TEMA ROCK AÑOS 50 Y 60

TEMA ROCK: años 50 y 60
LOS AÑOS 50
4º ESO
El nacimiento del rock and roll está intimamente ligado a los cambios sociales que se produjeron
en la juventud americana, y los protagonistas de este fenómeno fueron los niños nacidos entre
1939 y 1945, los años de la guerra. Tras el periodo de incertidumbre que sucedió al final de la II
Guerra Mundial, en los Estados Unidos alcanzaron un esplendor económico que propició la
aparición de un nuevo tipo de adolescentes: los “teenagers”. Estos adolescentes de edades
comprendidas entre 13 y 19 (cifras que terminan en inglés en teen) disponían de un trabajo y por
tanto de cierto poder adquisitivo, y necesitaban de una oferta de ocio acorde con sus necesidades,
radicalmente opuestas a las de sus mayores.
De esta forma, se originó una subcultura juvenil que enseguida adquirió sus primeros símbolos.
Convirtieron el automóvil en signo de poder económico e independencia (muchas de las
primeras canciones rock, especialmente de Chuck Berry, cantaban sus excelencias), inventaron
una nueva forma de vestirse y nuevas posibilidades de ocio, sin embargo no se sentían
especialmente identificadas con la música de la época. Además, en torno a estos años la música
del jazz se había complicado excesivamente. Las orquestas de swing se desmembraban tras un
periodo de éxito y el bebop de los años 40 y cool bop y hard bop de los 50 acabaron
proporcionando al jazz de una imagen fría e intelectual, cada vez más alejada de la música de
masas.
Por otro lado, el country, que era la música de las comunidades agrícolas norteamericanas, con
us melodiosas baladas tampoco convencía al público más joven.
La solución llegó con el Rythm and blues, evolución más enérgica del blues, que se había
convertido en la música de baile de los músicos de jazz en los barrios industriales de las grandes
ciudades.
Los músicos de country vieron en el Rythm and blues una mina, empezaron a respaldar las
melodías con sus ritmos de batería y bajo. Por otra parte, los músicos de r&b sufrieron el proceso
contrario, y viendo que habían dado demasiada importancia al ritmo descuidando sus melodías
empezaron a tomar como referencia melódica al estilo country. De este híbrido entre Rythm and
blues y el country surgió el Rock and Roll, hasta ese momento los mercados musicales de estos
dos estilos habían sido completamente incompatibles.
EL ROCK DE LAS GRANDES FIGURAS
BILL HALEY AND THE COMETS
Bill Haley fue el rsponsable del primer rock
and roll, catalogado como tal, en la historia de
la música, aunque lo cierto es que realmente
no fue el primero de su estilo. Este gran éxito
llevaba por título “rock around the clock”. En
principio esta canción no fue ningún éxito, sin
embargo a raíz de que fuera utilizada en la
película “semilla de maldad” llegó al número
uno de las listas de ventas. La película
reflejaba la rebelión juvenil, y su música se
convirtió en un número uno de las listas de
ventas.
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4º ESO
Bill Haley y su rock around the clock prendieron la mecha de algo mucho más grande que
tendría resultados imprevisibles para todos, incluso para el propio Haley, que pese a cosechar
algunos éxitos más se vio desplazado por otros nuevos intérpretes capaces de reflejar mejor que
él las inquietudes de los “teenagers” americanos. Haley procedía del mundo de las variedades,
tenía casi treinta años y no estaba en contacto directo con el público. Elvis Presley, sin embargo,
era el sueño americano en persona: guapo, con una bonita voz y de clase social humilde que
alcanzó la fama a través del Rock and Roll.
ELVIS PRESLEY (1935-1977)
Nació en Tupelo en 1935 y procedía de una familia humilde. Elvis se crió escuchando country;
gospel, en el que se introdujo a través del coro de su parroquia; y blues, que escuchaba en los
clubes nocturnos durante su época de estudiante.
Al acabar sus estudios tuvo distintos trabajos que nada tenían que ver con la música. Se cuentan
muchas versiones en torno a cómo llegó al estudio de grabación de Sam Philips y su intención
era hacer un regalo a su madre o dar a conocer su voz. Pero lo cierto es que llegó, y aunque en
principio pasó desapercibido, poco después fue llamado de nuevo para grabar sus temas. Desde
el principio el éxito de Elvis residió principalmente en su voz. Elvis no era el autor de sus
canciones, sino que únicamente participaba en los arreglos de algunos temas.
Su trayectoria musical suele dividirse en dos etapas. La primera abarca sus trabajos de los años
50 que lo convirtieron en la encarnación del rock, alcanzando entre 1956 y 1958 los primeros
puestos en las listas de ventas con éxitos como “Heartbreak hotel”. Su incorporación al servicio
militar supuso un paréntesis en su trayectoria. Al regresar a la vida civil en 1960, grabó algunas
baladas y centró su atención en el cine. Aunque su trayectoria cinematográfica había comenzado
antes comn “love me tender” (1956) fue a partir de 1961 y durante seis años, cuando se dedicó
casi por entero, cantando en sus bandas sonoras. Destacan títulos como “jailhouse rock” o “viva
las vegas”.
Su segunda etapa es la de las sesiones de Memphis, que
se abrió con una estelar intervención en 1968 para la
NBC, que le permitió demostrar que seguía en forma,
volviendo a despertar el interés del público. Sin embargo,
su vida privada no seguía el mismo camino. Además, a lo
largo de la última década de su vida tuvo serios
problemas de salud, que acabaron con su vida en 1977 en
laciudad de Memphis.
CHUCK BERRY
Nació en Saint Louis en 1926. Era un gran aficionado al
blues, y de hecho fue un cantante de este género (Muddy
Waters) quien le recomendó que empezara a grabar su
música. Su primer disco fue “Maybellene” (1955) que lo
situó de inmediato entre las primeras figuras del rock and
roll.
Su música, de la que él mismo era el autor, se caracterizaba por tener un ritmo más acelerado,
adaptando elementos del blues y el country indistintamente a su peculiar estilo sencillo, pero
efectivo. Sus letras tratan sobre chicas, coches, alusiones sexuales, provocando casi siempre el
escándalo en la sociedad de la época. Al escándalo que provocaba su música se unieron sus tres
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estancias en la cárcel, que truncaron la grabación de algunos trabajos. Los grupos de los años 60
hicieron algunas versiones suyas (entre ellos los Beatles y los Rolling) y admiraron la mśuica de
Berry.
LITTLE RICHARD
Nació en Macon (Georgia) en 1935, y sus primeros
contactos con la música fueron en la iglesia, en donde
aprendió a tocar el piano y a cantar gospel. Su carrera fue
breve, pero lo suficientemente intensa como para acuñar una
nueva forma de interpretar el rock acelerando el tiempo.
Su primer éxito llegó en 1955 con “tutti fruti” y tras él
llegaron nuevos temas. Sin embargo, a finales de los años
50, y tras resultar ileso en un accidente de avión, se retiró a
estudiar teología.
Poco más tarde, sería rechazado por su iglesia debido a su
agitada vida.
JERRY LEE LEWIS (1935)
Jerry Lee Lewis representó el lado más salvaje del rock primitivo.
Era capaz de prender fuego a su piano o a tocar las teclas con los
tacones. Entre 1957 y 1958 facturó una gran lista de éxitos.
Irrumpió en la industria discográfica con una canción ajena “Whole
lotta shakin´goin'on”, a la que seguiría “Great balls of fire”. Era
pianista, cantante, compositor, y su música estaba a medio camino
entre el rock y el country.
Tenía fama de pendenciero, juerguista y bebedor (se le conocía con
el sobrenombre de “the killer”) y durante algún tiempo fue el
rockero más molesto para la sociedad americana. Pero él mismo se
enterró prematuramente al casarse con su prima Myra Brown de
sólo 13 años. Acusado de corrupción de menores, perdió la posibilidad de seguir actuando, y no
fue hasta la década siguiente cuando regresó destacándose en el country.
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2. LOS PRIMEROS INTENTOS DE DIFUSIÓN DEL ROCK
Teniendo en cuenta que en los años cincuenta el centro del mundo estaba en los Estados Unidos
y que los países consumían sus películas, mitos y leyendas, el rock no podía ser una excepción, y
antes de terminar la década de los 50 esta música se había extendido por todo el mundo.
Los primeros en adaptar el rock al español fueron los países latinos más próximos a EEUU.
Concretamente, en México hubo un auténtico hervor de rock y aparecieron docenas de artistas
que traducían los grandes éxitos americanos. Otros artistas intentaron hacer un rock autóctono,
entre ellos destacó Ritchie Valens, quien adaptó “la Bamba”, canción popular mexicana, al ritmo
y estilo de rock. La Bamba sería un gran éxito de este artista, que moría en un accidente de avión
en 1959.
En España las primeras muestras de rock no aparecerían hasta 1959.
●
LA MÚSICA MELÓDICA
En torno a los últimos años de la década, el rock parecía estar agotado. Algunos de sus
principales representantes habían desaparecido de la escena musical por diferentes razones: Elvis
cumplía el servicio militar, Chuck Berry ingresaba en prisión, Little Richard se dedicaba ya a la
teología, J.L. Lewis era rechazado por su matrimonio con su prima y Ritchie Valens moría en un
accidente de avión.
Los productores intentaron seguir aprovechando el filón juvenil, y viendo el vacío que habían
dejado las grandes figuras de la década incorporaron nuevos productos basándose en la música
melódica y las armonías vocales. Surgieron algunos artistas jóvenes como Paul Anka y grupos
con acompañamiento vocal. Al segundo grupo pertenecería lo que se conoce como”doo wop” y
que aquí se conocemos como “du-duá”. Esta música basada en artificios vocales, que en
ocasiones se mostraban cantando “a capella” y está representada en grupos como Los Platters y
los Diamonds, entre otros muchos.
●
LOS BAILES ALTERNATIVOS
Algunos productores creyeron que el éxito del rock se debía a su forma de bailarlo, y por ello
creyeron que había que seguir inventando otros bailes que suplieran la ausencia de las grandes
figuras del rock. La idea no era tan descabellada, y de hecho, las décadas posteriores, y los éxitos
de los últimos veranos han demostrado que un baile con coreografía puede producir buenas
rentas.
En este sentido y para esta época, surgieron numerosos bailes, algunos de los cuales llevaban en
el disco instrucciones por escrito para la coreografía, como sucedía con el “twist”, en cuyos
discos se sugería que debía bailarse como si uno se secara la espalda con una toalla y al mismo
tiempo apagara un cigarrillo con los pies. Otros bailes de esta época fueron la “yenka” o el
“Cassatchock”
3. LOS AÑOS 60
Hacia 1963 todos los grandes éxitos de la música pop venían de los EEUU; sin embargo, en
Europa también se estaba gestando una rebelión que iba a cambiar el centro de gravedad del pop
mundial a Gran Bretaña; se trataba del cuarteto The Beatles.
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●
THE BEATLES
Fue sin lugar a dudas el grupo más representativo e influyente en la década. Su moderada
revolución influyó en otros grupos contemporáneos que pronto adoptaron el estilo de este
cuarteto.. Sus componentes eran: Jhon Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison.
Su trayectoria podía dividirse en tres etapas:
1ª: 1957-1962: los comienzos
Jhon Lennon y Paul McCartney se concieron en 1957. Lennon tocaba en un grupo llamado
“Quarry Men” e incorporó a McCartney como guitarrista. El grupo lo integraban compañeros de
la escuela de Lennon. La Quarry Band Hihg School, y eran un grupo de aficionados de un
constante ir y venir de sus componentes. En 1958 se incorporó George Harrison y en 1960
empezaron a utilizar el nombre de The Batles, nombre ideado por Sturart Sutcliffe, el mejor
amigo de Lennon y nuevo bajista. Este mismo año se incorporaba Pete Best como batería.
Sturat murió de un tumor cerebral cuando el grupo empezaba a destacar en Hamburgo. Pete Best
fue sustituido por Ringo Starr, batería de un grupo de Liverpool, y McCartney pasó a tocar el
bajo. A lo largo de esta época el grupo de the Beatles vivió su proceso de aprendizaje tocando en
tugurios de Liverpool y Hamburgo por poco dinero.
2ª: 1962-1967: Periodo clásico
Brian Epstein se convirtió en su manager y en 1962 consiguió que publicaran con EMI su primer
single “love me do”, que alcanzó un excelente lugar en las listas de ventas. Desde este primer
single hasta 1970 el productor George Martin se encargó de materializar las ideas del grupo.
En 1963 graban dos álbunes “please Please me “ y “with the Beatles” que incluyen una
combinación de composiciones propias de Lennon y McCartney con versiones de éxitos
norteamericanos que provenían entre otros de Chuck Berry. A partir de ese momento sus éxitos
se suceden sin tregua, y a partir de 1965 empiezan a adentrarse en caminos más novedosos, en lo
que también influían los arreglos de G. Martin. Pronto demostraron que eran algo más que un
grupo de pop y exploraron en otras direcciones que fueron desde lo más clásico hasta los sonidos
hindúes y la psicodelia.
Durante estos años, el grupo generó sus mayores éxitos con canciones como “Please, Please me”,
“She loves you”, etc. Pero sin duda, el álbum más representativo de este periodo y una de las
cumbres de su trayectoria fue “SGT. Pepper's” (1967). en él hay desde música oriental,
influencias psicodélicas y hasta referencias al rag-time o a la música dodecafónica.
3º: 1967-1970: Periodo final
En 1967 muere B. Epstein y los Beatles crearon su propio sello discográfico (apple). La repuesta
al álbum “Sgt. Pepper's” llegó con “the white album” (1968). Es sin duda una obra maestra en la
que hay elementos que se materializarán en las décadas siguientes: vanguardia, música
experimental, y ruidismo conviven con canciones más inocentes como “Ob-la-di, Ob-la-da”.
La tensión creadora entre Lennon y McCartney, que tan bien había funcionado hasta ese
momento, empezó a resentir las producciones del grupo, y de hecho, los músicos ya no
disimulaban sus diferencias en público. De hecho, en este álbum, cada uno compuso y grabó por
separado. La llegada de Yoko Ono a la vida de Lennon le fue alejando todavía más de sus
compañeros.
En 1969 aparece “Abbey Road” en el que ya es patente el desmembramiento del grupo, que se
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hizo público en abril de 1970. Un mes después aparecía “Let it be” que sería el último disco
oficial de los Beatles. Por entonces, McCartney pedía a los tribunales que ninguno de los cuatro
Beatles por separado pudiera volver a utilizar el nombre colectivo. Los cuatro siguieron su
trayectoria por separado.
● ESPAÑA
Al igual que años antes había sucedido en los EEUU, la España de los años 60 vivió una cierta
mejoría económica. Esto se tradujo en mayor tiempo libre, y con él un incremento de las ventas
de tocadiscos y de música para ocupar el tiempo de ocio. La visita de The Beatles en 1965
supuso un gran acontecimiento. Los diarios de la época, sin embargo, describieron este
acontecimiento considerándolos unos bárbaros y ensalzando la “pureza” de la juventud española.
En aquellos años, España estaba dominada por la música de grupos, y el ejemplo de The Beatles
había calado hondo en la juventud. El fenómeno había empezado ya en 1959, pero el auténtico
despegue discográfico se dio en 1964 con el grupo de los Brincos. El grupo obtuvo grandes
éxitos y abrieron camino a formaciones similares. Sus grandes competidores fueron los Bravos,
quienes dedicaron lo mejor de sus esfuerzos al mercado internacional (uno de los grandes éxitos
fue “Black is black”). Estos grupos fueron la punta de lanza de una riquísima generación de
grupos de los que saldrían los grandes solistas de los años 70.
Paralelamente, en España se producía un intento de revolución por parte de la generación ye-yé,
protagonizada especialmente por las chicas de la cultura pop. De una forma muy ingenua,
buscaban romper con el papel anterior de la mujer.
● LA RESPUESTA AMERICANA
A raíz del éxito de los Beatles, los ejecutivos americanos se habían convertido en meros
distribuidores de la música ajena, por lo que intentaron inventar estilos que les permitieran seguir
en el mercado musical. Algunos de estos intentos significaron cambios radicales en la música
mundial.
1. pop bubblegum
Esta etiqueta musical cataloga a un tipo de música comercial destinada a adolescentes. La
traducción es pop o sonido chicle y parece que se llamó así porque uno de los primeros grupos en
practicarlo se llamaba “Fruit Gum”. Este tipo de sonido tiene más que ver con el trabajo de un
productor que con un interés creativo. La trayectoria de este tipo de grupos fue efímera, y su
música se caracteriza por la sencillez y la banalidad. Uno de los grupos que más éxito alcanzaron
en este género gueron los Archies con su tema “sugar, sugar”.
En España esta música se asociaba a los festivales de Benidorm o del Mediterráneo.
2. Música folk
La música folk es la que se basa en los ritmos y modos tradicionales, casi siempre del mundo
rural, pero que ha sufrido grandes transformaciones en su encuentro con el mundo urbano y se ha
reconvertido con un mensaje de compromiso social.
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En 1959, los responsables del Festival de Newport, especializado en
jazz, decidieron hacer una sección dedicada al folk, ya que empezaba a
tener algunos éxitos en el mercado norteamericano. En este festival, la
música folk empezó una nueva era que se conoció como la “generación
de Newport”. Joan Baez fue una revelación musical, cultural y
social. Estuvo al frente de los movimientos de protesta y contra la
guerra del Vietnam. Fundó un instituto de estudios de la “no violencia”
y fue la descubridora del mayor talento que dio esa oleada de folk: Bob
Dylan.
Bob Dylan o Robert Zimmerman, su verdadero nombre, se convirtió, en
grandes ventas, en uno de los puntos de referencia de la música popular
de su tiempo. Sus grandes éxitos llegaron en 1963 y 1964 con “The
freewheelin' Bob Dylan” y “the times are a'changing” respectivamente.
Dylan representó las esperanzas de los jóvenes americanos que no
compartían las ideas de la sociedad en la que vivían. Sus mensajes
estaban destinados a despertar a una sociedad acomodada y confiada.
Las letras de sus canciones llegaban a una juventud concienciada e
influían en otros cantantes que sintieron la necesidad de transmitir un
mensaje con su música.
●
EL FOLK ROCK
Bob Dylan era uno de los artistas estrella de la CBS. Nadie se atrevía a
manipular sus canciones, por eso, cando un grupo, los Byrds, se atrevió
a coger una canción de Dylan y le añadieron guitarras eléctricas, bajo y
batería, la compañía discográfica no se atrevió a editarlo sin consultar
al autor. El disco de los Byrds fue un éxito, y con él nació el folk-rock,
un nuevo mestizo entre el rock and roll y el folk, que daría piezas de
grandes éxitos, entre ellos los de Simon & Garfunkel.
●
EL SURF
El surf era una música enérgica, casi siempre instrumental, practicada
sobre todo en Hawai y California, y asociada al aire libre, trajes de baño
y coches descapotables. A partir de esta música surgieron músicos que
pusieron letra a esta música. Los reyes de este género fueron los Beach
Boys que entre 1962 y 1965 grabaron once álbunes cosechando
grandes éxitos que iban desde el “surfin' safari” hasta “Beach boys
party”.
●
EL SOUL
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Traducida literalmente como “alma” esta fue sin duda la gran respuesta
americana para contrarrestar a The Beatles. Los productores americanos
vieron como el rythm and blues seguís siendo una fuente de inspiración
para los músicos de éxito, incluidos The Beatles. Sin embargo, volver a
lanzar el Rythm and blues hubiera parecido un retroceso que el público
hubiera podido rechazar por anticuado. Por ello, los productores
inventaron un nombre nuevo para un estilo usado, heredero directo del
rythm and blues y lo llamaron “soul music”.
Pronto hubo que diferenciar esta música en
dos grandes corrientes, puesto que había demasiadas diferencias entre
el soul que se hacía en el norte y el sur de los EEUU. El norte unificó
estilos, homogeneizó ritos y distribuyó bien su producto. El centro de
esta corriente fue la discográfica Motor Town en Detroit, y a este estilo
se le llamó “soul de Detroit” o sonido Motown. Lograron grandes
éxitos, y sobre todo, difundir su música a otros países. Entre los nuevos
artistas de este estilo destacan Diana Ross, Steve Wonder, Jackson five
o Lionel Richie.
En el sur no hubo tanta suerte. Ningún grupo industrial se arriesgó en
invertir en estos nuevos talentos, por lo que cada uno de los artistas
pertenecía a un sello discográfico diferente, lo que hacía más difícil
unificar criterios y estilos. La ciudad más importante fue Memphis y el
artista más destacable fue Otis Reading. Este artista era cantante,
productor y compositor y fue el primero que dio un número uno al
“soul de Memphis”. Su relevo lo tomó Aretha Franklin.
A finales de los años 60 el soul derivó en distintas acepciones rítmicas
y sería una de las bases del sonido Filadelfia o de la música disco.
LA RESPUESTA A LOS BEATLES
THE ROLLING STONES
Sus componentes eran Mick Jagger (voz), Keith
Richards (guitarra), Brian Jones (guitarra), Bill
Wyman (bajo) y Charlie Watts ( batería). En 1969
Brian Jones dejaba el grupo siendo sustituido
primero por Mick Taylor (de 1970 a 1974) y
posteriormente por Ron Wood. Indudablemente,
los rollling fueron el otro gran grupo británico de
los años 60. representaban el lado oscuro del rock
y rápidamente se les situó como la oposición de
The Beatles.
El grupo se formó en Londres y editaron su
primer single, una versión de un tema de Chuck
Berry, en 1963. Para entonces The Beatles eran ya
una leyenda, pero aunque a los Rolling les costó algo más, su álbum “the Rollin Stones” de
1964 fue nº 1 en las listas. Dos años después grabaron “Aftermath”, una de sus obras
maestras. En los años 60 colocaron 8 canciones en el número uno de las listas inglesas. Su
mayor competencia británica se había esfumado con la disolución de The Beatles, pero a la
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vez eran acusados por la prensa conservadora y acosados por la policía, que quería evitar que
su modo de vida se convirtiera en un modelo a seguir por la juventud del país.
La peculiaridad del sonido de los Rolling Stones era una deliberada suciedad que recordaba el
sonido de las antiguas grabaciones del blues de Chicago. Tuvieron numerosas actuaciones en los
años 60 y 70, y menos en los 80, año en el que obtuvieron su último número uno. Desde entonces
han conseguido que cada uno de sus conciertos en vivo se convierta en un espectáculo sin igual
en el mundo del rock.
LA MÚSICA A FINALES DE LOS AÑOS 60
●
EL BLUES/BLUES ROCK
Entre los fenómenos más llamativos de finales de los 60 estaba una apasionada defensa por el
blues. De esta música se tomó sobre todo la dureza. Así, mientras un grupo de músicos querían
hacer una música mixta (el sonido Motown), otros se dedican a una música comprometida, dura,
enraizado en el sufrimiento que reflejaba el blues. A este tipo de mśuica también se le conoce
como blues-rock y los músicos más representativos fueron Jimi Hendrix, Janis Joplin y Eric
Clapton.
Jimi Hendrix (1942-1970) fue uno de los mejores
guitarristas del rock e inventó casi todos los
recursos espectaculares de los guitarristas. Sus
años de éxito fueron entre 1967 y 1970 formando
el trío “The Jimi Hendrix Experience”. Su primer
gran éxito llegó con el álbum “Are you
exerienced” (1967) y alcanzaron su cima con
“Electric Ladyland” (1968). En 1969 se disolvió
el trío, sin embargo Hendrix siguió actuando. Una
de las pocas actuaciones suyas que han quedado
filmadas es la del festival de Woodstock. En 1970
murió víctima de sus adicciones en una
ambulancia camino del
hospital.
A Janis Joplin (19431970) le llegó el éxito a
raiz de su particiación en
el festival de Monterrey
en 1967 con el grupo
Big Brothers&the
Holding Company. La cantante destacó e impresionó desde el principio.
Su forma de cantar el blues era desgarradora y emocionante. Su
complicada vida le llevó a una muerte temprana y con tan sólo 27 años
la hizo entrar en el mundo de la leyenda. Al igual que a Hendrix,
también podemos verla en el Festival de Woodstock.
Eric Clapton (1945) comenzó su carrera en 1962. Era un gran apasionado de los guitarristas de
blues y de rythm and blues, en cuya imitación pulió su manera de tocar la guitarra. En 1963
formó parte de “The Yardbirds” y posteriormente formó “Cream”, al grupo más prestigioso de
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blues británico, con el que editó cuatro álbunes de gran éxito. Cuando
Clapton dejó el grupo, trabajó con otras formaciones. Clapton tuvo
serios problemas con las drogas y pasó varios años lucahndo por salir
de su adicción.
En los años 70 la carrera de Clapton dio un giro radical con
lanzamientos de albunes bien pensados y elaborados que los situaron en
un primer plano en la escena de esta década. Aunque los años
siguientes fueron discográficamente menos interesantes, su
resurgimiento en 1992 fue espectacular. A la accidental muerte de su
hijo, Clapton escribió el famoso tema “Tears in heaven” (lágrimas en el
cielo) que se convirtió en uno de los grandes temas de la década. La
canción apareció en el álbum “Rush” y en el “Unplugged” para la MTV que superó los 15
millones de ventas.