Helloween

R
e
v
i
s
t
a
O
n
l
i
n
e
Helloween
LT's Rhapsody: Ignis Divinus
Lo más Relevante del Rock y el Metal Mundial
64a. Edición • Agosto 2015
D.G. Rocío Echávarri (Deuzzy)
Rodrigo Hidalgo
Diseño Gráfico y Columnista (México)
email: [email protected]
Twitter: @deuzzydragon
Corrección de estilo
Idaly Lejeune
Corresponsal y columnista (Francia)
François Phoenix
Manuel Ocaña Palacios
Editor en jefe de la versión en inglés,
Traducción al inglés
email: [email protected]
Twitter: @manuelocana
Corresponsal (Francia)
https://www.facebook.com/PicsNHeavy
http://www.picsnheavy.com/
Equipo de traducción:
Alberto Vera Santana
Mario Bolaños
Columnista (Perú)
Melany S.
Columnista (México)
email: [email protected]
Twitter: @strato_mel
Andrés Banoy
Zaravasty Luna
[email protected]
Javier Arriaga
Twitter: @Hyperdrive_
Lilith Absynthe (Selma Estrada)
Elena Garnes
Twitter: @lossielgarnes
Columnista (Colombia)
Twitter: @AndresFBanoy
Zeljko Vidovic
Underworld Music
Diseño gráfico y formación: Rocío Echávarri
Diseño de Portada: Rocío Echávarri
Diseño de logotipo: Rocío Echávarri & Alfredo Mambie
Rock & Metal World es una publicación dedicada a la difusión de la Música Rock y Metal.
El contenido y opiniones de los artículos es responsabilidad exclusiva de sus autores.
Índice de la Revista
• Notas de Prensa
4
• Helloween: My God-Given Right
6
• Helloween: 30 años y su Derecho Divino
10
• LT’s Rhapsody: Ignis Divinus; La Hazaña
de un Titán, El Regalo de un Ángel.
16
Rock & Metal World
Página Oficial:
www.rockmetalmagazine.com
Facebook:
www.facebook.com/rockmetalmagazine
Twitter:
www.twitter.com/rockmetalworld
Notas de Prensa
21 Octayne: 2.0
21 Octayne anuncia el lanzamiento su segundo álbum, el cual lleva por
nombre, 2.0.
A continuación les presentamos la
portada y el tracklist:
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
10.
Devil In Disguise
Take Me Back
When You Go
Love’s Just A Heartbreak Away
Take Me Away
Lost
The Circle
Date With Myself
Fly With Me
Tale Of A Broken Child
Las fechas de lanzamiento son:
Europa, el 25 de septiembre
USA, el 2 de octubre.
Photo: Dominik Louis
4
Return to Heaven Denied
en la Ciudad de México
con Roberto Tiranti
https://www.facebook.com/events/449743651850871/
5
Helloween
My God-Given Right (2015)
Alberto Vera Santana
Helloween son considerados los padres del power metal y creadores
de un sonido particular y fácilmente identificable que es y ha sido
influencia de muchas bandas a lo largo del tiempo, sin embargo luego
de un dilatada carrera llegó un momento en que este sonido particular
se volvió más pesado y oscuro, lo cual lo cual se evidenció en la creación de aquellos dos excelentes discos, Better than Raw y The Dark
Ride, los cuales a pesar de las excelentes críticas recibidas no fueron
muy del agrado de Mikael Weikath quien preocupado por la nueva dirección musical de la banda y junto a Andi Deris y Markus Grosskopf
decidieron prescindir de los servicios de Roland Grapow y Uli Kusch
en pro de retomar el sonido más power y melódico de siempre, el famoso Happy Helloween, es así que reclutan a Sascha Gerstner en las
guitarras y posteriormente a Dani Löble en la batería buscando con
ellos el retorno a las raíces, es así que llegaron discos como Keeper of
the Seven Keys III el continuador de la saga de antaño, el espectacular
Gambling with the Devil, el poderoso Seven Sinners y el mas melódico Straigh Out of Hell, en los cuales se mantiene estable esta nueva
formación hasta la actualidad, tratando de sostener el sonido clásico,
este 2015 entonces lanzan su quinto disco juntos y el quinceavo de la
carrera de esta gran banda alemana, My God-Given Right.
My God-Given Right, llega para conmemorar el trigésimo aniversario
de la banda y continúa la línea musical establecida en los discos anteriores, un disco muy melódico, con los elementos clásicos de power y
6
heavy metal, pero también con algunos matices adicionales como pinceladas de hard rock, progresivo o thrash
El disco empieza de forma espectacular con Heroes un tema muy potente
con ciertos aires heavy y thrash con intermedios más tranquilos pero que en
conjunto nos presentan una propuesta agresiva, melódica pero con ciertas
disonancias, gran inicio, seguimos luego con Battle’s Won, ya más en la onda
power metal, acercándonos al sonido clásico de la banda, el happy Helloween
de siempre, y un solo de guitarra muy intenso, My God-given Right, tema homónimo del disco y primer single, un tema también en línea del anterior, muy
melódico con un riff muy cañero, perfecto para el destaque de la voz de Deris,
Stay Crazy un tema más en la onda hard rock, con influencias maidenianas
pero bastante dinámico y con cierta potencia que lo hace bastante efectivo y
7
8
Diseño Gráfico / Graphic Design: Rocío Echávarri (Deuzzy) / Artwork: Martin Haeusler
pegadizo, Lost In America es un tema contundente con el sonido de las guitarras clásicas Helloween, en Russian Roulé las guitarras distorsionadas se tornan más potentes y la voz de Deris es mas exigida, el ritmo es más agresivo
con cambios de tonalidades bien marcados, en The Swing Of A Fallen World
notamos a un Helloween oscuro, quien lo diría no?, el corte del tema es más
épico, más denso, haciéndonos recordar a aquellos que salieron de la banda
por esta misma razón, Like Everybody Else, es la balada del disco, no tan melodiosa como nos tienen acostumbrados, sino mas bien posee una atmósfera
mas melancólica y depresiva, un punto alto del disco, Creatures in Heaven,
tiene un inicio un tanto extraño, pero luego nos vuelve a llevar a la etapa clásica de la banda, en una especie de recarga del disco, If God Loves Rock ‘N’
Roll, otro tema cañero para disfrutar intensamente a la calabaza, Living On
The Edge, ya retoma la potencia del heavy pero sin mostrar nada nuevo, Claws
nos provee de bastante energía, pero es un tema un poco caótico sin una clara
definición, eso si la voz desgarradora del Deris es el punto más resaltante, y
finalmente cerrando el disco tenemos a You, Still of War, el tema más largo
del disco, el tema asimismo más complejo y difícil de digerir, con ciertos aires progresivos sobre la base melódica de siempre, un buen fin de fiesta, sin
embargo no quisiera dejar de mencionar el tema Wicked Game, uno de los
mejores temas del disco pero que sin embargo viene solo como bonus tracks,
un tema potente, también con una cierta dosis de oscuridad, una pena que no
forme parte del tracklist oficial.
En resumen My God-Given Right, es un buen disco, que hace honor a los 30
años de la banda, no estará entre los tops pero será muy bien recordado,
donde la banda expone su total vigencia en el mundo musical, con ritmos
frescos, contundentes, además que la producción es de primera, se disfruta intensamente de principio a fin.
9
Helloween
30 años y su Derecho
Divino
Rocío Echávarri Rentería
En 1985 los amantes del rock y en particular del Heavy Metal no teníamos muchas alternativas para conocer las novedades de aquellos
tiempos, aunque en la radio se podía encontrar algunas estaciones de
rock, las cuales incluían en su programación unas horas a la semana
de Heavy Metal, sin embargo y como es obvio, eso no era suficiente,
así que los que vivíamos en la Ciudad de México, salíamos cada sábado a buscar música, y así armados de nuestros ahorros semanales y
discos viejos para intercambiar, nos dirigíamos al famoso Tianguis del
Chopo. Para los lectores de otros países, “El Chopo” es (aún existe) un
mercado callejero dónde podíamos encontrar prácticamente de todo;
camisetas, fotos, revistas, LP’s (hoy llamados vinilos) audio casetes y
algunos cd’s que en esa época empezaban a conocerse.
Justamente ahí, en ese año de 1985, caminaba entre los puestos del
Chopo cuando escuché una canción que llamó poderosamente mi
atención, se trataba de Ride the Sky de un novel y hasta entonces, poco
conocido grupo alemán llamado Helloween. Ahí nació mi historia con
esta leyenda del Metal mundial.
Treinta años han pasado, Helloween ha presentado cambios de alineación, altas y bajas, pero su presencia ha sido constante en el ambiente
metalero, hasta el punto de ser gran influencia en el metal de los años
90 y de la primera década de los 2000. Siendo pioneros del power metal, conservando su sello personal, y aún así manteniéndose vigente.
10
Ahora en el tenor del 30 aniversario de su fundación, Helloween nos presenta su décimo sexto álbum de estudio titulado My God-Given Right, en
él podemos escuchar ese metal de calidad con su ya mencionada e inconfundible marca; riffs pesados, potente base rítmica y Andi Deris, la voz
inconfundible de la banda desde hace 22 años.
Y como muestra un botón, y es hora de disfrutar el primer track llamado Heroes un tema con cadencia jovial y profunda con coros y estribillo
muy contagiosos además de un ligero toque de agresividad, sobre todo
en los riffs. Tras una breve pausa en la vorágine sonora se presenta el solo
de guitarra melodioso y potente, para luego regresar al cuerpo de la canción y terminarla de manera contundente. Pero no tenemos un segundo
de descanso cuando Helloween descarga el siguiente tema; Battle’s Won,
11
el cual nos recibe con un alegre riff de guitarra y un ritmo que se va incrementando poco a poco para descubrirnos un tema contagioso y cercano al
Helloween de finales de los 90’s con una excelente instrumentación y los
poderosos tambores de Dani Löble y el potente bajo de Markus Grosskopf.
En la parte media destaca un corto pero muy “sabroso” juego de solos a
cargo de Michael Weikath y Sascha Gerstner. La estructura de la canción es
muy sencilla pero no por eso deja de dejarnos una agradable sensación.
Con un sutil cambio de sonido aparece My God-Given Right y como dije
se percibe un cambio en el sentimiento jovial de las anteriores canciones,
pero sin caer demasiado en lo oscuro ni en el dramatismo exacerbado. Sin
embargo, seguimos disfrutando de ese sonido al estilo Helloween con excelentes interpretaciones e instrumentación. Un detalle que puedo destacar es que esta canción me trae a la memoria a Where the Rains Grows, del
inolvidable Master of The Rings, parece ser que la banda recalca el regreso
al sonido de aquellos días.
Stay Crazy es otra delicia de canción con un estilo muy Heavy metal de
buena manufactura. No hay que decir mas que solo hay que dejarse llevar
por este trepidante ritmo con melodías bine logradas. La constante hasta
el momento han sido los solos de corta duración pero efectivos que le dan
a las canciones la firma Weikath-Gerstner. Lost in America sigue con la
veta rockera de este disco, continuando con el esquema que nos han presentado hasta ahora. Para no perder el paso seguimos con Russian Roulé,
dónde nos sorprenden con otro cambio en el estilo. Nos encontramos con
una canción más pesada con riffs y efectos sonoros más agresivos. Una
canción que puede ser de las más interesantes de este disco.
12
Con una entrada que raya más en lo dramático, procedemos a escuchar
The Swing of a Fallen World que siguiendo los pasos de su predecesora es
agresiva y de tintes oscuros parece que esta parte del disco presenta un
cambio con respecto a lo escuchado al inicio, incluso el solo es algo sórdido y sombrío. A pesar de eso el ritmo no decae y sigue siendo un tremendo
golpe para las bocinas.
Like Everybody Else nos traslada a un ambiente aún más sombrío con su
sonido e interpretación más apasionada y dramática respaldado por un
ritmo pausado. La canción viene acompañada de unas discretas orquestaciones y coros que refuerzan claramente este sentimiento. Todos estos
elementos junto con los efectos sonoros que proporcionan las guitarras y
la extraordinaria interpretación de Andy Deris, hacen de esta una canción
misteriosa, emotiva e interesante. Continuamos ahora con Creatures in
Heaven; efectos sonoros de tipo electrónico son los encargados de introducirnos a esta canción que empieza a sacudirnos con un riff y un ritmo
bastante agradable, hasta que llegamos a un cambio de ritmo para escuchar una canción al estilo Helloween, llena de fuerza, armonía y melodía.
Encontramos un excelente medio tiempo con otro gran duelo de solos y la
siempre fulminante base rítmica. Para mi, sin duda, es una de las mejores
canciones de este disco.
If God Loves Rock ‘N’ Roll, es una canción de mucho ritmo que me recuerda
a otra gran canción; Final Fortune. Muy llamativa con su estructura clásica
y cargada de energía, es una lástima su corta duración ya que cuando le estás más a gusto esta concluye. Pero de inmediato continuamos con Living
On the Edge, la cual continua con ese Heavy Metal jovial e inconfundible
13
de esta banda alemana. En este tema escuchamos otro sensacional duelo
entre los guitarristas, de los más contundentes de este disco, terminados
estos se presenta una sutil pausa en el ritmo que contrasta con el resto de
la canción, pero casi de inmediato volvemos a la pauta del inicio y así dar
buen termino a este tema con un gran riff.
Contundente es el inicio de Claws que es un tema de sonido agresivo gracias a su tremendo ritmo y a la interpretación de Andy, sin despegarse,
bajo ningún motivo de la melodía siempre efectiva. Su estructura está
bien marcada hasta llegar al momento de los solos, tal vez muy sencillos,
pero seguimos con esa contundencia que no nos va a abandonarnos en
toda la canción.
El último track corresponde a You, Still of War, en la introducción se puede
escuchar una breve orquestación que pronto es sustituida por un sentido
riff de guitarra, todo en un ambiente taciturno y tranquilo. Deris hace su
entrada contribuyendo a este ambiente hasta que llega la base rítmica a
romperla y presentarnos un tema de tintes agresivos que se hacen más
dominantes en el estribillo. Es en el momento de los solos cuando hay un
breve respiro antes de retomar la sensación anterior y llevarnos a un final
casi alucinante y profundo.
14
Diseño Gráfico / Graphic Design: Rocío Echávarri (Deuzzy) / Artwork: Martin Haeusler
Así damos por concluida esta magnifica obra en la que Helloween refrenda una vez más su lugar en el mundo del metal. Decir 30 años es fácil,
pero esto conlleva trabajo, sacrificio y mucha convicción en lo que se hace.
Junto con una gran y extraordinaria energía que sin duda durará muchas
décadas más.
Helloween es una de las bandas a las que le tengo un gran cariño, ya que
de algún modo crecimos juntos y tengo el orgullo de decir que pertenezco
a la primera generación de seguidores de esta gran banda, padres de uno
de los géneros más hermosos del metal e influencia de grandes músicos y
grupos que continúan y continuarán con su legado. El derecho divino que
se otorga al talento y la constancia.
¡Feliz 30 aniversario! Y vamos por más.
Happy, happy, Helloween, Helloween
Happy, happy, Helloween, Oh, oh, oh-oh!!
15
Luca Turilli’s
Rhapsody
IGNIS DIVINUS;
La Hazaña de un Titán,
El Regalo de un Ángel.
Andrés Banoy
Los nuevos amaneceres siempre traen consigo sorpresas inesperadas;
Soles radiantes, tormentas heladas, taciturnas gotas de rocío, suaves
caricias de viento cálido o simplemente maravillas que el alma misma
no puede describir con un lenguaje vulgar. Cuando nos sentimos así,
nace en nosotros el deseo imponderable que busca entender la emoción misma que nos toca, pero que no podemos detallar con exactitud.
El arte, pues, toma toda la palabra, cuando nuestro silencio se expande, y llena el espacio vacío que embarga el espíritu.
Luca Turilli, el recordado compositor italiano de los maravillosos Prophet of the Last Eclipse y Symphony of Enchanted lands II: The darck
secret (Por mencionar algunos), es uno de esos seres humanos que
poseen una sensibilidad especial, y que ciertamente ha comprendido
los lenguajes en los que el alma suele hablar, tales como la poesía y
la música.
Esta reseña, más que centrarse en un análisis musical, tiene como objetivo indagar las cámaras más esenciales de la delicadeza del genio
que sorprendió al mundo de la música, cuando en su intimidad, robó
el fuego a los dioses olímpicos y lo entregó al mundo en forma de un
álbum llamado Prometheus - Symphonia Ignis Divinus.
16
Nova Genesis (Ad Splendorem Angeli Triumphantis): Todo inicia cómo puede iniciar un día caótico. Una voz melancólica, atrapada en un vacío apocalíptico y llena de dolor, se alza por encima del caos, atravesando el corazón
del oyente e iluminando un camino incierto que, entre los dinámicos coros,
la espléndida orquesta y las guitarras iracundas, se alza con ímpetu y sirve
de puente para que un ángel, desde el cielo, se precipite con el regalo único
que puede repeler la penumbra. El fuego divino.
La nueva apertura, adornada por el esplendor de los ángeles triunfantes,
llena de esperanza a los corazones afligidos, ansiosos porque la espera
terminó y la esperanza ha vuelto; Los códigos del alma se decodifican y
nuestro yo espiritual, el Ego original, despierta de su letargo para finalmente alzar el vuelo.
Il Cigno Nero: Jamás, en la naturaleza, se verá un a pájaro desplegar sus alas
mediocremente. Cuando toman vuelo, las aves, lo hacen con elegancia, finura
y ardor. La pasión que hace que las alas dancen entre nubes, es la inspiración
17
para esta canción. Garbo desde la primera nota del pianoforte hasta el último
eco de un coro prodigioso. Los arreglos de la orquesta, acompañando el piano,
hacen deslumbrar el Sol incluso si el día está nublado.
Los hilos de la ilusión que el maestro Turilli tejió por más de tres años, se
vuelven cadenas de oro fino para atar el corazón de los oyentes sensibles, y
que luego van a reposar en un lago cristalino donde aguardan la rosa y la cruz.
Il Cigno Nero no es una canción común, es una recital que, en poco más de
cuatro minutos, aviva las llamas de la pasión y la delicadeza, tan distintas y
tan similares, que solo un alma cómo la del perito italiano, puede fundirlas y
hacerlas volar cómo una sola. La transmutación del alma se alimenta en una
fragua llena del ardor más sublime; El ideal alquímico finaliza, como bien
decía, y reposa brevemente solo para estallar con misteriosa vehemencia.
Rosenkreuz (The Rose And The Cross): “Over Maya and this law…” “Más
allá de la ilusión”, surge la ley divina, se alza el espíritu, el cisne negro
emprende el vuelo hacía el horizonte donde yace un nuevo amanecer. Rosenkreuz no es una pieza orquestal ordinaria. Su composición es compleja,
extraordinaria, me atrevería a objetar, pero su construcción lirica es mucho
más que un homenaje a un legendario caballero medieval. El mito, desde
el principio de la historia de los hombres, revela verdades del corazón hu18
mano, y Luca Turilli revela en su trabajo, su deseo por llevar su alma y la de
sus oyentes a estados de conciencia superiores.
Todos sabemos, por diferentes fuentes, que la legendaria práctica medieval
conocida cómo Alquimia, buscaba convertir el metal ordinario (el alma, representada simbólicamente) en oro, el más precioso de todos los metales.
Ya, en Asending to Infinity, y específicamente en Dark fate of Atlantis, el
maestro italiano nos introdujo al tema alquímico. Las alusiones al tema se
detallan en los versos que cuentan sobre los errores de la figura conocida
cómo Ícaro el cual, al acercarse demasiado al Sol, perdió las alas de cera
que su padre, Dédalo, había hecho para escapar de Creta. Luca, pretende utilizar los mitos, no solo como narraciones que llenen líricamente sus
creaciones, sino que, cómo lo hacían los maestros de la alquimia, usa un
lenguaje simbólico (Antes el mito de Ícaro, ahora la leyenda de los Rosacruces) para revelar poéticamente una verdad de su alma. Pero aún falta
un poco para tener una consciencia más detallada sobre la revelación de
este músico iluminado. Por lo pronto, dejamos la Alemania medieval, escuchando un enigmático canto gregoriano, y viajamos a las tierras del místico Brahmā. La luz verde de la vida, el calor de la existencia eterna toma
forma y se hace melodía…
19
Anahata: Llegamos al corazón del álbum, y no es coincidencia que Anahata haga su aparición. El chakra del corazón entra de una manera especial,
musicalmente hablando. Para los fanáticos de las bandas sonoras, nos es
familiar la entrada de esta poderosa y mágica pieza musical. La razón es
clara. Luca Turilli ha alcanzado una madurez musical tan sorprendente que
es fácil encontrar similitudes entre sus composiciones orquestales y las
de maestros del genero cómo James Horner (Q.E.P.D.) o John Williams, más
que otros. (Este último tiene una gran influencia en este álbum) Temas
como “Welcome to Jurassic Park” de la legendaria banda sonora compuesta por John Williams para Jurassic Park tienen una enorme similitud con
la composición orquestal que Luca ha creado originalmente para ésta, la
cuarta canción del álbum.
Los movimientos ligeros y dinámicos de las secciones de vientos (metal y madera) y la utilización de toda la orquesta, con adornos pomposos y melódicos, son características muy particulares en las composiciones de Williams, y en esta cuarta pista, es evidente que Luca toma
los elementos teóricos de ese estilo compositivo y los lleva a su propio plano de creación. Es claro que la etiqueta “Cinematic Metal” no
es un capricho o un intento de vanagloriar el trabajo de su banda, sino
que es un merecido nombre para un subgénero que evidentemente alcanza su esplendor en este nuevo trabajo del compositor italiano.
Líricamente la obra es un mapa de símbolos. En la pieza anterior se nos
relata la historia de un mapa, que no tiene otra ubicación que el cuerpo
y la mente propios. En éste nuevo segmento del álbum se nos revela la
ubicación de la conciencia superior a la que aspira alcanzar el compositor
acompañado de sus oyentes. La flor de loto, tintada en verde esmeralda, se
abre en medio del corazón para dirigir toda su potencia creadora y florecer
cómo un sueño y un pensamiento, cómo gravedad y luz estelar, cómo un
espíritu cósmico e infinito en constante movimiento y creación.
Para quienes no hemos tenido la oportunidad de apreciar una aurora boreal, al norte de nuestro amado planeta, Anahata es justamente esa valorada oportunidad de presenciar la fragilidad portentosa a la que el espíritu
se somete cuando cambia. El viento de las noches polares sopla en el rostro de quienes hicimos contacto profundo con ésta mágica pieza musical,
y el esplendor del cambio vislumbra, con su luz verde en el horizonte purpura de la noche, la llegada y el tiempo de los dioses…
Il Tempo Degli Dei: Una vez más, el pianoforte se encarga de la presentación
del nuevo escalón en este ascenso al infinito. La melodiosa, titánica, pero a
la vez, tierna voz de Alessandro Conti abre el telón con la misma devoción y
exquisitez con las que recibe la que posiblemente sea la más armoniosa de
las canciones en todo el álbum. La orquesta es protagonista y no es necesario mencionar de qué manera se manifiesta el “Cinematic Metal”.
20
Nuestro viaje continua con una dosis de impetuosidad, elegancia y versatilidad, que no necesita de una batería exageradamente rápida, sino que
por el contrario, la suavidad y fuerza con las que transcurre la obra son el
elemento madre para encarnar la simbología del viaje que emprendimos
por nuestro sueños, nuestro Ego original.
Para el psicólogo Suizo, Carl Gustav Jung, “Los sueños y las fantasías constituyen la materia prima de su actividad científica, el magma incandescente
del cual nace, cristalizándose, la piedra que debe ser esculpida”. La cita anterior hace justicia a la divinidad que yace en el alma de cada hombre y
mujer, y que se revela solo en los estados más íntimos de meditación y recogimiento, estados que por lo general se alcanzan en la noche, mediante
las puertas que se abren en los sueños. La canción, líricamente, representa
un movimiento continuo del océano creador que se mueve simétricamente en el interior de nuestras almas. La luz alquímica destella fuegos fatuos
que alimentan la revelación de un iluminado cómo lo es Luca Turilli, y de
quienes acompañan su obra musical. El esplendor onírico, ósea, el brío que
estalla en luminosidad dentro de nuestras fantasías, es la nueva clave que
21
se nos revela para nuestra búsqueda a través del ojo de la tormenta, en la
tempestuosa y apasionante fuga del alma y el desprendimiento de todo
cuanto nos pese para llegar a una nueva verdad, intima, divina, espiritual y
sagrada, la verdad en el tiempo de los dioses olvidados.
El calor arde con potencia, y desde otra dimensión temporal, el filósofo y
psicólogo Gustavo Adolfo Rol, nos guía como un eslabón, con su voz, por
la dimensión que estamos ad portas de cruzar. La iluminación nos espera,
pero antes de abandonar este sueño, esta gloriosa y vigorosa experiencia
onírica, debemos luchar con los impulsos de la tentación, y resistirnos a
ser gobernados por el anillo único…
One Ring to Rule Them all: Desde la “Montaña solitaria” la voz de Gollum
nos llama, nos invita, nos tienta, clama para que nos dejemos gobernar por
el anillo único.
Forjada en el calor de las montañas neozelandesas, esta nueva obra maestra
es tal vez la que más nos recuerda al Rhapsody de antaño, pero con una dosis de elementos, musicales y liricos, que sería imposible encontrar en álbumes pasados. El futuro es ahora y Luca Turilli lo ha comprendido con pericia.
22
Musicalmente la obra se abstiene de ser pomposa y mágica, y en cambio,
apunta a la oscuridad de Mordor, donde las sombras yacen. Las guitarras
iracundas, los tambores fulminantes, las voces agresivas de los orcos, hacen de esta pieza una de las más poderosas piezas jamás compuestas por
el maestro italiano. Sin embargo, un pequeño lapso de la canción está dedicada a la tranquilidad y la magia que se desprenden de la melodía misma
e inundan la canción cual torrente de agua cristalina. Es, para los fanáticos
de Rhapsody, una dosis de nostalgia por que nos es inevitable recordar
canciones sublimes cómo Heroes of the lost valley o Dragonland´s river.
Pero líricamente está alejada de Argalord, como ya lo he dicho, el futuro es
ahora, y ese ahora es esplendoroso. Una advertencia retumba en nuestros
oídos cuando el coro explota, “Teme al anillo, el único anillo para gobernarnos a todos”. El significado es claro para los lectores de Tolkien, pero
puede ser confuso para quienes desconocen la que posiblemente es la
más grande de las obras de la literatura fantástica jamás escrita. El viaje
nos advierte, utilizando el simbolismo narrativo, sobre el poder de la oscuridad. Las artimañas que el placer mediocre otorga brevemente y que
en realidad fortalece al enemigo que vigila con atención nuestros errores
para reclamar su domino sobre nosotros.
Pero el agua corre y la llamarada de fuego que arde sobre la montaña del
destino es consumida, el viaje espiritual ahora yace en un punto de no retorno. “Bien aventurado quien oye y quien lee las palabras de esta profecía,
porque el tiempo está cerca.” La noche, apasionada se acerca con paso elegante, y el momento de la transmutación yace frente a nosotros, el cambio
de la marea es inminente…
Notturno: La joya instrumental del álbum, arriba. ¿Quién mejor que Luca Turilli
para potenciar un Nocturno de Chopin con vehemencia y serenidad? Puede
decirse que es la obra más alejada del “Cinematic Metal”. Sin embargo, la balada es un receso merecido en la instrumentación dinámica que lleva el álbum
desde su inicio. Cualquier buen caminante sabrá que el descanso confortable
es tan necesario cómo el trabajo incansable. No hay pausas en este viaje espiritual, simplemente cambios de ritmo, y está obra representa justamente eso.
El juego sensual de las voces nos introduce en una canción que, líricamente,
representa el equilibrio entre vida y muerte, caos y orden, mujer y hombre,
amor y odio. La trascendencia alquímica comienza a tomar velocidad, a pesar de que la canción, en su estructura pueda parecer lenta y taciturna, la
dinámica y potencia de los cantantes, tanto el tenor cómo la soprano, nos
preparan para la ardua lucha, la tarea suprema, el éxtasis que comienza a
gestarse. El hombre, en la noche, se apasiona y es capaz de desafiar a los
23
dioses, por amor. Luca Turilli, en su intimidad, los ha desafiado, y por amor
a su alma y la de sus oyentes, ha logrado la gran hazaña, ha robado el fuego
divino del Olimpo y lo ha traído a nosotros. La labor Prometeica finalmente
retoma su ritmo y está vez es indomable…
Prometheus: El éxodo de la energía divina que acuna en el alma humana se moldea con el cinemático inicio del himno del álbum. Una entrada
pomposa, Wagneriana, al mejor estilo de los grandes compositores de la
cinematografía moderna, presenta el enigma de la titánica travesía que
hemos escalado a lo largo de esta maravillosa obra de arte. Las trompetas
resuenan y la orquesta se asienta de manera vigorosa. La instrumentación
es prodigiosa, desde el bajo Patrice Guers hasta la última de las cuerdas
vocales de Alessandro Conti.
El contenido lirico de esta maravillosa pieza es quizá uno de los más enigmáticos, en todo el nuevo trabajo del perito italiano. El Alfa y el Omega se encuentran en esta pieza para acercarnos al misterio de la multiuniversalidad. El nexo
cuántico que nos transporta por otros mundos es entendido y reinterpretado
por Turilli, y es expresado en las notas musicales que avanzan y se decodifican en la letra más profunda del álbum o una de las más profundas al menos.
El legado simbólico de esta canción es sumamente amplio. La claridad
de un mito entendido, no cómo un acontecimiento alejado a la realidad
moderna, sino como un mensaje espaciotemporal que resplandece, cómo
fuego, para revelarnos una verdad oculta. El Prometeo italiano enciende la
llama en nuestros caminos a la iluminación del Ego primordial. Los secretos que yacen en nuestra sangre, expresados en algoritmos genéticos, nos
abren la puerta cuántica de nuestro signo astral, reinterpretado desde el
arte y la ciencia, que comparten un origen mismo. El alma humana.
La cura para la enfermedad, para el cáncer que apesta la psique moderna y
su consciencia e inconsciencia, es expresada y revelada por las celestiales
notas de esta canción.
Al final, una revelación que solo aquellos que en realidad han aceptado
la ascensión, entenderán. El feto ha sido engendrado y la palabra se ha
hecho carne, el misterio comienza a iluminarse y el cuerpo de una dimensión extranjera se prepara para arribar. El don divino viene para luchar a
nuestro lado, y para entenderlo habrá que viajar al oriente del mundo, a
las arenas del desierto…
King Salomon And The 72 Names of God: El Cinematic Metal en todo su
esplendor. Cualquier seguidor de Hanz Simmer podría confundir esta cinemática entrada con una pieza de la banda sonora escrita por el alemán para
24
la película “El príncipe de Egipto”. La majestuosidad de la orquesta, la decoración en la instrumentación y la versatilidad, dinámica y potente en la composición coral, hacen de esta, una de las mejores obras en todo el álbum.
Nuestro viaje espiritual continua en el mundo antiguo, en los tiempos del
rey Salomón. La carga lirica de esta canción es impresionantemente rica
y se puede apreciar desde la entrada misma de los coros. Los niveles de
manifestación que la antigua cábala expone, son aclamados con vigor por
el apocalíptico coro: Atziluth, el nivel de emanación; Beriah, el nivel de la
creación y el despertar; Yetzirah, el nivel de formación y ánimo; Assiyah, el
nivel de acción. A manera de un hechizo son recitadas, al final del coro, las
palabras “Kav Jachin, Kav Boaz” que pertenecen a los nombres de los pilares situados en la parte exterior del templo de Salomón, hogar del Kodesh
Kodashim, la más sagrada de las cámaras del templo de Jerusalén, donde
reposaba, oculta a los mortales, el Arca de la Alianza y la palabra escrita y
viva de Dios.
25
El significado de esta enigmática canción podría parecer, para algunos, un
juego de palabras ancestrales sin sentido alguno, incluso algunos podrían
tomarlo como versos escritos por un niño de colegio aprendiendo otros
idiomas. Sin embargo, la manifestación de las distintas esferas de sabiduría ancestral es realmente el punto álgido al que pretende llegar esta
composición poética.
Lo sublime alcanza su forma única solamente cuando se comprende la
simplicidad y se logra manipular, “no por fuerza, ni por poder, sino por el
espíritu”. Las puertas del templo de Salomón se abren para recibirnos en
la nueva dimensión de un destino forjado por nuestra convicción y nuestra decisión. Los misterios del arca de la alianza se abren para nosotros.
El viaje astral nos lleva a un plano de existencia más complejo donde el
ancestral árbol de la vida florece amenazado por la serpiente, y el verbo
encarnado se manifiesta…
Yggdrasil: Un poco más al norte de nuestro viaje espiritual, se erige el místico árbol que contiene sostiene toda dualidad, en sus ramas. La entrada
enigmática, ambientada en los hielos nórdicos, se extiende por el alma y
26
relata la historia milenaria que contiene los símbolos para abordar, con
otra mirada, nuestro asenso al infinito.
La composición de Ygdrassil puede recordarnos a la pista del álbum anterior
titulada Excalibur, sobre todo por su fuerza rítmica y su coro extremadamente pegadizo. Sin embargo, las orquestaciones y la composición instrumental
son elementos mucho más complejos y maduros. Evidentemente, el arduo
trabajo del guerrero nórdico, es digno de alanzar la Valhalla.
Líricamente, la canción representa una trenza de símbolos, que tienen su
cuna en la antigua y milenaria cultura vikinga, y que nos relatan un destino
sentenciado. Sin embargo, para nuestra travesía espiritual, la letra de esta
canción, representa mucho más que la recitación de un acontecimiento
mítico. El objetivo de este poema musical, donde aparecen los escenarios
que llenan Yggdrasil, es mostrarnos una significación de la tradición nórdica. Podría especular que es un himno que prepara el alma para una batalla,
el más grande de los honores de los habitantes del Midgard, un canto feliz
y glorioso que incita al valor y la bravura, escudos necesarios para afrontar
el estruendo de la caída de un ángel rebelde…
Of Michael The Archangel And Lucifer’s Fall Part II: Codex Nemesis: En
el pasado, hace 3 años, el mundo del rock y el metal, y de la música en
general, aclamó la obra que precede a esta, titulada justamente así, “Of
Michael the Archangel and Lucifer’s Fall.” Para los seguidores del género, y
para el público que pudo apreciar la obra, fue definitivamente, la consolidación de Luca Turilli cómo un compositor consagrado lo que, muchos aun
llamaban “Symphony Metal”. Pues bien, ésta, la segunda parte de su obra
maestra en Ascending to Infinity, es la consolidación de Luca Turilli cómo
un compositor de bandas sonoras, título que sin lugar a dudas ha obtenido
por obras de arte abrumadoras cómo la que ahora entraremos a analizar.
Esta obra bombástica, dividida en cinco actos, tiene contenidos e influencias musicales muy acentuadas. Bandas sonoras cómo las de The Matrix,
Constantine, The Terminator e incluso, la citada por el mismo compositor, Guerra Mundial Z, son claramente referencias artísticas para tener en
cuenta al momento de escuchar este poema llevado a la música cinematográfica. El caos, que reinó en la primera pista, Nova Genesis (Ad Splendorem
Angeli Triumphnatis) se apodera nuevamente de la melodía que arranca
con un piano melancólico, enigmático y profético. La canción, cómo toda
buena banda sonora, acompaña las imágenes y los cambios de emoción
que atraviesa el oyente. Por momentos la majestuosidad de los coros toma
toda la obra y la inunda de con ambientes apocalípticos y oscuros; Otros
pasajes, orquestados al mejor estilo de John Williams o Howard Shore, lle-
27
nan la canción de una energía revitalizante y esperanzadora. Otros episodios maravillosos en esta majestuosa pieza, son los resaltados por los
sintetizadores que le dan un toque moderno y futurista a la composición.
Sin embargo, y a pesar de su sublimidad musical, su trabajo poético no está
exento de loas y venias. Cómo invitado para esta edición de esta importante revista, me di a la tarea de consultar con juicio, las fuentes literarias
que pueden ayudar a una mejor comprensión de la revelación espiritual a
la que Luca Turilli nos ha invitado.
El primer texto que tuve en cuenta, incluso antes de oír el álbum, fue uno
de mis libros favoritos, El Paraíso perdido del británico John Milton. En este
libro se relatan los hechos previos a la creación del hombre, más puntualmente, el conflicto que dio origen al infierno y a la lucha entre Lucifer y
Dios. El segundo texto que tuve en cuenta para el análisis, no solo de esta
pista, sino de todo el álbum fue El libro de Enoc, un importante enigmatico
que habla de la creación de los gigantes y la aparición de Metatron uno
de los más poderosos seres de las más altas esferas angelicales. El Apocalipsis de Juan fue sin duda otra fuente de vital importancia para entender
el contenido lirico de esta, la obra cumbre del Cinematic Metal. Algunos
libros de mi psicólogo favorito, el suizo, Carl G. Jung, fueron también una
fuente irrefutable de información a la que tuve que remitirme para tener
una compresión mucho más puntual sobre este nuevo trabajo de Luca
Turilli’s Rhapsody.
Pero, no podría llamarse Cinematic Metal en realidad, si las referencias e
influencias artísticas de Luca Turilli se remiten a la literatura. Hubo películas que definitivamente tuve que ver nuevamente para tener una mirada
más amplia sobre este álbum. The Matrix (la trilogía), The Terminator (Las
cuatro entregas), Noah, Animatrix, y Constantine fueron referencias cinematográficas que tuve presentes inmediatamente para hacer esta reseña.
La entrada enigmática del narrador, en latín, nos acerca a un futuro, no muy
lejano, donde se puede apreciar de fondo un conflicto. El verbo encarnado,
el Feto divino, ha llegado a nuestro plano existencial en forma de hombre.
Pero aún no ha nacido. La canción, mientras tanto, nos narra otra vista al
episodio en el cual Lucifer, impulsado por su rebeldía, emprende contra el
Creador y lo reta, no cómo Prometeo retó a los dioses olímpicos al robarles
el fuego y dárselo a los hombres, Lucifer, en este escenario encarna una
lucha por hacerse con el poder y la gloria de todas las creaciones e insta a
otros ángeles para que lo acompañen en su revuelta impía. Sin embargo,
Miguel, el resplandeciente Arcángel, enviado por Dios, se inmola contra
sus hordas rebeldes y arroja su contendiente a la tierra.
28
La banda sonora de este conflicto apocalíptico tiene momentos de adrenalina pura, y terror real.
La puerta cuántica, ya está abierta, desde el momento en el que el verbo se
encarnó. La Némesis del mal, el Alfa y el Omega, ha encomendado al arcángel contener el reinado de las sombras hasta su nacimiento, y sobrecargar
el sistema arquetípico de un mundo doliente y perdido en las sombras del
cinismo, la mediocridad y el placer superficial. La convergencia astral destella en los cielos, la profecía ya no está en el pasado, el tiempo está cerca.
Un coro misterioso, que nos permite intuir lo que muy seguramente se acerca. El Alfa y Omega, se ha encarnado en el cuerpo de su madre, el extranjero
divino nos revela la realidad de la multiversalidad. El cisne negro descansa
en las ramas del milenario árbol nórdico, y en la apasionada noche, es testigo y vigía del nacimiento celestial, la revelación del dogma multiversal, el
regreso del tiempo de los dioses, la nueva génesis decorada por el esplendor
de los ángeles triunfantes que, han exiliado al enemigo a la tierra de vacío
29
30
Sin duda alguna es un álbum magnifico. Podría decir que es el mejor álbum
de Luca Turilli en su carrera artística, pero no se trata de apreciar un trabajo más que otro, sino de disfrutar y aprovechar cada álbum, al máximo.
Prometheus- Symphonia Ignis Divinus es sin lugar a dudas una declaración
de amor a la vida, a los ideales de la justicia y el respeto, a la unidad de las
conciencias y el entendimiento de las verdades del corazón humano. Luca
Turilli es un enviado del cielo, un hijo antiquísimo del Creador, un ángel y
un profeta de nuestra era que, a través de las bandas sonoras y la poesía,
nos ilumina un camino nuevo, maravilloso, verdadero, libre de tentaciones y banalidades. El fuego divino ha sido encendido, y los que hemos
escuchado esta obra maestra, somos invitados al juicio final, no cómo demandados, sino como demandantes, suplicantes de un mundo más justo,
armonios, amoroso y completamente infinito.
¡Gracias, Luca Turilli’s Rhapsody, gracias una y mil veces, gracias hoy y siempre!
31
Graphic Design: Rocío Echávarri (Deuzzy) with Artwork by Stefan Heilemann
maldito, y esperan por su rey único y verdadero, aquel que se enfrentará a
la serpiente y la vencerá, y en medio de las altura será coronado. El viaje
termina y el alma del compositor, de los intérpretes y de los oyentes, yace
transformada y más cerca del ideal alquímico. La Sinfonía, el fuego divino, ha
encendido y la tierra espera por su portador, su salvador.