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DOSSIER de PRENSA del PROGRAMA de Exposiciones Temporales del Museo PATIO HERRERIANO en el año 2003 PATIO HERRERIANO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO ESPAÑOL Departamento de Comunicación y Desarrollo Calle Jorge Guillén, 6. 47003 Valladolid Teléfono: 00 34 (9) 83 362 908; Fax: 00 34 (9) 83 375 295 Correo electrónico: [email protected]; [email protected] Presentación Las exposiciones del año 2003 se enmarcan en las líneas, conceptos y criterios recogidos en el Programa General de Exposiciones del Museo Patio Herreriano que se estableció en el Plan Director del mismo hace cerca de dos años. El objetivo principal del programa de exposiciones es que esté dotado de personalidad propia, rigor y adecuación a las circunstancias y características concretas de nuestro museo y del ámbito geográfico que lo acoge, con el fin de constituirse en una referencia significativa en el mapa español de museos y, con tiempo, en el internacional. En síntesis los criterios generales son: 1º- Asumir la colección con su especificidad, singularidad y excelencia (revisión histórico-artística del arte español, entre los años 10 y la actualidad, con un perfil riguroso y capaz de mostrar la complejidad de la creación contemporánea) como núcleo de contenido del museo que condiciona y contamina en positivo la personalidad de los nuevos proyectos. 2º- Elegir y determinar los contenidos de los proyectos de acuerdo también a las líneas de trabajo iniciadas en la colección. *Propiciar revisiones históricas de artistas y movimientos que aporten mayor conocimiento sobre el desarrollo del arte español contemporáneo. *De forma específica estudiar y mostrar las importantes y radicales aportaciones, a menudo desatendidas, de la creación escultórica en sentido amplio y de la producción de dibujo u obra sobre papel que han atravesado con gran fuerza el siglo XX y cuya práctica permanece especialmente vigorosa en nuestros días. *Especialmente se desea prestar atención a la creación actual que comporta la exploración de nuevos medios y técnicas y toma el pulso y asume la responsabilidad ineludible de dar sentido a la creación artística y a la mirada de nuestro tiempo. 3º- En contraste con los dos criterios anteriores basados en las fortalezas de la colección, se considera particularmente importante dar a conocer y mostrar los ámbitos que no se atienden en la colección, con el fin de enriquecer, no fragmentar y crear finalmente un contexto realista y adecuado al arte contemporáneo español. En este sentido se ambiciona en lo posible que estos nuevos contenidos o proyectos dialoguen, por contraste o afinidad, con los contenidos propios del museo. *Exposiciones de arte internacional atendiendo especialmente a la génesis y desarrollo de los artistas y movimientos más relevantes en la historia del arte contemporáneo. Incluirá proyectos más matizados que sintonicen y aporten luz sobre la creación española. *Así mismo se abordarían los artistas españoles de ámbito internacional con escasa o ninguna presencia actualmente en la colección. *También cabe plantear remontarse a los orígenes y la génesis de la producción artística de nuestro periodo, que permite estudiar y mostrar a los maestros que a lo largo del s. XIX y especialmente finales del XIX y principios del XX iniciaron propuestas y renovaciones fundamentales para el arte del s. XX. 4- El último de los factores o criterios que determinan el programa de exposiciones viene dado por los espacios concretos del Museo Patio Herreriano. El museo dispone de varios espacios con una marcada significación, e incluso en alguno de ellos simbólica y expresiva. A.- La sala 11 o Capilla de los Condes de Fuensaldaña es un espacio arquitectónicamente emblemático del museo, que a su vez requiere mostrar obras o proyectos artísticos que asuman esta arquitectura monumental creando diálogo, tensión o silencio y permitiendo que esta sala sea siempre por su contexto y contenido referencia del museo para sus visitantes. Por ello será una sala siempre de proyectos o exposiciones temporales, ofreciendo por lo tanto con frecuencia trimestral nuevas propuestas. Estas propuestas son, bien escultura de gran formato o instalaciones ya realizadas que contribuyan a potenciar el espacio-contenido y a revisar las grandes aportaciones de la escultura contemporánea, o bien proyectos específicos realizados y encargados para dotar de significado a este espacio. Esta última es además una de las líneas más relevantes de trabajo de muchos artistas actuales, que los museos desean acoger y producir en la medida en que poseen espacios suficientemente expresivos. B.- Especialmente el claustro, pero también el Patio de Novicios y la Plaza del Museo se tratarán en determinadas circunstancias como espacios expositivos y de proyectos, atendiendo a la especificidad de cada uno de ellos (arquitectura simbólica, necesario uso de circulación y accesos, condiciones ambientales, etc. ) y tratando de cumplir con dos objetivos: -Extender el museo y las obras de forma no únicamente constreñida a las salas, buscando crear un espacio /contenido fluido y abierto. -Adecuar óptimamente los proyectos a los espacios, con toda su complejidad y relevancia, pues son espacios eminentemente visibles y significativos. C.- La actual sala 4 es, por sus dimensiones y condiciones ambientales, idónea para exposiciones de “gabinete” que permite una línea de proyectos de obra sobre papel, archivos, documentación, fotografía, etc. de formato pequeño e íntimo. D.- Con el fin de mostrar las exposiciones temporales del modo más adecuado y beneficioso posible para cada proyecto, se ha creído conveniente alojarlas en principio en dos diferentes conjuntos de salas del museo: *Las salas 9 y/o 10, que son las de mayores dimensiones del museo y además con gran expresividad espacial (la 10 por la presencia histórica de su arquitectura y la 9 por la magnífica solución contemporánea), alojarán preferentemente, las dos o una de ellas dependiendo del proyecto, las exposiciones de obras de mayor formato y que estimulen la interlocución con el espacio. *Las salas 7 y/o 8, en la tercera planta de las alas vieja y nueva sur, por sus dimensiones y características espaciales son excelentes e idóneas para un perfil muy amplio y variado de exposiciones que no requieren la monumentalidad de las salas 9 ó 10. E.- Por último, con gran acierto y fortuna para el museo disponemos de otro “espacio expositivo” muy significativo. Se trata de la fachada neutra del edificio nuevo, sobre la cafetería y enfrentada a la plaza del museo. Ésta es una fachada “pantalla” de cine-vídeo natural y de gran envergadura física que nos permite programar ciclos de videocreación y cine abiertos a la ciudad y de impacto espectacular. Si bien, esta programación se reforzará y completará con visionados en el Salón de Actos del museo y con el inicio de Videoteca (archivo y visionado) en el Centro de Documentación del museo. . Programa de Exposiciones Calendario JUAN UGALDE Parques naturales del 12 abril al 13 de julio de 2003 ISIDRO BLASCO Más allá del 12 abril al 29 de junio de 2003 JOAN MIRÓ Càntic del sol del 29 de mayo al 14 de septiembre de 2003 JORGE BARBI El muro de Planck del 10 de julio al 28 de septiembre de 2003 ÁNGELES SANTOS Un mundo insólito en Valladolid octubre-diciembre de 2003 Juan Ugalde Exposición: Juan Ugalde: parques naturales Fechas: 12 abril - 13 de julio 2003 Comisaria: Virginia Torrente, Jefa del Departamento de Conservación y Exposiciones del Museo Patio Herreriano Espacios del Museo: salas 9 y 10 Montaje: Andrés Mengs Obras: la exposición constará aproximadamente de 40 obras, incluyendo la presentación de algunas inéditas realizadas en exclusiva para esta muestra. El resto de las piezas procede de museos, colecciones privadas y del estudio del artista. Descripción de la exposición La exposición de Juan Ugalde (Bilbao, 1958) quiere fomentar el conocimiento de un artista español contemporáneo, cuya sólida trayectoria permite hacer una revisión de su obra a lo largo de los diez últimos años. Esta revisión no ha sido aún llevada a cabo en ningún museo, lo cual hace especialmente interesante esta muestra y la constituye en referencia para el conocimiento del artista del que se han reunido las obras más emblemáticas de este periodo. En la década de los ochenta Ugalde formó parte del colectivo Estrujenbank, junto al poeta Dionisio Cañas y los pintores Patricia Gadea y Mariano Lozano. Este grupo se nutría del mundo de la publicidad y el cómic para generar una estética llena de ironía que Ugalde nunca ha abandonado. Sin embargo, a partir de la disolución de Estrujenbank en 1991, su obra adquiere tonos más naturalistas debido al uso de la fotografía, pegada al lienzo y manipulada con pintura y collage. La exposición Juan Ugalde: parques naturales, recorre la trayectoria de este artista bilbaíno desde 1992, fecha en la que comienza a utilizar la fotografía pegada al lienzo como soporte. Se reunirá un conjunto de aproximadamente 40 obras, en el que se potenciará no sólo su quehacer pictórico, sino también otras facetas de su creación que han sido menos estudiadas y que muestran a un Ugalde interesado en nuevas fórmulas artísticas. Así, además de un total aproximado de 30 cuadros y 10 obras sobre papel de nueva producción, la exposición se complementa con una proyección de vídeos y una instalación (en el exterior del museo). Con ello se pretende proporcionar una visión más completa de la obra de este artista. Catálogo El catálogo será bilingüe (español/inglés) y contará con textos de: - Dionisio Cañas, catedrático de la City University de Nueva York, miembro fundador del colectivo Estrujenbank, y el mayor experto en la obra de Juan Ugalde. Este texto incluye diversas entrevistas que, desde hace unos meses, han venido manteniendo el autor y el artista, y que se presentan a modo de diálogo, reflexión y análisis entre ambos. - Virginia Torrente, comisaria de la exposición, presenta un texto en el que revisa la obra del artista a lo largo del periodo que se muestra en la exposición, ofreciendo un punto de vista complementario de la obra de Juan Ugalde. Diseño: Andrés Mengs Biografía de JUAN UGALDE Bilbao, 1958 Ugalde vive y trabaja actualmente en Madrid, donde se instaló tras una temporada en la que residió en Nueva York (1986-89). Hasta 1991, junto con Patricia Gadea y otros artistas, formó el grupo Estrujenbank, alternativa agitadora frente a las teorías más serias del arte contemporáneo. Los cuadros de Ugalde, en cierta manera, respetan los convencionalismos de la pintura realista al uso: narran acontecimientos, escenas cotidianas. Otra cosa es que aporten, a su vez, bastantes novedades rompedoras: el sentido del humor a través de una muy refrescante iconografía extraída de los tebeos, el cómic, la televisión y cualquier otro medio de comunicación de masas; y también el contraste como recurso pictórico, superponiendo modos de pintar e imágenes diferentes dentro del mismo lienzo (el propio artista llama a esto la "Perspectiva-Satélite"). El mecanismo de la ironía es la expresión pura de los cuadros de Ugalde, en los que lo cotidiano aparece mezclado con lo imposible. Es el pintor realista más surrealista de la pintura contemporánea española. Ugalde selecciona momentos de lo que ocurre a su alrededor, y los tiñe de socarronería, exotismo, y de todo lo que se le ocurra. Su pintura es inmediata, ágil y rápida, y su intención es que su obra llegue a todo el mundo: "Una de las premisas que me he marcado es usar un lenguaje absolutamente comprensible para cualquiera". En su obra más reciente, la fotografía cobra cada vez mayor importancia, no siendo ésta un recurso más en algún rincón del lienzo, sino que ahora es el soporte sobre el que pinta. A su vez, está experimentado con proyecciones y sonido, incorporando la opción de nuevos soportes a su obra. Bibliografía Básica: Álvarez Reyes, J. A., cat., Juan Ugalde, gal. Fúcares, Madrid, 1997; Cañas, D., cat., Juan Ugalde, gal. Arteunido, Barcelona, 1988; Cañas, D., cat., Estrujenbank. Hojalatería y pintura en general, gal. Xavier Fiol, Palma de Mallorca, 1990; Cañas, D., cat., Con pelos en el corazón, Univ. Pública de Navarra, Pamplona, 1995; Castro, F., cat., La ironía no es cosa de bromas, Pal. Almudí, Ayuntamiento de Murcia, Murcia, 1988; Rivas, F., cat., Los mares del sur, gal. Buades, Madrid, 1992 Algunos escritos de Ugalde: en Álvarez Reyes, J. A., cat., Juan Ugalde, gal. Fúcares, Madrid, 1997; en Rivas, F., cat., Los mares del sur, gal. Buades, Madrid, 1992 Exposiciones Individuales: 2002 2001 2000 1998 1997 1996 1995 1994 1992 1989 1988 1986 1984 1982 1979 1978 Galería Trinta, Santiago de Compostela Galería Nathalie Parienté, París Galería DV, San Sebastián Galería Tomás March, Valencia Galería Soledad Lorenzo, Madrid Galería Punto, Valencia Galería Nathalie Parienté, París Galería Berini, Barcelona Galería Windsor Kulturgintza, Bilbao Galería Fúcares, Madrid y Almagro, Ciudad Real Galería Fernando Silió, Santander Centro Cultural Ciudad de Cartagena, Murcia Galería Maior, Pollensa, Mallorca Galería Buades, Madrid Sala Carlos III, Universidad Pública de Navarra, Pamplona Galería Miguel Marcos, Zaragoza Galería My Name’s Lolita Art, Valencia Galería Windsor Kulturgintza, Bilbao Galería Buades, Madrid Galería My Name’s Lolita Art, Valencia Galería Alejandro Sales, Barcelona Galería Buades, Madrid Galería Grito, Barcelona Galería Miguel Marcos, Zaragoza Galería Buades, Madrid Caja Laboral Popular, Bilbao Galería Fanfarria, San Lorenzo de El Escorial, Madrid Salas de la Escuela de Arquitectura, Madrid Isidro Blasco Exposición: Isidro Blasco: más allá Fechas: 12 abril - 29 de junio 2003 Proyecto: Virginia Torrente, Jefa del Departamento de Conservación y Exposiciones del Museo Patio Herreriano Sala del museo: Capilla de los Condes de Fuensaldaña (sala 11) Procedencia de las piezas: obra creada específicamente para este espacio (site-project) Descripción de la exposición El Museo Patio Herreriano cuenta entre sus salas con la Capilla de los Condes de Fuensaldaña, que ha sido restaurada como lugar expositivo. La rehabilitación arquitectónica, mezcla de pasado y modernidad, dota a la sala de una fuerza y carácter que la convierten en un espacio emblemático del Museo. Por esta razón, se ha considerado que determinados proyectos expositivos que albergue esta capilla sean de una naturaleza particular, presentando la obra de artistas que creen una pieza específica para este espacio (site-project). De este modo dará comienzo un ciclo expositivo del Museo que engloba varias de las líneas establecidas en el plan museológico, tales como la investigación en torno a la escultura, el desarrollo de nuevas fórmulas artísticas, el uso de nuevos medios en la obra de arte y el fomento de la obra de jóvenes creadores que, a menudo, encuentran serias dificultades para entrar en los circuitos museísticos. La exposición para esta sala de Isidro Blasco (Madrid, 1962) será la primera muestra de este tipo llevada a cabo en el museo desde su inauguración el pasado mes de junio. El proyecto presentado por Isidro Blasco se centra en el modo de trabajo más reciente de este artista que, partiendo de la escultura formal, se decanta por la introducción de proyecciones sobre construcciones efímeras. Catálogo La muestra irá acompañada de un catálogo de pequeño formato, bilingüe (español/inglés), el primero de una colección que presentará los proyectos de la sala 11 del Museo (Capilla). En él se presentará la pieza y se recogerá, a modo de documento, el proceso de construcción de este site-project. - Introducción sobre el artista a cargo de Virginia Torrente, comisaria de la exposición. - Texto de presentación de la pieza escrito por Deborah Cullen, conservadora del Museo del Barrio, Nueva York. - Fotografías mostrando el proceso de construcción de la pieza y de la misma una vez terminada, realizadas por Adrian Tyler. Biografía de ISIDRO BLASCO Madrid, 1962 A pesar de vivir y desarrollar su trabajo en Nueva York desde 1996, Isidro Blasco ha mantenido el contacto con España a través de diversos proyectos presentados tanto en instituciones públicas como con la galería que le representa. Desde su primera exposición, realizada en 1988, su producción ha girado siempre en torno a la problemática de materializar el espacio y el vacío. Tras unos primeros trabajos en hierro, su obra se centra en la exploración representada en construcciones de madera, desnudas primero, y posteriormente, sobre éstas, aplica secuencias fotográficas que juegan con la escala en el espacio. En los últimos años, la imagen fotográfica está siendo sustituida por el vídeo, rompiendo así los límites de la disciplina escultórica en su denominación más formal, generando obras donde esta experimentación da como resultado un gran atractivo visual y formal para el espectador. La evolución de la producción del artista parte de la transformación de la escultura a finales de los años sesenta, cuando la investigación en torno al vacío genera una serie de obras ligadas al espacio arquitectónico. Isidro Blasco no esculpe, sino que construye el espacio desde la imagen bidimensional. Para ello, sobrepone a sus estructuras construidas en madera imágenes fotográficas o proyecciones que, por su carácter secuencial, son capaces de generar una experiencia motriz. De esta manera, la imagen plana cobra volumen, convirtiéndose en una representación del espacio habitable, cercano al espectador. Bibliografía Básica: Álvarez Reyes, J.A., La casa: su idea. cat. exp., Comunidad de Madrid, 1997; Bonet, J.M., cat. exp. Diputación de Alicante, 1992; Llorca, P., cat. exp. Galería Estampa. Madrid, 1988 Algunos escritos de Blasco: texto en cat. El destino de un tacto. The Fate of a Touch, Universidad de Alicante, 1999 Exposiciones Individuales: 2002 2001 2000 1999 1998 Galería Fúcares, Madrid Galería Fúcares, Almagro, Ciudad Real Roger Smith Gallery, Nueva York Galería Marta Cervera, Madrid P.S.1, Nueva York Stefan Stux Gallery, Nueva York Museo de Arte Contemporáneo, San José, Costa Rica Queens Museum, Nueva York Sala de exposiciones de la Universidad, Alicante Galería Marta Cervera, Madrid 1994 1992 1990 1988 Sala Diario Levante, Valencia Galería Saro León, Las Palmas de Gran Canaria Galería Anselmo Álvarez, Madrid Palacio Gravina, Alicante Galería Mácula, Alicante Galería Estampa, Madrid Casa de Cultura, Majadahonda, Madrid En noviembre del 2003 presentará un proyecto para el Espacio 1, MNCARS, Madrid Joan Miró Exposición: Joan Miró: Càntic del Sol Fechas: 29 de mayo – 14 de septiembre del 2003 Salas del museo: 7 y 8 Obras: la exposición comprende 30 pinturas, 35 esculturas, 13 grabados y el libro Càntic del sol, publicado en 1975 e ilustrado con grabados de Miró. Todas las piezas proceden de los fondos de la Fundació Joan Miró de Barcelona. El Càntic del sol, uno de los últimos libros de bibliófilo de Joan Miró, contiene el poema de San Francisco de Asís y 33 grabados al aguafuerte y al aguatinta realizados por el artista. Descripción de la exposición A lo largo de su trayectoria, Joan Miró creó uno de los lenguajes plásticos más personales y de mayor repercusión en el arte del siglo XX. Sus temas hunden sus raíces en una tradición mediterránea que confiere una especial importancia a los astros y a la naturaleza, principal fuente de la iconografía mironiana. La evolución de su obra pasa por una paulatina eliminación de todo lo accesorio, reduciendo tanto los conceptos como su paleta a su forma más esencial e inmediata. Esta faceta reduccionista no tuvo sin embargo un paralelismo en cuanto a su forma de trabajo, puesto que Miró utilizó todas las técnicas artísticas que tuvo a su alcance. Su curiosidad le llevó a explorar las posibilidades del grabado, a experimentar con el volumen y, por encima de todo, a pintar y a dibujar, a menudo de manera poco convencional, sirviéndose de soportes inusuales, encolando, rasgando, combinando técnicas diversas, después de haber demostrado que también podía hacerlo de forma ortodoxa. La exposición presenta una selección de obras sobre papel, esculturas y pinturas de un momento culminante de madurez de Miró (1965-1978), en el que a través de un notable dominio técnico, prescinde de todo lo que estima superfluo y se concentra en lo fundamental. Es el momento también en el que descubre las coincidencias temáticas (la luna, el sol, las estrellas...) entre su producción artística y los clásicos de la literatura. De ahí precisamente la decisión de proyectar la muestra en torno al Càntic del Sol de San Francisco de Asís, como una manera de expresar la cercanía espiritual y de imágenes entre la producción de ambos autores. Catálogo La muestra irá acompañada de un catálogo que contendrá: - Reproducciones de las obras expuestas - Textos de varios autores - El Cántico del sol, de San Francisco de Asís - Biografía y bibliografía del artista Biografía de JOAN MIRÓ Barcelona, 1893 – Palma de Mallorca, 1983 En 1907 comienza sus estudios en la escuela de Bellas Artes de la Lonja de Barcelona. Tras pasar en 1911 un año convaleciente de malaria en Mont-roig, comienza a dedicarse a la pintura. Sus primeros óleos datan de 1912. En 1918 celebra su primera exposición individual, en la galería de Dalmau, a quien había conocido dos años antes. 1920: primer viaje a París, donde le presentan a Picasso. Al año siguiente abre estudio en dicha ciudad, exponiendo por primera vez allí. Los veranos vuelve siempre a Mont-roig, donde en 1922 pinta La masía, cuadro representativo del mundo mironiano de esta época. Su primer gran éxito expositivo data de 1925, con la galería Pierre de París. En 1929 se casa con Pilar Juncosa en Mallorca, y en 1931 nacerá su hija Dolores. Es en esta fecha cuando realiza su primera exposición de esculturas-objeto, influido por el círculo surrealista parisino. El conocimiento y amistad que traba con el grupo surrealista no impide que Miró elabore un mundo mágico propio, cargado de símbolos, que le aleja de similitudes con ellos salvo en el sistema utilizado, el automatismo. En 1932 vuelve a Barcelona y en 1933 realiza sus primeros aguafuertes. Con el inicio de la guerra civil española vuelve a París. En 1940 comienza la serie de las Constelaciones, que terminará un año después, cuando vuelve a Mallorca con motivo de la invasión alemana. Es en 1941 también cuando el Moma le dedica su primera gran retrospectiva. Desde 1944 comienza su colaboración con el ceramista Llorens Artigas. En 1956 se instala definitivamente en Mallorca, en el estudio que le diseña su amigo el arquitecto Sert. Los formatos comienzan a agrandarse y Miró trabajará sin descanso, siempre con el color y el signo como protagonistas absolutos de sus obras, buscando la síntesis, la esencia y reelaborando sus temas de siempre: la mujer, los astros, los pájaros. En 1964 se inaugura la Fundación Maeght, que cuenta con una de las mayores colecciones del artista. Desde 1966, su interés por la escultura le lleva a fundir obras en bronce, donde las piezas, compuestas de objetos cotidianos convertidos en metáforas, ya no tienen restricciones de escala. En 1976 se inaugura oficialmente la Fundació Joan Miró de Barcelona, a la que el artista dona un fondo de unos cinco mil dibujos. Joan Miró muere en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983. Su antiguo estudio, junto con la casa de Son Boter y el edificio nuevo proyectado por Moneo, son hoy día la Fundació Pilar i Joan Miró, constituida en 1980, todavía en vida del artista. Bibliografía Básica: Cirici, A., Miró y la imaginación, ed. Omega, Barcelona, 1949; Combalía, V., El descubrimiento de Miró. Miró y sus críticos, 19181929, ed. Destino, Barcelona, 1990; Gasch, S., Joan Miró, ed. Alcides, Barcelona, 1963; Malet, R. M., Obra de Joan Miró. Pintura, escultura y sobreteixims a la col.lecció de la Fundació, Fund. Joan Miró, Barcelona, 1979; VV.AA., Cahiers d’Art, nº 1-4, especial Joan Miró, París, 1934; VV.AA., Papeles de Son Armadans, nº12, especial Joan Miró, Palma de Mallorca, 1957 Principales Exposiciones: 1918 1921 1925 1932 1937 1941 1948 1956 1959 1962 1963 1964 1966 1971 1972 1973 1974 1975 1978 1980 1983 1993 Galería Dalmau, Barcelona Galería La Licorne, París Galería Pierre, París Galería Pierre Matisse, Nueva York Galería Zwemmer, Londres MOMA, Nueva York Galería Maeght, París Palacio de Bellas Artes, Bruselas Moma, Nueva York Museo Nacional de Arte Moderno, París Sala Gaspar, Barcelona Tate Gallery, Londres Museo Nacional de Arte Moderno, Tokyo Walker Art Center, Minneapolis Museo Guggenheim, Nueva York Moma, Nueva York Grand Palais, París Fundació Joan Miró, Barcelona MEAC, Madrid Fundación La Caixa, Madrid Fundació Joan Miró, Barcelona MNCARS, Madrid MOMA, Nueva York Jorge Barbi Exposición: Jorge Barbi. El muro de Planck Fechas: 10 de julio – 28 de septiembre de 2003 Proyecto: Virginia Torrente, Jefa del Departamento de Conservación y Exposiciones del Museo Patio Herreriano Sala del museo: Capilla de los Condes de Fuensaldaña (sala 11) Procedencia de las piezas: obra creada específicamente para este espacio (site-project) Descripción de la exposición La emblemática Capilla de los Condes de Fuensaldaña, rehabilitada como sala de exposiciones, posee una fuerza y carácter difícilmente igualables, lo que provoca que albergue exposiciones de una naturaleza particular, que sean capaces de competir y complementar a la arquitectura que los acoge. Estos proyectos, denominados site-projects, consisten en obras creadas específicamente para este espacio, que fomenten la investigación y presencia de nuevos planteamientos artísticos, rara vez presentes en los museos de arte contemporáneo de nuestro país. El proyecto presentado por Jorge Barbi para esta sala parte de una reflexión en torno a la teoría del fundador de la física cuántica, Max Planck, primer científico en señalar la incapacidad de la ciencia para cuantificar el comportamiento del átomo en situaciones extremas. Este punto se concreta en una medida temporal representada por la fórmula 10 –43, cifra que la investigación no ha logrado traspasar. Éste es el denominado Muro de Planck. Jorge Barbi se basa en esta teoría para llevarla a la metáfora del muro, que físicamente es la pared oeste de la capilla, donde plantea las dudas que provoca este lugar, ahora desprovisto de la función para la que fue creado. Catálogo La muestra irá acompañada de un catálogo de pequeño formato, bilingüe (español/inglés), el segundo de una colección que presentará los proyectos de la sala 11 del Museo (Capilla). En él se presentará la pieza y se recogerá, a modo de documento, el proceso de construcción de este site-project. El catálogo contendrá los siguientes elementos: - Visión sobre el artista a cargo de Olga Fernández y Víctor del Río, del Departamento de Investigación y Educación del Museo Patio Herreriano. - Texto de presentación de la pieza escrito por Xosé Lois Gutiérrez. - Fotografías mostrando el proceso de construcción de la pieza y de la misma una vez terminada, realizadas por Adrian Tyler. Biografía de JORGE BARBI La Guardia, Pontevedra, 1950 Jorge Barbi vive y trabaja en La Guardia, junto a la frontera con Portugal. Alejado de las tendencias artísticas de moda, su formación es autodidacta y tardía (realiza su primera exposición individual en 1984). A su favor tiene ambos factores, nutriéndose para crear una obra silenciosa, sin estridencias, de lo que le rodea, que es el monte, el mar, lo que la naturaleza genera y destroza. Sobre todo esto Barbi observa, aprende, y crea. Su inmersión permanente en esta naturaleza de mar y tierra no le impide tratar de dominarla, domesticarla en sus piezas, siempre extremadamente respetuosas dentro de este punto de vista de "refinar" lo que la naturaleza produce. El modo de trabajar de Barbi es tan importante como el resultado de sus obras: caminar, observar, encontrar, recoger, ensamblar y transformar. La naturaleza y la memoria son los nutrientes para crear un “cuaderno de viaje”, como denomina David Barro al proceso de sus obras, que se nos reprentan a modo de esculturas, de instalaciones para espacios específicos, y también acciones realizadas en la naturaleza, estas últimas con intervención suya o simplemente, reflexiones sobre la acción de los elementos naturales y animales. En la evolución de su obra se percibe desde una mínima intervención sobre objetos encontrados hasta una mayor manipulación de los mismos. En todos los casos, el proceso y su acabado es siempre riguroso, sutil, poético, pero sin cabos sueltos. Su obra está representada en algunas de las más importantes colecciones públicas de España, y se puede hablar de él como de uno de los artistas gallegos más importantes en la actualidad. Bibliografía Básica: Ariño, J., cat., Jorge Barbi, gal. Gamarra y Garrigues, Madrid, 1989, Sobrino, Mª L., cat., De Asorey ós 90. A escultura moderna en Galicia, Santiago de Compostela, Auditorio de Galicia, 1997, p. 183 y 226 Algunos escritos de Barbi: Jorge Barbi, cat., gal. Gamarra y Garrigues, Madrid, 1995 Exposiciones Individuales: 2002 1999 1998 1997 1995 1991 1989 1988 1984 Galería Trinta, Santiago de Compostela Doblespacio, Madrid Galería Juana de Aizpuru, Sevilla CGAC, Santiago de Compostela Galería Gamarra y Garrigues, Madrid Galería Gamarra y Garrigues, Madrid Casa de la Parra, Santiago de Compostela Galería Gamarra y Garrigues, Madrid Casa de la Cultura, Bayona, Pontevedra Galería Agustín Ruiz, Vigo Ángeles Santos Exposición: Ángeles Santos. Un mundo insólito en Valladolid. Fechas: octubre-diciembre de 2003 Comisariado y montaje de la exposición: Josep Casamartina i Parassols Salas del museo: 8 Obras: alrededor de 35 procedentes de diversos museos y colecciones particulares. La exposición contendrá piezas de Ángeles Santos y otros autores como Norah Borges, Mariano de Cossío, Salvador Dalí, Cristóbal Hall y Josep Togores. Descripción de la exposición Cuando Ángeles Santos apenas contaba 18 años, en 1928, pintó en Valladolid sus cuadros Un mundo y La tertulia. Estas obras le harían alcanzar el éxito y el reconocimiento, convirtiéndose en una revelación inmediata entre los intelectuales y artistas españoles vinculados a la vanguardia y especialmente a la Residencia de Estudiantes de Madrid de aquellos años. Sin embargo, a su aplaudido comienzo le seguiría un periodo de menor y muy distinta actividad creativa que haría que cayese en el olvido. Sólo con la recuperación de las vanguardias históricas iniciada a mediados de los años setenta., la obra de juventud de esta artista ha recobrado el relieve y la trascendencia que tuvo inicialmente. Esta producción temprana tiene como peculiaridad añadida el que fuera creada en Valladolid, ciudad aparentemente alejada y no reconocida por su vinculación a las innovaciones artísticas plásticas que se estaban dando en otros lugares de nuestra geografía. La exposición trata de ahondar en el mundo vallisoletano de la vanguardia de las primeras décadas del siglo XX, sus conexiones con la intelectualidad madrileña y las circunstancias que hicieron posible las primeras obras de Ángeles Santos. La muestra se centrará en la obra realizada por la artista en el periodo de 1927 a 1930, mostrando en paralelo la producción de otros pintores relacionados con ella que trabajan también en el entorno del realismo mágico y la nueva objetividad. Catálogo El catálogo contendrá, entre otros, textos de: - Josep Casamartina, comisario de la exposición - Eugenio Carmona - Ana Arias de Cossío - Rafael Santos Torroella Biografía de ÁNGELES SANTOS Port Bou, Gerona, 1911 Ángeles Santos nace en Gerona, pero el trabajo como funcionario de su padre provoca múltiples desplazamientos de la familia: Ripoll, La Jonquera, El Portús, Huelva, y otros destinos. A finales de los años veinte la familia reside en Valladolid, donde Ángeles Santos empieza a dedicarse de manera más constante a la pintura. Frecuenta los ambientes de tertulias literarias y artísticas de la ciudad, donde conoce a Cristóbal Hall, Emilio Gómez Orbaneja y a Francisco Pino, entre otros. En los sucesivos traslados de la familia, la pintora contactará con otras personalidades del mundo artístico como Guillermo de Torre y su mujer, la también pintora Norah Borges, y Emilio Grau Sala, futuro marido de Ángeles Santos. Con el estallido de la guerra civil, el matrimonio Grau Sala se trasladará a Francia, y si bien Ángeles retornará a España al poco tiempo, su marido permaneció en París. A partir de entonces, la vida de Ángeles Santos transcurrirá entre la capital francesa y Barcelona, hasta su instalación definitiva en España tras la muerte de Grau Sala. Con respecto a su producción artística, el momento de mayor esplendor será el de su etapa vallisoletana. El gran giro llegará en 1929, cuando su participación en el IX Salón de Otoño, con su cuadro Un mundo, causa sensación. Esta obra la sitúa como una de las artistas más interesantes de la época, muy conectada a los movimientos artísticos más transgresores del momento. La intelectualidad madrileña de los años veinte se ve sorprendida por la espectacularidad de sus obras, y el propio Ramón Gómez de la Serna viaja expresamente a Valladolid para conocer a la joven pintora. Paradójicamente, poco después Ángeles Santos abandonaría temporalmente la pintura y, tras su regreso, su producción se alejaría definitivamente de sus sorprendentes y osados comienzos. Sin embargo, los cuadros realizados en Valladolid entre 1927 y 1930 pueden considerarse como obras fundamentales del arte contemporáneo, siendo magníficos exponentes del surrealismo y de la influencia de la Nueva Objetividad alemana en la pintura española de los años veinte. Bibliografía Básica: Agenjo Bosch, R., Ángeles Santos. Tesis doctoral, Facultad de Bellas Artes, Barcelona, 1986; Diego, E. de, Huici, F., Fuera de orden. Mujeres de la vanguardia española. Cat. exp., Fundación Cultural Mapfre Vida. Madrid, 1999; Panyella, V., Ángeles Santos, Barcelona, I.G. Viladot, S.L., 1992. Principales Exposiciones Individuales: 2003 1996 1985 1982 1981 1980 1975 1974 1946 1943 1942 1941 1935 1931 1929 Ángeles Santos, femenino interior. Sala de exposiciones BBK, Bilbao Galería Juan Gris, Madrid Exposición antológica, Museu de l’Empordá, Figueres Galería Alençon, Madrid Galería Jalón, Zaragoza Sala Parés, Barcelona Sala Nonell, Barcelona Sala Parés, Barcelona Colegio Mayor Santa Teresa, Madrid Galería Estilo, Madrid Casa del Libro, Barcelona Sala Libros, Zaragoza Galería Syra, Barcelona Galería Charles-August, París Casino de Bellas Artes, San Sebastián Ateneo, Valladolid Lyceum Club Femenino, Madrid Principales Exposiciones Colectivas: 1999 1998 1988 1984 1975 1955 1942 1936 1933 1932 1931 1930 1929 1928 Fuera de orden. Mujeres de la vanguardia española. Fundación Cultural Mapfre Vida, Madrid Istmos, Sala de las Alhajas, Madrid Surrealismo en Cataluña, 1924-36, Centro Cultural Santa Mónica, Barcelona Caja de Ahorros de Cataluña, Madrid Mujeres en el Arte Español, Centro Cultural Conde Duque, Madrid El Surrealismo en España, Galería Multitud, Madrid Bienal Hispanoamericana, Barcelona Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid Exposición de Arte Español, Jeu de Paume, París Pabellón de España, Bienal de Venecia Exposición de Arte Español, Galería Fleichtem, Berlín Exposición de Arte Español, Galería Charlottenborg, Copenhague Carnegie Institute, Pittsburg X Salón de Otoño, Madrid IX Salón de Otoño, Madrid Salón de Artistas Vallisoletanos, Valladolid Programa de la Colección Permanente Museo PATIO HERRERIANO De acuerdo a los criterios, líneas y objetivos establecidos en el Plan Director del museo la colección permanente que permanecerá expuesta de forma estable corresponde al periodo que abarca desde el Arte Nuevo (1918) hasta los años 60 inclusive, que concierne a las salas 1, 2, 3, 5 y 6. Los restantes ámbitos y salas se replegarán al almacén en diferentes momentos para alojar exposiciones temporales, y al mismo tiempo se presentarán otras propuestas de la colección del museo, lógicamente adecuándose en cada caso a los espacios que se les atribuye de acuerdo al programa de exposiciones temporales. En concreto las nuevas propuestas de colección permanente para el año 2003 serán las siguientes: 1º- Sala 4 –gabinete- presentará desde finales de marzo una revisión de la pintura y escultura de raigambre poética naturalista de una selección de fondos de la colección. Se opta por una selección de los maestros de la vanguardia que desarrollan estas obras especialmente antes de la guerra y a partir de los años 40, de tal modo que su producción convive con las rupturas y aportaciones novedosas del arte contemporáneo, que están además expuestas en las otras salas del museo. Artistas: Cossío, Lam, Caneja, Bores, Ángeles Órtiz, Fernández, Vázquez Díaz, Domínguez, Peinado, Viñes, Barradas, Aguayo, Gaya, Marsans, Valls, Fenosa, Lobo, Condoy, Serra, entre otros. Dirección del proyecto: Antonio Bonet Correa. 2º- Salas 9, 10 y 11 alojarán desde Julio, las dos primeras, y septiembre, la última, una nueva propuesta de exposición sobre la creación de los años 70, 80 y 90 y hasta la actualidad con fondos de la colección. Dirección del proyecto: Valeriano Bozal y/o Simón Marchán. Datos de interés sobre las exposiciones Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Español Jorge Guillén, 6. 47003 Valladolid www.museopatioherreriano.org Horario: De martes a domingo, de 11.00 a 20.00 h. Lunes, cerrado. Visitas guiadas Para público general: Martes, jueves y viernes a las 19,00 h. Sábados a las 12,30 h. y domingos a las 18,00 h. Para grupos: Martes, jueves y viernes a las 11,30 y 16,30 previa reserva Reservas e información: Teléfono 983 362 908 Correo electrónico: [email protected] Visitas privadas: Previa reserva Todos los días de la semana Reservas e información: teléfono 983 362 908 Correo electrónico: [email protected] Centro de documentación y biblioteca El centro de documentación pone a disposición del público una selección de fuentes documentales para que los interesados puedan profundizar en sus conocimientos sobre las obras de la exposición y su marco contextual PATIO HERRERIANO MUSEO ARTE CONTEMPORÁNEO ESPAÑOL Departamento de Comunicación y Desarrollo Calle Jorge Guillén, 6. 47003 Valladolid Teléfono: 00 34 (9) 83 362 908. Fax: 00 34 (9) 83 375 295 Correo electrónico: [email protected]; [email protected]
