Maquetación 1
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C ine -C lub Chaplin. C uenCa Temporada XlV: 2015/2016 programaCión segundo TrimesTre 2016 -- 1 -- SeSioneS del Cine-Club las sesiones del Cine-Club Chaplin se celebran en Multicines odeón Cuenca (Sala Cinco), todos los miércoles de la temporada, de octubre a junio. estas proyecciones están reservadas a socios de Cine-Club, exclusivamente. Para poder acceder, es imprescindible presentar el carnet de socio y la tarjeta anual correspondiente. Rogamos la máxima colaboración de todos los socios para evitar situaciones molestas. Cada miércoles se ofrecen tres sesiones, que comenzarán puntualmente a las 17, 19,30 y 22 horas. la proyección incluye un cortometraje y un largometraje que se ofrecen de manera ininterrumpida. la sesión del 1 de junio, festividad de la Virgen de la luz y día festivo en Cuenca pasará a celebrarse el jueves, día 2. el último día de la temporada, 15 de junio, la sesión se forma mediante un programa doble constituido por una película clásica y otra moderna, de estreno. Comprobar el horario de ambas proyecciones. evitar comer palomitas y otros elementos afines, no hacer en voz alta ruidos o comentarios que puedan molestar al resto de espectadores, etc. el cortometraje forma parte de la sesión íntegra y merece todo los respetos por lo que no es de recibo utilizar esos minutos para incorporarse a la proyección con retraso. Por ello se ruega la máxima puntualidad y una total colaboración para evitar molestias a los socios que sí ocupan su butaca antes de que se apaguen las luces. Teniendo en cuenta la capacidad de la sala y la afluencia media de socios a las sesiones, rogamos que se ocupen todas las butacas, no dejando algunas vacías y menos aún utilizarlas para dejar bolsos, abrigos, etc. al entrar en la sala, conviene apagar inmediatamente cualquier dispositivo móvil, especialmente los teléfonos, con el fin de no molestar al conjunto de los espectadores. infoRMaCión a loS SoCioS SoCioS del Cine-Club Para ingresar en el Cine-Club Chaplin se requiere ser mayor de edad (18 años) y cumplir las obligaciones sociales. la inscripción quedará formalizada mediante el abono de una cuota de ingreso de 12 euros. la cuota anual es de 60 euros, pagaderos por adelantado al inicio de la temporada, bien mediante la domiciliación bancaria o mediante ingreso en cuenta corriente. una vez abonada la cuota, el socio obtendrá la tarjeta numerada con la que podrá acceder a las sesiones semanales. el impago de la cuota durante los primeros 15 días de la temporada presupone la renuncia del socio a continuar ejerciendo sus derechos y, por tanto, se producirá la baja inmediata en el Cine-Club. ReCoMendaCioneS las sesiones del Cine-Club deberían tener un carácter especial en el cuidado de algunos detalles, tales como el silencio que debe mantenerse durante las proyecciones, el respeto a la proyección íntegra (incluyendo los títulos de crédito finales, la audición total de la banda sonora, etc.), Cada miércoles, un directivo se encontrará disponible, de 19 a 19,30 horas, en el vestíbulo de Multicines odeón para atender a los socios que quieran plantear algún asunto, recoger carnets pendientes, encargar duplicados, etc.. Si deseas recibir información personalizada sobre el Cine-Club entréganos tu dirección de correo electrónico y te la enviaremos semanalmente. Si lo que quieres es transmitir alguna idea, sugerencia o queja, nuestro correo electrónico es: [email protected] el Cine-Club, en la Web Puedes encontrar información sobre el Cine-Club, la programación actualizada y la relación histórica de todas las películas proyectadas desde la primera sesión en: -- 3 -- www.chaplincineclub.wordpress.com mia madre 30 de marzo de 2016 - sesión número 1517 Margherita, una Directora de cine políticamente comprometida, está a punto de separarse de Vittorio, un actor con el que tiene una hija adolescente. Su hermano Giovanni decide dejar el trabajo para dedicarse a cuidar a su madre, gravemente enferma en el hospital, una situación que alterará completamente la vida cotidiana y emocional de todos los personajes. -- 4 -- Título original: Mia madre. Nacionalidad: Italia. Director: Nanni Moretti. Producción: Ssacher Film, Fandando, Le Pacte. Argumento: Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Valia Santella. Guión: Nanni Moretti, Valia Santella, Giaia Manzini, Chiara Valerio. Fotografía: Arnaldo Catinari. Dirección artística: Paola Bizzarri. Montaje: Clelio Benevento. Actores: Margherita Buy (Margherita), John Turturro (Barry Huggins); Giulia Lazzarini (Ada), Nanni Moretti (Giovanni), Beatrice Mancini (Livia), Stefano Abbati (Federico), Enrico Ianniello (Vittorio), Renato Scarpa (Luciano), Anna Bellato (La actriz), Pietro Ragusa (Bruno) Duración: 106 minutos Versión original con subtítulos en español. Nanni Moretti es aquí fiel a sí mismo, con rotundidad y sin cortapisas. Aquí está, como en sus mejores películas, el sentimental, el irónico, el divertido, el sarcástico, la comedia y el drama, eficazmente combinados para ofrecer un resultado muy estimulante, en la línea magnífica que representó La habitación del hijo, probablemente su mejor película y una de las mejores que se pueden contabilizar en la nómina del cine europeo de las últimas décadas. Nacido en 1953, Moretti empezó a trabajar para el cine en 1973, como actor y de inmediato pasó directamente a la realización, primero de un mediometraje en 1974 y tres años después firmó ya su primera película larga, Io sono un autarchico, iniciando así una carrera que recibió la consagración con un título emblemático del cine italiano moderno, La misa ha terminado (1986), a la que siguió la excelente Palombella rosa. En nuestro Cine-Club pudimos ver la magnífica Querido diario (08-03-1995), Abril (24-03-1999), La habitación del hijo (27-02-2002) y Habemus Papam (07-032012), títulos todos que nos permiten tener un razonable conocimiento de las características de su obra. Un trabajo que suele ser comparado con el de Woody Allen pues a semejanza de éste, todo en sus películas tiene un gran componente autobiográfico, sin que en este desnudarse ante la cámara renuncie a sus más íntimos pensamientos, incluyendo la autoparodia. En ese estilo claramente consolidado se inscribe esta última propuesta que nos llega, Mia mama, con la que el Director vuelve a ese espacio que tanto le atrae y en el que se desenvuelve con notable habilidad, el de la familia, un ámbito en el que coexisten diversos personajes con intereses muy diferenciados entre ellos pero que a la vez son interdependientes. Observar lo que piensan y sienten esos seres humanos, aquí condicionados por el hecho de la enfermedad de la madre, una circunstancia que aboca de manera inevitable hacia su muerte, abriendo tras ella la incógnita vital que siempre se genera, es el ejercicio preferido de Moretti, atento a las palabras, los sentimientos, las actitudes de cada uno de ellos. Y lo hace con suma prudencia, porque el argumento, tal como queda expuesto, puede derivar hacia un dramón lacrimógeno de severas proporciones, pero el Director huye de semejante riesgo, con una admirable contención resultado sin duda de su ya larga experiencia, de manera que cada escena de tensión llega hasta el punto justo en que podría desembocar en algo inasumible; y, además, compensa el riesgo con otros momentos de amable comedia, incluso divertida, que tiene en la figura de Margherita y en sus propios problemas personales el elemento esencial de inflexión que sirve para articular debidamente la historia colectiva. Un excelente ejercicio narrativo el que ofrece Nanni Moretti, con un riquísimo plantel de personajes tratados con delicado cuidado para resaltar lo que de significativo hay en cada uno de ellos y, en especial, la angustia vital que acongoja a la protagonista, entre sus dudas personales y profesionales y la seguridad de la próxima pérdida de la madre. -- 5 -- la aCademia de las musas 6 de abril de 2016 - sesión número 1518 Un día, un profesor de filología se encuentra con que su mujer cuestiona y critica el enfoque pedagógico de las clases que imparte en la "Academia de las Musas" cuyo fin es regenerar el mundo a través de la poesía. Esa opinión tan próxima le obliga a meditar en lo que cree y en lo que está haciendo. -- 6 -- Nacionalidad: España. Director: José Luis Guerín (2015). Producción: Los Films de Orfeo. Guión: José Luis Guerín. Fotografía y Montaje: José Luis Guerín. Actores: Raffaele Pinto, Emanuela Forgetta, Rosa Delors Muns, Mireia Iniesta, Patricia Gil, Carolina Llacher, Juan Rubiño, Giulia Fedrigo, Giovanni Masia, Gavino Arca y alumnos de la Facultad de Filología de la Universidad de Barcelona. Duración: 92 minutos Festival de Sevilla: Giraldillo de oro. De los variados comentarios críticos que ha suscitado la última película de José Luis Guerín se desprende una línea común, coincidente, aunque sea expresada con diferentes términos: se trata de una experiencia fascinante y nos ofrece, como consecuencia inmediata, el reencuentro con la obra de un Director inclasificable, único, tan absolutamente personal que él solo es el responsable total de la obra, desde la producción hasta la escritura, la fotografía o el montaje. Para refrescar la memoria de los socios del Cine Club recordaremos aquí la anterior ocasión en que pudimos sorprendernos -y disfrutar- con una película de Guerín, En construcción, en el ya lejano año 2002. La impresión que nos produjo aquella experiencia es similar a la que nos espera con la visión de La academia de las musas, cuyo planteamiento y ejecución es imposible reducir a los parámetros habituales. Nacido en Barcelona en 1960, Guerín se acercó al cine a través de los formatos reducidos (8 mm y 16 mm) a los que luego añadió el vídeo, realizando trabajos de tono documental algunos de los cuales dieron lugar más tarde a cortometrajes. Así llegó a sus primeras películas: Los motivos de Berta (1983). Innisfree (1990), Tren de sombras (1997), En construcción (2001), En la ciudad de Sylvia (2007), Guest (2010), Correspondencias (2011), Recuerdos de una mañana (2011) hasta culminar ese recorrido con La academia de las musas, que parte de un juego conceptual muy atractivo: el origen adopta la forma documental, en torno a un profesor y sus alumnos, que dialogan en torno a la poesía, la influencia de las musas, el papel que les pudo corresponder en el pasado y en la actualidad, la construcción literaria y cuanto tiene que ver con ello, pero en cierto momento, de manera casi insensible, ese ambiente docente se va transformando en una historia de ficción, de manera tan sutil que nunca quedará claro cuándo estamos asistiendo como espectadores al debate intelectual y cuándo nos enfrentamos a una historia inventada, en la que participan los mismos protagonistas, el profesor, su mujer y los alumnos, imbricados por el Director de modo tan sutil como expresivo. Todo ello envuelto en el sistema narrativo que hace de José Luis Guerin una de las personalidades más extraordinarias del cine español, ajeno siempre a cualquier moda o influencia. Puntilloso hasta el extremo, cuidadoso como nadie en la planificación de las escenas, observador de los gestos y las palabras, pero también de los detalles complementarios (un cuadro, un objeto sobre la mesa, un libro en la estantería de una biblioteca) y por supuesto las miradas, las palabras, los silencios. Cuando tantas veces nos quejamos del cine adocenado, vulgar, todo acción y palabras malsonantes, aparece el sosiego, la inteligencia, la meditación observadora para reconfortarnos sabiendo que hay otro tipo de cine, que el cine sirve para otras cosas que no sean violencia y suciedad. Es, sencillamente, una película hecha desde la libertad, sin protección ni ayudas. Solo con inteligencia. -- 7 -- el hiJo de saÚl 13 de abril de 2016 - sesión número 1519 Auschwitz, 1944. El prisionero judío húngaro Saul Ausländer, miembro de los 'Sonderkommando' encuentra entre los muertos gaseados el cuerpo de un joven que identifica con su propio hijo. Tiene la obligación de quemarlo en el crematorio, pero decide salvarlo de ese destino para que un rabino pueda darle una sepultura adecuada. -- 8 -- Título original: Saul fia. Nacionalidad: Hungría. Director: Lászlo Nemes (2015). Producción: Laokoon Film Arts. Guión: Lászlo Nemes, Clara Royer. Fotografía: Mátyás Erdély. Dirección artística: Lászlo Rajik. Música: Lászlo Melis. Montaje: Matthieu Taponier Actores: Géza Röhrig (Saul Auslander), Levente Molnár (Abraham Warszawski), Urs Rechn (Jefe Biederman), Todd Charmont (El barbudo), Jerzy Walczak (Rabino Frankel), Grgö Farkas y Balasz Farkas (El hijo de Saúl), Sándor Zsotér (Dr. Miklós). Duración: 107 minutos Versión original con subtítulos en español Oscar 2015 a la mejor película de habla no inglesa. Festival de Cannes: Gran premio del Jurado y premio de la FIPRESCI. Globos de oro: mejor película de hablar no inglesa. Independent Spirit Awards: mejor película extranjera. National Board Review: mejor película extranjera. Aunque son muchos los campos de exterminio organizados por los nazis, el nombre Auschwitz sintetiza y resume todos ellos, porque ese lugar fue el más perfecto y macabro de cuantos han existido en el mundo destinados a la destrucción de seres humanos como único objetivo, sin motivos, sin explicaciones, solo porque sí. Eso fue así, con total certeza, aunque los fariseos del tiempo presente quieran argumentar que tal cosa no ocurrió. Por eso no estorba, en absoluto, que periódicamente se nos recuerde aquel inconcebible suceso, punto de referencia esencial en la historia de los horrores, entre otros motivos porque allí sucedieron tantas cosas, hubo tal cantidad de matices, que probablemente nunca conseguiremos saberlos todos. Por ejemplo, que los nazis contaban con un grupo de colaboradores forzosos, los sonderkomandos, unidades de trabajo formadas por prisioneros elegidos aleatoriamente, entre ellos muchos judíos, encargados de preparar a los condenados, llevarlos a las cámaras de gas, examinarlos para retirarles todas sus pertenencias, arrancarles los dientes de oro y finalmente llevar los cadáveres a los hornos crematorios. Los sonderkomandos vivían aislados, sin contacto con los soldados ni tampoco con los prisioneros; trabajaban sabiendo que, al cabo de un tiempo limitado, tres o cuatro meses, ellos también irán a las cámaras de gas. Era, por decirlo de algún modo, un periodo de su- pervivencia limitada, sin esperanza alguna. Saúl sí la encuentra, de modo tangencial, cuando cree que uno de los cuerpos que ha sido gaseado es el de su propio hijo, al que pretende rescatar del destino final que le corresponde, el del horno crematorio. A partir de esa convicción, el propósito de Saúl, una idea obsesiva, es dar un entierro digno a su presunto hijo; y decimos presunto porque nunca queda totalmente claro si lo es en realidad o simplemente se trata de la fantasía de una mente torturada que en ese pretexto encuentra un posible modo de justificación moral última, el definitivo recurso para dar sentido a los últimos días de su vida. De esa manera, la historia personal del protagonista se superpone y ensambla con la colectiva, la del horror general del campo de concentración que el Director, Laszlo Nemes, recoge de su propia experiencia familiar, porque la familia de su madre desapareció en uno de esos campos de concentración. Nacido en 1977 como Nemes Jeles Laszlo, hijo del Director András Jeles, se educó en París y desde muy pronto mostró interés por el cine. Tras estudiar Historia, fue ayudante del Director Béla Tar y rodó varios cortos, antes de afrontar su primer largometraje, en el que expone el drama con toda crudeza, sin ahorrar ninguno de los elementos terribles que marcaron aquella experiencia. -- 9 -- la odisea de aliCe 20 de abril de 2016 - sesión número 1520 Alice es una mujer que trabaja en el mar. Está casada, pero en su vida aparece otro hombre: el comandante Gaël, un antiguo amor de su juventud. En su cabina, Alice encuentra un cuaderno, donde el marinero fallecido, que ocupó antes su puesto, escribía aspectos técnicos pero también personales. Alice descubre así un mundo desconocido. -- 10 -- Título original: Fidelio, l’odyssée d’Alice Nacionalidad: Francia. Directora: Lucie Borleteau (2015). Producción: Why Not Productions, Arte France Cinéma. Guión: Lucie Borleteau, Clara Bourreau. Fotografía: Simon Beaufils. Decorados: Sidney Dubois. Montaje: Guy Lecorne. Actores: Ariane Labed (Alice), Melvil Poupaud (Gaël), Anders Danielsen Lie (Felix), Jean-Louis Coulloch (Bartereau), Nathanaël Maini (Frédéric), Vimala Pons (La hermana Sarah) Duración: 97 minutos Versión original con subtítulos en español. Este es el primer largometraje de Lucie Borleteau, que ya había dirigido cortos como Nievaliachka, La poupée qui ne tombe pas o Les Voeux. La idea de la cinta surgió después de que uno de sus amigos entrara en la Marina Mercante. En principio tenía en mente realizar un documental sobre el tema, pero después de escuchar los problemas de los marineros en una reunión se inclinó por la ficción, a partir de un personaje femenino, Alice, algo nada usual en los ambientes marineros llevados al cine y ello con la intención deliberada de aportar una mirada nítidamente femenina a un mundo tradicionalmente de hombres, a la vez que traslada a ese ambiente tan masculino la problemática interior de una mujer, con aspectos y cuestiones que podrían haberse desarrollado en cualquier otro escenario pero que, al hacerlo en el mar, adquieren una dimensión muy peculiar. Alice se embarca en un buque denominado Fidelio, título que conviene no olvidar porque no va a ser nada casual en el contexto de la historia. Lucie Borleteau, nacida en 1980, estudió en Nantes, en el centro Ciné-Sup y en 2004 obtuvo el master en cine en la Universidad de Paris VIII. Ha trabajado en diferentes sectores de la producción, incluyendo la escritura de guiones y como asistente de Director, además de interpretar pequeños papeles, incluso en el teatro. El desarrollo de La odisea de Alice responde a un planteamiento claramente clá- sico, mediante una estructura diáfana desde el arranque, con unos elementos mínimos expuestos por la Directora de manera sencilla y clara, con lo que queda poco espacio para las interpretaciones alambicadas. Lo que siente, piensa y quiere la protagonista se deriva de sus propios actos y de las situaciones en que se implica, mientras transmite al espectador sus dudas y deseos, a partir del momento en que descubre el diario de su antecesor en el trabajo, creándose así una dualidad narrativa, una especie de paralelismo entre el hombre muerto y ella misma, dos personalidades muy diferentes pero en las que ella va encontrando puntos de conexión, incluso asumiendo una actitud sexualmente activa, como la que había tenido el hombre. Con unos datos siempre eficaces, Borleteau va marcando la personalidad de la protagonista en la que no hay elementos de reivindicación femenina sino que actúa como una más dentro del conjunto laboral del barco, integrada con los demás, pero con un leve toque de vulnerabilidad femenina que viene a completar el conocimiento de su personalidad, sometida a dudas y a deseos, como cualquier otro ser humano, algo que en este caso queda subrayado por la portentosa interpretación de Ariane Labed, absolutamente identificada con el atractivo personaje que la Directora le ha entregado. -- 11 -- nahid 27 de abril de 2016 - sesión número 1521 Nahid es una joven divorciada que vive sola con su hijo de diez años en una ciudad del norte de Irán junto al mar Caspio. Conforme a las normas que rigen la sociedad iraní, la custodia del hijo corresponde al padre, aunque en este caso su exmarido se la ha cedido a condición de que no se vuelva a casar. La relación entre Nahid y otro hombre complicará su situación como mujer y como madre. -- 12 -- Título original: Nahid. Nacionalidad: Irán. Directora: Ida Panahandeh (2015). Producción: Documentary and Experimental Film Center. Guión: Ida Panahandeh, Arsalan Amiri. Fotografía: Morteza Gheidi. Música: Majid Pousti. Montaje: Arsalan Amri. Actores: Sareh Bayat (Nahid), Pejman Bazeghi (Masoud), Navid Mohammad Zadeh (Ahamd), Milad Hossein (Amir Reza), Pouria Rahimi (Nasser), Nasrin Babael (Leila). Duración: 106 minutos Versión original con subtítulos en español. En occidente ya nos vamos acostumbrando a recibir cada año una interesante cuota de cine iraní, demostración de la vitalidad cultural que ofrece un país sometido a un régimen tan extraño (una especie de democracia vigilada, con elecciones, sí, pero bajo la tutela de los ayatollahs, guardianes supremos de la revolución) y que, por los retazos que nos llegan ofrece amplios huecos para que, entre la severidad aparente del sistema se puedan deslizar verdaderas maravillas cinematográficas. Con límites, por supuesto, porque cuando hay controles y censuras la libertad no existe, evidentemente, pero con resquicios muy curiosos. Sorprende, por ejemplo, que en una situación sin duda humillante para la dignidad femenina, haya tantas Directoras y que planteen temas, como el de hoy, que podría parecer tabú. Sin embargo, la joven Ida Panahandeh lo afronta en su primera película de una manera tan directa, tan atrevida, que sin duda ella, y su personaje, merecen todas nuestras simpatías, aunque la película no llegue a ser técnicamente perfecta. Entramos abiertamente, como sucede en todo el mundo musulmán, en un ambiente de claro predominio del hombre y sus derechos, frente a la marginación y ausencia de ellos para la mujer. A partir de ese inicio, la posición de la Directora es indiscutible y asume como propia la rebeldía de su género frente a las actitudes discriminatorias que sostiene el régimen; ello se puede interpretar también como que en el seno de la sociedad iraní se está incubando un movimiento colectivo, todavía sin suficiente empuje, en el que también participan sectores masculinos, empeñados en introducir cambios en esta situación consolidada, que se pone de manifiesto desde el comienzo mismo de la película, con una cruda exposición de cual es la situación real, en la que apenas tienen cabida los sentimientos o los matices. Todo está reglado y regulado, la ley lo controla todo y no hay resquicios para los matices. Cuando dos seres humanos intentan superar esa situación para vivir una historia de amor, deberán hacerlo de manera subrepticia, lejos del ambiente social y siempre bajo la mirada vigilante de una cámara de seguridad, un elemento recurrente de presencia constante en la película, algo que Panahandeh se encarga de subrayar. La Directora reconoce que para trazar el personaje de Nahid ha tomado como referencias dos figuras muy cercanas: su madre y su abuela, “dos mujeres extraordinariamente fuertes que nunca dejaron que nadie se inmiscuyera en sus decisiones y les dijeran de qué modo tenían que vivir. Estuve rodeada por dos mujeres que tuvieron que luchar para lograr lo que querían”. Esa lucha es la que asume Nahid para mantener al hijo que le quieren arrebatar y para poder encontrar en otro hombre el amor perdido. -- 13 -- la ley del merCado 4 de mayo de 2016 - sesión número 1522 Thierry tiene 51 años y, tras 18 meses desempleado, encuentra trabajo como guardia de seguridad en un supermercado que le permite al menos cubrir las necesidades básicas de su familia. Todo marcha bien hasta que le proponen algo realmente turbio: espiar a sus colegas. La nueva situación le provoca un incómodo dilema moral: ¿se puede aceptar cualquier cosa con tal de conservar el trabajo? -- 14 -- Título original: La loi du marché. Nacionalidad: Francia. Director: Stéphane Brizé (2015). Producción: Nord-Ouest Productions, Arte France Cinéma. Guión: Stéphane Brizé, Olivier Gorce. Fotografía: Eric Dumont. Dirección artística: Valérie Saradjian. Montaje: Anne Klotz. Actores: Vincent Lindon (Thierry Taugourdeau), Karine de Mirbeck (La mujer de Thierry), Matthieu Schadler (El hijo), Yves Ory (El consejero), Xavier Mathieu, Paul Portoleau, Pierre-Jean Feld, Philippe Vesco (Los sindicalistas), Noël Mairot (El profesor de baile), Catherine Saint-Bonnet (la banquera). Duración: 93 minutos Versión original con subtítulos en español. El cine, todavía, no ha explorado a fondo las enormes posibilidades que ofrece la situación creada en todo el mundo, pero básicamente en el ámbito europeo, a partir del estallido de la crisis y la terrible consecuencia que viene presentando en el terreno laboral, con millones de personas a la búsqueda de un empleo, casi siempre difícil de encontrar y, en muchísimos casos, cuando aparece, en condiciones de precariedad que viene a incrementar la situación de desamparo que produce la escasez de oportunidades laborales. En esa situación, con frecuencia, con consistente frecuencia, oímos las voces de los perjudicados, cuando participan en entrevistas o encuestas: “Quiero cualquier cosa, me adapto a cualquier trabajo”. ¿A cualquiera?, podríamos preguntarnos. ¿Todo vale, con tal de recibir un puesto y un salario? Stéphane Brizé (Rennes, 1966) no parecía, a priori, un Director vocacionalmente orientado hacia el cine social porque hasta ahora había preferido desenvolverse en el terreno de la comedia, si bien es cierto que en sus primeras películas aparecen ciertos toques de rebeldía reivindicativa. Nacido en un ambiente provinciano, cursó estudios de electrónica sin que recibiera una formación intelectual más allá de la que corresponde a un obrero, pero todo cambió cuando pasó a la TV como técnico operador, luego hizo un curso de teatro, empezó a pisar los escenarios y en 1993 realizó su primer cortometraje, Bleu dommage, con el que obtiene el gran premio en el festival de Cognac; con el bagaje de otros par de cortos, afronta el paso al largometraje, con Le bleu des villes (1999) que participa en la quincena de realizadores de Cannes y consigue el premio al mejor guión en el festival de Deauville. Siguieron No estoy hecho para ser amado (2004), Entre adultes (2006), Mademoiselle Chambon (que vimos en el Cine Club el 05-10-2011) y Quelques heures de printemps (2011). Ahora, afronta el problema social y humano derivado del trabajo; y lo hace, trasladando a la pantalla todos los matices que van jalonando la monótona, endurecida gestión de buscar ocupación, mientras quedan en un segundo plano las emociones estrictamente personales o familiares. Pero aún falta la otra dimensión del drama, cuando una vez conseguido un trabajo, intentarán envilecerlo con unas exigencias repulsivas, que probablemente se encuentran en otros muchos casos, aún sin saberlo, porque la víctima, por lo general, intentará ocultar qué es lo que se le esté exigiendo a cambio de poder conservar ese puesto de trabajo que se ha convertido en el eje obsesivo de tantas personas. Y es ahí, en esa nueva situación, cuando adquiere un sentido total el título de la película: el trabajo sometido a una implacable ley, la del mercado. O lo tomas o lo dejas. Sin contemplaciones. -- 15 -- rams, el Valle de los Carneros 11 de mayo de 2016 - sesión número 1523 En una granja de un valle islandés remoto, dos hermanos solteros que no han tenido contacto en 40 años se ven obligados a unirse para salvar su bien más preciado: sus rebaños de ovejas. Por un lado se encuentra Kiddi, un hombre rudo, alcohólico y amigo de las armas; por otro, Gummi, algo más tranquilo y sobrio. -- 16 -- Título original: Hrútar. Nacionalidad: Islandia, Dinamarca, Noruega, Polonia. Director: Grímur Hákonarson (2015). Producción: Netop Films, Profile Pictures, Film Farms, Aeroplan Film. Guión: Grímur Hákonarson. Fotografía: Sturla Brandth Grevien. Diseño de producción: Bjarni Massi. Música: Atli Örvarsson. Montaje: Kristján Loamfjora. Actores: Siguraur Sigurjónsson (Gummi), Theodór Juliusson (Kiddi), Charlotte Beving (Katrin), Jon Benonysson (Runólfur), Gunnar Jónsson (Grímur), Porteifur Einarsson (Sindri), Sveinn Olafur Gunnarsson (Bjami). Duración: 93 minutos Versión original con subtítulos en español Festival de Cannes: premio “Una cierta mirada”. Festival de Transilvania: premio especial del Jurado. Festival de Valladolid: espiga de oro a la mejor película. Parece inevitable iniciar este comentario aludiendo a Islandia y al cine islandés. Cualquier persona medianamente culta sabe que Islandia se encuentra en Europa y eso la convierte, de manera natural, en un elemento integrante de la cultura europea, a pesar de que, con mucha probabilidad, casi nadie sabe nada de qué ocurre allí, cómo o de qué viven, quienes lo gobiernan o, si entramos en intimidades, cuales son sus escritores o artistas más destacados. Tiene una población mínima (no llega a 500.000 habitantes) pero es el tercer país más desarrollado del mundo, con un altísimo nivel tecnológico y un maravilloso sistema de protección social. De ahí nos llega una pieza cinematográfica que podríamos considerar exótica, si no fuera porque en realidad hace ya varios años que el cine islandés se va asentando en los circuitos internacionales, tomando el relevo de otros de su ámbito (el sueco, el danés) tradicionalmente bien valorados en el conjunto de la cinematografía mundial. Pero desde fechas recientes títulos como De caballos y hombres (Benedikt Erlingsson, 2013), o Sparrow (Rúnar Rúnarsson, 2015) han conseguido varios premios en festivales, mientras que Baltasar Kormákur se ha asentado en Hollywood como Director. Con estos antecedentes, no debe sorprendernos en exceso los reconocimientos recogidos por Rams. El valle de los carneros, que viene a ser la presentación entre nosotros de Grímur Hákonarson (nacido en 1977), con una experiencia literaria previa que pronto compartió con el cine, rodando varios cortos y, en 2010, su primer largometraje, el documental Summlerland, seguido de otro del mismo género, Hreint hjarta (2012). Rams es su primera película de ficción, término aquí relativo porque en ella hay un gran componente documental, basado en la utilización generosa del bellísimo paisaje islandés y una eficaz intromisión en las costumbres populares, con el añadido de la peculiar relación entre esos dos hermanos que no se hablan ni se relacionan, hasta que la necesidad les hace romper ese aislamiento. En torno a esa situación de partida se estructura la película que sorprende tanto por la originalidad ambiental y sociológica en que se desarrolla como por su acertada planificación en la que se van ofreciendo las necesarias dosis de información para ayudarnos a comprender el desarrollo de la trama, en la que no faltan momentos realmente divertidos, que podrían incluso llegar a ser hilarantes, aunque tengamos en cuenta que el humor al estilo nórdico no tiene nada que ver con el concepto mediterráneo. -- 17 -- el abrazo de la serpienTe 18 de mayo de 2016 - sesión número 1524 Una nueva visión del efecto del colonialismo sobre la cultura indígena, a través de dos historias paralelas que suceden con cuatro décadas de diferencia (concretamente en 1901 y 1940), en que dos exploradores, uno alemán, otro americano, surcan los caminos del Amazonas en busca de una extraña flor que sería muy útil en la lucha contra las enfermedades. -- 18 -- Nacionalidad: Colombia, Venezuela, Argentina. Director: Ciro Guerra (2015). Producción: Ciudad Lunar Producciones, Dago García Producciones, Caracol TV, Nortesur Producciones, MC Producciones, Buffalo Producciones. Guión: Ciro Guerra y Jacques Toulemonde Vidal, según los diarios de Theodor Koch-Grunberg y Richard Evans Schultes. Fotografía: David Gallego, en color y blanco y negro. Dirección artística: Angélica Perea. Música: Nascuy Linares. Montaje: Eitenne Boussac. Actores: Jan Biljvoet (Theo), Brionne Davis (Evan), Antonio Bolívar Salvador (Karamakate), Nilbio Torres (Karamakate, joven), Miguel Dionisio Ramos (Manduca), Nicolás Cancino (Anizetto), Luigi Sciamanna (Padre Gaspar) Duración: 125 minutos. Esta no es, estrictamente, una película sobre el colonialismo y los daños que la brutal explotación irracional de la naturaleza, incluidas las personas, produjo durante siglos en el hábitat propio del conteniente suramericano. Lo es, también, porque esa situación real está presente en todo el desarrollo del film, pero no es el tema que más interesa al joven Director colombiano Ciro Guerra, sino la inmersión en los extraordinarios matices que ofrece todavía la cultura indígena, a caballo entre la espiritualidad mágica y el mantenimiento de unas estructuras ancestrales que son elementos condicionantes, sobre los que ha recaído también, como es lógico, la presión de los colonialismos, desde los primeros invasores hasta los explotadores de materias primas. Para desarrollar su planteamiento, el Director cuenta dos historias paralelas y entremezcladas. Una de ellos tiene como protagonista a Theodor KochGrünberg, un explorador alemán que atraviesa el Amazonas para encontrar una extraña flor que ayudaría a superar una terrible enfermedad; en ese propósito, necesita la ayuda del último superviviente de una tribu ya colonizada: el chamán Karamakate, un indígena cansado de la presencia de los europeos en el Amazonas, que decide no ayudar al explorador a menos que prometa servirle de guía hasta encontrar a más miembros de su desaparecida tribu. En la otra historia, muchos años después, un explorador americano llamado Richard Evans Schultes es conducido por un anciano Karamakate en la búsqueda de la apreciada planta. Pero esta vez el paisaje es muy distinto, ya que las antiguas regiones que rodeaban el río se han visto brutalmente dañadas por el negocio del caucho. Ciro Alfonso Guerra (Río de Oro, Colombia, 1981) cursó estudios de cine y TV en la Universidad Nacional de Colombia, entrando pronto en la prometedora industria cinematográfica que se viene desarrollando en ese país desde hace unos años. Rodó varios cortometrajes (Silencio, 1998; Alma, 2000); Intento (2001), y un documental sobre Jairo Pinilla, como pasos previos a sus primeras películas largas: La sombra del caminante (2004), Los viajes del viento (2009) y El abrazo de la serpiente, nominada al oscar como mejor película de habla no inglesa y que ofrece una extraordinaria visión de la naturaleza colombiana incluida la riqueza etnográfica y cultural del mundo indígena, circunstancias envueltas en una fotografía de increíble belleza en blanco y negro y una música fascinante, factores que hacen de ella una de las más gratificantes experiencias cinematográficas conocidas en los últimos años. -- 19 -- langosTa 25 de mayo de 2016 - sesión número 1525 En un futuro próximo donde no está permitido vivir sin pareja, los solteros son detenidos y llevados a un hotel espeluznante donde tendrán un plazo de 45 días para encontrar una pareja. Si no lo consiguen, serán transformados en el animal que previamente hayan elegido. A David le ha abandonado su mujer, de manera que no tiene más remedio que dirigirse a ese hotel para cumplir con su obligación social o convertirse en langosta. -- 20 -- Título original: The Lobster / O astakos. Nacionalidad: Reino Unido, Irlanda, Grecia, Francia, Holanda. Director: Yorgos Lanthimos (2015). Producción: Film 4, Scarlet Films, Element Pictures, Greek Film Center, Faliro Hourse Productions, Haut et Court, Eurimages, Nederlands Fonds voor de Film, Lemming Film. Guión: Yorgos Lanthimos, Etthymis Filippou. Fotografía: Thimios Bakatakis. Diseño de producción: Jacqueline Abrahams. Montaje: Yorgos Mavropsaridis. Actores: Colin Farrell (David), Rachel Weisz (La chica corta de vista), Jessica Bardem (La chica con hemorragia nasal), Olivia Colman (La Directora del hotel), John C. Reilly (El hombre que cecea), Léa Seydoux (La líder solitaria), Ashley Jensen (La mujer de la galleta), Ariane Labed (La criada), Ben Whislaw (El cojo), Angeliki Papoulia (La mujer cruel) Duración: 118 minutos Versión original con subtítulos en español. El cine de Yorgos Lanthimos (Atenas, 1973) no es fácil de digerir. Tras cursar estudios de Dirección de Cine y TV en la Escuela de Cine Stavrakos de Atenas, su ciudad natal, comenzó su carrera profesional durante la década de los 90, dirigiendo vídeos para diferentes compañías de danza, alternando con la dirección y montaje de obras teatrales y el rodaje de spots publicitarios. Tras esa primera etapa de preparación, en 2001 dirigió, junto a Lakis Lazopoulos, su primera película, My best friend, a la que siguió el cortometraje Uranio disco y, cuatro años más tarde, su primera película como Director en solitario, Kinetta, que se estrenó en el festival de Berlín pasando luego por otros muchos festivales. Fue miembro del equipo creativo que diseñó la apertura y cierre de las ceremonias de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004. En 2009, su película Canino (Kynodontas) ganó el Premio Una cierta mirada en el Festival de Cine de Cannes y el Premio Ciudadano Kane y Jurado Joven en el Festival internacional de Cine de Sitges de 2009. En 2011 dirigió Alps y ahora presenta su tercera película, Langosta que, más allá de lo explicado en el argumento llega cargada de sugerencias y provocaciones pues en ello reside el atractivo esencial del trabajo de este Director, en su capacidad para, desde las metáforas simbólicas intentar ofrecer explicaciones sobre los comportamientos de los seres humanos y el valor de cuestiones básicas de nuestra existencia: la soledad, el amor, las relaciones sociales, la búsqueda de lo incógnito, las coordenadas que rigen las decisiones de un poder tan omnímodo como oculto, la importancia del orden establecido y el valor de romperlo. No es Lanthimos el primero que se plantea semejantes cuestiones. En el imaginario colectivo se cuentan George Orwell o Aldous Huxley, que también presintieron unos mundos futuros sujetos a decisiones incomprensibles. Aquí, ya lo saben, se trata de encontrar pareja a toda costa, en un plazo determinado e improrrogable, y ahí aparece la primera transgresión de Lanthimos, puesto que en la actualidad, la tendencia es exactamente la contraria. Aquí no. Por un lado está el bando de los casados y por otro el de los solteros, que son denostados y perseguidos, obligados a vivir clandestinamente en un bosque en el que, algunos, ironía suprema, se emparejan por su cuenta y al margen de los canales establecidos. Como podemos presentir, el Director rompe todos los códigos establecidos tanto en el cine como en los comportamientos de la vida normal y ahí reside el principal atractivo de esta extraña película, original en su planteamiento, atrevida en la plasmación visual, incómoda por muchos de los conceptos que emite. El más importante de todos, el que suelen plantear todas las aproximaciones futuristas: ¿y si esto fuera verdad, y si esto resultará finalmente posible? -- 21 -- luCes de parís 2 de junio de 2016 - sesión número 1526 Brigitte y Xavier son agricultores en Normandía. Los negocios van muy bien, la vida familiar está correctamente ordenada, los hijos acaban de liberarse. La insatisfacción va por dentro, sobre todo en la mujer, que siente cómo el desgaste del tiempo pone en peligro su matrimonio. Para reanimarlo, piensa en algún medio que vuelva a encender la llama del amor y de la pasión, algo que puede resultar muy peligroso. -- 22 -- Título original: La Ritournelle. Nacionalidad: Francia. Director: Marc Fitoussi (2014). Producción: France 2 Cinéma, Vito Films. Guión: Marc Fitoussi. Fotografía: Agnès Godard. Música: Tim Gane, Sean O’Hagan. Sonido: Olivier Le Vacon. Montaje: Laure Gardette. Actores: Isabelle Huppert (Brigitte Lecanu), JeanPierre Darroussin (Xavier Lecanu), Michael Nyqvist (Jesper), Pio Marmaï (Stan), JeanCharles Clichet (Régis), Marina Fois (Christiane), Audrey Dana (Laurette), Anaïs Demoustier (Marion), Clemente Metayer (Gregory), Lakshanta Abenayake (Apu) Duración: 98 minutos Versión original con subtítulos en español. Marc Fitoussi (nacido en 1974) es un guionista y Director francés que, pese a su juventud y todavía escasa obra, está avanzando a pasos muy sólidos en el escalafón del prestigio y la popularidad. Después de haber realizado estudios universitarios en Historia del Arte, formó parte de la primera promoción del Conservatorio europeo de escritura audiovisual, donde se especializó en la escritura del guión cinematográfico y de forma paralela comenzó a realizar varios cortometrajes, figurando entre ellos uno, Ilustre desconocida Pimienta Candy que le valió una nominación a los premios César en 2007. Ese mismo año dirigió su primer largometraje, La vida del artista, con el que obtuvo el premio Michael d’Ornano otorgado por primera vez a una película francesa de ficción. En 2010 presentó su segunda película, Copacabana y en 2012, El detective Pauline. Ninguna de esas películas ha sido proyectada comercialmente en España por lo que la presencia ahora de Luces de París significa la llegada a nuestro país de la primera obra de un autor que, como se dice al principio de esta nota, ha ido consolidando de forma notable una valiosa consideración a partir de sus anteriores trabajos y cuya línea estilística se inscribe hasta ahora en una problemática muy del gusto francés, la comedia dramática, con amplio espacio para la consideración de los caracteres y comportamientos humanos, en busca de los siempre insondables matices del sentimiento. El punto de partida puede parecer tópico: la prolongada convivencia entre dos personas deviene en rutina, aburrimiento, monotonía, cansancio. Algo que, probablemente, la mayoría acepta como cosa normal, acostumbrándose a ello, sin advertir que un remedio a tiempo podría alterar el rumbo de las cosas lo que puede conducir a que uno de ellos piense que el modo de corregir la situación es buscar nuevas emociones, explorar posibilidades diferentes que lleven a una más placentera sensación vital. Que es el camino emprendido por la protagonista. “Fitoussi confecciona el retrato de una mujer necesitada de aventuras y que, movida por la curiosidad, decide emprender un viaje a ninguna parte (con destino París) con el firme propósito de conocerse a sí misma. Se inicia aquí una interesante reflexión acerca de la exploración de los límites personales, abordando la necesidad de soltar el timón que guía la vida (sensación de libertad) para volverlo a agarrar con mayor determinación” (Daniel Reigosa, en Caimán, núm. 98) para dar, como resultado, una comedia agridulce, amable, con el necesario toque de escepticismo, en tono a la insatisfacción personal y la infidelidad como vía de escape, un engranaje que siempre necesita de la complicidad de dos grandes actores y aquí están, sin duda, en las personas de Isabelle Huppert y Jean-Pierre Darroussin. -- 23 -- respira 8 de junio de 2016 - sesión número 1527 Elena, una chica griega joven y cualificada, pero con pocas perspectivas de futuro en su país natal, decide marcharse a Frankfurt en busca de una vida mejor. Allí empieza a trabajar de niñera para Tessa, una directiva de éxito, Elena empieza a disfrutar del tiempo que pasa con el bebé e incluso se hace amiga de Tessa. Pero un descuido hace que Elena pierda un día de vista a la pequeña Lotte. A partir de ese momento sus vidas cambiarán para siempre. -- 24 -- Título original: Ein atem. Nacionalidad: Alemania. Dirección: Christian Zübert (2015). Producción: Senator Film Produktion, CL Productions. Guión: Christian Zübert, Ipek Zübert. Fotografía: The Chau Ngo. Montaje: Mona Bräuer Actores: Jördis Triebel (Tessa), Chara Mata Giannatou (Elena), Benjamin Sadler (Jan), Akilas Karazisis (Tiberios Laskari), Richard Van Weyden (Bohm), Apostolis Totsikas, Nike Maria Vassili. Duración: 110 minutos Versión original con subtítulos en español. No debemos considerar como una casualidad que la joven emigrante sea griega y que el lugar de destino sea la casa de otra mujer, en este caso bien acomodada, y alemana. De manera simple y directa, el Director nos sitúa ante la dicotomía que se viene alentando en la Europa unida, la de la antigua prosperidad, entre dos de los extremos sobre los que pivota la crisis en que se encuentra sumergido el continente, apagados los sueños de hacer coexistir esos dos puntos hasta eliminar diferencias entre ellos y conseguir una armonía económica y social. Al contrario, asistimos cada día a cuestiones preocupantes que nos van alejando de aquel sueño ideal. La gravísima crisis de los refugiados (en todo su apogeo cuando se escriben estas líneas) viene a ser el detonante que ha puesto en crisis total la estructura del sistema, que se quiebra precisamente por el sector oriental, con Grecia en el punto de lanza, añadiendo a su propia crisis anterior la que ahora sufre como puerta de entrada a Europa de cuantos vienen huyendo de territorios en conflicto. En el otro extremo de la balanza, la rica Alemania, la poderosa Alemania, que decide qué y cómo hay que hacer las cosas y que Zübert muestra como un ente social totalmente indiferente hacia lo que está sucediendo. En ese contexto, que no aparece explícito pero sí subyacente, se forja el conflicto entre dos mujeres que, en un momento ciertamente fatídico, cruzan sus vidas, unen sus destinos y se ven inmersas en una profunda crisis de identidad emocional, a partir de la pérdida del hijo de una de ellas, un hecho que, paradójicamente, las empareja e iguala, porque el dolor y los sentimientos no son diferentes de un país a otro, ni entre ricos o pobres. De tal forma que el planteamiento inicial, en torno a la emigración o las dificultades sociales, deriva en la segunda parte de la película hacia lo que el propio Zübert califica como un thriller, una intriga basada en la búsqueda del bebé, por lo que la lucha de Tessa por recuperar a su hijo se convierte en el eje argumental. “Me interesaba, dice el Director, que la perspectiva cambiase para que también lo hiciera el sentimiento de empatía del público. Tienes a esta chica pobre que emigra y se enfrenta a esta mujer rica y egoista, pero luego te das cuenta de que también tiene problemas aunque sean de distinta naturaleza”. Christian Zübert (Wurzburg, 1973) estudió en la Universidad de su ciudad natal y luego empezó a trabajar como guionista, especialmente para TV, de donde pasó al cine, debutando con Lammbock (2001); dirigió una película para niños y jóvenes, El tesoro de los halcones blancos (2004), continuando después en TV, de donde regresó a la pantalla grande con Dreiviertelmond (2011). -- 25 -- 45 años 15 de junio de 2016 - sesión número 1528 (17:00 y 22:00 horas) Falta sólo una semana para el 45º aniversario de su boda, y Kate Mercer está muy ocupada con los preparativos de la fiesta. Pero entonces llega una carta dirigida a su marido, en la que se le notifica que, en los glaciares de los Alpes suizos, ha aparecido congelado el cadáver de su primer amor. Todo será diferente a partir de ese momento. -- 26 -- Título original: 45 Years. Nacionalidad: Reino Unido. Director: Andrew Haigh (2015). Producción: The Bureau. Argumento: Un relato de David Constantine. Guión: Andrew Haigh. Fotografía: Lol Crawley. Diseño de producción: Sarah Finlay. Música: Connie Farr. Montaje: Jonathan Alberts. Actores: Charlotte Rampling (Kate Mercer), Tom Courtenay (Geoff Mercer), Dolly Wells (Charlotte), Geraldine James (Lena), Richard Cunningham (Sr. Watkins), David Sibley (Geroge), Sam Alexander (Chris), Michele Finch (La sobrina). Duración: 95 minutos Versión original con subtítulos en español Festival de Berlín: mejor actor, mejor actriz. Premios del cine europeo: mejor actriz. Festival de Valladolid: mejor actriz. Esta es una película absolutamente ejemplar. No es vanguardista, no rompe moldes, no es políticamente atrevida ni socialmente abrupta. Es, sencillamente, un perfecto modelo narrativo, en el que todo está encajado en su punto justo, en que cada movimiento, cada encuadre, cada sonido, están donde deben estar, tan cuidadosamente estudiados y filmados que no queda el menor resquicio para que penetre la duda o el desconcierto. Es una película dirigida desde el sentimiento reposado, desde la inteligencia, sin sobresaltos. Andrew Haigh (Harrogate, North Yorkshire, 1973) se graduó en Historia en la Universidad de Newcastle pero pronto se orientó hacia el cine, trabajando como ayudante del montador en varias películas. En 2009 dirigió su primer largometraje, sobre la prostitución masculina al que siguió Fin de semana (2011) también sobre una relación homosexual; nada que ver esta temática con la que forma el entramado básico de 45 años, organizado esencialmente en torno a la pareja protagonista, los muy veteranos Charlotte Rampling y Tom Courtenay, en verdad en estado de gracia interpretativa. La acción ocupa seis días, en que la pareja se ha retirado a su casa de campo, en Norfolk, para llevar a cabo la fiesta familiar con la que van a celebrar sus 45 años de matrimonio. Cada uno de los días empieza del mismo modo: Kate sale a pasear con el perro, a primera hora de la mañana. El ritual se rompe el jueves. Algo nuevo ha pasado, algo de evidente dureza como para alterar el suave ritmo de las cosas. La apacible vida de la pareja recibe la noticia inesperada de un antiguo amor de Geoff y de esa manera la sombra de una infidelidad pasada se interpone de manera brusca alterando severamente el sosegado discurrir de la vida familiar, abriendo un panorama que ofrece diversas alternativas y ese repertorio de opciones enriquece notablemente el desarrollo de la historia. En todo ello juegan importantes papeles los elementos simbólicos que Haigh utiliza en apoyo del relato. Por ejemplo, la serie de imágenes que se proyectan al inicio de la película, acompañando a los títulos de crédito, corresponden a las diapositivas que Kate descubrirá más adelante en la buhardilla de la casa. O la forma en que el Director utilizar las diversas músicas oyéndose en lugares distintos de donde se encuentran los protagonistas hasta culminar con la canción de The Platters que se oye en el amargo plano final de la película. -- 27 -- ¿ángel o diablo? 15 de junio de 2016 - sesión número 1528 (19:30 horas) Eric Stanton se ve obligado a bajar del autobús en que viaja porque no tiene dinero para todo el trayecto. Es así como llega a un pueblo desconocido, donde empieza a frecuentar un local de comidas, cuya principal atracción es una hermosa camarera llamada Stella. -- 28 -- Título original: Fallen Angel. Nacionalidad: Estados Unidos. Director: Otto Preminger (1945). Producción: 20th Century Fox. Argumento: La novela de Mary Holland. Guión: Harry Kleiner. Fotografía: Joseph LaShelle. Música: David Raksin. Efectos especiales: Fred Sersen Actores: Dana Andrews (Eric Stanton), Alice Faye (June Mills), Linda Darnell (Stella), Charles Bickford (Mark Judd), Anne Revere (Clara Mills), Bruce Cabot (Dave Atkins), John Carradine (Profesor Madley), Percy Kilbride (Pop), Olin Howlin (Joe Ellis) Duración: 95 minutos. Versión original con subtítulos en español. Otto Preminger (Viena, 1906-Nueva York, 1986) es uno de los grandes nombres del cine americano y, a la vez, uno más de los muchos que gracias a Hitler y el nazismo se vieron obligados a huir de Europa para enriquecer la producción de Hollywood. Cursó estudios de Filosofía y de Leyes pero pronto mostró una invencible atracción hacia el teatro, en el que trabajó como actor. Licenciado en Derecho en la universidad de Viena, su interés por el teatro le llevó a colaborar con Max Reinhardt y dirigir obras de gran éxito. En 1925 se trasladó a Hollywood para dirigir Liebel, permaneciendo ya en Estados Unidos de manera definitiva a partir de 1935. Amigo y colaborador de Lubitsch, en 1954 formó su propia compañía productora. Títulos como Laura (1944), Ángel o diablo (1945), Al borde del peligro (1950), Cartas envenenadas (1951), Cara de ángel (1953), Río sin retorno (1954), Carmen Jones (1954), Porgy and Bess (1958), Éxodo (1960), Tempestad sobre Washington (1962), El Cardenal (1963) forman el soporte del prestigio de Preminger, desgraciadamente arruinado por sus películas siguientes, en las que hay títulos de muy bajo nivel, hasta cerrar la filmografía con una frustrante El factor humano (1980), rodada seis años antes de su muerte. Pero si esta es una carrera irregular, con altibajos muy considerables, no es menos cierto que entre los títulos que hemos citado hay algunos de inevitable referencia al hacer un balance del cine estadounidense en torno a la mitad del siglo XX, entre ellos la poderosa Anatomía de un asesinato, que pudimos ver en nuestro Cine Club el 13-06-2007 como cierre de la temporada de aquel año. ¿Ángel o diablo? (El ángel caído, en su traducción literal) es cine negro en estado puro; rodada al año siguiente de Laura sirve a Preminger para profundizar en muchos de los aspectos que había expuesto en aquél film histórico y modélico, como la observación de los rincones más turbios de la sociedad americana, aún convulsionada por los estertores de la II Guerra Mundial. Fiel a un esquema clásico, la llegada de un desconocido a una pequeña sociedad rural producirá la alteración de las rutinas consolidadas, sobre todo en el ánimo de dos mujeres de características contrapuestas, dando lugar a la aparición de personalidades ambivalentes y situaciones conflictivas, hasta formar el tradicional triángulo. Entre ellas está el hombre, un desconocido, el mismo Dana Andrews que había triunfado en Laura, cínico, egoísta, un buscavidas sin aparente pasado y a la búsqueda de un futuro a cualquier precio, que encuentra en la sensualidad de June la oportunidad de conseguirlo, aún pasando por el crimen. Todo ello tiene un espacio muy concreto, el sórdido bar Pop’s, convertido por la habilidad de Preminger en un personaje más de la acción, como también lo es la canción Slowly que emite una máquina de discos. Puro cine negro, para disfrute de aficionados en general y nostálgicos en particular. -- 29 -- Cine-fórum una cita mensual para ConoCer, esTudiar, analizar, ComenTar el hecho cinematográfico Desde el Cine-Club Chaplin promovemos la realización de CINEFÓRUM con el objetivo de mantener un permanente ámbito de conocimiento y discusión en torno a los diversos matices que ofrece el desarrollo del cine, mediante el análisis de cuestiones históricas, técnicas, argumentales, etc., buscando siempre la vinculación entre el hecho cinematográfico y la sociedad en que vivimos. Las sesiones de CINEFÓRUM tienen lugar una vez al mes, en la sede de la UIMP (plaza de Palafox), a las siete de la tarde y están abiertas a cualquier persona que quiera asistir y participar. Un especialista propone un tema de análisis vinculado a una película clásica que se proyecta a continuación y sobre la que finalmente se establece el debate. Para el segundo trimestre del año 2016, las sesiones previstas son: 13 Jueves, 21 de abril: LA NARANJA MECÁNICA, de Stanley Kubrick. Intervendrá José Luis Muñoz, escritor y editor, Presidente del Cine-Club Chaplin de Cuenca; nos acercará a las obsesiones creativas de un director de culto a través de esta controvertida película. 14 Jueves 19 de mayo: CIELo SobRE bERLíN, de Wim Wenders. Intervendrá Ángel Luis Luján, investigador y poeta; nos invita a esta fascinante propuesta cargada de emociones líricas, basada en un guión escrito por Peter Handke en colaboración con el director. 15 Jueves 9 de junio: MÁS DURA SERÁ LA CAíDA, de Mark Robson Intervendrá José Vicente Ávila, cronista de la intra-historia de Cuenca, articulista y comentarista especializado en el ámbito deportivo y taurino; hablará de la corrupción en las diferentes esferas del deporte profesional. -- 30 -- A comienzos de temporada, la directiva del Cine Club empezó a desarrollar la idea de publicar una revista anual que, por un lado, pudiera servir de órgano para recoger la actividad interna, dejando constancia escrita de lo que hacemos, y por otro fuera vehículo de expresión para aquellos socios que tengan ganas de escribir y expresar su pensamiento sobre cuestiones cinematográficas. Aquello, que era un propósito, ha ido evolucionando a lo largo de la temporada y ahora nos encontramos ya en plena preparación del primer número, que deseamos entregar a los socios coincidiendo con la última sesión de la temporada. Tiempos modernos es el título elegido para bautizar esta nueva criatura. Nos parece adecuado, por chapliniano y por reflejar perfectamente lo que el cine vino a ser en su aparición y sigue siendo, como arte de nuestro tiempo. Desde aquí invitamos a participar en este proyecto a cualquier socio del Cine Club que desee hacerlo. Hay dos caminos: el artículo y la carta al director. El artículo requiere que, previamente, se nos comunique el tema o asunto que se desea analizar, con el fin de estudiarlo en el Consejo de Redacción y ver su viabilidad teniendo en cuenta los demás artículos que se están elaborando. basta con dirigir un mensaje al correo electrónico del Cine Club y nos pondremos en contacto con el autor para comentar su proyecto. En cuanto a otro tipo de comunicados (sugerencias, ideas, quejas, comentarios sobre algún aspecto del Cine Club o del cine en general o en Cuenca en particular) se pueden enviar directamente también al correo electrónico, siempre con identificación personal del firmante. Esperamos y deseamos contar con una amplia participación colectiva para llevar adelante este proyecto. El 15 de junio, en la despedida, podremos ver el resultado. ESTE PRoGRAMA SE EDITA CoN LA CoLAboRACIÓN DE Cine-Club Chaplin de Cuenca Temporada XLV Foto portada: Charles Chaplin en Tiempos modernos (Modern times, 1935) Imprime: Imprenta Provincial. Sargal 6 bajo 16002 Cuenca. Depósito legal: CU-1-2014
