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VIII FESTIVAL
I
tradicións, diálogos e raíces tradiciones, diálogos y raíces
Semana Santa 2014
11-20 abril
Santiago de Compostela
www.consorciodesantiago.org
www.compostelacapitalcultural.org
VIII FESTIVAL
I
tradicións, diálogos e raíces tradiciones, diálogos y raíces
Semana Santa 2014
11-20 abril Santiago de Compostela
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C
con
ertos
Inauguración: As sete últimas palabras de Cristo na Cruz
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA / PAUL DOMBRECHT
LUGAR_ Auditorio de Galicia I DATA_ venres 11 abril I HORA_ 21.00
O son de Benarés
TAPANGROUP
LUGAR_ San Domingos de Bonaval I DATA_ sábado 12 abril I HORA_ 19.30
Himno a San Francisco
BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA
LUGAR_ Igrexa de San Francisco I DATA_ sábado 12 abril I HORA_ 21.00
OperSuite, improvisación libre en 3 actos
ALEJANDRO VARGAS / L.A.R. LEGIDO
LUGAR_ CGAC Centro Galego de Arte Contemporánea
DATA_ sábado 12 abril I HORA_ 22.00
Stabat Mater, Pergolesi
ESCOLANÍA DA CATEDRAL DE SANTIAGO / RESONET
LUGAR_ San Paio de Antealtares I DATA_ domingo 13 abril I HORA_ 20.30
Cantatas de Bach
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA / MAXIMINO ZUMALAVE
LUGAR_ San Paio de Antealtares I DATA_ luns 14 abril I HORA_ 21.00
Ladaíñas de Xapón, a meditación entre o silencio e o caos
HARUNA TAKEBE
LUGAR_ Paraninfo da Universidade. Facultade de Xeografía e Historia
DATA_ martes 15 abril I HORA_ 19.30
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e
Sonatas do Rosario, Biber
LES PLAISIRS DU PARNASSE
LUGAR_ Hostal dos Reis Católicos I DATA_ martes 15 abril I HORA_ 21.30
Sonata para clave, modernidade camiño do século XXI
LUCIE ŽÁKOVÁ
LUGAR_ Igrexa Orde Terceira I DATA_ mércores 16 abril I HORA_ 19.30
Da Coresma á Paixón: mestres da capela da Catedral
CORO DE CÁMARA DO ORFEÓN TERRA A NOSA
LUGAR_ Santa Clara I DATA_ mércores 16 abril I HORA_ 21.30
La scala dell’amore: a tradición siciliana
MATILDE POLITI
LUGAR_ San Fiz de Solovio I DATA_ xoves 17 abril I HORA_ 19.30
Recital de órgano a catro mans
CARLOS ARTURO GUERRA PARRA / LUCIE ŽÁKOVÁ
LUGAR_ Igrexa da Universidade I DATA_ xoves 17 abril I HORA_ 21.30
ntradas
Entrada gratuíta previa recollida de invitación *
• No despacho de billetes do Teatro Principal (Rúa Nova, 21) de 18.00 a 21.00 h,
de martes a sábado (do 26 de marzo ao 10 de abril)
• A partir do 11 de abril: 17.00-21.00 h
• 1 hora antes do inicio de cada concerto no lugar de celebración do mesmo
* agás Auditorio de Galicia: venres 11 abril (12 euros, entradas/novagaliciabanco.es, 902434443)
domingo 20 abril (3 euros / abonados-as Auditorio de Galicia, gratis).
Despacho de billetes Auditorio de Galicia (o día do concerto, a partir das 18.00 h)
* agás Banda Municipal de Música (Igrexa San Francisco, sábado 12 abril):
entrada libre ata completar o aforo
Invitación válida ata 10 minutos antes do inicio do concerto
(a organización resérvase o dereito de utilizar as localidades non ocupadas
polo público 10 minutos antes da hora de inicio do concerto)
Honkyoku e shakuhachi, 500 anos de tradición zen
RODRIGO RODRÍGUEZ
LUGAR_ Igrexa Orde Terceira I DATA_ venres 18 abril I HORA_ 19.30
O galeón do Pacífico
LINA MARCELA LÓPEZ / MANUEL VILAS
LUGAR_ San Fiz de Solovio I DATA_ venres 18 abril I HORA_ 21.30
Poesía sagrada na música de Kabul
KHALED ARMAN & ENSEMBLE KABUL
LUGAR_ Igrexa Orde Terceira I DATA_ sábado 19 abril I HORA_ 20.30
Shostakovich en clave sinfónica
ORQUESTRA NOVA DA SINFÓNICA DE GALICIA / JAMES ROSS
LUGAR_ Auditorio de Galicia I DATA_ domingo 20 abril I HORA_ 20.00
Entrada gratuita previa recogida de invitación *
• En la taquilla del Teatro Principal (Rúa Nova, 21) de 18.00 a 21.00 h,
de martes a sábado (del 26 de marzo al 10 de abril)
• A partir del 11 de abril: 17.00-21.00 h
• 1 hora antes del inicio de cada concierto en el lugar de celebración del mismo
* excepto Auditorio de Galicia: viernes 11 abril (12 euros, entradas/novagaliciabanco.es, 902434443)
domingo 20 abril (3 euros / abonados-as Auditorio de Galicia, gratis)
Taquilla del Auditorio de Galicia (el día del concierto, a partir de las 18.00 h)
* excepto Banda Municipal de Música (Iglesia San Francisco, sábado 12 abril):
entrada libre hasta completar el aforo
Invitación válida hasta 10 minutos antes del inicio del concierto
(la organización se reserva el derecho de utilizar las localidades no ocupadas
por el público 10 minutos antes de la hora de inicio del concierto)
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Como cidade universal que é Santiago de Compostela, un ano máis abrímonos
ao mundo coa oitava edición do Festival de Músicas Contemplativas.
Durante nove días, e dezaseis concertos, a cidade vólvese converter en
epicentro das músicas espiritual, de raíz, sacra... Cada vez son máis os adeptos
a este festival, no que tanto o lugar –as nosas igrexas, principalmente– como
a variada oferta musical –servida por intérpretes e artistas de calidade
contrastada– invitan á contemplación.
Música, tradición, arte e cultura únense para que, tanto os visitantes coma os
veciños de Compostela, poidamos gozar de boa música ao mesmo tempo que
contemplamos o noso rico patrimonio artístico.
O Concello de Santiago, a Xunta de Galicia e o Consorcio da cidade apostan
unha vez máis pola diversificación cultural para poñer en valor outras culturas
ao lado da nosa, xa milenaria.
Ángel Currás Fernández
Alcalde e presidente do Consorcio de Santiago
Como ciudad universal que es Santiago de Compostela, un año más nos abrimos
al mundo con la octava edición del Festival de Músicas Contemplativas.
Durante nueve días, y dieciséis conciertos, la ciudad se vuelve a convertir
en epicentro de las músicas espiritual, de raíz, sacra… Cada vez son más
los adeptos a este festival, en el que tanto el lugar –nuestras iglesias,
principalmente– como la variada oferta musical –servida por intérpretes y
artistas de calidad contrastada– invitan a la contemplación.
Música, tradición, arte y cultura se unen para que, tanto los visitantes como
los vecinos de Compostela, podamos gozar de buena música al mismo tiempo
que contemplamos nuestro rico patrimonio artístico.
El Ayuntamiento de Santiago, la Xunta de Galicia y el Consorcio de la ciudad
apuestan una vez más por la diversificación cultural para poner en valor otras
culturas al lado de la nuestra, ya milenaria.
Ángel Currás Fernández
Alcalde y presidente del Consorcio de Santiago
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As sete últimas palabras
de Cristo na Cruz
Las siete últimas palabras
de Cristo en la Cruz
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
PAUL DOMBRECHT_ óboe/director
I
I
LUGAR_ Auditorio de Galicia DATA_ venres 11 abril HORA_ 21.00
Franz Joseph Haydn (1732-1809)
Il ritorno di Tobia Hob. XXI: 1 (Apertura) (O regreso de Tobías)
Julius Rietz (1812-1877)
Concerto para óboe e orquestra, op. 33
Franz Joseph Haydn (1732-1809)
Die sieben letzten Worte (As sete últimas palabras de Cristo na cruz)
> Introdución. Maestoso ed adagio
> Largo. “Pater Dimitte Illis, Quia Nesciunt, Quid Faciunt!”
> Grave e cantabile. “Hodie Mecum Eris Paradiso!”
> Grave. “Mulier, Ecce filius Tuus!”
> Largo. “Deus Meus, Utquid Dereliquisti me?”
> Adagio. “Sition!”
> Lento. “Consumatum Est!”
> Largo. “In Manus Tuas Domine, Commendo Spiritum Meum!”
> Il Terremoto. Presto con tutta la forza
Aínda que son máis coñecidas A Creación
ou As sete últimas palabras de Cristo na
cruz, entre os oratorios de Joseph Haydn
xa destaca a beleza musical e o impacto
dramático do primeiro, Il ritorno di Tobia,
composto entre 1774 e 1775 para a
Sociedade Tonkünstler de Viena sobre un
libreto de Giovanni Gastone Boccherini,
escrito en italiano –como era norma da
época– que segue a escola do poeta
oficial da corte, Pietro Metastasio. Julius
Rietz (1812-1877) era un violoncellista
recoñecido sobre todo polas súas
contribucións como director de orquestra
e como editor. Amigo de Mendelssohn, de
quen editou as obras completas, sucedeulle
como director da Ópera de Düsseldorf e
máis tarde na Gewandhaus de Leipzig.
Compuxo tres óperas, tres sinfonías, catro
concertos e un cuarteto. A relixiosidade
de Haydn foi á vez causa e efecto da súa
propia música, ao atopar nela, como moitos
outros, o camiño que desemboca na arte.
Lonxe da magnificencia de composicións
que evocan a ampulosidade dun credo que
se impón a outros, en canto a manifestación
artística se refire, Haydn adereza as súas
composicións relixiosas dun misticismo case
íntimo, despreocupado de alcanzar grandes
evocacións divinas. Boa mostra é a obra
concibida como As sete últimas palabras
de Cristo na cruz. Por encargo do cóengo de
Cádiz, José Sáenz de Santamaría, nacido en
Veracruz de pais españois que emigraron á
Nova España, Haydn compón unha peza de
misticismo evidente, que favorece o acougo
espiritual e evoca o seu motivo. Ás palabras
de Cristo na cruz, une Haydn unha introdución
e unha parte final, o “Terremoto”, creando así
un conxunto completo, sen ornamentacións
superfluas pero cun fondo carácter.
Aunque son más conocidas La Creación o Las
siete últimas palabras de Cristo en la cruz,
entre los oratorios de Joseph Haydn ya destaca
la belleza musical y el impacto dramático del
primero, Il ritorno di Tobia, compuesto entre
1774 y 1775 para la Sociedad Tonkünstler de
Viena sobre un libreto de Giovanni Gastone
Boccherini, escrito en italiano –como era
norma de la época–, que sigue la escuela del
poeta oficial de la corte, Pietro Metastasio.
Julius Rietz (1812-1877) era un violonchelista
reconocido sobre todo por sus contribuciones
como director de orquesta y como editor.
Amigo de Mendelssohn, de quien editó las
obras completas, le sucedió como director
de la Ópera de Düsseldorf y más tarde en
la Gewandhaus de Leipzig. Compuso tres
óperas, tres sinfonías, cuatro conciertos y
un cuarteto. La religiosidad de Haydn fue a
la vez causa y efecto de su propia música,
al encontrar en ella, como muchos otros, el
camino que desemboca en las artes. Lejos
de la magnificencia de composiciones que
evocan la ampulosidad de un credo que se
impone a otros, en cuanto a la manifestación
artística se refiere, Haydn adereza sus
composiciones religiosas de un misticismo
casi íntimo, despreocupado de alcanzar
grandes evocaciones divinas. Buena
muestra es la obra concebida como Las
siete últimas palabras de Cristo en la cruz.
Por encargo del canónigo de Cádiz, José
Sáenz de Santamaría, nacido en Veracruz
de padres españoles que emigraron a la
Nueva España, Haydn compone una obra
de misticismo evidente, que favorece la
tranquilidad espiritual y evoca su motivo.
A las palabras de Cristo en la cruz, une
Haydn una introducción y una parte final,
el “Terremoto”, creando así un conjunto
completo, sin ornamentaciones superfluas
pero con un hondo carácter.
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REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
Iniciou a súa actividade en 1996 no Auditorio
de Galicia, en Santiago de Compostela, onde
presenta a súa temporada estable de concertos.
O seu primeiro director titular foi Helmuth
Rilling (1996-2000), a quen sucedeu Antoni Ros
Marbà (2000-2012). Dende 2013, Paul Daniel é
o seu director titular e artístico. O compostelán
Maximino Zumalave, vinculado á orquestra
dende o seu nacemento, é director asociado, e
Christoph König o principal director convidado.
Ademais da temporada de concertos en Santiago
mantén unha activa presenza no resto de cidades
galegas e realizou varias xiras internacionais
por Austria, Alemaña, Francia, Brasil, Arxentina
e, especialmente, Portugal. Paralelamente,
potencia a súa actividade en Santiago cun ciclo
de cámara e cos concertos didácticos que dende
1996 organiza co Auditorio de Galicia e polos que
pasan máis de 7000 escolares galegos cada ano.
En 2009 presentou dous traballos discográficos
inéditos dedicados a Manuel de Falla e Frederic
Mompou e, en 2012, un novo disco dedicado
a Ravel. Estreitamente vinculada á RFG está a
Escola de Altos Estudos Musicais que imparte o
Curso Avanzado de Especialización Orquestral,
cos músicos da orquestra como profesores.
Forma parte da Asociación Española de
Orquestas Sinfónicas.
Inició su actividad en 1996 en el Auditorio de
Galicia, en Santiago de Compostela, donde
presenta su temporada estable de conciertos. Su
primero director titular fue Helmuth Rilling (19962000), a quien sucedió Antoni Ros Marbà (20002012). Desde 2013, Paul Daniel es su director
titular y artístico. El compostelano Maximino
Zumalave, vinculado a la orquesta desde su
nacimiento, es director asociado, y Christoph
König el principal director invitado. Además de la
temporada de conciertos en Santiago mantiene
una activa presencia en el resto de ciudades
gallegas y realizó varias giras internacionales
por Austria, Alemania, Francia, Brasil, Argentina
y, especialmente, Portugal. Paralelamente,
potencia su actividad en Santiago con un ciclo de
cámara y con los conciertos didácticos que desde
1996 organiza con el Auditorio de Galicia y por los
que pasan más de 7000 escolares gallegos cada
año. En 2009 presentó dos trabajos discográficos
inéditos dedicados a Manuel de Falla y Frederic
Mompou y, en 2012, un nuevo disco dedicado a
Ravel. Estrechamente vinculada a la RFG está la
Escuela de Altos Estudios Musicales que imparte
el Curso Avanzado de Especialización Orquestal,
con los músicos de la orquesta como profesores.
Forma parte de la Asociación Española de
Orquestas Sinfónicas.
PAUL DOMBRECHT_ director
PAUL DOMBRECHT_ director
Oboísta e director de orquestra, é unha
autoridade no campo dos instrumentos
históricos e a interpretación da música dos
s. XVIII e XIX. En 1989 fundou a orquestra Il
Fondamento, conxunto centrado na práctica
histórica da música do s. XVII e principios do
XIX. É tamén o fundador do grupo Octophorus,
agrupación que interpreta exclusivamente
música para instrumentos de época de vento
e bronce. Toca ademais con gran frecuencia
con varios grupos de música de cámara. Como
director de ópera, xunto con Il Fondamento
e outras orquestras, interpretou numerosos
títulos de Haendel, Mozart, Traetta, Gluck
etc. As súas gravacións máis importantes
como solista, director e músico de cámara
foron para Seon, Harmonia Mundi, Astrée,
Opus 111, Accent, Vanguard Classics ou
Passacaille. Dende 2004, Fuga Libera editou
varios compactos de grande éxito, con obras
de Fasch (Diapason d’Or e moitas outras
nominacións), Telemann e a integral da obra
vocal-instrumental e orquestral de Arriaga. É
profesor no Real Conservatorio de Bruxelas e
impartiu clases maxistrais por todo o mundo.
Oboísta y director de orquesta, es una autoridad
en el campo de los instrumentos históricos y la
interpretación de la música de los s. XVIII y
XIX. En 1989 fundó la orquesta Il Fondamento,
conjunto centrado en la práctica histórica de
la música del s. XVII y principios del XIX. Es
también el fundador del grupo Octophorus,
agrupación que interpreta exclusivamente
música para instrumentos de época de viento
y bronce. Toca además con gran frecuencia
con varios grupos de música de cámara. Como
director de ópera, junto con Il Fondamento y
otras orquestas, ha interpretado numerosos
títulos de Haendel, Mozart, Traetta, Gluck,
etc. Sus grabaciones más importantes como
solista, director y músico de cámara han sido
para Seon, Harmonia Mundi, Astrée, Opus 111,
Accent, Vanguard Classics o Passacaille. Desde
2004, Fuga Libera ha editado varios compactos
de gran éxito, con obras de Fasch (Diapason
d’Or y muchas otras nominaciones), Telemann
y la integral de la obra vocal-instrumental y
orquestal de J. C. Arriaga. Es profesor en el
Real Conservatorio de Bruselas y ha impartido
clases magistrales por todo el mundo.
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O son de Benarés
La música clásica de la India
El sonido de Benarés
A música clásica da India
TAPANGROUP
PANDIT RONU MAJUMDAR_ bansuri
TAPAN BHATTACHARYA_ tabla
I
I
LUGAR_ San Domingos de Bonaval DATA_ sábado 12 abril HORA_ 19.30
Raga Jog
> Alap-Jhor-Jhala
> Ghat rn Roopak (7 tempos)
> Drut ghat en Tintal (16 tempos)
Pahari Dhum
(peza tradicional)
Vaishnava Janato
Bhajan (himno) favorito de Mahatma Ghandi
Ten as súas orixes no Sama Veda, texto do
primeiro milenio da nosa era. O concepto
central da música india son a Raga (forma
melódica) e o Talla (forma rítmica). Cada
Raga está baseada nun sentimento (Bhava) e
un sabor (Rasa) específicos, identificándose
con determinados momentos do día e da
noite e con diferentes estados anímicos. A
Raga adoita ter dúas fases. A primeira é a
ALAP, introdución na que o artista expón ou
investiga a estrutura da Raga, á que segue
o Jhor (a pulsación) e finalmente o Jhala,
momento no que o elemento rítmico supera
o melódico. Neste punto comeza a segunda
fase ou Gat (composición melódica que
define o ciclo rítmico, Talla), na que aparece
a percusión e os artistas crean e teñen lugar
as máis extraordinarias improvisacións.
No aspecto rítmico, a música hindú é sen
lugar a dúbidas unha das máis complexas,
o seu sistema musical corresponde a unha
estrutura fonética, que forma unha linguaxe
“falada” entre os instrumentos. A aprendizaxe
require longos anos de intenso Shadhana,
ou práctica, para conseguir o intricado cor
tonal. Existen diversas escolas ou Garanas
tradicionais que difiren nas súas formas e
estilos. O método de aprendizaxe é herdanza
da tradición védica. Non se aprende dos libros
senón dun gurú (mestre) e o forte vínculo entre
mestre e discípulo considérase esencial para a
continuación da tradición musical. Admiración,
respecto e devoción mantivéronse sen cambios
ao longo dos séculos.
Tiene sus orígenes en el Sama Veda,
texto del primer milenio de nuestra era.
El concepto central de la música india
son la Raga (forma melódica) y el Tala
(forma rítmica). Cada Raga está basada
en un sentimiento (Bhava) y un sabor
(Rasa) específicos, identificándose con
determinados momentos del día y de la
noche y con diferentes estados anímicos.
La Raga suele tener dos fases. La primera
es la ALAP, introducción en la que el artista
expone o investiga la estructura de la
Raga, a la que sigue el Jhor (la pulsación)
y finalmente el Jhala, momento en el que
el elemento rítmico supera al melódico.
En este punto comienza la segunda
fase o Gat (composición melódica que
define el ciclo rítmico, Tala), en la que
aparece la percusión y los artistas crean
y tienen lugar las más extraordinarias
improvisaciones. En el aspecto rítmico, la
música hindú es sin lugar a dudas una de
las más complejas, su sistema musical
corresponde a una estructura fonética,
que forma un lenguaje “hablado” entre
los instrumentos. El aprendizaje requiere
largos años de intenso Shadhana, o
práctica, para conseguir el intricado
color tonal. Existen diversas escuelas
o Garanas tradicionales que difieren
en sus formas y estilos. El método de
aprendizaje es herencia de la tradición
védica. No se aprende de los libros sino
de un gurú (maestro) y el fuerte vínculo
entre maestro y discípulo se considera
esencial para la continuación de la
tradición musical. Admiración, respeto y
devoción se han mantenido sin cambios
a lo largo de los siglos.
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PANDIT RONY MAJUMDAR_
bansuri (frauta de bambú)
Consumado
instrumentista
a
nivel
internacional, recibiu unha nominación
ao Grammy polo seu traballo no álbum
Tabula Rasa con Bela Fleck. Colaborou
con artistas do talle de Pt. Ravi Shankar
(en álbums como Pasaxes e Cantos da
India), co virtuoso tablista Zakir Hussain,
cos grandes mestres da música clásica de
India Pt. Bhimsen Joshi, Pt. Jasraj e Kishori
Amonkar, co exBeatle George Harrison,
Philip Glass, Ray Cooder, Robbie Williams,
Michael Stipe (REM) e un longo etc. Ten
composto innumerables pezas para diversos
proxectos como Carryng Hope (Music Today),
Traveller’s Tale, Song of Nature (MagnaSound), Koi Akela Kahan (Plus Music), Raag
Rang (producida pola Doordarshan TV) etc.
Ten composto e interpretado fragmentos
da banda sonora da película de Hollywood
Primary Colours. En 1999 foille outorgado o
prestixioso premio Birla Vikram Aditya, pola
súa dedicación á música.
PANDIT RONY MAJUMDAR_
bansuri (flauta de bambú)
Consumado
instrumentista
a
nivel
internacional, recibió una nominación al
Grammy por su trabajo en el álbum Tabula
Rasa con Bela Fleck. Ha colaborado con
artistas de la talla de Pt. Ravi Shankar (en
álbumes como Pasajes y Chants of India),
con el virtuoso tablista Zakir Hussain, con
los grandes maestros de la música clásica de
India Pt. Bhimsen Joshi, Pt. Jasraj y Kishori
Amonkar, con el exBeatle George Harrison,
Philip Glass, Ray Cooder, Robbie Williams,
Michael Stipe (REM) y un largo etc. Ha
compuesto innumerables piezas para diversos
proyectos como Carryng Hope (Music Today),
Traveller’s Tale, Song of Nature (MagnaSound), Koi Akela Kahan (Plus Music), Raag
Rang (producida por la Doordarshan TV) etc.
Ha compuesto e interpretado fragmentos de
la banda sonora de la película de Hollywood
Primary Colours. En 1999 le fue otorgado el
prestigioso premio Birla Vikram Aditya, por su
dedicación a la música.
TAPAN BHATTACHARYA_ tabla
Artista de recoñecido prestixio, conta con máis
de 30 anos de experiencia profesional que lle
levaron a actuar en teatros, salas e festivais
de prestixio entre as que destacan o Auditori
de Barcelona, Festival Grec, Festival de Jazz
de Donostia, Festival Etnimálaga, Festival de
Música Antiga Santa María del Mar, Festival
Mare Nostrum (Valencia), Festival Músicas
do Mundo de Navarra, Worl Music Festival
de Bruxelas, Festival de Almada (Lisboa),
Expo 2000 Hannover e Gelnhausen Theatre
Hall (Alemaña), Principado de Mónaco Packer
Auditórium, Bethlehem (Filadelfia) etc. Afincado
en España dende 1990, é o principal responsable
da difusión da música clásica india neste
país, invitando ás súas actuacións a artistas
de renome e novos talentos. Recentemente
formou o grupo de fusión Om Tara Project, co
que presentou o seu primeiro álbum, Indojazz,
no que mostra a retroalimentación que tiveron o
jazz e a música india ao longo da súa historia.
TAPAN BHATTACHARYA_ tabla
Artista de reconocido prestigio, cuenta con
más de 30 años de experiencia profesional
que le han llevado a actuar en teatros, salas y
festivales de prestigio entre las que destacan
el Auditori de Barcelona, Festival Grec, Festival
de Jazz de Donostia, Festival Etnimálaga,
Festival de Música Antigua Santa María del
Mar, Festival Mare Nostrum (Valencia), Festival
Músicas del Mundo de Navarra, Worl Music
Festival de Bruselas, Festival de Almada
(Lisboa), Expo 2000 Hannover y Gelnhausen
Theatre Hall (Alemania), Principado de Mónaco
Packer Auditórium, Bethlehem (Filadelfia) etc.
Afincado en España desde 1990, es el principal
responsable de la difusión de la música clásica
india en este país, invitando a sus actuaciones
a artistas de renombre y nuevos talentos.
Recientemente ha formado el grupo de fusión
Om Tara Project, con el que ha presentado su
primer album, Indojazz, en el que muestra la
retroalimentación que han tenido el jazz y la
música india a lo largo de su historia.
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Himno a San Francisco
BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA
JUAN MIGUEL ROMERO_ director
DAVID A. MACEIRAS_ órgano
I
I
LUGAR_ Igrexa de San Francisco DATA_ sábado 12 abril HORA_ 21.00
Johann Sebastian Bach (1685-1750) / Alfred Reed (1921-2005)
Cantata “Wachet auf, ruft uns die Stimme”, BWV 140 (Despertade, chámanos a voz)
Jan van der Roost (n. 1956)
Canterbury Chorale
Tomaso Albinoni (1671-1751)
Adagio
Johann Sebastian Bach (1685-1750) / Alfred Reed (1921-2005)
Cantata “Herz und Mund und Tat und Leben”, BWV 147 (Corazón e boca, e actos, e vida)
Charles Gounod (1818-1893)
Judex, de Mors et Vita
Camille Saint Säens (1835-1921)
Sinfonía núm. 3 “Órgano” (2º movemento)
Georg Friedrich Haendel (1685-1759)
Ombra mai fu (Largo), da ópera Xerxes
Ramón García i Soler (1905-1996)
Iesus Nazarenus (marcha de procesión)
Javier Pérez Garrido (1985)
Santiago Apostol (marcha de procesión)
Ignacio Busca de Sagastizábal (1868-1950)
Himno a San Francisco *
* estrea da adaptación para banda
As iconas relixiosas, así como a temática
sacra, foron sempre fonte de inspiración
para os máis ilustres compositores, que
dedicaron inxentes obras ao longo da
historia a este xénero musical. Este concerto
pretende mostrar unha visión diferente, con
adaptacións destas obras e composicións
orixinais para banda de música. De
dúas cantatas de Bach adaptadas polo
especialista en orquestra de ventos Alfred
Reed, do oratorio Mors et vita de Gounod e
da ópera Xerxes de Haendel, escoitaremos
as súas páxinas máis coñecidas. Xunto ao
célebre Adagio de Albinoni ou un fragmento
do segundo movemento da Sinfonía núm. 3
“Órgano” de Saint-Saëns (interpretada coa
colaboración do organista da igrexa de San
Francisco, David A. Maceira), poderanse
escoitar algúns exemplos dun xénero
patrimonial das bandas de música en Semana
Santa: as marchas procesionais (unha delas
baseada no Himno ao Apóstolo). Como colofón
do concerto estrease a adaptación para banda
e órgano do Himno a San Francisco de Ignacio
Busca de Sagastizábal, unha conmemoración
do 800º Aniversario da peregrinación de san
Francisco de Asís a Santiago de Compostela.
Los iconos religiosos, así como la temática
sacra, han sido siempre fuente de inspiración
para los más ilustres compositores, que
han dedicado ingentes obras a lo largo
de la historia a este género musical. Este
concierto pretende mostrar una visión
diferente, con adaptaciones de estas obras
y composiciones originales para banda de
música. De dos cantatas de Bach adaptadas
por el especialista en orquesta de vientos
Alfred Reed, del oratorio Mors et vita de
Gounod y de la ópera Xerxes de Haendel,
escucharemos sus páginas más conocidas.
Junto al célebre Adagio de Albinoni o un
fragmento del segundo movimiento de la
Sinfonía núm. 3 “Órgano” de Saint-Saëns
(interpretada con la colaboración del
organista de la iglesia de San Francisco,
David A. Maceira), se podrán escuchar
algunos ejemplos de un género patrimonial
de las bandas de música en Semana
Santa: las marchas procesionales (una
de ellas basada en el Himno al Apóstol).
Como colofón del concierto se estrena
la adaptación para banda y órgano del
Himno a San Francisco de Ignacio Busca
de Sagastizábal, una conmemoración
del 800º Aniversario de la peregrinación
de san Francisco de Asís a Santiago
de Compostela.
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BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA DE SANTIAGO
É unha das máis antigas de Galicia (1849). Durante os primeiros anos foi unha agrupación de
afeccionados, ata que en 1876 o Concello decide facerse cargo dela e comeza a profesionalizarse.
Na actualidade realiza os seus concertos no Teatro Principal e na Rúa do Vilar, praza da Quintana,
Alameda e outros lugares e barrios da cidade na temporada de verán. A súa actividade baséase
fundamentalmente nos concertos dominicais ao longo de todo o ano, concertos de verán xoves
e domingos, concertos didácticos en período lectivo nos que participan centos de escolares de
Santiago e bisbarra, intercambios e actos culturais e protocolarios.
BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA DE SANTIAGO
Es una de las más antiguas de Galicia (1849). Durante los primeros años fue una agrupación
de aficionados, hasta que en 1876 el Ayuntamiento decide hacerse cargo de ella y comienza la
profesionalizarse. En la actualidad realiza sus conciertos en el Teatro Principal y en la Calle de
la Aldea, plaza de la Quintana, Alameda y otros lugares y barrios de la ciudad en la temporada
de verano. Su actividad se basa fundamentalmente en los conciertos dominicales a lo largo
de todo el año, conciertos de verano los jueves y domingos, conciertos didácticos en período
lectivo en los que participan cientos de escolares de Santiago y comarca, intercambios y actos
culturales y protocolarios.
JUAN MIGUEL ROMERO LLOPIS_ director
Natural de Monforte del Cid (Alacante), graduado en Clarinete e Dirección de Orquestra con
Matrícula de Honra en ambas as especialidades, paralelamente diplómase en educación musical pola
Universidade de Alacante. Amplía os seus estudos musicais de dirección de orquestra con profesores
como Francesc Cabrelles, Manuel Hernández Silva, E. García Asensio, G. Pehlivanian, Jan Cober, E.
Corporon, F. Liss ou J. A. Espinosa entre outros.
JUAN MIGUEL ROMERO LLOPIS_ director
Natural de Monforte del Cid (Alicante), graduado en Clarinete y Dirección de Orquesta con Matrícula
de Honor en ambas especialidades, paralelamente se diploma en educación musical por la Universidad
de Alicante. Amplía sus estudios musicales de dirección de orquesta con profesores como Francesc
Cabrelles, Manuel Hernández Silva, E. García Asensio, G. Pehlivanian, Jan Cober, E. Corporon, F. Liss
o J. L. A. Espinosa entre otros.
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OperSuite,
improvisación libre en 3 actos
ALEJANDRO VARGAS_ piano
L.A.R. LEGIDO_ batería e obxectos sonoros
LUGAR_ CGAC
Centro Galego de Arte Contemporánea
I
DATA_ sábado 12 abril HORA_ 22.00
OperSuite
O dúo de improvisación libre formado por
Alejandro Vargas (piano) e L.A.R. Legido
(batería e obxectos sonoros) aborda diferentes
temáticas do free jazz e da música clásica
e contemporánea aproveitando ao máximo
todas as posibilidades do son. L.A.R. Legido e
Alejandro Vargas desenvolveron esta linguaxe
a través da performance creando música para
ver e escoitar, chea de cores, e somerxendo o
público en novos mundos acústicos utilizando
como principais ferramentas a transformación
do espazo sonoro, a elasticidade das formas
e a fantasía. O seu primeiro compactodvd a dúo titúlase OperSuite, obra dividida
en 3 actos baseada no estilo musical
da improvisación libre e cunha absoluta
conciencia de liberdade e beleza.
OperSuite
El dúo de improvisación libre formado por
Alejandro Vargas (piano) y L.A.R. Legido
(batería y objetos sonoros) aborda diferentes
temáticas del free jazz y de la música clásica
y contemporánea aprovechando al máximo
todas las posibilidades del sonido. L.A.R.
Legido y Alejandro Vargas han desarrollado
este lenguaje a través de la performance
creando música para ver y escuchar, llena
de colores, y sumergiendo al público en
nuevos mundos acústicos utilizando como
principales herramientas la transformación
del espacio sonoro, la elasticidad de las
formas y la fantasía. Su primer compactodvd a dúo se titula OperSuite, obra dividida
en 3 actos basada en el estilo musical de
la improvisación libre y con una absoluta
conciencia de libertad y belleza.
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L.A.R. LEGIDO_ batería e obxectos sonoros
ALEJANDRO VARGAS_ piano
Pianista e compositor nacido en Holguín (Cuba) en 1980, graduouse no Instituto Superior de Arte da Habana.
Dende moi temperá idade recibe clases de composición de Joel Rodríguez Milord, posteriormente estuda
con Ulises Hernández (clásica) e Harold Gramatges (contemporánea). Formou o seu primeiro trío de jazz en
2001. O seu disco Trapiche será o mellor disco de jazz do 2008 no certame Cubadisco. En 2003 crea a súa
agrupación musical Alejandro Vargas e Oriental Quartet, coa que comeza a realizar xiras internacionais e
gravou o compacto Vir ao mundo (mellor disco de jazz de Cubadisco 2009). Co seu New Trío gravou o disco
Oceanía en 2010. Participou en festivais de jazz de Ecuador, Brasil, España, Noruega, Portugal, Cuba, Trindade
e Tobago, Suíza etc. E con agrupacións como Irakere, Pupy y los que son Son, Chucho Valdés, o saxofonista
Donald Harrison, o trombonista Steve Turre, José Luis Gutiérrez ou as cantantes Ugia Pedreira e Lucrecia.
Traballa como compositor adxunto na Escola Internacional de Cine de San Antonio de los Baños e desenvolve
un intenso traballo sobre a improvisación libre e o free jazz e ofrece clases maxistrais en diversos foros.
ALEJANDRO VARGAS_ piano
Pianista y compositor nacido en Holguín (Cuba) en 1980, se graduó en el Instituto Superior de Arte
de La Habana. Desde muy temprana edad recibe clases de composición de Joel Rodríguez Milord,
posteriormente estudia con Ulises Hernández(clásica) y Harold Gramatges (contemporánea). Formó su
primer trío de jazz en 2001. Su disco Trapiche será el mejor disco de jazz del 2008 en el certamen
Cubadisco. En 2003 crea su agrupación musical Alejandro Vargas y Oriental Quartet, con la que comienza
a realizar giras internacionales y grabó el compacto Venir al mundo (mejor disco de jazz de Cubadisco
2009). Con su New Trío grabó el disco Oceanía en 2010. Ha participado en festivales de jazz de Ecuador,
Brasil, España, Noruega, Portugal, Cuba, Trinidad y Tobago, Suiza, etc. Y con agrupaciones como Irakere,
Pupy y los que son Son, Chucho Valdés, el saxofonista Donald Harrison, el trombonista Steve Turre, José
Luis Gutiérrez o las cantantes Ugia Pedreira y Lucrecia. Trabaja como compositor adjunto en la Escuela
Internacional de Cine de San Antonio de los Baños y desarrolla un intenso trabajo sobre la improvisación
libre y el free jazz y ofrece clases magistrales en diversos foros.
Nacido en 1975 en Castromonte (Valladolid), fórmase no Centro de Encuentro para el Desarrollo de la
Improvisación de Madrid. Amplía a súa formación en improvisación, música contemporánea e electroacústica
con Eddie Prevost, Norbert Moslang, Andy Guhl, John Butcher, Vanessa MacKness, Tim Hodkinson, Barry
Harris, Cuncha Xerez, José Iges, Gabriel Brnic ou Peter Kowald e na Berkelee College of Music de Boston.
Colaborou con numerosos grupos e artistas e ten actuado en festivais de Europa, América e África. Realizou
un gran número de gravacións: Orquestra FOCO, S.E.M Big Band, Maruxa e Trío, Terela Grandin Quartet, Abe
Rábade Trío, Marcos Teira Cuarteto, Pin.Cirera.Legido.Martínez, Athanasopoulos, Mercedes Peón, Budiño,
Marful, Z1C0 etc. Forma parte de Sumrrá, Iria Peña Trío, José Luis Gutiérrez Quartet - IberJazz, Lupercal, 2
M 12 ou o dúo de improvisación libre xunto ao pianista cubano Alejandro Vargas (co que recibiu o Premio
Especial CubaDisco 2013 pola gravación Miniaturas de Eugenio Granell). Entre as súas obras encóntranse
un Concerto-performance para tractor e batería (encargo do Festival Internacional de Percusión 2012) e a
ópera-free de peto La bambola malata. É profesor de batería, expresión rítmica e improvisación e impartiu
clases maxistrais en conservatorios, festivais e cursos de percusión e improvisación.
L.A.R. LEGIDO_ batería y objetos sonoros
Nacido en 1975 en Castromonte (Valladolid), se forma en el Centro de Encuentro para el Desarrollo de la
Improvisación de Madrid. Amplía su formación en improvisación, música contemporánea y electroacústica
con Eddie Prevost, Norbert Moslang, Andy Guhl, John Butcher, Vanessa MacKness, Tim Hodkinson, Barry
Harris, Concha Jerez, José Iges, Gabriel Brnic o Peter Kowald y en la Berkelee College of Music de Boston. Ha
colaborado con numerosos grupos y artistas y actuado en festivales de Europa, América y África y realizó un
gran número de grabaciones: Orquesta FOCO, S.E.M Big Band, Maruxa y Trío, Terela Grandin Quartet, Abe
Rábade Trío, Marcos Teira Cuarteto, Pin.Cirera.Legido.Martínez, Athanasopoulos, Mercedes Peón, Budiño,
Marful, Z1C0, etc. Forma parte de Sumrrá, Iria Peña Trío, José Luis Gutiérrez Quartet - IberJazz, Lupercal,
2M12 o el dúo de improvisación libre junto al pianista cubano Alejandro Vargas (con quien recibio Premio
Especial CubaDisco 2013 por la grabación Miniaturas de Eugenio Granell). Entre sus obras se encuentran
Concierto-performance para tractor y batería (encargo del Festival Internacional de Percusión 2012) y la
ópera-free de bolsillo La bambola malata. Es profesor de batería, expresión rítmica e improvisación y ha
impartido clases magistrales en conservatorios, festivales y cursos de percusión e improvisación.
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Pergolesi e o Stabat Mater
máis famoso
Stabat Mater, Pergolesi
ESCOLANÍA DA CATEDRAL DE SANTIAGO “ÁNGELES DE COMPOSTELA”
RESONET
MERCEDES HERNÁNDEZ_ soprano
MARÍA ALTADILL_ mezzosoprano
MATEO IGLESIAS_ órgano
FERNANDO REYES_ arquilaúde e tiorba
JOSÉ LUIS VÁZQUEZ / FERNANDO REYES_ dirección
I
I
LUGAR_ San Paio de Antealtares DATA_ domingo 13 abril HORA_ 20.30
Domenico Mazzocchi (1592-1665)
Piangete, occhi, piangete (de Musiche Sacre e Morali, Roma 1640)
Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736)
Stabat Mater (Nápoles 1736)
> Stabat Mater Dolorosa. Grave (dúo)
> Cujus animam gementem. Andante amoroso (aria soprano)
> O quam tristis et afflicta. Larghetto (dúo)
> Quae moerebat et dolebat. Allegro (aria alto)
> Quis est homo. Largo (dúo) - Pro peccatis suae gentis. Allegro
> Vidit suum dulcem natum. Tempo giusto (aria soprano)
> Eja mater fons amoris. Andantino (aria alto)
> Fac ut ardeat cor meum. Allegro (dúo)
> Sancta mater, istud agas. Tempo giusto (dúo)
> Fac ut portem Christi mortem. Largo (aria alto)
> Inflammatus et accensus. Allegro ma non troppo (dúo)
> Quando corpus morietur. Largo assai (dúo) - Amen. Presto assai
Giovanni Battista Pergolesi tiña 26 anos
cando compuxo a súa derradeira obra. Con
ela pasará definitivamente a ser considerado
un dos grandes mestres da composición
da historia. Nos seus poucos anos de vida
tivo tempo, oficio, xenialidade e fortuna
para compoñer óperas, pezas músicoteatrais, obras instrumentais e obras de
carácter relixioso de moi alto nivel artístico.
O Stabat Mater é unha das poucas obras
da época barroca que foron interpretadas
ininterrompidamente dende a sua primeira
representación ata a actualidade. Algúns
compositores de fama fixeron versións e
orquestraciónsquebasicamente“enriquecían”
instrumentalmente e harmonicamente unha
obra xa en si completa na partitura orixinal.
A versión presentada non é estrictamente
nova. Xa nunha das máis famosas escenas
do filme Amadeus escoitabamos un precioso
fragmento desta obra interpretado por un
coro de nenos acompañado por un órgano. A
escritura do acompañamento instrumental das
partes principais leva implícita, como case toda
obra barroca, a influencia dos instrumentos
de corda pulsada do momento. Tiorba ou
arquilaúde, eran os instrumentos esenciais no
que respectaba ao acompañamento das voces,
das emocións, na creación de dinámicas e
cores instrumentais, e por suposto no apoio da
retórica e do discurso musical. Curiosamente
estes instrumentos, tiorba e/ou arquilaúde,
tan incuestionábeis para o novo mestre e
todos os seus colegas e mesmo para o seu
público, que nin siquera era necesario facelo
constar na partitura, estan aínda nos nosos
días maioritariamente ausentes de versións de
referencia. Órgano e arquilaúde acompañan ás
voces nesta primeira colaboración de Resonet
coa Escolanía da Catedral de Santiago, nunha
versión que non ten nada de orixinal, pero moito
de infrecuente. [Fernando Reyes]
Pergolesi y el Stabat Mater
más famoso
Giovanni Battista Pergolesi tenía 26 años
cuando compuso su última obra. Con ella pasará
definitivamente a ser considerado uno de los
grandes maestros de la composición de la
historia. En sus pocos años de vida tuvo tiempo,
oficio, genialidad y fortuna para componer
óperas, piezas músico-teatrales, obras
instrumentales y obras de carácter religioso
de muy alto nivel artístico. El Stabat Mater es
una de las pocas obras de la época barroca
que fueron interpretadas ininterrumpidamente
desde la sua primera representación hasta la
actualidad. Algunos compositores de fama
hicieron versiones y orquestaciones que
básicamente “enriquecían” instrumentalmente
y armónicamente una obra ya en sí completa
en la partitura original. La versión presentada
no es estrictamente nueva. Ya en una de
las más famosas escenas del film Amadeus
escuchábamos un precioso fragmento de
esta obra interpretado por un coro de niños
acompañado por un órgano. La escritura del
acompañamiento instrumental de las partes
principales lleva implícita, como casi toda
obra barroca, la influencia de los instrumentos
de cuerda pulsada del momento. Tiorba o
archilaúd, eran los instrumentos esenciales en
lo que respecta al acompañamiento de las voces
de las emociones, en la creación de dinámicas
y colores instrumentales, y por supuesto en el
apoyo de la retórica y del discurso musical.
Curiosamente estos instrumentos, tiorba y/o
archilaúd, tan incuestionables para el nuevo
maestro y todos sus colegas e incluso para su
público, que ni siqueira era necesario hacerlo
constar en la partitura, estan aun en nuestros
días mayoritariamente ausentes de versiones
de referencia. Órgano y archilaúd acompañan
a las voces en esta primera colaboración de
Resonet con la Escolanía de la Catedral de
Santiago, en una versión que no tiene nada
de original, pero mucho de infrecuente.
[Fernando Reyes]
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ESCOLANÍA DA CATEDRAL DE SANTIAGO “ÁNGELES DE COMPOSTELA”
A Escolanía da S.A.M.I. Catedral de Santiago, “Ángeles de Compostela”, refundada no ano 2008, é un
dos coros con máis historia de Santiago de Compostela. Dende esa data, a Escolanía, á parte das súas
actuacións regulares en actos litúrxicos dentro da Catedral, actuou en acontecementos tan relevantes
como a visita do Papa (S.S. Benedicto XVI) coa Real Filharmonía de Galicia dirixidos por Maximino
Zumalave, o II Festival Internacional “Peregrinos Musicais” organizado pola Fundación Internacional
Vladimir Spivakov en España e en diversos lugares de Galicia. Tamén actuou conxuntamente con
coros tan destacados como os Nenos Cantores da Sinfónica de Galicia. No pasado mes de abril,
acaba de gravar o seu primeiro disco no que se reflicte o traballo realizado neste período. O Coro, está
integrado por uns 25 nenos e nenas de idades comprendidas entre os 8 e os 16 anos, pretende ser un
verdadeiro centro de canto coral e lugar de formación tanto musical como de novas voces.
ESCOLANÍA DE LA CATEDRAL DE SANTIAGO “ÁNGELES DE COMPOSTELA”
La Escolanía de la S.A.M.I. Catedral de Santiago, “Ángeles de Compostela”, refundada en el
año 2008, es uno de los coros con más historia de Santiago de Compostela. Desde esa fecha, la
Escolanía, aparte de sus actuaciones regulares en actos litúrgicos dentro de la Catedral, actuó en
acontecimientos tan relevantes como la visita del Papa (S.S. Benedicto XVI) con la Real Filharmonía
de Galicia dirigidos por Maximino Zumalave, el II Festival Internacional “Peregrinos Musicales”
organizado por la Fundación Internacional Vladimir Spivakov en España y en diversos lugares de
Galicia. También actuó conjuntamente con coros tan destacados como los Niños Cantores de la
Sinfónica de Galicia. En el pasado mes de abril, acaba de grabar su primer disco en el que se refleja
el trabajo realizado en este período. El Coro, que en la actualidad está integrado por unos 25 niños
y niñas de edades comprendidas entre los 8 y los 16 años, y dirigido desde su refundación por José
Luis Vázquez, pretende ser un verdadero centro de canto coral y lugar de formación tanto musical
como de nuevas voces.
JOSÉ LUIS VÁZQUEZ_ director
O seu contacto coa música comeza en 1977 como membro do Orfeón Terra A Nosa de Santiago de
Compostela. Cursou estudos de canto coa soprano Ana Higueras, Félix Lavilla e Fernando Turina
e en 1990 ingresou no Collegium Compostelanum (dirixido por Maximino Zumalave). Ofreceu
concertos como solista co Coro Universitario de Santiago, co Collegium Compostelanum e coa
Sinfónica de Galicia. Director dos Nenos Cantores da Sinfónica de Galicia dende a súa fundación
en 1999, está estreitamente vinculado ao Coro da Orquestra Sinfónica de Galicia, ao que pertence
dende a súa creación. Ademais foi director do Coro do Festival Mozart 1999.
JOSÉ LUIS VÁZQUEZ_ director
Su contacto con la música comienza en 1977 como miembro del Orfeón Terra A Nosa de Santiago
de Compostela. Cursó estudios de canto con la soprano Ana Higueras, Félix Lavilla y Fernando
Turina y en 1990 ingresó en el Collegium Compostelanum (dirigido por Maximino Zumalave).
Ha ofrecido concertos como solista con el Coro Universitario de Santiago, con el Collegium
Compostelanum y con la Sinfónica de Galicia. Director de los Niños Cantores de la Sinfónica
de Galicia desde su fundación en 1999, está estrechamente vinculado al Coro de la Orquesta
Sinfónica de Galicia, al que pertenece desde su creación. Además fue director del Coro del
Festival Mozart 1999.
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MATEO IGLESIAS_ órgano
Comeza con 8 anos os seus estudos de piano no Conservatorio Histórico de Santiago, finalizándoos en
2010. Participou en numerosos concursos e resultou gañador dos premios honoríficos David Russell
en 2008. Dende 2011 estuda dirección e composición no Conservatorio Superior do Principado de
Asturias, ademais de asistir regularmente a cursos con mestres como Enrique García Asensio,
Cristóbal Soler ou Johan Duijck. Actualmente é director do coro de cámara Si Vis Me Canere e
pianista acompañante da Escolanía da Catedral de Santiago.
MATEO IGLESIAS_ órgano
Comienza con 8 años sus estudios de piano en el Conservatorio Histórico de Santiago, finalizándolos
en 2010. Participó en numerosos concursos y resultó ganador de los premios honoríficos David
Russell en 2008. Desde 2011 estudia dirección y composición en el Conservatorio Superior del
Principado de Asturias, además de asistir regularmente a cursos con maestros como Enrique García
Asensio, Cristóbal Soler o Johan Duijck. Actualmente es director del coro de cámara Si Vis Me
Canere y pianista acompañante de la Escolanía de la Catedral de Santiago.
RESONET
FERNANDO REYES_ director
Iniciou a súa formación musical como neno cantor na Escolanía da Catedral de Santiago de Compostela
e especializouse nos instrumentos antigos de corda pulsada no Conservatorio de Toulouse (Francia)
e na Staatliche Hochschule für Musik de Trossingen (Alemaña). Fundou e dirixe Resonet. Como
instrumentista ten ofrecido unha intensa actividade de concertos e gravacións, tanto como solista
como acompañante, por toda Europa. Alén diso, compuxo e dirixiu a música de diversas obras
teatrais e publicou varios artigos sobre música antiga, guías musicais e libros-cd. Impartiu numerosos
seminarios, cursos e conferencias en diferentes universidades e centros de ensino europeos.
FERNANDO REYES_ director
Inició su formación musical como niño cantor en la Escolanía de la Catedral de Santiago de
Compostela y se especializó en los instrumentos antiguos de cuerda pulsada en el Conservatorio
de Toulouse (Francia) y en la Staatliche Hochschule für Musik de Trossingen (Alemaña). Fundó y
dirige Resonet. Como instrumentista ha ofrecido una intensa actividad de conciertos y grabaciones,
tanto como solista cómo acompañante, por toda Europa. Además de eso, compuso y dirigió la
música de diversas obras teatrales y publicó varios artículos sobre música antigua, guías musicales
y libros-cd. Impartió numerosos seminarios, cursos y conferencias en diferentes universidades y
centros de enseñanza europeos.
Formouse en 1990 en Santiago de Compostela, baixo o impulso do laudista Fernando Reyes, quen
dirixe o grupo, e a soprano Mercedes Hernández, tomando o seu nome dunha peza do Códice
Calixtino. Os seus compoñentes están especializados na interpretación da música antiga nos máis
recoñecidos centros de formación de Europa. Ofreceu numerosos concertos en prestixiosos festivais
e auditorios de toda Europa, e dedica grande atención á música relacionada con Galicia e co Camiño
de Santiago. Gravou os compactos La Grande Chanson: cancións dos peregrinos de Francia, s. XVII;
Santiago!: música e peregrinacións no Renacemento; Les Pellerines: a moda da peregrinación en
Francia, s. XVII; Il Pellegrino: a viaxe de Cosme III de Medici, 1668, Canto de nadal; Cantares GalegosRosalía de Castro; Canto de Ultreia: Codex Calixtinus - Cantos de peregrinos: Músicas para as festas
de Santiago, s. XII; Festa Dies, músicas para a consagración da Catedral de Santiago, 1211 e A
Peregrina, cantos e romances nos camiños de Santiago.
RESONET
Formado en 1990 en Santiago de Compostela, bajo el impulso del laudista Fernando Reyes, quien dirige
el grupo, y la soprano Mercedes Hernández, toma su nombre de una pieza del Códice Calixtino. Sus
componentes están especializados en la interpretación de la música antigua en los más reconocidos
centros de formación de Europa. Ofreció numerosos conciertos en prestigiosos festivales y auditorios
de toda Europa, y dedica gran atención a la música relacionada con Galicia y con el Camino de
Santiago. Grabó los compactos Grande Chanson: canciones de los peregrinos de Francia, s. XVII;
Santiago!: música y peregrinaciones en el Renacimiento; Lees Pellerines: la moda de la peregrinación
en Francia, s. XVII; Il Pellegrino: el viaje de Cosme III de Medici, 1668, Canto de navidad; Cantares
Gallegos-Rosalía de Castro; Canto de Ultreia: Codex Calixtinus - Cantos de peregrinos: Músicas para
las fiestas de Santiago, s. XII; Fiesta Dies, músicas para la consagración de la Catedral de Santiago,
1211 y La Peregrina, cantos y romances en los caminos de Santiago.
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MERCEDES HERNÁNDEZ_ soprano
Naceu en Santiago de Compostela e estudou
canto, especializándose en música antiga,
no Conservatorio de Toulouse (Francia), na
Musikhochschule de Trossingen (Alemaña) e
na Schola Cantorum Basiliensis (Basilea, Suíza)
con profesores como Guillemette Laurens,
Richard Levitt e Montserrat Figueras. Colabora
en concertos e gravacións con destacados
grupos como La Capella Reial de Catalunya
(Jordi Savall), Le Parlement de Musique, (Martin
Gester), Ensemble Elyma (Gabriel Garrido), The
Harp Consort (Andrew Lawrence King), La
Fenice (Jean Tubery) etc., tendo actuado en
moitos dos principais auditorios e festivais de
Europa e América. En 2002 debutou no Liceo
de Barcelona na ópera de Claudio Monteverdi
L’Orfeo dirixida por Jordi Savall.
MERCEDES HERNÁNDEZ_ soprano
Nació en Santiago de Compostela y estudió
canto, especializándose en música antigua,
en el Conservatorio de Toulouse (Francia), en
la Musikhochschule de Trossingen (Alemania)
y en la Schola Cantorum Basiliensis (Basilea,
Suiza) con profesores como Guillemette
Laurens, Richard Levitt y Montserrat Figueras.
Colabora en conciertos y grabaciones con
destacados grupos como La Capella Reial
de Catalunya (Jordi Savall), Le Parlement de
Musique, (Martin Gester), Ensemble Elyma
(Gabriel Garrido), The Harp Consort (Andrew
Lawrence King), La Fenice (Jean Tubery)
etc., habiendo actuado en muchos de los
principales auditorios y festivales de Europa
y América. En 2002 debutó en el Liceo de
Barcelona en la ópera de Claudio Monteverdi
L’Orfeo dirigida por Jordi Savall.
MARÍA ALTADILL_ mezzosoprano
Cursou estudos profesionais de canto na súa
Tarragona natal e ingresa posteriormente
na Schola Cantorum Basiliensis (Basilea,
Suíza) onde estudou cos mestres Richard
Levitt e Kurt Widmer e obtivo a licenciatura
en música antiga en 2003. Como solista
participa en concertos e diferentes producións
operísticas por Europa e Sudamérica, e tamén
en gravacións para diferentes discográficas,
radios e televisións europeas, traballando
con directores da talla de Widfried Toll,
Dominique Vellard, Konrad Junghänel, entre
outros. Actualmente é profesora de canto e
responsable da área de técnica vocal do coro
na Escola de l’Orfeó Lleidatà.
MARÍA ALTADILL_ mezzosoprano
Cursó estudios profesionales de canto en su
Tarragona natal e ingresa posteriormente en
la Schola Cantorum Basiliensis (Basilea, Suiza)
donde estudió con los maestros Richard Levitt
y Kurt Widmer y obtuvo la licenciatura en
música antigua en 2003. Como solista participa
en conciertos y diferentes producciones
operísticas por Europa y Sudamérica, y también
en grabaciones para diferentes discográficas,
radios y televisiones europeas, trabajando
con directores de la talla de Widfried Toll,
Dominique Vellard, Konrad Junghänel, entre
otros. Actualmente es profesora de canto y
responsable del área de técnica vocal del coro
en la Escuela de l’Orfeó Lleidatà.
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Cantatas de Bach
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
STEPHAN LOGES_ baixo-barítono
TERRA A NOSA – SOLISTAS
MAXIMINO ZUMALAVE_ director
I
I
LUGAR_ San Paio de Antealtares DATA_ luns 14 abril HORA_ 21.00
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Cantata “Ich will den Kreuzstab gerne tragen” BWV 56
> Aria: Ich will den Kreuzstab gerne tragen (Con gusto levarei a cruz)
> Recitativo: Mein Wandel auf der Welt (A miña permanencia no mundo)
> Aria: Endlich, endlich wird mein Joch (Un día chegará o meu tormento)
> Recitativo: Ich stehe fertig und bereit (Estou aquí disposto)
> Coral: Komm, o Tod, du Schlafes Bruder (Ven, oh mundo)
Frank Martin (1890-1974)
Pasacaille
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Cantata “Ich habe genug” BWV 82
> Aria: Ich habe genug (Teño suficiente)
> Recitativo: Ich habe genug
> Aria: Schlummert ein, ihr matten Augen (Dormide xa, ollos cansados!)
> Recitativo: Mein Gott! Wann kömmt das schöne, Nun! (Meu Deus! Cando virá o belo agora)
> Aria: Ich freue mich auf meinen Tod (Aledándome saúdo a miña morte)
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
enfróntase á morte cunha expectación case
fervente, ás veces, difícil de entender para
a sociedade actual. Estas dúas cantatas
para barítono son obras moi austeras, sen
excesos nin adornos inútiles, que contrastan
coa solemnidade doutras escritas polo Cantor
de Leipzig para outras finalidades. A Cantata
BWV 56 “Ich will dean Kreuzstab gerne
tragen” (Con gusto levarei a cruz) foi escrita
en 1726, sobre o evanxeo de san Mateo,
para o décimo noveno domingo da Trindade e
inclúese nas cantatas denominadas ‘místicas’
debido ao protagonismo e a transcendencia
do texto así como á meditación do seu
desenvolvemento musical. A BWV 82 “Ich
habe genug” (Teño suficiente), composta para
a festa da Purificación de María de 1727, está
baseada no evanxeo de san Lucas e conxuga
a naturalidade e a profundidade cunha gran
fortaleza interior, pois presenta o desexo da
morte como vía para acceder á salvación.
Johann Sebastian Bach (1685-1750) se
enfrenta a la muerte con una expectación
casi ferviente, a veces, difícil de entender
para la sociedad actual. Estas dos cantantas
para barítono son obras muy austeras, sin
excesos ni adornos inútiles, que contrastan
con la solemnidad de otras escritas por el
Cantor de Leipzig para otras finalidades. La
Cantata BWV 56 “Ich will den Kreuzstab
gerne tragen” (Con gusto llevaré la cruz)
fue escrita en 1726, sobre el evangelio
de san Mateo, para el decimonoveno
domingo de la Trinidad y se incluye en las
cantatas denominadas ‘místicas’ debido al
protagonismo y la trascendencia del texto
así como a la meditación de su desarrollo
musical. La BWV 82 “Ich habe genug”
(Tengo suficiente), compuesta para la
fiesta de la Purificación de María de 1727,
está basada en el evangelio de san Lucas
y conjuga la naturalidad y la profundidad
con una gran fortaleza interior, pues
presenta el deseo de la muerte como vía
para acceder a la salvación.
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REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
Iniciou a súa actividade en 1996 no Auditorio de Galicia, en Santiago de Compostela, onde presenta a
súa temporada estable de concertos. O seu primeiro director titular foi Helmuth Rilling (1996-2000), a
quen sucedeu Antoni Ros Marbà (2000-2012). Dende 2013, Paul Daniel é o seu director titular e artístico.
O compostelán Maximino Zumalave, vinculado á orquestra dende o seu nacemento, é director asociado,
e Christoph König o principal director convidado. Ademais da temporada de concertos en Santiago
mantén unha activa presenza no resto de cidades galegas e realizou varias xiras internacionais por
Austria, Alemaña, Francia, Brasil, Arxentina e, especialmente, Portugal. Paralelamente, potencia a súa
actividade en Santiago cun ciclo de cámara e cos concertos didácticos que dende 1996 organiza co
Auditorio de Galicia e polos que pasan máis de 7000 escolares galegos cada ano. En 2009 presentou
dous traballos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla e Frederic Mompou e, en 2012, un
novo disco dedicado a Ravel. Estreitamente vinculada á RFG está a Escola de Altos Estudos Musicais
que imparte o Curso Avanzado de Especialización Orquestral, cos músicos da orquestra como profesores.
Forma parte da Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.
REAL FILHARMONÍA DE GALICIA
Inició su actividad en 1996 en el Auditorio de Galicia, en Santiago de Compostela, donde presenta su
temporada estable de conciertos. Su primero director titular fue Helmuth Rilling (1996-2000), a quien
sucedió Antoni Ros Marbà (2000-2012). Desde 2013, Paul Daniel es su director titular y artístico. El
compostelano Maximino Zumalave, vinculado a la orquesta desde su nacimiento, es director asociado,
y Christoph König el principal director invitado. Además de la temporada de conciertos en Santiago
mantiene una activa presencia en el resto de ciudades gallegas y realizó varias giras internacionales
por Austria, Alemania, Francia, Brasil, Argentina y, especialmente, Portugal. Paralelamente, potencia su
actividad en Santiago con un ciclo de cámara y con los conciertos didácticos que desde 1996 organiza
con el Auditorio de Galicia y por los que pasan más de 7000 escolares gallegos cada año. En 2009
presentó dos trabajos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla y Frederic Mompou y, en 2012,
un nuevo disco dedicado a Ravel. Estrechamente vinculada a la RFG está la Escuela de Altos Estudios
Musicales que imparte el Curso Avanzado de Especialización Orquestal, con los músicos de la orquesta
como profesores. Forma parte de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.
TERRA A NOSA – SOLISTAS
Nace no seo do Orfeón Terra A Nosa, da man do seu director Miro Moreira, para difundir e estender a
súa actividade coral de cámara e solista. Na actualidade centra a súa especialización na interpretación
da música antiga. O seu repertorio é amplo, incorporando aos seus concertos habituais montaxes Rosa
das Rosas e Ordo Prophetarum, Villanescas de F. Guerrero, Ensaladas de M. Flecha e Cancioneiros
de Uppsala e Medinacelli. Dedica especial atención á recuperación das obras das catedrais galegas,
gravando coas principais orquestras galegas, a Real Filharmonía de Galicia e a Sinfónica de Galicia,
a Misa Unum Deus e Réquiem de M. López, e organiza diversos ciclos de gravacións e concertos
didácticos; nese sentido cabe destacar a gravación do CD Cancións de aquí e acolá de P. Pereiro.
TERRA A NOSA – SOLISTAS
Nace en el seno del Orfeón Terra A Nosa, de la mano de su director Miro Moreira, para difundir
y extender su actividad coral de cámara y solista. En la actualidad centra su especialización en la
interpretación de la música antigua. Su repertorio es amplio, incorporando a sus conciertos habituales
montajes Rosa de las Rosas y Ordo Prophetarum, Villanescas de F. Guerrero, Ensaladas de M. Flecha y
Cancioneros de Uppsala y Medinacelli. Dedica especial atención a la recuperación de las obras de las
catedrales gallegas, grabando con los principales orquestas gallegas, la Real Filarmonía de Galicia
y la Sinfónica de Galicia, la Misa Unum Deus y Réquiem de M. López, y organiza diversos ciclos de
grabaciones y conciertos didácticos; en ese sentido cabe destacar la grabación del CD Cancións de
aquí e acolá de P. Pereiro.
Forman a grupación deste concerto: Aida Cruz Estévez, Chelo López Federico, Anna Mélikhova,
Loli Pampín Iglesias, Mª Jesús Sánchez-Brunete Alija, Martín Viaño García, Óscar Mato Collazo,
Diego Neira Sinde, Luís Martínez Sánchez, Felipe Sar Pose e Miro Moreira, director
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STEPHAN LOGES_ baixo-barítono
MAXIMINO ZUMALAVE_ director
Naceu en Dresden, a moi temperá idade gañou o concurso internacional de canto Wigmore Hall. Foi
membro do Coro de Dresden antes de estudar no Conservatorio de Kunste, Berlín, e na Guidlhall School
of Music and Drama de Londres. Deu recitais por todo o mundo con pianistas como Roger Vignoles,
Simon Lepper, Alexander Schmalcz e Eugene Asti. En 2002 debutou con Trevor Pinnock cantando A
Paixón segundo san Mateo. Os seus recitais incluíron A Creación (Mozarteum de Salzburgo); As sete
últimas palabras coa Orquestra Filharmónica de Bergen; o Réquiem de Bruckner coa Northern Sinfonia;
a Misa de Coroación de Mozart e o Stabat Mater de Haydn coa Ensemble Orchestra de París e Fabio
Biondi. Interpretou as Cantatas de Bach con sir Eliot Gardiner, as Paixóns co Gabrielli Consort e Paul
McCreesh. Representa papeis importantes en ópera como Papageno na Frauta Máxica; o conde en As
vodas de Fígaro; Mercutio en Romeo e Xulieta, Ottokar no Cazador furtivo con sir Colin Davies...
Director e pianista compostelán, foi discípulo de Brage, Gardiner e Rilling. Fundador e director do
Coro Universitario de Santiago e do Collegium Compostellanum e principal director convidado da
Orquestra Sinfónica de Galicia (1992-1995). Actualmente é director asociado da RFG, á que está
vinculado desde o seu inicio. Con el actuaron solistas da talla de Achúcarro, Barto, Bayo, Bitetti,
Castromil, ou Zimmermann. Frecuente e moi especial é a súa colaboración con Teresa Berganza en
diferentes países de Europa. Dirixiu ás máis destacadas orquestras españolas e estranxeiras. Tamén
levou a batuta en estreas absolutas de obras de Bernaola, Castelo, García Abril e Mestres Quadreny,
coidando especialmente as primeiras audicións de novos compositores galegos como Alonso, Balboa,
Buíde ou Viaño. O seu compromiso coa cultura galega vai máis aló da música: en 2008 o Consello da
Xunta de Galicia concedeulle a Medalla Castelao.
STEPHAN LOGES_ bajo-barítono
MAXIMINO ZUMALAVE_ director
Nació en Dresden, a muy temprana edad ganó el concurso internacional de canto Wigmore Hall. Fue
miembro del Coro de Dresden antes de estudiar en el Conservatorio de Kunste, Berlín, y en la Guidlhall
School of Music and Drama de Londres. Dio recitales por todo el mundo con pianistas como Roger
Vignoles, Simon Lepper, Alexander Schmalcz y Eugene Asti. En 2002 debutó con Trevor Pinnock cantando
La Pasión según san Mateo. Sus recitales incluyeron La Creación (Mozarteum de Salzburgo); Las siete
últimas palabras con la Orquesta Filarmónica de Bergen; el Réquiem de Bruckner con la Northern Sinfonia;
la Misa de Coronación de Mozart y el Stabat Mater de Haydn con la Ensemble Orchestra de París y Fabio
Biondi. Interpretó las Cantatas de Bach con sir Eliot Gardiner, las Pasiones con el Gabrielli Consort y Paul
McCreesh. Representa papeles importantes en ópera como Papageno en La Flauta Mágica; el conde en
Las bodas de Fígaro; Mercutio en Romeo y Julieta, Ottokar en el Cazador furtivo con sir Colin Davies...
Director y pianista compostelano, fue discípulo de Brage, Gardiner y Rilling. Fundador y director del
Coro Universitario de Santiago y del Collegium Compostellanum y principal director invitado de la
Orquesta Sinfónica de Galicia (1992-1995). Actualmente es director asociado de la Real Filarmonía
de Galicia, a la que está vinculado desde su inicio. Con él actuaron solistas de la talla de Achúcarro,
Barto, Bayo, Bitetti, Castromil, o Zimmermann. Frecuente y muy especial es su colaboración con
Teresa Berganza en diferentes países de Europa. Dirigió a las más destacadas orquestas españolas
y extranjeras. También llevó la batuta en estrenos absolutos de obras de Bernaola, Castillo, García
Abril y Maestros Quadreny, cuidando especialmente las primeras audiciones de nuevos compositores
gallegos como Alonso, Balboa, Buíde o Viaño. Su compromiso con la cultura gallega va más allá de la
música: en 2008 el Consello da Xunta de Galicia le concedió la Medalla Castelao.
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Ladaíñas de Xapón
meditación entre o silencio e o caos sonoro
Letanías de Japón
la meditación entre el silencio y el caos sonoro
HARUNA TAKEBE_ piano
LUGAR_ Paraninfo da Universidade. Facultade de Xeografía e Historia
DATA_ martes 15 abril HORA_ 19.30
I
Toshi Ichiyanagi 一柳慧 (n.1933)
Premonition (de Inter Konzert) (1987)
Toru Takemitsu 武満徹 (1930-1996)
Litany (1. Adagio) (1950/89)
Toshio Hosokawa 細川俊夫 (n.1955)
Haiku, para Pierre Boulez (2000/03)
Maki Ishii 石井眞木 (1936-2003)
Black Intention III, piano etude for breath (1977)
Toru Takemitsu 武満徹 (1930-1996)
Rain Tree Sketch II, á memoria de Olivier Messiaen (1992)
Toshio Hosokawa 細川俊夫 (n.1955)
Mai (2011)
Toshi Ichiyanagi 一柳慧 (n.1933)
Piano Media (1972)
Música para piano dos compositores máis
significativos e representativos de Xapón
do século XX e da actualidade. Ladaíñas
de Xapón presenta como denominador
común un marcado espírito nipón ao
través de pezas feitas dende a perspectiva
observadora e reflexiva que manifestan
a dualidade característica deste país: a
do Xapón tradicional (o da flosofía zen
e a plena [con]vivencia da natureza) e a
do Xapón moderno (o da electrónica e as
macro-cidades). Dous xeitos de vida e dúas
velocidades que cohabitan e interaccionan.
Escasos metros separan un rañaceos dun
santuario shintoista ou a serenidade dun
templo budista dos Pachinko. A música de
Ladaíñas do Xapón propón a meditación
ao través tanto do silencio coma do caos
sonoro. [Haruna Takebe]
Música para piano de los compositores más
significativos y representativos de Japón
del siglo XX y de la actualidad, Letanías
de Japón presenta como denominador
común un marcado espíritu nipón a través
de piezas hechas desde la perspectiva
observadora y reflexiva que manifiestan la
dualidad característica de este país: la del
Japón tradicional (el de la flosofía zen y la
plena [con]vivencia de la naturaleza) y la del
Japón moderno (el de la electrónica y las
macro-ciudades). Dos modos de vida y dos
velocidades que cohabitan e interaccionan.
Escasos metros separan un rascacielos
de un santuario shintoista o la serenidad
de un templo budista de los Pachinko. La
música de Letanías del Japón propone
la meditación a través tanto del silencio
como del caos sonoro. [Haruna Takebe]
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HARUNA TAKEBE_ piano
Tras a súa graduación na universidade Toho
Gakuen de Tokio, en 1999 trasladouse a Europa
para ampliar a súa formación na Universidade
das Artes de Berlín coa pianista Elena Lapitskaja,
e en Holanda música de cámara e acompañante
de lied no Conservatorio de Amsterdam. A súa
actividade como concertista inclúe actuacións
coa Symfonie Orchester Berlín, Takamatsu
Symphony Orchestra... e colaboracións con
membros da Orquestra Filharmónica Checa,
Real Filharmonía de Galicia e Sinfónica de
Galicia. En 2004 gravou un disco para o selo
STH Quality Classics con música de Scarlatti,
Schubert, Liszt e Debussy. De 2007 ao 2009
exerce de catedrática de piano na Elisabeth
University of Music (Hiroshima). En España
actúa asiduamente de solista e con diversas
formacións de cámara como Airas Ensemble,
Artemis Ensemble e Vertixe Sonora Ensenble.
HARUNA TAKEBE_ piano
Tras su graduación en la universidad Toho Gakuen
de Tokio, en 1999 se trasladó a Europa para
ampliar su formación en la Universidad de las
Artes de Berlin con la pianista Elena Lapitskaja,
y en Holanda música de cámara y acompañante
de lied en el Conservatorio de Ámsterdam. Su
actividad como concertista incluye actuciones
con la Symfonie Orchester Berlín, Takamatsu
Symphony Orchestra… y colaboraciones con
miembros de la Orquesta Filarmónica Checa, Real
Filharmonía de Galicia y Sinfónica de Galicia. En
2004 grabó un disco para el sello STH Quality
Classics con música de Scarlatti, Schubert, Liszt
y Debussy. De 2007 al 2009 ejerce de catedrática
de piano en la Elisabeth University of Music
(Hiroshima). En España actúa asiduamente de
solista y con diversas formaciones de cámara
como Airas Ensemble, Artemis Ensemble y
Vertixe Sonora Ensenble.
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LES PLAISIRS DU PARNASSE
Sonatas do Rosario
Biber e os misterios dolorosos, gozosos e gloriosos
David Plantier_ violín e dirección
Annabelle Luis_ violoncello
Violaine Cochard_ clave e órgano
Sonatas del Rosario
Biber y los misterios dolorosos, gozosos y gloriosos
LES PLAISIRS DU PARNASSE
DAVID PLANTIER_ violín e dirección
I
I
LUGAR_ Hostal dos Reis Católicos DATA_ martes 15 abril HORA_ 21.30
Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704)
Rosenkranzsonaten (Sonatas do Rosario)
Sonata II en La maior “A visitación”
> Sonata - Allemande - Presto
Sonata IV en Re menor “A presentación no templo”
> Ciaccona
Domenico Gabrielli (1659 - 1690)
Sonata para violoncello e baixo continuo núm. 1 en Sol maior
> Grave - Allegro - Largo - Prestissimo
Sonata XIV en Re maior “A Asunción da Virxe”
> Grave - Aria
Sonata VI en do menor “A agonía no monte das oliveiras”
> Lamento
Giovanni Battista degli Antonii (1636-1698)
Ricercar X para violoncello só
Sonata V en La maior “Xesús reencontrado no templo”
> Praeludium - Presto - Allemande - Gigue - Sarabande/Double
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Fantaisie en la menor BWV 922
Johann Joseph Vilsmayr (1663 - 1722)
Suite núm. 5 para violín só, extraía do “artificiosus concentus pro camera”
> Prelude - Gavott - Saraband - Rigodon - Guig - Menuett - Bouré - Retirada
Sonata X en Sol menor “A crucifixión”
> Praeludium - Aria/Variatio
“De todos os violinistas do pasado século
(XVII), Biber parece ter sido o mellor, e os seus
solos son os máis difíciles e imaxinativos de
todos os que vin na época”, así expresábase
Charles Burney nas súas marabillosas
crónicas de viaxes. Heinrich Ignaz Franz von
Biber naceu en Wartenberg (actualmente
Strá pod Ralskem, República Checa) e en
1684 foi nomeado mestre de capela en
Salsburgo, onde morreu vinte anos despois.
Era coñecido como virtuoso do violín, para o
que compuxo excelentes páxinas entre as que
destacan, sobre todas, as sonatas do Santo
Rosario (Rosenkranzsonaten) ou Sonatas do
Misterio (referíndose a sucesos importantes
na vida da Virxe María e Cristo). Escritas ao
redor de 1676, cada unha das quince sonatas
que compoñen esta colección require dunha
afinación distinta do violín, ou scordatura,
que fai que o violín vaia do pracer dos cinco
misterios gozosos (sonatas II, IV e V) ao trauma
dos cinco misterios dolorosos (sonatas VI e
X), pasando polo etéreo dos cinco misterios
gloriosos (sonata XIV). Intercaladas ao Rosario
de Biber, Les Plaisirs du Parnasse interpretará
fermosas pezas de autores contemporáneos,
como son as sonatas para violoncello de
Domenico Gabrielli e de Giovanni Battista
degli Antonii, A Fantasía en la menor BWV
922 de Johann Sebastian Bach ou a Suite núm.
5 para violín só de Johann Joseph Vilsmayr.
[Pere Saragossa]
“De todos los violinistas del pasado siglo
(XVII), Biber parece haber sido el mejor, y sus
solos son los más difíciles e imaginativos de
todos los que he visto en la época”, así se
expresaba Charles Burney en sus maravillosas
crónicas de viajes. Heinrich Ignaz Franz von
Biber nació en Wartenberg (actualmente
Stráž pod Ralskem, República Checa) y en
1684 fue nombrado maestro de capilla en
Salzburgo, donde murió veinte años después.
Era conocido como virtuoso del violín, para
el que compuso excelentes páginas entre las
que destacan, sobre todas, las sonatas del
Santísimo Rosario (Rosenkranzsonaten) o
Sonatas del Misterio (refiriéndose a sucesos
importantes en la vida de la Virgen María
y Cristo). Escritas alrededor de 1676, cada
una de las quince sonatas que componen
esta colección requiere de una afinación
distinta del violín, o scordatura, que hace
que el violín vaya del placer de los cinco
misterios gozosos (sonatas II, IV y V) al
trauma de los cinco misterios dolorosos
(sonatas VI y X), pasando por lo etéreo de
los cinco misterios gloriosos (sonata XIV).
Intercaladas al Rosario de Biber, Les Plaisirs
du Parnasse interpretará hermosísimas
piezas de autores contemporáneos, como
son las sonatas para violonchelo de
Domenico Gabrielli y de Giovanni Battista
degli Antonii, la Fantasía en la menor BWV
922 de Johann Sebastian Bach o la Suite
nº 5 para violín sólo de Johann Joseph
Vilsmayr. [Pere Saragossa]
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LES PLAISIRS DU PARNASSE
LES PLAISIRS DU PARNASSE
Creado por David Plantier en 2004, o seu nome alude á mitoloxía grega, o Monte Parnaso, santuario das
Artes, que era a residencia de Apolo e as súas nove musas. Formados na Schola Cantorum de Basilea
e recoñecidos virtuosos dos seus instrumentos, os músicos de Les Plaisirs du Parnase comparten
unha gran complicidade humana e musical, e pretenden descubrir ao público aos compositores máis
descoñecidos e apaixonantes cun profundo respecto ás fontes. Sendo a música de cámara alemá
do fin do século XVII o seu repertorio preferido, tamén está aberto á música italiana en tempos de
Monteverdi, a música francesa, Bach, Vivaldi etc. O seu primeiro proxecto discográfico foi a primeira
gravación mundial das sonatas para violín de Johann Paul Westhoff para Zig Zag Territories, seguido
de compactos dedicados a Johann Jakob Walther e a Heinrich Biber. O unánime beneplácito por
parte da crítica europea contribuíu a que fosen invitados a participar en gran cantidade de festivais
de música antiga de Europa e Xapón.
Creado por David Plantier en 2004, su nombre alude a la mitología griega, el Monte Parnaso,
santuario de las Artes, que era la residencia de Apolo y sus nueve musas. Formados en la Schola
Cantorum de Basilea y reconocidos virtuosos de sus instrumentos, los músicos de Les Plaisirs du
Parnase comparten una gran complicidade humana e musical y pretenden descubrir al público a
los compositores más desconocidos y apasionantes con un profundo respeto a las fuentes. Siendo
la música de cámara alemana del fin del siglo XVII su repertorio preferido, también está abierto
a la música italiana en tiempos de Monteverdi, la música francesa, Bach, Vivaldi, etc. Su primer
proyecto discográfico fue la primera grabación mundial de las sonatas para violín de Johann Paul
Westhoff para Zig Zag Territories, seguido de compactos dedicados a Johann Jakob Walther y a
Heinrich Biber. El unánime beneplácito por parte de la crítica europea ha contribuido a que hayan
sido invitados a participar en gran cantidad de festivales de música antigua de Europa y Japón.
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Sonata para clave,
modernidade camiño do século XXI
Sonata para clave,
modernidad camino del siglo XXI
LUCIE ŽÁKOVÁ_ clave
I
I
LUGAR_ Igrexa Orde Terceira DATA_ mércores 16 abril HORA_ 19.30
Jan Rychlík (1916-1964)
Hommaggi Gravicembalistici, para clave
Bernardo Pasquini (1637-1710): Sarabanda
> Preludio I. mo (a Bernardo Pasquini)
Carlos Seixas (1704-1742): Tocata 30
> Esercizio (a Carlos Seixas)
Giles Farnaby (1560-1640): Pavana 1 (de The Fitzwilliam virginal book)
> Pavan (a Giles Farnaby)
Antonio Cabezón (1510-1566): Diferencia sobre las Vacas
> Capricho (a Antonio Cabezón)
François Couperin (1631-1698): Les barricades mistérieuses
> Vive le neveu (a François Couperin)
Bohuslav Martinů (1890–1959)
Sonata para clave
> Poco allegro - Poco moderato cantabile - Allegretto
Joaquín Rodrigo (1901–1999)
Preludio y Ritornello
Padre Antonio Soler (1729 – 1783)
Fandango
Jukka Tiensuu (1948)
FanTango
Jiří Gemrot (1957)
Solo para clave
> Preludium - Toccata
As posibilidades sonoras do clave,
instrumento imprescindible do Barroco, non
correron a sorte das modas pasaxeiras. A
súa cor inconfundible é aínda hoxe fonte
de inspiración para a creación musical sen
deixar en ningún momento o sabor de boca do
anacronismo. Esta polivalencia estilística do
clave posibilitou a Jan Rychlík a composición
da primeira obra do presente recital como
homenaxe a varios mestres músicos do
Renacemento e do Barroco. Máis aínda, a súa
interpretación alternada coa dos devanditos
compositores evocados, fai conectar aínda
máis esta estreita relación entre o pasado
e o presente. O programa continúa con dous
grandes mestres coetáneos entre si, o checo
°
Bohuslav Martinu,
cunha das súas obras
máis tardías e maduras, e o español Joaquín
Rodrigo, que nos deixou esta pequena perla,
para o clave cun doce e meditativo Preludio
seguido do marcado ritmo do Ritornello.
Fandango do pai Soler é unha das obras
máis emblemáticas da tecla española do
século XVIII, con claras evocacións da música
popular e que, sen dúbida, tivo algo que ver
na composición da seguinte obra: FanTango,
para calquera instrumento de tecla, na que
o finlandés Jukka Tiensuu desborda técnica
e humor. A última obra do programa, o Solo
para clave do checo Jiří Gemrot, data de 1988
e toma o seu título da última peza do Libro de
Anna Magdalena Bach.
Las posibilidades sonoras del clave,
instrumento imprescindible del Barroco, no
han corrido la suerte de las modas pasajeras.
Su color inconfundible es aún hoy fuente de
inspiración para la creación musical sin dejar
en ningún momento el sabor de boca del
anacronismo. Esta polivalencia estilística del
clave posibilitó a Jan Rychlík la composición
de la primera obra del presente recital como
homenaje a varios maestros músicos del
Renacimiento y del Barroco. Más aún, su
interpretación alternada con la de dichos
compositores evocados, hace conectar
todavía más esta estrecha relación entre el
pasado y el presente. El programa continúa
con dos grandes maestros coetáneos entre
° con una de sus
sí, el checo Bohuslav Martinu,
obras más tardías y maduras, y el español
Joaquín Rodrigo, que nos dejó esta pequeña
perla para el clave con un dulce y meditativo
Preludio seguido del marcado ritmo del
Ritornelo. Fandango del padre Soler es
una de las obras más emblemáticas de la
tecla española del siglo XVIII, con claras
evocaciones de la música popular y que, sin
duda, tuvo algo que ver en la composición de
la siguiente obra: FanTango, para cualquier
instrumento de tecla, en la que el finlandés
Jukka Tiensuu derrocha tanto técnica como
humor. La última obra del programa, el
Solo para clave del checo Jiří Gemrot, data
de 1988 y toma su título de la última pieza
del Libro de Anna Magdalena Bach.
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LUCIE ŽÁKOVÁ_ clave
LUCIE ŽÁKOVÁ_ clave
Nacida en Litomysl (República Checa), empezou
dende moi nova a estudar piano e especializouse
en órgano e clave na Academia de Artes
º
Interpretativas de Praga con J. Hora, J. Tuma
.
e G. Luksaite-Mrázková. Tamén estudou con
J. Ernst en Hamburgo e en París e Toulouse
da man de grandes mestres como L. Avot, O.
Latry, M. Bouvard, J. W. Jansen e Y. UyamaBouvard. Ofreceu concertos en importantes
ciclos e festivais de Austria, Alemaña, Holanda,
Inglaterra e especialmente en Francia (NotreDame de París, Versalles, Carcassonne, Toulouse
etc.). Particularmente interesada na promoción e
interpretación da música do seu país, ademais
de recitais e concertos como solista, interpreta
regularmente concertos cunha gran variedade
de instrumentos e especialmente en dúo co
organista español Carlos Arturo Guerra Parra.
Centra unha parte da súa actividade como
organista na liturxia tanto en Praga (Igrexa do
Neno Xesús) como en Madrid. Dende a súa
infancia viviu na casa do compositor B. Smetana,
algo que sen dúbidas influíu moi positivamente
na súa vocación musical.
Nacida en Litomyšl (República Checa),
empezó desde muy joven a estudiar piano y se
especializó en órgano y clave en la Academia
de Artes Interpretativas de Praga con J. Hora,
.
º
J. Tuma
y G. Lukšaite-Mrázková. También ha
estudiado con J. Ernst en Hamburgo y en París
y Toulouse de la mano de grandes maestros
como L. Avot, O. Latry, M. Bouvard, J. W.
Jansen y Y. Uyama- Bouvard. Ha ofrecido
conciertos en importantes ciclos y festivales
de Austria, Alemania, Holanda, Inglaterra y
especialmente en Francia (Notre-Dame de
París, Versailles, Carcassonne, Toulouse, etc.).
Particularmente interesada en la promoción
e interpretación de la música de su país,
además de recitales y conciertos como
solista, interpreta regularmente conciertos
con una gran variedad de instrumentos y
especialmente en dúo con el organista español
Carlos Arturo Guerra Parra. Centra una parte
de su actividad como organista en la liturgia
tanto en Praga (Iglesia del Niño Jesús) como
en Madrid. Desde su infancia ha vivido en la
casa del compositor B. Smetana, algo que sin
dudas ha influido muy positivamente en su
vocación musical.
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Da Coresma á Paixón
mestres da capela da Catedral de Santiago
De la Cuaresma a la Pasión
maestros de la capilla de la Catedral de Santiago
CORO DE CÁMARA DO ORFEÓN TERRA A NOSA
MIRO MOREIRA_ director
I
I
LUGAR_ Santa Clara DATA_ mércores 16 abril HORA_ 21.30
Misa de ferias
> Kyrie
> Sanctus
> Agnus Dei
Motetes
Diego de Muelas (1698-1743)
> Interrogabant autem eum discipuli ejus (Preguntábanlle aos seus discípulos)
> Dixerunt autem ei quod Jesus Nazarenus (Dixéronlle que Xesús Nazareno)
> Inter vestibulum et altare (Entre o pórtico e o altar)
> Ductus est Jesus (Xesús foi conducido)
> Hic est filius meus dilectus (Este é o meu querido fillo)
> Erat Jesus ejiciens daemonium (Xesús lanzaba un demo)
> Attenda Domine (Escoita, Señor), cantollano procesional
Pedro Rodrigo (+1750)
> Memento, homo (Lémbrate, home)
> Adjuva nos, Deus (Axúdanos, oh Deus)
> Inter vestibulum et altare (Entre o pórtico e o altar)
> Ductus est Jesus (Xesús foi conducido)
> Hic est filius meus dilectus (Este é o meu querido fillo)
> Erat Jesus ejiciens daemonium (Xesús lanzaba un demo)
> Vexilla Regis (As bandeiras do rei), himno mozárabe, das Vésperas do Domingo de Paixón
> Gloria, laus ed honor (Gloria, loanza e honra), himno para a procesión
das Palmas do Domingo de Ramos
A Igrexa católica conmemora no Domingo de
Pascua o seu principal misterio: a resurrección
de Cristo e a redención do xénero humano.
Consecuentemente, comeza un tempo de
celebración festiva, pero, previamente ao
xúbilo pascual e en claro contraste, a Igrexa
ten presentes os padecementos e morte de
Cristo, considerándoos cunha actitude de
penitencia e austeridade que caracteriza
ao período coñecido como Coresma. Diego
Muelas e Pedro Rodrigo traballaron nunha
época que hoxe definimos musicalmente
como Barroco tardío. A música litúrxica xa
tiña unha historia musical milenaria, que
pervivía (e pervive) cristalizada no chamado
canto gregoriano, ou monodia sacra, canto
a unha voz que sempre estaba presente
na liturxia. Pero a igrexa tamén empregou
as novas músicas, significativamente o
estilo polifónico que alcanzou un equilibrio
considerado clásico nas obras de polifonía
sacra do Renacemento; este estilo constituíuse
no modelo ideal de música eclesiástica. No
Barroco, os desenvolvementos da música
vocal para solista, de espírito teatral, e da
música instrumental influíron e entraron
en conflito co carácter que debía presentar
a música destinada ao templo. Dentro
destas coordenadas, os motetes de Muelas
e Rodrigo sitúanse en principio dentro da
tradición da antiga polifonía contrapuntística.
A composición musical de cada motete
confórmase de xeito libre, seguindo a estrutura
do texto, alternando pasaxes imitativas con
frases nas que todas as voces proxectan o
texto á vez, axudando así a resaltar a expresión
retórica da palabra sagrada. O mestre de
capela era o encargado de prover e executar
a música destinada á liturxia. En 1718 o posto
estaba vacante na catedral de Santiago; entre
os aspirantes encontrábanse Diego Muelas e
Pedro Rodrigo. Foi o conquense Diego Muelas
o que gañou a praza, ocupándoa dende 1719 a
1723. Ao marchar Muelas a Madrid en 1723 e
deixar vacante o maxisterio compostelán, Pedro
Rodrigo volveu opositar e esta vez si gañou a
praza, que ocupou ata 1744, data na que, como
o seu predecesor, marchou ao convento da
Encarnación en Madrid. [José Ángel Vilas]
La Iglesia católica conmemora en el Domingo
de Pascua su principal misterio: la resurrección
de Cristo y la redención del género humano.
Consecuentemente, comienza un tiempo de
celebración festiva, pero, previamente al júbilo
pascual y en claro contraste, la Iglesia tiene
presente los padecimientos y muerte de Cristo,
considerándolos con una actitud de penitencia y
austeridad que caracteriza al periodo conocido
como Cuaresma. Diego Muelas y Pedro Rodrigo
trabajaron en una época que hoy definimos
musicalmente como Barroco tardío. La música
litúrgica ya tenía una historia musical milenaria,
que pervivía (y pervive) cristalizada en el llamado
canto gregoriano, o monodia sacra, canto a una
voz que siempre estaba presente en la liturgia.
Pero la iglesia también empleó las nuevas
músicas, significativamente el estilo polifónico
que alcanzó un equilibrio considerado clásico en
las obras de polifonía sacra del Renacimiento;
este estilo se constituyó en el modelo ideal
de música eclesiástica. En el Barroco, los
desarrollos de la música vocal para solista, de
espíritu teatral, y de la música instrumental
influyeron y entraron en conflicto con el carácter
que debía presentar la música destinada al
templo. Dentro de estas coordenadas, los
motetes de Muelas y Rodrigo se sitúan en
principio dentro de la tradición de la antigua
polifonía contrapuntística. La composición
musical de cada motete se conforma de
manera libre, siguiendo la estructura del texto,
alternando pasajes imitativos con frases en
las que todas las voces proyectan el texto a
la vez, ayudando así a enfatizar la expresión
retórica de la palabra sagrada. El maestro
de capilla era el encargado de proveer y
ejecutar la música destinada a la liturgia.
En 1718 el puesto estaba vacante en la
catedral de Santiago; entre los aspirantes se
encontraban Diego Muelas y Pedro Rodrigo.
Fue el conquense Diego Muelas el que ganó
la plaza, ocupándola desde 1719 a 1723. Al
marchar Muelas a Madrid en 1723 y dejar
vacante el magisterio compostelano, Pedro
Rodrigo volvió a opositar y esta vez sí ganó la
plaza, que ocupó hasta 1744, fecha en la que,
como su predecesor, marchó al convento de
la Encarnación en Madrid. [José Ángel Vilas]
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CORO DE CÁMARA DO ORFEÓN TERRA A NOSA
Fundado en 1966 polo franciscano Manuel Feijoo e dirixido dende 1984 por Miro Moreira, o Orfeón
está dotado dun coro sinfónico en cuxo seo se conforma o coro de cámara, conxunto coral de carácter
máis reducido para a interpretación das obras de vocación camerística. Dedica unha especial atención
á recuperación do patrimonio musical das catedrais galegas. Gravou con importantes orquestras e
conxuntos de música antiga (Real Filharmonía de Galicia, Sinfónica de Galicia, Capela Compostelana)
e realizou concertos en festivais nacionais e internacionais entre os que destacan: Abadía de Sylvanès
e Catedral de Saint Malo (Francia), Igrexa de san Nicolás (Praga), Igrexa dos Xerónimos (Lisboa),
Teatro Colón (Bos Aires), Teatro Colón (Bogotá), Igrexa Católica (Washington), Metropolitan Museum
(Nova York), Santa María del Mar (Barcelona), Academia de Bellas Artes San Fernando (Madrid),
Universidad Menéndez Pelayo (Santander) etc.
CORO DE CÁMARA DEL ORFEÓN TERRA A NOSA
Fundado en 1966 por el franciscano Manuel Feijoo y dirigido desde 1984 por Miro Moreira, el Orfeón
está dotado de un coro sinfónico en cuyo seno se conforma el coro de cámara, conjunto coral de
carácter más reducido para la interpretación de las obras de vocación camerística. Dedica una
especial atención a la recuperación del patrimonio musical de las catedrales gallegas. Ha grabado
con importates orquestas y conjuntos de música antigua (Real Filharmonía de Galicia, Sinfónica de
Galicia, Capela Compostelana) y ha realizado conciertos en festivales nacionales e internacionales
entre los que destacan: Abadía de Sylvanès y Catedral de Saint Malo (Francia), Iglesia de San Nicolás
(Praga), Iglesia de los Jerónimos (Lisboa), Teatro Colón (Buenos Aires), Teatro Colón (Bogotá), Iglesia
Católica (Washington), Metropolitan Museum (Nueva York), Santa María del Mar (Barcelona),
Academia de Bellas Artes San Fernando (Madrid), Universidad Menéndez Pelayo (Santander), etc.
MIRO MOREIRA_ director
Naceu en Santiago de Compostela e iniciou os seus estudos musicais como escolano na Capela
Musical da Catedral de Santiago de Compostela e no Orfeón Terra A Nosa. É licenciado en canto
polo conservatorio do Liceo de Barcelona e centrou a súa especialización, como cantante e director,
nos períodos do Renacemento e do Barroco. Como contratenor solista actuou formando parte de
grupos dedicados á música antiga: Capela Compostelana, Capella Reial de Cataluña, Al Ayre
Español etc. Dende 1984 é director do Orfeón Terra A Nosa e dende 1988 dirixe a Capela Musical
da Catedral de Santiago, recuperando obras de mestres de capela. Na actualidade é profesor
asociado de formación vocal e auditiva na Facultade de Ciencias da Educación e director do coro
da Universidade de Santiago.
MIRO MOREIRA_ director
Nació en Santiago de Compostela e inició sus estudios musicales como escolano en la Capilla
Musical de la Catedral de Santiago de Compostela y en el Orfeón Terra A Nosa. Es licenciado en canto
por el conservatorio del Liceo de Barcelona y centró su especialización, como cantante y director,
en los periodos del Renacimiento y del Barroco. Como contratenor solista actuó formando parte de
grupos dedicados a la música antigua: Capela Compostelana, Capella Reial de Cataluña, Al Ayre
Español, etc. Desde 1984 es director del Orfeón Terra A Nosa y desde 1988 dirige la Capilla Musical
de la Catedral de Santiago, recuperando obras de maestros de capilla. En la actualidad es profesor
asociado de formación vocal y auditiva en la Facultad de Ciencias de la Educación y director del coro
de la Universidad de Santiago.
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La scala dell’amore: a tradición siciliana
La scala dell’amore: la tradición siciliana
La scala dell’amore:
la tradición siciliana
MATILDE POLITI_ voz, guitarra, tamburello
SIMONA DI GREGORIO_ voz, organetto, arpa hebrea, tamburello
I
I
LUGAR_ San Fiz de Solovio DATA_ xoves 17 abril HORA_ 19.30
Spunta lu suli (O sol levántase)
canción tradicional de mulleres
para empezar o día
Lu verbu sacciu (Eu coñezo A Palabra)
canción profana tradicional sobre A Palabra
segundo Santiago Apóstolo
Furtura (A tempestade)
canción tradicional sobre a desgraza individual
Barcillunisa
canción tradicional de mulleres sobre a
desgraza, da Barcelona Siciliana
Festa della borgata / Le virtú cardinali
(Festa no suburbio / As virtudes cardenalicias)
homenaxe tradicional a santa Rosalía,
patroa de Palermo
Ringraziamentu
oración profana tradicional tras a colleita
Donne di marinai
oración tradicional profana
das esposas dos mariñeiros
Sant’Agata
oración tradicional profana das esposas dos
campesiños
Marzapaneddu
canción tradicional de amor (tradicional/Politi)
Santaninfara
canción tradicional de amor
Santi Spiriti (Santos Espíritus)
canción de cuna tradicional a Xesucristo
Novena di Ferla
canción tradicional de Nadal
Alloggiati
canción tradicional
para dar a benvida aos peregrinos
Maria Passavu
canción de Venres Santo
Stabat Mater
tradicional siciliano
Passio
cantastorie tradicional da Paixón
I doli du Signori
canción de Venres Santo
Amuninni
canción do renacer (Politi/Di Gregorio)
Rosario da Bedda Matri
rosario tradicional á Nai María
Alligrizza (Alegría)
canción relixiosa
Abballu di li virgini
canción profana tradicional
dedicada ás virxes santas
La scala dell’amore:
a tradición siciliana
A busca da “comuñón“ na música tradicional
siciliana, entre o sacro e o popular,
explorando territorios de investigación
espiritual común a todos os pobos, conduciu
a Matilde Politi a un proxecto baseado na
potencia expresiva e evocadora da súa voz.
Metendo en escena un trío onde a vocalidade
monódica e polifónica é protagonista e onde
se entrelaza o son dos instrumentos da
tradición siciliana (guitarra, violín, organetto,
tamburello e, sobre todo, o marranzano,
instrumento máxico por excelencia) é capaz
de transitar entre mundos sonoros coñecidos
e insólitos. Do repertorio tradicional dos
cantos sicilianos, o tema da espiritualidade
xorde sobre todo no ámbito dos cantos da
Semana Santa, polo demais polivocais, pero
non tan só isto, nos que a interpretación
e a nota musical conducen aos cantantes
e aos oíntes a esa escala que representa o
camiño espiritual. Ampliando o seu campo
de acción, a busca do espiritual encóntrase
indubidablemente en diferentes tipoloxías de
cantos tradicionais, tamén profanos, na liña
dunha tradición moi ampla na que se relaciona
toda a produción poética medieval, culta e
inculta, nunha continua rede de influencias
recíprocas. Esta busca intenta encontrar a
alma humana a través da chave do amor,
entre o concreto e o simbólico, espremendo o
oprimente anhelo da beleza.
La búsqueda de la “comunión” en la
música tradicional siciliana, entre lo sacro
y lo popular, explorando territorios de
investigación espiritual común a todos los
pueblos, ha conducido a Matilde Politi un
proyecto basado en la potencia expresiva y
evocadora de su voz. Metiendo en escena
un trío donde la vocalidad monódica y
polifónica es protagonista y donde se
entrelaza el sonido de los instrumentos de la
tradición siciliana (guitarra, violín, organetto,
tamburello y, sobre todo, el marranzano,
instrumento mágico por excelencia) es capaz
de transitar entre mundos sonoros conocidos
e insólitos. Del repertorio tradicional
de los cantos sicilianos, el tema de la
espiritualidad surge sobre todo en el ámbito
de los cantos de la Semana Santa, por lo
demás polivocales, pero no tan solo esto, en
los que la interpretación y la nota musical
conducen a los cantantes y a los oyentes
a esa escala que representa el camino
espiritual. Ampliando su campo de acción,
la búsqueda de lo espiritual se encuentra
indudablemente en diferentes tipologías
de cantos tradicionales, también profanos,
en la línea de una tradición muy amplia
en la que se relaciona toda la producción
poética medieval, culta e inculta, en una
continua red de influencias reciprocas.
Esta búsqueda intenta encontrar el alma
humana a través de la llave del amor, entre
lo concreto y lo simbólico, exprimiendo el
oprimente anhelo de la belleza.
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MATILDE POLITI
Nacida en Palermo é unha cantante e
compositora especializada na interpretación de
música tradicional siciliana. Ademais de cantar,
toca guitarra, acordeón, pandeireta, percusión
e arpa de boca. Graduada en antropoloxía
cultural na Universidade La Sapienza de Roma,
tras unha longa experiencia autodidacta na
investigación e interpretación do repertorio
folclórico americano, español e siciliano, decide
especializarse no repertorio da tradición oral
de Sicilia. Actuou en numerosos escenarios
e festivais de Sicilia, Italia, Suíza, Alemaña,
Túnez etc., e colabora con gran variedade de
artistas e grupos teatrais, musicais, tanto do
ámbito étnico e popular como do jazz, canción
de autor, clásica e contemporánea. Recibiu
gran número de premios e distincións polos
seus discos, interpretacións e composicións
para o teatro e o cine. A súa canción Matri terra
foi seleccionada para as Xornadas Mundiais
da Terra de 2011. Dende 2003 desenvolve
en Palermo labores de integración social dos
inmigrantes a través da música.
MATILDE POLITI
Nacida en Palermo es una cantante y
compositora especializada en la interpretación
de música tradicional siciliana. Además de
cantar, toca guitarra, acordeón, pandereta,
percusión y arpa de boca. Graduada en
antropología cultural en la Universidad La
Sapienza de Roma. Tras una larga experiencia
autodidacta en la investigación e interpretación
del repertorio folclórico americano, español y
siciliano, decide especializarse en el repertorio
de la tradición oral de Sicilia. Ha actuado
en numerosos escenarios y festivales de
Sicilia, Italia, Suiza, Alemania, Túnez, etc.,
y colabora con gran variedad de artistas y
grupos teatrales, musicales, tanto del ámbito
étnico y popular como del jazz, canción de
autor, clásica y contemporáneo. Ha recibido
gran número de premios y distinciones por sus
discos, interpretaciones y composiciones para
el teatro y el cine. Su canción Matri terra fue
seleccionada para las Jornadas Mundiales de
la Tierra de 2011. Desde 2003 desarrolla en
Palermo labores de integración social de los
inmigrantes a través de la música.
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Rexistro partido, rexistro compartido
recital de órgano a catro mans
Registro partido, registro compartido
recital de órgano a cuatro manos
CARLOS ARTURO GUERRA PARRA_ órgano
LUCIE ŽÁKOVÁ_ órgano
I
I
LUGAR_ Igrexa da Universidade DATA_ xoves 17 abril HORA_ 21.30
Thomas Tomkins (1572-1656)
A Fancy, for two to play *
Antonio Cabezón (1510-1566)
Diferencias sobre el canto llano del Caballero *
Anónimo (s. XVIII)
Canción de la corneta con su eco ***
Louis Couperin (c.1626-1661)
Chaconne
Jean-François Dandrieu (1682-1738)
Une jeune fillette **
Johann Christian Bach (1735-1782)
Sonata en Do maior *
> Allegro
> Rondo: Allegretto
Louis-Claude Daquin (1694-1772)
Le Coucou **
Antonio Mestres (s. XVIII)
Marcha o juego por clarines ***
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Sonata en Do maior KV19d *
> Allegro
> Menuetto
> Rondo: Allegretto
Juan Bautista Cabanilles (1644-1712)
Batalla I de quinto tono “Imperial” *
* a catro mans
** Lucie Žáková
*** Carlos A. Guerra
De entre todos os instrumentos, o máis
soberbio en tamaño, sofisticación e
sonoridade foi dende o barroco ata os
nosos días, o órgano. Debido ao papel de
imitación da orquestra de cada época,
o órgano é o instrumento polifónico que
máis timbres e alturas proporcionou a
compositores e intérpretes, calidade esta
que o fixo ser moi prolífico aínda no noso
século. O órgano en España non sobresaíu
polo seu tamaño respecto aos seus irmáns
europeos; a organería no noso país (salvando
as diferenzas entre unhas rexións e outras)
seguiu un rumbo moi diferenciado. En xeral,
no barroco encontramos órganos cun só
teclado de non máis de 45 notas, rexistros
partidos en baixos e tiples, trompetería
exterior coñecida como “batalla” etc. Estes
elementos que o caracterizan dótano de
moitas posibilidades sonoras que van máis
alá do repertorio conservado. Este programa
é unha mostra da ductilidade destes
relativamente pequenos instrumentos. Obras
de toda Europa e de diferentes épocas foron
adaptadas coidadosamente polos intérpretes
para facelas soar no órgano barroco ibérico,
algo non moi distinto da práctica musical
da época, como o demostran famosas
compilacións como Flores de música de Martín
e Coll. O feito de ser tocada a catro mans dota
a esta música e ao instrumento, a pesar do seu
pequeno teclado, de novas e sorprendentes
posibilidades sonoras.
De entre todos los instrumentos, el más
soberbio en tamaño, sofisticación y sonoridad
ha sido desde el barroco hasta nuestros días,
el órgano. Debido al papel de imitación de
la orquesta de cada época, el órgano es el
instrumento polifónico que más timbres y
alturas ha proporcionado a compositores e
intérpretes, cualidad ésta que le ha hecho
ser muy prolífico aún en nuestro siglo. El
órgano en España no ha sobresalido por su
tamaño respecto a sus hermanos europeos;
la organería en nuestro país (salvando las
diferencias entre unas regiones y otras) siguió
un rumbo muy diferenciado. En general, en
el barroco encontramos órganos con un sólo
teclado de no más de 45 notas, registros
partidos en bajos y tiples, trompetería
exterior conocida como “batalla”, etc. Estos
elementos que lo caracterizan lo dotan de
muchas posibilidades sonoras que van
más allá del repertorio conservado. Este
programa es una muestra de la ductilidad de
estos relativamente pequeños instrumentos.
Obras de toda Europa y de diferentes épocas
han sido adaptadas cuidadosamente por
los intérpretes para hacerlas sonar en el
órgano barroco ibérico, algo no muy distinto
de la práctica musical de la época, como
lo demuestran famosas compilaciones
como Flores de música de Martín y Coll.
El hecho de ser tocada a cuatro manos
dota a esta música y al instrumento, a
pesar de su pequeño teclado, de nuevas y
sorprendentes posibilidades sonoras.
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LUCIE ŽÁKOVÁ_ órgano
CARLOS ARTURO GUERRA PARRA_ órgano
Nacido en Belmonte (Cuenca) en 1978, en 1993 iniciouse no estudo do piano. Estudou órgano co
profesor Anselmo Serna no Conservatorio Profesional Arturo Soria de Madrid, con Óscar Candendo
Zabala na Escola Superior de Musica de Catalunya e con Jaroslav Tma na Akademie Múzických Umní
de Praga, onde tamén se formou na interpretación clavecinística con G. L. Mrázková. En 2006 organizou
e participou como intérprete nos concertos postinaugurais do órgano da Epístola da Catedral de
Cuenca e, posteriormente, dentro da Semana de Música Religiosa de Cuenca, no órgano do Evanxeo,
tras a súa restauración. Realiza a súa actividade concertística como solista, acompañante e a dúo coa
organista e clavecinista Lucie Žáková. Dende 2012 traballa como harmonista no taller de organería
Hermanos Desmottes de Landete (Cuenca).
CARLOS ARTURO GUERRA PARRA_ órgano
Nacido en Belmonte (Cuenca) en 1978, en 1993 se inició en el estudio del piano. Ha estudiado órgano
con el profesor Anselmo Serna en el Conservatorio Profesional Arturo Soria de Madrid con Óscar
Candendo Zabala en la Escola Superior de Musica de Catalunya y con Jaroslav Tůma en la Akademie
Múzických Umění de Praga, donde también se ha formado en la interpretación clavecinística con G. L.
Mrázková. En 2006 organizó y participó como intérprete en los conciertos postinaugurales del órgano
de la Epístola de la Catedral de Cuenca y, posteriormente, dentro de la Semana de Música Religiosa
de Cuenca, en el órgano del Evangelio, tras su restauración. Realiza su actividad concertística como
solista, acompañante y a dúo con la organista y clavecinista Lucie Žáková. Desde 2012 trabaja como
armonista en el taller de organería Hermanos Desmottes de Landete (Cuenca).
Nacida en Litomysl (República Checa), empezou dende moi nova a estudar piano e especializouse en
.
º
órgano e clave na Academia de Artes Interpretativas de Praga con J. Hora, J. Tuma
e G. LuksaiteMrázková. Tamén estudou con J. Ernst en Hamburgo e en París e Toulouse da man de grandes
mestres como L. Avot, O. Latry, M. Bouvard, J. W. Jansen e Y. Uyama- Bouvard. Ofreceu concertos
en importantes ciclos e festivais de Austria, Alemaña, Holanda, Inglaterra e especialmente en
Francia (Notre-Dame de París, Versalles, Carcassonne, Toulouse etc.). Particularmente interesada na
promoción e interpretación da música do seu país, ademais de recitais e concertos como solista,
interpreta regularmente concertos cunha gran variedade de instrumentos e especialmente en dúo co
organista español Carlos Arturo Guerra Parra. Centra unha parte da súa actividade como organista na
liturxia tanto en Praga (Igrexa do Neno Xesús) como en Madrid. Dende a súa infancia viviu na casa do
compositor B. Smetana, algo que sen dúbidas influíu moi positivamente na súa vocación musical.
LUCIE ŽÁKOVÁ_ órgano
Nacida en Litomyšl (República Checa), empezó desde muy joven a estudiar piano y se especializó en
.
º
órgano y clave en la Academia de Artes Interpretativas de Praga con J. Hora, J. Tuma
y G. LukšaiteMrázková. También ha estudiado con J. Ernst en Hamburgo y en París y Toulouse de la mano de
grandes maestros como L. Avot, O. Latry, M. Bouvard, J. W. Jansen y Y. Uyama- Bouvard. Ha ofrecido
conciertos en importantes ciclos y festivales de Austria, Alemania, Holanda, Inglaterra y especialmente
en Francia (Notre-Dame de Paris, Versalles, Carcassonne, Toulouse, etc.). Particularmente interesada en
la promoción e interpretación de la música de su país, además de recitales y conciertos como solista,
interpreta regularmente conciertos con una gran variedad de instrumentos y especialmente en dúo con
el organista español Carlos Arturo Guerra Parra. Centra una parte de su actividad como organista en la
liturgia tanto en Praga (Iglesia del Niño Jesús) como en Madrid. Desde su infancia ha vivido en la casa
del compositor B. Smetana, algo que sin dudas ha influido muy positivamente en su vocación musical.
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Honkyoku,
500 anos de tradición zen
Honkyoku,
500 años de tradición zen
RODRIGO RODRÍGUEZ_ shakuhachi
I
I
LUGAR_ Igrexa Orde Terceira DATA_ venres 18 abril HORA_ 19.30
Honshirabe
peza orixinal de repertorio Honkyoku
Improptu Minyo
improvisación en escala folclórica xaponesa
Azuma Jishi (Danza do león)
Improptu Ritsu
improvisación en escala de China
Nezasa Shirabe
peza orixinal da seita Nezasa Ha
Shika no Tone (A chamada distante dos cervos)
Improptu Insempo
improvisación en escala xaponesa Insempo
Tsuru no Sugomori (No niño da grúa)
Austeras e meditativas na súa natureza,
estas pezas honkyoku foron compostas
anonimamente e transmitidas oralmente
polos monxes budistas zen en Xapón,
dende hai máis de 500 anos. O shakuhachi
(尺八) é unha frauta xaponesa que, a
diferenza da tradicional frauta traveseira,
suxéitase verticalmente como unha frauta
doce. Era utilizada polos monxes da seita
Fuke Zen, seguidores do budismo zen, na
súa práctica ritual do Suizen (meditación
mediante o soprado). Tócase soprando o
aire coma se fose o bordo do colo dunha
botella, pero no outro extremo o shakuhachi
remata nun bordo afiado que permite ao
intérprete un control substancial sobre o ton.
A medida que a lonxitude do instrumento
aumenta, a distancia entre os buratos
increméntase, estendendo tanto os dedos
coma a dificultade técnica. As moi longas
deben confeccionarse case sempre á medida
para adaptarse ás características concretas
do intérprete. A maioría dos honkyoku
están concibidos para ser interpretados con
estas longuísimas frautas para conseguir
as sensacións sonoras axeitadas. A frauta
de bambú introduciuse por primeira vez
en Xapón, dende China, no século VI; non
obstante, resultado de séculos de evolución
illada en Xapón, o shakuhachi é bastante
diferente do seu homólogo chinés. Durante
o período medieval, os shakuhachi foron
moi notables polo seu papel na seita Fuke de
monxes budistas zen, coñecidos como Komuso
(“sacerdotes da nada” ou “monxes baleiro”).
Viaxar arredor de Xapón foi restrinxido polo
shogunato neste momento, pero a seita Fuke
logrou unha exención do Shogun, xa que a súa
práctica espiritual require que se movan dun
lugar a outro para tocar o shakuhachi e pedir
esmola; a cambio, algúns foron obrigados a
espiar polo shogunato. [Rodrigo Rodríguez]
Austeras y meditativas en su naturaleza, estas
piezas fueron compuestas anónimamente
y transmitidas oralmente por los monjes
budistas Zen en Japón, desde hace más de
500 años. El shakuhachi (尺八) es una flauta
japonesa que, a diferencia de la tradicional
flauta travesera, se sujeta verticalmente
como una flauta dulce. Era utilizada por los
monjes de la secta Fuke Zen, seguidores del
budismo zen, es su práctica ritual del Suizen
(meditación mediante el soplado). Se toca
soplando el aire como si fuera el borde del
cuello de una botella, pero en su otro extremo
el shakuhachi termina en un borde afilado que
permite al intérprete un control sustancial
sobre el tono. A medida que la longitud del
instrumento aumenta, la distancia entre los
agujeros se incrementa, extendiendo tanto
los dedos como la dificultad técnica. Las muy
largas deben confeccionarse casi siempre a
medida para adaptarse a las características
concretas del intérprete. La mayoría de
los honkyoku están concebidos para ser
interpretados con estas larguísimas flautas
para conseguir las sensaciones sonoras
adecuadas. La flauta de bambú se introdujo
por primera vez en Japón, desde China, en el
siglo VI; sin embargo, resultado de siglos de
evolución aislada en Japón, el shakuhachi
es bastante diferente de su homólogo
chino. Durante el período medieval, el
shakuhachi fueron más notables por su
papel en la secta Fuke de monjes budistas
Zen, conocidos como Komuso (“sacerdotes
de la nada” o “monjes vacío”). Viajar
alrededor de Japón fue restringido por el
shogunato en este momento, pero la secta
Fuke logró una exención del Shogun, ya
que su práctica espiritual requiere que
se muevan de un lugar a otro para tocar
el shakuhachi y pedir limosna; a cambio,
algunos fueron obligados a espiar por el
shogunato. [Rodrigo Rodríguez]
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66
RODRIGO RODRÍGUEZ_ shakuhachi
Nacido en Arxentina en 1978, pasou parte da
súa infancia en Mallorca, onde empezou a
estudar guitarra clásica. Tras descubrir a frauta
xaponesa shakuhachi, o seu interese por este
instrumento de bambú usado polos monxes
Komuso para a meditación e a peregrinación
levouno a emigrar por segunda vez. En Xapón
estudou música clásica e tradicional xaponesa
seguindo as liñaxes de Katsuya Yokoyama en
The International Shakuhachi Kenshu-khan
School a cargo do mestre Kakizakai Kaoru.
Ofreceu numerosos concertos en Europa, Asia,
Sur do Pacífico. En 2009 empezou os seus
estudos co renomeado mestre e músico de
shakuhachi Kohachiro Miyata, interesado na
música contemporánea e o shakuhachi clásico,
e a partir de entón decidiu estudar todos os
tipos de música tradicional xaponesa. En 2013
publicou The Road of Hasekura Tsunenaga, un
compacto de frauta shakuhachi tradicional.
RODRIGO RODRÍGUEZ_ shakuhachi
Nacido en Argentina en 1978, pasó parte
de su infancia en Mallorca, donde empezó
a estudiar guitarra clásica. Tras descubrir la
flauta japonesa shakuhachi, su interés por este
instrumento de bambú usado por los monjes
Komuso para la meditación y la peregrinación
le llevó a emigrar por segunda vez. En Japón
estudió música clásica y tradicional japonesa
siguiendo los linajes de Katsuya Yokoyama
en The International Shakuhachi Kenshu-kan
School a cargo del maestro Kakizakai Kaoru. Ha
ofrecido numerosos conciertos en Europa, Asia,
Sur del Pacífico. En 2009 empezó sus estudios
con el renombrado maestro y músico de
shakuhachi Kohachiro Miyata, interesado en la
música contemporánea y el shakuhachi clásico,
y a partir de entonces decidió estudiar todos los
tipos de música tradicional japonesa. En 2013
publicó The Road of Hasekura Tsunenaga, un
compacto de flauta shakuhachi tradicional.
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O galeón do Pacífico, cantos misionais e populares de Filipinas,
Perú, Bolivia, Chile, Paraguai e Guatemala (séculos XVIII e XIX)
El galeón del Pacífico, cantos misionales y populares de Filipinas,
Perú, Bolivia, Chile, Paraguay y Guatemala (séculos XVIII e XIX)
LINA MARCELA LÓPEZ_ soprano
MANUEL VILAS_ arpas barroca e chiquitana
I
I
LUGAR_ San Fiz de Solovio DATA_ venres 18 abril HORA_ 21.30
Cancións misionais en mapudúngún
(Anónimo, Chile, s. XVIII)
Dios ñi votm (O fillo de Deus)
Jesus cad
Ufchigepe (Santifíquese ao Santísismo)
Duamtumn (Recoñezan todas as persoas)
Ventenlu (Se Deus é o mellor)
Vau mlei Vau
Danzas chiquitanas (Anónimo, Bolivia, s. XVIII)
Calpe
Pastoral
Quitapesares
Allemanda
Veranillo
Canto dos indios canichanas
en lingua moxeña (Anónimo, Bolivia, s. XVIII)
Nuasi hananem
Canto misional en lingua guaraní
(Anónimo, Paraguai, s. XVIII)
Tata guasu aña (No gran lume)
José de Torres (Ca. 1670-1738)
Cantata: Con afecto e harmonía
(Catedral de Guatemala. Transcrición: Raúl Angulo)
> Recitado - Aria - Recitado - Aria
Anónimo hispanoamericano (s. XVIII)
A guaracha
Anónimo filipino en lingua tagala (s. XIX)
El cundiman
Anónimo de Cuzco (Perú, s. XVII)
Hanacpachap
Anónimo peruano (s. XVIII)
Tonada La lata
La despedida
No século XVI comezaron as viaxes marítimas
que as naves españolas realizaban entre
Manila e os portos de Nova España (México).
Estas naves, que saían unha ou dúas veces ao
ano, denominábanas “Galeón de Manila” e
atravesaban todo o océano Pacífico. Inspirado
polas viaxes destes galeóns este concerto
ofrece un repaso moi particular pola música do
século XVIII dalgúns dos países bañados por
tan xigantesco océano (Filipinas, Perú, Bolivia,
Chile, Paraguai e Guatemala) incluíndo cantos
varios en linguas castelá, tagala, mapudúngún,
guaraní, quechua e moxeña. A viaxe comeza
en Chile con seis cantos recompilados polo
xesuíta Bernardo de Havestadt. Curiosas
pezas estas cuxas melodías proceden da terra
natal de Havestadt (Alemaña) cuxo propósito
era facilitar a evanxelización nas misións de
Arauco (os textos están no idioma indíxena
chileno, o mapuche ou mapudúngún). Dun
estilo radicalmente diferente é a cantata do
compositor español José de Torres, dedicada
ao Santísimo, procedente da catedral de
Guatemala e coa habitual estrutura de
recitados e arias ao estilo italiano. De Perú
chegan un canto procesional procedente dun
manual para sacerdotes escrito en Quechua
(Hanacpachap) e dúas pezas recompiladas polo
bispo Martínez Compañón na zona de Trujillo
(A lata e A despedida). Unha melodía en lingua
tagala na que se percibe unha grande influencia
do bel canto e a ópera italiana do século XIX
representa a Filipinas, un dos portos de saída e
destino. Enriquecen o programa pezas misionais
doutros países que poderían ter viaxado a
través dos mares: un dos moi escasos cantos
misionais en lingua guaraní que chegaron ata
nós, cantos da zona de Moxos en Bolivia e pezas
das misións de Chiquitos. As melodías poden
soar moi familiares aos nosos oídos, a influencia
europea é enorme, pero preséntansenos cun
sabor e encanto totalmente novos: o resultado
de tanta mestizaxe revela unha personalidade
inconfundible. [Manuel Vilas]
En el siglo XVI comenzaron los viajes marítimos
que las naves españolas realizaban entre Manila
y los puertos de Nueva España (México). A estas
naves, que salían una o dos veces al año, se las
denominaba “Galeón de Manila” y atravesaban
todo el océano Pacífico. Inspirado por los viajes
de estos galeones este concierto ofrece un
repaso muy particular por la música del siglo
XVIII de algunos de los países bañados por tan
gigantesco océano (Filipinas, Perú, Bolivia, Chile,
Paraguay y Guatemala) incluyendo cantos varios
en lenguas castellana, tagala, mapudúngún,
guaraní, quechua y moxeña. El viaje comienza
en Chile con seis cantos recopilados por el
jesuita Bernardo de Havestadt. Curiosas piezas
éstas cuyas melodías proceden de la tierra natal
de Havestadt (Alemania) cuyo propósito era
facilitar la evangelización en las misiones de
Arauco (los textos están en el idioma indígena
chileno, el mapuche o mapudúngún). De un
estilo radicalmente diferente es la cantata del
compositor español José de Torres, dedicada
al Santísimo, procedente de la catedral de
Guatemala y con la habitual estructura de
recitados y arias al estilo italiano. De Perú
llegan un canto procesional procedente de un
manual para sacerdotes escrito en quechua
(Hanacpachap) y dos piezas recopiladas por
el obispo Martínez Compañón en la zona de
Trujillo (La lata y La despedida). Una melodía
en lengua tagala en la que se percibe una
gran influencia del bel canto y la ópera
italiana del siglo XIX representa a Filipinas,
uno de los puertos de salida y destino.
Enriquecen el programa piezas misionales
de otros países que podrían haber viajado a
través de los mares: uno de los muy escasos
cantos misionales en lengua guaraní que han
llegado hasta nosotros, cantos de la zona de
Moxos en Bolivia y piezas de las misiones de
Chiquitos. Las melodías pueden sonar muy
familiares a nuestros oídos, la influencia
europea es enorme, pero se nos presentan
con un sabor y encanto totalmente nuevos:
el resultado de tanto mestizaje revela una
personalidad inconfundible. [Manuel Vilas]
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MANUEL VILAS_ arpas barroca e chiquitana
LINA MARCELA LÓPEZ_ soprano
Naceu en Medellín (Colombia), comezou os seus estudos musicais na Escola Superior de
Artes Débora Arango en 1996. En 2008 trasládase a Basilea (Suíza) para continuar os seus
estudos na Schola Cantorum Basiliensis na especialidade en música antiga coa profesora
Rosa Domínguez. Como solista, o seu variado repertorio inclúe obras de Eccles, Buxtehude,
Mozart, Pergolesi, Schubert, Rutter, Scarlatti, Monteverdi, Graun, Haendel, Hayes etc. Ten
traballado con grupos como Melpomene (Conrad Steinmann), Glossarium (Quito Gato), Musica
Temprana (Adrian Van der Spoel), Musica Caeli Graz (Franz M. Herzog), Ensemble Elyma e
Capela Panamericana (Gabriel Garrido), La Cetra Barockorchester Basel (Federico Sepúlveda)
e La Grande Chapelle (Albert Recasens).
LINA MARCELA LÓPEZ_ soprano
Nació en Medellín (Colombia), comenzó sus estudios musicales en la Escuela Superior de Artes
Débora Arango en 1996. En 2008 se traslada a Basilea (Suiza) para continuar sus estudios
en la Schola Cantorum Basiliensis en la especialidad en música antigua con la profesora
Rosa Domínguez. Como solista, su variado repertorio incluye obras de Eccles, Buxtehude,
Mozart, Pergolesi, Schubert, Rutter, Scarlatti, Monteverdi, Graun, Haendel, Hayes, etc. Ha
trabajado con grupos como Melpomene (Conrad Steinmann), Glossarium (Quito Gato), Musica
Temprana (Adrian Van der Spoel), Musica Caeli Graz (Franz M. Herzog), Ensemble Elyma y
Capilla Panamericana (Gabriel Garrido), La Cetra Barockorchester Basel (Federico Sepùlveda)
y La Grande Chapelle (Albert Recasens).
Naceu en Santiago de Compostela. Estudou arpas antigas dos s. XII ao XVIII en Madrid con Nuria
Llopis e en Milán con Mara Galassi. Colaborou con numerosos grupos como Les Musiciens du Louvre,
Al Ayre Español etc., e actuou nos máis importantes festivais de Europa. Realizou concertos como
solista de música barroca español, americano e italiano en Europa e América. Participou en máis de
50 discos con diferentes grupos e discográficas e en producións operísticas en París, Viena, Madrid,
Xenebra, Múnic, México etc. Foi o primeiro arpista en ofrecer un curso de arpa barroca española nos
Estados Unidos e en Cuba. Actualmente encóntrase centrado nun ambicioso proxecto de recuperación
de pezas vocais do barroco español. Ten ofrececido recitais con: Marta Infante, Guillemette Laurens,
Raquel Andueza, Isabel Monar, Juan Sancho, Roberta Invernizzi, Mercedes Hernández, José Antonio
López, Isabel Álvarez, Monica Piccinini etc. É director artístico do proxecto de gravación integral dos
100 tons do Manuscrito Guerra (Naxos). En 2008 fundou o grupo Ars Atlantica. É pioneiro no estudo
de certo tipo de arpas hoxe totalmente esquecidas, como a arpa xesuítica chiquitana (Bolivia, s. XVIII)
e a arpa dobre que circulaba pola coroa de Aragón no s. XIV.
MANUEL VILAS_ arpas barroca y chiquitana
Nació en Santiago de Compostela. Estudió arpas antiguas de los s. XII al XVIII en Madrid con Nuria Llopis
y en Milán con Mara Galassi. Colaboró con numerosos grupos como Les Musiciens du Louvre, Al Ayre
Español, etc., y actuó en los más importantes festivales de Europa. Realizó conciertos como solista de
música barroca española, americana e italiana en Europa y América. Ha participado en más de 50 discos
con diferentes grupos y discográficas y en producciones operísticas en París, Viena, Madrid, Ginebra,
Munich, México, etc. Fue el primer arpista en ofrecer un curso de arpa barroca española en los Estados
Unidos y en Cuba. Actualmente se encuentra centrado en un ambicioso proyecto de recuperación de
piezas vocales del barroco español. Ha ofrececido recitales con: Marta Infante, Guillemette Laurens,
Raquel Andueza, Isabel Monar, Juan Sancho, Roberta Invernizzi, Mercedes Hernández, José Antonio
López, Isabel Álvarez, Monica Piccinini, etc. Es director artístico del proyecto de grabación integral de los
100 tonos del Manuscrito Guerra (Naxos). En 2008 fundó el grupo Ars Atlantica. Es pionero en el estudio
de cierto tipo de arpas hoy totalmente olvidadas, como el arpa jesuítica chiquitana (Bolivia, s. XVIII) y el
arpa doble que circulaba por la corona de Aragón en el s. XIV.
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Poesía sagrada na música de Kabul
Poesía sagrada en la música de Kabul
KHALED ARMAN & ENSEMBLE KABUL
Khaled Arman_ rubab
Mashal Arman_ voz
Varinak DAvidian_ kamanche
Seiar Hashemi_ tabla
I
I
LUGAR_ Igrexa Orde Terceira DATA_ sábado 19 abril HORA_ 20.30
Saqia bede jamé
Ze Andoyé
Dardamané Sahra
Banaze ke Layla
Beshnau Az Nay
Ta kay ba taman-é
Torke Man
Hoxe como onte, a poesía mística ocupa
un lugar importante na cultura e sociedade
afgás. Isto sucede a pesar dunha alta taxa de
analfabetismo. Estes poemas, a maioría dos
cales datan da Idade Media, son a principal
fonte de letras devocionais para os músicos.
Entre as irmandades sufís que existen en
Afganistán, a de Chishtya acepta a música
como práctica devocional. Fundada no século
X por Abu Ishaq Shaami Khawaja, a Irmandade
de Chishtya estendeuse posteriormente ata a
India por Hazrat Moinouddin Chishti. O Chishti
difire doutras irmandades porque busca a
inspiración mística a través da música e o
canto, dúas prácticas que están prohibidas
polos sufís ortodoxos. Aínda hoxe en día,
seguindo antigas tradicións, os khanaqas
(conventos) de Chishtis son visitados por
músicos: cantantes e instrumentistas, que
utilizan as cancións devocionais de poetas
como Maulana Jala udin Balji (século XIII)
coñecido en Occidente co nome de Rumi, e con
poesías de Hafez (século XIV) de Saadi (século
XII) e de Bedel (século XVII). Estes cantos
místicos practícanse cunha gran variedade de
estilos, tanto alegres coma contemplativos. E
pódense cantar en solitario ou acompañados.
Hoy como ayer, la poesía mística ocupa un
lugar importante en la cultura y sociedad
afganas. Esto sucede a pesar de una alta tasa
de analfabetismo. Estos poemas, la mayoría
de los cuales datan de la Edad Media, son la
principal fuente de letras devocionales para
los músicos . Entre las hermandades sufíes
que existen en Afganistán, la de Chishtya
acepta la música como práctica devocional.
Fundada en el siglo X por Abu Ishaq Shaami
Khawaja, la Hermandad de Chishtya se
extendió posteriormente hasta la India por
Hazrat Moinouddin Chishti. El Chishti difiere
de otras hermandades porque busca la
inspiración mística a través de la música y
el canto, dos prácticas que están prohibidas
por los sufíes ortodoxos. Todavía hoy en día,
siguiendo antiguas tradiciones, los khanaqas
(conventos) de Chishtis son visitados por
músicos: cantantes e instrumentistas, que
utilizan las canciones devocionales de
poetas como Maulana Jala udin Balji (siglo
XIII) conocido en Occidente con el nombre
de Rumi, y con poesías de Hafez (siglo XIV)
de Saadi (siglo XII) y de Bedel (siglo XVII).
Estos cantos místicos se practican con una
gran variedad de estilos, tanto alegres
como contemplativos. Y se pueden cantar
en solitario o acompañados.
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KHALED ARMAN & ENSEMBLE KABUL
O Ensemble Kabul mostra un profundo respecto pola herdanza musical de Afganistán, incluíndo as
variadas influencias que foron asimiladas ao longo dos séculos, ao tempo que manteñen o seu propio
carácter individual. O repertorio do Ensemble Kabul parte da herdanza clásica e folclórica de distintas
rexións de Afganistán e susténtase nos coidadosos arranxos musicais de Khaled Arman e na mestría
dos seus músicos. O son peculiar do Ensemble Kabul prodúcese ao levar a cabo unha única que mestura
diversos timbres: aqueles do rabab, do santur e de diversos instrumentos de percusión, dende a táboa
india ata o zirbaghali, todo iso reflectindo as diferentes facetas e influencias da música afgá. Tal e como
sucede na maioría da música oriental, o repertorio do Ensemble Kabul baséase en tradicionais corpos de
modos melódicos (râg) e en ciclos de tempo (tâl, ás veces coñecido como zarb).
KHALED ARMAN & ENSEMBLE KABUL
El Ensemble Kabul muestra un profundo respeto por la herencia musical de Afganistán, incluyendo
las variadas influencias que han sido asimiladas a lo largo de los siglos, al tiempo que mantienen su
propio carácter individual. El repertorio del Ensemble Kabul parte de la herencia clásica y folclórica
de distintas regiones de Afganistán y se sustenta en los cuidadosos arreglos musicales de Khaled
Arman y en la maestría de sus músicos. El sonido peculiar del Ensemble Kabul se produce al llevar a
cabo una única que mezcla diversos timbres: aquellos del rabab, del santur y de diversos instrumentos
de percusión, desde la tabla india hasta el zirbaghali, todo ello reflejando las diferentes facetas e
influencias de la música afgana. Tal y como sucede en la mayoria de la música oriental, el repertorio
del Ensemble Kabul se basa en tradicionales cuerpos de modos melódicos (râg) y en ciclos de tiempo
(tâl, a veces conocido como zarb).
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Shostakovich en clave sinfónica
ORQUESTRA NOVA DA SINFÓNICA DE GALICIA
ORQUESTRA DE NENOS DA SINFÓNICA DE GALICIA
NENOS CANTORES DA SINFÓNICA DE GALICIA
LUKA HAUSER_ piano
JAMES ROSS_ director
I
I
LUGAR_ Auditorio de Galicia DATA_ domingo 20 abril HORA_ 20.00
I
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Concerto núm. 1 en re menor, BWV 1052
> Allegro
> Adagio
> Allegro
Orquestra de Nenos da Sinfónica de Galicia
Luka Hauser_ piano
Jorge Montes_ director
Fernando Buide (1980)
Lingua de escuma
Nenos cantores da OSG / José Luis Vázquez_ director
James Ross_ director
II
Dmitri Shostakovich (1906-1975)
Sinfonia núm. 10 en mi menor, op 93
> Moderato
> Allegro
> Allegretto
> Andante – Allegro
Orquestra Nova da Sinfónica de Galicia
James Ross_ director
Dise do Concerto núm. 1 para clave, BWV
1052 de Johann Sebastian Bach (16851750) que é unha adaptación dun concerto
para violín composto en Cöthen usando
fragmentos das Cantatas BWV 146 e 1088.
O seu enérxico e vigoroso ritornello inicial,
unha das pasaxes máis recoñecidas da
creación bachiana, procura a maior parte
do material orquestral e xera un movemento
de gran brío contrastando interludios tuttisolo de alto nivel técnico. A construción
do movemento final baséase novamente
nun ritornello, precedido dunha curta
pero coidada cadencia, como no primeiro
movemento. Lingua de escuma é unha obra
do compostelán Fernando Buide (1980)
sobre un poema de Javier Vizoso que o autor
describe como unha obra formada por dúas
amplas intervencións do coro -cada unha das
partes en que se divide o texto- en torno a un
grande interludio orquestral e así, se constrúe
como un arco onde a participación central
da orquestra ofrece un comentario musical
ao texto que o rodea e o punto de máxima
tensión sonora. A Sinfonía núm. 10 en mi
menor, op. 93 é o exemplo máis claro de como
Dmitri Shostakovich (1906-1975) dominaba
técnica e recursos compositivos, pois manexa
a máis refinada tradición sinfónica sobre
estrutura e composición así como códigos e
referencias contextuais. Comeza con pasaxes
recónditas e escuras dende as cales a música
vai ascendendo ata alcanzar un clímax xeral;
un scherzo de vehemente expresión precede
o Allegretto final, misterioso e cheo de
referencias persoais.
Se dice del Concierto núm. 1 para clave,
BWV 1052 de Johann Sebastian Bach (16851750) que es una adaptación de un concierto
para violín compuesto en Cöthen usando
fragmentos de las Cantatas BWV 146 y 1088.
Su enérgico y vigoroso ritornello inicial, uno
de los pasajes más reconocidos de la creación
bachiana, procura la mayor parte del material
orquestal y genera un movimiento de gran
brío contrastando interludios tutti-solo
de altísimo nivel técnico. La construcción
del movimiento final se basa nuevamente
en un ritornello, precedido de una corta
pero cuidada cadencia, como en el primer
movimiento. Lingua de escuma es una obra
del compostelano Fernando Buide (1980)
sobre un poema de Javier Vizoso que el
autor describe como una obra formada por
dos amplias intervenciones del coro -cada
una de las partes en que se divide el textoen torno a un gran interludio orquestal y
así, se construye como un arco en donde
la participación central de la orquesta
ofrece un comentario musical al texto que
lo rodea y el punto de máxima tensión
sonora. La Sinfonia núm. 10 en mi menor,
op. 93 es el ejemplo más claro de como
Dmitri Shostakovich (1906-1975) dominaba
técnica y recursos compositivos, pues
maneja la más refinada tradición sinfónica
sobre estructura y composición así como
códigos y referencias contextuales.
Comienza con pasajes recónditos y oscuros
desde los cuales la música va ascendiendo
hasta alcanzar un clímax general; un
scherzo de vehemente expresión precede
el Allegretto final, misterioso y lleno de
referencias personales.
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ORQUESTRA NOVA DA SINFÓNICA DE GALICIA
Dende a súa fundación en 1994 a Orquestra Nova da Sinfónica de Galicia permitiu a centos de mozos
instrumentistas completar a súa formación musical participando en espectáculos operísticos e concertos
sinfónicos, baixo o maxisterio de mestres como Alberto Zedda, Víctor Pablo Pérez, James Judd, Pietro
Rizzo, Michael Gilbert, James Ross ou Joan Company entre outros. A Orquestra Nova participou
como orquestra de foso no Festival Mozart da Coruña, compartiu escenario coa Sinfónica de Galicia
e ofreceu concertos sinfónicos en Madrid, San Sebastián, Murcia, Valencia, León, Segovia, Xerez,
Xávea e Cocentaina. Convertida xa nun dos proxectos educativos máis orixinais do panorama musical
español, supón unha das poucas posibilidades reais de achegar aos futuros profesionais á práctica do
seu instrumento no seo dunha orquestra sinfónica. Os mozos reciben unha completa formación musical
traballando ao lado dos profesores da OSG, das clases maxistrais de grandes profesores e intérpretes .
ORQUESTRA NOVA DA SINFÓNICA DE GALICIA
Desde su fundación en 1994 la Orquesta Joven de la Sinfónica de Galicia ha permitido a cientos de
jóvenes instrumentistas completar su formación musical participando en espectáculos operísticos y
conciertos sinfónicos, bajo el magisterio de maestros como Alberto Zedda, Víctor Pablo Pérez, James
Judd, Pietro Rizzo, Michael Gilbert, James Ross o Joan Company entre otros. La Orquesta Joven ha
participado como orquesta de foso en el Festival Mozart de A Coruña, ha compartido escenario con la
Sinfónica de Galicia y ha ofrecido conciertos sinfónicos en Madrid, San Sebastián, Murcia, Valencia,
León, Segovia, Jerez, Xavea y Cocentaina.
Convertida ya en uno de los proyectos educativos más
originales del panorama musical español, supone una de las pocas posibilidades reales de acercar
a los futuros profesionales a la práctica de su instrumento en el seno de una orquesta sinfónica. Los
jóvenes reciben una completa formación musical trabajando al lado de los profesores de la OSG, de
las clases magistrales de grandes profesores e intérpretes..
NENOS CANTORES DA SINFÓNICA DE GALICIA
Fixeron a súa presentación musical en febreiro de 2000 coa interpretación da Sinfonía núm. 3 de
Mahler baixo a dirección de Víctor Pablo Pérez. Desde aquela actuaron en varias ocasións coa OSG,
interpretando obras de Mahler (Sinfonía núm. 8), Britten (Réquiem de guerra), Orff (Carmina Burana),
Shostakovich (O canto dos bosques), Fauré (Réquiem), Mendelssohn (Elías) e Vaughan Williams (Thanks
Givin for Victory), dirixidos por Vasili Petrenko, Joan Company e Víctor Pablo Pérez. Participaron tamén
en funcións de ópera, como o Werther de Massenet no Festival Mozart e Turandot no Festival de
Ópera da Coruña. Ofreceron concertos en diferentes localidades galegas e en León. Formado por uns
50 rapaces de entre 9 e 15 anos e dirixido desde a súa fundación por José Luis Vázquez, naceu coa
intención de constituír un verdadeiro centro de canto coral para a formación de novas voces.
NENOS CANTORES DA SINFÓNICA DE GALICIA
Hicieron su presentación musical en febrero de 2000 con la interpretación de la Sinfonía núm. 3 de
Mahler bajo la dirección de Víctor Pablo Pérez. Desde entonces actuaron en varias ocasiones con la
OSG, interpretando obras de Mahler (Sinfonía núm. 8), Britten (Réquiem de guerra), Orff (Carmina
Burana), Shostakovich (El canto de los bosques), Fauré (Réquiem), Mendelssohn (Elías) y Vaughan
Williams (Thanks Givin fuera Victory), dirigidos por Vasili Petrenko, Joan Company y Víctor Pablo
Pérez. Participaron también en funciones de ópera, como el Werther de Massenet en el Festival
Mozart y Turandot en el Festival de Ópera de la Coruña. Ofrecieron conciertos en diferentes localidades
gallegas y en León. Formado por unos 50 niños de entre 9 y 15 años y dirigido desde su fundación
por José Luis Vázquez, nació con la intención de constituir un verdadero centro de canto coral para la
formación de nuevas voces.
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Lingua de Escuma
texto: Javier Vizoso
Area branca era o meu destino
cando os seus ollos grises
prendían lume no horizonte do mar
e as miñas risas foron chuvia
diante das portas pechadas
dos seus pequenos países
JAMES ROSS_ director
É director das actividades orquestrais da
Universidade de Maryland, de dirección na
Escola Juilliard e director musical da Orquestra
Nacional Americana no Carnegie Hall. As súas
actividades abranguen a dirección de orquestra,
a interpretación como trompista e a docencia.
Licenciouse na Universidade de Harvard en
1981 e comezou en Leipzig a súa formación
de director de orquestra, sendo discípulo
de Kurt Masur ao tempo que exercía como
trompa solista na orquestra da Gewandhaus de
Leipzig. Foi director asistente da Sinfónica de
Boston, director musical da Sinfónica de Yale
e colaborou con William Christie como director
asistente de Les Arts Florissants. Foi director
convidado de orquestras como a Gewandhaus
de Leipzig, Sinfónica de Utah, Orquesta Ciudad
de Granada, Sinfónica de Harrisburg, Sinfónica
de Galicia, Neubrandenburger Philarmonia,
Filharmónica de Binghamtonm etc. En Xapón
fundou os Music Masters Course en Kazusa, un
festival internacional de música de cámara e é
director no Festival Internacional de Lucena.
JAMES ROSS_ director
Es director de las actividades orquestales de
la Universidad de Maryland, de dirección en
la Escuela Juilliard y director musical de la
Orquesta Nacional Americana en el Carnegie
Hall. Sus actividades abarcan la dirección de
orquesta, la interpretación como trompista
y la docencia. Se licenció en la Universidad
de Harvard en 1981 y comenzó en Leipzig su
formación de director de orquesta, siendo
discípulo de Kurt Masur al tiempo que ejercía
como trompa solista en la orquesta de la
Gewandhaus de Leipzig. Fue director asistente
de la Sinfónica de Boston, director musical de
la Sinfónica de Yale y colaboró con William
Christie como director asistente de Les Arts
Florissants. Ha sido director invitado de
orquestas como la Gewandhaus de Leipzig,
Sinfónica de Utah, Orquesta Ciudad de Granada,
Sinfónica de Harrisburg, Sinfónica de Galicia,
Neubrandenburger Philarmonia, Filarmónica
de Binghamtonm, etc. En Japón fundó los
Music Masters Course en Kazusa, un festival
internacional de música de cámara y es director
en el Festival Internacional de Lucena.
Agora que a promesa radiante
da palabra dos meus castelos
é lingua de escuma e mar
Un tritón de cabelos tristes
xira furioso na marea
e foxe do incendio do mar
Lengua de Espuma
texto: Javier Vizoso
Arena blanca era mi destino
cuando sus ojos grises
prendían fuego en el horizonte del mar
y mis risas fueron lluvia
delante de las puertas cerradas
de sus pequeños países
Ahora que la promesa radiante
de la palabra de mis castillos
es lengua de espuma y mar
Un tritón de cabellos tristes
gira furioso en la marea
y huye del incendio del mar
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m
actividade
usicosocial
I
I
LUGAR_ Residencia Volta do Castro DATA_ martes 8 abril HORA_ 16.30
QUINTETO DE CORDA
Mili Fernández, violín I
Cristian Álvarez, violín II
Natalia Madisson, viola
Cristina de Mingo, viola
Lucía Pérez, violoncello
OBRA_ Quinteto para corda en sol menor de W. A. Mozart, KV 516
CUARTETO DE CORDA
OBRA_ Cuarteto de cordas núm. 3, op. 73 de D. Shostakovich
I
I
LUGAR_ Hospital Clínico DATA_ venres 11 abril HORA_ 11.30
CUARTETO DE CORDA
Cristian Álvarez, violín I
Antonio Navarro, violín II
Silvia García, viola
Lucía Pérez, violoncello
OBRA_ Cuarteto de cordas núm. 3, op. 73 de D. Shostakovich
83
agrade
ementos
D. Elisardo Temperán,
Canciller do Acebispado de Santiago de Compostela
D. Francisco Castro,
Reitor do Convento de San Francisco
D. Miguel Botana,
Igrexa de San Fiz de Solovio
D. Antonio Díaz,
Ministro da Orde Franciscana Seglar. Fraternidade de Santiago de Compostela
Dna. María Blanca Blanco Coiradas,
Madre Abadesa do Mosteiro de Benedictinas de San Paio de Antealtares
Dna. María Consuelo Jorde Herrero,
Madre Abadesa do Convento de Santa Clara
D. Francisco Durán,
Vicerreitor de Cultura da Universidade de Santiago de Compostela
D. Miguel von Hafe Pérez,
Director do Centro Galego de Arte Contemporánea
D. Carlos García Martínez,
Director do Museo do Pobo Galego
D. Julio Castro,
Director do Parador do Hostal dos Reis Católicos
85
VIII FESTIVAL
VIII FESTIVAL
www.consorciodesantiago.org / www.compostelacapitalcultural.org
Colaboran: