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INDICE
ALASDAIR FRASER __________________________________________________ 2
ALBOKA ____________________________________________________________ 3
ALKISTIS PROTOPSALTI _____________________________________________ 3
ANGÉLIQUE KIDJO __________________________________________________ 4
ANTONIO CHAINO ___________________________________________________ 5
BADMARSH & SHRI __________________________________________________ 5
BIDAIA ______________________________________________________________ 6
CESARIA EVORA ____________________________________________________ 6
DULCE PONTES _____________________________________________________ 7
ELEFTHERIA ARVANITAKI____________________________________________ 8
ELIADES OCHOA ____________________________________________________ 9
GONZALO TEJADA _________________________________________________ 10
GWENDAL _________________________________________________________ 10
HAIG YAZDJIAN ____________________________________________________ 11
JOXAN GOIKOETXEA _______________________________________________ 12
JUAN CARLOS PEREZ - ARKADIUS S.Q.______________________________ 13
JUAN MARI BELTRÁN _______________________________________________ 13
LIAM O´FLYNN _____________________________________________________ 14
MADREDEUS_______________________________________________________ 15
MARIZA ____________________________________________________________ 16
MISIA ______________________________________________________________ 17
NOA _______________________________________________________________ 18
OMAR FARUK TEKBILEK ____________________________________________ 20
RODRIGO LEAO ____________________________________________________ 21
SAVINA YANNATOU ________________________________________________ 22
TAPIA ETA LETURIA ________________________________________________ 23
WIM MERTENS _____________________________________________________ 23
ALASDAIR FRASER
Alasdair Fraser nació en Clackmannan (Escocia) y empezó a tocar el violín a
los 8 años, animado por toda una familia de músicos. En 1973 ganó el
concurso de violín del National Mod. Se licención en fisicas por la Universidad
de Edimburgo y trabajó como petrofísico hasta 1985, año en el que decidió
dedicarse plenamente a la música.
Alasdair ha obtenido reconocimiento internacional como principal intérprete,
artista discográfico y profesor de la rica tradición violinística de su Escocia
natal. Célebre por su toque expresivo, su afable personalidad y su profunda
comprensión de la música de Escocia, Alasdair está siempre muy solicitado
para actuaciones como solista y conciertos con diversos conjuntos. Ha
trabajado con la cantante Jean Redpath y con el guitarrista Tony McManus y ha
colaborado con grupos tan variados como la Master Chorale de Los Angeles,
los Waterboys o los Chieftains y ha compartido una actuación como solista en
el Lincoln Center de Nueva York con el violinista clásico Itzhak Perlman. Ha
representado internacionalmentea Escocia en actuaciones patrocinadas por el
Consejo Británico.
Como artista discográfico, Alasdair Fraser lleva editados bajo su nombre, y con
gran éxito de crítica, ocho discos y un vídeo en directo en su propio sello
Culburnie Records. También se han incluído composiciones e interpretaciones
suyas en recopilatorios celtas y de "new age" de gran venta (Celtic twilight,
Celticlullabies, Narada Wilderness collection, Celtic Odissey y The Road North).
Su disco Dawn Dance obtuvo en 1996 el premio independiente al mejor álbum
celta del año. Puede oírsele tocar en las bandas sonoras de películas como
Titanic, El último mohicano, Wyatt Earp y The spitfire grill. Asimismo, ha
participado en más de cien programas de radio y televisión en el Reino Unido
así como en varios programas estadounidenses de ámbito nacional. Se han
utilizado también composiciones suyas en nuevas coreografías del Ballet and
Shiftworks Dance Ensemble de Richmond (Virginia).
Tras la importante etapa vivida con su sexteto Skyedance, en el que figuraban
el intérprete de gaitas irlandesa y escocesa Eric Rigler, Chris Norman a la
flauta de madera, el percusionista Peter Maund, especialista en música
medieval y renacentista y el bajista Michael McLinden, Alasdair Fraser ha
trabajado en un nuevo proyecto, codo con codo con su compañero de siempre,
el compositor y pianista Paul Machlis. En su más reciente espectáculo, sin
embargo, nos propone algo totalmente nuevo: un exquisito dúo junto a la
violonchelista Natalie Haas.
ALBOKA
En torno a los experimentados Alan Griffin (alboka, gaitas y flautas), Juan
Arriola (violin) y Joxan Goikoetxea (acordeón y sintetizadores), ALBOKA, uno
de los grupos más sólidos y representativos del folk vasco, reforzó su
formación para presentar LORIUS, su tercer trabajo discográfico. Un nuevo y
revitalizado álbum que conjuga una cuidadosa y sorprendente selección de
canciones tradicionales con temas de nuevo corte.
Para ese trabajo ALBOKA contó entre otras con la colaboración estelar de la
cantante húngara MARTÁ SEBESTYÉN, que cantó en euskera cinco de los 19
temas que componen el disco. Esta destacada intérprete, figura indiscutible del
panorama de la música folk mundial, ha ganado además celebridad desde que
participase en la banda sonora de la película de El Paciente Inglés, por la que
este filme obtuvo un Oscar.
Fruto de su importante proyección, ALBOKA, que se mantiene en la línea de
trabajar danzas y melodías tradicionales de Euskal Herria, se ha encontrado en
su camino con notables músicos y grupos de variada procedencia, que han
aportado un nuevo color a LORIUS. Entre estas colaboraciones podemos
destacar las de PETER MAUND (Alasdair Fraser & Skydance, ELISEO
PARRA, TINO DI GERALDO, FIACHRA MAC GHABBAN, MOSSIE MARTIN,
JUAN MARI BELTRÁN, XABI SAN SEBASTIÁN, DAVID ESCUDERO, JULIO
ANDRADE y CHRISTOPHE JUSTE.
Después de haber participado en prestigiosos festivales y programaciones
tanto dentro de Europa como fuera de ella, ALBOKA, que prepara en estos
momentos la grabación de su cuarto álbum, se encuentra en un inmejorable
momento de madurez y creatividad, siendo ya considerado uno de los más
interesantes grupos de folk dentro y fuera de nuestras fronteras.
ALKISTIS PROTOPSALTI
La música que hace Alkistis está hecha desde Grecia en clave griega, pero con
referencias al este y al oeste. La pasíón que esta cantante siente por la
literatura hace que las letras de sus canciones, que tanto impotancia tienen
para ella, estén inundadas de la creatividad de los mejores poetas griegos.
La carrera de Alkistis incluye 32 discos, de los cuales muchos han sido Discos
de Platino, lo que da una idea de su popularidad. Es por ello que esta mujer
inquieta y enérgica se encuentra en la plenitud de su carrera con un
espectáculo que ha evolucionado y que ha hecho de ella uno de los máximos
exponentes de la música griega.
ANGÉLIQUE KIDJO
Angélique Kidjo no es sólo una de las intérpretes más revolucionarias y
eléctricas del momento, sino también una pensadora innovadora y creativa,
una artista cuya misión ha sido explorar las realaciones entre diversas culturas
musicales. Con una música basada en los ritmos tribales y ritmos pop de su
herencia del oeste de Africa, Kidjo, nacida en Benin y afincada a caballo entra
París y Brooklyn ha superado límites musicales a base de mezclar estilos muy
variados: funk, salsa, jazz, rumba, souk, makossa...
En Black Ivory Soul, su debut en Columbia Records y séptimo álbum desde
que lanzara su carrera en solitario en 1989, Kidjo explora las afinidades
musicales entre Africa y Brazil, más concretamente entre su Benin natal y la
ciudad de Bahia. El CD incluye un festivo mix de ritmos africanos y brasileños
interpretados por un conjunto de músicos africanos y brasileños de primerísima
línea. Dave Matthews también aparece como vocalista invitado en uno de los
temas. Es la primera vez que Kidjo ha grabado en vivo en un estudio. Black
Ivory Soul destaca también por la colaboración en la composición de los
músicos brasileños Carlinhos Brown y Vinicius Cantuaria, entre otros. También
hace una versión de un espléndido tema de Gilberto Gil , así como una
deliciosa balada escrita por el renombrado compositor francés Serge
Gainsbourg.
Black Ivory Soul ha sido producido por Bill Laswell, bajista, líder y remezclador,
que ha sido productor de numerosos artistas entre los que se incluyen Mick
Jagger, Afrika Bambaataa y Herbie Hancock. Respecto al concepto del álbum
en sí, Kidjo dice: "Pienso que la música es la única manera de curar el dolor, de
unir a la gente. Es un lenguaje por encima del color de la piel, de países o de
culturas. Quiero inspirar a la gente para que reflexione más profundamente
sobre la pobreza, la libertad y la familia".
La génesis de Black Ivory Soul parte de la conexión afro-brasileña en el pueblo
natal de Kidjo, Ouidah. "Nací rodeada de niños de Benin y niños brasileños,"
explica, añadiendo que el enclave era conocido por su mezcla cultural. La
genealogía de Kidjo incluye ancestros portugueses e ingleses, que la
convierten en una auténtica ciudadana del mundo. "Crecí escuchando la
música tradicional que tocan en Benin músicos originarios de Bahía. Se llama
bouniyan y tiene un ritmo muy parecido a la samba. De hecho, cuando llegué a
Francia en 1983, escuché música de Gilberto Gil y Caetano Veloso y dije 'hey,
esta es mi música; viene de donde yo vengo."
Kidjo interpreta Black Ivory Soul como la segunda parte de una trilogía de
álbums -que comenzó en Oremi- que mezcla música tradicional de Benin con
un amplio abanico de música de la diáspora africana, incluyendo una brillante
versión de "Voodoo Chile" de Jimi Hendrix. ... Y para la tercera parte, la
musicalmente infatigable Angélique Kidjo tiene grandes planes: grabar un
álbum que explore la música de Cuba, Haiti y New Orleans.
ANTONIO CHAINO
António Chaíno es un talento muy reconocido y apreciado por los conocedores
de la música portuguesa. Sus participaciones como guitarrista acompañando a
artistas como Carlos do Carmo y Amália Rodrigues son bien conocidas.
Además de su importancia a nivel peninsular, cabe también destacar el
importante papel que ha jugado en la tarea divulgadora de la guitarra
portuguesa ante el público mundial, especialmente a través de espectáculos en
países como Japón, Dinamarca, Inglaterra o Estados Unidos.
En este último album “A Guitarra e Outras Mulheres”, presenta un trabajo de
alto nivel, con un elenco internacional en un contexto innovador para el
inconfundible sonido de la guitarra.
BADMARSH & SHRI
Folklore indio y tecnología actual se encuentran en este original dúo. Las tablas
indias y sitares digitales de influencia tradicional se mezclan con ritmos de clara
inclinación a las pistas de baile, en las que las bases imprimen potencia y
descaro, creando una fusión atractiva y novedosa. Ellos traen el nuevo sonido
de la escena breakbeat asiática centrada en Londres.
Las experiencias que ambos han ido viviendo y les han unido se aprecian en
sus composiciones. En ellas se puede apreciar el drum´n´bass y surcos de
funky que respiran desde lo más profundo de la India a lo más profundo del sur
de Londres. Auténtica nueva música asiática.
BIDAIA
Después de haber trabajado como dúo musical durante más de 5 años,
Caroline Phillips y Mixel Ducau han creado ahora el grupo Bidaia con Ritxi
Salaberria y Jabi Area. Juntos, estos cuatro intérpretes crean música tan vasca
como universal, inspirada tanto en melodías y ritmos de danzas como en
folklore internacional.
El grupo combina instrumentos tradicionales vascos -alboka (un pequeño
cuerno), ttun-ttun (instrumento percusivo de cuerda)- con guitarra acústica,
piano, hurdy-gurdy, darbouka marroquí y cajón andaluz.
CESARIA EVORA
Cesaria Evora dice algo que es bien sabido para cualquiera que haya
escuchado su voz grave, espesa, indeciblemente triste: "soy una mujer
africana". Una mujer, podría agregarse, del Africa Portuguesa. De una pequeña
colonia en una isla llamada Mindelo, en un pequeño archipiélago conocido
como Cabo Verde y situado frente a la costa de Senegal. O sea, una hermana
cultural de los otros africano-portugueses, los descendientes de los esclavos
traídos al Brasil. Será por eso que entre sus admiradores incondicionales está
Caetano Veloso. O será, más bien, por esa extraña cualidad de su música, a
mitad de camino entre el fado y cierto hamacarse rítmico con bastante poco de
europeo. La música de Cesaria Evora se llama morna. Un género en que las
letras, en el portugués mestizo de la región, hablan invariablemente de
soledad, amor y distancia (¿de qué otra cosa podría hablarse en una isla?).
Pese a que hoy en día es ya una artista aclamada internacionalmente -sólo en
Francia su anterior álbum, Café Atlántico, vendió más de 300.000 copias-,
Cesaria Evora no olvida sus orígenes, una existencia no exenta de lucha y
dificultades. La "diva descalza" ha sabido mantenerse fiel a su identidad,
preservando ante todo su enorme ternura y delicadeza. Ahora vuelve a
regalarnos los sentidos con su nuevo álbum, São Vicente di Longe, el octavo
trabajo de estudio de esta excelente intérprete, grabado en París, La Habana y
Rio de Janeiro, en el que la genial artista nos vuelve a acariciar con su
sensibilidad y con esa música tan única, tan llena de alma.
DULCE PONTES
Podía haber sido bailarina, si la escuela de danza no hubiera pensado que a
los catorce años ya ere tarde para iniciar una gran carrera. Podía haber sido
tan sólo una bonita voz de anuncios si alguien no hubiese descubierto muy
pronto que aquella voz servía mejor a la música que a la publicidad.
Dulce Pontes, nacida en Montijo (Portugal) en 1969, ganó el Festival Nacional
de la Canción de su país en 1991. Ese mismo año representó a Portugal en el
Festival de Eurovisión, donde obtuvo un octavo puesto y el premio a la mejor
intérprete. Fue la primera vez que Europa oyó la voz de Dulce Pontes.
Desde aquel instante su vida da un giro. Parte en busca de una identidad
propia. Se sumerge en las raíces de la música portuguesa, incluyendo el
tradicional fado, considerado entonces como algo trasnochado. Y consigue
reinventar lo que parecía muerto. Como demostrarán los años y los discos
posteriores, Dulce hace algo más que repetir algo que ya estaba hecho. Su voz
luminosa no cabe en ningún estilo que la limite, no conoce fronteras. Su voz y
su forma de interpretar constituyen un género propio. Por eso, tanto da que
cante rock, fado o una canción de Angola: su estilo es único e inconfundible.
En 1992 publica su álbum "Lusitana" y a partir del año siguiente, con su
segundo trabajo, "Lágrimas", se convierte en una ciudadana del mundo. Le
siguen "A Brisa do Coraçao" (1995), un doble álbum en directo, "Caminhos" en
1996 y más tarde, tras realizar colaboraciones en discos de Andrea Bocelli o
los brasileños Simone y Caetano Veloso, publica "O Primeiro Canto". En ese
trabajo, producido por Antonio Pinheiro Da Silva, destacan las colaboraciones
del percusionista hindú Trilok Gurtu, el saxofonista Wayne Shorter, las voces
de Maria Joao y Waldemar Bastos y la trikitixa de Kepa Junkera.
Ahora, en el 2003, nos sorprenderá con su nuevo álbum, en el que no deja de
lado el estudio musical, la búsqueda de nuevas experiencias con diferentes
sonidos, formas e instrumentos.
ELEFTHERIA ARVANITAKI
Eleftheria es una auténtica estrella en Grecia, sus conciertos tienen una
enorme capacidad de convocatoria y se convierten en una auténtica explosión
de entusiasmo.
Comienza su carrera en la Opisthodromiki Compania a principios de los años
80. Es la voz más conocida de toda la música rebetica que se desarrolla en la
zona de Grecia, y la promotora e impulsora de éste género, desconocido y
hasta entonces poco difundido. La música rebética junto con la smyrneika,
contienen canciones cuya tradición se remonta al folklore que interpretaban los
refugiados procedentes de Asia Menor.
Tras dejar al grupo, Eleftheria comienza una carrera en solitario que la lleva a
establecerse rápidamente como la voz femenina más prometedora de su país.
Los acontecimientos políticos y sociales que tienen lugar en su nación la
convierten en la voz que abandera la expresión de los nuevos sentimientos e
ideales.
Su personalidad, cálida pero fuerte, su voz, su ambición por crear un puente
entre la música griega de profundas raíces y la nueva estética surgida de los
sones urbanos de los más conocidos y distinguidos compositores, líricos y
poetas, la lleva a presentar un trabajo que ya es considerado un clásico en la
música griega.
Hoy en día, Eleftheria mantiene una colaboración con el músico
norteamericano de origen armenio Ara Dinkjan, lo que sin duda se deja notar
en los resultados. Y en directo, Eleftheria es simplemente arrolladora: allá
donde va, triunfa. Y repite.
ELIADES OCHOA
Eliades Ochoa y el Cuarteto Patria se encontraron en Santiago de Cuba en
1978, cuando el cabecilla Francisco Pancho Cobas solicitó el liderazgo de
Eliades para el grupo, que acababa de perder a Rigoberto Echeverría, Maduro.
A partir de entonces andan juntos.
Eliades comenzó a tocar la guitarra a los 6 años, debutó en las calles de
Santiago a los 11 y antes de convertirse en integrante del Quinteto Oriental y
del Septeto Típico, ya había escrito un buen número de páginas en el gran libro
de la Trova Cubana, merced a sus descargas en toda bodeguita o recodo que
ofreciera la ciudad. Tampoco se debe obviar que si el Cuarteto nació de la
substancia misma del sonido del Oriente cubano, desde que se bautizó Patria en 1959; la responsable fue Emilia García, fundadora del grupo, y rebelde que
en la clandestinidad revolucionaria había adoptado el pseudónimo de Patria
Emilia - constituye una de las fuentes básicas cuando se quiere uno acercar a
la misma esencia de la música tradicional santiaguera.
En sus últimos trabajos, Eliades Ochoa y el Cuarteto Patria han aposta do por
seguir manteniendo vivo su espíritu de siempre, escogiendo canciones
antiguas pero nuevas, pura denominación de origen del sonido oriental,
repartidas entre los palos más emblemáticos del paisaje tradicional. En estos
sones de monte adentro, boleros desgajados y briosas guarachas (súmese un
instrumental y hasta un tango) brillan los elementos líricos y sonoros,
respectivamente en la seductora voz de Ochoa y en el refinado tañido de su
tres-guitarra - o guitarra-tres: un híbrido que permite reproducir a voluntad las
naturalezas de ambos instrumentos-.
Que nadie lo dude. Si el disco colectivo "Buena Vista Social Club" fue un hito
en el mercado de las músicas del mundo o de raíz, no se pueden perder de
vista los riquísimos sones, guarachas y boleros de "Sublime ilusión" y, ahora,
de "Estoy como nunca". No en vano Eliades Ochoa fue uno de los
protagonistas clave de aquéllas históricas grabaciones en los viejos estudios de
la EGREM, en La Habana, que valieron a ese colectivo de músicos la
adjudicación de un premio Grammy y el reconocimiento mundial de su arte. do
ello Virgin Records se enorgullece en presentar esta grabación que,
mágicamente, envuelve a quien la escucha en el sonido primigenio que hoy
deslumbra al mundo. Hablamos, sin duda, del más tradicional y auténtico
sonido de Cuba.
GONZALO TEJADA
El contrabajista Gonzalo Tejada, influenciado por el llamado “Jazz Europeo” y
la “música contemporánea” viene desarrollando , desde hace algunos años,
una intensa labor como compositor para formaciones “clásicas”
complementaria a sus composiciones para formaciones de “jazz”.
En su último trabajo discográfico, “En Tránsito” (editado por NO-CD Rekords),
un homenaje a Scott LaFaro, ha fusionado la música de jazz con la música
contenporánea orquestal y los instrumentos habituales del jazz (contrabajo,
piano, guitarra...) con la orquesta de cuerdas clásica (violines, violas,
violonchellos y contrabajos).
El contrabajista ha contado en este proyecto con Daniel Pérez en la guitarra,
Iñaki Salvador en el piano y la Orquesta de Cámara Et Incarnatus, dirigida por
Miguel Ceberio.
Gonzalo Tejada ha acompañado a los más importantes músicos nacionales de
“Jazz” y colaborado en dos ocasiones con la “Orquesta Sinfónica de Euskadi”
bajo la dirección de Lalo Schifrin, además de participar en numerosos
Festivales de Jazz nacionales e internacionales.
GWENDAL
Desde 1972, año en que GWENDAL inició su carrera, su estilo musical ha
evolucionado tomando un camino cada vez más sofisticado y original. Debido a
la emoción que transmiten con sus canciones, han conseguido un gran número
de seguidores, tanto en su país natal, Francia, como en el extranjero.
En seguida decidieron apartarse de la música Celta en su carácter más
conocido y corriente, y establecer su propia marca en sus composiciones y en
los arreglos de éstas, mezclando con exito las modas y tendencias
tradicionales. Así nació el sonido Gwendal.
Esta contínua búsqueda por la autenticidad musical queda perfectamente
reflejada a través de su discografía. Durante todos estos años, Gwendal ha
actuado en los mejores escenarios Europeos (Alemania, Gran Bretaña,
Dinamarca, Bélgica, Francia, España, Holanda, Irlanda, Italia, Suiza, Portugal,
etc...), reuniendo a un público fiel que comparte con ellos un intenso placer, su
música.
HAIG YAZDJIAN
Nacido en Siria y de padres armenios, lleva más de veinte años trabajando y
viviendo en Grecia. Precisamente fue allí donde descubrió los encantadores
elementos de la música del Este. Comenzó a tocar muy joven y es con sus
instrumentos como mejor expresa su sensibilidad.
Domina varios instrumentos como el nay, cümbüs, nashatkar o percusiones,
pero es con el oud con el instrumento que mejor expresa los frutos de su
permanente búsqueda musical. Búsqueda que, por cierto, transciende más allá
del tiempo o fronteras geográficas.
Haig Yazdjian se convirtió pronto en uno de los más populares intérpretes del
oud y uno de los más característicos vocalistas. La publicación de su primer
álbum TALAR, editado 1996 en el sello LIBRA MUSIC, aceleró su popularidad,
pero más allá de eso, le lanzó como una de las promesas de su generación en
la composición.
Ya desde este primer trabajo discográfico comenzó a considerar la tradición
como una fuerza y creativa. Dos años más tarde, en 1998, la publicación de su
último trabajo en solitario, GARIN, también en LIBRA MUSIC, y el cd single
GIFT, fue aclamado por parte del público y la crítica.
Además de este doble éxito, Yazdjian ha conocido el respeto y reconocimiento
de algunas de las más importantes figuras griegas de renombre internacional
con las cuales ha colaborado.
En verano del 2000, Haig publicó BEAST ON THE MOON, un álbum que trajo
consigo un nuevo giro en su búsqueda musical. En toda su trayectoria ha
combinado la música tradicional y actual del Este llegando incluso a la música
contemporánea del extremo opuesto. Esta mezcla de frescura y audacia en su
música hace de sus actuaciones todo un acontecimiento para un público que
busca las raíces de la música tracional con aires actuales.
En los conciertos, Haig toca y canta canciones tradicionales armenias extraídas
de sus cuatro discos (TALAR, GARIN, THE BEAST ON THE MOON y YERAZ),
dejando siempre margen a momentos de improvisación. Se trata de momentos
únicos, puesto que se acompaña en directo de algunos de los mejores músicos
de la escena emergente de la música griega, muchos de los cuales son
originarios de Países del Este.
JOXAN GOIKOETXEA
La hiperactividad y la multiplicidad marcan la trayectoria de este ecléctico e
innovador músico vasco.
El canto y la danza vasca conducen sus inicios, al txistu en un principio y al
acordeón un poco más tarde. Ámbitos que complementa con sus estudios en el
Conservatorio Superior de Donostia-Sn.Sn. y que le llevan al campo del
acordeón contemporáneo y la música de vanguardia. Premio fin de carrera,
acude a varios certámenes en Europa y amplía estudios en Le Thor (Francia).
Influenciado claramente por el acordeonista francés Richard Galliano, graba
sus dos primeros discos LEHENENGO GELTOKIAN (88) y KOLLAGE (91) en
el ámbito del acordeón-Jazz. Crea el "HAT" (Hernaniko Akordeoi Taldea)
(1987-1991), con el que trabaja la música de cámara desde un repertorio
clásico y graba LIBERTANGO (1991) como homenaje a Astor Piazzolla.
Desde 1985 es profesor en la Hernaniko Musika Eskola compaginándolo con
numerosas y diversas colaboraciones con cantantes y grupos del ámbito vasco
y estatal (Javier Alvarez, Suso Saiz, Jorge Drexler, Txomin Artola, Amaia
Zubiria, Oskorri, Kepa Junkera, Joseba Tapia, Xabier Lete, Imanol, Paco
Ibañez, Anje Duhalde, Diego Vasallo, L.E.Aute, Alberto Iglesias, Dulce Pontes,
Alasdair Fraser & Skyedance, Bingen Mendizabal, Joan Valent, Antton
Valverde, Xabier Euzkitze, Andoni Egaña, etc...). A su vez crea música para
varias obras de teatro y TV.
En el terreno de la música tradicional su trayectoria se bifurca en dos proyectos
paralelos: ALBOKA, con tres grabaciones discográficas - ALBOKA (94), BI
BESO LUR (98) y LORIUS (2000)- en el terreno del folk tradicional en directo, y
sus trabajos con Juan Mari Beltrán - EGURRAREN ORPOTIK DATOR...(93) y
BETI TTUN- TTUN (98) -. En el campo de la experimentación y el reciclaje
musical trabaja en el estudio de la mano del guitarrista y productor Suso Saiz,
que constituye otro de sus puntos vitales de referencia. Con él grabará
QUARTET (97) en directo y ELEKTRO PSYCHODELIC FILM MUSIC REMIX
(2000).
Después de LIBERTANGO, vendrán AMETSAREN BIDEA (94) ,
METROPOLIS (95) y SUPERNOVA (2000) que continúan ese sendero de
trabajos en los que Joxan planea sobre el triángulo música-imagen-texto y que
confluirán en GOAZEN LAGUN (96), primer trabajo multimedia de Joxan en
formato CD-Rom y primer trabajo de estas características en Euskal Herria.
Este nuevo concepto creativo le anima a crear y dirigir AZTARNA, sello
dedicado a artistas vascos en este formato.
JUAN CARLOS PEREZ - ARKADIUS S.Q.
Juan Carlos Perez, uno de los pilares de la historia musical de nuestro país,
abrió, con Quator (editado por NO-CD Rekords), un nuevo camino artístico en
su carrera. Tras cubrir con Itoiz las páginas más brillantes del pop vasco, con
este disco se convirtió en uno de los compositores más interesantes de este
país con una obra específica para un cuarteto de cuerda.
El Arcadius String Quartet, conocido cuarteto polaco afincado en la capital
vizcaína por su trabajo con la Orquesta Sinfónica de Bilbao ( con la que Juan
Carlos ya había colaborado en sus discos de pop), interpreta ahora su primera
obra de música contemporánea: “Quatuor”. Es por ello un proyecto ambicioso,
de inmenso mérito y con vocación universal, que transmite una imagen
diferente de los creadores jóvenes de Euskal Herria.
JUAN MARI BELTRÁN
Por su trayectoria podemos considerarle amante, investigador, promotor y una
de las figuras más importantes de la música popular vasca.
Desde joven se vio inmerso en la música, primero tocando el clarinete y el
txistu y pronto haciéndose responsable de recoger el testigo de la anterior
generación de músicos populares. Como txalapartari formó parte junto a su
hermano Bixente y los hermanos Artze de la escuela vasca de arte creada por
Jorge Oteiza en los años 60, dando inicio a la nueva era de la txalaparta,
basada en la txalaparta tradicional.
Ha tomado parte en colectivos como el Grupo de Música Contemporánea, que
fundó el pintor Rafael Ruiz Balerdi y creado los grupos Sustraiak, Azala y
Txanbela. También ha formado pareja artística con Joxan Goikoetxea. Fruto de
todo este trabajo, se han editado diversos discos.
Ha publicado numerosos trabajos en el campo de la investigación de
instrumentos y músicas populares, así como el disco y la película Euskal
Herriko Soinu Tresnak, considerados como uno de los más importantes
documentos de la organografía popular vasca.
Imparte clases de txistu, alboka, dulzaina y txapalarta en el Conservatorio de
Música de Hernani desde 1985, lugar en el que ha creado y dirige la Txalaparta
Eskola (Escuela de Txalaparta). A lo largo de los últimos años ha impartido
además conferencias y cursos en diferentes foros.
Recientemente ha hecho realidad también un proyecto en el que lleva
trabajando muchos años: la apertura al público de Herri Musikaren Txokoa
(Rincón de la Música Popular) en Oiartzun, museo en el que se recoge el
material que ha ido recopilando durante todo este tiempo: instrumentos,
biblioteca, fonoteca, y archivos de imágenes, fotografías y películas.
Ahora, Juan Mari Beltran presenta ARDITURRI, su último trabajo discográfico y
primero que realiza en solitario, aunque se presente en formación de sexteto.
El disco ha sido producido por Suso Sáiz y en él han colaborado Maddi
Oihenart (voz), Joseba Tapia (trikitixa), Miriam Atxaerandio (violín), Oihana
Irastortza (pandereta) y Joxan Goikoetxea (acordeones).
En ARDITURRI, Juan Mari Beltran nos propone un completo recorrido por los
senderos de la música tradicional vasca. Los excelentes músicos Iñigo
Monreal, Felipe Ugarte, Iñigo Lurgain y Aitor Gabilondo le acompañan en este
viaje, en el que logran conjugar lo antiguo y lo moderno con una creatividad y
viveza nunca escuchadas hasta el momento.
LIAM O´FLYNN
Liam O´Flynn es el reflejo vivo de una gloriosa tradición de gaiteros que se
remonta a trescientos años atrás. Se le ha aclamado como músico muy notable
no sólo en su país, Irlanda, sino en un ámbito musical mucho más amplio.
En Irlanda está considerado como el sucesor del gran Séamus Ennis, quien
llegó a regalar a Liam su propio instrumento. Su fama llegó a ser internacional
como miembro fundador del grupo Planxty. Con esta formación, cuya influencia
y originalidad aún no han sido superadas, llegó a grabar seis álbumes.
Su extraordinaria aportación al acampo de la música tradicional se vio
premiada en 1985 con un destacado premio internacional que, a partir de aquel
año, se otorga en Irlanda a las personalidades más destacadas del mundo del
espectáculo. Además de componer, ha colaborado musicalmente con artistas
de renombre internacional y ha participado en las bandas sonoras de diversas
películas. Liam O´Flynn no ha dejado nunca de búscar áreas nuevas e
imaginativas en la que incorporar el sonido de su gaita.
MADREDEUS
“A pesar de que siempre los he vivido intensamente, desde que comencé a
cantar en Madredeus mi amor por el canto y la música se convirtieron en mi
pasión más grande, porque la música de Madredeus no es fado, no es música
popular, no responde a una definición que la reduzca. Es una pasión muy
grande, es una música que está muy cerca de las emociones verdaderas, del
pensamiento de las personas". Son palabras de la voz de Madredeus, de
Teresa Salgueiro que resumen uno de las razones del resultado que
Madredeus ofrece.
Aunque parece ya algo demasiado habitual referirse indiscriminadamente a
cualquier expresión artística portuguesa como manifestación de la ineludible
saudade, lo cierto es que el arte de Madredeus es una inmejorable muestra de
ese sentimiento de añoranza, nostalgia y desesperanza. La saudade es según
Pedro Ayres, compositor y alma del grupo, "un estado en el que una persona
se permite experimentar sentimientos contradictorios o cultivar pensamientos
poco ortodoxos acerca del amor, de la vida y del tiempo. La saudade es la
clave y la razón por la que hacemos música."
Madredeus ha publicado numerosos trabajos discográficos. Uno de los más
recientes ha sido "Movimiento", disco que vio la luz en abril del 2001, un trabajo
repleto de canciones que nos conducen por nuevos paisajes, creados
artesanalmente y a medida para la cristalina voz de Teresa Salgueiro. Nuevas
melodías sobre el espíritu y el corazón, que mantienen el compromiso de
Madredeus de continuar su viaje a los más diversos lugares para compartir con
el mundo su música, hermosa y única. Posteriormente nos han vuelto a
sorprender gratamente con dos nuevos trabajos, uno de remezclas de algunos
de sus temás más conocidos y otro de la mano de la Flemish Radio Orchestra,
que también recoge los temas originales de "Movimiento".
MARIZA
Su imagen afro-portuguesa de cabellos blanqueados nos habla de una artista
poco convencional. En efecto: Mariza reinventa el fado aunque interprete el
fado más clásico. Llegada a la escena de la mano de la nueva savia de voces
portuguesas, ya despunta como nadie. Y si su primer trabajo, Fado en Mim, la
muestra como una vocalista poderosa, escucharla en directo es la única
manera de entender por qué está causando sensación: "necesito percibir la
participación del público, el intercambio de energía entre ellos y yo. El viejo
mito del fado estático es un concepto superado".
No es frecuente poder decir con razón que "ha nacido una estrella". Sin
embargo, su reciente ascensión al éxito justifica la utilización del cliché. Sobre
el escenario emana encanto y carisma a partes iguales. Con su gusto
impecable por la alta costura, cabello inmaculadamente esculpido y su gran
voz, fuerte pero sensual, reúne todos los requisitos para una carrera realmente
estelar.
La publicación de Fado en Mim ha merecido alabanza universal y numerosos
greconocimientos internacionales como el Premio a la Mejor Artista Europea
2003 otrogado por la BBC británica. Algo que también ha servido para atraer la
atención del mundo hacia un amplio renacimiento de las raíces portuguesas
Pese a que nació en Mozambique, pasó la mayor parte de su infancia en el
barrio lisboeta de Mouraria, que algunos describen como lugar de nacimiento
del fado. Desde muy joven tenía claro que quería convertirse en cantante, y el
restaurante de sus padres era el lugar ideal para comenzar a cantar fado.
Durante su adolescencia y primeros años de juventud, sin embargo, desertó del
estilo en favor del soul y del funk. Pero cuando el productor y músico Jorge
Fernando la escuchó cantar fados una noche, de forma ocasional, se quedó tan
impresionado que le sugirió que grabase todo un disco de este género.
Al principio dudó, pero finalmente aceptó, con un resultado tan popular entre el
público portugués que Mariza fue inmediatamentecomparada con la gran
fadista Amalia Rodrigues. "Es un gran cumplido", explica Mariza, "pero somos
muy diferentes, porque ella tenía una manera de sentir, y yo tengo mi manera
de sentir mi música y mi forma de ver el mundo". Desde luego, a partir de
Mariza el fado nunca volverá a ser lo mismo...
MISIA
MISIA nació en Oporto, ciudad en la que vivió hasta el final de su adolescencia.
Hija de una familia de marcados contrastes socioculturales, es la tercera
generación de artistas por línea materna. De su madre y de su abuela hereda
la fascinación por el mundo del espectáculo.
Motivos familiares la obligan a interrumpir sus estudios e instalarse en
Barcelona, donde toma contacto con nuevas expresiones artísticas. Al mismo
tiempo la distancia y la saudade empiezan a consolidar una mirada propia
sobre sus raíces culturales. Siempre reaparece de esta manera la memoria del
fado (y de sus primeras experiencias en las "casas de fado" portuenses),
perfilándose como una fuerza inspiradora y, más tarde, una vocación. En
sordina inicia un viaje al interior lejos de Portugal.
Mientras tanto, MISIA actúa en varios programas de televisión, canta en
diversos estilos, en diferentes idiomas, en distintos locales de la "movida"
madrileña. Prueba un poco de todo, encartando aún la profesión como un
excitante modus vivendi familiar. De esos años, ricos en anónimas experiencias
artísticas, vivencias bohemias y dificultades económicas, MISIA guarda
memoria y un útil aprendizaje de escenario, sin olvidar un especial cariño por
las pensiones y los trenes…
En 1990, el viaje al interior tiene como destino final el fado y el retorno a
Portugal, donde vive hasta hoy. Decidida a valorar este género de música
urbana, temporalmente caído en desgracia cultural y comercial tras la
Revolución de los Claveles (1974), MISIA empieza a trabajar en Lisboa con
músicos, compositores, letristas y poetas.
MISIA nos presenta ahora su último disco RITUAL, su sexto trabajo en estudio,
en el que mima como nunca el fado más tradicional (guitarra portuguesa, viola
de fado y bajo acústico). Con textos en su mayoría escritos por letristas y
grabado en "takes enteros", como se hacía hace cincuenta años, Ritual cuenta
además con dos trabajos inéditos de Carlos Gonçalves, el gran compositor y
acompañante de Amalia Rodrigues. Es este trabajo el más físico de los que ha
realizado hasta hoy; en él, toda la fuerza orgánica de la voz está al servicio del
ritual eterno de los sentimientos. Cantado con la piel, su interpretación es una
entrega total, sin artificios técnicos o gratuitas acrobacias vocales.
NOA
Conocida en Israel por su nombre propio, Achinoam Nini, Noa es la más
destacada artista israelí, tanto por sus conciertos como por sus grabaciones
discográficas. Nacida en Tel- Aviv en 1969, Noa vivió en Nueva York desde los
dos años hasta que regresó a Israel a los 17. Noa estudió música en el Rimon
School, donde conoció a su compañero y colaborador Gil Dor. Juntos han
escrito y realizado cuatro álbums de enorme éxito en Israel, y otros cuatro
álbums internacionales, "Noa", "Calling", "Blue Touches Blue" y "Now".
Las mayores influencias de Noa vienen de cantautores de los años 60 como
Paul Simon, Joni Mitchell o Leonard Cohen. Estas sensibilidades musicales y
líricas, combinadas con las raíces yemeníes de Noa y los antecedentes
musicales de Gil Dor en el jazz, en música clásica y en el mundo del rock, han
hecho que el sonido de Noa y Gil sea único.
Desde que comenzaran a trabajar juntos en 1990 han ofrecido cientos de
conciertos por todo el mundo con gran éxito de crítica. Entre los escenarios que
han visitado se cuentan el Carnegie Hall y el Avery Fisher Hall en Nueva York,
el Olympia en París, el Zellerbach Auditorium en San Francisco, el Festival
Ravinia en Chicago, el Festival de Jazz de Montreaux y el Paleo Music en
Suiza, WOMAD en España, el Festival de Jazz North Sea en Holanda y el
Water Festival en Estocolomo.
Defensora en todo momento del diálogo en favor de la paz, Noa fue la primera
artista israelí oficialmente invitada a actuar en Marruecos. Actuó en vivo ante
100.000 personas en el acto con el que culminaba el año dedicado a la familia
1994 en el Vaticano, en presencia del Papa Juan Pablo II. El 4 de noviembre
de 1995 cantó ante 50.000 personas en un rally musical a favor de la paz en
Tel Aviv, sólo minutos antes de que Yitchak Rabin fuera asesinado.
En 1990 fue galardonada con el "Crystal Award" por el "World Economic
Forum" en Davos, Suiza, donde ha actuado en diversas ocasiones junto a
artistas palestinos, y donde ha participado en numerosos encuentros
relacionados con la paz en Oriente Medio y con el papel del arte y de los
artistas en su favor. También fue invitada a cantar en Oslo con motivo del
aniversario del acuerdo de paz firmado en aquella ciudad, en una actuación
que contaba con la presencia entre el público del presidente Clinton, Ehud
Barak, Yasser Arafat y el Rey de Noruega.
Noa y Gil han actuado en numerosas ocasiones con la Orquesta Filarmónica
de Israel. En enero de 1998 ofrecieron un concierto para 20.000 personas en
Phildelphias' Corestates Arena con la Filarmónica de Israel y la Filarmónica de
Philadelphia juntas bajo la dirección de Zubin Mehta. Ha realizado además
giras junto a Sting, ha interpretado su tema "Child of man" con Stevie Wonder y
ha compartido también escenario y micrófono con otros muchos grandes
artistas.
2001 fue posiblemente el año más importante para Noa, ya que fue testigo del
nacimiento de su primer hijo, Ayehli. Después, dedicó el primer año de vida del
niño a completar su cuarto álbum internacional, NOW (Universal Music), junto a
Gil Dor y el productor-programador Yoad Nevo. Un espléndido nuevo trabajo
que estamos teniendo ocasión de disfrutar en directo en el 2003, en un
espectáculo completamente renovado en el que se presenta acompañada de
una fantástica formación de músicos.
OMAR FARUK TEKBILEK
Oriente Medio, África y Europa se reúnen en torno al Mediterráneo, que
significa literalmente "la tierra de en medio". En ese marco, Turquía, tierra natal
de Omar Faruk Tekbilek, representa una encrucijada geográfica y cultural. Por
eso, resulta adecuado que un músico como él Faruk fusione en su música
Oriente y Occidente, combine su dominio de múltiples instrumentos árabes con
instrumentaciones occidentales, demostrando que es posible anteponer la
expresión artística y la emoción a la diferencia.
Pero la historia comienza antes. Omar Faruk nace en un pequeño pueblo turco
llamado Adanali, donde sigue el camino de su gurú particular, su propio
hermano Hadji. Es época de aprendizaje, de asimilar los momentos de cada
instrumento (la flauta, la baglama) y adentrarse en las escalas complejas de la
música turca. Desde la temprana edad de 15 años, cuando abandona los
estudios para convertirse en músico profesional, su aprendizaje es continuo
tanto en el terrero musical como en el religioso: se adentra en los aires del
sufismo, la faceta mística del Islam de la que se hace devoto.
Desde la adolescencia, sus trabajos y las giras por todo el mundo, con especial
incidencia en los Estados Unidos, permiten descubrir la actualización de las
raíces de la música turca viéndola desde los constructivos ojos de Omar, que
sabe renovar los particulares sonidos mediterráneos de su tierra sin dejar de
lado la tradición. En su trabajo prima el trabajo con Brian Keane, donde Omar
aporta los sonidos de flauta y percusión originarias a las bases electrónicas y
sintetizadores del productor y guitarrista de jazz norteamericano.
Después de varios álbumes de gran éxito presenta ahora su último disco, Alif,
producido por Steve Shehan. Se trata de la prueba de la mundialidad del
talento musical de Tekbilek. Alif es la primera letra del alfabeto árabe y letra
inicial de Alá, el Hacedor, la realización divina del amor. Y es el título del primer
tema del álbum, una obra maestra sufí de amor devoto, del amor en todas sus
formas (amor divino, amor a la vida y amor romántico).
Omar Faruk, afincado desde hace años en Nueva York, se acompaña de un
maravilloso grupo de músicos de fama internacional que hacen de sus
conciertos una experiencia de sensibilidad, virtuosismo y ritmo absolutamente
irresistibles.
RODRIGO LEAO
Hay poquísimos casos como el de Rodrigo Leao en Portugal: un compositor de
talento tan grande, de una visión artística tan amplia que merezca el calificativo
de maestro.
Leão se encuentra en el punto más álgido de su carrera. Su trayectoria
comenzó en los años 80 como miembro fundador de proyectos musicales como
Madredeus y Sétima Legião, pero tenía tanto que aportar que decidió dedicarse
en exclusiva a su proyecto individual. Y acertó: tras tres álbumes de gran éxito Ave Mundi Luminar, Theatrum y Alma Mater- su publicación más reciente es
Pasión, un disco recopilatorio grabado en directo, éxito rotundo en ventas,
criticas y premios, que presenta ahora aquí en forma de concierto.
El artista no cae en el error de juzgar Pasión como simple continuación de la
celebridad de sus trabajos anteriores. Es mucho más: nuevos arreglos escritos
expresamente para los conciertos, recuperaciones musicales sorprendentes,
felices complicidades entre los músicos que hacen que el recital se convierta
en un retrato con varios paisajes posibles.
Es un trabajo accesible, melodioso, sugerente, que deslumbra por la belleza y
la teatralidad de su música y una cuidadísima puesta en escena.
Neoclasicismo, pop, tangos, valses... todo un mundo de referencias que hacen
posible que Rodrigo Leão sea considerado, sin lugar a dudas, como uno de los
más grandes compositores portugueses de su generación.
SAVINA YANNATOU
Nacida en Atenas (Grecia), Savina Yannatou estudió canto con
G.Georilopoulou en el Conservatorio Nacional de Atenas, y más tarde con
Spiros Sakkas en el Seminario de Arte Vocal de la misma ciudad. Realizó
además estudios de postgrado (interpretación y comunicación) en la Guildhall
School of Music and Drama (Londres), que fueron premiados por la Mousigetis
Foundation.
Su carrera profesional como cantante comenzó cuando aún estudiaba, a partir
de su primera participación, cantando en directo, en el renombrado y altamente
respetado programa radiofónico «Lillipoupoli» , en la Radio Nacional Griega 3,
bajo la dirección del famoso compositor Manos Hadjidakis.
Savina Yannatou ha recorrido muy diversos géneros musicales. Primero
«entechno» («artful»), canciones griegas, en colaboración con compositores
griegos muy conocidos, además de ópera y música contemporánea. Más
adelante se centró en música medieval, renacentista y barroca, y a comienzos
de los 90 descubrió el amor por la improvisación vocal.
Paralelamente, comenzó su colaboración con un grupo de músicos basados en
Tesalónica, que en aquel momento fundaron el grupo «Primavera en
Salonico». Junto a ellos ha grabado "Primavera en Salonico"-Sephardic Folk
Songs from Salonica-, "Songs from the Mediterranean" the "Virgin Maries of the
World" y en el 2001 "Terra Nostra", un álbum en vivo.
Savina Yannatou también compone su propia música y canciones (como "Rosa
das Rosas", editado en el 2000 por Musurgia Graeca), así como música para
teatro (la última que a realizado has sido Medea, para el Teatro Nacional
Griego), video-arte y danza. Todos estos trabajos se traducen en su
participación en más de 25 LPs y CDs.
Su carrera profesional como cantante desde 1979 y como compositoracantante-vocalista desde 1986 la ha llevado a realizar innumerables
actuaciones, conciertos, festivales, producción de teatro y tv, grabaciones, etc...
en numerosos países.
TAPIA ETA LETURIA
Desde 1984, en que tocaron juntos por primera vez, Tapia eta Leturia han
interpretado música para trikitixa en todos los escenarios posibles, desde
campeonatos, fiestas y romerías hasta salas de conciertos y festivales de rock
y de folk.
Joseba Tapia y Xabier Berazaluze son algo más que un acordeonista y un
panderetero; se han convertido todo un símbolo de autenticidad en el mundo
de la triki contemporánea. Saben adaptarse a los más diversos contextos,
siempre desde el conocimiento de la dinámica interna de la tradición. Sólo así
se puede romper con ella cuando es necesario, sin que el producto resulte
artificial o pretencioso.
Tapia eta Leturia han trabajado tanto en la recuperación y disfrute de la trikitixa
clásica como en la creación de piezas propias, del folklore más ortodoxo a
pioneros y a veces provocativos acercamientos al rock, al hardcore, al rap y a
otros muchos estilos. Ahora han creado una nueva formación de cuarteto junto
al violinista Arkaitz Miner y al pianista Txus Aranburu. Un formato de gran
riqueza armónica que sin embargo no renuncia a la diversión, al ritmo del
corazón de la música de Euskal Herria: la trikitixa.
WIM MERTENS
El compositor belga Wim Mertens, nacido en 1953, es un artista internacional
que ha ofrecido multitud de conciertos tanto como solista como acompañado de
su grupo por toda Europa, América y Japón.
Wim Mertens toca el piano y la guitarra clásica. A veces canta en una
característica tonalidad aguda, utilizando un lenguaje personal e imaginario.
Desde 1980 ha compuesto muchas obras en diferentes formatos, desde
canciones cortas y accesibles a ciclos complejos de tres y cuatro partes, y
desde diferentes formaciones de cámara a solos de piano. Wim Mertens
compone también para obras de teatro y películas.
Desde su grabación debut en 1980, Wim Mertens ha editado más de 25
álbumes (todos ellos dentro del sello belga "Les Disques du Crépuscule").
Entre los primeros álbumes que grabó se encuentra uno de los que hoy en día
sigue siendo un clásico, "Close cover".
"Maximizing the audience", grabado en 1985, marca la introducción de
elementos vocales en la obra de Wim Mertens. A través de los años, el
compositor ha incrementado la inspiración vocal de su música en álbumes tales
como "A man of no fortune, and with a name to come" (1986), "After virtue"
(1988) y "Stretégie de la rupture" (1991), todos ellos con una combinación de
piano y voz en la que ésta última adquiere un gran protagonismo.
En el año 2000, después de que en el anterior se marcara un hito importante
con la publicación de la triología "Integer Valor-Intégrale", que reunía lo que
Wim Mertens había compuesto en los últimos 5 años, se publicaron dos nuevos
trabajos, uno de los cuales, "If I Can", que vio la luz en febrero, reunía
composiciones anteriores, publicadas esta vez de forma nueva y original.
En 2001 vieron la luz una nueva edición de "At home, not a t home" y su
proyecto "Arens Lezen", en el que reúne 13 Cds en formato de 4 cajas, y en el
que recoge su música más pura, canciones recogidas en su viaje hacia la
esencia de la música.
Y ese mismo año salió a la venta "Der Heisse Brei", álbum con composiciones
sólo para piano y voz, trabajo y formación que presentará en su próxima gira.
Un trabajo melodioso, de gran belleza, en el que la voz es más que nunca un
instrumento emocional. Siempre delicada y respetuosa, la música de Mertens
fluye aquí de forma natural, casi orgánica.