“Sex Tape”: el video casero de Cameron Díaz
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CONTENIDO BLOG DE CINE - “Lucy”: El poder de Scarlett Johansson - “Sex Tape”: el video casero de Cameron Díaz - “Infiltrados en la Universidad”: Jonah Hill en estado puro - “Barbacoa de amigos”: cine francés en vena - “Mil veces buenas noches”: el descanso de un héroe - “Homefront”: Stallone y Statham - “Transformers”, una peli para disfrutar - “Anarchy: La noche de las bestias”: excelente idea a precio de saldo - “Malavita”: mafia para todos los públicos - “Blue Jasmine”: la distracción de Woody Allen - “Operación cacahuete”: Una comedia para los más pequeños, divertida y estética - “El pequeño mago”: la nostalgia del dibujo artesano - “ ¿Quién mató a Bambi?” una comedia americana made in Spain - “Sharknado 2″: los tiburones molan - “Amor eterno”: lo que la juventud esconde BLOG DE SERIES - "The Mysteries of Laura”: Estados Unidos compra en España - El ejemplar ritmo de Virginia y Bill - “Defiance”. O San Luis Missouri. O lo que quiera que vaya a ser en el futuro - ¿Es esta naranja mecánica? - Megan – za - Remember Buffy? - Entrevistamos a Rob Wright y Josh Berman, creadores de “The Mob Doctor” BLOG DE CINE.. ESTRENO 22 AGOSTO “Lucy”: El poder de Scarlett Johansson ALBERTO MARTÍN #Lucy @AlbertoMaytreya Morgan Freeman comenta en las entrevistas que su participación en este proyecto tuvo mucho que ver con dos películas de Besson: “El quinto elemento” y “(Leon) El profesional”. Lucy tiene más en común con la primera, aunque con una trama más accesible y estival. Quizá Bruce Willis no era mucho más expresivo que Scarlett Johansson, pero tenía más carisma. Lucy toma el nombre de la primera humana de la que se tienen datos. Scarlett interpreta a una chica desorientada que debe trasportar un paquete de droga dentro de su cuerpo. Cuando la bolsa se rompe, el organismo de la joven comienza a asimilar la sustancia gradualmente. A partir de ese momento, su capacidad cerebral se dispara con efectos imprevisibles. En realidad, conoceremos tan poco del personaje de Scarlett Johansson, que no podremos apreciar su transformación a nivel humano. La actriz aclaró en los medios, que quiso ceñirse exclusivamente a los datos que el director le proporcionó. Lo que ha dejado al personaje y también a la película, demasiado distanciados de su público. El film es una buena oportunidad para comprobar el estado actual de los efectos especiales. Si somos capaces de perdonar las lagunas de la trama en favor del espectáculo visual, la película no nos va a defraudar. Con un montaje dinámico y algunas imágenes que exploran esos universos con los que Besson fantasea, es difícil que el espectador desconecte. La parte filosófica de la película corre a cargo de Morgan Freeman. En su eterno papel de sabio, irá buscando puntos en común entre seres humanos y organismos unicelulares. Luc Besson nos hace una reflexión sobre la auténtica naturaleza de la vida, aderezada con mafias chinas y una sex symbol indiscutible. El film es por momentos lúdico, también pretencioso, pero Besson siempre. La película se estrenó este 22 de agosto en España. BLOG DE CINE.. ESTRENO 25 JULIO. “Sex Tape”: el video casero de Cameron Díaz ALBERTO MARTÍN #SexTape @AlbertoMaytreya Cameron Diaz y Jason Segel interpretan a una pareja que pretende recuperar la actividad sexual de sus primeros años. Tras fracasar otras tentativas, deciden grabar un video porno en el salón de su casa. Cuando ya contaban con que la grabación había sido borrada, reciben un mensaje en el móvil aplaudiendo su actuación. El personaje de Díaz encarna a una bloggera, madre de dos niños, en negociaciones para vender su espacio a una multinacional de productos para el bebé. El temor a que el vídeo pueda ser descubierto viene más por lo que pueda afectar a la venta de su blog, que a su propia imagen en la comunidad. Quien conozca a Jason Segel solo por la serie “Como conocí a vuestra madre” no saldrá decepcionado. Su interpretación es más gestual que dialogada, pero contiene los momentos más divertidos de la película. Incluso en situaciones previsibles, callejones sin salida interpretativos, Segel resuelve con mucho humor. Rob Lowe (habría que felicitar a su cirujano plástico) encarna al magnate de la empresa de productos infantiles. Todo el perjuicio económico y moral que pudiera causar el video depende de su persona. Las situaciones más extravagantes y las que convierten a esta comedia en algo más que cine familiar, se desarrollan en su mansión. Aún con las normas de la comedia americana convencional, a la película no le faltan momentos cómicos. Quien vaya buscando una interpretación magistral de Cameron Díaz, es mejor que se quede en casa. Quienes acudan a la sala solo por ver su trasero (¿Qué mejor promoción?) y pasar un rato entretenido, quizá puedan encontrarlo en este Sex Tape. BLOG DE CINE.. ESTRENO 22 AGOSTO. “Infiltrados en la Universidad”: Jonah Hill en estado puro ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya Se pueden elegir varias maneras para afrontar una secuela, pero ninguna de ellas asegura el éxito. Philip Lord y Chris Miller decidieron copiar literalmente el argumento de su predecesora. Una vez reconocido el miedo al riesgo y la fidelidad un producto que ya rentabilizaron, apuestan por parodiar todo lo que hicieron, a sus actores y a sí mismos: Y esto funciona. Jenko (Chaning Tatumm) y Schmitz (Jonah Hill) son dos policías enviados de incógnito a la universidad, para descubrir quien está introduciendo una nueva droga. La diferencia entre el físico y el carisma entre ambos les obliga a tomar diferentes caminos. Surgen nuevas amistades que podrían provocar una crisis en la pareja de investigadores. Jonah Hill tiene tantas facetas cómicas que es difícil encajarlas en un mismo personaje o película. En el filme vemos su lado de tierno perdedor pasado de kilos, pero también el de caradura redomado y algo patoso. En todos los casos la cámara le quiere y la película parece una excusa para explotar, con el favor del público, todos sus disparates. El papel de Chaning Tatum no luce tanto, pero como en las mejores parejas cómicas, sirve de perfecta réplica para su compañero. Ice Cube nos ofrece una interpretación agresiva, que provocará los momentos más tensos y quizá por ello más hilarantes, de las dos horas que nos ocupan. El filme no desperdicia ningún tipo de humor: juegos de palabras, caídas, situaciones ridículas y algo de escatología (la justa) se ponen al servicio del espectador. El montaje toma las riendas en algunos momentos para repetir a cámara lenta las situaciones más absurdas. Desde Porky’s se han hecho infinidad de películas americanas sobre juergas y universidad. Algo tiene este “Infiltrados” para que estas cosas nos sigan haciendo gracia. BLOG DE CINE.. ESTRENO: 25 JULIO. “Barbacoa de amigos”: cine francés en vena ALEJANDRO LÓPEZ-REINA Todos podemos presumir de haber vislumbrado alguna que otra obra francesa de mayor a menor calidad. Sus ingredientes son claros: gags franceses, bonitos paisajes, el romance que no falte y la sensación de entretenimiento que atesoran sus personajes (aunque el guión tenga más lagunas que Marujita Diaz después de un día de copeo). Barbacoa de amigos (estrenada el 25 de julio) atesora estos ingredientes fundamentales, aunque no consigue llegar a la pole position del género francés. Se come mucho, se vive muy bien y se apuestan por sketches constantes entre el vaivén de los personajes. Lambert Wilson hace el papel de un cincuentón nada preparado para la muerte, al que el papel no le pega ni con cola. Su buen aspecto y sus dotes de macho men no provocan la identificación real de los espectadores con el personaje. ¿Cómo punto a favor? Algún que otro chiste resulta gracioso (los chistes franceses suenan diferentes, prestad atención), además de que hoy en día estamos acostumbrados a los típicos blockbusters que no hacen más que inflar unas taquillas que llevan semanas registrando pérdidas. Si únicamente quieres pasar un buen rato y sientes en tus carnes la crisis de los 50, no lo dudes Barbacoa de Amigos es tu película (no todo el mundo tiene el envejecer de Wilson). Eric Lavaine dirige y escribe junto con Héctor Caballero esta agradable comedia sobre la amistad y el devenir del tiempo. Lo mejor: el ambiente bucólico francés Lo peor: Estereotipos hasta morir BLOG DE CINE.. ESTRENO 8 AGOSTO. “Mil veces buenas noches”: el descanso de un héroe ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya La primera película de Erik Poppe, tras la notable “Aguas turbulentas, tiene su inspiración en su propia experiencia fotográfica durante los años ochenta. No llegó a pisar destinos conflictivos (como la protagonista de su film) pero descubrió los sinsabores de la vuelta a casa. Son estas sensaciones las que le sirvieron treinta años después para elaborar la historia que nos ocupa. Juliette Binoche interpreta a una reportera de guerra, cuya adicción a la adrenalina distorsiona sus criterios del peligro. Las primeras secuencias en Afganistán son tan potentes que nos será imposible exigir el mismo nivel durante todo el film. Durante esos veinte minutos asistimos a unas imágenes terribles pero a la vez bellas, de las miserias del ser humano. Sin embargo y tal como explicaba su director, la supervivencia que aborda la película es la del héroe al llegar a casa. Tanto el marido como las hijas de la protagonista, empiezan a entender que el riesgo de muerte es mucho más serio de lo que pensaron en un principio. Ese descubrimiento descompensa el equilibrio familiar y marca la narración de la película. Juliette Binoche presenta una interpretación sobria. La de una mujer que intenta afrontar con la misma valentía los conflictos domésticos y los internacionales, sin renunciar a lo que ambos proporcionan. Nikolaj CosterWaldau interpreta al marido sufriente, sensible a los daños que pueda sufrir su familia. Poppe arma de motivos legítimos a todos los personajes que intervienen en este drama familiar. Por ese lado consigue que el espectador culpe y defienda las decisiones de la reportera a un mismo nivel. Por otro las subtramas que se abren son tan intensas que la narración queda dispersa: La adrenalina que Binoche añora a su vuelta a casa es parecida que añora del espectador durante algunos momentos de la película. BLOG DE CINE.. ESTRENO 1 AGOSTO. “Homefront”: Stallone y Statham ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya Se hace muy difícil ver esta película sin pensar a cada momento que el guion fue escrito por Silvester Stallone. O sin intentar adivinar en la inexpresividad de Jason Statham el rostro que hubiera elegido el que fuera Rocky Balboa para este Homefront. Basada en una novela de Chuck Logan, ha sido Mark Isham el elegido para dirigir esta historia. Un ex-agente de la DEA se retira con su hija a un pueblecito para evitar represalias de un narcotraficante. A partir de un pequeño incidente en el colegio se frustrará su intención de pasar desapercibido. Será entonces cuando Statham desahogue su ira y la de los espectadores con los clásicos personajes de la América profunda. Es interesante, sin atreverme a juzgar como positivo, los momentos paternales en la interpretación de Statham. El guion le obliga a sonreír en exceso o contar cuentos en la cama, alejándolo peligrosamente de sus registros acostumbrados. Conviene tranquilizar a los fans del cine de acción, estos momentos son escasos. Cuando un reparto incluye tantas estrellas como Homefront es inevitable pensar si queda justificada su participación. La respuesta es un rotundo “No”. Llegando a la conclusión de que ni Winona Ryder, ni James Franco, ni Kate Bosworth, pretendieron nunca sobresalir del mediocre tono de la trama, por una cuestión de homogeneidad. La película no engaña. Los fans de Jason Statham y los nostálgicos del clásico cine de acción quedarán satisfechos. A ninguno de ellos les importará la misoginia que respira el guion, ni el exceso de arquetipos mientras disfrutan de sus palomitas. Porque el film entretiene e incluye todos los elementos básicos del cine violento y conservador. BLOG DE CINE.. ESTRENO 8 AGOSTO. Transformers, una peli para disfrutar HENRY @ henry_pedroso El pasado 8 de agosto, tuvimos el placer de disfrutar en las salas de cine de la cuarta entrega de la saga Transformers, esta vez bajo el título “La era de la extinción”, cosa que espero, a lo de extinguirse me refiero, que no ocurra. Pareciese que esta vez, la historia tomará otro camino, ya que el elenco “humano” ha sido renovado al cien por ciento, Shia Labeouf no quiso participar en esta entrega, y Michael Bay según he leído no estaba muy convencido de rodarla, pero mantiene su esencia, que no es otra que la de entretener a gran escala y creo que lo han logrado. Me entusiasmó mucho la entrada de Mark Wahlberg en la cinta, creo que es un actor moderno que se acopla muy bien a este tipo de historias de acción con esas pinceladas de humor actual (véase Dolor y Dinero) que encajan perfectamente y nos hacen pasar un rato divertido. Stanley Tucci, Li Bingbing , Kelsey Grammer, Sophia Myles, T. J. Miller, Nicola Peltz, Jack Reynor, entre otros, engrosan la lista de actores que, perfectamente engranados con los autobots, decepticons y la aparición de los dinobots, no dejarán indiferentes a los amantes de este género. Quizá no sea muy objetivo yo al hablar de esta película, soy fan de los robots que se transforman desde que vi el primer episodio de dibujos animados allá por los ochenta, creo que está muy bien hecha y me entusiasma cada vez que veo a uno de esos gigantes transformarse, soy de los que les pide a gritos que intervengan en alguna escena para detener una injusticia y de los que alucinan con cada transformación. Dicho sea de paso, que la cinta está llena de efectos especiales que enriquecen con creces la historia, el argumento se ciñe a lo que nos quieren contar, aunque tal vez sea menos creíble de todos los anteriores, y siempre hay un final espectacular. Tal vez el único puntillo negativo sea que por momentos se hace larga, pero rápidamente ocurre algo que nos quita esa pesadumbre de las retinas. En fin, la película es para lo que es y no me justifico a la hora de decir que me encantó, no se puede ir al cine pensando en otra cosa ni con otra idea que ver la cuarta parte de Transformers. BLOG DE CINE.. ESTRENO: 25 JULIO. “Anarchy: La noche de las bestias”: excelente idea a precio de saldo ALEJANDRO LÓPEZ-REINA #anarchylanochedelasbeastias #sobrevivealanoche Tras la estela de The purge: La noche de las bestias nos llega esta secuela que comparte premisa, en 2025 el gobierno de Estados unidos celebra por sexto año la purga, una medida de reducción del paro, pobreza y delincuencia que consiste en permitir el uso de la violencia y las armas durante la noche de la purga. La primera entrega con tan sólo 3 millones de presupuesto, consiguió recaudar más de 80 millones (no será por la inexpresividad de Ethan Hawke). Su director James De Monaco, nos introduce en esta película de ultraviolencia (nada que ver con la obra sublime de Kubrick, La naranja mecánica). Anarchy funciona mejor que su predecesora, con un guión mejor elaborado, personajes más sólidos (inaguantable el niño de la primera entrega) y unas altas dosis de acción que harán las delicias de los fans del género de acción. A pesar de no contar con interpretaciones fuera de lo normal, los actores consiguen envolvernos en la trama de la acción. Nada que ver con los momentos soporíferos de la primera entrega. De Monaco ha hecho un buen trabajo, que los palomiteros de las salas de cine sabrán agradecérselo. Toda una bocanada de aire fresco para las taquillas españolas en verano de la mano de Universal Pictures. Anarchy: la noche de las bestias conseguirá mantenerte pegado al asiento. Lo mejor: acción a troche y moche Lo peor: no tiene mucho más BLOG DE CINE.. EN DVD Y BLU-RAY DESDE EL 7 MAYO “Malavita”: mafia para todos los públicos ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya Dirigida por Luc Besson (“El quinto elemento”) y protagonizada por un reaparto de lujo con Robert de Niro, Michelle Pfeiffer y Tomy Lee Jones. La película está basada en una novela de Tonino Benacquista, hijo de inmigrantes italianos, cuyas obras frecuentan el humor negro. Algo interesante debió ver Martin Scorssese, gran devoto de las historias mafiosas, en esta novela para decidirse a producirla. Los Blake son una familia estadounidense que se instala en la francesa región de Normandía. Pronto conocemos que están al amparo de un programa de protección de testigos, además de la condición mafiosa de Fred (Robert de Niro), cabeza de familia y hombre acostumbrado a vigilar sus espaladas. A diferencia de otros mafiosos con doble vida, Fred no ha podido evitar que su familia comparta las costumbres de los bajos fondos. El principal reclamo de la película es la inadaptación de estos personajes a un entorno rural y pacífico. Su orgullo, les lleva a solucionar cualquier conflicto por medio de la extorsión o la violencia. Así, el paisaje social de un instituto es analizado como una cárcel o un simple problema de fontanería puede derivar en violencia extrema. Desde los primeros compases el film propone un pacto al espectador: El guión cederá todo compromiso con la credibilidad en favor del humor. Si decide entrar en este juego será obsequiado con algunas situaciones divertidas, como el lenguaje del hijo pequeño o las extrañas pretensiones intelectuales de su padre. Si prefiere mantenerse fuera del pacto, tendrá mucho tiempo para pensar en qué podría haberse gastado los 9 euros del cine. En todo caso la película entretiene y logra una modesta curiosidad durante todo su metraje. Resulta interesante como se americanizan varios aspectos de la cultura francesa, en especial los relacionados con la adolescencia. En el capítulo Robert de Niro: Recomendamos una buena dosis de amnesia para los admiradores de sus primeras películas. La película se estrenó en las salas españolas el pasado mes de noviembre y desde el mayo ya está a la venta en DVD y Blu-Ray. BLOG DE CINE.. EN DVD Y BLU-RAY DESDE EL 25 MARZO “Blue Jasmine”: la distracción de Woody Allen ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya Algunos pensarán que Woody Allen está obligado a dosificar su creatividad, para atender ese compromiso de rodar una película cada año. El neoyorkino asegura que esto no es cierto y que en cada película ofrece lo mejor de sí mismo. Después de ver “Blue Jasmine” no hay más alternativa que creer sus palabras. Jasmine (Cate Blanchett) es una mujer de clase alta que ha perdido tal condición y debe reorientar su vida junto a su hermana Ginger (Sally Hawkins). La relación entre ambas quedará condicionada por las diferentes clases sociales que ocupan y por su pasado. Allen, quien esta vez eligió San Francisco para ilustrar su historia, muestra el daño involuntario que las dos se infringen intentando ayudarse. Blanchett, recordada por su papel de reina Isabel, en esta ocasión interpreta a una sofisticada esposa de Park Avenue. Superficial, ambiciosa, acostumbrada a dividir las personas entre fracasados y triunfadores, nos regala una interpretación magnífica. Desconocemos si el director escribió el papel pensando en ella, pero no somos capaces de imaginarnos a ninguna de sus actrices fetiche (lo siento Scarlett) a este nivel. No abandona Woody Allen su particular humor. De hecho una de sus virtudes está en graduarlo de acuerdo al tono dramático de la película. Algunos seguidores añorarán lucidez en los diálogos, donde no se vislumbra al director en sus personajes como acostumbra a suceder en otras obras (Tarantino sabe de qué hablo). Pero el realismo que pretende inculcar a la película, justifica estas licencias: La lucidez está en otros lugares. Muchos creemos conocer las obsesiones de Woody Allen, a las que no pocos juzgarán demasiado recurrentes. Realizar una película que muestra las consecuencias del actual sistema económico, no parece propio de este veterano director. Lo que le concede algún mérito. En alguna entrevista ha revelado que “el amor es una distracción para no pensar en la tristeza de la vida”. Si les intriga la frase les recomiendo “Blue Jasmine”, estrenada en cines en noviembre del pasado año y que desde marzo ya tienen a la venta en DVD y Blu-Ray. BLOG DE CINE.. ESTRENO 22 AGOSTO “Operación cacahuete”: Una comedia para los más pequeños, divertida y estética NATACHA RICHERI Una historia de aventuras, un guión suficientemente trabajado para una pelicula de animación, y una esetica colorista y tierna, se conjugan para ofrecernos un rato agradable y divertido. Quizás los muy pequeños podrán perderse por momentos en la trama, pero seguramente la disfrutarán de todas maneras. Es una película en la que tanto los personajes buenos como los malos, son seres tiernos, esponjosos, a los que da ganas de llevarse a la mesa de noche. Un grupo de animales del parque se enfrentan a la falta de comida para el invierno. Esto les llevará a unir fuerzas para no morir de hambre y frío, y a verse envueltos, sin quererlo, en una trama de robos y maleantes. Cada personaje irá demostrando su carácter con el avance de los días. Peter Lepeniotis, director y co-guionista junto con Lorne Cameron, ha trabajado en Disney y en Pixar entre otros, lo que se puede ver en los trazos y la elección del tipo de dibujo, en las texturas, en los pelajes, y en la estética de los ‘50 en la que ha ambientado la película, basada en su corto “Surly Squirrel” (2005, varias veces premiado). Un detalle a agradecer, son los títulos de crédito, que al ritmo de Gangman Style, avanzan en el centro de la pantalla, mientras por los costados la trama continúa. Un intento seguramente del director, de acostumbrar a las nuevas generaciones a no huir del cine en cuanto aparecen las primeras líneas de los títulos de crédito. BLOG DE CINE.. EN DVD Y BLU-RAY DESDE EL 26 JUNIO “El pequeño mago”: la nostalgia del dibujo artesano ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya El pequeño mago es una película basada en seis capítulos de la novela de Roque Cameselle: Bieito Dubidoso. Este escritor de Vigo, también firma como director y guionista del largometraje. En total son doce capítulos los que componen el grueso de la novela, seis de ellos fueron reservados (con una buena dosis de optimismo) para una segunda parte, en palabras del realizador. La historia se sitúa en un pequeño pueblo de la Galicia medieval. Pedro Cabaledo, comerciante de Jilgueros, siempre conoció las aptitudes sobrenaturales de su hijo Bieito. Cuando estos poderes trascienden a la Iglesia, auténtica dueña de las almas y territorios de la villa, la vida del pequeño mago se verá obligada a cambiar. Será entonces cuando los peques, más allá de otros matices, podrán contemplar a un niño que vuela, hipnotiza animales o trasciende la meteorología. También la relación de amistad que mantiene con “Destreza”, una gigantesca niña nórdica que lo acompañará durante toda la historia. Sus padres por otro lado, deberán prestar más atención a la corrupción de la iglesia, la evasión de impuestos o a la curiosa pareja que siempre hicieron la infidelidad y las drogas. Para la animación de esta película se emplearon 115.200 dibujos hechos a mano y 1490 acuarelas que se utilizaron como fondo. Realizado en la técnica del 2d, las imágenes conservan un aire de nostalgia, que los padres nacidos antes de los ochenta sin duda apreciarán. Habrá que ver como lo encajan sus hijos, más acostumbrados a sofisticadas animaciones por ordenador. Serán ellos quienes diriman el eterno debate sobre si cuenta más la historia o los medios que se emplean para contarla. La película será más recordada por su descalificación en los Goya, que por cualquier otro motivo. No entraremos aquí en denuncias de impago y derechos de autor que no afectan al film. Salvo en el doblaje, donde quizá sí influyeron esos problemas externos. No me resisto a comentar la escena más emotiva de la película, donde un velatorio se resuelve a ritmo de rap. El film se estrenó el 15 de noviembre del pasado año en nada menos que 110 salas y se lanzó en DVD y Blu-Ray el 26 de junio. BLOG DE CINE.. DESDE EL 29 DE JULIO SE EMITE EN CANAL+ 1. “ ¿Quién mató a Bambi?” una comedia americana made in Spain PATRICIA M. OROL @PatryOrol Un secuestro que se tuerce y un suegro inconsciente que se pasea en el maletero de su yerno por toda la ciudad son los puntos clave de “¿Quién mató a Bambi?”, la última película de Santi Amoedo, que la define como “una comedia blanca con claros tintes de humor incómodo”. David (Quim Gutiérrez) se ve envuelto, muy a su pesar, en una estrambótica escena: su jefe y suegro se desmaya ante sus ojos. Tras varios minutos buscando ayuda en un edificio casi vacío, lo encuentra semidesnudo al volver a la oficina. Habiendo sido el último en reunirse con él, la desesperación y el pánico se apoderan de sus actos así que no se le ocurre mejor idea que involucrar a su mejor amigo (Julián Villagrán) para intentar que las cosas vuelvan a su orden natural. Por su parte, dos socios acuciados por las deudas (Ernesto Alterio y Enrico Vecchi) deciden secuestrar a un gran empresario para poder cobrar un suntuoso rescato. Una terrible confusión hace que secuestren al padre de uno de ellos, provocando una vorágine de coincidencias surrealistas que arrastrarán a los cuatro en una continua persecución para conseguir sus objetivos. “¿Quién mató a Bambi?” está basada en el guion original de “Matando Cabos” del mejicano Alejandro Lozano (2004). Una historia que Santi Amoedo quiso rescatar y versionar, aplicándole tintes de los Hermanos Marx y usando una estética y una fotografía con clara influencia de los hermanos Cohen. Además, las “coincidencias surrealistas” recuerdan mucho a Airbag de Juanma Bajo Ulloa (1997). La estructura argumental está cerrada, es firme y la cinta se sostiene en los pilares fundamentales de un guion más que correcto. Los personajes cumplen los tópicos de la buena comedia americana: el chico bueno e inseguro (un papel que a Quim Gutiérrez le viene al dedo), el amigo liante, el desconocido que se suma al lío (un Joaquín Núñez que se sale), el malo que tiene que ser malo (un más que correcto Ernesto Alterio), y el malo bueno. Además del personaje que se lleva todos los golpes, desatando la carcajada correspondiente. “¿Quién mató a Bambi?” tiene un aire fuera de la típica comedia española, que salta los límites intentando igualarse con el cine extranjero, aportando lo mejor del cine español. Es un filme entretenido, que arranca sonrisas, que no aburre, manteniendo viva la atención del espectador, pendiente de los sucesos e inmerso en una historia que saca lo mejor y lo peor de cada personaje. Completan el elenco Julián Villagrán, Enrico Vecchi, Úrsula Corberó y una Carmina Barrios a la que Santi Amoedo definió como “alguien que tiene un don, una gracia que es natural”. Además Andrés Iniesta hace un cameo que puede ser lo poco “discordante” en la trama argumental. “¿Quién mató a Bambi?” se estrenó en cines el 15 de noviembre del pasado año y ya puede verse en Canal+ 1. BLOG DE CINE.. SE EMITE EN SYFY “Sharknado 2″: los tiburones molan CARLOS PREGIGUEIRO @Rexxburg Los escualos forman parte del imaginario colectivo con una mezcla de respeto, admiración y temor desde el momento en el que Spielberg estrenó su cuarta película. Y aún con todo nada nos podía preparar para el matrimonio entre el rey de los mares y el cine de catástrofes que nació de la factoría Syfy: Sharknado. La película se convirtió en un fenómeno viral en cuestión de horas, mientras las redes sociales no terminaban de creer lo que estaban presenciando. Prácticamente un año después, tenemos ya con nosotros una continuación que como buenas segundas partes prometía más de todo, y se puede decir que cumple. Para la presentación de la película fuimos convocados a El Cuartel By City Lights en Conde Duque. Un espacio donde además de disfrutar de una refrescante terraza y un pequeño market, podremos ver una buena selección de clásicos y estrenos en un agradable cine de verano, y todo en pleno centro de Madrid. A última hora de la tarde y con una buena cola ya montada, comenzamos a pasar al gran patio que acoge el Cine de Verano, no sin antes, y para redondear el ambiente, pasar por un puesto con comida, bebidas varias y palomitas que se encontraba junto a la entrada. La organización nos proporcionó unos pases personalizados de la película con los que conseguimos un Hot Dog y bebidas a elegir. Anthony C. Ferrante y Thunder (!) Levin repiten tras la cámara en labores de dirección y guión, y como actores hay que destacar el “duelo interpretativo” de la pareja protagonista, Unos Ian Ziering y Tara Reid que sin duda brindan los diálogos más celebrados de la película. Fin (Ziering) y April (Reid) son los únicos supervivientes de la primera parte y, después de haber superado juntos un Sharknado, se ven con fuerzas y decididos a darse una segunda oportunidad como pareja. Los volvemos a encontrar ésta vez cruzando el país, en un avión de Los Angeles a Nueva York, donde esperan encontrarse con la hermana de Fin y su familia. Como todos esperábamos, antes de que el avión pise territorio neoyorkino las cosas se van a empezar a torcer. La película empieza en una nota muy alta, pero a partir de ahí acompaña escenas hilarantes y entretenidas con otras resueltas con menos gracia. No faltan batallas contra tiburones de todos los tipos y colores, más cameos de la cultura pop americana de los que uno es capaz de reconocer y una complicidad que da ser una segunda parte que siempre suma, pero también es verdad que es más fácil salir y entrar en la película ante tantos bajones de intensidad. Con todo, y si uno es capaz de dejar los complejos en su casa, Sharknado 2 ofrece una ocasión perfecta para contemplar la mezcla de mitos Pop, absurdo y épica que hacen hervir las redes sociales, al tiempo que disfrutamos de una de esas películas que son más divertidas “si la ves con colegas”. BLOG DE CINE.. SE EMITE EN CALLE 13. “Amor eterno”: lo que la juventud esconde ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya La última entrega del proyecto #littlesecretfilms corre a cargo del director catalán Marçal Forés. Cuya primera película “Animals” fue catalogada como una versión española de Donnie Darko. Las limitaciones autoimpuestas para la realización de este “Amor eterno” encajan perfectamente con el carácter arduo de la historia. Carlos es un profesor de chino que merodea por la zona de cruising de Montjuic. Allí encontrará a Toni, uno de sus alumnos, con quien mantendrá una extraña relación. El profesor intentará mantener las distancias con el alumno, tanto por el temor a perder su empleo, como por su adicción a la novedad en cuestiones sexuales, sin acabar de conseguirlo. Carlos ve a Toni como un chico desgarbado, pusilánime y con tendencia a ilusionarse con la más mínima muestra de cariño. Sin embargo el espectador comprueba como ante sus amigos la actitud del chico es diferente. Las conversaciones con sus amigos son inquietantes y distorsionan la imagen que teníamos de Toni. A través de noticias en los periódicos y de rituales en el bosque, se nos van guiando a la verdadera naturaleza de la trama. A partir de aquí el guion nos adentra en un juego donde las señales de alerta tienen diferente significado para personajes y espectadores. Las relaciones entre alumno y profesor, entre amante y amado, van perdiendo la lógica que las unía. Una mezcla entre “La naranja mecánica” y “El desconocido en el lago”, la segunda película de Forés despierta reflexiones que van más allá de una violencia gratuita de serie B. De repente nos topamos con el incierto poder de la juventud y sus consecuencias imprevisibles. No es difícil encontrar paralelismos con el panorama social del momento. El bajo presupuesto de las producciones de #littlesecretfilms no siempre va en consonancia con la valentía de los nuevos cineastas. No es este el caso de Forés, quien con este “Amor eterno” ha dejado bien patente su personalidad y su gusto por el riesgo. Algo siempre de agradecer. BLOG DE SERIES. The Mysteries of Laura”: Estados Unidos compra en España PATRICIA M. OROL @PatryOrol Warner Bros TV y NBC Universal han venido a las rebajas españolas y han comprado a Boomerang TV los derechos para la adaptación de Los Misterios de Laura, la serie de éxito de TVE. Y no han sido los únicos, en Rusia, Holanda e Italia, el formato también se está adaptando o ha terminado de adaptarse (como en el caso de Rusia). La cuestión es que el formato ha enamorado a los más grandes, los americanos, que en esto de series saben un rato… pero ¿por qué? Debra Messing, la gran Grace de Will&Grace, quien interpreta a Laura en la versión americana, cuenta en el making off que desde que leyó el guion se enamoró del personaje, porque le pareció cercano, fuera de los tópicos. En cierto modo es cierto. Conozco poco la original española, la he visto por encima un par de veces, pero mucha gente me comenta que les encanta por Laura. Laura es detective pero también madre y ex esposa. En la serie española existe un vínculo con Martín que no se encuentra en su homólogo americano, pero imagino que tendrá que evolucionar la trama y ver por qué derroteros se dirige. Pero, en sí, Laura es especial. La Laura americana sigue teniendo esa parte especial, pero la han adaptado a la sociedad americana. Aunque yo diría que la han adaptado al prototipo de heroína de la sociedad americana. Sí, Laura Diamond tiene dos hijos que son unos trastos, un ex marido que se las trae y un poco de caos para organizar su vida. Pero es muy “echada pa’lante”. Es curioso que lo que haya llamado la atención a los productores extranjeros haya sido, paradójicamente, la elección española por series clásicas americanas como Colombo, Se ha escrito un crimen… entre otras. Es decir, lo que triunfó en los setenta es lo que el público español ha apreciado y lo que los americanos no se han acordado de revisar. Es curioso. Sin duda el formato español tiene la base clásica a la que añade un personaje que riza el rizo. En la americana, Debra Messing ejecuta un papel mucho más dinámico. Aquí probablemente cuenten los veinte minutos de metraje que los americanos se quitan de encima. Los guionistas y creadores de la serie, Javier Holgado y Carlos Vila, contaban en la presentación de la versión americana que el gran hit para ellos fue poder reducir de los 75 minutos iniciales a los 60 minutos en los que ahora se está grabando Los Misterios de Laura. En cierto modo, ha sido una gran hazaña. Ellos consideran que es la duración ideal. Para una servidora no. Se extienden las tramas y se ralentiza la acción. Y ya de por sí, la Laura española es bastante pausada como para tener que aguantar una hora. Creo que The Mysteries of Laura es una gran apuesta y que su adaptación puede traer un éxito considerable. Tiene acción, tiene historia y, aunque los capítulos son autoconclusivos, tiene una trama familiar muy importante que bien gestionada puede dar el punto de share que la diferencie del resto. BLOG DE SERIES. MASTERS OF SEX SE EMITE EN CANAL+ SERIES El ejemplar ritmo de Virginia y Bill CARLA LOSADA deyre_ Una de las cosas que más me llamó la atención de la primera temporada de “Masters of Sex” (Showtime) fue la rapidez con la que la serie agotaba sus cartuchos más potentes: en un suspiro Virginia Johnson y Bill Masters, sus protagonistas, estaban dispuestos a tener relaciones sexuales entre ellos por amor a la ciencia, y al final del primer período de la ficción, un azorado Bill se plantaba delante de la puerta de Virginia para confesarle que no podía vivir sin ella. Aunque no parece una opción desacertada -¿cómo enfocar la investigación de dos pioneros que rompieron todos los tabúes para descubrir los secretos de la sexualidad, y traspasaron límites profesionales que aún a día de hoy parecerían para muchos políticamente incorrectos?-, uno de los miedos fundamentales vinculados a este ritmo dinámico era el hecho de que la ficción se desinflase demasiado pronto después de la primera temporada. Pero contra todo pronóstico, “Masters of Sex”, ha convertido este ritmo narrativo en uno de sus rasgos fundamentales, que funciona a la perfección, en particular en lo relativo a la relación de Virginia y Bill. Es en este punto donde la serie alcanza sus momentos más intensos. Así, en la segunda temporada, después de que Bill le confiese a Virginia que no puede seguir sin ella, la afirmación se convierte en una supuesta excusa para continuar con el estudio de la manera menos ortodoxa, aunque, ¿alguna vez lo ha sido?. Los protagonistas, desposeídos de un hospital que ampare su investigación, se reúnen a escondidas en la habitación de un hotel para continuar con su análisis de las relaciones sexuales; en una tensión constante en la que contrasta la calidez de sus encuentros con la posterior frialdad relativa a la redacción de los informes. Y es precisamente ese ritmo rápido – pero no demasiado rápido- el que los ha llevado a uno de los momentos más interesantes de la ficción: en el capítulo tres de la segunda temporada, Fight, a través de un juego de apariencias, se plantea si verdaderamente son amantes o solamente científicos dedicados a su causa, hasta qué punto juegan sus emociones un papel importante en sus encuentros. Se puede decir, por lo tanto, que el ritmo con el que la relación de Bill y Virginia avanza es ejemplar. Su dinamismo hace una vez más que sea inútil compararla con “Mad Men” (AMC), una de las series más alabadas de los últimos años, más allá de la ambientación histórica, que en cambio hace de su ritmo pausado una sus bazas más potentes. Pero no todo es positivo en “Masters of Sex”, ya que mientras la serie invierte todas sus energías en los protagonistas, otros personajes fundamentales como Libby, carecen de la profundidad que deberían. La esposa de Bill Masters corre peligro de convertirse simplemente en la mujer amargada cuyo marido no la valora lo suficiente y que vierte sus frustraciones en la criada de color, Cora. Un poco de empatía con este personaje no vendría mal en una serie, que como se ha observado, no teme profundizar en la psique de sus protagonistas. BLOG DE SERIES. DEFIANCE SE EMITE EN SYFY Defiance. O San Luis Missouri. O lo que quiera que vaya a ser en el futuro SUSANA ESCALANTE @Txutxanita Después de una primera temporada, para mi gusto, un poco floja, Defiance vuelve en una segunda temporada con bastante más fuerza. Algunos buenos se vuelven malos y vuelven a ser buenos, otros se mueren y luego siempre no, otros se mueren y sí se quedan muertos y el centro de todas las historias es “el poder”, aunque en pequeño. Y, aunque la historia está bien y entretiene, para mi gusto la serie tiene varios puntos flacos. Para empezar, hay al menos 3 especies distintas de alienígenas y en todos ellos sólo cambia la estructura facial, el color y tipo de piel y los pelos. Es decir, sobre todo las mujeres, son tías buenas, con ombligo, tetas y todo, sólo que con cara, ojos, color de piel, distintos. Claro que eso se justifica porque, por lo visto, el guión tiene una creciente necesidad de apareamiento entre especies. Y todavía no sabemos lo que puede resultar de eso. ¿No tendría que salir una especie de mula, como lo que resulta de cruzar un burro y una yegua (o no sé si es un caballo y una burra o ambas. Tendré que ver más el National Geographic y menos series…)? Incongruencias biológicas aparte, la verdad es que la ambientación es muy buena y los vestuarios son espectaculares. Además, la serie tiene una preferencia por los peinados elaborados que ya los hubieran querido en el Siglo XVIII. Si te gusta la moda y te sientes muy fashion, ésta es tu serie. Otra situación poco creíble es que, tras una invasión en la que hay involucradas, como dije, al menos 3 especies distintas de extraterrestres más algunos “infiltrados” alienígenas que se hacen pasar por humanos, resulta que los que cortan el bacalao son los humanos en forma de gobierno podrido, corrupto y con muy poco aprecio por los seres vivos, de cualquier especie, al más puro estilo de muchas tendencias que predominan hoy en día en la política económica y social de algunos países (no diré de nombres para no herir susceptibilidades. Al fin y al cabo, es una ficción de principio a fin. Que cada quién encuentre sus similitudes). Por último, si nos embebemos de la historia, da para filosofar un buen rato. Una lucha constante de tradiciones extrañas contraponiéndose entre sí, en donde cuesta decidirse si lo que debe primar es el respeto hacia otras culturas o la adaptación de ellas al lugar en el que ahora residen. Personajes buenos que hacen cosas malas en situaciones extraordinarias o, simplemente, porque la vida les “encontró el precio”. El enorme poder de la mujer detrás del trono, moviendo los hilos y manejando a los hombres a su antojo. La existencia supuestamente cómoda de quienes trabajan en el prostíbulo del pueblo. La falsa creencia que tenemos en la actualidad de que las cosas se van a quedar como están y que no tenemos peligro de grandes cambios como los que suceden en esa ciudad que, otrora, fuera San Luis Missouri. Y no estoy hablando de ninguna invasión alienígena. Con ver un poco las noticias podemos observar zonas agrícolas tranquilas y alejadas, convertidas en campos de batallas y almacén de restos civiles, totalmente ajenos a la problemática de la región. BLOG DE SERIES.. ORANGE IS THE NEW BLACK SE EMITE EN CANAL+ SERIES ¿Es esta naranja mecánica? JESÚS DEL VALLE DEL APIO @ jevial El naranja se ha puesto de moda en el último año. Todos los seriéfilos se declaran fans de Orange is the New Black, pero, ¿seguro que es tan buena como todos los de nuestro alrededor nos hacen ver? Pues la respuesta es SI. ¿De verdad os esperabais una crítica mala? Más de uno se habrá metido únicamente para sonreír y leer aspectos malos de la ficción de Chapman. Habrá varias decepciones entonces… Al tema. Es buena, sí. Pero hay matices. Y muchos. Para mí, destacar una serie como buena es aquella que cumple unos requisitos básicos: 1. No aburre. 2. Entretiene, y mucho, hasta el punto de soltar el móvil durante 40 (o 50 minutos si es el caso) 3. Al acabar el episodio, te quedas con ganas de más. Necesitas ver otro capítulo. Pagarías por tener otro. Esa obsesión que se tiene indica que la serie que necesitas visionar bajo cualquier circunstancia es JODIDAMENTE BUENA. Tras este básico decálogo, solo me salen 4 o 5 series que haya visto a lo largo de mi corta e interesante vida. Evidentemente, una serie da para mucho, y va por rachas. No quiere decir que los 144 capítulos de Buffy cumpliese al dedillo los tres paso, pero casi. Y volviendo a Orange is the New Black, que era el tema principal de este texto, cabe destacar que de momento, y sintiéndolo mucho, no cumple los tres pasos. Pero mola igualmente. La actriz que interpreta a Chapman, la cual no recuerdo el nombre, lo hace de maravillas. Y las locas de su alrededor también. En especial Red. Esa rusa que con solo mirarte es capaz de hacerte cambiar de idea cuatro veces en una misma frase. Pero bueno, la serie engancha y bastante. Todos esperamos que en cualquier momento, todo de un giro bestial y se convierta en una especia de Prison Break (más cutre). Y viésemos como las presas hacen bromas mientras corren y se fugan. Sería la hostia, ¿A qué si? Chapman ingresó por culpa de la morena de gafas. Y a su vez descubrimos que parte de la condena consiste en compartir cárcel con ella. Y digo condena porque eran “novietas”. Y ahora se tienen que ver a diario. ¿Es una condena compartir espacio y tiempo con tu ex? Una reflexión. No sé cómo son las cárceles españolas. Aunque viendo Callejeros nos podemos hacer una idea. Si fuese un vagabundo, y tuviese que vivir en la calle, ¿Cometería algún delito para entrar allí? Pensarlo bien. No se ve que se aburran, tienen tareas, profesiones, diversión. Cumplen su pena con alegría. Incluso cuando salen, se van con llantos. Ya sé que es ficción, pero… Dicho esto, en la serie conviven muchas locas. Y locos también. Porque el funcionario bigotudo debería estar en una prisión… él solo. Se dividen en grupos: Las negras, las latinas, las blancas. Pero luego se llevan superbién. Bailan, trafican y follan juntas. Da igual raza o edad. Que se lo digan a la de los pelos alborotados, que ha comido más… conejo que los colaboradores de Sálvame. Me parece una genial idea que la serie sea tan coral. Chapman es la protagonista junto al de American Pie. Pero hay tanto personaje secundario, que si no salen en un capítulo no te das ni cuenta. Por ejemplo, estoy viendo la segunda temporada, y me ha costado darme cuenta de que el funcionario bigotudo cabrón ya no sale. Entiendo que ha dejado la serie (eso espero por lo menos) y ni caso. En resumidas cuentas, esta naranja no es mecánica. Pero engancha con sus defectos. Quizás le hiciese falta más emoción. Ganaría mucho. Pido perdón a los cinéfilos que se han visto insultados y vilipendiados por usar semejante título para tal texto. Kubrick se estará removiendo en su tumba. BLOG DE SERIES.. SIN IDENTIDAD SE EMITE EN ANTENA3 Megan – za JESÚS DEL VALLE DEL APIO @jevial Megan Montaner ha iniciado en Antena3 su propia venganza personal contra su familia. Pero, ¿tiene en realidad motivos para ello? Ahora en época veraniega, uno tiene más tiempo de ocio, y de ser un ocioso. Eso se traduce en ponerse al día en todo lo que se tiene atrasado. Y “Sin Identidad” era uno de esos atrasos. La serie empezó (y acabó) con magníficas audiencias. Y como Atresplayer es una aplicación magnífica, me ha permitido visionar la ficción cuando y donde he querido (tragándome anuncios a mansalva, todo sea dicho, que son incluso más molestos que los de su cadena televisiva). Como has llegado hasta aquí a leerme, entiendo que has visto la serie como yo. Si no, ¡¿a quién se le ocurre entrar a leer una cosa sobre otra cosa que no sabe ni que existía?! Vamos directos a la clave: ¿Tiene razones el personaje de Megan Montaner para cometer todo las fechorías que nos ha prometido que hará en la segunda temporada? Repasemos: Su hermana, la yonki-puti interpretada por Verónica Sánchez la vende. Es más, se la entrega directamente a Quimi (Si, Quimi. Siempre lo ha sido y siempre lo será). Este se la vende a los moros puteros, que a su vez la venden a los chinos puteros. Por lo tanto, en la lista vengativa ya tenemos a Eva, Quimi, Moro y Chino. Hasta ahí todo bien. Todos merecen morir. O sufrir. Según tus principios. Sigamos. Su madre, Lydia Bosch, es homófoba. No quiero decir que la actriz lo sea, hablo del personaje. Que sois todos unos mal pensados. Y aparte de eso, no es nada más. Solo una madre que quiere a su hija, protegerla y tenerla siempre cerca. Pero Megan no lo ve así, y parece que la ha maltratado desde pequeña, porque el odio que la tiene no es normal. Su padre, Vilches, la ha dado todo lo que ha querido en la vida. Ha vivido de lujo. Y por el hecho de haberla “adoptado” se pone como se pone… De desagradecidos está el mundo lleno. ¿De qué se queja Megan Montaner? ¿De qué es una “niña robada”? ¿Prefería vivir con Victoria Abril y sus botellas de alcohol? ¿La parece mal la vida que ha tenido en semejante casa? ¿Qué pegas pones a tus padres, niña malcriada? Porque eso es lo que es María / Mercedes, según como quieras llamarte. De lo único que se puede quejar, y no mucho, es de Tito Valverde y de M.A.M. Padre e hijo unidos para tocar los cojones las narices a los demás. Montaner acusa a su tío Tito (no podía pasar de largo sin hacer la broma) de matar a su madre biológica Abril. Victoria Abril. Pero no tiene ni pruebas, ni nada. Solo mala ostia y ganas de echar el “muerto” a alguien. Nunca mejor dicho. ¿Qué ocurre? Pues que tiene razón en todo. Pero por presentimiento. Y de los presentimientos uno no puede vivir. Yo no puedo detener a un señor porque tengo el presentimiento de que ha robado un banco. Montaner piensa que sí. Luego todo deriva a la prostitución. A raíz de eso, María / Mercedes se transforma en un ser vengativo, capaz de cualquier cosa por destruir a todo al que tiene o ha tenido alrededor. Pero ojo, no todos son culpables de que haya acabado “vendiendo” su cuerpo. Pobre Nana (que maja Amparo Valle), si no estuviese tan enferma, seguro que también era objetivo de la protagonista. Estaremos pendiente a la segunda temporada. Todo sea que tenga que tragarme estas palabras. Aunque para venganza acojonante la de Emily / Amanda. Victoria Grayson sí que se merece un buen disparo. Y no un manicomio. Que de ahí, sabemos todos, acabará escapando… BLOG DE SERIES.. Remember Buffy? JESÚS DEL VALLE DEL APIO @jevial Hace ya la friolera de once años cuando la cazavampiros nos dejó para siempre. Durante siete apasionantes temporadas, Buffy y sus amigos me enseñaron lo que era hacer una SERIE en mayúscula. He aquí mi homenaje. Tengo un serio problema, no se por dónde empezar. Porque me acuerdo de los 144 episodios como si los hubiera visto ayer. Es lo que tiene visionar la serie durante tantas y tantas veces. Cada temporada en DVD costaba 55 eurazos de la época. Y como mi problema no es tan fácil de solucionar, haré lo siguiente: iré punto por punto, según me venga el recuerdo a la cabeza. Quizás así pueda contar todo lo que quiero. Allá vamos. -La excepcional sexta temporada, para mí la mejor de la serie (yo creo que las pares eran las mejores, y las impares más irregulares…). Su oscuridad, la relación de Buffy con Spyke, todo lo que significó el final de Tara, Warren y el casi final de Willow. Brillante. -En esa sexta temporada se incluye el mejor capítulo de la serie: “Once more, with feeling”. El musical. Me sigo sabiendo las canciones de memoria. Anatomía de Grey lo intentó sin éxito. Ya es historia de la televisión. -Cordelia Chase, personaje repulsivo que se cambió de acera y se fue con Ángel a Los Ángeles y a su serie. -Ángel, y Angelus. En la espléndida segunda temporada, con el combate final frente a Buffy. Finalmente la cazadora le mata, sabiendo que ha recuperado su alma. El dolor más grande que puede existir. - La iniciativa, y uno de sus integrantes, Riley. Aparecieron en la cuarta temporada, y al que haya visto la gran película “La Cabaña en el Bosque” verá muchos guiños de este entramado secreto que encerraba monstruos con un fin bastante maquiavélico. -Riley, al que antes he mencionado, se fue de la serie en helicóptero, y sin saber que Buffy fue a buscarle. -Joyce Summers, la madre de Buffy y Dawn. Muere en el episodio titulado “El Cuerpo”. Único capítulo de la serie que no tiene banda sonora ni música. Nos enseña Joss Whedon a afrontar la muerte y sus consecuencias. Brillante. Dawn, que sale de la nada para quedarse… en la nada también. Resulta ser una llave de no se qué a la que una diosa llamada Glorificidad quiere para abrir la ventana entre distintos mundos. -Esta llave supone el final de la quinta temporada, con la ya famosa frase “Lo más difícil de este mundo es vivir en él”. Se lo dice Buffy a su hermana antes de tirarse al vacío y fallecer. -Porque Buffy se muere durante la serie hasta dos veces. La primera resucita al minuto (provocando la aparición de otra cazadora por las calles de Sunnydale, que al principio será Kendra, y luego Faith), y la segunda es resucitada por sus amigos. Pero con una terrible consecuencia. La cazavampiros se encontraba en algo similar al paraíso. Y la traen de nuevo a la vida para encontrarse lucha y destrucción por todos lados. Malo para ella. -Anya, una antigua demonio vengadora, que ayuda a Cordelia en una ocasión, y que tras pasar por la cama de Xander varias veces, inicia una relación con él que casi acaba en el altar. Y digo casi porque la boda estaba preparada, los invitados sentados, pero el novio prefirió salir por patas. La relación ya no volvió a ser lo mismo. -Tara, la novia de Willow, fallecida por un disparo por uno de los frikis de la sexta temporada. Su muerte (rápida y sin sentimiento) provoca que Willow casi se cargue el mundo. -En cada temporada surgía un malo: en la primera El Maestro, en la segunda el tándem formado por Spike, Drusilla y Angelus. En la tercera la pareja Alcalde – Faith. En la cuarta la Iniciativa y su monstruo Adam. En la quinta Glory. En la sexta el trío de frikis. Y en la última… eso que se hacía llamar El Primero. -Giles, el bibliotecario, que luego dejó de ser tal y se fue de Sunnydale al inicio de la sexta temporada. Cuantos libros tenía, y cuanto sabía… -El capítulo “Silencio” de la cuarta temporada. Magistral. Nadie hablaba. Siniestro es su mejor adjetivo. -Evidentemente su final, épico en todos los sentidos y solo salpicado porque la última frase de la serie la pronunciase Dawn Buffy es ya para siempre eterna. BLOG DE SERIES.. Entrevistamos a Rob Wright y Josh Berman, creadores de “The Mob Doctor” ELENA GRANDE @egrandecaballer El pasado 5 de junio Canal+ Series estrenaba la serie “The Mob Doctor”, serie protagonizada por Jordana Spiro. Hoy os traigo una entrevista con Rob Wright y Josh Berman, creadores de la serie. mundoplus.tv: ¿Hay cosas como médicos de la mafia?, ¿esas cosas existen? J. Berman: Cuando Rob y yo hablamos la primera vez sobre ello no estábamos tan seguros y así qué, ¿a dónde vas? Hicimos un poco de investigación, y encontramos un libro llamado “Il Dottore”, en el cuál se inspira un poco esta serie. El libro está basado e un verdadero médico de la mafia, y Sony compró los derechos para nosotros. Mientras más escarbábamos, más cosas descubríamos, sobre cómo a esos médicos de la mafia les mueve la codicia, los seduce el mundo de la mafia. No son estas las razones por las que tenemos el pilotaje, pero creo que hemos flipado y tenemos esperanzas en que retrataremos una versión más idealista del médico de la mafia. Pero, ¿quién sabe por lo que el personaje de Grace se verá seducida e el futuro? MP: Mencionaste el libro “Il Dottore”, ¿podéis contarnos un poco más sobre cómo estáis preparando al reparto para algunos de los papeles y si ellos leyeron este libro? Rob Wright: Les mencionamos el libro, y no sé cuántos de estos tíos lo han leído en realidad. Sé que Jordana ha estado entrenando especialmente con cirujanos tanto en Nueva York como en Chicago. Además tenemos un número de personas, en Chicago y aquí, con nuestros guionistas de apoyo, que están muy “Chicagonizados” como ellos dicen. Nos están dando la oportunidad de conocer gente de Chicago y también el esfuerzo de la ley para escuchar sobre la mafia. J. Berman: El libro fue el sabor de la serie. Tiene lugar en los 70, y la mafia eran tan distinta entonces. El libro tuvo un tono tan diferente al que nosotros hacemos en la serie, en realidad no es una realidad paralela, es más un interesante personaje que inspiró nuestra serie. MP: ¿Cómo surgió “The Mob Doctor”?, ¿Fue que de alguna forma Sony encontró el libro y lo convirtió en serie o cómo fue?, ¿cómo surgió la idea? R. Wright: Josh y yo trabajábamos en otra serie llamada “Divina de la muerte” (Drop Dead Diva), que Josh creó. Empezamos a pensar que sería divertido hacer una serie juntos, y empezaron a surgir ideas. Esta fue la que nos sedujo. A todo el mundo parece gustarle desde entonces. J. Berman: Lo que nos gustó de “Divina de la muerte” es la idea de dos mujeres viviendo una vida. Pensé en qué pasaría si le dábamos la vuelta y una misma mujer viviese dos vidas. Además ninguno de nosotros había escrito antes sobre el género médico. Habían pasado diez años entre que CSI y Bones trataran sobre temas forenses y sobre leyes. La ironía es que mi padre es médico, mi madre enfermera y todos los hermanos y esposos por ambas partes son médicos. Así que siempre estaba interesado en desarrollar una serie médica, pero sentía como si hubieses estado cubierta en televisión. En realidad, cuando Rob se enamoró de este género, no fue hasta mucho más tarde cuando encontró el libro y todo se cristalizó. Yo no veía la forma hasta que Rob empezó a comentármelo. R. Wright: Lo que de verdad es interesante sobre la serie es su incorporación de una dimensión intelectual y de gente corriente. En cierta manera recuerda al Dr Fausto, alguien que vendió su alma al diablo. Pero también es un hospital procedimental y se encuentran con intrigas de la mafia, así que hay dos niveles. Funciona muy bien y nos permite tener un personaje que es empujado a dos dirección que no han sido vistas antes. MP: Cuando decidiste lo de una mujer viviendo dos mundo, o dos papeles, ¿cómo llegaste de esto a un médico y el crimen organizado?, ¿cuáles fueron algunas de las cosas sobre las que hablasteis?, ¿cómo llegasteis a implicar a un médico en el crimen organizado? J. Berman: Fue muy rápido cuando pensamos en no dañar con… R. Wright: No hay honor entre ladrones, es un arquetipo con el cual no puedes coger dos posturas que están tan lejos una de la otra. Parecía como algo persuasivo que explorar. J. Berman: Creo que otra cosa sobre la que estuvimos hablando antes es que ambos eramos seguidores de “Los Sopranos”, recuerdo cuando era un niño, de ir con mi padre los domingos al hospital y ver la estructuras de las familias reales allí. Rob y yo, en nuestras conversaciones después de trabajar en “Divina de la Muerte” nos dimos cuenta de que la mafia y los hospitales tienen estructuras familiares similares. Ambos estamos obsesionados con el drama familiar y pensamos: “guau”, hay tantos paralelismos aquí. Simplemente queríamos ver si trabajaban juntos, y de hecho, lo hacen. R. Wright: Sí, tienes familias dinámicas. Tienes celos, la gente intenta separar tanto al hospital como al mundo de la mafia. Es un estupendo paralelismo que explorar. MP: Josh, finalmente todos tus familiares que son sanitarios quieren ser tus consejeros técnicos, ¿alguno de ellos lo hace todavía o alguno de ellos van a decirte chorradas sobre tener un médico pensando en cómo violar el juramento hipocrático y en realidad matar a alguien? J. Berman: Bien, es divertido hablar sobre los miembros de la familia. Mi madre, que es una enfermera profesional, la vio. R. Wright: Ella nos dio apuntes de un borrador. J. Berman: Y ella quería limitar las notas solo al asunto médico, pero siguió queriendo darnos anotaciones de la mafia. A ella ya no se le permite entrar en el despacho de los guionistas, pero es mi mayor admiradora. Esta serie no tiene que ser en blanco y negro. Habrá momentos en los que Grace caminará sobre una línea. La pregunta es cómo de malo será y cómo serán las repercusiones en su familia entera, o con su jefe, el Dr White que es interpretado por Zeljko. Hay un montón de piezas en movimiento. Nuestro punto inicial en esta serie es que no hay reglas. Cuando empecé CSI, era un guionista novato, era una serie en blanco y negro. Creo que ahora ha cambiado con el tiempo. En esta serie tenemos al héroe en el centro pero hay absolutamente sombras de grises que ella cruzará. R. Wright: También tenemos dos grande médicos en nuestro personal de escritores, además de otros dos asesores médicos. Está el juramento Hipocrático, pero también hay seres humanos. Es divertido ver cómo el juramento y los deseos personales entran en conflicto uno con los otros. MP: Ha sido inusual ver este tipo de personaje principal en una serie de televisión, ¿”Breaking Bad” ha abierto las puertas para hacer esta serie? R. Wright: Me encanta “Breaking Bad”, creo que es una serie fantástica. Y sí, creo que los personajes tienen un límite moral, pero entran en situaciones normalmente grises y algunas veces tienen que vivir cosas fascinantes. Creo que esto es lo que la gente quiere ver. J. Berman: Además en el proceso de desarrollo, Sony y Fox nunca dijeron de hacer esta serie, ellos dijeron hacerla una gran serie. MP: Ha habido un gran éxito de anti héroes masculinos en televisión. ¿Esperáis crear un anti héroe femenino que pueda tener éxito en la forma en la que algunos de estos personajes se han mencionado antes? J. Berman: Compusimos el personaje y queríamos que fuera muy orgánica. Queremos sacar a una mujer que nunca pensaba que su vida iba a ser así y lentamente ve su transformación en alguien que puede que no pensaba que llegaría a ser así, pero está bastante segura y feliz con quién es. Nosotros vamos a hacer esto lentamente. Tenemos contadores en la primera temporada, pero siempre es bueno planificar y es lo que hemos hecho. Tenemos la esperanza de poderlo desarrollar. MP: Dijiste que la serie se graba en Chicago, ¿hay alguna intención de rodar en otra ciudad? R. Wright: Es duro superar Chicago como ciudad de la mafia. Tenemos el legado de Al Capone, creo que no es mal punto de vista rodar en Chicago. Da sensación de mundo viejo pero es muy moderno. Nos permite coger el legado de Al Capone y traerlo al siglo XXI, lo cual es algo que estamos esperando también. MP: ¿En qué hospital rodasteis en Chicago? Y en segundo lugar, ¿qué opinas de la inclusión en el reparto de Terry Kinney? ¿Puedes hablarnos sobre cuándo vamos a verle y qué va a traer su personaje? R. Wright: Rodamos en el hospital de tres formas diferentes. Hemos grabado en el McCormick Plaza, que está en el centro de convenciones, lo hemos decorado para que parezca un hospital. Hay un lugar llamado Centro Médico Rush que tenía un hospital que acaba de construir una fantástica ala. Cerraron el ala antigua así que la decoramos y la utilizamos. Vamos a volver a ambos sitios ya que la serie continua. Después construimos una gran parte de hospital en decorados. Y en cuanto a Terry Kinney, es fantástico, y vais a verle en el primer episodio. Va a ser forzado a reconocerlo. MP: En 2012, Chicago es la capital del crimen, que lo hace notoriamente justo. Tienes una maravillosa oportunidad aquí. Sin intención de decir lo que tenéis que hacer, para sacar un poco de luz a esto, ¿planeas incorporarlo? R. Wright: En realidad no hemos mencionado esto completamente. Por supuesto que Grace se cuestionará qué hacer, ya que está tratando con cosas como esta, por ejemplo el caso de Carla que habla sobre un conductor borracho que se da cuenta de que ha matado a los miembros de una familia ahora el trabajo de Grace es cuidar a esa persona, ¿qué haces?, ¿cómo haces justicia por alguien cuando no estás autorizado porque es el trato que has hecho con Constantine? En realidad vamos a empujar a que Grace tenga un núcleo moral de compasión que no se enfrentaría al asesinato. MP: En el piloto, el personaje principal casi hace algo muy malo. Presumiblemente, determinaste que no podías tener compasión con el personaje principal que había hecho algo malo y que continuaría, ¿cómo de comprometido puede llegar a ser ese personaje? R. Wright: Creo que en el curso de la serie nos gustaría empujarlo tanto como podamos. Ella tiene compasión moral, pero también hay cosas de la mafia por las que puede sentirse seducida. Creo que va a ser divertido ver lo lejos que podemos empujarla. MP: ¿Había alguna consideración para con el personaje principal al matar a es hombre en el pilotaje solo por diversión? R. Wright: Como hablamos en el desarrollo de la escena, hubo una pequeña noción, pero nos dimos cuenta de que no queríamos eso, al menos no en esa escena. Era demasiado pronto. J. Berman: Ya habíamos planificado la primera temporada entera y hay algún evento en la vida personal de Grace que la empujó a cruzar esta línea. Había algo que no tenía que hacer en el pilotaje. Estamos emocionado con ver a su personaje crecer y ver que asumimos su moralidad para que cambie a lo largo de la temporada. MP: El nombre del personaje, Grace Devlin, Grace parece que se una mucho en las series de médicos, ¿cómo sacáis los nombres de los personajes? ¿en qué pensabais? R. Wright: Bien, creo que Devlin suena un poco a diabólico, y Grace, obviamente es genial. Así que fue algo que se hizo eco de lo que queríamos para el pilotaje. La serie muestra a esta persona que se dirige a dos direcciones muy distintas. MP: Descubrimos que Grace, el personaje principal, interpretado por Jordana, llega a estar involucrado con la mafia a consecuencia de su hermano. ¿Puedes hablarnos un poco sobre el evento que le hace pasar esta línea e implica a su hermano? J. Berman: No hemos discutidos todos los giros porque hay tanto y tantos cambios en la serie. En realidad implica algo entre ella y su madre y que puede hacer que Grace cruce la línea. El personaje de Daniella, la madre de Grace, interpretado por Wendy, tiene muchas capas. Es una superviviente del cáncer, es una mujer que vive en rechazo, quiere que las cosas sigan un camino cierto, y ella se avergonzará no importa cómo llegue allí. Tiene una dinámica muy complicada con sus hijos que es explorada en el segundo episodio. Su relación llega a una situación que podría cambiar la forma en la que Grace se acerca a su trabajo como una médica de la mafia. MP: ¿Qué hay de la relación de Grace con su hermano? J. Berman: Bien, descubrimos rápidamente que necesitábamos más conflictos entre Grace y su hermano. Jesse, que interpreta al hermano de Grace, no lo sabe todavía pero para el final del primer episodio, él también encontrará un lugar dentro de la organización, para disgusto de Grace. Tenemos un conflicto familiar dentro de la familia, así que… MP: Si seguimos el piloto, la trastienda médica que Grace tiene parece ofrecer algún tipo de asistencia médica predispuesta, ¿va a seguir? R. Wright: Sí, absolutamente. Queremos mantener todo nuestro fundamento, y todo será fundamentado. Pero hay una oportunidad para… J. Berman: Una cómica asistencia. R. Wright: Es oscuro, algunas veces es un humor tétrico. J. Berman: Pero cada historia está de verdad fundamentada. Habrá oportunidades para el humor, pero no estamos interpretando ese humor del todo. J. Berman: Pero entramos en la historia y empezamos el realismo de cómo llegar allí. Se basa en una historia real sobre gente que intenta robar semen de caballos de carreras, y hasta aquí podemos llegar. Todas estas historias están basadas en la realidad. MP: Hablaste sobre el caballo, y dijiste que fue un caso real, ¿qué puedes contarnos sobre las historias que son sacadas de los titulares? ¿Se incorporan a vuestros guiones? R. Wright: Sí. Han colaborado… ALBERTO MARTÍN CARLOS PREGIGUEIRO PATRICIA M. OROL CARLA LOSADA ALEJANDRO LOPEZ REINA SUSANA ESCALANTE JESUS DEL VALLE DEL APIO HENRY NATACHA RICHERI ELENA GRANDE Si quieres colaborar… Si te gusta escribir y te gustan las series, el cine o quieres hablar de la televisión en general, colabora con nosotros contactando en [email protected] Sigue todas las críticas en:. 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