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ISSUE MAR-ABR 2013
EN PORTADA
Emmanuelle Caplette
www.bateriapercusion.com
REVIEWS
Baquetas Baart
Drum Workshop Collector’s
ENTREVISTAS
Roberto Lozano “Loza”
Pedro Pablo Rodríguez
NUEVA SECCIÓN DE ARTÍCULOS
con Pepe Cantó
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
sumario
04
07
En Portada
Baquetas
Emmanuelle Baart
Review
Caplette
#11
editorial
Entrevista.
09
14
Roberto
Lozano
“Loza”
Drum
Pedro
Workshop Pablo
Collector’s Rodríguez
Entrevista
Review
17
21
32
Pepe
Cantó
Didáctica
Artículo
Entrevista
Un número más aquí estamos fieles a la cita con la percusión en todos
sus aspectos. Lo primero es agradeceros la gran aceptación que ha
tenido la nueva web y que se refleja en el gran incremento de difusión
que hemos tenido, algo que nos motiva a seguir trabajando en esa
dirección. Rob Wallis el factotum de Hudson Music y Drum Guru , líder
mundial en didáctica para batería y percusión, así lo ha entendido
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ISSUE MAR-ABR 2013
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Dime qué
escuchas,
ves, estudias
y te diré
quién eres.
didáctica relacionada con el estilo, muy interesantes.
La sección de software se empeña en que mejoremos nuestras
maquetas dándonos ideas al respecto y en la didáctica se exponen
diferentes contenidos para plantearse el aprendizaje de la percusión
de forma interesante y eficaz.
y hemos establecido una colaboración para difundir su didáctica en
No dejéis de visitar las webs de nuestros anunciantes porque siempre
nuestro medio, Steve Gadd, Steve Smith, Chad Smith…todos ellos
tienen propuestas interesantes que ofrecer. Gracias por estar ahí.
pasarán por nuestra web. Ya centrados en este número contamos con
Emmanuelle Caplette, “Loza” y Pedro Pablo Mirelles en el apartado
de entrevistas.
Las reviews son de DW Drums y baquetas Baart. Pepe Cantó se
incorpora al staff con sendos artículos sobre la percusión en el pop y
José Manuel López Gil
Editor
EN PO R TAD A
Emmanuelle
Caplette
Entrevista: Asensio Ros “Wally”
Traducción: Agus González-Lancharro
Lady Play Drums
Emmanuelle Caplette nació
en Quebec y desde temprana
edad ya tuvo su contacto con
la percusión en bandas de
“Drum and Bugle Corps”. Ha
trabajado en programas de tv
en directo, girando con artistas
norteamericanos, así
como
impartiendo clinics en diferentes
paises. Amable y relajada,
aprovechamos su visita a España
para charlar con ella.
EN PORTADA
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
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ISSUE MAR-ABR 2013
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN PO R TAD A
¿Cuando y cómo empezaste con la batería?
Empecé con el drum set a los 18 años, pero desde los
9 ya llevaba tocando en una Drum Corp de marcha,
así que tuve unos 10 años de experiencia antes de ir a
la universidad y tomar el kit de batería.
¿Cuáles eran tus métodos de estudio por aquel
entonces?
“Intento no tocar
más porque solo
tenemos una vida y
quiero vivirla,
es como pienso. ”
Future Sounds de David Garibaldi y Gary Chester,
esa era mi Bíblia. Todavía practico con esos métodos
rias competiciones y es satisfactorio pero nunca he
¿Consideras tu experiencia con los DrumCorps como
muy influyente en tu carrera?
¿Sigues alguna rutina deportiva para mejorar tu técnica
Absolutamente. Es el primer contacto para muchos
niños con la percusión y ahí ya vas interiorizando toda una serie de factores rítmicos que te van a
acompañar toda tu vida, así que su influencia ha sido
realmente muy importante para mí.
Corro 6 km al día, normalmente por la mañana, lue-
¿Cómo es para una mujer hacerse un hueco en este
mundo?
Honestamente nunca me había preguntado eso. He
tocado desde los 9 años, siempre he estado con hombres, estoy acostumbrada, soy batería y ya está, me
gusta pensarlo así.
conseguido trabajo gracias a ello.
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ISSUE MAR-ABR 2013
¿Cuál es tu género favorito?
El pop es lo mío. Puedo tocar otras cosas como fusión, pero el pop es mi favorito, es el estilo donde
disfruto más
¿Qué enseñas en tus clínics?
Explico técnica y sobre cualidades que debe tener un
batería en el estudio, es muy importante tocar lo correcto en el sitio correcto. Un batería no es un solista,
eres parte de un paquete, nunca hay que olvidar que
formas parte de algo llamado canción y hay que intentar que tu aportación haga que la canción crezca.
a la batería?
go estudio unas 2 horas al día como máximo cuando no tengo concierto. Intento no tocar más porque
solo tenemos una vida y quiero vivirla, es como pienso. Prefiero ver a la familia, amigos... y cuando vuelvo
a la batería soy más creativa.
¿Cuales han sido tus influencias?
Jeff Porcaro, su groove era increíble. JoJo Mayer... Vi
a Carter Beauford de la Dave Matthews Band cuando empezaba a tocar y me gustaba mucho. En definitiva también pienso que todo lo que escuchas de
Has cosechado varios galardones a lo largo de tu carrera.
¿Te han ayudado?
alguna u otra manera te acaba influenciando, aunque
No a la hora de tocar, tal vez resulte motivador en
todo caso ganar un premio, de hecho he ganado va-
en la historia de la música y en muy diferentes estilos
no seas consciente de ello hay muy buenos bateristas
y siempre queda algo de poso en ello.
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN PO R TAD A
Hablo también de como promocionarse a uno mismo, socializar...son una serie de tareas que un músico profesional nunca debe de olvidar aunque no sea
música estrictamente hablando.
¿Cuál es la diferencia entre tocar en directo o en un
programa de TV?
En la tele debes ser eficiente ahora mismo. Tienes
que estar concentrado, a una señal debes de actuar
de inmediato, es más presión pero me gusta mucho.
Cuando estás con un artista ya te sabes lo que hay
que tocar así que todo va bien. ¡Siempre que tengas
bien aprendido el repertorio!
¿Entonces TV, directo o estudio?
Lo que prefiero es el show de TV por lo que te acabo de contar, aunque también disfruto del directo,
ambas situaciones te transmiten mucha energía y sin
duda es esa sensación la que te ayuda a seguir trabajando en ello.
“...nunca hay que
olvidar que formas
parte de algo llamado
canción y hay que
intentar que tu
aportación haga que
la canción crezca. ”
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ISSUE MAR-ABR 2013
¿Qué proyectos tienes?
A final de mes tengo otro festiva en Italia, estoy trabajando en mi DVD, tengo muchos clinics en Septiembre y Octubre y después ya veremos...
¿Quieres añadir algo más?
Si me queréis seguir podéis visitar mi web: http://
www.emmanuellecaplette.com/ o mi facebook:
https://www.facebook.com/EmmanuelleCapletteDrummer
¿Qué nos puedes contar de tu kit?
Toco con una Sonor Jungle. El bombo es muy pequeño, de 16 pulgadas. Me hace sentir cómoda porque soy muy pequeña, si fuera de 24 pulgadas me
sentiría como una niña. Me gustan los toms de 10” y
los goliaths de 13” y 14”. Muy pequeño. En cuanto
a platos uso Sabian HHX Evolution Series, la combinación perfecta para mí, Sonor, Sabian, baquetas
JoJo Mayer Signature de Vic Firth y parches Evans.
¿Te gustaría tocar para alguien en particular?
Hay muchísima gente con la que me gustaría trabajar, muchas propuestas que resultan interesantes...
Me gustaría trabajar con Beyoncé por ejemplo ahora
que lo pienso. ¡Eso es estar en lo más alto para un
batería!
Ella siempre va con una banda de chicas.
¡Sí! Espero que algún día me toque. O alguien como
Pink, algo así.
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Presentamos el nuevo pedal
G Class...
Más información: gibraltarhardware.com
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REVIEWS
Baquetas Baart
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ISSUE MAR-ABR 2013
David González
A escasos 10 minutos de mi casa tengo el pueblo de
Sant Pere de Torelló (Barcelona), un pequeño pueblo
en el que se desarrolló a principios del siglo XIX el
sector de la tornería. Con apenas 2.500 habitantes,
cuenta con una veintena de tornerías una de las cuales regenta los hermanos Soler (Quico y Jan). Ellos
son los gerentes de BAART.
BAART (BAquetas ARTesanas) es una pequeña empresa con una larga experiencia
en el arte de trabajar la madera. Es la tercera generación de artesanos y la primera
que se dedica a la elaboración de baquetas para todos los estilos musicales. No
cabe decir que saben de qué hablan cuando lo hacen de madera y solo basta
un par de minutos de charla con ellos para darse cuenta de que realmente es
su pasión. Se nota que han nacido y crecido entre esas máquinas, lo que para
nosotros es un trocito de madera para ellos es la materia para crear una obra de
arte y es por eso que día tras día se superan en su trabajo.
En esta ocasión voy a hablar de algunos de sus modelos standard de baqueta, pero
si hay algo que hace esta marca especial es que BAART se diferencia del resto por
la capacidad de personalizar completamente las baquetas, según necesidades y
gustos del músico en todo su proceso. Esto incluye desde la forma, la punta, el tipo
de cuello, el acabado, la serigrafía, el balance y el peso.
Las baquetas se elaboran siguiendo las estrictas indicaciones del músico,
consiguiendo como resultado final un producto único, de máxima calidad y con el
sonido concreto que estaba buscando el batería. Todas las baquetas se fabrican en
madera de hickory y maple seleccionado, importada de Estados Unidos.
Vamos a ver pues algunos de sus modelos standard, podéis consultar muchos más en su
página web (www.baquetesartesanes.com)
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ISSUE MAR-ABR 2013
REVIEWS
7A Hickory
5AX Hickory
SC2 de Maple
L=397mm D=13.60mm
L=419mm D=14.60mm
L=400mm D=16.20mm
Se trata de una baqueta ligera de excelente articulación en
los platos, nos ofrece una gran variedad de sonidos brillantes.
Baqueta de una longitud extra y con mas cuerpo que la 5A
tiene el cuerpo de una fusión, con punta en forma de oliva nos
ofrece mucho carácter.
Baqueta muy ligera y rápida, versátil y con punta redonda que
nos da un máximo rebote. Produce un sonido mate.
7A3 Maple
5B Hickory
L=40mm D=13.75mm
Esta baqueta es también muy ligera y rápida como la 7A
pero se diferencia de la de hickory por su gran rapidez en los
movimientos debido a su bellota y nos ofrece un sonido más
apagado y mate.
5A Hickory
L=408mm D=14.20mm
Es un modelo clásico con un equilibrio perfecto y mucha
versatilidad, es contundente y su sonido brillante.
Serie Timbals
L=406mm D=14.20mm
L=408mm D=15.10mm
Modelo que nos ofrece una respuesta rápida y con una gran
contundencia, más potente que la 5A.
Se trata de una baqueta 5A combinada con bola de filtro
semiduro en la parte posterior, nos ofrece una gran versatilidad
de sonidos dado que la podemos utilizar por ambos lados.
5BB Hickory
Serie Timbals Paila
L=407mm D=15.10mm
L=414mm D=12.25mm
Con una potencia superior a la 5AB pero con más cuerpo,
producen un sonido más concentrado y se diferencia de la 5B
por tener más rebote al ser de punta redonda.
Se trata de la típica baqueta de percusión (para pailas) sin
bellota, ligera y muy resistente.
No hace falta decir que todos los acabados son espectaculares, el proceso de fabricación es plenamente artesanal y dan mucha importancia a los detalles. Incluso comentan que a un batería le
encantaban las baquetas cuando ya están muy utilizadas y que para su modelo se las hacen con la punta ya desgastada…
Además todos los pares vienen acabados a mano baqueta por baqueta, encerados y perfectamente equilibrados. Un detalle para mi importantísimo es el hecho de que cada par viene con el peso
de las baquetas apuntado en el típico cartón que empareja las baquetas. Yo por ejemplo utilizo dentro de mi modelo un rango de peso de 54-55g para tocar pop-rock y entre 57-59 para metal.
¿Qué más se puede pedir?
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EN TREVISSTA
LOZA
Exquisitez y buen hacer 100%
Asensio Ros “Wally”
ROBERTO LOZANO “LOZA” es el tipo de batería capaz
en todo momento de darle a la música la intensidad
que requiere. Técnica, medida, creatividad, sutileza o
contundencia cuando son necesarias, además de un
gran sonido y un gusto increíble es lo que le hacen tener un estilo propio e inconfundible. Es el paradigma
de batería que se muestra como un participante más
en el aspecto compositivo, ya que su aportación a los
grupos en los que toca es fundamental en el resultado
final de los temas.
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN TREVISSTA
Desde que empezó a tocar en 1993 ha pasado por
distintas formaciones como Sobrinus, Yoghourt Daze,
Poliéster, Zía, Deluxe…actualmente es miembro de Sex
Museum, Los Coronas y Corizonas, en los cuales encaja
como anillo al dedo y me atrevo a decir que es el mejor
en estos terrenos en los que se mueve. Hablamos con él.
¿Cómo empezaste en esto de la batería y como fue tu
proceso de aprendizaje?
En el 92 a los 16 años empecé a tocar con un grupo
de amigos en Móstoles, había un piso piloto medio
abandonado en la urbanización de un colega y nos
dejaron hacer el cafre durante una temporada. Dentro había pupitres y sillas de niños, así que agarre
unas cuantas y monte un set bastante curioso, solo
teníamos un amplificador Marshall diminuto, una
guitarra eléctrica Epiphone y la voz que la pasábamos
por otro ampli. Con eso nos apañamos bastante bien
y todos los colegas que venían a vernos flipaban con
la batería que me había montado. ¡Era el chaval más
feliz del mundo!
Al poco tiempo convencí a mis padres para que me
comprasen una batería de verdad, y no mucho más
tarde me habilitaron una habitación insonorizada en
la trastienda de la tintorería que teníamos en aquel
momento. Allí me pase años tocando sin parar, tuve
un profesor particular durante el primer año que era
un fanático del jazz y el rock progresivo, tenía mucho
rollo tocando, luego seguí por mi cuenta escuchando
discos una y otra vez hasta que me aprendía los ritmos de las canciones.
“seguí por
mi cuenta
escuchando
discos una
y otra vez
hasta que me
aprendía los
ritmos de las
canciones.”
Has pasado, por varias formaciones como Sobrinus,
Deluxe, Zía, Poliéster y Yoghourt Daze…hasta la
actualidad que formas parte de Sex Museum, Los
Coronas y Corizonas, ¿Qué has aprendido en este
camino y como ha sido tu evolución como músicobatería?
Al principio con Sobrinus fue brutal porque dábamos
rienda suelta a nuestra imaginación y cada uno aportaba sus ideas. Yo escuchaba bastante jazz, rock sinfónico y progresivo: King Crimson, Emerson, Lake
and Palmer, Soft Machine, Magma, Frank Zappa,
etc. Estaba obsesionado con los compases de amalgama y los ritmos sincopados y con Sobrinus daba
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ISSUE MAR-ABR 2013
rienda suelta a todo eso, tenía libertad absoluta y entre los tres había mucha química y nos entendíamos
a la perfección. Fue una etapa donde no existían las
reglas y éramos libres de hacer lo que se nos antojaba.
Justo antes de dejar Sobrinus tuve una pequeña crisis
musical y estuve a punto de dejar de tocar la batería. Cuando me uní a Sex Museum y Los Coronas
fue como volver a empezar, con ellos me reinventé
y cambié mi forma de tocar totalmente. Luego con
Los Coronas escuchaba mucho rock & roll y rythm
& blues clásico y fue cuando me di cuenta que había
empezado la casa por el tejado y que para ser buen
batería tenía que mamar de las raíces.
¿El estilo de los Coronas lo definirías como “surf
instrumental” o simplemente rock instrumental?
Surf music Spanish style
Con Sex Museum te mueves más en el terreno del rock
o garaje rock ¿Dónde crees que te puedes expresar
mejor como músico?
Cada grupo me aporta cosas diferentes. Con Sex Museum es especial e intenso, en directo suenan demoledores y no es fácil estar a la altura, ellos llevaban una
larga trayectoria con un sonido y una forma de trabajar y me tuve que adaptar. Con Los Coronas fue algo
parecido pero con ellos aprendí a descubrir a grandes
grupos y baterías de rock´n´roll clásico y gracias a eso
tengo una buena base que sumado a los conocimientos de música que ya tenía me da total libertad para
expresarme musicalmente.
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN TREVISSTA
¿Como surgió el proyecto de montar los Corizonas?
Todo es importante en su justa medida. Si quieres
triunfar y ganar mucha pasta lo mejor es cuidar tu
imagen e ir al gimnasio para ponerte super mazas.
Esto lo digo porque cuando estuvimos Los Coronas
en Tucson grabando “Adiós Sancho” fuimos a ver a
John Fogerty y nos quedamos bastante flipados al ver
como el bueno de Kenny Aronoff tocaba los temas
de la CCR aporreando a diestro y siniestro la batería
como si estuviera tocando con Sepultura, no tenía
sentido, el cabronazo se cargo todo el concierto, eso
si, acaparaba toda la atención y no podías dejar de
mirarle ni un segundo.
Cuando llevábamos casi un año de gira con “Dos
Bandas” vimos que nos empezábamos a convertir en
un solo grupo más que en la suma de dos y decidimos
dar el paso definitivo cuando nos pusimos a grabar
un disco de temas propios y cambiamos el nombre
de nuestra unión.
¿Qué música escuchas habitualmente?
¿Qué baterías que te han influenciado?
Dinos un batería internacional actual que destacarías y
otro nacional…
Homer Steinweiss me parece buenísimo, le he visto
con Sharon Jones & The Dap Kings y fue el batería
que grabó el Back to Black de Amy Winehouse.
De aquí me quedo con Pax que también ha sido una
gran influencia.
ISSUE MAR-ABR 2013
¿Qué es para ti buen batería? ¿Qué cualidades debe
reunir que consideras importantes?
Empezó poco a poco, coincidimos tocando Los Coronas y Arizona Baby hace más de tres años en la sala
Moby Dick, hubo mucho feeling entre los dos grupos y acabamos tocando juntos “Shaking all Over”.
Después hablando en los festivales en los que coincidíamos, fuimos dándonos cuenta de lo compatibles
que éramos los dos grupos en cuanto a gustos musicales y decidimos tocar juntos y grabar un disco en
directo como “Dos Bandas y un Destino”
Bill Bruford, Pete Thomas, Doug Clifford, Keith
Moon, Jim Gordon, Hal Blaine, Sandy Nelson, Earl
Palmer, Ronnie Tutt, Michael Shrieve, Cozy Powell,
Levon Helm y muchísimos mas
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Entonces...¿Pete Thomas o Dave Weckl?
¡Pete Thomas!
Tienes un estilo muy definido y con muchos seguidores,
¿Cómo lo definirías? ¿Cómo lo has forjado?
Yo creo que mi estilo es la síntesis de todas las influencias que he tenido desde el principio hasta ahora, improviso mogollón en directo, no me gusta tocar
siempre igual y a veces acierto y otras no. Creo que
esa es la clave para conseguir tu estilo propio, hay
que lanzarse al vacío y cagarla de vez en cuando para
aprender y forjar tu estilo.
Va por épocas, ahora mismo estoy escuchando punkrock y hardcore americano: Bad Brains, Minor
Threat, Circle Jerks, Dead Kennedys, Rocket From
the Crypt, Off¡
Un disco y un grupo que destacarías…
Cualquier disco de King Crimson o Frank Zappa de
los 70.
¿Cómo lo haces para compaginar con los tres grupos?
No soy el único que toca en los tres grupos, también
Javi Vacas y Fernando Pardo están en las tres bandas
por lo que se hace más fácil compaginar y decidir
cuando tocamos con un grupo o con otro.
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
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ISSUE MAR-ABR 2013
EN TREVISSTA
la atención nuestro técnico de sonido, le tengo un
poco frito.
Estas con Ludwig, pero cuéntanos acerca de tu set de
batería, platos, baquetas ¿Qué sonido buscas con tu
set?
Tengo 4 baterías Ludwig, una Vistalite de los 70,
otras dos de los 60 y una Classic Maple que tiene un
sonido más moderno pero conserva el cuerpo de las
clásicas, me encanta.
Con Sex Museum utilizo bombo de 24” y timbal
base de 18”, porque el volumen de los amplificadores dentro del escenario es brutal y necesito que la
batería tenga presencia, peso, sin tener que utilizar
los monitores. Para Los Coronas y Corizonas utilizo
medidas estándar, bombo de 22” y timbal base de
16”, aunque a veces llevo bombo de 24”
En los tiempos que corren ¿Vives sólo de la música?
Afortunadamente sí.
¿Cómo ves el panorama musical nacional, tanto a nivel
de grupos como de infraestructura musical (salas, apoyo
de las instituciones…)?
Cada vez peor, para la gente que nos gobierna la cultura es prescindible, están presionando de una forma
brutal a las salas y como sigan así no va a quedar
ni una abierta, es una vergüenza. Si ya de por si un
grupo de rock lo tiene difícil para sobrevivir y dedicarse a ello ahora más, es inviable que un grupo
pueda desarrollarse si no les das la oportunidad de
tocar y girar fuera, cada vez es más difícil conseguir
apoyo de las instituciones y para muchos artistas y
grupos la única vía que queda para grabar un disco
es el Crowdfunding. Nosotros somos unos privilegiados pero llevamos luchando muchos años y nunca
tiramos la toalla, aunque por épocas tengamos que
sobrevivir trabajando en otras cosas. ¡Hay que apoyar
a los grupos de tu ciudad y no dejar de ir a conciertos!
¿Sigues estudiando? Si es así ¿Cual es tu rutina o
método de estudio-práctica?
No suelo estudiar mucho cuando estoy de gira, pero
cuando escucho algo que me llama la atención lo
toco en las pruebas de sonido, casi siempre me llama
Tengo varias cajas y todas Ludwig: Jazz Festival, Vistalite, Supraphonic 400, Acrolite y Black Beauty.
En cuanto a platos siempre tengo Paiste y Zildjian
y suelen ser de los 60-70´s pero hay modelos muy
interesantes que se están fabricando ahora.
Para tocar utilizo baquetas HD4 de Vic-Firth que
son muy versátiles y las puedo utilizar con todos mis
grupos.
Háblanos del nuevo disco de Los Coronas “Adiós Sancho”
ya sabemos que está producido por Craig Schumache
(Calexico) y grabado por Chris Schultz en WaveLab
Studio (Arizona) pero ¿Cómo fue la experiencia?
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
“Adios Sancho” es un disco grabado al viejo estilo, en cinta y con el
grupo tocando en directo, buscando la magia de la primera toma y
logrando un sonido personal y orgánico.
Todos los temas son composiciones nuestras y todos hemos aportado ideas. Hay una parte del disco con el sonido clásico de Los Coronas y otra con claros homenajes al flamenco, a la rumba y al sonido caño roto. Además es la primera vez que nos hemos puesto en
manos de alguien ajeno al grupo y Craig ha sido el que ha asumido
toda la responsabilidad en cuanto a la estructura de las canciones,
arreglos, elección de instrumentos, etc. Por ejemplo, a mí me hacia
cambiar de caja en cada canción, probábamos un par de ellas y él
era el que elegía con cual tenía que tocar, incluso le decía a Chris
Schultz -que era el ingeniero de sonido- que me afinase la caja y el
resto de la batería antes de empezar a grabar, yo sólo me tenía que
preocupar de mi interpretación al grabar los temas y punto.
Conocimos a Craig, productor y dueño del estudio a través de Depedro, nos gustó su trabajo y le pedimos que mezclara nuestro disco el “Baile Final”, después le conocimos personalmente en Austin
(USA) y estuvo tocando con nosotros, nos organizó una barbacoa
estilo texano, fuimos a ver conciertos juntos…¡Es un cachondo!
Ahora ya tocaba ir a conocer su estudio en Tucson y poder grabar
allí el nuevo disco. Ya sólo la experiencia del viaje, los métodos de
grabación y el estudio han hecho que todo sea diferente y quede
registrado como algo muy especial. Fuimos hasta allí a buscar eso.
¿Tienes algún proyecto en mente?
Por suerte ahora estoy muy ocupado con mis grupos, pero desde
que me dejan cantar alguna canción no descarto que en un futuro
me lance en solitario a lo Phil Collins…
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ISSUE MAR-ABR 2013
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
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ISSUE MAR-ABR 2013
REVIEWS
Drum Workshop Collector´s
Materia prima, artesanía, innovación y
vanguardismo. Una pieza única.
Hola, mi nombre es Paco Casas y os voy a hablar sobre la
batería Drum Workshop Collector´s.
He firmado hace poco con esta marca, pero voy a basar mi
opinión en mis años de experiencia anteriores, ya que estoy
desde el 2005 vinculado a ella, trabajando tanto en directos
como en grabaciones.
Primero comenzaré describiéndoos mi set actual, su sonido y
algo a tener en cuenta, como el desgaste a causa del uso. Más
adelante también, y de una manera más global, comentaré:
novedades, sus cascos, fabricación y acabados. Y para concluir
opinaré sobre la crítica general del baterista, ya que esta marca
es admirada por su calidad y a su vez criticada por su precio,
pero sin duda no deja indiferente a ninguno.
Por Paco Casas
Mi set D.W.Collector´s
¿Qué es una D.W.Collector´s?
Actualmente dispongo de un Bombo de 22”x 18”,
otro de 18”x16”, Toms de 8”x7”,10”x9”, 12”x10”,
14”x14” y 16”x16”. La caja es de 14”x5”, todo en
acabado Finish Play (Ultra White Marine) exceptuando
la caja que es de color Lacquer Custom (Blood Red). Los
herrajes son de color negro y los aros de la batería son
estándar, no uso Die Cast, ni True Hoop. Con todo esto
voy configurando mi set ajustándome a las necesidades.
La batería es de Maple (Arce) y su fabricación de Junio
de 2005.
Cascos
Los parches que he empleado con ella son Evans G2 que
le dan definición y calidez a los toms o los Evans EC2
con los que dispones de un ataque muy bueno aunque
el sustain es más corto al igual que la calidez. En caja
utilizo G2 HD Dry al que le saca una buena presencia de
armónicos “dependiendo de la afinación”. Para bombo
monto EQ3 en el de 22” con un ataque y armónicos muy
presentes (sin Muflle) sólo el apagador “en forma de
almohada” que lleva de serie el bombo. Para el bombo
de 18” utilizo un G2 sin agujero en el parche frontal y
también con el apagador de serie.
Uso y desgaste
El deterioro en la batería hasta el momento no está
siendo notorio en su aspecto. Hablo después de muchos
conciertos, tanto en interior donde el instrumento está
más protegido, como en exteriores donde el clima nos
puede perjudicar. He de decir, que el acabado al ser de
vinilo influye a la hora de conservarse, es más resistente
a los golpes y demás rozaduras. Aunque el Tom de 8” y
el Bombo de 18” son nuevos de este año, debo destacar
que el color está igual que el resto de la batería, las piezas
mas antiguas lucen igual que las nuevas. Los herrajes
pese a ser negros también se conservan perfectamente.
Con la caja, al utilizar casi siempre el Ring Shot, el
tornillo afectado lo tengo que apretar después de un
bolo porque pierde algo de tensión. Aunque esté mal, es
bastante común en casi todas las cajas.
Sonido
Es una batería muy versátil con una adecuada afinación
y distintos parches, puedes prácticamente tocar todos
los estilos siempre amoldándote a las medidas que se
precisen. En mi caso tuve un problema con el bombo
de 22”x18” para ciertos estilos como el Jazz, ya que
obviamente es una medida con demasiado peso para
esos trabajos. De ahí vino el bombo de 18”x16” a la
familia. Este mismo también funciona ideal para fussion,
acústicos y contextos similares.
Normalmente los fabricantes de baterías han preferido
arce y abedul por sus cualidades tonales resonantes.
Muchos han ido incorporando la caoba u otros tipos de
maderas. El arce es una madera que ofrece un sonido de
gama baja de frecuencias en golpe, calidez y ataque, sin
embargo el abedul es rico en altas frecuencias, suaves
medios y potentes y profundos graves. Cada pieza tiene
la nota inscrita en el interior y su día, mes y año de
fabricación. Obviamente el sonido de los tambores
cambia respecto al parche que se utilice.
Novedades en los cascos
Las ofertas más recientes empleadas por D.W. son la
construcción de cascos de caoba africana.
Por otro lado la tecnología VLT shell (Timbre Bajo
Vertical) y X-Shells. El resultado es una cáscara muy
musical que es excelente para casi cualquier tipo de
música y perfectamente adecuado para aplicaciones en
estudio y en directo. Disponible en todos los tamaños
de cascos.
VLT (Vertical Low Tone)
Consiste principalmente que en vez de colocar las vetas
de la madera de forma horizontal, se colocan de forma
vertical. Esto produce menos tensión en el casco y por lo
tanto que vibre de manera más libre. Es ideal para quien
busque un tono más bajo, pero sin perder el ataque del
casco.
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X-Shells.
Emplean las capas de madera cruzándolas en diagonal
y bajan la tensión de las mismas, consiguiendo el mismo
efecto de las cuerdas de una guitarra, menor tensión
sonido más grave. Ahora se ofrece esta opción de
fabricación en todos los cascos y acabados disponibles
en Collector’s series. Con los cascos en X-Shell sonarás
con mayor potencia, sonidos más graves y cálidos. Para
ello, los cascos construidos con el sistema X-Shells
utilizan 8 capas de madera más aros de refuerzo.
abedul en cualquiera de los seis 6 (seis capas w / seis
capas adicionales de anillos de refuerzo).
FP: Finish Ply. Lámina de vinilo de alta resistencia y
durabilidad.
SO: Satin Oil. Satinados artesanales en un solo color.
Ideales para estudio.
SS: Satin Specialty. Satinados artesanales en dos o
más colores. Ideales para estudio
Conclusión General
En definitiva, hay que tener en cuenta en los tiempos
que corren no todo el mundo se puede permitir una
batería de alta gama, llámese D.W.Collector´s u otra
marca, pero mi experiencia ha sido la de invertir sobre
seguro, dadas sus prestaciones, sonido y calidad de
materiales. El amplio abanico de posibilidades que te
da D.W.(comentado anteriormente), para la elección de
una Collector´s, hacen de ella una pieza única.
Un abrazo grande a todos los amantes de este
instrumento.
Los aros que yo utilizo son estándar en toda la batería.
La marca también da la opción de Die Cast y True Hoop
LC: Lacquer Custom. Lacado artesanal en la que
tras el color se le aplican múltiples capas
transparentes pulidas y abrillantadas con esmero
una por una, para conseguir durabilidad tras el
paso de los años.
Die Cast, como todos sabemos sobresalen unos 2,3 mm
más de manera vertical y con ello ganamos un timbre
más armónico y mayor facilidad de Ring Shot. True Hoop
es similar a los cascos Die Cast pero con el borde del
aro de manera redondeada y su saliente es de 1,6 mm.
HSC: Hard Satin Custom. Se utiliza el mismo proceso
que las Lacquer Custom sólo que antes de llegar
al paso de abrillantado se les aplica una técnica
de “sellado”. Consecuencia: Un satin con la
durabilidad de un acabado lacado.
https://www.facebook.com/pacocasasdrummer
Los acabados de los herrajes pueden ser en: Cromado,
Cromado Satinado, Níquel, Oro y Negro. Todos ellos
tanto en aros como en bellotas.
LS: Specialty Lacquer. Mismos pasos que Lacquer
Custom pero más colores. Brillante como un
espejo.
Aros y herrajes
Acabados de Colletor´s Series :
Una amplia gama de acabados disponibles Exotic,
Lacquer Specialty, Lacquer, Satin Specialty, Satin Oil,
Hard Satin, Graphics y Finish Ply.
Serie Collectors , está disponible en maderas de arce o
HSS: Hard Satin Specialty. Igual que Hard Satin pero
con más colores.
EX: Exotic Woods. Capa exterior de madera exótica
seleccionada.
GR: Graphics. Este acabado está pintado a mano
por verdaderos artesanos y siguiendo el mismo
tratamiento de lacado que las Lacquer Custom.
Páginas de interés relacionadas:
https://twitter.com/PacoCasasDrums
http://www.youtube.com/user/TambienEnSarrion
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
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ISSUE MAR-ABR 2013
EN TREVISSTA
Pedro Pablo
Rodríguez
Asensio Ros “Wally”
La percusión
por dentro
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN TREVISSTA
¿Cómo empezaste en el mundo de la percusión?
¿Quiénes fueron tus primeros maestros y que métodos
de aprendizaje utilizaste?
¿Te digo la verdad? Bueno, mi hermana mayor estudiaba música en la escuela provincial y mis padres
que estaban bastante contentos con el tipo de enseñanza que daban querían que yo también fuera, pero
no me convencía...me gustaba más el deporte. Y un
día mi hermana me comentó que los baterías tenían
muchas novias y me presenté a las pruebas de percusión.
Los maestros de la Escuela Provincial de Arte de Pinar
del Río .Recuerdo en especial a Héctor Luis Alonso,
mi profesor principal y amigo; Gilberto, jefe de cátedra de percusión de la escuela; José Eladio Amad,
jefe de cátedra de la Escuela Nacional de Música . La
formación de los músicos cubanos parte de la música
clásica y el aprendizaje a parte de lo teórico, también
tenía clases individuales, prácticas de conjunto, etc.
Utilizábamos métodos de las escuelas rusas y americanas: Stick Control, Buddy Rich, Podemsky y otros.
¿Un buen percusionista nace o se hace?
Se hace; con buenos maestros, desarrollando las cualidades naturales y a través del esfuerzo y el trabajo
continuos. Yo particularmente no tenía tradición
musical en mi familia, como suele ser el caso de muchos otros percusionistas; sólo contaba con la referencia de mi abuelo que tocaba el tres como muchos
guajiros del campo en las fiestas familiares y bien
bien se sabía sólo cuatro o cinco canciones.
“¿El panorama
musical en
España?...
lo veo mucho
más difícil que
años atrás.”
Te contaré una anécdota que recuerdo de cuando tenía 15 años y era la época del período especial en
Cuba: solía ir al centro de la cuidad para comprar
pizzas que luego vendía a mis compañeros de clase
y con lo que ganaba me compré una grabadora y casettes para grabar música cuando iba a ver tocar a
grupos y después poder estudiarla. Lo que demuestra que cuando no se tienen los recursos necesarios,
como en mi caso que no había músicos en mi casa
que pudieran proveerme de ellos; uno se hace a sí
mismo a base de empeño.
Cuba es cuna de grandes percusionistas. ¿Por qué crees
que sucede?
Imagino que como yo, todos querían muchas
novias...¡jajaja! Hablando en serio, somos una mezcla de muchas culturas cada una con sus influencias
rítmicas; principalmente las africanas de diferentes
tribus y por esto el cubano lleva la percusión por
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ISSUE MAR-ABR 2013
dentro.
¿Cuáles son tus referencias musicales en percusión?
Mi maestro José Luis Quintana (Changuito); mi
maestro de batás y música afrocubana Reynaldo Hernándes (Naldo), hijo de “El Goyo”; Tata Güines; Miguel Angá; Giovanni Hidalgo; Muñequitos de Matanza; Yoruba Andabo; Clave y Guaguancó; Irakere;
Los Van Van...
Normalmente ¿Que música te gusta escuchar?
Me gusta el latin jazz, la música afrocubana, la timba,
Mikael Jackson, Boyz II Men, Feeling (sobre todo
con mi madre), Los Van Van... entre otros.
Entre los diferentes estilos musicales ¿En cuál te
encuentras más cómodo?
Latin jazz, rumba, música afrocubana, fusiones con
rock, pop, flamenco, etc… Salsa, Timba y hasta Reggaeton. Pienso que los percusionistas en los tiempos
que corren debemos ser todo-terrenos
Has acompañado a infinidad de artista en Cuba como
NG La Banda, Pío Leyva (El Montonero de Cuba), Juan
Pablo Torres, Demetrio Muñiz, Amadito Valdés, Eliades
Ochoa, Alain Pérez (con el que sigues colaborando
continuamente)... entre otros ¿Qué te han aportado
como percusionista?
Aprendes de cada agrupación y de cada director el
método de trabajo, desarrollas los estilos musicales
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN TREVISSTA
formado parte de varios proyectos como “Habana Blues
Band”... ¿Qué tal tu experiencia aquí? ¿Cómo ves el
panorama musical en España?
La experiencia ha sido muy positiva, poder fusionar
mi percusión latina con la música española dio resultados muy buenos y también he aprendido más
de la cultura española y he incorporado matices a mi
repertorio.
que aplican y estos maestros siempre te enseñan los
trucos de los antiguos percusionistas que les acompañaban en sus extensas trayectorias artísticas; ya sea
demostrándotelo en el instrumento o contándote
anécdotas.
Decidiste venir a España donde has acompañado a
grande artistas (Manu Tenorio, Luz Casal, Emilio Aragón,
Javier Massó “Caramelo”, Jerry González...) y has
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ISSUE MAR-ABR 2013
viduales o en grupo. El método de trabajo es siempre
personalizado, intento ajustarme a las necesidades e
intereses de cada alumno partiendo siempre de su
capacidad técnica. Los interesados puedes contactar
conmigo en el 675.92.75.42
¿Qué cualidades crees que debe reunir un buen
percusionista?
¿El panorama musical en España?... Lo veo mucho
más difícil ahora que años atrás, es más, te voy a contar
una anécdota: tengo un amigo percusionista que llamó al fontanero para un avería y ya entrando en confianza con él, éste le preguntó a que se dedicaba...y al
decirle que percusionista, pensando que era ironía el
fontanero le volvió a preguntar: “¿Pero de qué vives?
¿A qué te dedicas?” Si esta mentalidad no cambia, el
panorama musical español no será muy diferente de
la idea que tenía aquel fontanero...
Perseverancia en el estudio, creatividad, afán de
aprendizaje, espíritu de trabajo, alegría, capacidad de
improvisación... Es importante querer mejorar cada
día; tener la capacidad de ser exigente y crítico contigo mismo; la humildad para poder estar por encima
de la competitividad y absorber todo lo bueno que
puedan aportarte otros músicos… en definitiva, dedicación y pasión por lo que haces.
Has grabado con el maestro Bebo Valdez, ¿Como fue la
experiencia?
Según mi experiencia, es imprescindible un buen
maestro que te transmita sus experiencias y al mismo
tiempo te corrija todo lo que puedas aprender de forma individual. Yo he tenido la suerte de recibir clases
de grandes maestros, entre ellos José Luis Quintana
(Changuito) y te aseguro que corrige mucho mucho.
Grabé para la banda sonora de la película “Chico y
Rita” y me gustan las anécdotas e historias de Cuba
que contaba, que consiguen de alguna manera transportarte a la época que ellos vivieron...
Actualmente sigues impartiendo clases. Explícanos un
poco tu forma o método de trabajo con el alumno y un
contacto para los interesados...
Las clases van desde principiante a nivel avanzado,
dependiendo del nivel del alumno y pueden ser indi-
¿Crees que es imprescindible un buen maestro o puede
formarse uno de manera autodidacta?
Eres artista de la legendaria marca Latin Percussion
(LP), ¿Puedes contarnos el set que utilizas?
Como bien dices, tengo la suerte de contar con apoyo de Latin Percussion. Siempre ha sido mi marca
preferida porque la calidad de sus instrumentos me
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN TREVISSTA
permite siempre tocar al más alto nivel. En cuanto al
set, es diferente según la ocasión y el artista.
¿Algo más que quieras contar a Batería Percusión?
Si tuvieras que elegir un solo instrumento de percusión,
¿Con cuál te quedarías?
des artistas y estamos empezando a abrir mercado
fuera de España.
Considero que la conga técnicamente es un instrumento muy completo y su dominio te facilita la ejecución en la mayoría de los instrumentos de percusión.
Una de las cosas más bonitas con las que me quedo
es que a raíz de ver el espectáculo, algunas de las personas que empezaron como espectadores han terminado siendo alumnos míos o apuntándose a las clases
de danza afrocubana de nuestros bailarines.
Empecé con el proyecto hace como unos tres años
porque quería transmitir las raíces afrocubanas y populares de nuestra música, todo esto fusionado en
ocasiones con géneros de otros países. Siempre tuve
claro que a la formación original de la Rumba Cubana le añadiría el contrabajo y el tres, que son instrumentos muy utilizados en nuestra música tradicional, porque quería darle una sonoridad más actual.
También quería contar con una pareja de baile que
mostrara los bailes típicos de nuestra cultura.
Hemos actuado en muchas de las salas más representativas de Madrid con colaboraciones de otros gran-
ISSUE MAR-ABR 2013
de un grupo de Timba Cubana y tengo un proyecto
entre manos de una fusión de latin jazz afrocubano
que es un concepto muy innovador y del que espero
excelentes resultados
Por ejemplo, cuando toco latin jazz utilizo cuatro
Congas (paladium, que estoy encantado con su sonoridad, por cierto), juego de Batás, Cajón, Maracas, Chekeré, Bongó, en ocasiones Timbales; y otros
elementos de percusión menor. Cuando se trata de
pop tres Congas, Djembe, Bongó, Cajón, Panderetas, Timbales, Shakers, Campanas, etc.
Háblanos de tu proyecto LA RUMBA DE PEDRO PABLO...
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En este tiempo hemos logrado consolidar un público que nos sigue y disfruta con lo que hacemos casi
tanto como nosotros. Me gusta ver cómo nos hemos
convertido en una pequeña familia y aún así no deja
de sumarse gente.
¿Qué proyectos tienes a corto plazo?
Por una parte seguir desarrollando “La Rumba”, tengo varios festivales a nivel europeo previstos en Córcega, Grecia... también varias Clinic fuera de España,
eso sin dejar de lado a mis alumnos; a los que les voy
a seguir exigiendo el 200% en cada clase. Además,
estoy definiendo los últimos detalles para la creación
Darles las gracias y la enhorabuena por la fantástica
revista que llevan a cabo, ha sido un placer compartir
con ustedes un pedacito de mí, de mis vivencias y de
lo que es para mí la música. Les envío también un
saludo a todos los lectores y los que aún no lo son,
animarles a que le hagan un huequito a la música en
sus vidas.
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
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ISSUE MAR-ABR 2013
POP Y PERCUSIÓN, LA EXTRAÑA PAREJA
Pepe Cantó
Durante años una pregunta bastante usual que me han hecho tanto alumnos
como en cursos que he impartido ha sido: dónde se pueden encontrar
referencias de estudio para tocar Pop.
La verdad es que nunca he encontrado una respuesta lo suficientemente
concisa o específica, ya que no hablamos de un género con una raíz
tradicional sino de una especie de cajón de sastre, con tantas influencias que
es imposible organizar un conjunto de células rítmicas y presentarlas como
patrones preestablecidos, tal como ocurre con las músicas de raíz popular,
donde existen conjuntos de patrones que unidos crean los diferentes estilos
que conforman un genero o sentir musical, tales como las de origen africano,
las mediterráneas, las orientales, etc.
Aclarar que cuando me refiero a música Pop, escojo la acepción Pop como
abreviatura de popular en un contexto de música moderna a partir de los
años 60 más o menos, géneros bastardos que abarcan desde el R&B o el
R&R hasta el Reggae o la World Music, donde se tienen que idear una serie
de patrones que funcionen en conjunto con el 2 y el 4 de la batería y, que sin
entorpecer su camino, añadan riqueza y color al efecto global del tema, sin
llevarlo a un territorio no deseado. La tarea del percusionista en este caso es
muy complicada.
Tocar un tumbao en las congas sin que suene a latino porque estamos tocando
rock, manejar el shaker con feeling pero que no suene a brasil porque esto es
una balada pop, manejar con magia los efectos pero que no suenen a brujería
chamánica, unir un groove de darbuka al de la batería pero que no sepa a té
negro sino a hip-hop londinense...
Estos son algunos de los retos de los percusionistas modernos, aquellos que
rompieron los moldes de su barrio latino, su plaza afro-mediterránea o su
playa atlántica, y se internaron en la jungla de la música pop con la ilusión
de transmitir su sapiencia étnica en un terreno por abonar. Pero también de
aquellos que desde su barrio occidental miraron por la ventana a la lejanía y
vampirizaron culturas que no habían heredado.
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
Punto de partida
La primera incursión más conocida de la percusión en la música occidental es
la que aportaron los latinoamericanos en el jazz de los años 40. Pero me vais a
perdonar, hay tanto escrito sobre el tema que voy a obviar esta parte de la historia
y voy a saltar directamente a los 60, porque es en estos años donde el pop, tal
como lo entendemos hoy, se constituye como un gran fenómeno musical. Y como
por alguien hay que empezar, empezaré destacando a un joven Ringo Star, que
habiendo acudido a su primera cita para grabar con los Beatles se encuentra
con el batería de sesión Andy White y, por no hacerle un feo, le colocan una
pandereta en las manos para tocar Love me do (su primer gran éxito) y unas
maracas para P.S. I love you, en dicho tema por cierto suena un bongó, todo
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ISSUE MAR-ABR 2013
indica que tocado por Andy White. Por supuesto, Ringo grabaría instrumentos
de percusión en muchas ocasiones durante la carrera de los Beatles, aportando
riqueza tímbrica y colores a dicho repertorio. A destacar algunos momentos de
aperturismo musical por parte de George Harrison y su amor a la música indú
con la incorporación de tablas en: Love you to, Within you without you o, Your
mather should know.
Superando este particular punto de partida, la primera gran influencia percusiva
en el Pop nos llega de manos de la música negra, la gran familia del R&B y en
especial el Soul. Los ritmos funk de los artistas Soul que se utilizaron durante los
60 y se desarrollaron durante los 70 fueron una pareja perfecta para el desarrollo
de un nuevo concepto percusivo, que nos darían las claves esenciales para
23
16
entender la percusión en el Pop. Entre tanto material
grabado en este género querría destacar la percusión de
Wat’s going on, de Marvin Gaye, interpretada por dos
grandes como Eddie “Bongó” Brown y Earl De Rouen.
Fijémonos en ese slap de la conga en el tiempo 2 del
compás, capaz de apoderarse de la caja, complementado
con un abierto en el 1 e insinuando algunas síncopas
dándole vida al groove, para acabar en la parte final
del tema con ese poderoso slap al 2 y al 4 del compás,
buscando la línea del bajo con los golpes abiertos, en lo
que queda establecido como el típico bombo funk para
el resto de los tiempos.
Casos como el Superfly de Curtis Mayfield con una
explosiva dosis de afro percusión, interpretada por un
imaginativo Master Henry Gibson, darán a la percusión
un papel importantísimo en la constitución de grooves
bailables y calientes. Llegados a este punto una parada
para poner en su sitio a una de las excelencias en el
mundo de la percusión, la brillante Bobbye Hall.
Percusionista poco reconocida, desde mi punto de vista,
a la que considero una gran referencia de los 70: Marvin
Gaye, James Taylor, Carol King, Joni Mitchell, Janis Joplin,
Rod Stewrat, Billy Preston, Pink Floyd o Bob Dylan, entre
muchos otros artistas, solicitaron el gran sonido, buen
temple e imaginación de esta innovadora percusionista.
Justo en estos tiempos llega una de las mayores
influencias, sin duda, en la utilización de percusiones en
la música Pop, el señor Carlos Santana, con esa mezcla
de R&B, Soul y R&R impregnada de latinidad hasta la
médula. Esa utilización de la percusión en forma de
rumba descarga pero sin que se pierda la cuadratura del
rock, esa forma de fusionar la síncopa con el sentido del
back beat, aunque a veces éste fuera implícito, fueron
las bazas para crear una nueva sonoridad que muchos
grupos, tanto americanos como ingleses o incluso
españoles, adoptaron. Los ingleses Traffic con Rebop
Kwaku Baah o los españoles Barrabas con Tito Duarte,
fueron algunos de los que recogerían este componente
caliente de la percusión, enriqueciendo sus repertorios y
adaptándola a su personalidad.
Y como punto de partida no quiero olvidar la influencia
del Reggae, pues es en este género donde se crea
un nuevo concepto de uso de la percusión, que se
exporta luego a otras formas de música Pop. En el
Reggae la utilización de la percusión navega entre el
arreglo más estricto y el coloreo tímbrico para cada
tema. Eso sí, todo tocado con un sentido del tempo
absoluto y una inclusión en el groove que lo convierte
en verdadero cemento armado. A veces existe un mal
uso de este concepto siendo interpretado por muchos
percusionistas como una especie de figuras sueltas que
efectúan contrapuntos o fraseos, tocadas con poco rigor
y un carácter improvisatorio que en realidad no existe
en el Reggae.
23
Los artistas
Durante los 70 y ya entrados en los 80 es cuando se consolidan
los grandes percusionistas en la música Pop, debido claro está al
desbordante riego de discos que se graban durante estas dos décadas,
lo que hace que algunos de ellos se conviertan en verdaderas estrellas
dentro del negocio. De entre los americanos: Alex Acuña, Luis Conte, Bill
Summers, Munyugo Jackson, Sheila E., Mino Cinelu, Paulinho da Costa,
Bashiri Johnson, Ralph MacDonald, Lenny Castro y un larguísimo etc.
Entre estos existen tres grupos mayoritarios: el latino, el
afronorteamericano y el brasileño (más escaso que los anteriores).
El primero y último tienen características muy parecidas, incorporan
su cultura musical a cualquier tipo de repertorio, modificando lo
conveniente en su sistema de patrones para casar a la perfección
con el groove y el arreglo al que se tengan que adaptar. Tanto latinos
como brasileños han tenido que abrir su colección de instrumentos
genéricos e incorporar en ella nuevas adquisiciones tímbricas para
tener así más recursos y posibilidades, así si bien unos han cogido de
los otros: caxixis, ganzas, agogos o tamborines, los otros se han nutrido
de batás, bongós, campanas o timbales, y a su vez los unos y los otros
han incorporado instrumentos transatlánticos como: djembes, udús,
panderos o darbukas.
El afronorteamericano tiene otras características. Su cultura percusiva
la ha tenido que redescubrir, pues se perdió en tiempos de la esclavitud;
en norteamérica no dejaron que los esclavos tocaran sus instrumentos,
perdiendo así una parte importante de su patrimonio sonoro y cultural.
Ésta la redescubren con la llegada de inmigrantes latinos y brasileños.
Habiendo sin embargo crecido en un contexto de instrumentos
europeos con las formas musicales del Blues, el R&B y el Jazz, esto les
hace expresarse de forma diferente, pues si bien incorporan toda clase
de influencias afro, las tocan con un modo de expresión mucho más
contemporáneo y con un sentido del groove muy marcado.
Munyugo Jackson
24
16
En el reino Unido, la otra gran cuna de la Industria
musical, aparecen grandes nombres: Rebop Kwaku
Baah, Laisi Amao, Sola Akingbola, Pete Lockett, Martin
Ditchman, Danny Cummings, Snowboy... La escuela es
algo distinta a la americana. Si bien utilizan patrones
afro, latin, brasileños incluso orientales, su adaptación
y creatividad en el Pop, el R&B o incluso el R&R es
sobresaliente. Tal vez porque el Reino Unido es la cuna
del Pop, tal vez por ser otro sociedad, tal vez por tener
otros modelos de producción y otro concepto de sonido.
La cuestión es que casos como el de Martin Ditchman:
Sade, Chris Rea, U2, Brian May... o también el de Danny
Cummings: Dire Street, George Michael, Simply Red,
John Martyn... son a tener en cuenta, analizar y estudiar,
no solo desde el punto de vista técnico, sino por el
creativo y sobre todo el lenguaje.
Ya en los últimos tiempos, faltos de algo nuevo y tal vez
por ello, por fin, aparecen nuevos nombres venidos de
otras culturas y con una gran capacidad de adaptación
al Pop. En los últimos tiempos la percusión norte
africana, mediterránea y medio oriental está viviendo
un desarrollo espectacular. Sin embargo es muy difícil la
incorporación de algunos elementos de estas culturas,
como las darbukas o los panderos, al sonido Pop. Existen
dos razones fundamentales: suelen ser instrumentos en
los que su afinación destaca demasiado, con lo cual
pueden presentar problemas con la armonía del tema
en cuestión, y, no tienen un gran rango de volumen, con
lo cual no compiten bien con las baterías. Por suerte
muchos músicos y fabricantes han avanzado mucho
en los dos campos y la cosa está cambiando a pasos
de gigante. Quiero destacar dos nombres por su gran
adaptación al Pop: el veterano Hossam Ramzy, egipcio,
con una experiencia fuera de serie en el mundo del
estudio de grabación: Peter Gabriel, Khaled, Natacha
Atlas, Robert Plant, Afro Celts Sound System... y el
joven Rhany Krija, marroquí que en los últimos años
y gracias a sus colaboraciones con Sting, entre otros,
está aportando unos muy atractivos elementos norte
africanos y del medio oriente al Pop.
Qué sería de ellos.
La percusión no suele ser tenida en cuenta a la hora de
hablar de temas Pop. A veces parece como un florero,
adorna pero no es imprescindible. Nada más lejos de
la realidad. Si hablamos de temas donde la percusión
es el plato fuerte no ha lugar, pero ricemos el rizo,
¿existen temas melódicos donde la percusión sea algo
más que un adorno, dónde la exclusión de la percusión
nos cambiara tanto el “buen rollito” del tema que la
echáramos en falta?. Veamos aquí algún ejemplo de
temas que además fueron súper ventas en el momento
de su publicación:
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Smooth Operator de Sade, con Martin Ditchman a
los tambores: poneos el tema original y escuchadlo
intentando anular la percusión. Sin palabras, el resultado
no es el mismo.
a las congas, creando ese contraste entre los tiempos 1
para generar tranquilidad y los contratiempos del dos y
el cuatro (o al cuatro si medimos doblado) que es lo que
nos produce el baile, si a esto le unimos los acentos del
surdo en un estilo claramente Baiano obtienes esto, una
maravilla.
Do it Again de Steely Dan, con Victor Feldman a la
percusión: tres cuartos de lo mismo, ¿cómo anular esa
conga obsesiva o la cabassa casi fuera de su rango
sonoro? ¿o esos pequeños detalles de percusión menor?
Ride like the wind de Cristopher Cross, con Lenny Castro
y Victor Feldman a la percusión: tal vez un standard del
toque de congas en este tipo de groove Pop, que no te
deja ir ni a corcheas ni a semicorcheas. El impagable
Castro incorpora en el contratiempo del 2 al 3 dos
semicorcheas, rompiendo el camino de corchea plana,
poco a poco incorpora alguna que otra semicorchea más
pero sin dejar nunca que nuestra subdivisión esencial
sea de corchea. Mientras Feldman, imagino, ataca con
unas claves al 2 y al 4 apoyando la caja cuando el tema
más lo necesita, y al final con el dibujo de conga mucho
más libre se incorpora un cencerro galopante, como el
mismo título de la canción. Memorable.
Sola ante el peligro.
También hay grandes temas en nuestra memoria
colectiva que no tienen batería, y a veces ni se ha
reparado en ello, una pequeña muestra serian estos dos
temas, no precisamente desconocidos sino más bien dos
temas esenciales en la música moderna.
Coyote de Joni Mitchell, con Bobbye Hall a la percusión:
cada vez que la oigo se me antoja increíble, un ritmo
básico de congas basado en una variación de tumbao,
Para acabar, quiero rendir tributo a uno de los grupos
pop que más utilizó la percusión de forma determinante
a lo largo de su carrera, Talking Heads, y que después de
su disolución, su cantante David Byrne ha continuando
practicando con especial énfasis. Y recordar el gran disco
de Paul Simon The rhythm of the saints. Un verdadero
festival de percusión para el que contó con un nutrido
grupo de fantásticos tamboreros: Nana Vasconcelos,
Mingo Araujo, Dom Chacal, Sidinho, Giovani Hidalgo,
Anthony Carrillo, Francisco Aguabella y un largo etcétera,
logrando sustituir sin complejos ni artificios la rigidez
rítmica de la música Pop, pero sin afectar un ápice a la
esencia de una buena canción, la melodía.
escasos golpes en el mantenimiento del groove, pero
con pequeños fraseos en los sitios que más le convienen
al tema, una interpretación muy libre pero altamente
consecuente, que junto al gran bajista Jaco Pastorius y
el muro sonoro que crea la propia Joni Mitchel con sus
guitarras, propulsa al tema a otra dimensión.
Mercy Street de Peter Gabriel, con Djalma Correa a
la percusión: la polirritmia creada por los diferentes
elementos, surdo, congas y triángulo en este tema me
parece exquisita, la dirección del triángulo sincopado,
su volumen excesivo, la sonoridad suave del surdo junto
En el tintero se quedan discos, percusionistas, temas
y magníficas producciones; indudablemente no están
todos los que son, pero seguro que si todos los que
están.
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
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ISSUE MAR-ABR 2013
DIDÁCTICA
Scatterbrain
Jeff Beck. Batería: Tony Smith
Un acercamiento a los grandes
de la fusión (11)
Textos y transcripción : Pablo Posa
¿Puede un tema de jazz-rock en 9/8 hacerse popular entre los adolescentes de
todo el mundo? La respuesta es si .Claro que la cosa tiene coña, porque la razón
de que lo conozca tanta gente no es otra que estar incluido en el repertorio del
famoso juego Guitar Hero
Pocos de estos chavales saben que el tema “Scatterbrain” es un clásico del
guitarrista Jeff Beck, aunque muchos baterías jóvenes lo descubrieron al ver
la última formación de su banda que incluía a Vinnie Colaiuta, pero el tema
no es precisamente nuevo. Aparece por primera vez en el mítico disco de Beck
“Blow by Blow” que data del 1975, aunque la versión que trataremos es la
del Live with Jam Hammer band del 1977. No vamos a descubrir a Jeff Beck a
estas alturas pero sí que apuntaremos un par de cosas sobre los personajes que
grabaron este disco. Primero, hacer mención de Jan Hammer .En este disco la
mano del antiguo teclista de la Mahavisnhu Orchestra se nota de principio a fin
y le aporta una energía especial a los temas respecto a las versiones de estudio.
Por otro lado el batería Tony Smith es conocido por el gran público por ser el
batería de Lou Reed. Nada que ver con el mundo del jazz-rock o fusión, pero la
faena que hace en el disco está al nivel de cualquiera de los grandes del género
y contribuye sobremanera a engrandecer el sonido de este directo que está
considerado por algunos críticos como uno de los mejores directos que se hayan
hecho dentro del jazz “eléctrico”.
Entrando en el tema, la intro es una improvisación sobre la forma de 10
compases de 9/8 y 4 de 3/8 (Marcas) a mitad del tempo del tema en sí. En la
versión de estudio no existe esta intro. Hemos transcrito la primera parte de esta
introducción con el objeto de ir cogiendo la onda de este tipo de métrica tal y
como la interpreta la banda (subdivisión en corcheas 2 +2+2+3). Después de
una parada marcada con un calderón comienza el patrón poco a poco, hasta
que entra la riff-melodía que identifica la canción. El patrón comienza en el
HH pero enseguida pasa al ride simplificando la mano derecha. El tema tiene la
misma estructura que la intro pero a doble velocidad. Los solos son en 4/4 más
las marcas en 3/8 y el riff en 9/8 para dar paso al siguiente solista (violín). El solo
de Jam Hammer es en 9/8 y el tema acaba con el riff y las marcas.
Hemos incluido un par de patrones alternativos de aire más paradiddleliano (uno
en HH y el otro en ride) más en la onda Colaiuta como variación a la hora de
acompañar los solos.
Scatterbrain es un buen tema para poner a prueba nuestra capacidad de
enfrentarnos a métricas diferentes.
¡Qué lo disfrutéis!
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DIDÁCTICA
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DIDÁCTICA
Percusión al día
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ISSUE MAR-ABR 2013
Puedo decirte que lo que estás
buscando, está a tu alcance, no
quedarás defraudado.
Por Pepe Cantó
En esta primera entrega de percusión al día, quiero mostraros unos patrones
de cajón adaptados de ritmos baterísticos, que considero fundamentales en la
música moderna.
Los dos primeros son dos Afrobeats o Afrofunks, basados en uno de los patrones
más conocidos del gran Tony Allen, baterísta de Fela Kuti en los 70 y considerado
el inventor del ritmo Afrobeat. Los dos segundos están basados en uno de los
rudimentos más característicos de Second line, original de New Orleans. Los dos
últimos son una muestra de shuffle típica del Blues y el R&B, pero que interpretada
en el cajón os dará una sonoridad más hihopera.
B: grave, +: agudo, S: agudo acentuado.
WWW.IBERDRUM.COM
Lug Lock TM
C/ Josefina Aldecoa Nº 6 - Illescas - Toledo - 45200 - España
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
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ISSUE MAR-ABR 2013
DIDÁCTICA
Acerca de los Paradiddles
Textos y transcripción : Raúl Guzmán
Cualquier interesado en la batería, tambor de marcha, caja o afín, tarde o
temprano se encuentra con los paradiddles. Sin embargo, es poco probable
que logre encontrar a alguien que le explique o realice un análisis sobre los
paradiddles y, en definitiva, le diga de donde vienen, porque están aquí y cual
la razón de su existencia. En estas líneas espero poder responder a algunas de
estas interrogantes desde un punto de vista práctico y ayudar a sus mentes
a desarrollar una perspectiva apropiada y en contexto de los venerados
paradiddles.
Paradiddle es una voz inglesa que se originó de la onomatopeya del sonido
producido por el tambor al ser tocado, es decir, a este rudimento se le dio
el nombre del sonido que produce al ser ejecutado como a muchos otros
rudimentos. El modelo básico del paradiddle (DIDD y viceversa) tiene diferentes
variantes desde el punto de vista de la acentuación y la digitación. Así, según
la digitación y acentuación tenemos el paradiddle simple, paradiddle invertido,
paradiddle externo y paradiddle interno. Existen otras variantes del modelo
básico, a saber: doble paradiddle (para-paradiddle), triple paradiddle (parapara-paradiddle) y el paradiddle-diddle. Cabe destacar que estas variantes son
válidas tanto para los paradiddles acentuados y como para los no acentuados.
Ahora analicemos la mecánica implicada en la ejecución de un paradiddle,
para lo cual necesitamos revisar los orígenes históricos de este rudimento. Los
rudimentos de tambor se originaron en el ámbito militar donde el tambor de
lado (en ingles side drum) marcaba el pulso para la coordinación de las marchas
y maniobras de campo. El ejecutante de los patrones rítmicos de tambor tenía
la obligación de lograr que todos los soldados en el campo de batalla le oyeran
de manera clara, por lo cual tocaba un tambor muy grande y de sonido seco;
lograba su gran sonido con baquetas muy grandes y tocando muy fuerte. Se
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ISSUE MAR-ABR 2013
DIDÁCTICA
puede ver en muchas pinturas sobre batallas como el tamborilero alza su
mano tan alto como su cabeza, incluso más arriba, para marcar el ritmo del
combate. La obligación de mover las manos a tal distancia del tambor requería
que el tamborilero encontrara la manera de darle tiempo a sus manos para tal
movimiento, sin dejar espacios “vacíos” en el ritmo.
El resumen histórico anterior sirve de introducción para exponer el uso práctico
de los paradiddles. Los paradiddles no acentuados sirven para cambiar la mano
con la cual se inicia la ejecución de un patrón rítmico. Puedes comprobarlo
por ti mismo; ejecuta golpes alternos (DIDI) en la caja y cuando lo consideres
introduce un paradiddle (DIDD o viceversa) y veras como la mano que inicia
el patrón rítmico ha cambiado. Las variantes invertido, externo e interno se
pueden emplear con el mismo propósito cuando se quiere que el cambio de
manos ocurra en un lugar diferente del inicio de un patrón rítmico. Por otro
lado, la variante paradiddle-diddle se puede emplear para el objetivo contrario:
mantener el inicio de un patrón rítmico sobre la misma mano. Esta variante
es particularmente útil en compases 6/8. Te invito a experimentar con estas
posibilidades. Volviendo a enlazar con el resumen histórico anterior, si el
tamborilero, que utilizaba agarre tradicional, quería marcar un acento fuerte
podía emplear el paradiddle para mantener o regresar la ejecución de dicho
acento a su mano dominante.
En cuanto a los paradiddles acentuados se puede decir que los golpes dobles
de la segunda mitad del patrón rítmico tienen el objetivo de darle tiempo a la
mano contraria para preparar y ejecutar el acento, siempre que este acento
coincida con el inicio del patrón rítmico. Los paradiddles dobles y triples se
pueden usar para ejecutar dos o tres acentos en rápida sucesión. Algunos
pensarán que los diddles acentuados también son de similar utilidad, y en
algunos contextos puede que incluso sean más apropiados. No obstante, los
paradiddles acentuados tienen una ventaja frente a los diddles acentuados:
la alternancia de manos inmediatamente después de la ejecución del acento
permite al ejecutante disponer de tiempo para retomar el control de la baqueta,
una libertad que los diddles no proporcionan.
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ISSUE MAR-ABR 2012
DIDÁCTICA
Escucha el archivo de audio
Para ilustrar lo expuesto, dejo un pequeño solo de mi autoria donde aplico
en un contexto musical diferentes variantes de los paradiddles. Te sugiero que
antes de lanzarte a saber si puedes tocarlo o no, analices el solo para responder
preguntas como ¿Qué variante de paradiddle se utilizó aquí y con que propósito
práctico? ¿Como lo pude haber resuelto yo?
Estimado lector, te invito a mirar los paradiddles desde esta perspectiva práctica
y te propongo un ejercicio analítico-constructivo: toma un patrón rítmico de
algún manual de rítmica que este a tu alcance y convierte ese patrón en un
patrón de acentos. Luego, “rellena” los espacios entre notas con semicorcheas
y, para finalizar, escribe la digitación de estas semicorcheas como diferentes
variantes de los paradiddles. Este ejercicio abrirá tu mente a tomar decisiones
como mantener o cambiar la mano que dirige, como preparar los acentos, que
hacer luego de los acentos, con cual dinámica tocar, a que velocidad... en fin,
este es el primer paso para ser un verdadero conocedor de los paradiddles y
no un simple ejecutante. Por cierto, no olvides tocar tu propia creación. Éxitos.
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B2 de 2C Audio
Manejando el espacio
Hoy repasaremos uno de los últimos lanzamientos más exitosos en el mercado de
las reverberaciones algorítmicas, el aclamado B2 de 2C Audio, que tras la experiencia
obtenida con sus anteriores títulos Aether y Breeze, lanzan al mercado esta sofisticada
herramienta que ha sido bienvenida con los brazos abiertos por los productores más
exigentes.
Para empezar, ¿Qué diferencia a B2 del resto de reverbs del mercado? Funcionalidad total
gracias a su motor dual, desde donde podremos controlar independientemente funciones
modulares, activarlas o desactivarlas según nuestra conveniencia y asi también ahorramos CPU
que nunca está de más.
Disponible en VST/AU/RTAS para Windows y OSX a 32/64 Bits para la gran mayoría de DAW´s
en el mercado, B2 ofrece control para los más expertos, y variedad de presets, para los menos
dados o simplemente perezosos, con sus más de 600 presets. Cabe añadir que los usuarios de
Breeze y Aether obtienen descuento en su compra y que B2 puede cargar presets de Breeze,
ya que B2 está basado en su diseño. En la red existen numerosos lugares donde se comparten
carpetas de presets de Breeze. Desde aquí recomendámos su búsqueda y adquisición, los
resultados pueden ser impresionantes y algunos de estos presets realmemente marcan la
diferencia.
Por Agus González-Lancharro
Los chicos de 2C Audio denominan a B2 como un
“procesador espacial”, y tiene mucho sentido. Con tal
cantidad de parámetros y complejidad de programación
la línea entre convolución y algoritmo desaparece. B2
nos transporta a mutitud de ambientes diferentes solo
pasando de preset a preset. Esta pequeña maravilla nos
permite también alcanzar tal grado de manipulación con
sus modulaciones y efectos que podría ser considerada
también una potente arma de diseño de sonido.
Desde la interfaz podremos intercambiar los diferentes
motores, doble y simple, manejo de LFO´s y efectos.
Como ya hemos mencionado con anterioridad, la CPU
puede verse muy relajada o, por contra, muy afectada,
dependiendo del número de motores que estemos
utilizando, efectos y modulaciones. A medida que nos
vayamos adentrando en el plugin lo veremos todo más
claro, pero si que es cierto que al principio tantos colores,
botones y nombres raros pueden sobrecogernos. Una
buena ayuda para aclararse las ideas es la diferenciación
de colores. Un motor utiliza el azul y el motor restante, el
color verde. Con este pequeño matiz aclarado, podemos
comprender lo que vemos un poco mejor.
Evidentemente no es lo mismo utilizar un solo motor
que dos, y estos dos darán diferente respuesta si son
utilizados en cascada o paralelo, con o sin efectos.
Con los botones principales de Size y Time podremos
molderar el tamaño de la habitación que estemos
creando, estos controles son sin duda la razón de ser de
cualquier reverb que se precie.
En Geometry obeservamos los controles que nos
permitirán dar forma al efecto de reverb que estemos
creando, todo ello con una explicación muy gráfica
gracias a la asignación de colores ya explicada.
En el caso de estar utilizando dos motores, el fader
llamado Balance jugará un papel muy importante,
ya que controlará el equilibrio en la mezcla de cada
motor. También contaremos con un limitador para
evitar problemas posteriores de mezcla y mastering,
poniéndole el bozal al perro antes de salir a pasear.
Niveles de dinámicos, equalización, difusión y densidad
también estarán a nuestra disposición a lo largo y ancho
de la poblada GUI.
Conclusión
A un precio más que accesible, B2 destaca entre las otras
reverbs de su especie y pone en compromiso a otras
similares de un rango de precio más elevado. Flexibilidad,
claridad de sonido y variedad de contenido en es lo que
encontraremos. Altamente recomendable.
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Cubase 7
Avanzando en DAW
Steinberg lanzó a finales de 2012 su esperada última entrega del popular Cubase.
Esta 7ª versión se nos presenta plagada de novedades y nuevas herramientas para
hacer de nuestras grabaciones un momento del que disfrutar e innovar a partes
iguales. ¿Tienes dudas sobre qué Digital Workstation utilizar? ¿Quieres demostrar
al mundo que eres un potencial gurú del MIDI? ¿Te gustan las ventanas “todo en
1”? ¿Utilizar Drag n2 Drop te hace sentir que estas utilizando software del S. XXI?
Prueba Cubase 7 y después decide.
Con esta nueva entrega, Cubase 7 pone a nuestra disposición unas posibilidades de mezcla
remozadas, como su integración del nuevo channel strip (con presets de Allen Morgan
productor de Taylor Swift, Nine Inch Nails), Channel Central (control de operaciones),
MixConsol, que elimina la necesidad de abrir varias ventanas para poder familiarizarse con
la mezcla, una queja que muchos tenían con las versiones anteriores de Cubase. También
disfrutaremos del nuevo monitoraje de la señal, increíblemente útil para ajustar niveles de
volúmen y mantener la dinámica en una mezcla, el nuevo Chord Assistant y otra serie de
trucos para hacer de nuestra tarea menos árdua. Si eres alguien experimentado con antiguas
versiones de este legendario software, no debería costarte más de una tarde el adaptarte a
sus novedades. En cambio, si eres neonato en estos menesteres, no todo será coser y cantar,
pero tampoco será más complicado que el acostumbrarse a cualquier software de este tipo
debido a su estructuración intuitiva, refiriéndonos tanto a audio como MIDI.
Por Agus González-Lancharro
Una de las nuevas herramientas creadas para Cubase
7 alegrará a muchos (aunque no tanto a los creadores
de Melodyne). El nuevo Chord Track identificará la
estructura armónica y proporcionará información acorde
y escala. También tiene la posibilidad de realizar ajustes
armónicos a las pistas que se han procesado utilizando
la función VariAudio también incluida en Cubase. ¿Qué
es VariAudio? No es más que una potente herramienta
que permite la múltiple edición en un solo editor y la
armonización de los coros. Con VariAudio y Chord Track
funcionando juntos, podemos puentear acordes así como
generar progresiones armónicas de acordes. Bueno,
¿eh? Aunque los resultados no son particularmente
naturales, podemos utilizarlos de manera creativa, ¡Qué
para algo pretendemos producir!
Más novedades: ¿Quieres grabar y producir a distancia?
VST Connect ST trabaja a tiempo real con audio y vídeo,
así como establecimiento de llamada y chat. Esto significa
que un productor en Frechilla de Almazán, Soria, puede
grabar a un vocalista en Cuyahoga Falls, Ohio, en tiempo
real con video y audio de intercomunicación. Aunque es
ya mítica la historia de Howard Shore componiendo
desde Nueva Zelanda y dirigiendo la grabación a tiempo
real de Abbey Road en Londres para “La Comunidad
Del Anillo” hace casi 3 lustros, nunca antes se había
ofrecido esta posibilidad al común de los mortales.
La nueva expansión híbrida para HALion Sonic SE
cuenta con 300 sonidos de instrumento híbrido de
pianos, voces, cuerdas exuberantes y y diversas texturas
analógicas y digitales. En cuanto a MIDI, Cubase 6 ya
podía considerarse como el software más avanzado
en la materia, y Cubase 7 sigue en línea ascendente
y entramos en territorio más creativo. Aunque no
es novedad de Cubase 7, bien vale la mención. VST
Expression permite que articulaciones, tales como
curvas de tono y las curvas de volumen, puedan ser
manipuladas independientemente para cada nota de un
acorde MIDI.
Seremos capaces de transformar el realismo y las
cualidades expresivas de las interepretaciones de
instrumentos virtuales, a través de su editor gráfico
para dibujar y editar estas articulaciones. Mucho
deberá mejorar la competencia para equipararse a las
posibilidades que Steinberg introdujo en su día en el
mundo de la producción.
Más cositas: Los nuevos botones AB Comparison and
Golbal Bypass para probar diferentes configuraciones
del plugin, Plugin de Voxengo de CurveEQ inluido para
control quirúrgico y capacidad de clonar las respuestas
de frecuencia. Los EQ de 4 bandas ahora incluye filtros
Hi y Lo Pass y un analizador de espectro superpuesto
en la curva de EQ para ayudar a definir los ajustes.
Función de búsqueda de plugin, Control Room
integrada para hablar a/desde la “pecera”, drag-anddrop para manejar plugins, mejorado Groove Agent
con 30 kits de batería nuevos y un bonito look de
pads, miles de loops para construcción...
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Conclusión
Cubase 7 se adelanta de nuevo a su competencia más
directa ofreciéndonos diversas mejoras que nos harán la
vida mucho más fácil. Steinberg se adapta perfectamente
a los nuevos tiempos ahorrándonos ciertos dolores de
cabeza y pasos intermedios, integrando en la medida
de lo posible todas las posibilidades en su magnífico
MixConsole y elegantes faders, además de otras
“chuches” como el Chord Track y nuevos plugins. La
envídia, por el momento, de usuarios de otras DAW.
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Dime qué escuchas/ves/estudias
y te diré quién eres.
Textos: Danko Compta Hirnyj.
Discos, directos, métodos, websites, y curiosidades en los que parar, ya sea un ratito o para
que formen parte de tus incunables.
CD
Un disco producido en La Catacumba Studios (Miguel Pino a los
mandos y los dos músicos a la producción). Grabado en un día y
mezclado en otra jornada.
Un proyecto nacido de un ciclo de duetos que hacían en el club
Jazzman de La Ciudad Condal (Rosa Galbany como programadora
de un club que mantiene la música en vivo, de los pocos que van
quedando…)
Un disco lleno de primeras tomas y un par de temas con un Loop
Station en el que Pastor va generando capas de trompeta para
auto-armonizarse.
Una propuesta interesante para conocer un nuevo concepto musical, sin desmerecer a los bajistas, ni demás músicos imprescindibles para formar una banda “típica”, pero en esta ocasión la
experimentación es el suelo sobre el que se asientan los altavoces
que reproduzcan este disco.
CAMINS DISPARS
Pere Foved
y David Pastor
En esta edición voy a hablaros de dos discazos.
El primero una apuesta arriesgada a orejas convencionalistas. Un
tándem más que curioso formado por dos grandes músicos de
Barcelona. David Pastor a la trompeta y Pere Foved a la batería.
Tempos frenéticos, otros de puro groove al estilo r’n’b, otros mas
arrastrados con esas escobillas que Foved friega con esa artesanía.
Creo que da igual el estilo que tengas como predilecto, un disco
que atrapa, al menos una vez.
Ojo, escuchándolo a uno se le ocurre que es un maravilloso regalo
para tus amigos bajistas, teclistas y guitarristas, para que estudien
con él.
¿Aebersolds? Mejor un disco real con composiciones reales con
dos grandes músicos reales!
GRITARÉ
Momo Cortés
“Gritaré tu nombre” es el nuevo trabajo discográfico de este músico madrileño que ha trabajado en mil y un escenarios, tanto de
rock, como de teatro musical, como de tantos otros estilos.
Momo Cortés se caracteriza por un registro vocal que le llevó a
protagonizar el musical de Queen “We Will Rock You” aquí en
España. Este disco que recién presenta, grabado en los estudios
ASK bajo la producción de Alejo Stivel y Josu García, se compone
de 12 temas que transmiten la energía del rock progresivo, pop
contundente y baladas con definidas melodías, con Muse, Queen,
Toto, The Beatles o Radiohead como influencias para colorear las
composiciones del propio Momo con letras e historias honestas,
polémicas y transgresoras.
“Gritaré tu nombre” describe claramente un ambiente oscuro y
“apocalíptico” como se define en el propio dossier de prensa (muy
profesional, como “tié” que ser) El propio Brian May, padrino y
colaborador del artista, define el nuevo trabajo como sorprendente
y muy innovador.
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Yo lo he escuchado en 4 días unas 10 veces, sin exagerar, y debo decir que como amante empedernido del
buen rock, bebiendo de mil y una influencias, como
amante empedernido de la música en general, he tenido
una amalgama de sensaciones que hacen que aplauda
este disco no sólo en el aspecto técnico, con unas baterías a cargo de Ángel Crespo que echaba en falta en una
producción castellana hacía tiempo, sino por la paleta de
colores que ofrece no sólo el disco como conjunto artístico
sino cada tema.
Si tuviéramos una cultura más amplia en nuestro país, éste, sin
duda, se convertiría en un disco aclamado por todo el público rockero. A mi parecer, uno de los álbumes más arriesgados y potentes
de la escena independiente en la España actual.
Todos los temas compuestos por Momo Cortés excepto “Volverás” compuesto por Diego Miranda.
Arreglos en “Perdí mi oportunidad” y “Unidos por el odio” de
Francois Le Goffic y Tato James Monrabal Cook.
Momo Cortés : Voz, pianos, coros y trompas
Diego Miranda: Bajo y arreglos de viento y cuerdas en “Volverás”
Francois Le Goffic: Guitarras
Ángel Crespo: Batería
Josu García: Guitarras en “Ave Fénix”, “No”, “Unidos por el
odio” y “El corazón se arrugó”
Amparo Vida: Trompas en “Ave Fénix”, “Gritaré tu nombre” y
“El Camino”.
Pere Caldes: Cello en “Otra mierda de canción de amor” y
“El Camino”.
Eva Blanco: Flauta en “Gritaré tu nombre” y flautín en
“Unidos por el odio”.
Bernat Hernández: Arreglos de cuerda
Mezclado por Marc Janipka
Ingeniero de sonido Sam Olrich
Programación Javier Kanesky
DOCUMENTAL
SOUND CITY
directed by Dave
Grohl
En esta edición no puedo evitar volver al que es uno de mis mayores
ídolos.
VÍDEOS
TRANSATLANTIC
More never is enough
Una super banda formada por 5 super músicos.
Neal Morse
Keyboards, acoustic guitar, vocals
Mike Portnoy
Drums, vocals
Pete Trewavas
Bass, vocals
Roine Stolt
Electric guitars, vocals
Daniel GildenlöwAcoustic and electric guitars, percussion, keyboards, vocals
Con integrantes así, miembros de bandas como Spock’s Beard,
Dream Theater, Flower Kings, etc. con composiciones como las
que nos regalaron en sus dos discos de estudio y en sus giras mundiales, uno tiene material suficiente para disfrutar de la música y
para aprender recursos no sólo rítmicos (de los que más me han
influenciado en mi carrera) si no armónicos y líricos.Con material
de la gira que realizaron en 2010 este pack contiene 3 CD’s y 2
DVD’s con las 3 horas de duración del concierto.
Neal Morse declara esta producción como la inmortalización de
uno de los mejores shows que hicieron en ese periodo.
Importante disfrutarlo dada la complejidad de la música que estos
monstruos hacen.
¡Palomitas, sofá, luces fuera y buen viaje!
No sólo hace proyectos musicales
insoportablemente cañeros como Foo Fighters o Them Crooked
Vultures y participando en proyectos como Juliette and the Licks
sino que además produce y dirige una película-documental como
de la que vengo a hablaros.
Creo que es uno de los mejores regalos que se nos ha hecho en la
última década a nivel documental-musical.
No sólo habla de un estudio mítico de Hollywood en el que se han
producido enormes discos de la historia del rock y del pop (Nirvana, Garbage, Neil Young, John Fogerty, Motorhead, Fleetwood
Mac, Paul McCartney, Foo Fighters y un inacabable etcétera) sino
que plantea, a través de pequeños parlamentos de casi todos los
que han pisado el estudio y que son iconos de la música moderna,
la situación actual de la música de una forma natural e interesante. Composición de la música en pos de la venta o del concepto,
formato de grabación analógico y digital, aprendizaje de cómo
tocar un instrumento, la edad y el credo de los artistas y bandas
noveles, y otro largo etcétera.
Recomiendo encarecidamente esta joya en vuestra videografía, y
no está disponible en tiendas, así que hay que acudir a iTunes. Y
en este caso la piratería es lo peor que podéis hacer, el precio de
la película es ridículo dado el material que en ella podréis encontrar… 12.99$
En iTunes o yendo a la web para que te dirija al servidor
http://buy.soundcitymovie.com/
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MÉTODO INSTRUCCIONAL
(DVD/LIBRO/AUDIO CD)
LIQUID DRUM
THEATER
Mike Portnoy
Este doble DVD editado
en 2001 aúna material de
Dream Theater y el proyecto paralelo contemporáneo
Liquid Tension Experiment
en el que Mike Portnoy, John
Petrucci y Jordan Rudess se
juntaron con Tony Levin (Peter Gabriel entre otros) para dar rienda suelta a la técnica y la
composición más progresiva.
Patrones, chops, breaks, fils y la particular técnica de Portnoy en
multicámara, ángulos diversos, foot-cams, y material extra para
pasar unas buenas horas estudiando y ¡disfrutando también!
Empezamos a recomendar App’s, si el mundo se mueve, ¡nosotros
también!
A pesar que a través de los “smart-phones” también podemos
visitar webs, parece que el futuro se resume cada vez más y se
concentra en las famosas App’s que nos acompañan en todo momento.
En este caso, una buena aplicación que nos propone patrones de
groove al puro estilo Garibaldi (Tower of Power) como si de una
“tragaperas”de casino se tratara.
Le das al botón y al azar obtendrás 4 posibilidades de pulsación
basadas en semicorcheas principalmente para groovear a tope.
Una buena paleta de dificultades, tempos y combinaciones entre
bombo, caja y charles.
No sólo podrás leer en el pentagrama partido en 4 si no que podrás escucharlas y optimizar el tempo de escucha para comprender mejor la sonoridad del patrón.
BLUE ZULU – tv2
Ya sabéis que en lo que se refiere a buscar programas de televisión
dedicados a la música en nuestro territorio es una ardua tarea.
Pero tenemos la “suerte” que la televisión pública hace poco estrenó una serie de 13 programas que se amplia a 18 en los que la
música es la total y única protagonista.
Un plató, dos escenarios, dos propuestas musicales, que sobretodo
bailan entre el pop, folk, alternativo, flamenco, rumba, pero que
nos da la oportunidad de conocer, como mínimo, 36 propuestas
cada lunes a las 20.30 h en TV2 de formato nacional.
Ya sabéis, tanto en el electrodoméstico más importante de la humanidad (justo después de la nevera y el microondas) como en la
red podréis ver estos programas y conocer un poquito mejor lo que
se está cociendo.
http://www.rtve.es/alacarta/videos/blue-zulu/
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¡A estudiar tocando, que es lo mejor!
En las tiendas de tu dispositivo móvil o www.drumlinear.com/
RADIO - (PROGRAMA / CADENA)
“A la búsqueda y captura”…
WEB SITE - APP
App: DRUM LINEAR de Sam Brown
TV - (PROGRAMA / CADENA)
No tiro la toalla, pero está costando mucho! Seguimos buscando
una emisora de radio o programa de radio que nos brinde información musical de interés general…
Seguimos alentándoos que nos escribáis si conocéis de alguna
cadena de tv o radio nacional o local que se nos escape y poder
así compartirla con todos nuestros lectores, ¡Qué no son pocos!
En nuestro ánimo de expandir nuestros conocimientos musicales
os animamos a que si conocéis programas o cadenas de televisión
y de radio nos escribáis para descubrírnoslas y así poder recomendarlas a todos. Buscad el Canal Facebook de la revista BATERÍA Y
PERCUSIÓN y mandadnos un post con vuestras ideas o mandadme un mensaje interno a mi página en Facebook. ¡Gracias!
Colaboradores
Jefe de Redacción
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Asensio Ros “Wally”
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