen cosas como ʻes que mi abuelo es asíʼ o ʻes que
eso me pasa a míʼ. O ʻhe visto la función y llevo meses fuera de casa porque estoy viajando y lo primero
que he hecho es llamar a mi madre para decirle que la
quieroʼ. En Valladolid hay un técnico que lo llaman
ʻAtilaʼ porque mide como dos metros y desmonta
los armarios, y al acabar la función nos dijo: ʻYo no
puedo desmontar ahora. Ahora yo lo único que quiero es llamar a mi madreʼ. Y eso, llegarle al público,
reconocen es lo que es el arte, lo que vale la pena de
estar en esto”.
Con puesta en escena de Iñaki Rikarte, vestuario
de Ikerne Giménez, máscaras de Garbiñe Insausti, y
las actuaciones de Garbiñe Insausti, José Dault y Edu
Cárcamo, “André & Dorine” desmonta el tradicional
melodrama que acompaña a la enfermedad y la confronta con humor y artificio, recordándonos que la
vida no se detiene y que también llega el tiempo del
olvido. Y que sólo el amor salva.
Me entregaste toda tu vida y todo lo tuyo. A mí
me gustaría poder darte todo lo mío durante
30
PARTEAGUAS
el tiempo que nos quede. Recién acabas de
cumplir ochenta y dos años. Y sigues siendo
bella, elegante y deseable. Hace cincuenta y
ocho años que vivimos juntos y te amo más
que nunca. Hace poco volví a enamorarme de
ti una vez más y llevo de nuevo en mí un vacío
devorador que sólo sacia tu cuerpo apretado
contra el mío. Por la noche veo a veces la
silueta de un hombre que, en una carretera
vacía y en un paisaje desierto, camina detrás
de un coche fúnebre. Es a ti a quien lleva esa
carroza. No quiero asistir a tu incineración;
no quiero recibir un frasco con tus cenizas.
Oigo la voz de Kathleen Ferrier que canta
Die Welt ist leer, Ich will nicht leben mehr y
me despierto. Espío tu respiración, mi mano
te acaricia. A ninguno de los dos nos gustaría
tener que sobrevivir a la muerte del otro. A
menudo nos hemos dicho que, en el caso de
tener una segunda vida, nos gustaría pasarla
juntos.
Función en el teatro Morelos, Aguascalientes
Fotografía: https://www.facebook.com/kulunkateatro/photos
PARTEAGUAS
31
Habitar la
independencia,
charla a tres
voces para
celular e
inbox
MARIANA TORRES RUIZ
En abril pasado se presentó en Aguascalientes
el montaje “Los Equilibristas”, escrito
por David Gaytán y dirigido por Damián
Cervantes. Después de enviarles una temerosa
solicitud de amistad por Facebook, ambos la
aceptaron. He aquí el resultado, que nos deja
ver a dos exponentes del teatro mexicano
contemporáneo, con una perspectiva
absolutamente contundente y muy personal
sobre lo que está ocurriendo o debería ocurrir
en nuestro país.
“Los Equilibristas”, del grupo Vaca 35 Teatro, en el
teatro Antonio Leal y Romero, Aguascalientes.
A RT E S E S C É N I C A S
M
ariana Torres, MT Pertenecen a una generación de jóvenes hacedores teatrales, muy talentosos,
que están posicionando a México en la mira del teatro
internacional, sobre todo hispanoamericano. ¿Cómo
asumen este compromiso?
Damián Cervantes, DC Es una voz generacional
que exporta teatro, que exporta discurso, y eso es
muy fuerte, muy importante y me emociona sobremanera; sobre todo porque el teatro mexicano estuvo
secuestrado mucho rato por ideas ya muy viejas, y
ahorita esta nueva visión tan personal de los que lo
estamos haciendo es la que está empezando a salir, a
darse a conocer, lo cual es un gran compromiso y una
gran satisfacción.
David Gaytán, DG La respuesta fácil (y cierta) es:
con responsabilidad. Si alguien me pidiera darle un
consejo sobre esto, le diría que no piense en el asunto,
que hacerlo puede ser lo que más lo aleje de cualquiera que haya sido el extraño factor que lo colocó ahí.
MT ¿Qué tan complicado ha sido para ustedes llegar
a este sitio, posicionarse en el candelero del teatro
nacional?
DG Tan complicado como pueda resultar no dejar de
trabajar. La ventaja: trabajo en lo que me gusta y busco hacer del rigor un hábito.
DC En nuestro caso, Vaca 35, el camino empezó por
posicionar un discurso; entender la independencia,
habitar la independencia y tratar de generar la autogestión. Ese ha sido el camino desde siempre y eso lo
que ha hecho es generar una voz muy personal. Las
dificultades son las de todos: no hay dinero, no hay
condiciones. Trabajar desde el colectivo, ser grupo en
México, para mí, es una postura de resistencia, dado
que es el lugar de la construcción del individualismo.
MT ¿A qué te refieres con habitar la independencia?
DC Hay un concepto de independencia pero una cosa
es el concepto y otra lo que la independencia implica, es decir, independencia de recursos, medios, de
gestión. En nuestro caso ha sido, un poco, la renuncia
al aparato institucional para tratar de habitar nuestro
discurso propio sin tener ningún intermediario. Eso
¿qué consecuencia tiene? pues que uno está limitado,
no hay dinero, pero al mismo tiempo se potencia lo
que se tiene; esto para mí es muy alentador, pues en
Fotografía de Gustavo Sifuentes
PARTEAGUAS
33
A RT E S E S C É N I C A S
David Gaytán, dramaturgo de “Los Equilibristas”
lugar de resignarte a “hacer teatro con lo que tengo y
no me queda de otra”, tienes la posibilidad de asumir
“hago teatro con lo que tengo pero hablo y tengo un
discurso, eso es lo que tengo”. La motivación no es
hacer teatro per se, sino cambiar las condiciones del
teatro; y cambiar tus propias condiciones de creación.
Entonces es todo un proyecto, no es luchar por luchar
y despotricar sobre el teatro. El teatro en México es
muy complejo, y cambiar las condiciones depende de
lo que lo estamos haciendo, entonces esa es también
nuestra motivación, así ha sido siempre.
MT Y en medio de esta enorme complejidad ¿cómo
ven el panorama para los recién egresados de las escuelas de teatro, tanto del df como de las muchas que
hay en el interior? Jóvenes con grandes expectativas
de encontrar su gran oportunidad, jóvenes que quizá
quieran ser como Damián Cervantes o David Gaytán.
DC Pues lo veo complejo. En primer lugar porque,
desde mi perspectiva personal, ser como Damián
Cervantes no debe ser una perspectiva aspiracional,
porque aspirar a lo que ha hecho otro sería aspirar a
lo que no hace cada quien. Yo creo que el pensamiento que se debe propiciar en las escuelas es ¿cuál es el
tipo de teatro, el tipo de camino, el tipo de estética
y poética que se quiere hacer? Y a partir de ahí empezar a defender un discurso. Lo peor que podemos
34
PARTEAGUAS
Damián Cervantes, director de “Los Equilibristas”
hacer es caer, en lo que el sistema propicia que son
figurines que sean modelos a seguir, eso lo que hace
es alienar la visión del teatro.
DG Yo veo a jóvenes con grandes expectativas de encontrar su gran oportunidad. El panorama es oscuro,
pero la razón principal es que en las escuelas suele
enseñarse el arte de esperar a ser llamado para poder
ejercer un discurso en escena; si se hiciera un viraje
a –además de proveer las herramientas técnicas para
la escena– fomentar la creación de discursos personales así como comunicar los vehículos para llevarlos
a la realidad, entonces el escenario sería mucho más
luminoso, además de que habría un constante pujar
generacional que obligaría a modificar el barco de la
política cultural.
DC Lo interesante es la diversidad de pensamiento.
Creo que eso es lo complejo de las escuelas de teatro.
Entonces el problema de fondo es eso, primero, discursos personales y segundo una infraestructura que
sea más consciente de cuál es la oferta y la demanda
del teatro. Yo creo que las escuelas deberían enfocar
su formación en entender que ahora la idea de lo teatral es encontrar una visión global.
MT ¿Consideran que hay un joven teatro mexicano
contemporáneo que nos identifique?
DC Sí, absolutamente sí. Es un teatro que está sabiendo sublimar, poetizar un momento actual muy
interesante que es el olvido histórico, la crisis de valores, la violencia, la crisis social, y que aspira a tener
un discurso personal, a no a ser una copia.
DG Por mi parte pienso que sí lo hay, pero no me
atrevería a decir cuál es el rasgo común. Felizmente,
me parece que no lo hay y por lo tanto cabe hablar
de una generación heterogénea, inquieta y en constante debate consigo misma. Algunos temas que veo
recurrentes son el desciframiento de la identidad, la
pregunta sobre cómo abordar en escena una realidad
violenta, el patetismo como modo de comunicación.
DC Yo sí creo que ahorita el teatro mexicano está
muy, muy fuerte, aunque claro, siempre habrá gente
a la que le gusta replicar lo viejo. Pero hay muchos
ejemplos de este teatro contemporáneo como Lagartijas tiradas al sol, Teatro Ojo, o los trabajos de Jorge
Vargas con la compañía Línea de Sombra; me gusta pensar que nosotros estamos ahí: Vaca 35 Teatro.
Ahora mismo pienso que la renovación está en los
grupos y eso es interesante también, porque antes dicha renovación estaba en el director o en el escritor,
pero ahora recae en los colectivos y esto me parece
fascinante.
su compañía Vaca 35; me parece que se está volviendo un modelo para muchas compañías jóvenes.
MT ¿Por qué convertir a “Los Equilibristas”, un montaje escolar, en algo profesional? ¿Qué ha representado éste en sus procesos como director y como dramaturgo? ¿Por qué volver al tema de la Revolución?
DC Para mí es una reconciliación con el foro teatral
porque antes de “Los Equilibristas” todas nuestras
producciones habían sido fuera del espacio teatral,
sólo en espacios alternativos, por cuestiones políticas
y estéticas; también significó cierta reconciliación
con autores dramáticos por basar el montaje en una
obra ya escrita, pues nosotros trabajamos con creaciones colectivas; además de tener la oportunidad de
arriesgarme con catorce actores, que es muy difícil,
para tratar de hacer un teatro casi coral.
Fotografía de Gustavo Sifuentes
MT ¿Qué ha significado para ustedes hacer mancuerna, ambos coetáneos y talentosos? ¿Que admiran uno
del otro?
DC Nuestro trabajo fue una fabulosa coincidencia. Le
hablé a David y le dije que necesitaba una obra que
tuviera catorce personajes para un montaje con mis
alumnos del Tec de Monterrey, daba clases de teatro para subsistir (risas). Escribió catorce monólogos
porque era mucho más sencillo ensayar así, y lo hizo
todo en tres semanas. Nuestra colaboración no fue
planeada, salió de una tarea y acabó en una obra muy
sencilla, que se convirtió en un montaje muy sencillo,
pero muy imaginativo. Es lo que admiro de David,
su capacidad de escritura, es muy buen escritor, es
muy buena persona, y muy talentoso. Tiene mucha
capacidad para discernir la atmósfera y definir una
poética; supo llegar a la esencia de los personajes de
“Los Equilibristas” en poco tiempo, les supo dar voz.
Escena de “Los Equilibristas” en el teatro Antonio Leal y Romero
DG Para mí, significó el placer de trabajar con alguien
de mi generación, que es mucho. De él admiro la capacidad que ha mostrado para gestionar y proyectar
Vaca 35, compañía independiente
PARTEAGUAS
35
A RT E S E S C É N I C A S
Fotografías de Gustavo Sifuentes
Escenas de “Los Equilibristas” en el teatro Antonio Leal y Romero
36
PARTEAGUAS
Fotografía de Gustavo Sifuentes
Escena de “Los Equilibristas” en el teatro Antonio Leal y Romero
DG El montaje de “Los Equilibristas” representó un
ejercicio formal que en su momento me interesaba
mucho imaginar en teatro (el falso documental), y encontré en el tema de la Revolución el vehículo ideal
para hacerlo. ¿Por qué volver a este tema? Para mostrar qué tanto y tan poco se ha modificado nuestro
arco de motivaciones al paso de poco más de un siglo.
DC Debo decir que ha sido una reflexión profunda
sobre nuestra construcción histórica, como personas
y como mexicanos.
MT Desde su perspectiva, ¿qué creen que venga para
el teatro en México a partir de esta generación de
creadores a la que pertenecen?
DG Mi deseo es que las siguientes generaciones hereden un espíritu radical; que imiten la necesidad por
derrumbar las formas anteriores y obliguen al espectador a imaginar la escena distinta. Para que eso ocurra, tienen que combinarse varios factores, uno de los
más importantes (si no el que más) es la realidad de la
política cultural que el país esté atravesando. En este
preciso momento, frente a un recorte presupuestal
que no deja posibilidad de movimiento dentro de los
marcos habituales de acción, lo siguiente quizá sea
un largo proceso de descubrimiento y adecuación a
otros modos de producción. Esto podría “matar” a la
generación que le toque ese oscuro panorama como
detonador inicial y al mismo tiempo ser una bendición para aquella que la preceda.
DC Yo realmente no sé qué pase, más bien me gustaría decir qué aspiro que pase. México es un país
en el que suceden muchas cosas, vivimos cambios
políticos todo el tiempo y eso merma los esfuerzos
personales. Yo aspiraría a que el teatro se volviera
más irreverente, más osado, mucho más seguro de sí
mismo a partir de sus propios discursos. Que la gente
de teatro vea su potencia a partir de la independencia
y de la autogestión, que haya más grupos de teatro y
creaciones colectivas. Esto sin olvidar generar crítica
y autocrítica, nos hacen falta kilómetros de ambas.
Asumirnos desde la colectividad, porque en un país
como éste, en una tierra como ésta, es una forma de
resistencia extrema.
PARTEAGUAS
37
JESÚS
RAMÓN IBARRA
1 Papeles para el desaliento
1
Asume el Dios henchido
su posición de ángel armado hasta las alas.
Al centro del vértigo,
en la corona argenta de la fiebre.
El Dios boquea una plegaria,
una ráfaga de diábolos.
Somete el cuerpo de La que canta
y un pubis que administra sombra
en partes iguales
a su legislatura de niebla,
a su régimen de flechas malsanas.
A La que canta
el Dios henchido también la llama Negra
y siembra
en su cuerpo de sílex,
en su vientre mineral,
en su aroma de azucar
quemada en el verano,
las huellas tibias
de dos pies errantes.
2
Te llamará La que canta,
la que lleva boleros
de un tizne a otro de la vida,
la que depone lágrimas,
38
PARTEAGUAS
la que suelta la voz
como paloma a orillas del diluvio.
Te llamará La que canta,
en tu voz no habrá grietas
y un oscuro manto de peces
ceñido a la brisa del estuario
se hará polvo en tu lengua.
Te llamará La que canta
y en tu voz no habrá agua y sí,
bajo tus dientes de lirio,
el milagro súbito de un hombre
dispuesto a ser devorado.
3
Finge la luz ser agua en sus ojos;
finge el extrañado reposo de la vigilia,
el contenido cauce del parpadeo.
Finge la luz el remanso de una lágrima
al filo de la nota.
Finge rebasar sus márgenes
y asumir la dureza de la piedra
al fondo del cuenco.
La luz en sus ojos
actúa el deseado papel de océano
y se explaya en un bolero,
se fija en la balada sumisa.
Finge la luz ser tango hecho de niebla,
dispersa,
en calles que ya nadie recorre.
Fragmento del libro Teoría de las pérdidas,
ganador del xlvii Premio Bellas Artes de Poesía Aguascalientes
PARTEAGUAS
39
D O S S I E R
CONCURSO
NACIONAL PARA ESTUDIANTES
DE ARTES PLÁSTICAS
JUAN CASTAÑEDA
Su nacimiento y su antecedente
Casa de la Cultura, ca. 1980. Sede del los Concursos y
Encuentros de Arte Joven desde 1967. Fototeca Archivo
General del Instituto Cultural de Aguascalientes. agica.
Juan Castañeda pormenoriza
cómo, entre luchas y avatares, el
modesto Concurso Nacional para
Estudiantes de Artes Plásticas,
consolidado como el Encuentro
Nacional de Arte Joven, ha
abierto caminos para las nuevas
generaciones que hoy dan rostro
y presencia a la nueva plástica
mexicana.
40
PARTEAGUAS
A partir de los primeros años de la década de
los setenta, empezó a llamar la atención, en el
medio de las artes plásticas, el Concurso Nacional para Estudiantes que convocaba la Casa
de la Cultura de Aguascalientes. Llamaba la
atención la cada vez mayor cantidad y calidad
de obra participante. La seriedad de los organizadores y el prestigio de quienes fungían como
integrantes del jurado fueron motivando el interés de las escuelas de arte de todo el país, para
enviar una selección representativa con las mejores obras de sus alumnos más sobresalientes.
En el vii Concurso es cuando por primera vez
el jurado hace mención en el acta de la importancia y la gran cantidad de obra recibida; no se
registra la cantidad exacta, pero ésta debió ser
significativa como para haber sorprendido a los
miembros del jurado. Mucho tiene que ver en
esta gran participación el patrocinio económico
de Cigarrera La Moderna, compañía privada que
por iniciativa propia había solicitado patrocinar
los premios, siendo su propuesta económica tan
atractiva que, desde entonces –el tercer o cuarto
concurso– los premios ofrecidos en las convocatorias fueron uno de los motivos de los grandes
envíos de obra.
Con el tiempo el Concurso Nacional para
Estudiantes de Artes Plásticas se convirtió en el
ahora bien consolidado Encuentro Nacional de
Arte Joven. El prestigio es recíproco: el autor lo
obtiene al ganar alguno de los premios, y se
lo da al certamen al obtener éste una presencia
significativa dentro de la plástica nacional. Sin
embargo, no todo ha sido fácil como aparenta; la
historia se extiende por muchos años.
En el vii Concurso es
cuando por primera
vez el jurado hace
mención en el acta
de la importancia y
la gran cantidad de
obra recibida. Mucho
tiene que ver en esta
gran participación el
patrocinio económico
de Cigarrera La
Moderna, compañía
privada que por
iniciativa propia había
solicitado patrocinar
los premios
En la Casa de la Cultura Enrique Rodríguez Varela, director del Instituto Cultural de Aguascalientes, ica; primeros de
izquierda a derecha, Juan Castañeda y Agustín Arteaga, jurados del xvi Encuentro; sigue el profesor Ricardo Martínez,
director de relaciones públicas de Cigarrera La Moderna, 1996. Archivo particular de Juan Castañeda.
Durante treinta años, hasta 1965, el Patronato de la Feria Nacional de San Marcos, organizó
la exposición de Artes Plásticas de Aguascalientes, concurso modesto y sin mayores pretensiones que las de aprovechar la afluencia del público de la Feria para mostrar una actividad de
carácter cultural diferente al espíritu de fiesta
que se da por esas fechas. Se establecieron dos
categorías, la “A” para profesionales y la “B”
para aficionados o alumnos de escuelas de arte.
Se convocaba a toda la República, pero no existía ni la difusión ni el interés por participar y se
convertía en un concurso casero, si acaso con
alguna participación regional, más aproximado
en su equivalencia a lo que eran los juegos florales en poesía, que a una real muestra de creadores. Se consideraba en la premiación más las
habilidades técnicas y manuales que la propuesta plástica, la estética que predominaba era la
preciosista o, en el mejor de los casos, la de
la Escuela Mexicana de Pintura, cuya vigencia
para esas fechas ya estaba bastante cuestionada.
Para fortuna del arte en México en esos momentos se da una serie de circunstancias que
cambiarían el concepto establecido del arte: se
empieza a difundir –por fin– el arte contemporáneo, se acepta por primera vez la entrada
del abstraccionismo al Palacio de Bellas Artes,
con la exposición “Confrontación 66”, que fue
provocada por el gran pleito del 2 de febrero de
1965 entre los pintores figurativos y abstractos,
durante la ceremonia de premiación del “Salón
Esso” en el entonces recién inaugurado Museo
de Arte Moderno de México.
Posteriormente, como consecuencia de las
entrevistas que tuvo el pintor Benito Messeguer
con José Luis Martínez, director general del inba
fue que se dio “Confrontación 66”, exposición
no competitiva, donde a pesar de que la idea era
sólo la de mostrar todas las tendencias y corrientes que en ese momento se daban en México, de
todas maneras hubo varias fricciones entre los
asistentes a la inauguración. Había muchas diferencias entre el criterio estético que debía prevalecer. Así entró el arte abstracto a Bellas Artes.
Al mismo tiempo en Aguascalientes se creaban otras circunstancias que cambiarían la estructura, el rumbo y el objetivo de los concursos de
Artes Plásticas de la Feria de San Marcos: Víctor
Sandoval se empeñaba en modificar la anquilosada escuela de artes que había en la ciudad –Instituto Aguascalentense de Bellas Artes–; coincidentemente, el inba, con Sergio Galindo en la
coordinación, también deseaba una mayor penetración de la cultura en toda la República. El resultado fue la creación, primero en Aguascalientes
PARTEAGUAS
41
D O S S I E R
Enrique Olivares Santana, gobernador del estado de Aguascalientes, con el crítico de arte Jorge Alberto Manrique en la
exposición del ii Concurso, 1967. Fototeca agica.
y después en todo el país, de las Casas de Cultura –ahora Institutos Culturales– algunos ya,
Secretarías de Cultura.
Para dar mayor fuerza al proyecto Casas de
Cultura el inba otorga el total apoyo al cambio
de este concurso de artes plásticas, que en 1965
alcanzaba su trigésima edición, y para 1966 se
convocó al Primer Concurso Nacional para Estudiantes de Artes Plásticas. (Carlos Blas Galindo asegura que, paralelo a éste todavía se celebró
el xxxi Concurso que convocaba el Patronato de
la Feria, sin embargo los organizadores de entonces desmienten el hecho). Entonces, ya con
el aval de la máxima institución cultural del
país, mayor difusión y jurados más prestigiados,
empezó el despegue del concurso, ahora sí con
verdadero alcance nacional. Como requisito, el
participante debía estar inscrito en alguna escuela de arte; se convocaba en las cuatro áreas de
las artes plásticas –dibujo, pintura, escultura y
gráfica–, pudiendo participar con tres obras en
cada una de ellas.
En este primer concurso –cuya exposición se
instaló en los arcos de la Presidencia Municipal
42
PARTEAGUAS
porque todavía no estaba en funciones la Casa de
la Cultura– fue mínima la participación, siendo
expuestas sólo 36 obras –cifra extraoficial– que
juzgaron la señora Carmen Barreda –la misma
directora del Museo de Arte Moderno a quien le
tocó el problema del Salón Esso–, el licenciado Miguel G. Aguayo, por Aguascalientes, y el
crítico de arte, maestro Jorge Alberto Manrique.
Fueron premiados, en pintura, Víctor González,
otorgándose un premio especial a Baltazar Sainz
y una mención a Cecilia Ramírez; en gráfica,
Thelma Cruz; en dibujo José Cruz Campos, y en
escultura José Méndez.
Tal vez por inercia de los certámenes anteriores, en esta primera convocatoria no se especificó que eran premios de adquisición, por lo
que la Casa de la Cultura solicitó en donación
las obras premiadas, lo que fue rechazado por
algunos autores.
Es a partir del segundo concurso que toma
las características que ha conservado hasta la fecha: otorgar premios de adquisición y exponer su
selección en la Ciudad de México. Debido al interés del inba de apoyar e impulsar el certamen,
El Concurso
Nacional para
Estudiantes de
Artes Plásticas,
dura hasta 1980;
quince concursos
en los cuales
se configura el
despegue de la
actual pintura
joven de México
Es aquí donde
surge Enrique
Guzmán,
considerado por
muchos como
el iniciador de la
Nueva Pintura en
México; alguien
inclusive lo
señala como el
introductor del
posmodernismo
en nuestro medio
esta selección se muestra en las salas del Palacio
de Bellas Artes, lo cual le hace ganar una alta
categoría al evento.
Este periodo, como Concurso Nacional para
Estudiantes de Artes Plásticas, dura hasta 1980;
quince concursos en los cuales se configura el
despegue de la actual pintura joven de México.
Muchos de los pintores posteriores a la Generación de la Ruptura inician su vida profesional a
partir de aquí; el premio estimula su participación
y los alienta a la búsqueda de la creatividad, que
algunos logran con creces. Es aquí donde surge
Enrique Guzmán, considerado por muchos como
el iniciador de la Nueva Pintura en México; alguien inclusive lo señala como el introductor del
posmodernismo en nuestro medio.
Es cierto que –sobre todo al principio– todavía se arrastran herencias estéticas del pasado y,
por supuesto, que no todos los que obtienen premios van a sobresalir ni todos los que sobresalen
son producto de este concurso. Los premios son
más para estudiantes que en ese momento tienen
las circunstancias favorables para su desarrollo,
mismas que no necesariamente tienen después.
Es muy notorio en estos años que obtengan
los premios alumnos de escuelas que por circunstancias especiales tenían ventajas sobre las
demás. El Instituto Potosino de Bellas Artes obtuvo trece premios y nueve menciones en diez
Premiación del ii Concurso, 1967. María Teresa Palau obtuvo un premio en pintura.
Fototeca agica.
de los quince concursos para estudiantes, de los
cuales son catorce en pintura, cinco en grabado
y tres en dibujo. La escuela de Artes Plásticas
de la Universidad de Guanajuato, por medio de
sus alumnos, ganó premios siempre en grabado,
del primero al octavo concurso, exceptuando el
tercero. De San Miguel de Allende, también ganan en seis de los concursos. Jalapa se significa
con quince premios y cinco menciones en nueve
de los concursos. “La Esmeralda” y “San Carlos” también sobresalen con veintitrés premios
y quince menciones, la primera, y dieciocho y
cuatro, la segunda, destacando la primera en el xi
concurso, en el que todos los premios y menciones de pintura los obtuvieron sus alumnos. Todos
los pocos premios que restan de este periodo,
ser reparten entre los estudiantes de Uruapan,
Lagos de Moreno, Hermosillo, Saltillo, Monterrey, Compostela, Zacatecas, Oaxaca, Mazatlán,
Orizaba, Durango, Guadalajara, la Normal de
México, la opic (Organismo de Promoción Internacional de la Cultural), el ciep (Centro de Investigación y Experimentación Plástica), dos talleres particulares y un estudiante independiente.
En un principio era notoria la ventaja de los
estudiantes de San Luis Potosí, pues eran alumnos que venían trabajando desde hacía diez o
más años en talleres libres y que aprovecharon
su condición de inscritos en una escuela de arte
para competir con incipientes alumnos de otras
escuelas, siendo en pintura donde más premios
obtuvieron, pues es esta materia –con el maestro Raúl Gamboa al frente– la que tiene mayor
apoyo en el Instituto Potosino de Bellas Artes.
Lo mismo sucedió en la Universidad de Guanajuato en la que el maestro Jesús Gallardo formó
un buen taller de grabado y sus alumnos fueron
quienes siempre ganaron en los primeros concursos. En Jalapa es el maestro Takahasi quien
hace ganar a varios de sus alumnos en escultura, siendo posteriormente Carlos Jurado, quien
al llegar a esa ciudad con una serie de innovadoras propuestas plásticas, hace destacar en los
concursos a una serie de jóvenes prospectos que
manejan una técnica que desde algunos años antes ya había sido muy socorrida dentro del movimiento pop de Estados Unidos, mitad pintura
y mitad gráfica.
El caso de Aguascalientes es un poco aparte,
aquí no hay un maestro que se destaque y que
PARTEAGUAS
43
D O S S I E R
haya hecho escuela como en los ejemplos anteriores; sin embargo, de las escuelas de provincia,
es la que más distinciones obtiene en este periodo; supongo que la mayoría de los premios otorgados se debió más a consideraciones de impulso
y apoyo a la actividad de los anfitriones que a su
mérito creativo. Quizás por eso sea tan notoria
la desigualdad de técnica, forma e idea en esas
obras que ahora forman parte del acervo del Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes.
“La Esmeralda” y “San Carlos” no son asiduos participantes como instituciones sino hasta
que el concurso se consolida en su prestigio, y es
entonces cuando estas escuelas ganan de manera
apabullante por sobre todas las demás, notándose la diferencia entre el estudiante de provincia,
que lo hace sólo por ocupar un tiempo libre, y
el estudiante profesional que lo hace por el interés de involucrarse realmente en el arte. Aquí,
en estas escuelas, ya no es un maestro específico
el que destaca en la guía de los alumnos, sino
un sistema de enseñanza dado por su respectivo
plan de estudios enfocado a la profesionalización
del estudiante. En este ambiente y en una gran
ciudad en donde necesariamente hay una mejor oferta cultural, el estudiante que realmente
pretende involucrarse en todos los pormenores
del quehacer creativo tiene mayores estímulos y
más deseos de superación en su formación e información plástica, teniendo como consecuencia
una mayor preparación académica en relación
a sus similares de provincia, aun cuando éstos
hayan dedicado el mismo tiempo al estudio de
la materia.
Ahora bien, es cierto que las personalidades
siempre van a destacar, y es por eso que algunos
estudiantes de entonces, y a pesar de las desfavorables condiciones en que se desarrollan, sobresalen por merecimientos propios. Superan estas desfavorables condiciones que, en la mayoría
de las escuelas de provincia son en principio una
casi total ausencia de estímulos para el ejercicio
del oficio: carencia de talleres adecuados, un
criterio artístico-creativo muy reducido, consecuencia de maestros mal preparados y mal informados, que en el mejor de los casos sólo enseñan
una aceptable técnica, carente de motivaciones
imaginativas. En este ambiente el estudiante difícilmente va a encontrar un medio donde pueda
manifestar y enriquecer sus inquietudes creati-
44
PARTEAGUAS
Víctor Sandoval, primero de la izquierda en la premiación del iii Concurso de 1968.
Fototeca agica.
vas. Sin embargo, aun así, es posible que surjan
las personalidades.
Existe otro caso de esta época, el de San Miguel de Allende. Debido a las características de
su población –es la ciudad mexicana con mayor
índice de pensionados extranjeros– los estudiantes de sus escuelas de arte son sobre todo norteamericanos que ocupan su extenso tiempo libre
en ellas, muchos ya con vasta experiencia en las
artes plásticas; debido a esa ventaja lograron obtener un buen número de reconocimientos.
Encuentro Nacional de
Arte Joven
En toda esta anterior etapa, los 15 concursos para
estudiantes dejaron una gran cantidad de experiencias, además que ya eran visibles los buenos
resultados que marcaban otra posibilidad en el
desarrollo cultural de México; sólo que en ese
momento la estructura del concurso ya presentaba ciertas deficiencias, sobre todo por el concepto de “estudiante”. Se habían presentado algunos
problemas por este motivo; “los estudiantes” de
San Luis Potosí, al principio, y al final sobre
todo los de San Miguel de Allende –como ya se
ha mencionado– se amparaban en una inscripción en estas escuelas y, sin importar su a veces
Es cierto que las
personalidades
siempre van a
destacar, y es por
eso que algunos
estudiantes de
entonces, y a pesar
de las desfavorables
condiciones en
que se desarrollan,
sobresalen por
merecimientos
propios
Segunda de la izquierda, Raquel Tibol, jurado del i Encuentro Nacional de Arte Joven, junto a
Azul Verdugo de Landeros, Rodolfo Landeros Gallegos, gobernador de Aguascalientes,
de atrás de él, Ladislao Juárez, 1981. Fototeca agica.
En la versión xiv
el jurado decidió
otorgarle sólo una
mención, en lugar del
premio que le habían
asignado, a Lepa
Leposeva Milosevic,
por ser miembro
de la Asociación de
Artistas Profesionales
de Yugoslavia y estar
en México sólo
mientras realizaba
estudios de posgrado
en San Carlos
ya bastante madura edad, competían con bisoños estudiantes de las demás escuelas, además
de que las escuelas de toda la República pasaban
por una crisis de enseñanza –no sé si hasta la fecha ésta continúe o sólo haya sido transitoria–, la
cual precisamente era resultado de sus planes de
estudio. Se experimentaban otros programas que
dejaban atrás los anteriores, que eran herencia de
la Escuela Mexicana de Pintura, programas en
los que, entre otras cosas, el estudiante pasaba
cinco años aprendiendo a dibujar bien la figura
humana y egresaba haciendo abstracto. Esto necesariamente se reflejaba en la baja calidad de
los envíos al concurso.
Se presentaron también algunas confusiones,
como cuando en el v Concurso se le otorgó un
premio a José Zúñiga, que envió su obra como
miembro de uno de los talleres de la opic (talleres que, con el apoyo de la Secretaría de Relaciones Exteriores, creó el licenciado Miguel
Álvarez Acosta). Al presentarse Zúñiga a cobrar
su premio, se le retiró por considerarlo profesional; sin embargo, en ese mismo concurso, sí le
hicieron válido el premio a Juan Manuel de la
Rosa, que estaba en las mismas circunstancias
y se amparaba en otro de los talleres de la opic.
Posteriormente, en la versión xiv, el jurado
decidió otorgarle sólo una mención, en lugar del
premio que le habían asignado, a Lepa Leposeva
Milosevic, por ser miembro de la Asociación de
Artistas Profesionales de Yugoslavia y estar en
México sólo mientras realizaba estudios de posgrado en San Carlos.
Se presentó otra situación, ocasionada también por el carácter de la convocatoria, en la que
el requisito era ser estudiante. En el xii Concurso
Humberto Jiménez obtuvo una mención con un
trabajo que tuvo que enviar por medio y con el
nombre de un amigo, porque él no estaba inscrito
en ninguna escuela y por lo tanto no era estudiante y no podía participar.
Además los premios se estaban “devaluando” pues, por la misma estructura de la convocatoria, se daban tres premios en cada una de las
ramas, premios que con regular frecuencia el
jurado decidía dividir, lo que hacía que cada año
se otorgaran de quince a veinte premios, más un
buen número de menciones. Se volvió muy fácil
obtener un reconocimiento en Aguascalientes.
Por todo esto y una vez cumplido su objetivo de impulsar al estudiante creador, se decidió
cambiar el sentido de la convocatoria y en una
espacie de cónclave, en donde participaron organizadores, autoridades del inba y críticos de arte
que habían estado cerca del concurso, a propuesta de la maestra Raquel Tibol, decidieron que
existían más oportunidades de mejorar la calidad
de la obra presentada si se abría la posibilidad de
participar a jóvenes que no necesariamente fueran estudiantes, sin perder la idea de ofrecer a la
nueva generación un foro especial para su desarrollo y, a partir de ahí, dependiendo de su interés y capacidad personal, su impulso al fabuloso
mundo imaginativo de la creación.
Es así como en 1981 nace el Encuentro Nacional de Arte Joven. Ahora el requisito es ser
menor de 30 años –después se especificó que podían ser hasta los 30 años cumplidos dentro del
límite de la convocatoria–, ya no importaba si
eran estudiantes o no, podían ser aficionados, autodidactas o profesionales –en ese momento estaba en apogeo esa extraordinaria generación que
alguien llamó de la “Década Emergente” la mayor parte de ellos ya egresados de sus escuelas–.
Y efectivamente, se elevó considerablemente
la calidad de la exposición, consolidándose en
consecuencia el prestigio de los concursos de
Aguascalientes. Es necesario repetir que, para
esas fechas, el patrocinio continúa siendo de la
iniciativa privada, por medio de Cigarrera La
PARTEAGUAS
45
D O S S I E R
Exposición en la Casa de la Cultura del ii Encuentro, 1982. Fototeca agica
Moderna, compañía que con el incremento anual
del monto de los premios, los sigue haciendo
bastante atractivos para todos los jóvenes.
Aquí se presenta una diferencia de opiniones. A propósito de “arte joven”, salen a relucir
los trillados argumentos de la intemporalidad del
arte, de la frescura de la obra de algunos –Picasso
por ejemplo– a pesar de su avanzada edad. Por
supuesto que quienes más protestan son aquellos
que desde ese momento, siendo estudiantes de
alguna escuela, ya no tenían segura la obtención
de premios. No entendieron que la idea primordial era la de impulsar a aquel que desde una
temprana edad se adentra en los avatares de la
creación artística, darle elementos de apoyo y
de confianza, a través de la confrontación en un
foro en donde se muestran las afinidades y divergencias formales y conceptuales de su criterio
de lo que es el arte del momento; sin embargo,
el cuestionamiento a la etiqueta de “arte joven”
nunca terminará.
Es cierto que la obra de los grandes maestros es “joven” por su permanente vigencia, que
les permite ser aceptados en su forma e idea, en
cualquier época de la historia, también es cierto
46
PARTEAGUAS
que existen infinitas posibilidades de que una
obra actual no responda a la juventud psíquica
y biológica de su autor, o que sólo sea de una
inmediatez no trascendente, que es uno de los
pequeños riesgos que supone una búsqueda de
novedad cargada, por lo regular, de una gran dosis de arrojo, audacia y afán de originalidad.
Además el joven no necesariamente tiene que hacer algo “nuevo”, puede ser un gran
creador sin ser innovador, usando otro de los
recursos característicos de la juventud, el eclecticismo, que le permita en su etapa formativa ir
consolidando su estilo y personalidad, por tomar
soluciones plásticas de aquí y de allá, esto es,
asumiendo conscientemente la influencia de los
creadores más cercanos a su sensibilidad.
A partir de este cambio en la convocatoria la
participación ya no es por áreas, por primera vez
en México se convoca a concursar entre sí a autores de todas las ramas de las artes plásticas: pintura, escultura, dibujo, gráfica, neográfica, fotografía, textil, batik, cerámica, esmaltes, técnicas
mixtas, objetos y construcciones, así como trabajos interdisciplinarios –en la convocatoria sólo
faltó el “etc.”–. Los jóvenes pueden participar
Se presenta
una diferencia
de opiniones. A
propósito de “arte
joven”, salen a
relucir los trillados
argumentos de la
intemporalidad del
arte, de la frescura
de la obra de
algunos –Picasso
por ejemplo–
En el primer
Encuentro Nacional
de Arte Joven se
reciben 1127 obras,
cantidad que ha
ido aumentando
hasta 1943 en el xiii
Encuentro, la mayor
cantidad recibida
hasta ese momento
Gustavo Aceves, Carlos Agustín, Guillermo Valle, Miguel Castro Leñero y Guido del Carpio Rivera,
premiados en el ii Encuentro Nacional de Arte Joven, 1982. Fototeca agica.
con un máximo de tres obras, ya sean individuales o de elaboración colectiva.
En el primer Encuentro Nacional de Arte Joven se reciben 1127 obras, cantidad que ha ido
aumentando hasta 1943 en el xiii Encuentro, la
mayor cantidad recibida hasta ese momento.
Hay que señalar que año con año toda la obra
recibida se concentra en la Casa de la Cultura
para su observación por parte de todos los miembros del jurado en turno, hay concursos que no
reciben la obra físicamente, sino que el jurado
sólo puede analizarla a través de fotografías. Es
obvio que en ese gran envío hay de todo, mucho
malo, regular, bueno y a veces hasta excelente
con gran porcentaje de lo pésimo. Dentro de lo
primero y lo último existe la obra con la cual,
por desconocimiento del carácter del concurso,
el autor participa con copias de cromos, payasos,
paisajes del tipo que venden en los camellones
de avenida de cualquier ciudad, o por cualquier
otro tipo de manifestación ajena al espíritu de
un concurso de esta índole. Por su parte, los que
participan con plena conciencia de lo que es el
Encuentro de Arte Joven, hacen el esfuerzo y
seleccionan lo mejor de su producción, considerando su buen resultado técnico y/o propositivo.
Los jóvenes de esta generación que se hace
presente en esta etapa, algunos ya egresados de
escuelas y otros en pleno desarrollo formativo,
están conscientes en mayor o menor grado de
que ya es otra la forma de expresión del arte
mexicano. La Generación de la Ruptura ya había
cambiado la mentalidad de los que estaban alrededor del quehacer artístico, se había logrado derribar la “cortina de nopal” que habían levantado
los últimos seguidores de la Escuela Mexicana
de Pintura. Aquel “no hay más ruta que la nuestra”, de Siqueiros, se convirtió en “cada quien
su ruta” que, obviamente, afectó –a algunos para
bien, a otros para mal– a los jóvenes.
La generalidad asimila bien los cambios, aun
cuando son pocos los que logran digerir correctamente la distancia entre ellos y los de la Generación de la Ruptura, que se han convertido
en maestros. Es común ver reconocibles influencias, no sólo de sus maestros sino también de
las vanguardias internacionales, que ya les son
comunes por las revistas de arte que se distribuyen por todo el país. Sin embargo, a pesar de
esto, surge una maravillosa generación que ahora conforma la imagen plástica de México.
PARTEAGUAS
47
D O S S I E R
De derecha a izquierda: Raquel Tibol, Juan Castañeda, y el
profesor Ricardo Martínez en el Centro de Artes Visuales,
previo a la revisión de la obra de 1996. Archivo particular
de Juan Castañeda.
Miembros del jurado: Irma Palacios, Benjamín Manzo, atrás, y Francisco Toledo con Elva Garma y
Juan Castañeda en la Casa de la Cultura, 1988. Archivo particular de Juan Castañeda.
Desafortunadamente las generaciones creativas no se dan una tras otra, y después que ésta
sobrepasó los 30 años de edad, y ya no pudo participar en el Encuentro de Arte Joven, no se ha
presentado un conjunto de talentos como había
sucedido; ahora son sólo personalidades aisladas
las que van destacando con su obra. Se presenta
un poco el fenómeno del conformismo, donde es
notorio que el joven enterado envía obras más
con la intención de ganar que de mostrar su creatividad, se empieza a notar la influencia de la influencia; a diferencia de la generación que rompió con la estética de la Escuela Mexicana de
Pintura, a ésta –la actual− no le interesa romper
con nada, más bien lo que quiere es seguir por
un camino ya recorrido, y no sólo se deja influir
por la Generación de la Ruptura sino que existen
evidentes similitudes entre los jóvenes mismos:
se copian entre sí en cuanto van teniendo aceptación de crítica y de mercado –este último también se le tiene que agradecer a la generación anterior−; se busca con ahínco el éxito inmediato.
Al mismo tiempo se da el joven que, neófito
de las vanguardias, trata de sorprender al jurado con planteamientos muy alejados de una real
propuesta estética o conceptual, suponiendo que
si en ocasiones se aceptan muy logradas piezas
innovadoras, se puede filtrar cualquier “genialidad” que tenga apariencia mínima de novedad.
Se maneja mucho el afán de originalidad.
Las circunstancias son muchas y variadas,
pero lo cierto es que en el Encuentro Nacional
de Arte Joven se forja lo que ahora es la imagen
media de la expresión plástica presente. Aquello
que pudo verse en su tiempo como defecto, el
posmodernismo lo volvió cualidad. Ahora para
el joven es más cómodo retomar lo ya realizado
o rescatar para su iconografía las imágenes de
los medios, que tratar de ser revolucionario de la
forma y el concepto. Se empezó a notar mucho
el cuadro con fragmento mutilado del cuerpo por
aquí, un corazón por allá, un ángel retomado de
cualquier pintor barroco, un fondo de oro falso, o una copia de modelos de Vogue o Bazaar,
además de que vuelve el nopal como elemento
temático o de fondo, sólo que con una visión diferente de jóvenes que no vivieron ni creen en
la Escuela Mexicana de Pintura. De hecho es la
Nueva Escuela Mexicana de Pintura.
Tal vez esta afirmación parezca muy aventurada, pero si vemos el alto porcentaje de artistas
salidos de estos concursos que tienen una gran
48
PARTEAGUAS
Se presenta un
poco el fenómeno
del conformismo,
donde es notorio
que el joven
enterado envía
obras más con la
intención de ganar
que de mostrar
su creatividad, se
empieza a notar
la influencia de la
influencia
En el iv Encuentro
Alejandro Nava,
joven zacatecano,
protesta leyendo un
pequeño manifiesto
y quemando sus
cuadros –al final sólo
quemó uno− por la
casi total ausencia
de la provincia en
la selección de
obra; sólo había en
ésta dos obras de
Aguascalientes y tres
de San Luis Potosí
Jurado del xiii Encuentro, 1993. De izquierda a derecha: Luis Rius Caso, Nunik Sauret, José Zúniga, Walter
Bosterly y Elva Garma. Obra de Carlos Vargas Pons. Archivo particular de Juan Castañeda.
presencia en la actualidad –yo contaría 80 autores− podríamos corroborar que no estamos lejos
de la realidad.
En esta etapa como Encuentro de Arte Joven,
a diferencia del Concurso para Estudiantes de
Artes Plásticas, ya es predominante la superioridad en los premios otorgados a obras de jóvenes
que realizan su labor en la Ciudad de México.
El hecho de que ya sean sólo cinco premios –de
la misma jerarquía−, que sean siempre cinco miembros del jurado –un representante de
Aguascalientes y cuatro de otras partes, generalmente de la Ciudad de México−, y que la condición de participación sea más abierta y por ende
de mayor calidad, además de la gran cantidad,
todo ello obliga a ser más exigentes, y responder
a esta exigencia. Por lo general sólo lo logran
los que tienen una formación en escuelas profesionales de arte o talentos sensibles que se alzan
sobre cualquier carencia, y en provincia no hay
escuelas profesionales y los talentos, es fácil de
comprender, no se dan en ningún lado frecuentemente.
Esta situación se hace notar con cierta insistencia, en especial por la doctora Teresa del
Conde, incitando a los jóvenes de provincia a
participar con mayor fuerza, pero éstos, en general, y algunas veces también quienes dirigen
la cultura en las ciudades del interior, prefieren
atribuir el hecho a que los miembros del jurado
son predominantemente críticos de arte y artistas
que radican en la Ciudad México. Es así como
en el iv Encuentro Alejandro Nava, joven zacatecano, protesta leyendo un pequeño manifiesto
y quemando sus cuadros –al final sólo quemó
uno− por la casi total ausencia de la provincia
en la selección de obra; sólo había en ésta dos
obras de Aguascalientes y tres de San Luis Potosí. Es necesario aclarar que aun cuando siempre
la mayoría es del d.f. no todos son de ahí, puesto
que la oficina de recepción de obra en la capital
registra como del lugar todo lo recibido, sin importar que la procedencia sea de estados que por
su cercanía les conviene entregar ahí, además de
los residentes pero originarios del interior. Sin
embargo, es necesario también hacer notar que,
de los concursos que se realizan en el país, el
Encuentro de Arte Joven es al que mejor se le
puede llamar nacional, puesto que año con año
se recibe obra proveniente de 24 a 28 entidades
de la República.
PARTEAGUAS
49
Mención honorífica
J. Trinidad Guerrero Castorena
Estudio de un video de una narcoejecución
Stop motion
01:22:00 min, 2014
Aguascalientes
xxxv
Encuentro Nacional de Arte Joven, 2015
D O S S I E R
DISCURSO
EN LAS
NARCOEJECUCIONES
Entrevista con Trino Guerrero
Parteaguas, P Ya habías sido seleccionado
en este encuentro con otra pieza en 2013, ¿nos
podrías platicar primero de esa pieza?
Trino Guerrero, TG La pieza que seleccionaron
esa vez, que también tuvo mención honorífica,
fue mi primer trabajo sobre ese tema. El título
de esa y el de ésta son complementarios, tienen
que ver: Estudio de un video de una narcoejecución. Se me hace bastante interesante porque
hace referencia a los estudios pictóricos que se
hacían en la pintura tradicional, como esbozos
o bosquejos previos a la obra. Básicamente toda
mi obra tiene un referente real; tanto este video
como la obra expuesta en 2013 fueron hechos a
partir de una fotografía de nota roja real, el primero, y el otro, de un video de una narcoejecución real.
Estudio de una narcoejecución, plástica epóxica pintada al
óleo, madera, hilo encerado, 108 x 91.5 x 16 cm, 2012.
Trinidad Guerrero Castorena, Trino,
de 24 años, ha sido seleccionado por
segunda vez en esta edición xxxv en
el Encuentro Nacional de Arte Joven,
con Estudio sobre un video de una
narcoejecución, donde recrea cuadro
por cuadro el crimen con modelos
de plastilina y animación stop motion.
En esta entrevista nos cuenta algunas
de sus inquietudes y comparte sus
ideas acerca del cuerpo y el poder
como discurso en una sociedad cada
vez más violenta.
P Ahora vamos a la pieza de este año; el audio es
original, según me enteré.
TG Sí, de lo que se trataba en esa pieza era de tomar un video original, la duración es exactamente la misma, los créditos que aparecen al final escritos en rojo son los mismos que trae ese video.
De lo que se trata es de hacer una recreación,
una apropiación de ese material; incluso por las
especificaciones técnicas tuve que apegarme directamente al video y cada fotograma de la narcoejecución real lo iba recreando en plastilina
con estas figuritas.
P¿Hay alguna relación entre la intención que
querías comunicar con tu obra de arte y el material y la técnica que finalmente elegiste?
TG Una de las intenciones era filtrar el material.
Ver el video de una narcoejecución, es durísimo;
la sangre, el sonido, es muy difícil; pero ver ese
PARTEAGUAS
51
D O S S I E R
video en animación –así tal cual parece una caricatura– ya no es difícil: se filtra el contenido.
Sin embargo el video sigue manteniendo su calidad de índice o de registro de lo real; esa cosa,
aunque esté ya muy bonita, (bueno está un poco
mal hecha), pero aunque esté ya muy bonita y
ya no te afecte, sigue siendo el registro de un
asesinato real, entonces, mantener esa idea del
video como índice de lo real, o de lo que suponemos que es real, tomado del blog, me interesaba.
Hay otro video stop motion que es prácticamente
lo mismo, y hay otros también donde utilizo el
pixelado, en referencia a la censura televisiva, y
también aplicados a videos de narcoejecuciones
reales. En todos se me hace muy importante la
idea del audio porque incluso yo, cuando empiezo a ver videos de narcoejecuciones, como es
muy difícil, les quito el audio y así la imagen
sola te afecta menos.
P ¿Por qué te interesa trabajar este tema y llevarlo al arte, cuál es tu intención?
TG No sé si necesariamente llevarlo al arte, pero
lo que me interesa sobre el tema es la idea de
que la narcoejecución no puede ser vista como
un acto arbitrario o salvaje de unos cuantos para mostrar excesivamente un poder sobre otros
cuantos, o sea, el hecho de que alguien mate a alguien, lo grabe y lo suba a un blog específico, sobre todo cuando uno se encuentra con materiales
que tienen hasta un cuidado de la toma, incluso
producción, uno ya se figura que esto no puede
partir de una irracionalidad o de un salvajismo
nada más, tiene que partir de otra cosa. Esto es
lo que me interesa. Lo que se está haciendo en la
narcoejecución es un discurso, están articulando
significados muy explícitos pero también muy
eficaces, de lo contrario no nos afectaría tanto;
lo explícito es tremendamente eficaz. En mi obra
no hay metáforas elaboradas ni nada por el estilo, entonces, me interesa cómo estas formas que
parecieran aisladas, el acto de un salvaje en la
Sierra de Sinaloa, cómo eso puede decirnos algo
de nuestra cultura, o cómo es una manifestación
cultural que tiene que ver también con nosotros.
Lo que yo decía es que la narcoejecución o los
cuerpos de los narcoejecutados dejan ver el trasfondo de nuestras nociones culturales de cuerpo.
He hecho la comparación de que agarrar a alguien y colgarlo en un puente en una vía pública
52
PARTEAGUAS
no es tan diferente de poner a una modelo en calzones anunciando un perfume en un espectacular. Es la misma idea de cuerpo.
P ¿Y cómo percibes tú esa idea del cuerpo en
nuestra cultura? ¿Qué te dice a ti la narcoejecución acerca de nuestra cultura?
TG Eso sería muy complicado. Michel Foucault, en Vigilar y castigar, tiene esta idea de
que el suplicio no es un acto arbitrario o completamente salvaje sino que el suplicio del Renacimiento, por ejemplo, escondía todo un trasfondo
político. El verdugo era como el rey disfrazado,
entonces, decía Foucault, la espada del rey cae
verticalmente, se ensaña sobre el criminal, porque el criminal es el enemigo del orden y, por
lo tanto, es el enemigo del pueblo también. El
suplicio es la venganza del rey sobre sus enemigos y la espada cae verticalmente como un
poder fáctico. Eso se me hacía muy interesante
porque pensaba cómo sería o qué poder sentenciaría este nuevo suplicio, este neosuplicio, que
yo decía. Con lo que me encontré es que ahora
todo es fragmentario; no hay un poder del rey
que caiga; todo es repetitivo y fragmentario, o
sea, hay una matanza por aquí, un cuerpo por
allá, otro que se acaban de encontrar en tal parte,
una narcomanta aquí o un video que acaban de
subir por allá; son como poderes más pequeñitos que se van articulando entre ellos y que ya
se han expandido al resto de la cultura, porque
ya se hace tanto en el Norte como en el Sur del
país, ya no es que nada más los Zetas lo hagan, o
nada más el cártel de Sinaloa, sino que ya se está volviendo una costumbre; eso es lo que se
me hacía bien interesante, y yo creo que todo eso
tiene sus repercusiones políticas, porque más o
menos así es también como funcionan los órdenes políticos y de corrupción; o sea, no vemos
los grandes lavados de dinero o así, vemos un
crimen fragmentario y vemos un crimen muy
pequeño y que se va articulando uno con otro;
todas esas relaciones son las que me interesan.
Evidentemente, es muy fácil echarles la culpa de
todo a Peña Nieto o al Chapo Guzmán, pero no
es así la cosa, es cultural.
P ¿Tú piensas en el espectador, esperas una reacción en cierto sentido?
lo que me interesa sobre
el tema es la idea de que
la narcoejecución no
puede ser vista como un
acto arbitrario o salvaje
de unos cuantos
Estudio de un video de una narcoejecución, https://www.youtube.com/watch?v=JWG5EGnxjp4
yo decía “si el
video de una
narcoejecución hecha
por narcosicarios está
hecho para ser subido
en internet mi obra
también tiene que
estar hecha para ser
subida en internet”
TG Sí. De hecho, yo creo que a partir de que empecé a trabajar estos temas fue cuando empecé a
pensar en la recepción de la obra. Básicamente
la idea por la que yo trabajo es la unión muy clásica de contenido y forma. Por ejemplo, con los
videos de narcoejecuciones yo decía “si el video
de una narcoejecución hecha por narcosicarios
está hecho para ser subido en internet mi obra
también tiene que estar hecha para ser subida
en internet”. Entonces la obra, cuando se ha expuesto, está en una pantalla, pero yo digo que
el modo natural en que el espectador se tendría
que acercar a esta obra es por internet y la obra
por eso está en internet. Por esta misma idea el
contenido de la narcoejecución tiene que ir apegado a su forma de representación y la forma de
representación es en internet, a partir de estos
filtros, la animación o el pixelado. Igualmente
las esculturas, que son más bien como maquetas
o dioramas, tienen que ver con la representación
de museo, o sea, en un museo de historia vemos
al mamut siendo cazado por los cazadores, y nos
dicen en el museo que la representación de esa
maqueta fue hecha a partir de evidencias reales;
a un lado de la maqueta nos presentan los fósiles
del mamut y las puntas de flecha, etcétera. Eso es
lo mismo que yo estoy haciendo, estoy haciendo
una maqueta a partir de representación histórica,
pero a partir también de material real, como una
representación científica, incluso en la forma de
manufacturación. También yo decía: “el punto
sería no tener estilo personal, sino que cualquiera pudiera hacer algo muy parecido a lo que estoy haciendo”, es decir, las manos parecen manos, los pies parecen pies, no hay una gran preocupación por eso. El punto más bien es que se
entienda de manera explícita y eso es lo que me
preocupa con el espectador. Yo creo que la obra
es muy fácil de entender porque no requiere metáforas; más bien la pregunta que yo trataría de
formular no es precisamente cuáles son mis intenciones como artista, o sea, el espectador no
se tendría que preguntar qué estoy tratando de
pensar ahí sino más bien se tendría que preguntar por qué los narcoejecutantes están haciendo
eso. La intención de este proyecto es que cuando se interprete mi obra no se interprete como
una obra de arte sino que más bien se interpreten los hechos sociales de los cuales este objeto
está hecho.
PARTEAGUAS
53
Alondra Alonso Álvarez
Invisibilidad
litografía y serigrafía, 47 x 62 cm
2013
D O S S I E R
FRONTERA
reflexión de LA DIVISIÓN
Y EL QUEBRANTO
Entrevista con ALONDRA ALONSO
Alondra Alonso Álvarez, AAA Mi nombre es Alondra Alonso Álvarez, tengo 29 años,
soy originaria de Ojuelos, Jalisco, pero ya soy
también de Aguascalientes porque me vine para
acá a estudiar la carrera de Artes Visuales y aquí
me quedé a vivir.
Parteaguas, P ¿Cuántas veces has sido seleccionada?
AAA En Arte Joven, dos. La primera fue el año
pasado.
Footprints, litografía, 76 x 80 cm, 2013.
Alondra Alonso Álvarez, es hija de
una familia de migrantes; el tema
la ha acompañado toda su vida y
constituye el centro de su obra
pictórica y gráfica. Su preocupación
acerca de las injusticias sociales a las
que son sometidos los migrantes,
se refleja en un trabajo que aspira
a la renovación de símbolos
tradicionales y a la reflexión sobre
la manera en que el fenómeno de
la migración transforma familias y
sociedades en momentos que hoy
se vuelven críticos.
P ¿Estás estudiando aquí en la Universidad de
las Artes?
AAA No; salí en 2008, hace 7 años. Ahora soy
docente, empecé en el programa de proarte a dar
clases a niños y desde entonces me dediqué a la
docencia; luego empecé a dar clases en la licenciatura y ahora imparto la materia de grabado.
P ¿Con qué pieza fuiste seleccionada el año
pasado?
AAA Es una xilografía a dos placas que se llama
La bestia, la serpiente, el monstruo.
P Uno de tus temas recurrentes es la migración...
AAA Es una inquietud que parte de mi experiencia personal. Soy hija de familias que tienen la costumbre de emigrar a los ee.uu; como
te comentaba, yo soy originaria de un pueblo
de Jalisco donde, por lo regular, la mayoría de
los familiares se van; entonces fue una situación
que vivimos en mi familia con mis hermanos y
especialmente con mi padre. Cada año iba y venía, siempre de ilegal; entonces estos temas del
coyote, esperar a la gente que se va por años,
PARTEAGUAS
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D O S S I E R
Welcome to Mexico, litografía intervenida, 75 x 290 cm, 2015. Aguascalientes. Seleccionada en el xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven, 2015
de los dólares, de las remesas, del peligro de si
regresan o no, si están con vida o no, porque a
veces pasan meses en que no sabes nada de ellos,
me resultan muy cercanos. También me interesa verlo desde el lado de la gente que se queda,
porque muchas veces vemos en esta temática al
viajero, pero hay otro lado que es la familia, el
terruño o esta cuna donde naciste, donde creciste, con la que es difícil cortar el lazo y el migrante, aunque dure más de una década allá, por
ejemplo, siempre está con el recuerdo y el deseo
de regresar a su pueblo, a su rancho o a México.
Esta temática la abordo por toda la injusticia
social que hay alrededor, por todo el abuso de
derechos humanos que se da, y por estas familias
que se quedan, que también experimentan cambios, adoptan costumbres de allá.
P ¿Y tiene que ver también con tu obra que está
expuesta este año, Welcome to Mexico?
AAA Sí, ahí hay, por ejemplo, una liebre, una biznaga y una serpiente. He estado apropiándome
de símbolos nacionalmente conocidos, o incluso
universalmente conocidos, como los símbolos
patrios mexicanos, y se trata de apropiármelos y
modificarlos un poquito, cambiarlos, como hago
con el mito del águila y la serpiente: el águila
como símbolo de libertad, de fuerza, de soberanía, nunca la pongo; me voy más por los animales de la tierra, que se arrastran y que tienen que
ver también con la presa y el depredador. Tengo
varios sets donde trabajo el símbolo de la liebre
56
PARTEAGUAS
como víctima, como presa, de ahí la pose en que
está, como asustada, como arisca, o como que está a punto de correr y preparada para irse; de la
serpiente siempre incluyo la cascabel, también
por este lado mitológico que tiene, porque en un
tiempo se creía que cada cascabel que le salía a
la cola de la serpiente era un año de vida; científicamente no está comprobado, pero también la
cascabel es una serpiente endémica de México
que se esconde, siempre está al acecho, se camufla; y al tren por el que viajan los migrantes
de polizones también le dicen “La bestia” o “La
serpiente de acero”. Entonces empecé a hacer
analogías entre la serpiente de cascabel, que es
peligrosa, es la bestia, es un depredador, con esta
bestia de acero, y así en algunos trabajos suplanté el tren por la serpiente, que es como trasladar
el mismo movimiento, con los migrantes allá
arriba; en esta pieza quedó la serpiente por sí
sola; si te fijas no tiene cabeza, es más como esta
serpiente que se camufla pero es muy peligrosa,
o sea, los migrantes, por ejemplo, ven el tren y
saben el riesgo que hay, al mes hay cientos de
mutilados, gente que muere, que se cae.
P ¿Y la biznaga?
AAA Cambié el nopal por la biznaga, porque el
mito es que el águila estaba en un nopal, pero
yo creo que puede ser una biznaga. Me llama
mucho la atención porque en mi pueblo están
desapareciendo las biznagas; esas plantas tardan
más de cien años para alcanzar su tamaño de
He estado
apropiándome
de símbolos
nacionalmente
conocidos,
o incluso
universalmente
conocidos, como
los símbolos
patrios mexicanos,
y se trata de
apropiármelos y
modificarlos un
poquito, cambiarlos,
como hago con el
mito del águila y la
serpiente
Fui a visitar a mí
hermana en Dallas;
fue muy curioso
observar que en su
barrio son puros
mexicanos o puros
latinos. Es muy difícil
vivir allá; no me
pasaría por la mente
irme a vivir a ee.uu.
madurez, y mucha gente las corta sin pensar. En
mi pueblo ya es muy difícil encontrar una biznaga. De hecho hay algunas especies de tunas que
también ya han desaparecido; son plantas que se
dan ahí pero que la gente no valora, como que
ven plantas espinosas y mejor ponen otra planta
y esas las cortan, las destruyen, nunca las vuelven a plantar y es muy peligroso porque son de
ahí, no ocupan agua, sólo con el agua de la lluvia pueden crecer, pero sí, poco a poco se van
acabando.
P ¿Y ese corte?
AAA Ese corte es esta línea de la frontera. Trato
de marcar la fractura, la división, el quebranto
a los derechos humanos.Una bandera rota tiene
mucho que decir; el verde, el blanco y el rojo
yo creo que sí nos remiten a algo, que son otros
símbolos de color; no trabajo mucho el color en
la obra, pero cuando lo agrego tiene que ser así,
muy simbólico, tiene que tratar de decir algo relevante.
P ¿Este elemento es un caracol?
AAA Es la fruta que da la biznaga. Son plantas
que se protegen, plantas peligrosas, se podría decir que feas por las espinas, pero siempre tienen
algo hermoso, por ejemplo, siempre dan la flor y
luego dan una fruta y muchas especies de biznagas dan frutas muy ricas como las pitayas que se
dan allá en Ojuelos, pero como te digo, hay muy
pocas; se trata entonces de suplantar el nopal por
otra planta que pudo haber sido también esa, y
que esto forme parte de los escenarios, como
también el migrante, el desierto...
P ¿Tú has ido a ee.uu.?
AAA Sí, he ido tres veces, de vacaciones nada
más. Apenas el año pasado me dieron la visa,
porque antes la quise sacar de estudiante y no me
la dieron. Fui a visitar a mí hermana en Dallas;
fue muy curioso observar que en su barrio son
puros mexicanos o puros latinos. Es muy difícil
vivir allá; no me pasaría por la mente irme a vivir a ee.uu.; si acaso hacer un diplomado de grabado, o yéndome a un curso, eso sí se me antojaría muchísimo, o un curso intensivo de inglés,
pero vivir como mis hermanos no, porque es una
vida en la que tienen que ser parte del sistema,
tienen que trabajar muchísimas horas para poder pagar esas rentas tan caras y viven aparte del
resto de la sociedad estadounidense; tienen que
vivir escondidos, no pueden ser parte de la ciudadanía, tienen que estar abajo, no pueden votar,
no pueden ir a lugares públicos, no disfrutan de
exhibiciones de arte; la vida para ellos es trabajo-supermercado-casa, y son muy pocos los que
se desarrollan culturalmente en el país, algunos
lo logran, pero son muy poquitos. Sí sacrificas
muchas cosas por estar allá.
P ¿Y vale la pena?
AAA Pues yo creo que para mi hermana sí porque ella tuvo sus hijos allá, tiene cuatro hijos, el
Tuve que abandonarlas, litografía, 76 x 180 cm, 2009
PARTEAGUAS
57
D O S S I E R
gobierno les ayuda mucho y se acostumbran a
esa manera de vivir. A ella y a mis primas que
tuvieron hijos allá eso las detiene para regresar,
pero siempre están con la añoranza de venir. Entonces sí, todas esas experiencias increíbles, o
lo que me platicaba mi papá de cuando caminaba en el desierto, todas las veces que hay que
pagarle al coyote y que son deudas de miles de
dólares, –yo todavía tengo primos que se siguen
yendo con coyote y ya no pagan 1000 dólares, ya
pagan 3000, 4000 dólares y luego quieren regresar, duran tres o cuatro años trabajando, se compran su camionetita, le mandan a sus esposas,
regresan y otra vez ahí van. Entonces se les hace,
ya por generaciones, una idea que nadie se las
puede quitar, es como el oasis, el sueño americano. Aquí en Aguascalientes, cuando yo di clases
a los niños, siempre les preguntaba quién tenía
familiares en ee.uu., porque aquí también hay
mucha tradición de que la gente se vaya; igual
no tan marcada pero también hay esa cultura de
la migración. Si la gente reflexionara un poquito, toda ésta que se va o la que se queda, podríamos hacer más por nuestro país; está muy difícil
la situación, son muy bajos los salarios, pero si
cada quien le echara más ganas de corazón a lo
que hace o a lo que se dedica, nuestro país crecería más.
P ¿Tú cómo crees que la gente percibe tu obra?
AAA Pues yo creo que la han percibido bien.
Lo que busco transmitir es una reflexión sobre
la migración que también pueda ser interpretada
desde varios puntos de vista. Siempre un creador visual puede aportar a la reflexión, siempre
va hacer falta más, porque somos ya muy fríos,
con estas imágenes que se repiten a diario y los
encabezados de siempre.
P Ya para terminar platícanos un poco de la técnica en que te especializas, ¿cuál usaste para esta
pieza?
AAA Yo me especializo en gráfica. La de este
trabajo es litografía, que he desarrollado en el
taller de gráfica El Obraje, del Instituto Cultural
de Aguascalientes, lástima que dicen que ya lo
van a desaparecer, pero ahí el maestro Horacio
Manzano me enseñó esta técnica. A mí me gustan mucho las técnicas tradicionales, así como se
han hecho desde que se inventaron, porque están
58
PARTEAGUAS
La memoria y su frontera que la separa del olvido, aguafuerte, aguatinta y xilografía,
75 x 80cm, 2009.
muy enlazadas con el dibujo. Lo mío es el dibujo
y el grabado, me gusta el color pero si te fijas
mis colores son muy planos, muy generales. Me
gusta el color impreso, la plasta. Cuando yo me
vine de Ojuelos a Aguascalientes, en mi vida había visto lo que era un grabado, entonces conocí
a Posada y vi un tórculo y quedé fascinada. Además uno de mis maestros en la universidad fue
José Luis Quiroz Frausto y él tiene un taller donde le ayudé varios años como técnica, y ahí este
oficio de desengrapar las placas, de imprimir, de
trabajar con artistas que se dedican totalmente
a las artes visuales, pues me maravilló, yo dije:
“yo me quiero dedicar a esto”, Por otra parte hay
algunos obstáculos para los grabadores porque a
veces en el arte actual lo tradicional no encuentra lugar fácilmente, entonces, yo he tratado de
hacerlo más actual a través del tema o a través
del lenguaje de los símbolos, los referentes de
color, el dibujo de la frontera, que también ya
Lo que busco
transmitir es una
reflexión sobre
la migración que
también pueda ser
interpretada desde
varios puntos de vista.
Siempre un creador
visual puede aportar
a la reflexión
Lazos de sangre y las leyes del amor, aguatinta, punta seca y madera negra, 80 x 120 cm, 2011
Serpiente de acero, litografía, 80 x80 cm, 2014
lo tenemos colectivamente grabado, según yo.
Te cuento esto porque este año fuimos a Nueva
York en las vacaciones y allá no había nada de
grabado. En todos los museos que visitamos el
grabado ya no existe, ya no le gusta a la gente
hacerlo. Pero en otros lugares sí, por ejemplo,
una amiga fue a Alemania y me enseñó sus fotos
y allá hay mucho; en Francia también hay mucho grabado; o cuando yo fui a San Francisco
también había mucho grabado, pero en cambio
vamos al d.f., y en Zona Maco hay muy poco.
Entonces parece que en el arte actual el grabado ya quedó obsoleto, pero no en todas partes;
Nosotros garantizamos que ustedes van a llegar, aguafuerte,
aguatinta, 115 x 75 cm, 2009.
mucha gente sigue consumiendo estampa, a mucha gente le sigue interesando la gráfica y eso
me da confianza de que no va a desaparecer.
PARTEAGUAS
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Premio
Yeshua Axel Zamora Vázquez
Ni todo el conocimiento ni todos los métodos, nos
eximen de nuestra limitada condición espacio temporal
óleo sobre mdf, 123 x 123 cm, 2015
Aguascalientes
xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven, 2015
D O S S I E R
EL ASTRONAUTA
UNA METÁFORA DE LA
CIENCIA
Entrevista con YESHUA ZAMORA
Parteaguas, P Cuéntanos un poco sobre esta
obra, el “astronauta”.
Yeshua Axel Zamora Vázquez, YZ Esa pieza
está relacionada con mis intereses en la ciencia,
en especial en las teorías de astrofísica; se me
hacía muy curioso que, aunque todas estas teorías eran muy interesantes, sugerían también el
problema de las limitaciones humanas.
P ¿Siempre has trabajado con este tema?
Cosas pequeñas reflejando cosas enormes, registro fotográfico
de trozos de aluminio sobre el suelo
reflejando la luz solar, 2013.
Ni todo el conocimiento, ni todos
los métodos nos eximen de nuestra
limitada condición espacio temporal,
es la obra con que Yeshua Zamora
Vázquez fue seleccionado para
el xxxv Encuentro Nacional de
Arte Joven. En esta entrevista
reflexiona acerca de los límites del
conocimiento humano,
la aproximación científica a la
realidad y otras preocupaciones
que dan forma a su
originalísima obra.
YZ Al principio trabajé algunas cosas sobre el
narcotráfico, pero luego pensé que eso en realidad no me atañía directamente. Luego fue la
ciencia, pero a partir de eso vi que en realidad el
conocimiento era pura teoría en papel, ni siquiera eran fenómenos que uno pudiera observar directamente; incluso por ejemplo la información
del telescopio espacial Hubble es interpretada,
eso me llevó a cuestionarme ¿sí serán las fotos
así como las ves en la página del Hubble? Son
fotos muy bonitas..., entonces dije: “en realidad
somos unos seres muy limitados los humanos”.
Yo creo que todos hemos pensado en eso: “¿yo
qué soy con respecto a todo el universo?”. Algo
bueno de esta pieza es que tiene que ver con cosas que todos hemos pensado alguna vez y con
el cuestionamiento de la condición humana que,
a pesar de tener toda la ciencia, todas las herramientas para la observación del universo, pues
resulta muy limitada en sus posibilidades de conocer, como la pieza lo dice, limitados respecto
a lo temporal y a lo espacial.
P ¿Cómo se llama esta pieza?
YZ Se llama Ni todo el conocimiento, ni todos
los métodos nos eximen de nuestra limitada condición espacio-temporal. Pensé acotarlo pero no
PARTEAGUAS
61
D O S S I E R
se podía porque yo pienso que tienen que guardar mucha relación la ficha técnica y la imagen.
P Háblanos de los íconos que usaste, el astronauta, la lancha...
YZ Las dos imágenes, la lancha y el astronauta, las obtuve de internet. El astronauta es una
fotografía del alunizaje que nada más invertí y
en la otra había un anciano sobre la balsa; era
una foto muy vieja. Es óleo sobre mdf. El astronauta es la metáfora de la ciencia, y el traje de
astronauta, de todas las herramientas científicas;
la balsa es una pieza que también parte de una
metáfora que leí de la ciencia, en internet, hace
ya algún tiempo, que decía que un día un pescador sale a pescar en su balsa muy precaria y del
fondo del mar saca tres piedras y a partir de esas
piedras intenta explicar todo el océano; entonces
se me quedó esa metáfora de la ciencia, y eso
es el astronauta: una representación de la idea
de que a pesar de tener el ser humano todas sus
herramientas científicas es como si estuviera en
medio del océano, con tres piedritas tratando de
interpretar todo el universo.
P ¿Por qué elegiste los grises?
YZ Más bien fue cuestión de las imágenes; las
dos imágenes estaban en blanco y negro; bueno,
la del astronauta sí tenía un poquito de color pero
me pareció que se veía bien en grises, resaltaba
el ambiente lunar. Me gusta mucho hacer trabajos sin tanta pretensión conceptual, más bien
intuitivamente, creo que también es importante
esa parte. El otro día escuchaba una entrevista
de una chava que es música, y decía que había
una dimensión espiritual y otra dimensión física,
pero que en la dimensión física lo que hacías era
lo único que podías hacer porque no tenías otra
opción, era como una forma de interpretar o un
reflejo del otro campo, el espiritual, entonces yo
pienso que va por ahí, es algo intuitivo, una exploración, como una forma de acercarse a algo
que no es esto, que no es lo tangible.
P ¿La geometría también te interesa?
YZ Sí, me interesa mucho; de hecho, produzco
una serie de accesorios para mujer, bueno también unisex, que están basados principalmente
en patrones geométricos. Eso también es algo
intuitivo.
62
PARTEAGUAS
Condición humana, composición digital, 2014
P En cuanto a las técnicas, ¿con cuál te sientes
más cómodo y por qué?
YZ Pienso que el arte comunica a través del símbolo, entonces, la técnica a lo mejor es un poco
irrelevante; con que sea bien clara la idea no me
importa mucho si es una escultura o una pintura.
Aunque sí me siento un poco más a gusto con
los óleos.
P ¿Qué piensas del arte contemporáneo?
YZ Sí es interesante, pero de repente hay trabajos que te hacen sospechar... Es muy extraño, te
hace cuestionarte ¿qué está pasando?, es un poco
por la improvisación, eso que se dice de que ya
cualquiera puede llegar y entrar al arte contemporáneo y a lo mejor hasta tener éxito.
P ¿Y tú crees que sea posible?
YZ Pues sí, lo que nos ha demostrado la escena
artística mundial es que sí es posible.
P ¿Qué es lo que necesitaría una obra para que
sea exitosa o para que sea trascendente o para
que sea considerada arte?
YZ Claridad.
El arte comunica a
través del símbolo,
entonces, la técnica
a lo mejor es un
poco irrelevante;
con que sea bien
clara la idea no me
importa mucho si
es una escultura o
una pintura
Materia oscura, poliuretano,
pintura negra y pintura textil, 2013.
El centro de todo el cosmos, collage, 2013
P¿Tú piensas en el espectador cuando haces
algo, en la forma como va a ser interpretado tu
trabajo?
YZ Creo que toda persona que se dedique a la
rama de las artes está interesada en el espectador, porque supone un interés por trascender.
P¿Qué función social crees que tiene el arte?
YZ Generar conocimiento. Siempre he pensado
que el arte no va a salvar al mundo ni nada por
el estilo pero sí que desde el arte se hacen observaciones muy buenas y muy fuertes acerca de
la sociedad o de otros problemas. También hay
proyectos muy interesantes en los que el artista
se va directamente por ejemplo a comunidades e
interactúa y a lo mejor hasta llega a ayudar.
P Hay gente muy instalada en la postura de que
la creación es casi un acto de inspiración y mágico y hay otra gente que dice que es disciplina,
¿tú qué piensas al respecto?
Espacio tiempo, rotulador y recorte sobre papel, 2014
YZ Yo estoy más bien del lado de la disciplina.
Porque mientras más trabajas más cosas se te
van ocurriendo, creas una red de asociaciones.
PARTEAGUAS
63
D O S S I E R
arte joven
un mecanismo de
legitimación artística
mayté Esparza Díaz
Tres momentos en la
historia del Encuentro Nacional
de Arte Joven, enaj
Exposición de las obras participantes en el Encuentro
Nacional de Arte Joven en la Casa de la Cultura, ca. 1989.
Fototeca del Archivo General del Instituto Cultural de
Aguascalientes, agica.
Mayté Esparza Díaz analiza
estrategias de inserción social
en las propuestas artísticas de
nuestros días, entendidas como un
proceso público de construcción
de legitimidad. Un mecanismo
interesante es el Encuentro
Nacional de Arte Joven, plataforma
de impulso que marca pautas
cada vez más competitivas en este
ámbito ilimitado de la creación.
64
PARTEAGUAS
Primer momento. El objetivo inicial del Concurso Nacional de Estudiantes de Artes Plásticas (ahora enaj) fue apoyar a los jóvenes artistas
posteriores a la Generación de la Ruptura, movimiento que surgió a finales de los años cincuenta
en un contexto de oposición a la Escuela Mexicana de Pintura y a la política cultural del estado
que apoyaba sólo las expresiones nacionalistas.
Esta generación emerge de manera paralela e
influida por las corrientes plásticas de Estados
Unidos que emergieron en los inicios de la Guerra Fría; las posturas de las instancias oficiales
nacionales se dividieron entre mantener la tutela
estatal al discurso nacionalista o responder a las
demandas de los nuevos pintores, sus galeristas
y críticos, para así iniciar la apertura de México
al intercambio internacional.
De esta división entre posturas institucionales se crean los Salones de Artes Plásticas. El
Salón esso y el Salón de las Confrontaciones
(Confrontación 66), los Salones Independientes
eran espacios expositivos que mostraban piezas
que no correspondían a la escuela nacionalista e
incluyeron en la selección, patrocinio, formu-lación y proyección de las exposiciones las tendencias internacionales a través de la Organización de los Estados Iberoamericanos. El proyecto
Confrontación 66 fue diseñado para seleccionar
entre la pluralidad de las tendencias mexicanas
de los artistas de la generación de 1966. La creación del Concurso Nacional de Estudiantes de
Artes Plásticas coincide con este ambiente generado por Confrontación 66.
Las posturas de las
instancias oficiales
nacionales se
dividieron entre
mantener la tutela
estatal al discurso
nacionalista o
responder a las
demandas de los
nuevos pintores
Ceremonia de la premiación en la Casa de la Cultura en el encuentro de 1994. Fototeca agica
El Grupo pulsar
de Monterrey
se vuelve
patrocinador del
enaj en 1981 y
busca legitimar
su poder como
grupo ideológico
en el devenir de la
historia del arte
Desde 1966 el Concurso de Estudiantes de
Artes Plásticas se conformaba como eslabón
en la trayectoria de los jóvenes artistas estableciendo una cierta correspondencia entre la participación en el concurso y una carrera artística
prometedora. En la década de los setenta Los
Grupos nacen como una propuesta de unión, innovación y experimentación en las artes plásticas nacionales desde las escuelas de enseñanza
artística. El Salón Nacional de Artes Plásticas
fue un espacio de apertura para la experimentación de estos grupos.
En la década de los años ochenta se abrieron
galerías, se inauguraron foros e iniciaron festivales que aumentaron los espacios de visibilidad
para los artistas, el movimiento de Los Grupos
se había desgastado; se observaba una creciente
preocupación por el trabajo individual con temáticas catastróficas, violencia, agresión y destrucción también influidos por el terremoto de 1985;
es en esta década cuando el Encuentro Nacional
de Arte Joven toma su nombre, se decide ampliarlo a artistas que no estuvieran insertos en
la educación artística y se define los 30 años de
edad como límite para la postulación.
Segundo momento. El Grupo pulsar de
Monterrey se vuelve patrocinador del enaj en
1981 y busca legitimar su poder como grupo
ideológico en el devenir de la historia del arte.
Ramírez1 afirma que el fenómeno cultural en
Monterrey tuvo el menosprecio del discurso del
arte central que veía en lo generado a nivel local
una especie de eco provinciano de la tendencia
global. Sin embargo, a partir de que el Estado se
retira de la rectoría cultural después del periodo
posrevolucionario, “los corporativos y las industrias culturales toman el relevo de la cultura así
que en los años ochenta, el capital y la cultura
se unieron dentro de una práctica propia del capitalismo cultural en el que la segunda es usada
como un recurso con intenciones económicas o
políticas”.2 Después de que el capital privado en
mancuerna con el Estado asume la promoción
cultural a nivel local, los intereses del capital
privado se vuelcan hacia escenarios internacionales; pero la participación de la iniciativa privada en la cultura se explica sólo por la voluntad
de algunos personajes y las alianzas estratégicas
para una posición contraria al poder estatal central. Sucede también en el campo artístico que
el enaj nació desde y para la apreciación de una
generación que se desligaba de la tendencia muralista nacionalista, con el apoyo del ambiente
Ramírez, Eduardo, comp. El triunfo de la cultura.
Uso político y económico de la cultura en Monterrey, Fondo editorial de Nuevo León, Universidad
Autónoma de Nuevo León, 2009, p. 6.
2
Idem, p. 9.
1
PARTEAGUAS
65
D O S S I E R
Mónica Mayer, ganadora del 3er premio en pintura del
Concurso de Estudiantes de Artes Plásticas,1978.
Gabriel Macotela, ganador del 2do premio en pintura del
xii Concurso de Estudiantes de Artes Plásticas, 1977.
artístico estadounidense que abogaba por la
transición hacia lo abstracto y la neutralidad política.
Por lo tanto, la forma en la que se explica la
cultura en Monterrey –y sus procesos– está ligada a los esquemas ideológicos –compensatorios,
de oposición, de ruptura– que son manifiestos en
instituciones culturales –su uso político y simbólico–. En estos mismos periodos: el surgimiento
del Instituto Tecnológico Superior de Monterrey
(itesm), el uso de los medios –periódico y medios electrónicos–, museos y colecciones corporativas, la expansión nacional del mencionado
itesm en distintos campus, los medios de comunicación y dos importantes editoriales, ahora ya
con distribución nacional, nacieron desde esta
postura política cultural del capital privado incentivado por el Estado.
La inclusión de capital privado regiomontano en el enaj a finales de los setenta inicia por
un movimiento democratizador en México que
cuestionaba la autoridad de Luis Echeverría y
de su modelo de desarrollo (que adolecía de las
fallas que evidenció la devaluación de 1982), el
gobernador de Nuevo León, Eduardo Elizondo
exhorta al capital privado a invertir en sectores
menos favorecidos incentivándolo con beneficios fiscales. La reacción ante una época de confrontación de los intereses del capital privado y
el Estado fue una “nueva conducta empresarial”
en la que destacó su participación en el ámbito
cultural con el fin de incidir en la crítica y en
la conformación del imaginario social. En la década de 1990 artistas tales como Eloy Tarcisio,
Gabriel Macotela, Miguel Ángel Alamilla y Alfonso Mena Pacheco, Arturo Elizondo, Esteban
Azamar, Sergio Hernández, Rubén Ortiz, Jesús
Mayagoitia, Jorge Yaspik, Kiyoto Ota, Gabriel
Orozco, Mónica Mayer, César Martínez, Adolfo
Patiño, Jesús Urrieta, Rafael Villar, Martha Pacheco, Moisés Díaz, Germán Venegas Luciano
Spano, Gustavo Aceves, Patricia Soriano, Carmen Arvizu, Víctor Rodríguez, Franco Aceves,
entre otros, fueron parte de los galardonados.
Hacia el año 2005 se propone reformular el enaj
organizándolo como bienal en un intento de paridad frente a los formatos internacionales de
mayor renombre; sin embargo la moción fue rechazada.
xiii
66
PARTEAGUAS
La importancia del enaj en el
relato del arte joven en México
Esta investigación se situó entre dos vertientes:
por un lado, ante la diversidad de propuestas artísticas que se enmarcan en lo contemporáneo,
existen posiciones encontradas acerca de la validez –y permisibilidad– del arte contemporáneo;
y por otro, la función de evaluación normativa
de las instituciones que opera como filtro ante
las propuestas artísticas con el objetivo de redimensionar la importancia del enaj como referente del arte en México a partir de sus aportaciones
a la escena nacional y global del arte.
A través de un análisis comparativo entre
distintos mecanismos de legitimación nacionales e internacionales con objetivos símiles,
La inclusión de
capital privado
regiomontano en
el enaj a finales de
los setenta inicia
por un movimiento
democratizador
en México que
cuestionaba la
autoridad de Luis
Echeverría y de
su modelo de
desarrollo
Kiyoto Oota, al centro, ganador del 3er premio en escultura
del Concurso de Estudiantes de Artes Plásticas en 1978.
Víctor Rodríguez, ganador del 2do premio en pintura del
Encuentro Nacional de Arte Joven, 1996.
muestro en esta investigación marcos organizacionales donde se exhiben las producciones contemporáneas. Para este análisis del enaj resultó
clave identificar: ¿de qué manera incide el enaj
al ámbito de lo público de la actividad artística como un espacio de construcción colectiva y
sentido?, ¿hasta qué punto los organizadores del
enaj visualizan el encuentro como un espacio
que potencialmente influye en la opinión pública sobre el arte nacional?, ¿bajo qué dirección y
objetivos se realiza el encuentro, si no es la reflexión y discusión de lo que está en juego en el
campo del arte?, ¿cuáles serían entonces sus responsabilidades como la plataforma de impulso
más antigua del arte joven en México? ¿Cuál es
la incidencia de la continuidad histórica del enaj
para impulsar el arte emergente? ¿El enaj constituye un espacio referente del arte joven mexicano a nivel nacional?, ¿internacional?, ¿cuál es
el alcance de este concurso para la proyección
artística?, ¿cuáles son los objetivos del enaj que
lo renuevan en su sentido legitimante?, ¿cuáles
son las características del enaj para que sea un
mecanismo eficaz en la promoción y difusión
del arte joven mexicano?
A través de documentos institucionales, hemerográficos, notas de prensa y rastreos de las
actas de jurado del enaj fue posible identificar
objetivos, analizar los cambios en las emisiones
de las convocatorias, la cronología de formatos
aceptados, los enclaves históricos de sus reformulaciones, las opiniones en prensa, críticas, investigaciones y publicaciones previas que se han
realizado de este encuentro donde se develan:
• Las concepciones sobre arte que operan en
los mecanismos de legitimación.
• Las tensiones de un mecanismo de legitimación que opera en un contexto local frente a
las transformaciones en el sistema nacional y
global del arte.
• Las condiciones por las que aquello es válido.
• Los argumentos sostenidos para mantener la
vigencia de un mecanismo como el enaj.
• Las convergencias o desfases de un mecanismo frente a paradigmas y procesos de reconocimiento social que se construyen en el
arte contemporáneo.
• La prevalencia social de percepciones, ideas
y creencias que son establecidas desde la administración de la cultura sobre las prácticas
artísticas actuales.
• Las tendencias artísticas que se fomentan en
un mecanismo avalado por la continuidad
histórica
• Las relaciones entre las aportaciones artísticas hacia campos cognitivos, sociales,
culturales, económicos que influyen en la
credibilidad del arte contemporáneo en una
sociedad a partir de un mecanismo de legitimación institucional.
PARTEAGUAS
67
D O S S I E R
La pregunta principal de esta investigación
surge a su vez de la pregunta de John Holden3
¿qué significa “valor cultural” en el campo del
financiamiento público? Para él esta desarticulación entre el valor cultural muestra una crisis
de legitimidad en el ámbito artístico desde hace
más de treinta años. La crisis en la legitimidad
se presenta cuando en el arte como valor cultural
que se construye públicamente existe una desarticulación entre tres tipos de valores: los intrínsecos, instrumentales e institucionales. Holden define como valores intrínsecos al cúmulo
de creencias relacionadas con las experiencias
subjetivas a nivel personal; el valor instrumental se relaciona con los efectos secundarios de la
producción cultural: donde la cultura se utiliza
para conseguir un fin social o económico. Los
valores institucionales se refieren a los procesos
y las técnicas que las organizaciones adoptan en
sus objetivos como forma de trabajar para crear
valor público. Este valor se crea o se destruye en
los modos de organizar las interacciones de las
instituciones con su público, el cual se deriva de
sus prácticas y actitudes, y tiene sus raíces en
la ética del servicio público. Los valores de tipo
intrínseco, instrumental e institucional no logran
ser articulados y equilibrados en el diseño e instrumentación de las políticas culturales de los
distintos niveles de la acción pública por la falta
de actualización ante cómo se concibe la cultura,
o a través de qué instrumentos y metodologías
apoyan y guían la operación de sus mecanismos
para conciliar estos tres tipos de valoración. Este
ejercicio redimensiona la importancia del enaj
como un nodo en la geografía nacional para posicionar el arte joven en el discurso público.
Para ilustrar con un esquema simple presento
el diseño triádico del cuerpo de análisis a partir
de la propuesta de Holden sobre la valoración
cultural: actores, valores y objetivos del enaj que
identifico en este mecanismo.
Podemos observar que a nivel institucional el
sistema cultural enfrenta otro tipo de crisis; en
el gobierno nacional y estatal la operación en la
administración de la cultura sufre de cortes
presupuestales, reducción de espacios para la
3
Holden, John. Cultural Value and the crisis of
legitimacy, Demos, 2006. p. 14, disponible en
http://www.demos.co.uk/files/Culturalvalueweb.
pdf?1240939425, consultado el 10 de junio de 2012.
La traducción de las citas es mía.
68
PARTEAGUAS
difusión o reasignación de funciones a estos
espacios, orientados a atender demandas administrativas; se exige del arte que genere dividendos, que opere directamente como un elemento
en la dinámica social o económica. Existe en
nuestro contexto una creencia arraigada de que
el desarrollo cultural y artístico sucede de manera espontánea, pues a pesar de la falta de instrumentación de políticas eficaces para hacer
de la cultura un factor potencial del desarrollo
humano, social y económico, la producción artística continúa; las exposiciones se desarrollan
en espacios alternativos, los artistas compensan
sus ingresos con otros trabajos y los reinvierten
en su producción artística. A lo largo de treinta
años, los estados de México en los que se invierte en la cultura y se potencializa como un factor
de desarrollo, como un valor con sus propios y
fines específicos, son escasos.
Las connotaciones de encuentro son: acto
de reunión, coincidencia, oposición, contradicción y diálogo. Los objetivos generales de los
encuentros fomentan la participación, el intercambio de experiencias de formación y procesos
de creación como generador de espacio para el
conocimiento y apropiación del arte actual, la
integración con el público intergeneracional y el
fomento a la diversidad artística. El análisis de
los mecanismos de legitimación desde distintas
teorías que no provienen directamente de la reflexión estética o artística sino desde la sociología, economía, teoría política, para encontrar
Los valores
institucionales
se refieren a los
procesos y las
técnicas que las
organizaciones
adoptan en sus
objetivos como
forma de trabajar
para crear valor
público. Este valor se
crea o se destruye
en los modos
de organizar las
interacciones de las
instituciones con
su público, el cual
se deriva de sus
prácticas y actitudes,
y tiene sus raíces en
la ética del servicio
público
Relación triádica entre objetivos, actores y tipos de valoración
Objetivos
Plaforma de
proyección
Público
Tipos de valor
Intrínsecos
Referente del
arte visual
contemporáneo
Posicionamiento
de escuelas de
arte visual
Políticos
Patronato
Jurados
Profesionales
Instrumentales
Institucionales
Expresiones visuales premiadas por año de convocatoria enaj, 1981-2014
2013
2014
1981
5
1982
1983
4
2011
2010
3
2008
3
2
2
2
3
3
2005
2
2
2
2007
2006
3
2004
3
1
1
0
1
1
1
2
1
11
1
2
2
11
1
1
1
1
1
1
1
2000
1999
1998
Registro
1987
2
3
1988
2
2
2
1989
1990
3
1991
3
1992
3
3
1993
Instalación
Objetos
Video
Escultura
Digital
Fotografía
Dibujo
Técnica mixta
Pintura
1995
1997
Collage
Gráfica
1994
3
2001
Sonora
1986
2
2
2002
3
2 2
21 1 1
11
11
1
1
2003
5
1985
28
2009
Textil
1984
2012
1996
Fuente: actas de jurado, inventarios y archivos del enaj 1981-2014.
La clasificación de las expresiones visuales corresponde a la designada por el archivo del enaj.
Los concursos
hacen evidente
que el arte
contemporáneo
implica en su
hacer la reflexión
crítica sobre
los espacios de
circulación del
arte
directrices que mapean la organización social
contemporánea, de manera que los concursos
hacen evidente que el arte contemporáneo implica en su hacer la reflexión crítica sobre los
espacios de circulación del arte.
Las propuestas artísticas se han diversificado
ampliando y desdibujando límites disciplinares,
utilizando nuevos medios tecnológicos, explorando la sensibilidad humana con experimentos radicales, mutaciones del cuerpo humano y
animal, exponiendo hasta el último momento de
intimidad, reactivando motivos sociales, llevando hasta las últimas consecuencias lo simple, lo
efímero, lo banal, la basura, lo violento, lo vendible, la clonación o el pasado.
En este periodo, algunos países de procedencia de los aplicantes premiados en el Encuentro
Nacional de Arte Joven han sido: Perú, Puerto
Rico, Brasil, Estados Unidos, Italia y Japón.
Un encuentro, tiende a generar condiciones
para comunicar y transmitir ideas sobre el arte
contemporáneo realizado por jóvenes, ya que
desencadena procesos de socialización de conocimientos.
Las producciones artísticas contemporáneas
modifican sus condiciones, formatos de exposición, estrategias de comunicación, modos de
circulación, vías y mecanismos para su legitimación.
En este proceso social se involucran procesos de consenso por lo menos temporales, los
cuales están sujetos a reformulación y cuestionamiento continuos obligados por las transformaciones. Los sistemas de penetración social en
una época de crisis de legitimidad no es sinónimo de decadencia en la producción artística,
ni crisis del papel del artista tradicional sino el
reflejo de cambios sociales significativos, que
PARTEAGUAS
69
D O S S I E R
Ceremonia de premiación del xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven 2015. En el podio Carlos Lozano de la Torre,
gobernador constitucional del estado de Aguascalientes.
xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven 2015. Inauguración de la exposición en la Casa de la Cultura “Víctor Sandoval”,
autoridades y premiados.
implicarían una mayor participación, adopción
del riesgo como forma de operación, y condiciones óptimas para la irrupción en las formas simbólicas establecidas en un número cada vez más
amplio de las actividades y los espacios sociales.
La legitimación social, la ciencia y la tecno-
70
PARTEAGUAS
logía en la legitimación, la participación a nivel
global en proyectos artísticos desterritorializados son llevados a cabo por nuevos actores en el
sistema del arte, los que presentan formas alternativas en la organización y administración en la
economía simbólica.
Premio
Leonardo Barrera Macías
Esclavos del mes
Fotografía digital, 180 x 150 cm, 2014
Aguascalientes
xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven, 2015
FRANK BÁEZ
Anoche soñé que era un dj
Llamo por teléfono a Miguel y le pregunto
si piensa que me iría mejor de dj o como poeta
y Miguel responde que siga como poeta.
Mi novia también dice que como poeta.
El hermano de mi novia dice que como poeta
y una jevita que hacía una fila en el cine
y que recién conocí dice que como dj.
Las menores me ven más como dj
y las mujeres que compran en el supermercado
dicen que persista con los poemas.
Mi mamá dice que como poeta.
El plomero dice que poeta.
Los cinco poetas que conozco me dijeron
que me iría mejor como dj.
Mi hermana se abstuvo de votar.
Fui a ver a dj Tiesto
y una gringa me tomó de las manos
y me explicó que los dj son criaturas de Dios.
Son ángeles, dijo y mientras hablaba
yo imaginaba a los dj volando
con sus turntables alrededor de Dios
como si fueran mosquitos y Dios los espantara
con la mano.
Pero bueno, la cuestión es si los poetas y los dj
se pueden conciliar.
Si pueden ser uno,
si es posible escribir con una mano poemas
y con la otra pinchar discos,
si se puede ser mitad poeta y mitad dj,
si del ombligo para arriba soy poeta
72
PARTEAGUAS
y del ombligo para abajo soy dj
o al revés
o quizás que un poeta se convierta
en dj las noches de luna llena
o quizás estoy exagerando
y en el fondo todo dj quiere ser poeta
y todo poeta quiere ser dj.
Hay una fábula en donde un dj y un poeta
caen en un pozo.
Empiezan a vocear y a vocear hasta
que un hombre se asoma y les tira una
cuerda para irlos subiendo poco a poco.
Sube al dj primero y cuando se la
arrojan al poeta este grita que lo dejen abajo
y el hombre y el dj así lo hacen, aguardan
en silencio y se marchan al rato.
Los evangélicos te quieren
quitar a tu novia
No me lo estoy inventando.
Los he visto mirar a tu novia en las plazas,
en los supermercados,
en los parques desde donde gritan con megáfonos.
En las aceras de las calles.
Los he visto entregarle papelitos
y volantes donde anuncian el fin del mundo.
Con un ojo miran la Biblia y con el otro su culo.
No te dejes engañar.
Préstales atención a todos esos papelitos que pasan.
Cada vez que le pasan uno a tu novia
es como si le dijeran un piropo.
PARTEAGUAS
73
Ceremonia de premiación del ii Concurso Nacional de Estudiantes de Artes
Plásticas, 1967, primero de la izquierda a derecha, Enrique Olivares Santana,
gobernador del estado de Aguascalientes; tercero Francisco Guel Jiménez, diputado federal; sexto Víctor Sandoval, director de la Casa de la Cultura.
Fototeca del agica.
Premiación del ii Concurso, 1967. Fototeca del agica
Recorrido de la Exposición del ix Concurso Nacional de Estudiantes de Artes
Plástica 1974, por la Casa de la Cultura. De izquierda a derecha Francisco Guel
Jiménez, gobernador de Aguascalientes; José López Portillo, presidente de México y Víctor Sandoval, director de la Casa de la Cultura. Fototeca del agica.
Exposición del Concurso Nacional de Estudiantes de Artes Plástica, en los
setenta en la Casa de la Cultura. Fototeca del agica.
74
PARTEAGUAS
D O S S I E R
arte joven
PREMIOS Y MENCIONES
1966-2015
CONCURSO NACIONAL PARA ESTUDIANTES DE
ARTES PLÁSTICAS
Año Disciplina
1966-1970
Premio o mención
Nombre del artista
1966
Pintura, óleo
Premio
Víctor González
Pintura, óleo
Premio
Baltazar Saiz
Pintura, óleo
Mención honorífica
Celia Ramírez
Grabado
Premio
Thelma Cruz
Dibujo
Premio
José Cruz Campos
Escultura
Premio
José Méndez
1967
Pintura, óleo
Premio
Antonio Chessal
Pintura, óleo
Premio
Enrique Villalobos
Pintura
Premio
María Teresa Palau
Pintura
Mención honorífica
Pablo Platas
Escultura en madera
Premio
Rafael Villar
Grabado
Premio
Roberto González Armendáriz
1968
Pintura, óleo sobre tela
Premio
Aarón Cruz
Pintura, óleo sobre tela
Premio
Angélica Morones
Pintura, óleo sobre tela
Premio
Roberto Real
Pintura, óleo sobre tela
Premio
Martha Peterson
1969
Pintura, técnica mixta
1er premio
J. Alberto Martínez Macías
Pintura
Premio
Enrique Guzmán
Pintura
Premio
Flora Martínez Bravo
Grabado
1 premio
Thelma Cruz
Dibujo
1 premio
Beverly Hamilton
Grabado
Mención especial
Melisande Charles
1970
Pintura
Premio
José Zúñiga
er
er
PARTEAGUAS
75
D O S S I E R
Pintura, óleo
Premio
Sergio Gallegos Morín
Pintura, óleo sobre fibracel
Premio
Rosa Luz Villasuso
Grabado en metal
Premio
Rafael Villar
Grabado en intaglio
Premio
Juan Manuel de la Rosa
Dibujo
Premio
Bosei Fujikawa
Dibujo
Premio
Walter J. Wojtyla
Escultura
Premio
Isabel Jirash Kaim
1971
Pintura, óleo
1er premio
Antonio Ramírez Ch.
Escultura
Premio
Hesiquio López Lucho
Escultura
Premio
John Chichester
Escultura, talla directa en piedra
Premio especial
Guillermo Rivas Rubalcava
Gráfica
Premio
Martha Ganovas
Gráfica
Premio
Taurino Pacheco
Gráfica
Premio
Fernando Díaz de la Serna
Dibujo
Premio
Guadalupe Olivares
Dibujo
Premio
Guillermo Bonley
Dibujo
Premio
Cecilia Mers
1972
Pintura
1 premio
Enrique Guzmán
Pintura
2 premio
Martha Esthela García Navarro
Pintura
2 premio
José Luis Martínez
Pintura
Mención honorífica
Evangelina Barrientos
Pintura
Mención honorífica
Irene García Martí
Pintura
Mención honorífica
Armando Ramírez
Escultura
1 premio
J. Guadalupe Jiménez
Escultura
Mención honorífica
Petér Borgencister
Grabado, técnica mixta
1 premio
Clotilde Vega
Grabado, xilografía
2 premio
José Luis Gutiérrez Peña
Grabado
Mención honorífica
Carlos Kerbel
Grabado
Mención honorífica
Ema Ruiz
Dibujo
Mención honorífica
Abelardo Toral
Dibujo
1 premio
Carlos Kerbel
Dibujo
2 premio
Heraclio Ramírez
Dibujo
2 premio
Ricardo Anguiano
1973
Pintura
1 premio
Rosalía Briones
Pintura
2 premio
Jorge Guerrero
Pintura, óleo sobre tela
2 premio
Enrique Guzmán
1971-1979
76
er
do
do
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do
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do
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do
PARTEAGUAS
do
Pintura
Mención honorífica
Arnulfo Mendoza
Pintura
Mención honorífica
Gustavo Cauna G.
Escultura
2 premio
Ernesto Pinto
Escultura
Mención honorífica
Alicia Varela
Grabado
1 premio
José de Jesús Sánchez Urbina
Grabado
2 premio
Víctor Torres Ramos
Grabado
2 premio
Atanasio García Tapia
Grabado
3 premio
Clotilde Vega
Grabado, huecograbado
3 premio
Rosa Luz Marroquín
Grabado
3 premio
Josefina Ballester
Grabado
Mención honorífica
José de Jesús Sánchez Urbina
Dibujo
1er premio
Bertha López Hernández
Dibujo a tinta
2do premio
Elena Climent
Dibujo
Mención honorífica
Monique Chauvet
1974
Pintura, técnica mixta sobre tela
1 premio
Javier Pucheta
Pintura
2do premio
Marcela Villaseñor
Pintura, óleo
3er premio
Ricardo Anguiano
Pintura, óleo
Mención honorífica
Jesús Moreno
Pintura, óleo
Mención honorífica
José Luis Jaramillo
Escultura
Premio
Ernesto Pinto Manríquez
Escultura
Premio
Manuel Vera Moldan
Escultura
Premio
Alejandro Vega
Grabado
1 premio
Rosa Luz Marroquín
Grabado
2 premio
Francisco Muñoz Villagrán
Dibujo
1 premio
Fernando González
Dibujo
2 premio
Ariel Mendoza Baños
Dibujo
3 premio
Carlos Maldonado
1975
Pintura, acrílico sobre tela
Premio
Fernando Andrade Cancino
Pintura, óleo sobre tela
Premio
Octavio Gil Villegas
Pintura, óleo sobre tela
Premio
Eloy Tarcisio López
Pintura
Mención honorífica
Pedro Ascencio
Pintura
Mención honorífica
Herminia Chapital
Pintura
Mención honorífica
Baltazar Saiz
Escultura, madera
Premio
Ambrosio Contreras
Escultura, madera
Premio
Adalberto Bonilla
Escultura, cantera
Premio
Ernesto Pinto Manríquez
Escultura, madera
Mención honorífica
Rosa María Schwartz
do
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do
do
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do
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do
er
PARTEAGUAS
77
D O S S I E R
Escultura, talla en granito
Mención honorífica
Fernando Cansino Cansino
Escultura, talla en madera
Mención honorífica
Alicia Varela
Escultura, talla en madera
Mención honorífica
Sara Muller
Grabado
Premio
Alejandro Acosta Collazo
Grabado
Premio
Raquel Adriana Medina
Grabado
Premio
Ariel Guzmán Ayala
Grabado
Mención honorífica
Rosa María Schwartz
Grabado, serigrafía
Mención honorífica
Juan Ibarra
Dibujo al pastel
Premio
Francisco Castro Leñero
Dibujo
Premio
José Luis Zaldívar
Dibujo
Premio
Felipe Packard
Dibujo
Mención honorífica
Eloy Tarcisio López
Dibujo
Mención honorífica
José de Jesús Ramírez Gutiérrez
Dibujo
Mención honorífica
José María Garduza
Dibujo
Mención honorífica
Paul Jesús Daniels
1976
Pintura, óleo sobre fibracel
1 premio
Gustavo Buendía Prado
Pintura, óleo sobre madera
2 premio
Berenice Garmendia Ramírez
Pintura, acrílico sobre tela
Mención especial
Antonio Peregrino Piña
Pintura, óleo sobre madera
Mención honorífica
Miguel Ángel Ponce Reséndiz
Pintura, óleo sobre madera
Mención honorífica
Octavio Gil Villegas
Pintura, acrílico sobre tela
Mención honorífica
Andrés Cerecero Martínez
Pintura, acrílico sobre tela
2 premio
Víctor Guzmán Velázquez
Escultura, madera
Premio
Mayagishima Takao
Escultura, madera caoba
Premio
Aurora Guadalupe Zepeda Guerrero
Escultura, madera
Premio
Lorenzo Rivera
Escultura, madera
Mención honorífica
Ambrosio Contreras
Escultura, madera
Mención honorífica
Andrés Aguileño
Grabado
1er premio
Desierto
Dibujo
Mención honorífica
Ma. Teresa Garza
Grabado, metal
1 premio
Gloria María González
Grabado, aguafuerte
1 premio
José Castro Leñero
Grabado, metal
2 premio
Joel Morales Cerda
Grabado, xilografía
Mención honorífica
Adriana Mejín Gochicoa
1977
Pintura, técnica mixta
1 premio
Carlos Cano
Pintura, acrílico y collage
2 premio
Gabriel Macotela
Pintura, técnica mixta
1 mención
Jorge Ochoa Romero
Pintura, acrílico
2 mención
Miguel Ángel Trejo
78
PARTEAGUAS
er
do
do
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do
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do
ra
da
Escultura, metal
1er premio
Jesús Mayagoitia Durán
Escultura, madera nescastle
2 premio
Andrés Avelino
Escultura, talla madera
1 mención
Kiyoto Oota
Escultura, talla madera
2 mención
Fernando Camacho Guerrero
Grabado, xilografía
1 premio
Rosalía Talayero
Grabado, serigrafía
2 premio
Ignacio Meneses Díaz
Grabado, mezzotinta
Mención honorífica
Martha Oliveras Alberú
Dibujo
1 premio
Jorge Castillo Morquecho
Dibujo
2 premio
María Teresa Garza
do
ra
da
er
do
er
do
Dibujo, acrílico y collage
1 mención
Gabriela Macotela
Dibujo
2da mención
Martín Guzmán García
1978
Pintura, acrílico sobre tela
1er premio
José Castro Leñero
Pintura, óleo
2do premio
Wilson Bolívar Brandao Giano
Pintura, acrílico
2 premio
Humberto Jiménez
Pintura, técnica mixta
3 premio
Mónica Mayer
Pintura, técnica mixta
3 premio
Doris Vila
Pintura, óleo sobre tela
3 premio
Abelardo López Moreno
Escultura, madera
3 premio
Kiyoto Oota
Escultura, acero
3 premio
Salvador Manzano
Escultura, yeso directo
Mención honorífica
Helio Montiel Cabrera
Gráfica, litografía
1 premio
Junos Miklavo
Gráfica, serigrafía
2 premio
Salvador Carrillo
Fotografía, plata sobre gelatina
3 premio
Armando Cristeto
Fotografía b/n sepia
3 premio
Ma. Teresa Talles
Gráfica, grabado metal
3 premio
Ernesto Torices Ramírez
Fotografía b/n
3 premio
Victoria Blasco
Gráfica, serigrafía
Mención honorífica
Stella Franceskides
Fotografía- fototinta madera
Mención honorífica
Alfonso Arredondo Osuna
Dibujo, grafito
1 premio
Sergio Hernández Martínez
Dibujo, técnica mixta
2 premio
José Castro Leñero
Dibujo, tinta
3 premio
Jorge Robledo
Dibujo, tinta aguada y pastel
Mención honorífica
Luis Fernando Enríquez Rocha
Dibujo, lápices de colores
Mención honorífica
Ariel Mendoza Baños
Dibujo, lápiz
Mención honorífica
Helvia Hernández Martínez
1979
Pintura, técnica mixta
1 premio
Esthela Vázquez de Olivo
Pintura, acrílico y técnica mixta
2 premio
Irma Palacios Flores
Pintura, técnica mixta
3 premio
Humberto Jiménez
ra
do
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do
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do
er
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do
er
PARTEAGUAS
79
D O S S I E R
Pintura, mixta
4to premio
Gustavo Aceves González
Escultura, resina poliéster
2 premio
Carlos Ruiz
Escultura, laca sobre metal y madera
3 premio
Germán Navia Rodríguez y Víctor Hernández
Escultura, bronce
Mención honorífica
Lepa Leposeva Milosevic
Escultura, cerámica
Mención honorífica
Lilia García
Dibujo, técnica mixta
1 premio
J. Jesús Báez Guerrero
Dibujo, tinta
3 premio
Irma Palacios Flores
Dibujo, técnica mixta
Mención honorífica
Miguel Castro Leñero
Gráfica, fotografía
1 premio
Eduardo Enríquez Rocha
Gráfica, litografía
2 premio
Salvador Martínez
Gráfica, litografía
3 premio
Iris Aburto Hernández
Gráfica, litografía
1 mención honorífica
Irma Palacios Flores
Gráfica, xilografía
2da mención honorífica
Cristina Cepeda de Osorio
Gráfica, fotografía
3er mención honorífica
Héctor Montes de Oca
Gráfica, técnica mixta
4ta mención honorífica
Jorge Samuel López García
80
PARTEAGUAS
do
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er
er
do
er
er
Carteles. Fototeca del agica
PARTEAGUAS
81
D O S S I E R
Artistas premiados en el ii Encuentro Nacional de Arte Joven, 1982. Fototeca del agica
Gustavo Aceves
Carlos Agustín
Guillermo Valle
Miguel Castro Leñero
82
PARTEAGUAS
Guido del Carpio Rivera
Premiados y obras del xiv Encuentro, 1994. Fototeca del agica
Premiados y obras del xv Encuentro, 1995. Fototeca del agica
Gustavo Artigas, 2do premio en ensamble sonoro en el xv Encuentro, 1995.
Fototeca del agica.
Sergio González Rangel, 4to premio en pintura en el
xv Encuentro, 1995. Fototeca del agica.
Tania Aedo, 1er premio en pintura en el
Encuentro, 1995. Fototeca del agica.
xv
PARTEAGUAS
83
Premio
Francisco Javier Orozco Ramos
Seis instantes caducos
Fotografía
70x 120 cm, 2015
Guadalajara, Jalisco
xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven, 2015
D O S S I E R
ENCUENTRO NACIONAL DE ARTE JOVEN
1981-1990
1981 Mimeografía
1er premio
2 premio
3er premio
4to premio
1ra mención
4ta mención
5ta mención
2da mención
3ra mención
Oliverio Hinojosa
Flor Minor Arriaga
Dominique Landau
Marie Claudine Lenormand
Eloy Tarcisio López Cortez
José Castro Leñero
Armando Arias Garduño
Guillermo Valle
Eduardo Enríquez
1982 Dibujo, sobre papel
Dibujo, tinta sobre papel
Dibujo, lápiz
Escultura, metal laqueado
Pintura, acrílico sobre tela
Pintura, técnica mixta
Pintura, óleo sobre tela
Pintura, acrílico sobre madera
Premio
Premio
Mención honorífica
Premio
Premio
Premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Gustavo Aceves González
Guido del Carpio Rivera
Lucía Maya
Carlos Agustín
Miguel Castro Leñero
Guillermo Valle Peralta
Miguel Ángel Alamilla
Cuauhtémoc Kamffer Álvarez
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Carlos Alberto Marcial López
Mónica Mayer
Jesús Ramos Frías
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
1er premio
José Eleuterio Rojas
Saúl Villa Walls
Adolfotógrafo
Moisés Díaz Jiménez
Mimeografía
Escultura, vidrio
Pintura, técnica mixta
Pintura, nopales y acrílico
Pintura, acrílico sobre tela
Pintura, óleo sobre tela
Gráfica
Fotografía, plata sobre gelatina
Pintura, acrílico sobre papel
Pintura, técnica mixta
Pintura, técnicas mixtas sobre papel
do
Pintura, óleo sobre fibracel
Pintura, óleo sobre tela
Fotografía
1983 Dibujo, tinta china y lápiz de color sobre papel
Pintura, acrílico y polvo sobre de mármol sobre
fibracel
2do premio
Alfonso Mena Pacheco
Pintura, técnica mixta - varia
Pintura, acrílico, tela y papel
Escultura en madera
No disponible n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
3er premio
5to premio
4to premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Adolfo Patiño Torres
Germán Venegas Pérez
Francisco Rodríguez Medina
Perla Krauze de Broid
Marco Tulio Lamoyi
Gabriel Orozco
Miguel Ángel Alamilla
Carlos A. Marcial López
José Antonio Hernández
Eduardo Cárdenas Fonseca
PARTEAGUAS
85
D O S S I E R
1984 Dibujo, tinta sobre papel
1er premio
Dibujo, transgrafía sobre amate y albanene
3 premio
Gustavo Aceves
Esteban Azamar
Pintura, acrílico y tinta sobre papel
2do premio
Miguel Ángel Alamilla
er
Pintura, acrílico sobre tela
Escultura
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
1985 Escultura en plomo, vidrio y madera
4 premio
5to premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Premio
José Castro Leñero
Lourdes Cué Romero
Michal Borg
Ana Checchi
María C. Guerra
Arturo Holzer
Rubén Ortiz Torres
David Oviedo Jiménez
Roberto Parodi Silva
Noemí Ramírez López
Jorge Robelo Rivero
Elizabeth Valenzuela
María Eugenia Gamiño Cruz
Pintura, técnica mixta
Pintura, acuarela y tintas
Pintura, acrílico sobre tela
Anudado henequén ixtle
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
1986 No se cuenta con las actas del encuentro
1987 Pintura, técnica mixta sobre tela
Premio
Premio
Premio
Premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Renato González González
Derli Romero
Mauricio Sandoval
Anna Sánchez
Francisco Castro
Lourdes Cué Romero
Horacio López Bonilla
José de Jesús Moreno Hernández
Othón Téllez
Premio
José Arturo Elizondo Amador
to
Pintura, técnica mixta sobre tela
Premio
José Fors
Pintura, técnica mixta sobre papel
Premio
Martha Pacheco
Pintura, óleo sobre tela
Pintura, óleo sobre fibracel
Pintura, ensamble policromado
Premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Roberto Parodi Silva
Gerardo Castañeda Díaz
José Antonio Hernández Vargas
Pintura, collage y acrílico sobre tela
Mención honorífica
Alejandro Nava Álvarez
Xilografía sobre papel arroz seccionado
Premio
Gustavo Monroy
Mención honorífica
Mención honorífica
1er premio
Guadalupe Castañeda y Felipe Estrada
Ernesto Torices Ramírez
Dibujo, linóleos sobre papel
Fotografía, ensamble
1988 Gráfica
86
Pintura, óleo sobre tela
Pintura, óleo sobre tela
Pintura, mixta sobre papel
PARTEAGUAS
2 premio
3er premio
5to premio
do
Ignacio Vera Ponce
Boris Viskin
Luciano Spanó Tancredi
Daniel Ugalde H.
Fotografía
n/d
4to premio
1ra mención honorífica
Gustavo Catto C.
Rolando Chávez T.
n/d
2da mención honorífica
Tobías Arenas
n/d
3 mención honorífica
Franco Aceves
n/d
1989 Pintura, acrílico sobre tela
Pintura, técnica mixta sobre tela
4ta mención
Premio
Premio
Yolanda Mora
Bernardo Calderón Magaña
Jesús Urbieta Orozco
Escultura, talla directa en recinto
Premio
Juan José Ramírez Andrade
Dibujo, técnica mixta sobre papel tapiz antiguo
Premio
Carlos Villanueva
Gráficas, xilografías
Premio
Fernando Aceves Humana
Premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Premio
Felipe Estrada Ramírez
Román Andrade Llaguno
Jorge Barrios
Gerardo Baston del Castillo
Armando Belmontes Ruiz
Ana Cristina Mejía Botero
Yolanda Mora Pérez Tejada
Daniel Parada Palafox
Obdulia Reyes
Luciano Spanó Tancredi
Carla Spota
Enrique Gómez
Premio
Francisco Constantino Ramírez
Pintura, políptico en acrílico, temple, chapopote y
carboncillo sobre tela
Pintura, óleo sobre tela
Pintura, acuarela sobre papel
Pintura, óleo sobre tela
Pintura, óleo sobre tela
Pintura, acrílico sobre tela y madera
Premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Sigfrido Walter Aguilar
Joaquín Figueroa
Mónica Flores
Alonso Mena Pacheco
Aníbal Reyes
Dibujo, carbón sobre papel
Dibujo, lápiz y conté sobre papel
Premio
Premio
Rubén Maya M.
Carlos Fernando Vargas Pons
Dibujo, lápiz, carbón y pólvora sobre madera
Mención honorífica
Cesar Martínez
Dibujo, grafito y sanguina sobre papel
Mención honorífica
Carla Spota
Grabado, xilografía
Pastillage stonwere
Fotografía, plata sobre gelatina coloreada a mano
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Guinette Artezan
María Teresa Gómez Cantarell
Juan Antonio Sánchez
Gráficas, xilografías
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
1990 Pintura, óleo sobre tela y madera
ra
PARTEAGUAS
87
D O S S I E R
1991-2000
1991 Pintura, dibujo, grafito, carbón y pólvora sobre
madera
Premio
César Martínez Silva
Pintura, acrílico, pastel automotiva y cordones
sobre amate
Pintura, óleo sobre tela
Pintura, técnica mixta
Pintura, técnica mixta
Premio
Aurora Noreña
Premio
Premio
Premio
Carlos Vargas Pons
Diego Toledo Crow
Gerardo Bastón, Claudio Contreras,
Alejandro Rodríguez
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Premio
J. Guadalupe Brizuela Alonso
Rossana Ponzanelli Velázquez
Carlos Villanueva Avilés
Yolanda Mora Pérez Tejeda
Luis Enrique Argüelles
Pintura, acrílico sobre vinil
Pintura, acrílico sobre tela
Pintura, óleo sobre papel
Dibujo, carbón sobre papel
1992 Fotografía, plata sobre gelatina
Grabado, xilografía
Grabado, xilografía
Pintura, óleo sobre tela
Premio
Premio
Premio
René Contreras Osio
Alejandro Pérez Cruz
Olivia González y Juan José Zamarrón
Escultura, talla directa en piedra y madera y plomo repujado
Premio
Gabriela López Portillo
Dibujo, grafito sobre papel
Dibujo, mixta, carbón, grafito y tinta china sobre
tela
Premio
Premio
Antonio Saiz
Patricia Soriano Troncoso
Dibujo, collage, tinta china y papel
Premio
Adriana M. Dolores Velarde Méndez
Aparato eléctrico, aguatinta, aguafuerte sobre
metal
Premio
Ignacio Vera Ponce
1993 Pintura, acrílico / lona
Pintura, acrílico / tela
Pintura, acrílico y óleo sobre tela
Premio
Premio
Premio
Antonio Castro
Ángel Martínez Martínez
Uriel Parker
Pintura, óleo / tela
Pintura, óleo / tela
Pintura, acrílico y metal / madera
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Fausto Igor Gálvez Buenfil
Rocío Caballero Campos
María del Carmen Arvizu Berdejo
Escultura, metal soldado y modelado en terracota
Mención honorífica
Pilar de Burgos Lachica
Dibujo, lápiz / papel
1994 Pintura, óleo sobre madera
Mención honorífica
1er premio
Gustavo Bustos
Pintura, óleo sobre tela
3er premio
Rodrigo Ayala Murua
Guadalupe Estrellita Carmona Ronzón
Pintura, óleo sobre tela
Pintura, mixta sobre tela
5to premio
1ra mención
Arturo Rodríguez Doring
Ma. de los Ángeles Chávez Elizalde
Pintura, acrílico sobre arena
3ra mención
Pintura, inyección de tintas sobre papel
4 mención
Javier Cortés Martínez
Jesús Flores Villegas
Pintura, óleo sobre tela
5ta mención
Pintura, collage
Pintura, óleo sobre tela
8 mención
9na mención
88
PARTEAGUAS
ta
va
Óscar Manuel García Castro
Ernestina Rodríguez
Mónica Romo
Dibujo, lápiz sobre papel
Grabado, aguafuerte sobre lámina de fierro
2do premio
4to premio
Gustavo Bustos Zaragoza
Angélica Carrasco Acevedo
n/d
Fotografía, plata sobre gelatina virado sepia
2da mención
6ta mención
Mauricio Cervantes Rodríguez
Ricardo Martínez Hernández
Escultura, talla en madera, encino y piedras del río 7ma mención
1995 Pintura, óleo encáustica y tela / madera tallada
1er premio
Tania Aedo
Fernando de Alba Alcántara
Sergio González Rangel
Pintura, acrílico / fabricel
3er premio
Pintura, latas montadas sobre madera
4 premio
Pintura, óleo sobre tela
6to premio
Pintura, óleo y acrílico sobre madera
1 mención
Pintura, óleo sobre madera
2da mención
Pintura, óleo y cera sobre tela
4ta mención
Pintura, óleo sobre tela
5ta mención
Pintura, encáustica sobre tela
6ta mención
Ensamble sonoro
2do premio
Grabado, huecograbado
5to premio
Fotografía, vidrio, sistema de iluminación de neón 3ra mención
y tinta china sobre lámina de acero
1996 Pintura, mixta
Marco Antonio Martínez Abarca
to
ra
1er premio
Teresa Gutiérrez Velázquez
Rubén Sánchez Arenas
Rafael Charco Portillo
Yolanda Mora
Elena Ortiz Odgers
Patricia Tuirán Gutiérrez
Gustavo Artigas
Cecilia León Hernández
Víctor Martínez Díaz
María del Carmen Arvizu Berdejo
Víctor Rodríguez
Lorena Orozco Quiyono
Pintura, acrílico sobre tela
Pintura, collage, esmalte y barniz sobre madera
2 premio
5to premio
Pintura, óleo sobre tela
6to premio
Grabado, aguafuerte sobre lámina de fierro
3 premio
Alejandro Caballero Valdés
Angélica Carrasco Acevedo
Imagen e impresión digital
4to premio
Mariana Dellekamp
Escultura, terracota policromada sobre tabla
1 mención
María del Carmen Arvizu Berdejo
Pintura, óleo sobre tela
Pintura, óleo sobre tela
1997 Fotografía a color
Fotografía
Escultura
Dibujo
Pintura
Pintura
Pintura
Objetos y construcciones
Dibujo
Escultura
1998 Pintura, óleo y encáustica / lino
2 mención
3ra mención
1er premio
6to premio
2do premio
3er premio
4to premio
5to premio
4ta mención
1ra mención
2da mención
3ra mención
Premio
José Ignacio Cervantes y Omaña
Ferenc Sandor Paczaka Rojas
Mauricio Alejo Flores
Tatiana Parcero
Irma Ortega Pérez
Patricia Henríquez Bremer
Lorena Orozco Quiyono
Rodrigo Ayala Murua
Enrique García Saucedo
Alejandro Caballero Valdés
Héctor Falcón
Marion Sulkin
Emilio Said Charruf
Premio
Alejandro Pintado
Pintura, óleo, cera, carbón sobre tela
do
er
ra
da
PARTEAGUAS
89
D O S S I E R
Pintura, acrílico sobre papel amate
Premio
Patricia Henríquez Bremer
Pintura, políptico técnica mixta sobre tela
Mención honorífica
Pilar Ramos Sánchez
Fotografía, termografía y gráfica digital
Premio
Israel Esau de Léon Solórzano
Fotografía, plata sobre gelatina
Premio
Mauricio Alejo Flores
Fotografía, plata, gelatina, vidriada
Mención honorífica
Gerardo Montiel Klint
Fotografía, inyección de tinta / papel algodón
Mención honorífica
Adriana Calatayud Morán
Encausto, tela, xilografía y macocel
Premio
Jimena Piedra Miranda
Escultura
Dibujo, lápices de madera y metal
Mención honorífica
Mención honorífica
Irma Ortega Pérez
María del Carmen Arvizu Berdejo
Grabado, aguafuerte
Satín, encaje, madera, acrílico y caramelo
Mención honorífica
Mención honorífica
Jorge Meza Aguilar
Tania Cruz
Premio
Pilar Ramos Sánchez
1999 Pintura, madera, tela de papel y objetos y óleo al
carbón / papel
Pintura, óleo sobre tela
Escultura, talla directa en piedra
Premio
Premio
Iván Noel Villaseñor
Ariadna Gómez Martínez
Fotografía, óleo sobre tela
Dibujo, carbón, grafito y pastel sobre tela
Premio
Mención honorífica
Carlos Ranc
Ady Carrión Parga
Mención honorífica
Premio
Premio
Premio
Mención honorífica
Premio
Gerardo Monsiváis Flores
Hugo Alberto Lugo Pacheco
Damián Flores Cortés
Héctor Falcón
Omar Sánchez Santillán
Eugenia Díaz Zurita
Mención honorífica
Alfredo Ayala Aguilar
Objeto manufacturado
2000 Pintura, acrílico / tela
Pintura, temple / tela
Pintura, acrílico / madera
Pintura, óleo / tela
Fotografía, impresión cromógena
Fotografía, impresión digital
2001- 2010
2001 Pintura, óleo encáustica y papel / madera
Premio
Heriberto Quesnel
Pintura, inyección de tintas / vinil
Premio
Rubén Gutiérrez Garza
Pintura, mixta madera
Pintura, óleo / tela
Técnica mixta
Fotografía, punta seca / plata gelatina
Premio
Mención honorífica
Premio
Mención honorífica
Manuel de los Ángeles Sosa
Hazael González Castillo
Angélica Sánchez y Sánchez
Armando Fraga Villicaña
Impresión digital transferida / vidrio
Mención honorífica
Nidia Nava Carreón
Ensamble con tornillos punta seca, plaster y tinta
para grabado
Mención honorífica
Ricardo Harispuru
Premio
Gabriel Jonatán Olvera León
2002 Pintura, óleo sobre tela, tinta china, encausto,
pigmento y óleo sobre papel
Pintura al agua, acetato de polivinílico, carbonato Premio
de calcio, pigmento mineral, agua y óleo sobre tela
Héctor Herrera Rodríguez
Pintura, óleo sobre tela
Multimedia, video-instalación sonora
Pablo Serrano Orozco
Erick Wotto González
90
PARTEAGUAS
Mención honorífica
Premio
Fotografía, plata sobre gelatina
Premio
Bruno Pablo Bresani Teixeira
Fotografía, digital, impresión b/n sobre papel
fotográfico
Mención honorífica
Jorge Alberto Sosa Espinoza
Mixta vaciada en sal, pirofosfato tretasódico,
azufre antihumectante y otras sales
Mención honorífica
Beatriz Canfield Zapata
Madera reciclada, cartón papel arenado, elementos Mención honorífica
decorativos
Juan Carlos Fernández y J. Roberto
Martínez López
2003 Pintura, óleo y encausto
Pintura, acrílico sobre tela
Pintura, óleo / tela
Pintura, óleo sobre acrílico sobre tela
Premio
Premio
Premio
Mención honorífica
Donovan Soriano Álvarez
María Campiglia Calveiro
Luis Alberto Álvarez Solís
Diana Salazar
Grabado, aguafuerte, agua tinta / fierro
Premio
Elda Ruth Hernández Rodríguez
Gráfica, penca de maguey, papel arroz y
conservadores
Mención honorífica
Shiori Shi Pérez Ando
Premio
Graciela Fuentes
2004 Fotografía, impresión cromógena de proyección
en piel
Fotografía
Fotografía, impresión cromógena de proyección
en piel
Premio
Mención honorífica
Héctor Falcón
Alex Dorfsman Acosta
Video
Pintura, óleo / tela
Pintura, esmalte, óleo, adheribles y encausto / tela
Premio
Premio
Mención honorífica
Noé y Sánchez Ilya Ilevna
Oscar Fabián Cueto Ramírez
Luis Enrique Ramírez Hampshire
Grabado, aguatinta y aguafuerte / hierro
Mención honorífica
Darío Iván Ramírez Pedraza
Mención honorífica
Premio
Premio
Hisae Ikenaga Melgoza
Elivet Aguilar Campuzano
Carlos Aurelio Hernández Marmolejo
Foami
2005 Fotografía
Tránsfer fotográfico, pintura acrílica, plóter, plumón y pintura en aerosol
Mixta periódica plastilina epóxica y pintura automotiva
Premio
Leslie Kate González Ordoñez
Pintura, óleo / tela
Pintura, óleo / madera
Pintura, mixta madera
Pintura, óleo / tela y técnica mixta
Premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
José Ernesto Cortés Reyes
Aidee de León de la Torre
Yves Gregoire Lizárraga
Grisell Lechuga Lozano
Pintura, mixta óleo y encausto/ madera
Mención honorífica
Julio Pastor Marvan
Ensamble y Raku- Yaki
Impresión digital
Grabado, barniz blando y aguafuerte sobre placa
de zinc
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mara Silva López
Lucía Castañeda Garma
Fausto Cadmo Gutiérrez Álvarez
2006 Dibujo, goma / carboncillo
Fotografía, impresión cromógena
Premio
Premio
Álvaro Eduardo Zunni Albano
Fernando Montiel Klint
Premio
Agustín / El Guty González García
Pintura, óleo sobre tela
PARTEAGUAS
91
D O S S I E R
Pintura, acrílico sobre mdf
Pintura, acrílico / tela
Pintura, óleo sobre tela
Pintura, tinta china sobre papel
Premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Odín Barrios Rivera
Rafael Javier López Uriegas
Hugo Armando Pérez Gallegos
Blanca González Hernández
Pintura, óleo y serigrafía / madera
Mención honorífica
Alejandra España Natera
Pintura, animación de óleo sobre vidrio
Mención honorífica
Andrea Guadalupe Robles Jiménez
Pintura, óleo sobre tela
Impresión digital montada sobre sintra
Mención honorífica
Mención honorífica
Rodrigo Meneses Gutiérrez
Daniela Mariana Edburgo Quesada
Impresión de diapositiva montada sobre bastidor
Mención honorífica
Tomás Benjamín Canchola Saldaña
Video en proyección continua en monitor
Mención honorífica
Graciela Fuentes Peña
2007 Pintura, acrílico / tela
Pintura, acrílico transfer
Dibujo, lápiz / papel
Impresión digital, inyección de tinta
Premio
Mención honorífica
Premio
Premio
Jesús Contreras Chávez
Ariadne Nenclares Pitol
Claudia Verónica Garza González
Pablo Ramón López Luz
Grabado, huecograbado, zinc, serigrafía y tinta
china / papel deponte
Premio
Nuria Montiel Pérez Grovas
Grabado, monotipia intervenida, bolígrafo negro,
azul, rojo, verde sobre papel
Mención honorífica
Oscar Rafael Soto Barbosa
Fotografía, impresión cromógena
Mención honorífica
Adela Goldbard Rochman
Fotografía, digital, impresión óptico- digital sobre
papel fotográfico
Mención honorífica
Horus Sandoval Rico
2008 Pintura, óleo / tela
Escultura, yeso pegado y engrapado
Premio
Premio
Omero Leyva Flores
Alejandro Emmanuel Gómez Arias
Premio
Raúl Calderón Gordillo
Premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Premio
Premio
Premio
Edgar Durán Guadarrama
Jaime Colín Cruz
Ernesto Alva Franco
Miguel Ángel Ramos Hernández
Milton Navarro Bernal
Darío Iván Ramírez Pedraza
Ramsés Omar Rodríguez Olaya
Carlos Mier y Terán Benítez
Ricardo Sierra Arriaga
Calixto Ramírez Correa
Daniel Alberto Solano González
Rafael Mauricio Rodríguez
Yollotl Manuel Gómez Alvarado
Tania Ximena Ruiz Santos
Grabado, aguafuerte, aguatinta, betún de judea y
transfer
Fotografía, digital
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
2009 n / d
n/d
n/d
92
PARTEAGUAS
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
n/d
2010 Video, hddv
Premio
Dan Montello Herrera
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Aldo Guerra Cota
Rodrigo Jesús Meneses Gutiérrez
Naomi Rincón Gallardo Shimada
Jesús Jiménez López
Oliver Esquivel Morales
Video, proyector
Tapizado de cáscara de naranja sobre foami
Premio
Premio
Premio
Alejandro Palomino Ortiz
Luis Antonio Ramírez Pedraza
José Fernández Levy
Resina poliéster
Fotografía, digital
Barro baja temperatura, sobre madera
Premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Armando Ramsés Ruiz Romero
Humberto Ríos Rodríguez
Paola Esquivel Silva
2011- 2015
2011 Videoarte
Videoarte
Videoarte
Videoarte
Pintura, óleo sobre tela
Fotografía, digital piezografía sobre papel algodón
Fotografía, impresión sobre papel carbón, sobre
cascón
Impresión digital, lápices de color, a marcador
permanente sobre papel
2012 Pintura, óleo sobre tela
Impresión digital
Premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Mención honorífica
Premio
Premio
Premio
José Manuel Azuela Quiñones
Víctor Manuel Sanzón Jara
Juan Carlos Armas Cortéz
Lilian González Guillén
Manuel García Díaz
Humberto Ríos Rodríguez
Ángel Gabriel Góngora Canul
Mención honorífica
José Alejandro Osorio Flores
Premio
Premio colectivo
César Córdova Tapia
Sandra Lizbeth González Parra, Mario
Vargas Romero, Porfirio Aceves Palacio, Edna Naela Avalos Velázquez
El jurado declaró que el xxxii Encuentro Nacional Clínica de
de Arte Joven no alcanzó la calidad esperada por lo formación
que se destinó el monto de dos premios a clínicas
de formación impartidas en la ciudad de
Aguascalientes por artistas reconocidos
Clínica de
formación
Clínica de
formación
Clínica de
formación
Clínica de
formación
Clínica de
formación
Clínica de
formación
Jesús Lima Morales
Antonio Bravo Avendaño
Claudia Dinorah Luna Fuentes
Enrique Alberto Coello Mendoza
María Rodríguez Cruz
Paulina Alejandra González Galarza
María del Carmen Linares Radillo
PARTEAGUAS
93
D O S S I E R
2013 Pintura, bordado sobre páginas de libro
Premio
Carolina María Stunber Malagamba
Pintura, óleo sobre tela sobre madera
Premio
Lucía Vidales Lojero
Pintura, instalación con monedas de 10 centavos
Mención honorífica
Alejandro Gómez Arias
Pintura, libro de arte
Pintura, calcomanía sobre papel de algodón
Mención honorífica
Mención honorífica
Adriana Cassiano Álvarez
Minerva Gabriela López Ayón
Dibujo, gouache sobre 25 módulos de papel algodón
Grabado, aguafuerte sobre lámina negra
Premio
Omar Soto Martínez
Premio
Luis Roberto García Ortega
Escultura, plástica epóxica pintada al óleo, madera, Mención honorífica
hilo encerado
Fotografía, impresión cromógena
Mención honorífica
J. Trinidad Guerrero Castorena
Judith Alejandra Saldaña Cedeño
2014 Impresión digital
Xilografía
Pintura, óleo pintura en spray, acrílico sobre tela
Premio
Premio
Premio
Yael Esteban Martínez Velázquez
Jesús Orlando Martínez Velázquez
Allan David Hernández Villavicencio
Pintura, óleo y carbón sobre tela
Mención honorífica
Casandra de Santiago Delfín
Pintura, acrílico sobre tela
Mención honorífica
Mención honorífica
Héctor David Vallejo Roy Ocotla
Salvador Jacobo Torres
Mención honorífica
Fernando Álvarez Robledo
Premio
Premio
Eduardo Ortiz Jiménez
Pablo Querrea Gutiérrez
Premio
Manuel Alberto Solís Mendoza
Yeshua Axel Zamora Vázquez
Jacqueline Judith Lozano Murillo
Carlos Eduardo Quintero Ibáñez
Yoallith Moreno Martínez
Adolfo Camacho Silva
Pável Mora Delgado
Isabel Sánchez Beltrán
Pintura, tinta china, acuarela, tránsfer y collage
sobre papel
Pintura, óleo y acrílico sobre tela
Gráfica
Dibujo, tinta china, pluma fuerte
2015 Pintura, mixta, óleo, temple, encausto, collage
sobre lino y madera
Pintura, óleo sobre mdf
Pintura, mixta sobre madera
Pintura, esmalte / acrílico sobre madera
Escultura, talla en mármol negro
Escultura, cerámica vidriada
Estampa, xilografía
Dibujo, frottage y acrílico sobre papel
Premio
Premio
Mención honorífica
Premio
Premio
Premio
Premio
Dibujo, tinta y acuarela sobre papel
Premio especial
Víctor Manuel Peña Lucero
Dibujo, tinta y acuarela sobre papel
Mención honorífica
Víctor Manuel Peña Lucero
Fotografía, , polaroid intervenidas
Premio
Francisco Javier Orozco Ramos
Fotografías, digital
Instalación, hojas de papel
Instalación, cajas de luz, oscilador, impresión en
acetato y audífonos
Videoarte, stop-motion
Collage, mixta
Premio
Mención honorífica
Mención honorífica
Leonardo Barrera Macías
José Fernández Levy
Julián González Hernández
Mención honorífica
Mención honorífica
J. Trinidad Guerrero Castorena
Ana Isabel de la Rosa Caballero
94
PARTEAGUAS
Premiados en el xvi Encuentro, 1996. Fototeca del agica
Víctor Rodríguez, 2do premio en pintura en el xvi Encuentro, 1996.
Fototeca del agica.
Juan Castañeda junto a Marianna Dellekamp, 4to premio en pintura, con sus
padres en el xvi Encuentro, 1996. Archivo particular de Juan Castañeda.
Premio en pintura en el xxii Encuentro, 2002. Fototeca del agica
Ceremonia de premiación del xxii Encuentro, 2002. De izquierda a derecha
señora González; Felipe González, gobernador del estado de Aguascalientes;
Josefina Vázquez Mota, secretaria de desarrollo social y Alejandro Lozano,
director del ica. Fototeca del agica.
PARTEAGUAS
95
Ceremonia de premiación del xxv Encuentro, 2005. En el podio,Víctor
M. González Esparza, director del ica. Fototeca del agica.
Ceremonia de premiación del xxxi Encuentro, 2011. Blanca Rivera Río
de Lozano, presidenta del dif estatal; Carlos Lozano de la Torre, gobernador del estado de Aguascalientes.
Ceremonia de premiación del xxix Encuentro, 2009. Fototeca del agica
Ceremonia de premiación del xxxiv Encuentro, 2014. Premiados y en la
segunda fila: Dulce María Rivas Godoy, directora del ica, Blanca Rivera
Río de Lozano, presidenta del dif estatal; Carlos Lozano de la Torre,
gobernador del estado de Aguascalientes, y premiados.
Ganadores del xxxv Encuentro, 2015
Leonardo Barrera Macias, premio en fotografía en el xxxv Encuentro, 2015
96
PARTEAGUAS
Premio
Yoallith Moreno Martínez
El monumento
Talla en piedra, mármol negro
30 x 60 x 40 cm, 2014
Santiago de Anaya, Hidalgo
xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven, 2015
artistas consagrados
que en su juventud buscaron
un premio en Aguascalientes
GUSTAVO MONROY
“El autorretrato es una tradición (...) hablo de mí porque al hablar de
mí siento que estoy hablando del otro (...) Yo presto mi cuerpo para
hablar de esos decapitados, de esas mujeres violentadas, de esos hijos
asesinados, estoy prestando mi cuerpo, mi cabeza, como si estuviera
prestándome a esos personajes. ¿Por qué? Porque me duelen”.
Premio en el vii Encuentro Nacional de Arte Joven, 1987
Fotografía © agencia Reforma
HÉCTOR FALCÓN
“Sí, me gusta ser provocador, creo que eso es una parte fundamental de
mi trabajo, pero también tengo una especie de curiosidad, morbo por la
vida. Hay algunas personas que dicen que soy un exhibicionista”.
2da Mención en el xvii Encuentro Nacional de Arte Joven, 1997
Premio en el xx Encuentro Nacional de Arte Joven, 2000
Premio en el xxiv Encuentro Nacional de Arte Joven, 2004
Fotografía © Diapason de las palabras
IRMA PALACIOS
“Uno va todo el trayecto de la vida haciéndose pintor (...) En general,
hago el color, no lo pongo directo del tubo, empiezo cuando ya tengo
todo a la mano y me meto en el cuadro realmente, casi físicamente, es
como si me hipnotizara”.
2do premio, 3er premio y 1era mención en el xiv Concurso Nacional para
Estudiantes de Artes Plásticas, 1979
Fotografía © Noticiasnet
BORIS VISKIN
“Vivo mi trabajo más como un reflejo de mi mente y quizá también de
un tiempo que me tocó vivir: casi esquizofrénico, de mucha información,
de muchas imágenes; para mí es una búsqueda constante”.
2do premio en el viii Encuentro Nacional de Arte Joven, 1988
Fotografía © Eduardo Warnholtz / archivo revista Líderes Mexicanos, 2013
ENRIQUE GUZMÁN
“Ese cuadro me hizo mucho daño”. Se refiere a Conocida señorita del club.
La llegada de la felicidad retratándose con sombrilla, obra con la que obtuvo
un primer premio de adquisición en pintura en 1972.
vii
Concurso Nacional para Estudiantes de Artes Plásticas, 1972
Fotografía del libro Enrique Guzmán, transformador y víctima de su tiempo, Carlos BlasGalindo, 1era ed. Dirección General de Publicaciones, inba-era, Colección de Arte
Mexicano.
FLOR MINOR
“El cuerpo es un universo en explosión (...), un motivo de construcción, todo lo que es el universo del cuerpo es muy interesante
para mí, pensar en ese organismo perfecto”.
1er premio en el xv Concurso Nacional para Estudiantes
de Artes Plásticas, 1972
2do premio en el i Encuentro Nacional de Arte Joven, 1981
Fotografía "artes" canal once, Instituto Politécnico Nacional
Germán Venegas
“Creo que la parte profunda del arte es una especie de trabajo espiritual,
tiene que ver mucho más con quién es uno, hacia dónde va y qué es lo
que queremos hacer”.
5to Premio en el iii Encuento Nacional de Arte Joven, 1983
Fotografía "artes" canal once, Instituto Politécnico Nacional
GABRIEL OROZCO
“Hay momentos en los que concentras todo lo que te pasa y toda
tu energía en algunos trabajos y estos se convierten en testigos de
acontecimientos muy importantes de tu vida”.
Mención en el iii Encuentro Nacional de Arte Joven, 1983
Fotografía © art 21
MAURICIO ALEJO
“La fotografía es un especie de espejo, (...) es como cuando desdoblas
algo, es decir: está este mundo donde nos relacionamos el uno con el
otro, en este momento, en este tiempo y de repente existe un espejo
y en el espejo ya hay una dislocación; una dislocación en el espacio,
donde ya tú no estás aquí, sino tu imagen está allá y empieza a existir un
concepto que está fuera de ti mismo”.
Premio en el viii Encuentro Nacional de Arte Joven, 1988
Premio en el xvii Encuentro Nacional de Arte Joven, 1997
Fotografía © centroadm
SERGIO HERNÁNDEZ
“Me gustaría más estar en el movimiento de las imágenes, en lo que
sucede detrás de las imágenes. En mi trabajo trato de hacer eso que es
esa imagen que está atrás del dibujo (...) es el agua, el líquido, el aguarrás,
la esencia trementina (...) cómo se mueven en una tela. Finalmente lo que
da vida a las cosas es el agua”.
1er Premio en el xiii Concurso Nacional para Estudiantes
de Artes Plásticas, 1978
1er Premio en el xv Concurso Nacional para Estudiantes
de Artes Plásticas, 1980
Fotografía © artemilenio
JOSÉ IGNACIO
ECHEAGARAY CUMMING
Cuatroveinte poemas sueltos, diluidos en una cantimplora.
Cuatroveinte poemas para el metro. Cuatroveinte poemas
antes de acostarnos. Cuatroveinte poemas que se queman.
Cuatroveinte poemas en prosa. Cuatroveinte poemas junto
a la ventana. Cuatroveinte poemas y éste.
•
Me dijiste que escribiera un poema sobre una montaña. A la
luz de un foco amarillento, imaginaba la silueta obscura de
una montaña y la historia real del huérfano de un alpinista.
Seco y cansado, escribí en cuatro papeles montaña, montaña, casi mil veces deteniéndome siempre sobre las emes. En
la sexagésima octava perdí el equilibrio y caí rodando casi
mil metros por la resbaladiza pendiente que trazaban sus
patas. En el fondo había un lago de tinta sin peces espesos o
anguilas. Dos húmedas ranas exoftalmáticas palpitaban en
la orilla. Sigo aquí, no sé si regresar de esta montaña.
108
PARTEAGUAS
Premio
Pável Mora Delgado
Paisaje arbolado
Xilografía, 120 x 200 cm, 2014
Cuernavaca, Morelos
xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven, 2015
C O L U M N A S
La sombra de
Peter Pan
Sandra Reyes Carrillo
Las cosas simples
Qué es, no lo sé / pero de
gratitud / me caen lágrimas.
Encontré un día que Mark Oliver
Everett, el vocalista de Eels, había escrito un libro llamado Cosas
que los nietos deberían saber (“El
mejor libro de autoayuda que no
intenta ayudar a nadie, pero que lo
consigue casi sin proponérselo”).
Conseguí el libro tiempo después,
por allá de octubre del año 2012,
en una librería de un país lejano.
Compré, en ese mismo lugar, una
postal que pensaba enviarle a mi
mejor amiga. Entonces, caminé un
poco, me senté en la banqueta cerca de un buzón de correos, abrí el
libro, escribí en la postal una frase
de Mark Oliver Everett y la envié.
Hacía una tarde otoñal, mediterránea.
Había vuelto a un lugar que
añoraba, había vuelto a caminar
por sus calles, y me había sentado ante una exquisita vista para
leer el libro que había tardado en
conseguir y para abrirlo al azar y
encontrar frases como: “La vida
está llena de impredecible belleza
y de extrañas sorpresas. A veces
siento que la belleza es tanta que
no la puedo soportar, ¿conoces
esa sensación? ¿Cuando algo es
simplemente demasiado hermoso?
¿Cuando alguien dice algo o escribe algo o toca algo que te remueve
110
PARTEAGUAS
hasta hacerte llorar, y tal vez hasta
te cambia para siempre?”.
Sentarte y pensar que sí. Conoces la sensación. Encontraste a
tus perras a salvo un día de lluvia
(cuando ya las creías perdidas).
Recibiste una carta de Hong Kong.
Viajaste en coche mientras caía una
fina lluvia. Coqueteaste y conquistaste. Descubriste a Ben Brooks y
encontraste que tenías un nuevo
escritor favorito. Compraste regalices donde los probaste por primera
vez. Disfrutaste la Sierra Madre
Occidental en familia. Le prestaste
a Rodrigo Fresán, en una conferencia, un libro de su autoría porque
olvidó el suyo. Cumpliste la edad
de Zooey Glass y te sentiste como
él todo el año. Escuchaste a Karen
O en vivo y cantaste “Maps” cuando también ella cantaba.
Me dice Jorge –cuando declaro que lo más tierno que he visto
en mi vida es ver a Charlie Brown
conocer a Snoopy–, que soy muy
inocente; le digo que hay belleza
en las cosas simples, y pienso en
ver un árbol lleno de magnolias;
en escuchar, de pronto, tu canción
favorita en la radio; en saborear un
corazón de alcachofa y en oler la
tierra mojada o en sentir el agua
que cae de la regadera entibiarse
poco a poco.
Conocemos la sensación: “Esta
noche cena en casa de los Fedder.
Muy bien. Ternera, puré de patatas,
judías, una hermosa ensalada con
aceite y vinagre. De postre algo
hecho por Muriel misma: una cosa
con queso cremoso helado y fresas
dentro. Me hizo asomar lágrimas a
los ojos. (Saigyo dice: ‘Qué es, no
lo sé / pero de gratitud / me caen
lágrimas’)”.
[email protected]
((paréntessis))
JONATAN FRÍAS
Now's the Time
A principio de los cuarenta en el
club Minton’s Playhouse, en Nueva York, se reunían casi todas las
noches los creadores de un nuevo
sonido: Thelonious Monk, Kenny
Clarke y Dizzy Gillespie. Décadas
atrás, reuniones de este tipo, encabezadas por Tristan Tzara y su Cabaret Voltaire, habían dado origen
al Dadá y con él al Surrealisme.
Para 1944 ese sonido en gestación
llegó a la calle 52 donde Gillespie
y Parker comenzaron a trabajar con
todas las posibilidades que les permitía. El bebop contenía la estructura tradicional del jazz, sí, pero
era otra cosa. Su construcción era
más ágil, más trepidante, llena de
vértigo.
En el bebop aparecían conceptos que no pertenecían a la idea
tradicional de la música. Había una
raíz más antigua que flotaba en su
interior. Su principal característica
era un pulso interno, un pulso constante, un latido lento y profundo al
que se subordinaban todas las melodías. Las ejecuciones trepidantes,
las melodías, con sus escalas inagotables, con sus amplios intervalos, sus acentos desplazados y sus
frases asimétricas, presentaban una
vitalidad tan intensa que generó
reacciones hostiles. El mismo Lou
Armstrong no tardó en calificarlo
como esa maldad moderna. Sin
embargo, personajes como Duke
Ellington, Count Basie y Colleman
Hawkins le dieron la bienvenida al
C O L U M N A S
nuevo grupo y los exhortaron a seguir innovando.
Entre tanto, Miles Davis, con
apenas 18 años, experimentaba una
doble vida: de día asistía a Julliard
y de noche a Minton’s Playhouse.
Ahí Parker le presentó a Thelonious mientras anotaba los acordes
de todo lo que escuchaba. Ahí también, Dizzy Gillespie lo invitaba a
que estudiara piano. En ese lugar
conoció también a Freddie Webster
de quien aprendió a no dilapidar las
notas.
En septiembre de 1945 Miles
Davis se unió al grupo de Charlie
Parker en el Three Deuces. Al poco
tiempo Parker se cambió de grupo
a Spotlite y se llevó consigo a Miles. En ese momento Parker tenía
ya programada una sesión el 26
de noviembre para Savoy Records
y le pidió que lo acompañara. La
sección rítmica se compondría de
Curley Russell, Max Roach y el
pianista Argonne Thornton. La sesión se convirtió, sin que ninguno
de ellos lo sospechara, en un acontecimiento. Trece sesiones, trece
vehementes sesiones, trece alientos
inagotables. El resultado de la primera de ellas hizo que Savoy la
considerara como la grabación más
importante en la historia del jazz:
Billi’s Bounce, Now’s the Time,
Meandering, piezas que se grabaron aquella noche.
Uno de los motivos del éxito inesperado fue el hecho de que
en lugar de tener a cinco virtuosos
confiados y ensayados, el grupo
se movió a una estructura con un
núcleo de tres: Parker que estaba
en ese momento quizá en el lugar
más alto de su maravillosa inventiva, Curley que intuía el camino
laberíntico del Bird y Roach, quien
aunque era un año más joven que
Miles, había crecido en el seno del
bebop y lo entendía a la perfección.
Gillespie, quien para ese momento
era el principal trompetista de la
época (incluso por encima del mismo Armstrong) tocó el piano y Miles, aún inmaduro pero confiado,
tomó la trompeta.
Gillespie conocía lo suficiente
el piano como para poder seguir la
melodía a la perfección, pero era
incapaz de trabajar un solo con soltura. Miles era moderado con sus
frases: inseguro. Paradójicamente
fue esa falta de virtuosismo en la
trompeta y en el piano lo que llevó
a Parker a una calidad, elegancia
y profundidad en cada una de sus
ejecuciones. Cada nota, cada frase,
cada figura tenía un sentido pleno.
Su rango de expresividad era inmenso. Era música que nunca se
había escuchado. Era un pájaro que
se abría a la noche. Incluso en los
momentos más trepidantes se puede escuchar su voz firme, relajada,
deja reposar el sonido vuelto nube,
suspendido en el vacío.
[email protected]
pasapáginas
AGUSTÍN DELGADO
Michel Faber vive en las Scottish
Highlands y se siente incómodo
en medio de la gente. Posee un
pequeño estudio en Glasgow que
raramente visita: encuentros espo-
rádicos con su editor o alguna rara
entrevista (en promedio cinco años
entre una y otra). Gasta su dinero
en discos de segunda mano. Su
grupo favorito es aquel famoso de
avant gard prog jazz e izquierdas
italiano, Le Orme. No acepta anticipos de ninguna editorial hasta
que hayan leído la obra y la quieran
publicar de verdad. No es ningún
Tony Parsons.
Michel Faber es amigo de
Brian Eno. Lo conoció después de
enviarle una carta acusándolo
de hipermetropía cultural cuando
escuchó su opinión en un programa
de etnomusicología, a la que siguió
una interesante correspondencia sobre el canto de salmos cristianos en
Camerún. La intrigante ficción de
Faber condujo a Eno a musicalizar
uno de sus cuentos, The Farenheit
Twins, cuarenta y cinco minutos de
árticos paisajes sonoros y la narración de un par de gemelos de nueve
o diez años, Marco’cain y Tainto’lilith, en el Polo Norte sobre un
ritual para enterrar el cuerpo de su
madre.
Michel Faber es amigo de David Mitchell. Casi lo único contemporáneo que lee Mitchell. Se conocieron en el encuentro de escritores
de ciencia ficción organizado por
The Symphony Space, a solicitud
de Mitchell. Scarlatti, Davies, Freddie Mercury, La Montaña Mágica,
speculative fiction, la literatura de
masas, high-low brow. La anécdota en el hostal durante la feria del
libro de Gotemburgo o la casa de
citas en Grecia.
The Strange Book of New
Things es, sobre todo, una historia de amor y fe (en su opinión,
quién mejor que un ateo para escribir sobre religión). El personaje principal, un exdrogadicto pastor anglicano en un nuevo planeta
PARTEAGUAS
111
COLUMNAS
Oasis, pondera cumplir su misión
original, difundir las enseñanzas
bíblicas a los deformes, humildes
e introvertidos nativos a cambio de
comida para la pequeña colonia
de humanos, mientras en la Tierra
su esposa embarazada trata de sobrellevar su ausencia a la par de
cataclismos e infortunios. Tuit
perfecto: Poisonwood Bible + The
Sparrow #PitMad #SFF. Referencias: A Canticle for Leibowitz, A
Case of Conscience.
Michel Faber no escribirá más
novelas, porque como el hombre
inteligente que es nos dice que ha
llegado al límite. Ha escrito todo lo
que vino a escribir a la Tierra y no
quiere repetirse. Dice que la literatura no sirve, escribir no ayuda a
nadie, no vale la pena escribir algo
que su esposa no leerá nunca más.
Seguirá escribiendo para sí short
stories que no verán la luz, porque
nadie las compra. Esperemos que
como lo cree Mitchell, Faber esté
equivocado.
[email protected]
Lo normal de
lo anormal
(o viceversa)
ERÉNDIRA HERNÁNDEZ
VELASCO
Las emociones son procesos físicos y mentales, neurofisiológicos y
bioquímicos, psicológicos y culturales, básicos y complejos. Por esta
razón el amor es una emoción tan
compleja de explicar y la búsque-
112
PARTEAGUAS
da o encuentro del ser amado, una
experiencia difícil de comprender.
Friedrich Nietzsche lo expresa mejor al decir que “en el amor siempre
hay algo de locura, mas en la locura siempre hay algo de razón”.
La psicología evolucionista y
el estudio de las neurociencias
han comenzado a incursionar en
un tema casi reservado tradicionalmente para los filósofos y los
poetas aportando interesantes elementos que nos ayudan a ir comprendiendo mejor esta compleja
emoción llamada amor, signifique
amor lo que signifique. Aunque el
refranero popular parece acertar
cuando propone que “es una locura amar, a menos que se ame con
locura”. Los procesos bioquímicos,
hormonas como la oxitocina y ese
mutuo gatilleo coevolutivo en las
relaciones de parejas a lo largo de
la historia han hecho que entender
el amor y el enamoramiento pierda exclusividad en la poesía y comience ahora a comprenderse y
dilucidarse desde otras áreas.
Eduardo Calixto, doctor en
neurofisiología, explica que lo que
provoca la sensación placentera del
enamoramiento es la secreción del
neurotransmisor dopamina. Algunos psicólogos evolucionistas señalan que buscamos una persona que
sea genéticamente buena candidata
para darnos una descendencia sana
y fuerte, y según Helen Fisher el
amor evolucionó por una razón
importante: “enfocar tu atención
en una sola persona y comenzar el
proceso de apareamiento”; explica
además que existen tres variantes
del amor: el sexo, el amor romántico y el cariño o lazo emocional,
aunque cada uno activa diferentes
químicos y estructuras cerebrales.
Los neurocientíficos explican
que los centros neuronales que se
activan cuando vemos a la persona
amada son los mismos que se activan con el consumo de alcohol,
tabaco y otras sustancias adictivas.
De hecho se ha encontrado que las
pautas cerebrales de un enamorado
son las mismas que las de un obsesivo compulsivo. Sin embargo,
el amor es cualquier cosa menos
racional, quizá por esto los griegos
lo definieron como “la locura de los
dioses”.
Si nos preguntan cómo es nuestra pareja ideal decimos cosas que
en ocasiones resultan contradictorias con lo que buscamos. Quizá
porque aquello que buscamos no
es, como muchos piensan, guiado
únicamente por el deseo (nombre
que solemos darle a la dopamina,
oxitocina y otras sustancias químicas) sino por las pautas. Algunos
psicólogos las definen como patrones de conducta, algo que se repite
con frecuencia. Tenemos pautas de
búsqueda de alimento, afecto, entre
otras.
Nuestro cerebro no distingue
sexos sino relaciones. El amor no
es exclusivo de la fisiología y química cerebral, vivimos en un mundo de creencias y costumbres que
nos dicen cómo actuar pero que
muchas veces generan conflictos,
contradicción o patologías. La química en nuestro cerebro, la historia
de nuestros ancestros a través de
nuestros genes, y la cultura, contribuyen a entender por qué cuando
nos enamoramos actuamos paradójicamente, incomprensiblemente.
O viceversa.
[email protected]
C O L U M N A S
Zombis
emmanuel ruiz c.
Íconos de nuestro
tiempo
Los zombis. Los muertos vivientes.
Cadáveres ambulantes hambrientos de carne y de cerebros, se han
convertido en una de las franquicias más rentables de los últimos
tiempos. Basta con buscar en la
red (guglear, dicen ahora, aunque
algunos le tengamos tirria a dicho
buscador dadas sus políticas de privacidad) para que aparezcan millones de resultados (142, dice, ahora
sí, Google) entre películas, libros,
canciones, juegos y casi cualquier
otro producto de entretenimiento
que pensarse pueda.
Desde los zombis precursores
que bailaban en un video de Michael Jackson hasta la comedia
Cooties que llegará a los cines en
septiembre de 2015 o la última
actualización del juego Plantas vs
Zombies (más de 100 000 000 de
descargas), la obsesión por estos
seres sobrenaturales ha creado un
mercado aparentemente ilimitado.
Acaso los nacidos en y después
de los noventa no lo sepan, pero
hace quince años apenas se hablaba de ellos. Desde el comienzo del
ascenso de su popularidad me he
preguntado ¿qué es lo que ven esos
millones de personas en las hordas
de cadáveres?
Creo que, en nuestro tiempo
de sobrepoblación planetaria, la
masa de zombis representa, sencillamente, al otro: un otro que se ha
vuelto una multitud indiferenciada
que amenaza siempre con devorarnos merced a su apabullante
superioridad numérica. Pero esto,
sin embargo, no es lo más interesante. Al menos éticamente, lo es el
que la fantasía zombi nos permite
ejercer una violencia válida y sin
límites contra ese otro. Las partes
más dramáticas (como en la serie
The Walking Dead) están asociadas
con el peligro de contagio de nuestros seres más cercanos, después
de lo cual nos veríamos obligados
a matarlos para sobrevivir. Se crea
entonces un diferencial entre lo
humano y lo no humano. Los zombis parecen humanos, conservan
el aspecto físico (si bien algo deteriorado por la putrefacción) de la
persona que fueron, en cambio, han
perdido todos sus rasgos de personalidad y los han sustituido por un
hambre insaciable, bien de carne
humana o bien de cerebros, según
la versión. A partir de ese momento
está bien hacer aquello que antes
hubiese sido un tabú y un delito:
dispararles a la cabeza, cortarlos
en pedazos con machetes, hachas
o motosierras, pasarles encima con
un vehículo, quemarlos con un lanzallamas. En todos los casos, sea
un juego, un libro, una película,
una marcha, la garantía es que habrá mucha sangre (porque sangran
bastante a pesar de no estar vivos),
vísceras, una violencia explícita
que nos muestra a una persona mutilando y asesinando a otra persona
que ha perdido, recientemente por
lo general, su estatuto como ser humano.
Por su parte, fenómenos como
las marchas zombis (zombie walks,
como las llaman en inglés) muestran que hay miles de personas dispuestas a maquillarse y encarnar a
un muerto viviente, desdibujándose más de esta manera las fronteras
entre las oleadas ficticias y las reales (factor que, dicho sea de paso,
parece ser parte del fenómeno mismo: recuérdese si no el libro Zombi: Guía de supervivencia, de Max
Brooks, listado como bestseller
por el New York Times y donde el
autor habla de supuestas oleadas
históricas que habrían diezmado
poblados y hasta acabado con civilizaciones enteras desde 6000 a.C;
o de la entrevista ficticia que The
Weather Channel le hace a un funcionario acerca de los efectos que
tiene el clima en los no muertos).
Puede que se trate, entonces, de un
símbolo de nuestro tiempo, de cómo nos sentimos rodeados por una
turba hostil dispuesta a engullirnos,
y también de una fantasía que nos
permite asesinar impunemente a
multitudes de no-personas para sobrevivir. Fantasía compartida, según parece por cientos de millones
en el mundo.
@euric3
PARTEAGUAS
113
T H E M A
DESIDERIO
MACIAS SILVA
Y LA POESÍA
SOCIAL
ROBERTO BOLAÑOS GODOY
La poesía social, poco socorrida en el
medio mexicano, tiene en Desiderio
Macías Silva a un representante sólido,
quien a pesar de haber comenzado
bajo la influencia clara de la estética
del siglo xix llegó a evolucionar
hasta la creación de poemas
decididamente comprometidos con
las convulsiones sociales y las violentas
transformaciones que tenían lugar en
el México de los años sesenta.
Entre las innumerables quejas a las que suelen recurrir quienes insisten en el carácter anacrónico
de la literatura mexicana, además del estancamiento
estético, está el conservadurismo ideológico: una de
las cartas más recurrentes para los apocalípticos. Si
bien podría decirse que ha logrado ganar el bando del
“arte por el arte” y que, desde el declive del comunismo a nivel global, el compromiso social explícito
en la literatura suele leerse con sospecha, atribuírsele ingenuidad o restársele jerarquía artística, esto
no ha impedido que siga reflexionándose al respecto
de las posibilidades expresivas y temáticas de problemática, valga el siguiente trinomio, social-político-ideológica en la literatura.1 Tampoco que se haya
escrito literatura que, con total seriedad, aborde las
problemáticas sociales. El que la literatura de tinte
“social” haya sido minoritaria es otra cosa, pero el
que la expresión de este tipo de temas haya tocado
incluso a escritores de la provincia es algo que no
puede pasarse por alto.
El caso de Desiderio Macías Silva coincide con
este perfil y además precisa algunos detalles importantes. Nacido en el municipio minero de Asientos,
Aguascalientes, Desiderio Macías Silva cruzó el
siglo xx. Nació en 1922 y murió en 1995. Correspondía a la generación posterior a Octavio Paz, José
Revueltas y Efraín Huerta, es decir, que nació en la
1
Al respecto, recomiendo la lectura del ensayo “La revolución es el opio del pueblo. (Alguna) poesía social (y militante) durante el cambio de siglo en México”, de Julián
Herbert. Texto incluido en Caníbal. Apuntes sobre poesía
mexicana reciente (Bonobos, 2010).
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década en que nacieron, a su vez, influyentes escritores como Jaime Sabines, Rosario Castellanos, Rubén
Bonifaz Nuño, Eduardo Lizalde, Tomás Segovia, Antonio Alatorre, incluso Carlos Fuentes. A la mayoría
de ellos incluso les precedía en edad pero nunca los
alcanzó en desarrollo literario, ni ha igualado tampoco el alcance de su influencia.
Desiderio Macías Silva, sin embargo, no era un
escritor del siglo xx, sino uno del xix o, en el mejor
de los casos, habría sido un escritor vanguardista en
el siglo xix. Le pasó lo que muchos escritores de provincia llegan a sentir alguna vez: que nació demasiado tarde y demasiado lejos de todo cuanto le parecía
estimulante a su sensibilidad. Dado este contexto, su
desarrollo literario, incluso en su edad madura, expresaba una simpatía nostálgica por formas literarias
en desuso. Resulta revelador el encandilamiento de
Macías Silva por las imágenes fulgurantes, los sustantivos ígneos, los registros grandilocuentes y las
estructuras básicas. Por ejemplo, el poema “Tau”, el
último del volumen Jaspe y Sardónix, editado por la
uaa en 1981, consiste en lo siguiente:
Surtidor de catorce llamaradas
con que, hirviente lagar, danzante vino,
palmo a palmo la noche asolferino
en candil de catorce carcajadas.
Si artificio de hieles desolladas
en tu hidrógeno astral me atorbellino,
es por ver de pegaso esmeraldino
tus catorce lumbreras desplegadas.
Mas azul en incendio aquí me augura
de esplendor y de gozo en desmesura
galopante vitral: su rostro encalla
en deshielo de hollín diamante vivo,
y andanada de oro intempestivo
en catorce relámpagos estalla.
Desiderio Macías Silva tiene 59 años al momento de
publicar este libro de poemas conformado por piezas
de corte similar. La misma edad a la que un poeta
ya debiera mostrarse maduro, visionario. Lo digo
sin malicia, con mero afán descriptivo. La poesía
de Desiderio se apegaba a formas clásicas que hasta
los modernistas se habían dedicado a subvertir; se
apoyaba en imágenes, recursos y vocabulario que,
si bien volvió característico, no podía negar sus
influencias evidentes, muy poco asimiladas y trabajadas, me temo.
De izquierda a derecha, Desiderio Macías Silva, tercero, Salvador
Gallardo Dávalos y Lázaro Cárdenas. Colección Salvador
Gallardo Topete.
También resulta típico de la solemnidad tan justamente señalada de la que adolece muchas veces la
literatura mexicana. Luis Felipe Fabre consiguió exponerlo de forma elocuente, y no carente de ironía,
en el prólogo de Divino tesoro. Muestra de nueva
poesía mexicana,2 cuando acuña la polémica categoría crítica que tuvo a bien llamar “el poema mexicano promedio”, el cual, a su criterio, es: “solemne,
formalmente impecable, aséptico, apolítico, pretendidamente atemporal y sublime, tradicional con uno
que otro detalle moderno: bellísimas aves surcando
el éter”.
Una lectura superficial bien podría insertar la
poesía, obra de toda una vida de Desiderio, en este
cajón de adjetivos ocurrentes. Pero una mirada atenta
no podrá ignorar que hay excepciones interesantes y
atípicas en la obra desideriana. Particularmente me
refiero a dos poemas escritos y publicados en dos
momentos distintos, con al menos veinte años de diferencia.
En Pentagrazul, editado por el Instituto Cultural
de Aguascalientes en 1980, predominan las formas
de composición métricas; el poema que me interesa
es una décima, por lo cual el contraste es todavía más
2
Fundación del Centro Histórico de la Ciudad de México,
2008.
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notable: lo convencional y lo contestatario en una
unidad verbal que, cual canción de protesta, posee
una gracia y cadencia memorable. El poema es éste:
América carmesí
de mi rabia y mis anhelos.
América de Morelos,
de Bolívar y Martí:
Tú dices qué haces de mí.
̶ Tú lo dices, novia clara ̶
Y América hollín la cara
fugitiva por los Andes:
Mis hijos cuando sean grandes
que sean como el Che Guevara.
No pretendo hacer un comentario exhaustivo, sino
señalar el carácter romántico (decimonónico) del
poema. Me parece pertinente en tanto que este poema
vindica la lucha revolucionaria como un ideal que,
si bien no queda claro qué tan cercana le resulta al
poeta, no deja lugar a duda de que para él es un acontecimiento de relevancia suprema. Están los símbolos
históricos (Morelos, de Bolívar y Martí) y un poderoso modelo revolucionario reciente (el Che Guevara)
como ideales potenciales para las generaciones venideras. Un poema exaltado que, sin embargo, está
escrito con una simpleza léxica y sintáctica muy poco
común en la obra del galeno. Me siento tentado a señalar que su tono y objetivo confluyen en expresar
una esperanza social necesarísima dados los tiempos
que corren.
Por el contrario, en 1972, en pleno sexenio de Luis
Echeverría, y en el apogeo de la guerra sucia (cuando más que nunca en la historia del país una opinión
desfavorable contra el régimen valía la persecución
sistemática de la policía secreta mexicana), Desiderio Macías Silva tomó la determinación valiente de
escribir e incluir en el libro, que enviaría al concurso
de poesía más importante del país, un poema de dolor
e indignación social, que si bien es alegórico y poco
explícito, la sola mención directa en su título de los
acontecimientos de apenas cuatro años atrás, insisto,
en un contexto tan represivo, no era cualquier cosa.
El poema se titula “Pausa de horror por Tlatelolco”,
y está incluido en Ascuario (1972):
Todo se fue poniendo blanco:
Los niños amortajados
En la última leche de sus madres,
La lista de los amigos,
La lista de los hermanos.
116
PARTEAGUAS
Todo se fue
Poniendo blanco.
Cuando el arcángel último
Petrificó el ardor de su galope
Bajo una lápida de hielo,
El gran dador de la muerte
hizo sobre la selva
un aspersorio de palomas.
Poema impensable en otros países y otros regímenes,
incluso de la actualidad. Afortunadamente el texto
pasó inadvertido para la censura del sistema, lo que
permite leerlo con perspectiva histórica y ponderar
su valor literario. Como me parece que Ascuario es
el libro desideriano de mayor actualidad y calidad,
este poema me genera mayor interés. No sólo está
mejor construido, es más complejo conceptualmente,
no adolece de la ingenuidad idealista de la décima
que he comentado antes, sino que el tono monocorde y adusto con el que fue construido esconde la intención verdadera del poema: la denuncia, la indignación y la beligerancia social de una voz que logra
hacer lo que los tiranos no: explorar, aunque sea de
forma fugaz, la perspectiva final de un asesinado que
ve el mundo por última vez antes de desvanecerse, y
cómo es que lo último que contempla es desolación
y muerte. Pausa de horror por Tlatelolco no necesita
hacer retratos pormenorizados porque a Macías Silva
le queda claro que la palabra y la metáfora son las
armas intangibles y, por lo mismo, más efectivas porque permanecen. Y que esconder mensajes por medio
del lenguaje de la poesía es la mejor manera de expresar, a la vista de los opresores, la disidencia social.
Sin duda estos poemas ayudan a que la obra de
Desiderio Macías Silva sea leída con otros ojos por
nuevas generaciones que, con acontecimientos como
la desaparición de los 43 estudiantes en Ayotzinapa,
han despertado una conciencia social de magnitudes
inéditas. Esta vertiente de la poesía de Desiderio Macías Silva quizá sea, ahora, más que necesaria.
T H E M A
IMPORTANCIA
DE LA OBRA POÉTICA
DE DESIDERIO
MACÍAS SILVA
RICARDO ESQUER
Arrojo temático, innovaciones
técnicas o amor por la vanguardia
son algunos parámetros en uso a la
hora de medir la relevancia de una
obra y un artista. Sin embargo existen
otras perspectivas menos socorridas,
pero igualmente trascendentes. Una
de ellas es la manera en que arte y
vida se entrecruzan desdibujando sus
fronteras. Desde esa óptica escribe
Ricardo Esquer este texto en justo
homenaje a Desiderio Macías Silva.
Hace cuatro décadas, Eugenio Montale, al recibir el Premio Nobel, habló de la poesía como algo
inútil y siempre amenazado por la comercialización.
Deploró la adoración del espectáculo y que el silencio apto para la reflexión tienda a desaparecer bajo la
ola de ruido en que se ha convertido nuestro mundo,
entregado al culto a lo inmediato y fácil. Además de
sus vínculos con una actividad reflexiva y su carencia
de utilidad, la poesía se caracteriza por vivir amenazada, perseguida por la lógica del mercado. En un
mundo que quiere reducir la vida a las leyes de la
oferta y la demanda, muchas veces, la conservación
del espacio para la libertad creadora puede acarrear
problemas con las exigencias de obediencia ciega a
las reglas del sistema.
Ante tanta hostilidad, un punto favorable a la
poesía en general se encuentra en la diversidad de
sentidos que el término encuentra entre distintos lectores. Esto excluye las ideas erróneas como la de que
lo poético reside en las rimas o en cierto lenguaje.
Y se refiere al hecho simple de que, entre quienes
leen poesía, existen algunos que le atribuyen la capacidad de expresar y transmitir ideas elevadas y sentimientos profundos, o la consideran la conciencia de
la tribu, o una idealización de aspiraciones y deseos
comunes. Esta diversidad de interpretaciones se basa
en lecturas efectivas de obras publicadas, y permite
que más obras circulen entre más gente.
Sin embargo, la poesía sigue sonando en jardines
minoritarios. La utilidad que puede prestar no coincide con la económica, en la que pensaba Montale. Resulta más útil, simbólica, emotiva, lúdicamente que
PARTEAGUAS
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T H E M A
De izquierda a derecha, primero Víctor Sandoval, quinto, Salvador Gallardo Topete; primero de la derecha Desiderio Macías Silva.
Colección Salvador Gallardo Topete.
en sus aspectos jurídicos o económicos. Pero esto no
podía sospecharlo el viejo poeta italiano, basado en
una visión conservadora del arte y de la poesía, una
de cuyas mayores virtudes consiste en señalar con
mayor énfasis los puntos donde las amenazas contra
la poesía se anuncian con mayor inminencia, dada su
mayor sensibilidad a las rupturas con los dictados de
la tradición, fundamental en todas las doctrinas artísticas.
En este contexto, la obra poética de Desiderio
Macías Silva adquiere proporciones mayúsculas. Porque, como se verá en seguida, parte de una concepción de poesía que la convierte en una dimensión
particular de la realidad, mucho más amplia que la
página escrita. Gran parte de lo que sigue se basa en
la convivencia directa con el poeta, el maestro y el
amigo.
Desiderio Macías Silva escribió y publicó poemas,
pero también, aunque en menor medida, artículos,
ensayos y textos didácticos. Si dejó textos inéditos
o en proceso, lo pueden determinar los estudiosos de
las carreras de Letras Hispánicas. Lo importante aquí
estriba en la consideración de la poesía en su sentido
más amplio, de acuerdo con un enfoque que deja de
identificarla con la escritura en verso y la encuentra
en la experiencia vital. Nuestro poeta fue también un
hombre de letras, promotor cultural, funcionario y
personaje prestigiado: es el único poeta de Aguascalientes que ha ganado el Premio Nacional de Poesía,
hoy Premio Bellas Artes de Poesía Aguascalientes.
Así, este acercamiento a la obra desideriana pretende valorar su importancia como poesía poética
publicada y leída, también como actitud vital, ma-
118
PARTEAGUAS
nifiesta en la vida cotidiana de quienes tuvimos la
buena fortuna de convivir con él. Pero también como
expresión en la esfera cultural de la vida comunitaria
de nuestra ciudad, cuyos efectos podemos medir en
los cambios reconocibles en la producción, difusión
y consumo de la cultura artística y literaria de Aguascalientes y la región.
Por eso podemos decir que la obra que nos reúne se extiende más allá de lo que escribió y publicó
un hombre singular, incluyendo la influencia que su
trabajo ejerció en su entorno, en quienes se relacionaban con él y aun en quienes nada sabían ni querían
saber de su existencia. Sus aportes se explican en el
contexto de un proceso de largo plazo, en el que participó activamente, esforzándose por mejorar el sitio
que el arte, las letras, la ciencia, la historia y en general el conocimiento y el saber ocupan en nuestra
sociedad. Desde luego, sintió de cerca la indiferencia
y aun la hostilidad hacia estas expresiones por parte
de ciertos grupos e individuos.
Para decirlo de una vez, la importancia de la obra
desideriana consiste en darle a la poesía un sentido
más extenso y profundo que el limitado a la página
escrita –y leída–, para realizarse en la vida misma, a
partir del principio de que la poesía sirve para vivir
o no sirve para nada. En esta concepción, la poesía
ocupa un lugar central como la más elevada expresión de la libertad y la creatividad humanas.
Desiderio Macías Silva compartía con otros hombres de su generación (Víctor Sandoval, Salvador
Gallardo Topete, Guillermo García Varela) una gran
fe en las bondades del ser humano y una esperanza en
su mejoramiento a través de la educación, el arte y la
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De izquierda a derecha, tercero, Desiderio Macías Silva, Salvador Gallardo Dávalos, Germán Lizt Arzubide
Colección Salvador Gallardo Topete.
cultura. Concretamente, consideraba una tarea básica
de nuestra época construir una conciencia histórica
que nos permitiera superar el estadio del capitalismo
y de la sociedad de clases con todas sus consecuencias negativas: egoísmo, ignorancia, ambición de lucro, desigualdad, miseria, injusticias…
El poeta entró en contacto con el Grupo Paralelo,
liderado por Salvador Gallardo Dávalos, cuando la
agrupación ya se había formado. Pero Macías Silva
había adquirido una sólida formación humanista desde antes, como resultado de su paso por el seminario, lo cual le aportó elementos para desarrollar una
concepción libertaria de la humanidad, la sociedad,
la poesía y la cultura. En esta concepción se reunían
las inquietudes sociales de los jóvenes atraídos por la
revolución cubana y el sentimiento antiimperialista
de los pueblos sometidos al imperio del dólar.
Estos hombres compartían una visión de la humanidad que promueve casi todo lo que niega el
actual orden económico: la posibilidad de decidir
libremente sobre nuestro destino, el desarrollo de
nuestras potencialidades, la alegría de vivir, la fe en
la solidaridad humana. En suma: el viejo sueño de
convertirnos en sujetos de nuestra historia, protagonizar nuestra existencia enriqueciéndola en la medida
de lo posible. Y borrar las fronteras entre la poesía y
la vida.
Congruente con esta raíz romántica o utópica,
Desiderio Macías Silva era poeta en todo momento,
no sólo al escribir. En contra de las ideas que separan
a la vida de la poesía, las consideraba como partes de
lo mismo, pero en distinta dimensión. Así, hablamos
de la dimensión poética de la vida o de la dimensión
vital de la poesía, para referirnos a sectores de la realidad separados por el enfoque bajo el que una y otra
aparecen o desaparecen de nuestra vista. Enfocamos
para entender.
Pero entendemos parcialmente, por abstracción,
separando lo entendido del todo del que forma parte, y reduciendo sus cualidades a lo que nos interesa
entender. En cambio, la poesía no se dirige a nuestro entendimiento, aunque éste meta sus narices en
todo, creyendo que por asomarse puede explicar lo
que atisba desde su ventanita. La poesía se dirige a
otra capacidad humana, “más humana” que el entendimiento, y que responde a leyes ajenas a la razón
lógica: la sensibilidad, que responde a las leyes de
la imaginación y la emotividad, el sueño y el deseo.
En Ascuario, que en 1972 le dio a su autor el Premio Nacional de Poesía, “Este relámpago” dice: “lo
enciendo // no / para / que / lo entiendas // sino/ para /
que ardas / y transfulgures / de / él” (página 54).
Este arder en el relámpago de la poesía abre para
todos los que la leen la posibilidad de comprender
la unidad de lo creado, con una buena dosis de intuición. Y para el poeta, la posibilidad de producir
nuevos poemas.
Y la escritura deviene pasión incendiaria: “Quizá/
no digo nada; / pero arde / el tintero, / y el papel / y
la pluma. // Arde la subsintaxis / –las / subespecies
/ arden– // y es por eso/ que escribo” (“Quizá”, página 70).
En esta conflagración se destruye la realidad conocida y se produce una realidad nueva. En el poema,
el incendio arrasa con el lenguaje, y al mismo tiempo
se enciende la llama poética. En “Deslumbre”, más
PARTEAGUAS
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T H E M A
Reunión con el presidente Luis Echeverría, a su izquierda, Víctor Sandoval, Mario García Navarro y Desiderio Macías Silva
Fototeca agica.
atento a la luz que al fuego, ubica sin embargo su
origen en nosotros: “Penetradas de nuestro mediodía/
las cosas / desaparecen” (página 80).
Este mediodía ya no se refiere a la hora en que el
sol se encuentra en el cenit, sino a la intensidad de
la luz, alusión al nivel en el que se produce el fuego
que destruye “las cosas” y nos pone en escena, como
protagonistas del acto poético.
Es decir, para Desiderio Macías Silva la poesía
corresponde a un estado del ser que se puede expresar con palabras, pero también con sonidos, colores,
volúmenes y sus combinaciones, con y sin movimiento. Y esto no sólo a través de fórmulas artísticas,
sino en todo momento. Se puede ser poeta aunque no
se haga arte.
Ascuario da oportunidad de mencionar otro aspecto de la poesía desideriana: su relación con “la
realidad”, porque no es mimética en el sentido de que
imite el mundo tal como es, sino porque imita la forma
en que el mundo produce los seres que lo habitan, de
acuerdo con leyes propias. Igual que en Pentagrazul,
el título de la obra lo proclama a todas luces: si no
hay una palabra que nombre la visión del poeta, hay
que inventarla. Unos poemas resultan más “miméticos” e inmediatos como “Pausa de horror por Tlaltelolco”, o autobiográficos como en “Minerías”(71).
Pero en todos persiste la transfiguración poética y
en algunos predomina la abstracción que construye realidades propias, como en “Pausa vacío” (67),
120
PARTEAGUAS
“Quizá” (70), “Niegan que sea tu imagen” (72),
“Deslumbre” (80).
Evidentemente, encontramos las imágenes de
la luz: fuego, estrella, sol, relámpago, chispa; y sus
reflejos: espejos, azogue, piedras preciosas, agua,
cristal como expresión de vida, libertad, creatividad
activa.
Finalmente, en toda la obra de Desiderio Macías
Silva hay un ánimo de observar el mundo desde un
lugar donde no hay oposiciones. En el libro lo declara
la cita de André Bretón al principio (todo hace creer
que existe un cierto punto del espíritu desde el cual
la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, el pasado
y el futuro, lo comunicable y lo incomunicable, dejan
de ser percibidos contradictoriamente), y lo muestra la persistencia de la luz como expresión de una
actividad creadora que nos permite superar nuestras
propias contradicciones, incluso al final, en “No tuve
más que luz”: “Pero aquí / se quebró / una taza de
soles, / ¡y qué saltar / ardiendo / las letras / de estas
páginas” (107).
Esta idea sustenta el lema universitario: la luz,
expresión poética de lo mejor de nosotros, como producción de las nuevas generaciones y muestra tangible de que no hay diferencia entre vida y poesía.
T H E M A
UNA LUZ
DESFASADA
JORGE TERRONES
Jorge Terrones reflexiona acerca
de cómo la llegada de internet
contribuyó a la desprovincialización
de Aguascalientes y cómo, en ese
contexto, se puede considerar que
Desiderio Macías Silva se vio obligado
a lidiar contra las condiciones de su
época, a pesar de las cuales logró
forjarse poeta y dejar su legado
Veo en Desiderio Macías Silva a un escritor que
en general desvinculó su época de su obra: mientras
su vida navegó por aguas del siglo xx, su poesía, al
menos en un inicio, lo hizo por las propias del xix.
Esto me lo confirma la evolución que vemos de un
poeta con clarísimas influencias del romanticismo
español, a un poeta con un poco más de solidez. Parece como si la lírica de Macías Silva hubiera perdido
un primer tren y se hubiera subido a un segundo o un
tercero: llegó tarde a la edad moderna.
Varias entrevistas que he sostenido con algunos
intelectuales que han sido testigos del cambio –en los
fenómenos artísticos y en el discurso estético de esta
ciudad–, me han hecho reflexionar sobre la transición
de una provincia hermética, volcada hacia sí misma,
desfasada de los discursos modernos y sin ningún
atisbo de contemporaneidad, a una ciudad desprovincializada y con claras pretensiones de mirar hacia
afuera. Esto presenta tres divisiones generacionales
(quizá me quede corto): la generación que nació y
creció como provincia; la generación que vivió la
transición sin darse cuenta; y la generación absolutamente contemporánea. ¿Qué años abarca cada una?,
¿quiénes caben en esas categorías?, ¿qué particularidades presentan y cómo se diferencian entre sí? De
momento sólo tengo intuiciones y me temo que no
debo contestar esas preguntas. Sin embargo, la palabra que asocio con las últimas dos generaciones es
internet.
Las ventanas modernas por las que entraba el aire
de otros mundos, otras voces, otras entonaciones, en
los círculos que me interesan, el literario y el artístico,
PARTEAGUAS
121
T H E M A
Desiderio Macías Silva
Biblioteca central “Desiderio Macías Silva” en la
Universidad Autónoma de Aguascalientes.
eran dos: las publicaciones impresas y las exposiciones. Si uno quería conocer y debatir ideas –y vivía
en un centro cultural privilegiado, y no quería o podía viajar– esas eran las dos opciones para hacerlo.
Lo anterior vale para la Ciudad de México, no para
Aguascalientes.
¿Qué es “centro” y “periferia”? Dos abstracciones en tensión donde hay, de un lado, un discurso
dominante, y de otro, uno que lo replica. En nuestro
caso es obvio que la capital del país es el centro y
Aguascalientes la periferia (el d.f., a su vez, no se
salva de ser una provincia a escala global: New York
podría ser el centro y el d.f. una de las tantísimas periferias). Es decir: quien vivía en las periferias más
marginadas, tenía una vida fuera de las construcciones, digamos, de vanguardia. Eso explica el desfase
entre países y ciudades. Más exacto: el desfase de
épocas y estéticas entre países y, en consecuencia,
entre ciudades.
¿A dónde voy con estos apuntes entre modernidad y contemporaneidad? Que me asombra leer en
122
PARTEAGUAS
Desiderio Macías Silva a un poeta profundamente
decimonónico en pleno siglo xx, cuando el discurso
de la modernidad se empieza a agotar y la contemporaneidad comienza a asomarse. ¿A qué generación
pertenece Macías Silva? A la generación que habitó
una provincia, en el peor de los sentidos, y sus intenciones artísticas tuvieron que conciliarse con lo que
había, que estimo era poco.
Al parecer la ciudad de Aguascalientes, en términos estéticos, comenzó a desprovincializarse, como
muchas otras ciudades mexicanas, cuando llegó internet. La generación de Macías Silva, Sandoval,
Gallardo, y tantos otros, tuvo que conformarse con
lo que estaba a su alcance. Si se me permite el atrevimiento, considero que esto es inadmisible en nuestra
época: no hay disculpa para el poeta que únicamente
bebe de las aguas de su tierra. Así entonces, creo que
es válido afirmar que Macías Silva se hizo poeta, no
con ni por, sino a pesar de Aguascalientes. Si tardamos tanto en ver a un poeta crecer, fue por las condiciones contextuales de sus primeros años como lector. Esto lo padeció su obra. Creo que es hora de que
aceptemos que Macías Silva es un buen poeta menor.
Víctor Manuel Peña Lucero
Testimonios de un camino oculto, piezas A y C
Tinta y acuarela sobre papel,
70 x 128 cm, 2014
Aguascalientes
xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven, 2015
Á G A P E
Canto cARDENCHE
ENTREVISTA CON LOS
CARDENCHES DE SapioriZ
Fotografías de Gustavo Sifuentes
Los Cardenches de Sapioriz , en el Cuartel del Arte, Casa de la Cultura “Víctor Sandoval”, 2015
El canto cardenche, tradición que ha
pasado de una generación a otra, está
en peligro de desaparecer. Guadalupe
Salazar, Antonio Valles, Fidel Elizalde y
Genaro Chavarría, mejor conocidos
como Los Cardenches de Sapioriz
, depositarios de este legado, han
asumido la misión de no dejarlo morir.
Bajo esta consigna han conseguido
admirar audiencias en Nueva York,
Washington y París, además de dirigir
un taller donde los jóvenes se inician
en este arte de nuestros abuelos.
Ellos lo explican mejor.
124
PARTEAGUAS
El canto cardenche es música que se canta a capela, es polifónica y al parecer tiene sus orígenes en la
música religiosa del siglo pasado, específicamente
la música de las pastorelas. Originalmente, el cardenche se cantaba en las esquinas y en los cerros de los
pueblos del norte de México por amigos que se juntaban a tomar después de trabajar en el campo. Hoy
sólo quedan Los Cardenches de Sapioriz .
En la entrevista los tres últimos representantes de
este canto hablan de su experiencia íntima y de todo
lo que les ha dado el cardenche. “Este canto nos ha
traído muchos buenos momentos, poder vivir ratos
muy alegres, andar conociendo partes que ni en sueños nos imaginamos; entonces, nosotros nunca hemos querido quitarle ese origen que tiene y lo hemos
enseñado a capela a las nuevas generaciones para seguirlo difundiendo por distintas partes de la república
y del mundo”.
Á
El cardenche se canta a tres voces: voz primera,
voz de arrastre, y contralta. La primera es la que lleva la canción y lo que podría llamarse el ritmo de la
pieza, la de arrastre es una voz grave y dramática,
y la contralta es un requinto agudo y lamentoso que
alcanza notas muy altas y provoca una sensación dolorosa entre quienes la escuchan.
Ellos profundizan en el modo en que se canta.
“El canto cardenche se compone de tres voces; la
primera, de arrastre, que es la que da Lupe; luego,
la segunda, primera fundamental, y luego yo doy la
contralto. Son tres voces: la primera fundamental es
la que lleva el canto, el arrastre y la contralto, arrastran y adornan el canto; es una tradición oral que data
de doscientos años atrás y se ha pasado de generación
en generación, desde nuestros tatarabuelitos, hasta
llegar a nosotros. Nosotros tuvimos la fortuna de escuchar a nuestros padres cantar estos cantos, esta tradición oral sin instrumentación porque en su tiempo
el canto lo hacían nuestros abuelitos que trabajaban
en las haciendas; ellos nunca tuvieron el privilegio de
poder usar un instrumento por falta de recursos, porque ellos vivieron en una pobreza extrema, entonces
nosotros quisimos llevar esta tradición tal como ellos
nos la dejaron, sin instrumentación, porque ponerle
música era quitarle el origen y nosotros decidimos
llevar este canto tal como ellos nos lo enseñaron,
como ellos nos exigieron que lo lleváramos, un legado que nos dejaron y que nosotros a mucha honra
hemos seguido con él”.
Un legado que ellos mismos explican que no
siempre ha sido tan fácil defender. “Bueno, al principio tuvimos nuestros desaires; al principio la gente
no creía en nosotros. Nosotros somos campesinos,
nos dedicamos al campo, a la tierra, entonces, cuando llegaban esas invitaciones a Saltillo, a Monterrey,
a México, a veces nos decían: ‘¿a poco sí los llevan
en avión?’; ‘nombre, ¿pero cómo?, con esas canciones...’, sí, pues mira, así con estas canciones. Pero
luego tuvimos el premio a nivel nacional y estuvimos
en México con Felipe Calderón en el 2008; después
de ese premio se vino una serie de presentaciones,
ya no nada más a nivel nacional sino internacional;
entramos a las Cruces, a San Antonio, Washington,
estuvimos en el Misión, luego nos fuimos a Nueva
York y luego fuimos a París”.
Desde que se conocen, Guadalupe Salazar Vázquez, Fidel Elizalde García, y Antonio Valles, quienes integran este grupo, han cantado la música que
les heredaron sus padres, sus abuelos y sus bisabuelos. Sus viajes por distintos escenarios del mundo, les
G
A
P
E
Don Lupe, Guadalupe Salazar Vázquez
han permitido que su canto trascienda desatando la
emoción de todos quienes los han escuchado en vivo.
Su humildad les impide alardear de sus triunfos,
al contrario, los minimizan, asumiendo que todo lo
que han logrado es un honor. “Pues es muy bonito
poder recibir homenajes en naciones que no son la
de nosotros, en otras naciones donde nosotros nunca
pensamos que esta tradición fuera a ser tan escuchada; ver a la gente tan motivada y ver que esa gente
se para y nos pide otra y otra, y nosotros sentirnos
halagados”.
Además, hay músicos que vienen de otras tradiciones como el jazz, el rock, la música clásica, que
utilizan el canto cardenche también como base, y
para ellos esto es el fruto de su trabajo. “Saber que
Lila Downs y otros grupos internacionales están ya
mezclando la canción cardenche con sus instrumentos, dándole otro toque al canto es motivo de orgullo,
pero para nosotros lo más importante es que no se
pierda, seguirlo difundiendo; si no se puede como lo
hacemos nosotros y ellos lo quieren seguir de otro
modo, adelante, nosotros cuando escuchamos que
otros grupos interpretan canciones de nosotros nos
sentimos halagados”.
El cardenche, en todo su melodramático esplendor ranchero, está a punto de desaparecer. Y ellos se
resisten. “Esas experiencias nos motivan a continuar
con esta tradición y seguirla difundiendo a las nue-
PARTEAGUAS
125
Á G A P E
Los Cardenches de Sapioriz , de izquierda a derecha, Fidel Elizalde García, Antonio Valles y Guadalupe Salazar Vázquez
vas generaciones, a los jóvenes, a los niños; hemos
entrado a las escuelas, a las primarias, secundarias,
preparatorias, a difundir este canto entre las nuevas
generaciones, con la esperanza de que no se pierda”.
Y profundizan. “Nosotros al principio creíamos
que esto se iba a perder, que esto se iba acabar, que
por más que nosotros tratáramos de difundirlo se iba
a perder, pero no, gracias a Dios. Hemos hecho talleres en colaboración con el estado de Durango y con
las casas de la cultura de Lerdo y de Torreón y gracias
a Dios ya hay una nueva generación que le nombran,
precisamente, “La nueva generación”; es un grupo
de jóvenes que ya están practicando este canto. Nosotros tuvimos una beca del fonca de México para
hacer talleres y obtuvimos buenos resultados, gracias
a Dios. De ahí salieron como unos ocho jóvenes que
ya cantan canto cardenche; ahorita tenemos también
unas chamacas que les está interesando y por eso
creemos, sentimos que no se va a perder”.
El canto cardenche quizá sea la música más triste
del norte del país. Con todo el melodrama de México, pareciera ser la respuesta norteña al barbershop
quartet gringo. La desesperación se puede ver en las
letras de sus piezas. Algunas de ellas tan dramáticas
como “Yo ya me voy a morir a los desiertos” o “Al
126
PARTEAGUAS
pie de un verde maguey”. En la primera canción, el
protagonista manda todo al carajo para irse a morir al
desierto y en la segunda un tipo le pide a la Virgen de
Guadalupe que le quite la peor cruda de la historia.
Al pedirles que canten algo como fin de la entrevista, uno de ellos le pide a otro “Dele a la que usted
quiera, la “El maguey”. Y se lanzan:
Y al pie de un verde maguey / yo me quedé, mi amor se quedó dormido / qué ingrato
fue, al canto de los borrachos / yo desperté,
qué crudo vengo, quiero curarme / no hallo
con qué, pero ¡ay Dios mío! / quítame esta
cruda, me va a matar, / la Virgen de Guadalupe me ha de ayudar, / qué crudo vengo, la
cantinera no quiere fiar.
Premio
Adolfo Camacho Silva
100 kg-36
cerámica vidriada
12 x 73 x 25 cm, 2014
Distrito Federal
xxxv Encuentro Nacional de Arte Joven, 2015
N A R R AT I VA
Vértigo
Ilustraciones de Juan Manuel Vizcaíno Martínez
FERNANDO YACAMÁN
o podemos regresar.
Allá abajo queda un mundo de cadáveres, la sangre cambió el color de la tierra, en los templos resuenan plegarias, la
ciudad es humo que se eleva a esta altura; se percibe
el olor a piel quemada. El océano se desborda fuera de
sus límites.
El único escape es esta espiral que se pierde en el
fondo del cielo.
¿Lograremos llegar a la cumbre?
Las tinieblas descienden como espuma.
En este abrazo quiero morir bajo tu piel y dejar de
existir; ojalá terminemos como estatuas en este escalón.
Un hombre desciende la escalera y sus pasos la
cimbran. Su grito retumba en el espacio y deforma su
rostro. Su mirada nace desde otra realidad en sus ojos
de pupilas inexistentes. ¿Podremos seguir a la cima o
esta escalera se pierde en el infinito? Y el hombre se
arroja al mundo que tal vez ya no existe, a esta altura sólo quedan las tinieblas y éste será nuestro último
hogar.
Cadáveres aparecen bajo mis párpados y no quiero
perderme en ellos.
Las escaleras vuelven a cimbrar, en cualquier instante nos perderemos a la deriva; en la tiniebla aparece
otro hombre. Él debe saber si la espiral conduce a un
precipicio para retornar muertos al mundo en el que
nacimos o si después de la oscuridad descubriremos las
constelaciones más cercanas. ¿Cuántos escalones faltan para encontrar otro horizonte? El hombre tropieza,
su cráneo se abre en el escalón que pisamos; la sangre
gotea al abismo.
En las cuencas de los muertos se forman astros y
son los únicos que brillan en el cielo.
A esta altura, la tiniebla desciende como la espuma
en un río: es la marea que nos envuelve y nos deja ciegos. Encuentro tu extraña sonrisa, mi razón de seguir
128
PARTEAGUAS
en pie que destrozas al saltar. Al cerrar los párpados
te encuentro, sonríes y vuelves a saltar. Y sólo ahí te
N A R R AT I V A
María está
preocupada
porque nadie
le ayudó a
preparar su
presentación,
así que ensaya
frente al
espejo
RENÉ LÓPEZ VILLAmaR
encontraré. ¿Acabaré muerto en algún escalón o, si decido seguirte, te alcanzaré?
Que esta escalera, la recorran héroes, sabios,
dioses…
eñorita directora de la Escuela Primaria Pública Héroes de la Independencia, queridos
maestros, queridos compañeros, padres de familia y amigos que nos acompañan:
En esta ocasión me tocó de tarea hablar de los fantasmas que sirven en mi casa. Mi exposición va a ser
muy corta porque sólo tenemos uno. Antes teníamos
otro, la señorita Woodenhauser, que era muy seria, pero
la vendimos el año pasado cuando papá se enfermó.
Como sólo hay un fantasma, tenemos que compartirlo
entre mi hermanito, mi papá y yo. Se llama Henrik Der
Veerboer y es holandés. Henrik fue ejecutado en Deen
Hag en 1878, por cargos de brujería y porque asesinó
a sus cinco esposas. Murió quemado y aparte es muy
enojón. Por eso es bueno para calentar la comida.
Los fantasmas dan mejor energía según la forma en
que murieron y las cosas malvadas que hicieron cuan-
PARTEAGUAS
129
N A R R AT I VA
Ilustraciones de Norma Pezadilla
do estaban vivos. Henrik mató a sus esposas porque
era muy celoso, así que también es bastante bueno para
vigilar la casa por las noches. Si detecta algo extraño comienza a gritar ¡bliksems, bliskems!, que quiere
decir “rayos y centellas” en holandés. Aunque sólo lo
hace para llamar la atención, porque no hay muchas
cosas en mi casa que alguien quisiera robar. Mi fantasma vive en una botella Leyden-Marcus clase C de
segunda mano. Papá dice que tenemos que ahorrar para
una botella nueva, porque esta ya tiene grietas y a veces el señor Der Veerboer trata de escapar y quema la
comida. No me da miedo que escape porque soy joven
y Henrik sólo mata a mujeres más grandes, no a niños.
La mayor parte del tiempo es muy gracioso. El año
pasado, cuando mamá lo conectaba a la estufa para hacerle caldo de pollo a papá, Henrik se ponía a bailar y
cantar para hacernos reír a mi hermano y a mí. Lachen
is gezond, nos dice siempre cuando nos ponemos tristes. A él también le gusta reír, aunque creo que a veces
se deprime porque no lo entendemos. Le tratamos de
enseñar un poco de español, pero le cuesta mucho trabajo y se desespera con mucha facilidad.
Los días de escuela, papá desconecta al señor Der
Veerboer de la estufa después del desayuno y lo conec-
130
PARTEAGUAS
ta al ciclomotor para traernos a la escuela. Al fantasma no le gusta mucho impulsar el ciclomotor y refunfuña mucho. Se enoja y riñe a los demás espectros y les
grita grote grutten. Antes la señorita Woodenhauser era
la encargada de dar energía a nuestro carro y los viajes
eran más tranquilos. Pero me gusta viajar con el señor
Henrik porque así el viaje resulta más divertido. A papá
no le gusta porque lo hace llegar tarde al trabajo. Papá
trabaja en una fábrica de necroscopios, así que no hay
nadie que nos recoja de la escuela. Entonces caminamos hasta su trabajo y lo esperamos. A veces se tiene
que quedar doble turno, así que hacemos la tarea en la
fábrica. Henrik nos ayuda con las tareas de matemáticas, porque cuando estaba vivo era prestamista. Een,
twee, drie, vier, vifj. A veces pienso que mi hermanito
va a terminar hablando más holandés que español.
Henrik a veces se pone triste por las noches y no
quiere calentar la cena. Es porque extraña a Jacoba,
Johanna, Anneke, Lotte y Maritje, sus esposas. Llora
y repite sus nombres una y otra vez. Cuando eso pasa
papá se pone triste también y lloran juntos. No podemos ayudarlo, porque a diferencia de Henrik, sus esposas no se volvieron fantasmas, con todo y que tuvieron
muertes horribles. Papá dice que es porque no tienen
N A R R AT I V A
asuntos pendientes, así que se fueron al más allá. Al
menos nosotros sí podemos ir a ver a mi mamá.
Todos los domingos, mi papá conecta al fantasma
al ciclomotor y nos lleva a la casa donde trabaja mamá.
A diferencia de los otros días, a Hernik le encanta hacer este viaje, porque le gusta ver a las señoritas que
trabajan en las casas de ese barrio. Grita lekker, lekker
y les chifla, casi nunca dice grote grutten aunque se
nos atraviesen otros ciclomotores más rápidos. En la
casa donde trabaja mamá sirven trescientos fantasmas.
Tienen un fantasma para que la puerta abra de manera
automática, otro para accionar la podadora de pasto e
incluso uno que anota los mensajes del necroscopio si
los dueños de la casa no estuvieran. Tienen tantos fantasmas que los dejan conectados a sus cuatro ciclomotores hasta cuando no los usan.
Mamá llora mucho siempre que nos ve, así que está
encargada de calentar el agua de la tetera. Sólo podemos verla durante una hora los domingos. No ha hecho
amigos entre los demás fantasmas de la cocina, porque
casi todos son criminales o asesinos y además son muy
envidiosos. Mi mamá está atrapada en una botella Leyden-Marcus clase A nuevecita. Los demás fantasmas
quisieran estar en su botella porque dicen que es muy
cómoda y espaciosa.
Mamá arregló su asesinato para poder pagar el doctor de papá. Primero vendieron a la señorita Woodenhauser, pero aun así no les alcanzaba. Mamá murió de
veintitrés puñaladas, porque tenía la esperanza de que
como fantasma la conectaran a una tejedora industrial
o un cortador de carne, pero como llora mucho, terminó en la tetera. En la casa donde trabaja mamá casi
todos los espectros son nuevos y mexicanos, porque
como todos sabemos, los fantasmas jóvenes dan mejor
electricidad. Además así es más fácil darles instrucciones a los fantasmas, no como nosotros, que tenemos
que usar un diccionario holandés-español.
A veces le pregunto a mamá si está contenta de
ser fantasma. Ella dice que está bien, pero que es muy
cansado. En cambio, si le pregunto al señor Der Veerboer lo mismo, se limita a contestar aardappels. Es una
respuesta extraña, porque aardapels significa “papas”
en holandés. Mi padre se pone triste si le digo que por
qué Henrik contesta así, aunque mi hermanito –no sé
por qué– piensa que en realidad lo que quiere decir
Henrik es “esto es mucho mejor que pasar la eternidad
en el infierno”.
Accidental
josé pérez
1
ncendió las intermitentes. Retrovisor: el motor
de la motocicleta seguía acelerando, el cuerpo
en el pavimento, de ángulos imposibles. No
se movía, ¿no respiraba? Mentó madres, miró
hacia todas partes: a esta hora, la calle estaba desierta. Por la hora, no debía haber testigos. Los semáforos
cambiaron sus luces.
Si aceleraba ahora y se perdía en la nada, si la espesura de esa nada bastaba, si no había pruebas, ni testigos. Podía estar vivo. Eso no era mejor para él. No
lo había visto, tal vez no era su culpa. El golpe, nada
más. Las vacaciones, la remodelación, los ahorros, la
calma, Lorena.
Terminaría divorciándose, no de inmediato. Ella
esperaría un poco. Luego le diría algo como: “no puedo estar con un asesino”, o “¿sabes lo que dicen de ti?”
Notó que el motor de la motocicleta se acercaba, se estremeció. Pasó por un costado de su carro, acelerando
hasta detenerse en el rojo del siguiente cruce.
Suspiró aliviado. Un momento atrás el cuerpo parecía el de un muerto. La luz, la adrenalina. Debió estar
borracho o drogado. Ni siquiera se dio cuenta de que
se había estrellado con un carro. La luz del arbotante
mostraba que no llevaba casco. Cabello cenizo, largo.
Tenía el celular en la mano. Iba a llamar a emergencias.
¿Lo otro, lo que había pensado antes? Producto del
pánico. No lo hubiera dejado ahí. No hubiera sido capaz.
2
Abrió la puerta y la dejó así, emparejada. Decidió no
bajar. La alarma de la puerta sonó. Tendría que bajarse
y ver. Tal vez sólo lo había empujado. Eso era lo correcto. ¿Y hace cuánto, en la noche? Poco. Una vida de
distancia no era suficiente. Intentó calmarse. Miró sus
ojos enrojecidos en el retrovisor.
La cabeza se le llenó de voces: yo siempre supe
que era descuidado. Imagínate, perderlo todo por un
PARTEAGUAS
131
N A R R AT I VA
Ilustraciones de Axel Flores Serna
descuido así. Su matrimonio ya no iba bien. Siempre
manejó pésimo. No se fija en nada, nunca. No me sorprende. ¿Sabes lo que la gente dice de ti? No puedo
estar con un asesino. Los niños. La casa.
Era una coincidencia, nada más. La ciudad es peligrosa. Mejor no bajar: hay mil nuevas maneras de
asaltarte o secuestrarte. Además, este era el estacionamiento de la empresa. Su empresa. Cámaras de seguridad. Tal vez afuera había un asaltante esperando a que
bajara. Cerró la puerta, puso los seguros.
La motocicleta, tirada, aceleraba con un sonido
muy familiar. Descuidado. No podía ser la misma motocicleta. No podía ser el mismo tipo. Imagínate. No
podía ser una coincidencia. Una mano se sujetó al maletero. La figura se incorporó despacio, con el cabello
blanco y revuelto cubriéndole la cara.
Su cuerpo no es un cuerpo completo. Se ve… roto.
La otra mano le pendía del antebrazo, sostenida por la
piel. Un hombro caído y flojo, el otro tenso y elevado.
Le pareció que estaba empujando el carro. Estaba haciendo fuerza contra el carro, con las piernas. Escuchó
un crujido.
132
PARTEAGUAS
La imagen apareció clara en su cabeza: una rodilla
volviendo a su sitio. Luego, la cadera. Un sonido orgánico, un ligero aullido. Luego la mano, sujeta como
una fruta a punto de desprenderse del árbol, devuelta a
su sitio de un jalón. Se recogió el cabello del rostro. Su
rostro no era un rostro completo. Imagínate.
Recobró el tiempo con los toquidos en el cristal. Es
un guardia. Sí, todo está bien.
3
Bajó del carro y caminó al McDonalds, igual que toda
la semana. No podía manejar hasta el trabajo. No podía arriesgarse. Compró café y se sentó a anotar cosas
en una libreta, para ordenar, para conjurar: nada en el
video de vigilancia. Mi carro nada más. Seis choques.
Siempre mi culpa. Motocicleta.
Atarax, una tableta diaria y por la noche media pastilla de Diazepam. Intente relajarse. Intente hablar de
sus problemas. Terapia, tal vez. Unos días fuera de la
oficina, relajarte, esto no es vida, hermano. No todo
sale mal. ¿Por qué te sientes tan culpable? No me estás
diciendo algo. Está raro. Dicen que habla solo.
N A R R AT I V A
Luego su esposa lo confrontó. Pensó por unos
minutos en contarle la verdad, encerrado en el baño,
mirando sus ojos en el espejo. No se creía ni él mismo. Asesino. Un proceso lento, prueba y error. Los
empleados del McDonalds lo miran. Libreta: los
McDonalds tienen muy pocos clientes por la mañana.
Volvió al trabajo, iba y venía en camión. A veces
lo veía emparejarse, afuera, en la calle. Miraba hacia
su ventana. Conducía despacio, en paralelo a su paso
por la acera. Libreta: ignorarlo lo posible. No está
ahí. Un día comenzó a gritarle, a perseguirlo por las
calles del centro de la ciudad. Terminó en los separos.
Gritaba: no te he vuelto a atropellar. Libreta: Solicitudes de renuncia, de divorcio.
do. Lo miró a la única cuenca que tenía ojo. Marchito,
caído hacia abajo, gris, inmóvil. Libreta: muerte accidental, sin testigos.
El impacto fue seco. Moto y motociclista salieron
despedidos por los aires. El metal chirrió. La motocicleta se quedó trabada con el acelerador calado. El
motor revolucionaba. Bajó del carro. Caminó en dirección al accidente. La gente comenzaba a asomarse
por las ventanas, a salir de sus casas, a murmurar.
Levantó la motocicleta. La montó. No le dedicó
ni una mirada al caído. Aceleró, perdiéndose en dirección a la avenida más cercana.
4
Metió dos maletas en el maletero del carro. No pudo
explicarle a sus hijos a dónde iba. Lorena no quiso
ver cómo se iba. Se encerró. Le gritó del otro lado:
es lo mejor, no puedo seguir. Rodeó el carro pasando
una mano por la carrocería intacta. Encendió el motor. Presionó el botón de la cochera. Salió despacio.
Afuera, esperó a que la cochera cerrara. Se emparejó. Puso la reversa. Ajustó el retrovisor. Ahí estaba,
justo en el comienzo del cruce. Aceleró hasta el fon-
PARTEAGUAS
133
Ú LT I M O T E M A
JURADOS RECURRENTES
DESDE EL CONCURSO NACIONAL PARA ESTUDIANTES
DE ARTES PLÁSTICAS AL ENCUENTRO NACIONAL DE
ARTE JOVEN
1966-2015
Arnaldo Coen, artista plástico, además
de pintura ha realizado instalaciones,
escenografías y vestuarios para obras
de teatro y danza. Fue jurado en cinco
certámenes.
Raquel Tibol, escritora, crítica de arte,
periodista, curadora, promotora cultural y
autora de más de 40 libros. Fue jurado en
siete ocasiones.
Jorge Hernández Campos, poeta y
narrador, obtuvo el Premio Nacional de
Poesía Aguascalientes en el año 2001. Fue
jefe del Departamento de Artes Plásticas
del inba y director del Museo Nacional de
Arte. Nueve veces jurado.
Jorge Alberto Manrique, escritor,
historiador, investigador y académico
especializado en crítica de arte y en
historia del arte mexicano.
Autor de nueve libros
y coautor de más de 100. Jurado en
ocho emisiones.
Francisco Javier Orozco Ramos
Seis instantes caducos
Guadalajara, Jalisco
[página 84]
Leonardo Barrera Macías
Esclavos del mes
Aguascalientes
[página 71]
Yeshua Axel Zamora Vázquez
Ni todo el conocimiento ni todos los métodos, nos
eximen de nuestra limitada condición espacio temporal
Aguascalientes
[página 61]
Victor Manuel Peña Lucero
Testimonios de un camino oculto
piezas A y C
Aguascalientes
[página 123]
ARTE
Poesía joven, un diálogo
literatura
Entrevista con Jehú Coronado,Verónica G.
Arredondo, Ileana Garma-Estrella,
Horacio Lozano Warpola, Moisés Ortega y
Armando Salgado
artes escénicas“André & Dorine”
Entrevista con Kulunka Teatro
Habitar la independencia, charla a tres
voces para celular e inbox
Mariana Torres Ruiz
DOSSIER
Concurso Nacional para Estudiantes de
Artes Plásticas
Juan Castañeda
Discurso en las narcoejecuciones
Entrevista con Trino Guerrero
Frontera, reflexión de la división
y el quebranto
Entrevista con Alondra Alonso
El astronauta, una metáfora de la ciencia
Entrevista con Yeshua Zamora
Arte joven, un mecanismo de
legitimación artística
Mayté Esparza Díaz
THEMA
Importancia de la obra poética de
Desiderio Macías Silva
Ricardo Esquer
ÁGAPE
Canto cardenche
Entrevista con los Cardenches de Sapioriz
POESÍA
7 5 020 10 404 876
Papeles para el desaliento
Jesús Ramón Ibarra
Galería