arte del siglo xix - Colegio Sagrado Corazón de Granada
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ARTE DEL SIGLO XIX Introducción al arte del siglo XIX 1 Pintura y escultura: Romanticismo y Realismo 2. Arquitectura: Historicismos Arquitectura de hierro y cristal Modernismo: Gaudí 3.- Impresionismo 4.-Postimpresionismo El arte del siglo XIX En el siglo XIX se dan una serie de movimientos pendulares de reacción contra los excesos de tendencias anteriores. Esta característica es manifiesta en la pintura. Así , frente al Neoclasicismo de primeros de siglo, sucede el Romanticismo. Como reacción al romanticismo , a mediados del siglo, sucede el Realismo, que a su vez será desplazado pronto por el Impresionismo Todos estos movimientos artísticos tienen su foco en Paris, que se convierte así en el corazón del Arte europeo PINTURA EL ROMANTICISMO Marco histórico y caracteres generales Principales representantes -Francia - Gericault, Delacroix -Inglaterra - Turner, Constable -Alemania - Friedrich Marco histórico y caracteres generales El romanticismo es el movimiento artístico que se desarrolla paralelo y contrapuesto al neoclásico, durante la primera mitad del siglo XIX. Este movimiento nace en Francia, se identifica plenamente con las revoluciones liberales y nacionalistas; y se difunde por toda Europa por la fuerza de la revolución. Caracteres generales - Representa una reacción frente al Neoclasicismo Si los neoclásicos se inspiran en el mundo grecolatino y en la razón, los románticos exaltan los sentimientos, las pasiones y las emociones. - Frente al academicismo neoclásico, el romanticismo representa la exaltación de la libertad individual del artista. Hay una búsqueda de las raíces de los pueblos (se inspira el Próximo Oriente, países mediterráneos en una búsqueda de lo exótico) y un canto a la naturaleza. 1 En cuanto a los temas, el romanticismo francés prefiere los temas históricos o de actualidad dramáticos de composición barroca, predominio del color ,mientras que el alemán y el inglés, prefieren captar la naturaleza en un auténtico culto al paisaje. Francia El romanticismo se desarrolló en la primera mitad del siglo XIX :- Se exaltan sentimientos, emociones - Acusados contrastes de luces y sombras - Apuesta por el color en detrimento del dibujo - La pincelada es rápida, suelta. - Las composiciones están llenas de movimiento y dramatismo .Hay complejidad compositiva, uso de diagonales, escorzos, gestos violentos • Gericault Es el iniciador de la pintura romántica. Rompe abiertamente con el Neoclacisismo Su obra principal * "La balsa de la medusa" se considera como el estandarte del romanticismo: obra llena de dramatismo. La obra de Gericault, tiene fuerte influencia de artistas italianos del Renacimiento y el barroco como Caravaggio (claroscuro), Rubens (dinamismo de la composición, gestos), o Miguel Ángel (fuerza de los cuerpos, anatomía) Representa un hecho real y de actualidad: el naufragio de una embarcación francesa, la Medusa, frente a las costas de África. Fue un hecho muy polémico, se salvaron sólo los oficiales mientras los pasajeros fueron abandonados a la deriva. Sólo sobrevivieron 15 de 150. Composición: se organiza en dos pirámides: La pirámide formada por la vela, movida por el viento y la ola amenazante. La pirámide de la esperanza. Parte de las figuras muertas y continúa por los moribundos hasta llegar al vértice de la pirámide: la figura que agita la camisa para llamar la atención de una lejana embarcación, un punto en el horizonte. Contrasta la muerte y el pesimismo de los agonizantes con la esperanza de los que agitan las camisas. Técnica colores oscuros con pincelada suelta, que predominan sobre el dibujo. Las luces crean efectos del claroscuro. (Ver comentario libro) • Delacroix Es el representante más auténtico del romanticismo francés. Reúne en su obra la tendencia hacia lo exótico y hacia los acontecimientos contemporáneos. Era un hombre apasionado, influido por Gericault y los grandes maestros: Caravaggio, Rubens, Miguel Ángel y los venecianos. Su pincelada es suelta y su colorido, intenso. En sus obras destaca su compromiso con las revoluciones del momento. La matanza de Quios Llamada de atención a la lucha de los griegos contra los turcos. Influencia de Rubens, Tiziano, Goya *La libertad guiando al pueblo Refleja la revolución de 1830 en París. Exalta la revolución parisina que llevó al poder a la burguesía liberal. La obra tiene bastante similitud con "la balsa de la medusa', la composición es piramidal. Representa una pirámide que se levanta sobre una base de figuras muertas y se eleva hasta el vértice, representado por una mujer, la alegoría de la libertad, que sostiene en la mano derecha una bandera roja y en la otra un fusil y que avanza implacable. En torno a ella, aparecen una serie de personajes que simbolizan la participación en esa revolución: burgués con su sombrero, chico que toca el tambor, campesinos... La escena se desarrolla en un paisaje urbano que se adivina entre un ambiente de penumbra en medio del combate. Predominio de la pincelada sobre el dibujo, suelta. Aplica el color, predominando los tonos ocres, pardos; que contrastan con el negro de la chaqueta y el sombrero del burgués y el rojo de la bandera. Luz vibrante, que ilumina desde la izquierda el cuerpo de la libertad; y también destaca el cuerpo del hombre muerto en primer plano con una camisa blanca. Todo el conjunto está dominado por el movimiento y dinamismo, gestos, líneas curvas, posiciones de escorzo. Símbolo de Francia y la libertad. Delacroix se inspiró para sus pinturas en temas orientales. Mujeres de Argel *La muerte de Sardanápalo Tema inspirado en un poema del romántico Lord Byron. Aparece Sardanápalo, gobernante oriental del s. VII a C., tendido en su lecho, rodeado de sus mujeres (la ciudad está sitiada por lo que el gobernante ordena matar a sus mujeres, su mejor caballo, antes de suicidarse) El romanticismo recurre a una situación límite y la trata de manera dramática Tanto el dinamismo como el color recuerdan a Rubens. Inglaterra y Alemania INGLATERRA El Románticismo inglés entendió por primera vez la importancia del contacto directo con el paisaje, que hasta entonces se reprensentaba en los talleres de los artistas. Turner y Constable son paisajistas que exaltan la naturaleza con una visión muy romántica; con luces cambiantes que llenan el paisaje de efectos luminosos especiales. El interés por la luz, el color y la atmósfera los convierte en precursores del impresionismo. • Turner Paisajista innovador. Para él, la luz y el color crean visiones imaginarias que parecen alejarnos de la realidad como si surgieran de un sueño. *Lluvia, vapor y velocidad Primera imagen del ferrocarril en el arte. Representa una máquina de vapor que atraviesa un puente sobre el Támesis bajo la lluvia y la niebla. 2 Las líneas convergentes crean una sensación de profundidad, pero también de movimiento. El dibujo ha desaparecido, pinceladas rápidas en forma de manchas de colores transparentes que todo lo envuelven y difuminan las formas. Una atmósfera brumosa, producida por la lluvia y el vapor envuelve a la locomotora y apenas deja ver a los que saludan el paso del tren como un acontecimiento. A la izquierda adivinamos un río y una embarcación .. La obra se realiza en un momento en que la velocidad, los nuevos transportes... atraen la atención de todo el mundo. El temerario Embarcación remolcada en un último viaje para el desguace. Pincelada rápida. Luz de tonos dorados, paso entre las nubes. Reflejo en el agua. Capta un momento fugaz en que la luz nos transmite un instante: nada es permanente. El gran canal de Venecia Reflejo de los barcos y la luz. • Constable En sus Paisajes se preocupa por captar la luz y sus efectos cambiantes. En eso se adelanta al impresionismo. Serie sobre la catedral de Salisbury, vista en distintos momentos de luz. * Campo de trigo (libro) A mediados del siglo XIX surge un movimiento de pintores que tuvieron como referente el arte anterior a Rafael: Los prerafaelistas (Dante Gabriel Rosetti ver imagen en libro)Realizan un arte más clásico. Alemania En Alemania surgió un grupo de artistas que querían recuperar el espíritu y el estilo de los pintores del Cuattrocento: So los llamado Nazarenos ( ver imagen en el libro pag 303). Aparte de ellos hay que destacar a Caspar David Friedrich • Friedrich Se interesa por plasmar la naturaleza en su inmensidad y el silencio, que sobrecogen al espectador. Su obra es un auténtico canto a la creación. No aparece apenas el ser humano, es la naturaleza en sí; pero cuando aparece es un mero espectador del paisaje, muy pequeño Montañas gigantes Viajero ante un mar de niebla. Dos hombres de espaldas contemplando la luna EL REALISMO Surge a mediados de siglo XIX, cuando el enfrentamiento entre románticos y neoclásicos llega al agotamiento. El realismo reacciona frente a unos y otros; y se inspira en la realidad cotidiana. Pensaban que la historia (neoclásico)y lo exótico y dramático (romántico) no debía inspirar el arte sino lo cercano y presente. Coincide el realismo con la aparición de las teorías socialistas y la revolución de la clase obrera en plena revolución industrial. En las masas proletarias abundaba al miseria y se acusó a los románticos de rehuir las realidades de la vida diaria con sus continuas evocaciones históricas Muchos artistas realistas estuvieron comprometidos con las ideas republicanas y con la realidad social de la clase trabajadora en clara actitud de denuncia social ante los terribles problemas e injusticias de la revolución industrial En cuanto á los temas, no son heroicos; sino que los temas preferidos son los que reflejan el mundo de la gente corriente, de los campesinos, las lavanderas, los picapedreros. El trabajo y la fatiga es la fuente de inspiración. No se idealizan las imágenes El centro de la pintura realista sigue siendo Francia y sus representantes son: Courbet, Millet y Daumier. • Courbet Fue el mayor exponente del realismo Fue un hombre muy comprometido ideológicamente con los movimientos sociales de la época. Admirador de los grandes maestros de la pintura como Caravaggio o Velázquez - Un entierro en Ornans - El estudio del pintor - Los picapedreros *Un entierro en Ornans Recoge la despedida a un difunto por un grupo de familiares y amigos en Ornans. Es un hecho cotidiano, intrascendente, el personaje es anónimo. Representa un hecho tal como ocurrió. Los personajes están distribuidos horizontalmente en friso, sin ningún tipo de jerarquía, formando una especie de barrera horizontal, subrayada por el paisaje de fondo solamente interrumpido por la verticalidad de la cruz. Primer plano: la fosa, junto a ella un hombre que se arrodilla y ocupa el centro de la composición. A la izquierda: grupo de religiosos que oficia el acto. Derecha: grupo de familiares y amigos que llora, destaca el perro: la fidelidad del amigo. Predomina el color sobre el dibujo. La pincelada se aplica en forma de manchas. Predominio de los tonos negros que contrastan con el blanco de los religiosos, del perro. También alguna pincelada de rojo. Composición estática, recuerda de lejos el entierro del conde de Orgaz, pero se aparta de la pintura religiosa tradicional y de la sensibilidad romántica 3 El estudio del pintor El mismo definió este cuadro como una alegoría de su vida artística Aparece el propio Courbet sentado ante un lienzo que está pintando. Junto a él una mujer semidesnuda, que sujeta un manto largo, representa la musa: la inspiración. A su alrededor se disponen amigos, artistas., personajes de ideas progresistas (derecha) A la izquierda, el conjunto de la sociedad, gentes humildes, mendigos,(en homenaje a sus fuentes de inspiración como Velázquez), de los que el arte debe ocuparse por igual. Predominio del color sobre el dibujo, se aplica en forma de manchas, predominio de tonos oscuros, negros. Los Picapedreros Dos hombres picando piedra a orillas de un camino. Llamada atención de la dureza del trabajo de la clase obrera. Destruído en la 2ª Guerra Mundial. • Millet Es el pintor de los campesinos franceses Refleja en sus cuadros la sencillez y la calma a través de unos personajes llenos de humildad y dignidad. En sus obras las figuras se recortan sobre paisajes de horizontes lejanos y luces doradas. *El Ángelus Pareja de campesinos, que a las doce interrumpen su trabajo para rezar. Las figuras se recortan en un paisaje de horizontes lejanos. Luz dorada: mediodía. Predominio del color sobre el dibujo, pincelada rápida, manchas de color Tonos terrosos, ocres; que contrastan con el azul del pantalón de él y el rojo de la camisa de ella. Las espigadoras Representa a tres mujeres inclinadas, recogiendo las espigas . Paisaje de horizontes lejanos y bajos. Al fondo, tres mujeres dirigidas por la figura de un capataz. Pincelada rápida; predominio de tonos terrosos (momento siega), que contrastan con el blanco de la camisa de ella. Luz dorada por el momento y el calor. • Daumier Pintor muy comprometido con los temas sociales. Formas macizas *El vagón de tercera Recoge el ambiente de la gente humilde de la ciudad Las mujeres del primer plano dominan la composición Vemos a una mujer mayor, con una cesta en sus rodillas, junto a una mujer más joven que amamanta a un niño. La luz entra por la izquierda e ilumina a los personajes. Rostros con trazos gruesos. Expresiones de cansancio y abatimiento. Por detrás de ellas se disponen otros personajes anónimos. Resto en penumbra. La reducida gama cromática y el contraste de luces y sombras acentúan el carácter desolador de la obra. . La insurreccción Primer plano: chico joven que levanta el puño de la mano derecha. La lavandera Es una mujer que regresa a su casa con un bulto de ropa en la mano izquierda. Da la derecha a un niño. Paisaje urbano, con predominio de colores oscuros sobre el dibujo La luz al fondo intensifica el dramatismo de la situación: la mujer aparece destacada en la penumbra. ESCULTURA EL ROMANTICISMO El romanticismo escultórico se desarrolla básicamente en Francia. Representa los deseos revolucionarios y el dinamismo de la sociedad francesa del siglo XIX. *El principal representante es Rude, autor del Grupo de la Marsellesa que decora el Arco de la Estrella en París Representa un grupo de voluntarios que defendieron la República en1792. Las figuras forman un grupo cerrado de gente entremezclada en el que predominan las líneas diagonales. Es una expresión de fuerza, de dinamismo, exaltación del patriotismo en torno a la figura de la libertad, una figura alada, que está guiando al resto de los personajes. Recuerda a los dioses clásicos. Y todas las figuras son muy clásicas: algunas desnudas, otras con atuendos romanos. EL REALISMO Abandona los temas románticos y se inspira en los temas sociales La principal figura es Meunier . El tratamiento de personajes: El cargador, *el forjador, en bronce, nos recuerda a la obra pictórica de Millet, en su visión respetuosa hacia los trabajadores. 4 LA ARQUITECTURA: DEL SIGLO XIX: EL HISTORICISMO LA ARQUITECTURA DE HIERRO Y CRISTAL EL MODERNISMO Introducción El rasgo principal de la arquitectura del siglo XIX es el gran eclecticismo que hay, ya que se inspira en elementos muy diversos. Es un siglo de cambios profundos que se reflejan en el arte. Por un lado hay un espíritu romántico que recorre Europa, que dará lugar a movimientos nacionalistas que buscan en la Edad Media las raíces de sus pueblos. Los arquitectos se inspirarán en los estilos medievales Por otro lado la aventura colonial lleva a la influencia de culturas orientales: China, paises árabes, India., que también se reflejarán en la arquitectura. Estas influencias conforman el HISTORICISMO. También en esta época se exploran las posibilidades de los nuevos materiales, como el hierro, el vidrio o el cemento que dará lugar a nuevos edificios; hablamos de la ARQUITECTURA DE HIERRO Y CRISTAL. Al final del siglo EL MODERNISMO dará lugar a formas arquitectónicas decorativas que buscan su inspiración en la naturaleza EL HISTORICISMO Durante la segunda mitad del siglo XIX, la aparición de los ideales nacionalistas en países como Alemania, Francia, España o Inglaterra llevaron a la búsqueda de las raíces de su pasado, fundamentalmente , en sus diversas fuentes medievales. Así se revivieron simultámente varios estilos históricos: neorrománico, neogótico, neorrenacentista, neobarroco, neomudéjar… e incluso el gusto romántico por lo exótico dio lugar al neoegipcio en cementerios; neochino, en kioskos y pagodas en los jardines ingleses, etc Ninguno de estos estilos se impuso sobre los demás. .En Inglaterra se emplea el neogótico en las Casas del Parlamento de Londres, paralelo al Támesis donde domina la línea horizontal con torres que marcan mucho la verticalidad. En el Pabellón del Príncipe de Gales hay influencias del arte islámico. En Francia el neogótico tiene extraordinaria fuerza. Se edifican o finalizan catedrales, en este estilo y en cambio se prefiere el neorrenacimiento o neobarroco para hacer edificios civiles . Ejemplo: La ópera de París de Garnier en estilo neobarroco Otras obras son el Arco de la Estrella en estilo neorromano o la abadía del Sacre Coeur (neobizantina) En España se opta por el medievalismo: Basílica de Covadonga en Neorrománico La catedral de Barcelona en estilo neogótico, Sobre todo se impone el neomudejar en las plazas de toros y estaciones de ferrocarril. Se usa el ladrillo en la construcción y la decoración emplea arcos califales de la mezquita de Córdoba, paños de sebka de la Giralda (Almohade) y yeserías de la Alhambra, azulejos Ejemplo: Estación de ferrocarril de Toledo,de Jerez de la Frontera. Plaza de toros de las Ventas… LA ARQUITECTURA DE HIERRO Y CRISTAL Simultáneamente a la arquitectura historicista, La Revolución industrial posibilitó en la segunda mitad del siglo XIX la utilización del hierro en la construcción. También el vidrio apareció como protagonista de una nueva concepción arquitectónica y así a mediados de siglo se construyeron grandes edificios de hierro y cristal La construcción de nuevos edificios daba respuesta a las exigencias del progreso: - Los nuevos medios de comunicación como el ferrocarril exigieron edificar estaciones, puentes y grandes obras públicas. - Las nuevas industrias necesitaban instalaciones de dimensiones hasta ahora desconocidas. - Se potenciaron exposiciones universales con enormes instalaciones para exhibir y vender los nuevos productos que se fabricaban EUROPA En Europa destacamos: El Palacio de Cristal de Londres construido para la exposición universal por Joseph Paxton quien se inspira en su experiencia como constructor de invernaderos. Alberga un enorme espacio y se hizo de piezas prefabricadas. La Torre Eiffel en París, símbolo de la Exposición Universal de 1889, a los 100 años de la Revolución Francesa. Fue realizada por el ingeniero francés Gustav Eiffel, constructor de puentes. Se hizo para ser desmontada después de la exposición. Al final no se quitó, y ha quedado como el símbolo de Francia. Fue uno de los proyectos más audaces de la nueva arquitectura. Levantó una oleada de protestas entre los ingenieros y arquitectos más conservadores que la criticaban por considerarla de nulo valor estético y una deshonra para París. Pero se convirtió en el símbolo de la modernidad y de la nueva civilización industrial. Consta de cuatro partes separadas por plataformas. El peso es soportado por cuatro pilares de hierro inclinados que se unen en su parte inferior por arcos de medio punto inclinados, y que se prolongan hasta unirse en el tercer cuerpo en una enorme aguja, en una elevación increíble ya que sobrepasa los 300 metros. Es interesante observar la impresión de ligereza de este edificio traspasado por el aire y la luz, a pesar de estar construido con un material tan pesado Las piezas prefabricadas se montaron in situ con extraordinaria rapidez. Eiffel demostró con esta obra que la belleza no estaba reñida con la técnica. Con la misma técnica de hierro y cristales construyeron entre otros: La Biblioteca Nacional de París, Mercados como Les Halles , en París La Estación de Atocha en Madrid. 5 ESTADOS UNIDOS En Estados Unidos se aceptaron rápidamente las innovaciones arquitectónicas La destrucción de Chicago en el incendio de 1871 impuso la necesidad de una actividad constructiva rápida y económica .Así surge la Escuela de arquitectos de Chicago cuya característica fundamental fue la edificación en altura que dio origen al rascacielos. Este tipo de edificios fue consecuencia de tres factores: - La necesidad de reducir el coste total del edificio debido al alto precio del suelo en el centro de la ciudad . - La utilización de armazones metálicos que permitían superponer muchos pisos - La invención del ascensor a mediados del XIX si el cual el crecimiento en altura no habría sido posible. Rasgo característico es que se impone la primacía de la funcionalidad sobre la estética. El creador de la escuela es Le Baron Jenney,, autor de los almacenes Sears y Home Insurance Building donde los pisos alternan con cornisas Su máximo representante Louis Sullivan decía: “la forma sigue a la función”. Sienta las bases de la arquitectura funcional del siglo XX Realiza edificios de armazón metálico de pilares y viguetas en los que se elimina la madera para evitar incendios. Es autor de Los Almacenes Carson de 10 pisos que anticipan el sueño americano del Siglo XX en los que combina una fachada muy armoniosa en diez pisos en los que se abren grandes ventanas apaisadas al exterior. Realiza el Auditorio que se inspira en tradiciones arquitectónicas anteriores. Los primeros pisos presentan almohadillado (renacimiento) y la fachada, arcos abocinados (románico). EL MODERNISMO Surge a finales de siglo entre 1890 y 1910. Es un movimiento arquitectónico que rompe con el historicismo y las frías formas de la producción industrial. La rica burguesía industrializada y parte de la aristocracia reclamaron unas formas más refinadas en el arte. El modernismo propone un estilo decorativo que emplea elementos inspirados en la naturaleza. El modernismo tuvo un carácter integrador de las artes. Se interesó por la obra de arte total, desde la estructura arquitectónica hasta el diseño de muebles y utensilios domésticos, Se manifestó inicialmente en la artesanía, con líneas serpenteantes, motivos florales y geométricos, llegando a crear un lenguaje artístico de ámbito internacional europeo con diferentes nombres: - Art Nouveau en Francia y Bélgica - Liberty en Inglaterra - Floreale en Italia - Jugendstil en Alemania - Modernismo en España Características de la arquitectura en todos estos países son: - Se rompe con la tradición y se rechazan los estilos históricos. Los artistas quieren crear formas nuevas libres del peso de la historia - Preferencia por las superficies onduladas, sinuosas y curvas inspiradas en la naturaleza - La luz adquiere protagonismo, penetrando a través de miradores, ventanas, vidrieras. - Se impone el “decorativismo”: motivos decorativos a base de materiales de color, hierros forjados, maderas , inspirados en la naturaleza - Hay libertad en la distribución del espacio interior y exterior de los edificios BÉLGICA Victor Horta Es pionero del Modernismo. En su casa Tassel reúne todas las claves del Modernismo. La planta, alzado y diseño interior encuentran su inspiración en el mundo botánico.: Primacía de de volúmenes y formas curvas. Emplea el hierro en soportes , barandas , escaleras, balcones demostrando que el hierro no era sólo un material resistente sino que tenía cualidades decorativas. Renueva el espacio interior, prescindiendo del pasillo y habitaciones en fila. Imita elementos vegetales en soportes, lámparas… Realiza también edificios públicos y los Almacenes Innovation, un edificio comercial FRANCIA Destaca Hector Guimard que entre otras obras diseña algunas entradas de estaciones de metro de Paris ESPAÑA El Modernismo español tuvo su centro en España y más concretamente en Cataluña en la ciudad de Barcelona, donde la burguesía catalana será la mejor clientela del nuevo gusto modernista. Se inicia con la obra de diversos arquitectos como Domenech y Muntaner, autor del Palacio de la Música, pero sobre todo destacó la personalidad de Gaudí ANTONIO GAUDÍ (1852-1926) Es una de las mentes más creativas de la arquitectura contemporánea. Se incluye dentro del Modernismo pero su personalidad y originalidad lo alejan de los esquemas generales del Modernismo europeo. Estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Hombre muy religioso, de gran sencillez y conservador. Fue una mezcla de intelectual, bohemio modernista y artesano medieval Parte en sus comienzos de la inspiración gótica historicista francesa muy cerca de los criterios de Viollet le Duc . Los supera y se acerca a la naturaleza creando un estilo lleno de vida, realismo y sensibilidad. Incorpora elementos decorativos inverosímiles (huesos, flores, escamas) Formuló leyes totalizadoras de la arquitectura y el urbanismo ya que proyecta la ciudad, la casa y los objetos y muebles que la decoran 6 Creó un estilo tan personal que no dejó seguidores ni discípulos. Su obra fue muy criticada en su tiempo y no preciada hasta mediados del siglo pasado. Su formación historicista queda patente en sus primeros trabajos: El neomudejar domina en El capricho de Comillas, palacio en piedra y ladrillo . Tiene una especie de alminar. Parece nacido de un cuento. Palacio episcopal de Astoria ,de estilo Neogótico en piedra..Domina la línea curva, agujas en las torres. Casa de los Botines en León, En piedra Neogótica. Esta fase historicista termina pronto y evoluciona hacia un estilo más personal y original. Le influyen las formas curvilíneas del Art Nouveau francés y belga y su amor por la naturaleza. Uno de sus más importantes clientes fue el empresario Güell, para quien realiza dos obras: Colonia Güell Piedra y ladrillo como elementos naturales.. Cripta de la Colonia Güell, donde inicia todas las innovaciones arquitectónicas que irá desarrollando: soportes inclinados y bóvedas con arcos parabólicos. Los nervios recuerdan las ramas de los árboles. Se inclinan las columnas. (Entrada del) Parque Güell Era una ciudad jardín en una montaña con 60 viviendas que no se llegaron a levantar.Actualmente es un jardín con elementos arquitectónicos Se aprecian todas las innovaciones arquitectónicas: - Superficies alabeadas,: -soportes inclinados y arcos parabólicos -materiales tradicionales (piedra y ladrillo) unidos a otros más novedosos ;fragmentos de cerámica de color, integrada en el cemento (trencadís), hierro y cristal con fines exclusivamente decorativos El centro de todo el proyecto es una plaza con forma de teatro griego. Bordeando esa plaza hay un banco de formas onduladas, que permiten que se vean unos a otros.El banco realizado con la técnica del trencadís, uno de sus símbolos más importantes. Debajo de la plaza hay una sola hipóstila de colúmnas (recuerdan al orden dórico)con techos que forman lineas ciervas como si fueran nubes Acceso a la plaza: escalinata presidida por una fuente con un dragón con la técnica del Trencadís en tonos azules y amarillos., y una cabeza de serpiente Casa Batlló Fachada: sigue líneas curvas y subrayadas e incluye unas formas óseas. Vidrieras de colores. Tejado: recuerda la espina dorsal de un dinosaurio. Todo lo diseñó Gaudí, tanto el mobiliario como los detalles interiores. *Casa Milá (la Pedrera) Encargo de la burguesía catalana. Una de sus obras maestras. Domina la fantasía, pero nunca olvida que la principal función es la habitabilidad. Busca hacerlo lo más útil posible .Se articula en torno a dos patios centrales La fachada es espectacular. Domina la linea curva que se asemeja a una ladera erosionada por las oleadas del mar. El sobrenombre de la “pedrera” es porque se asemeja a un grupo de cuevas excavadas en la roca. Toda la fachada presenta un ritmo ondulante. Se compone de un planta baja, cinco pisos y un ático con terraza. Cada piso está separado por una ondulación diferente que recorre todo el largo de la fachada y que le confiere una marcada horizontalidad. Las ventanas y balcones están modelados en forma de motivos vegetales también curvilíneos. Cada balcón es diferente Domina el movimiento, no hay aristas ni esquinas, ni ángulos. El tejado, de líneas sinuosas se cubre de chimeneas e imaginativas formas escultóricas. Algunas nos recuerdan a guerreros. Todo el edificio se sustenta mediante una estructura de hierro combinada con piedra y ladrillo En el interior las habitaciones son poligonales y los muebles fueron diseñados y adaptados por el mismo Gaudí. La gran obra de su vida fue * La Sagrada Familia Todo lo anterior había sido una experimentación para aplicarlo a su obra cumbre. Era de tal magnitud que él pensaba que nunca lo iba a poder acabar.como así ocurrió Está inacabada. La inició en 1883 hasta su muerte en 1926, cuando al dirigirse al centro fue atropellado por un tranvía. La Sagrada Familia fue concebida dentro de un estilo Neogótico, muy personal. Pero a medida que avanzaba fue evolucionando hacia un estilo cada vez más inspirado en la naturaleza. Utiliza el cemento, la piedra, el hierro y los mosaicos cerámicos (Trencadís). Concibe la catedral con una planta de cruz latina con 5 naves y 1 ábside con girola o deambulatorio y capillas radiales (absidiolos).18 torres Bajo el altar mayor una cripta. El interior de las naves recuerda un bosque donde las columnas son troncos de árboles cuyas ramas se abren soportando las bóvedas. En ellas, una serie de ventanas con formas diferentes crean un juego de estrellas por donde entra la luz. Exteriormente: el edificio tiene un sentido ascendente propio del gótico. El proyecto está concebido con 3 fachadas: una a los pies y dos en los extremos del transepto. Cada fachada tendría 4 torres dedicadas a cada uno de los apóstoles. La torre del cimborrio en el centro, está dedicada a Jesucristo. Las torres son torres campanario que tratan de imitar los tubos de un órgano y están horadadas por una serie de orificios por donde sale el sonido de las campanas; pensadas para difundir de una forma especial el sonido. La primera fachada en el transepto terminada es la fachada del nacimiento: es un auténtico retablo de exaltación naturalista, porque en ella se combinan más de 100 7 especies animales y vegetales y decenas de esculturas integradas en el conjunto. Se pasa del realismo a la abstracción . Pórtico: parteluz, se continúa en el tímpano, recuerda un ciprés. Centro: figuras sobre el nacimiento de Jesús y el bautismo. Detalle de la vidriera de inspiración gótica; refleja un mundo de fantasía donde las figuras van saliendo perfectamente integradas. Agujas: inspiración abstracta. Cerámica vidriada Está inacabada Obra cumbre de Gaudí. IMPRESIONISMO 1. 2. 3. Marco histórico Caracteres Pintores impresionistas •Manet •Monet •Renoir •Degas 4. Escultura: Rodin POSTIMPRESIONISMO • Cézanne • Van Gogh • Toulouse Lautrec • Gaugin Marco histórico- caracteres Es un movimiento artístico que se produce en Europa en el último tercio del siglo XIX y principios del siglo XX. La segunda mitad del siglo XIX es la época de la revolución de los transportes: el ferrocarril, y nuevos descubrimientos como la fotografía.. Se inicia con una exposición de pintura en París en 1874, que causó un enorme escándalo entre la sociedad parisina. Un crítico de arte: Leroy, al comenzar la exposición se fijó especialmente en un cuadro de Claude Monet, titulado “ Impresión amanecer” y llamó de forma despectiva a todo el grupo que exponía "los impresionistas". El fracaso de la exposición fue estrepitoso. La burguesía francesa no entendió a estos pintores. Se les consideró como provocadores que desafiaban la tradición, pero en realidad, tan sólo trataban de atrapar la naturaleza en el cuadro, sin transmitir ningún mensaje moralizante ni social. El impresionismo es el arte por el arte; y su preocupación esencial es la plasmación del paisaje al aire libre, la luz y la atmósfera. Pero para que esto se comprendiera fue necesario llegar a finales de siglo. Entonces la actitud oficial cambió y se entendió que el impresionismo significa la ruptura con la pintura tradicional y el punto de partida de las nuevas tendencias del siglo XX. . En estos cambios, influyó mucho la aparición de la fotografia. Este invento modificó el concepto tradicional de la pintura, porque captaba la realidad de forma auténtica. Ya no hacía falta captar la realidad.como tal. El principio fundamental es que el artista debe pintar lo que ve, pero "de la forma que lo ve". Defiende la pintura al aire libre frente al ambiente del taller, porque el taller impedía ver los cambios que experimentan los objetos bajo las distintas luces. 8 Por eso, aunque cada pintor aporta diferencias; todos coinciden en salir y reflejar en sus lienzos la luz del Sena, de los bosques, de las calles, el ambiente de las terrazas... Todos intentan captar la impresión del objeto bajo la luz, el color y al atmósfera de cada momento Hay un interrés prioritario por mostrar la luz y sus efectos . La luz había preocupado a los pintores desde el Renacimiento (Leonardo, Piero de la Francesca); pasando por el Barroco (Caravaggio, Velázquez); hasta los paisajistas ingleses (Turner). Ahora el concepto de luz es diferente: los objetos sólo se ven en la medida que la luz incide en ellos.( también influencia de la fotografía: la luz define al objeto) Los antecedente más directos de este captar la luz con toque cromáticos los encontramos en Turner . Se abandonan las tonalidades oscuras par para representar las sombras. Yuxtaposición de manchas de color. En relación con el color, la ciencia desarrolló una teoría que los impresionistas hicieron suya, la gama cromática depende de unos cuantos colores puros, que se mezclan ópticamente en la retina. Los impresionistas decidieron demostrar que esto era cierto, pintando con pinceladas pequeñas, rápidas; y colores puros, que unidas conseguían la tonalidad deseada, siempre que el espectador observara el cuadro a la suficiente distancia. "Es como pintar la naturaleza con vibraciones de color". Supresión casi total de la línea y del dibujo. La pincelada siempre es fragmentada , espontánea y consigue unas superficies aparentemente inacabadas. A veces la pincelada es pastosa, como aplicada directamente desde el tubo .Da una sensación inacabada. (Los críticos al principio opinan que no saben pintar) Esta técnica ya había sido experimentada por Velázquez y Goya y ahora cada impresionista personaliza esta técnica de un modo especial, desde la técnica puntillista (Seurat) hasta la pincelada llameante de Van Gogh. La captación de lo instantáneo. Se intenta plasmar lo fugitivo, lo momentáneo. Temas Para ellos un cuadro es la impresión de un momento. Los temas son banales, cotidianos. Paisajes: busca el reflejo de la luz en el agua, en los árboles, en la piel; pero también se interesan por los avances y progresos de la ciencia: barcos de vapor, estaciones de ferrocarril., el humo… También le entusiasma la vida cotidiana de la Belle Epoque: las regatas, las carreras de caballos, las reuniones de amigos, el ballet. Con frecuencia en cualquier tema hacen una serie de variaciones en apariencias sucesivas: los Nenúfares de Monet, la catedral de Rouen... El centro del impresionismo es Francia. En España destaca Sorolla como nuestro más importante impresionista. Manet El precursor fue Manet. Estudio a fondo a los grandes maestros, en especial a Goya o Velázquez. Nunca aceptó formar parte de los impresionistas. No expuso con ellos, pero todos le consideraron su maestro. Sin embargo, pocas de sus obras son propiamente impresionistas. La comida campestre o desayuno en la hierba Aparece una mujer completamente desnuda y dos hombres vestidos, en un primer plano, sentados; mientras que en un segundo plano, una mujer se refresca en las aguas de un arroyo. La mujer sentada gira el rostro hacia el espectador y le mira en tono desafiante, con cierto descaro; mientras que los hombres tienen la mirada distraída. Uno de ellos extiende la mano haciendo un gesto que indica que está hablando. En un primer plano a la izquierda, aparece la ropa de ella sobre la hierba y parte del almuerzo en un bodegón La impresión que produce la escena es como de un boquete de luz, abierto en medio del bosque. Técnica: Manchas de colores verdosos con distintas tonalidades que contrastan con el nacarado de la piel de la mujer desnuda, algunos tonos amarillentos y sobre todo, la transparencia de los colores en el agua, que contrastan las superficies cromáticas. Negro de la camisa de los hombres. No hay claroscuro. La luz ilumina el cuerpo de las mujeres y las zonas de sombra son manchas de color. El espacio es plano, la mujer desnuda parece suspendida en el aire. Fue admirado por los impresionistas por la forma de tratar luz y color Causó una crítica feroz, no por el desnudo; sino por cómo se está tratando el tema. Se consideró como una provocación Se aceptaba un desnudo mitológico pero no un desnudo banal como este. Se prohibió su exposición. Olimpia Es un desnudo muy provocativo. También causó escándalo. Representa una mujer frívola tumbada en un diván, expuesta a la mirada del cliente. Junto a ella su criada negra. Influencia de la Venus de Urbino de Tiziano, o la Maja desnuda de Goya, Colores planos, las figuras parecen recortadas en en un espacio sin profundidad. La luz ilumina el blanco de las sábanas, el tono nacarado de ella contrasta con el oscuro de la habitación y la piel de la criada. La barca Retrató a Monet, que había instalado su estudio en un barquito en el Sena. Hay un puente. Chimeneas echando humo. Reflejo de la luz en el agua La pincelada es rápida, nerviosa, pastosa El dibujo pierde todo el protagonismo, todo es color. Tonos ocres, azules, amarillentos. Contraste con el oscuro de la barca. 9 • Monet (Muere en 1926) Es el paisajista del grupo Se mantuvo fiel al movimiento impresionista toda su vida Deseaba captar lo intangible. Su pasión por pintar los efectos de la atmósfera le condujo a diferentes países europeos en busca de distintos paisajes. A su obra se le pueden aplicar las características generales señaladas. Viajó a Londres para intentar captar la bruma de la ciudad, viajó a Provenza para captar la luz del mediterráneo; incluso a los fiordos noruegos, tratando de captar el aliento frío de la nieve. Una consecuencia de esta ambición fue el "serialismo": reproducción de un mismo tema en distintas horas del día o estaciones, para demostrar los efectos cambiantes de la luz y el color sobre los objetos. Llegó a pintar más de 3000 obras: escenas fluviales, marinas, acantilados, todo realidades ambientales. *Impresión, amanecer Dio nombre al grupo en la exposición del 74. La crítica fue demoledora. A todo el grupo se le denominó de forma despectiva impresionistas. Pintado directamente del natural. Capta el instante fugaz del amanecer Es el puerto del El-Havre, donde pasó su juventud. La bruma diluye las formas. Tres botes de remos en el puerto navegan en un mar de calma bajo la niebla de la mañana y el humo de las fábricas. El disco del sol se abre paso entre la niebla y refleja su luz en el agua. Al fondo, se insinúan unos barcos mercantes y las chimeneas de las fábricas; que dificultan la visión y diluyen las formas. Los botes parecen navegar hacia el espectador. La pincelada es corta, rápida, suelta. Define la atmósfera del puerto, con neblina Aplica el color con fuerza. El dibujo desaparece; dibuja manchas Domina el azul grisáceo. Apenas se insinúan las formas. Tono rojizo del sol, deja reflejos anaranjados en el agua. . Contraste del tono oscuro de los botes. Pretende captar un instante del amanecer captando la atmósfera y el reflejo de la luz en el agua.. Influencia de Turner. *Catedral de Rouen Pinta la fachada de la catedral gótica a distintas horas del día o estaciones del año Utilizando un color predominante, el azul en el amanecer, tonos dorados al atardecer. Intenta captar las variaciones y los cambios de luz sobre la fachada. Casi se pierde la forma y solo le interesan los efectos lumínosos del color. *Ninfeas Recoge el estanque del jardín del pintor en distintos momentos del día. Las formas de los nenúfares parece que se disuelven en el agua. El color se diluye. Es un estudio del reflejo de la luz en el estanque. Las amapolas Paisaje en un campo de amapolas. Avanzan una pareja formada por una dama y una niña. Juega con la fuerza del color: tono naranjado y rojo de las amapolas, tonos verdosos del resto. Jardín de Giverny Macizo de lirios, bajo una luz que penetra a través de las ramas de los árboles. Al fondo, se adivina una casa. Reflejo de la luz en las flores. Regatas Escenas sobre veleros, en el Sena. Contrasta el azul intenso del agua con el blanco de los barcos. Los reflejos del agua, la luz, la atmósfera cambiante reflejan el espíritu del impresionismo Renoir Es el retratista del grupo. Su interés es plasmar la luz en el cuerpo humano. , en escenas llenas de vitalidad y alegría. Experimenta con las impresiones lumínicas Trata de captar las vibraciones de la luz a través de los árboles y su reflejo en los cuerpos. Sus pinceladas parecen llamas de color. Le moulin de la Galette Es un retrato colectivo de sus amigos hablando despreocupadamente en una terraza, una tarde de verano mientras un grupo de parejas bailan. En primer término, el grupo charla en torno a una mesa donde aparecen los vasos de las bebidas a medio consumir. Dos mujeres cierran el círculo, mientras otros bailan. Una pareja parece mirar al espectador. Lo más llamativo es la luz que se filtra a través de las hojas y se refleja en los cuerpos, dejando manchas de luz y sombra en las chaquetas, vestidos. Hay también luz artificial Tonos verdosos, azulados, amarillos que contrastan con el tono oscuro de las chaquetas. Escena cotidiana que refleja la alegría y ganas de vivir la “Belle Epoque". Madame Charpentier y sus hijos Escena familiar .La madre observa a sus hijos que hablan entre sí con toda naturalidad. En la playa Joven sentada con una labor entre las manos. Gira el rostro y mira al espectador. Al fondo, paisaje del mar con unos veleros. El dibujo no existe. Las pinceladas largas, rápidas, aplican el color en forma de manchas que sugieren las formas. Colores verdosos, azules, amarillentos. 10 Niña con regadera El almuerzo de los remeros Recuerda al Moulin de la Galette. Hay una reunión distendida junto a la mesa, con mantel blanco, centro de la composición Nadie está mirando al pintor. Es un momento captado en una reunión. Al final de su vida, Renoir sufrió una especie de crisis, él mismo confiesa que había llegado al final de las posibilidades del impresionismo. Trata de recuperar el dibujo, la línea y la forma. Esta tendencia se puede observar en: Los paraguas donde recupera forma y dibujo Degás Es el más atípico, porque sólo pintó en algunas ocasiones al aire libre. Se incluye dentro del impresionismo por su técnica de pincelada rápida. Es el cronista de la alta burguesía a la que él pertenecía. Sintió especial interés por la figura humana y su capacidad de movimiento y contorsión. Este interés se concreta en su tema preferido: Las bailarinas de ballet Capta el mundo del ballet en todos sus momentos: ensayos, escenario, desuso. Todo visto bajo las candilejas (focos) reflejándose en los tutús mostrando el brillo y transparencias de los trajes de ballet. Capta el momento fugaz de los pasos de baile como una instantánea fotográfica, Otro de sus temas favoritos es el ambiente de los hipódromos: En las carreras Jinetes en el momento previo a la carrera. También le interesa el arreglo femenino de la mujer. ESCULTURA IMPRESIONISTA: RODIN El impresionismo es un movimiento esencialmente pictórico, pero que también ejerció una profunda influencia en la escultura. Algunos pintores como: Renoir o Degas en la última etapa de su vida se dedicaron también a la escultura, intentando captar la luz resbalando por los cuerpos, mediante un modelado rugoso de la superficie. El que mejor plasma el impresionismo en escultura es Auguste Rodin. Rodin (último tercio s. XIX, principios s XX) Es el autor más representativo del siglo XIX. Sus obras tratan de captar los efectos de la luz sobre un particular tratamiento de las texturas y superficies Consideraba que la estatua debía guardar relación con la atmósfera que le rodea Él supo combinar la herencia clásica con los nuevos hallazgos estilísticos y abrir las puertas de la escultura moderna gracias a sus innovaciones Su obra trataba no de copiar la realidad; sino de transmitir sensaciones y sentimientos. Estudió apasionadamente la escultura clásica y sobre todo a Miguel Ángel, que ejerció en él una enorme influencia. De él le influyen: - Estudio anatómico. - Fuerza de la musculatura. - Formas sobredimensionadas. - Non-finito de la obra Estuvo sentimentalmente unido a los impresionistas y reaccionó contra los modelos inmóviles de las Academias. Su escultura fue considerada en su tiempo como inacabada, porque presentaba partes en piedra sin terminar con el fin de potenciar el efecto simbólico y la expresividad. Sus obras "no acabadas" deben ser completadas por la imaginación del espectador, siguiendo un efecto impresionista.(Recordamos como antecedente la obra inacabada de Miguel ángel: Non finito) Hace figuras en bronce y también en mármol Influyó muchísimo en la escultura del siglo XX La edad del bronce Hombre de pie, desnudo. Las puertas del infierno Fueron un encargo del Museo de Arte decorativo de París; y están inspiradas, temáticamente en la "Divina Comedia" de Dante y en "las flores del mal" de Baudelaire. Recuerdan las puertas del Baptisterio de Florencia A diferencia de Guiberti, Rodín prescinde de los compartimentos y funde espacio-tiempo. Constituyen un ambicioso proyecto, que incluía 186 figuras y que no llegó a terminar. De algunos de sus esbozos surgieron algunas figuras consideradas como obras maestras y que después él desarrolló de forma independiente y en tamaño mayor, especialmente El pensador o el beso 11 En estas puertas, el pensador contempla desde el dintel los horrores de los condenados que se precipitan al infierno. Recuerdan también la pintura del Juicio final de Miguel Ángel. Las figuras son retorcidas, musculosas, llameantes y están talladas en distintos planos; desde un bajo a un alto relieve. El efecto es como de un gran retablo de las pasiones de la humanidad, desde la sensualidad del beso, hasta el sufrimiento de Adán y Eva. Constituyen una especie de meditación sobre el destino de la humanidad. Altura de más de 5 m. Fundidas en bronce. El beso Es una de las pocas esculturas de Rodin aceptadas por el público. Es una fantástica expresión de la belleza, conseguida mediante el movimiento suave de superficie y líneas onduladas que se multiplican en una composición que parece encerrarse en sí misma. El rasgo más destacado es la multiplicidad de puntos de vista que obligan a rodear el grupo escultórico El pensador Hombre concentrado en sus pensamientos, en posición sedente. Fue concernido inicialmente como la figura que debía presidir las puertas del Infierno desde el dintel. Los distintos planos y superficies rugosas y pulidas producen un juego cambiante de luces y sombras. Recuerda a las figuras de las tumbas de los Médicis de Miguel Ángel. Inicialmente representaba a Dante, pero posteriormente ya como escultura independiente, es simplemente un hombre en actitud reflexiva, Está desnudo, con los brazos, las manos y los pies sobredimensionados (Miguel Ángel). Piensa involucrando su cuerpo. Todos los músculos están en tensión, como crispados por el esfuerzo; esto y la concentración del rostro nos llevan a Miguel Ángel. Más que ejercicio mental parece estar haciendo ejercicio físico. Es una escultura cerrada en sí misma. La mano derecha sostiene la cabeza, la izquierda descansa sobre la rodilla y el acabado recuerda el non-finito. La superficie rugosa provoca contrastes de luces y sombras, que transmiten más la sensación de tensión. Esta obra se interpreta como un símbolo del pensamiento y como una reflexión sobre el destino trágico de la humanidad Los burgueses de Calaís Grupo escultórico. Rodín recurrió en este encargo a la deformación anatómica para acentuar la fuerza expresiva, con lo que se anticipó al expresionismo Representa el momento dramático en que los seis burgueses más importantes de Calais se rinden ante el rey de Inglaterra (s XIV), semidesnudos y descalzos ( serían ejecutados.) Rodin quería que estuviese a la misma altura que los ciudadanos que pasaran junto a ella pero se elevó sobre un pedestal.( En posible comentario añadir todas las características de Rodin). Monumento de Balzac Literato del realismo francés. Envuelto Balzac en un albornoz, (ya que se envolvía para escribir en ese albornoz) Trata de simbolizar la creatividad del autor. Gran fuerza expresiva. POSTIMPRESIONISTAS Este término se popularizó hacia 1910, para catalogar a una serie de pintores que se venían relacionando con planteamientos impresionistas si bien eran más rupturistas que ellos. Estos pintores piensan que la obstinación de los impresionistas por plasmar en la pintura el instante fugaz. los había conducido a un punto sin retorno. Los artistas insatisfechos traspasaron los límites del impresionismo, pero sin renunciar a los logros técnicos que se habían obtenido. La síntesis pictórica que elaboran abre las puertas a las vanguardias del siglo XX. Algunos rasgos son: - Recuperación del dibujo y las formas - Preocupación por captar la fuerza expresiva de los objetos y personas iluminadas. - Se recrean en el análisis de las formas . Los grandes representantes del movimiento postimpresionista son: • Cézanne • Gauguin • Van Gogh • Toulouse Lautrec • Cézanne (1839-1906) Es uno de los pintores postimpresionistas que más influencia ha ejercido en todos los movimientos posteriores. Su influencia fue definitiva en el cubismo, y otras corrientes del siglo XX No alcanzó la popularidad hasta los 50 años. Rasgos: Del impresionismo aprendió la observación directa de la naturaleza y la importancia de la luz, pero se distanció del grupo progresivamente ya que le preocupaba el volumen de las formas olvidándose de lo fugaz del impresionismo. Decía. “en pintura hay dos cosas : ojo y cerebro” Considera que las formas se estructuran en torno a tres módulos geométricos: esfera cilindro y cono. -Dice que hay que aprender a pintar sobre esas formas esenciales. Frente a la pintura del momento fugaz, su obra es fruto de un trabajo lento y reflexivo. -Su geometrización de las formas es una antelación del cubismo. -Considera el color como un medio para destacar las formas, mientras que en el impresionismo, el color las diluye. -La pincelada sirve para aplicar ese color a las formas y les da volumen y sensación de peso.. Bañistas Grupo de figuras desnudas, dos de pie. Mujer sentada a la izquierda en un estanque. Fondo plano, la perspectiva pierde valor. 12 El color lo usa para destacar las figuras, olvidando la perspectiva. Tonos azules, verdes, amarillos. En Las grandes bañistas (libro) se observa la geometrización de los volúmenes, base del cubismo. *Los jugadores de cartas Pertenece a una serie de cuadros del mismo tema Hombres en torno a una mesa, presidida por una botella de vino, juegan a las cartas El eje de simetría lo marca la botella que divide el lienzo en dos partes, que no son exactamente iguales: Un jugador está en un espacio más amplio y su cuerpo más erguido. El otro jugador se inclina sobre la mesa. Emplea formas geométricas: la mesa plana, la botella cilíndrica, conos de los brazos, el cono del sombrero y la esfera de la cabeza. El color sirve para destacar las formas y el volumen. Los tonos se contraponen en los dos jugadores, señalando más la tensión del juego El fondo es plano, sin perspectiva; sirve para que destaquen las figuras solamente. Todo subraya la confrontación de los dos. El personaje de la izquierda es el mayor. Sus cartas son más blancas. Transmite la sensación de seguridad y de serenidad del ganador. El personaje de la derecha: expresión del vencido. Se inclina. Sus cartas son más grises. Cézanne quiere simbolizar aquí el enfrentamiento con su padre, que nunca le aceptó como pintor. La montaña de Santa Victoria Hace una serie de vistas de esta montaña donde la perspectiva ha dejado de tener valor. Combina diferentes manchas geométricas de diferentes colores captando volúmenes. Bodegón Hace muchos bodegones donde combina puntos de vista diferentes, lo que anunciaba el cubismo. Los elementos que lo componen le servían para el estudio de formas sólidas permanentes frente a lo fugaz del impresionismo La perspectiva desaparece. Retratos La mujer de la cafetera Su esposa al lado de una mesa con una cafetera. • Gauguin (1848-1903) Fue un aventurero. Inicialmente fue marino, luego corredor de bolsa, actividad alejada del arte Luego se inició dentro del impresionismo con Pisarro. Pero pronto se alejó del grupo en busca del primitivismo. Viajó a Las Antillas y a América Central con la intención de romper con la civilización occidental y la artificialidad de la sociedad burguesa. Buscaba la regeneración del arte europeo. Regreso a Francia y durante unos meses vivió con Van Gogh al Sur de Francia; pero su relación acabó de forma dramática. Volvió a los mares del Sur (Polinesia) en busca de la vida en la naturaleza. Busca fuentes de inspiración más puras y primitivas Su pintura se centra en la exaltación del color, que es el principio que más tarde siguió el fauvismo. Él decía, en lugar de pintar la naturaleza tal como se ve, se la debe transformar en un juego de colores libre. Pinta como si realizara vidrieras, creando amplias zonas de color y contorneando las figuras de forma muy nítida. Las líneas oscuras separan espacios cromáticos de colores planos. Él quería expresar sus sentimientos e ideas, temas relacionados con su mundo interior La influencia de la pintura indígena, aumentó la fuerza expresiva. Obras: Visión después del Sermón Grupo de mujeres vislumbrando un ángel luchando contra Jacob, objeto del sermón al que han asistido las mujeres Colores planos: blanco de las tocas, azul intenso, rojo. El simbolismo se aprecia en la mezcla del mundo real con el imaginario. Color antinaturalista de la hierba. Fondo plano Cristo amarillo Contraste entre tonos amarillos, ocres, blancos. Tema medieval actualizado. Figuras a sus pies. Se recorta sobre el paisaje Cristo algo desplazado. Fuertes contrastes cromáticos. Colores antinaturalistas. *Mujeres indígenas. Grupos de dos mujeres Plasma la vida de las indígenas, destacando su sensualidad. Las líneas remarcan las formas, colores planos, como vidrieras. Contraste entre el color oscuro de la piel y el blanco del traje. *Tahitianas En primer plano, se recortan sobre la arena .Al fondo del mar, sin perspectiva Las mujeres presentan trazos curvos, actitudes relajadas, colores cálidos. • Van Gogh (1853-1890) Es holandés. Tuvo una vida corta. Era apasionado, sensible y desequilibrado. Al mismo tiempo fue un prodigio de actividad creadora. Vivió sólo 37 años. Fue en los últimos nueve años en los que realizó la mayor parte de su obra (casi 1000 obras), aunque sólo vendió una en su vida. En cambio, paradójicamente, Van Gogh es de los más cotizados en las subastas de cuadros actuales. Económicamente dependía de su hermano Teo. Ante el agravamiento de su enfermedad mental ingresó en una clínica psiquiátrica donde lo llamaban "el loco pelirrojo". Acabó suicidándose en 1890. Llegó a París sobre el año 86. En Paris, entró en contacto con los impresionistas, con los que no se identificó plenamente. En el Sur de Francia pasó sus últimos años, en Arles, y aquí empezó a utilizar la pincelada ondulante, llameante; que lo caracteriza. Aplicaba el color con tonos intensos, puros: azules, amarillos, verdes, tan representativos y realiza los contornos de las figuras con líneas curvas y negras. Pone el color al servicio de la expresión . 13 Su técnica es de pinceladas rápidas, discontinuas, fragmentadas en manchas, comas, líneas onduladas Pintó paisajes de formas serpenteantes que representan su atormentado mundo interior. Espacio de horizontes lejanos, cielos nocturnos estrellados Otros temas los cipreses (como llamas que se elevan), los suelos estremecidos, los girasoles, los lirios, escenas de interior (su habitación). Amplia serie de autorretratos en los que emplea distintas técnicas y muestran el deterioro de su aspecto físico y la enfermedad. Durante su estancia en Arles, estuvo compartiendo taller y viviendo con Gaugin; pero se pelearon y se cortó una oreja. • Primera época en Holanda Los comedores de patatas Más próximo al realismo. Realidad social de un grupo de campesinos que tras el trabajo se reúnen para compartir la escasa comida .(él fue predicador en un pueblo de mineros, está cerca de la pintura realista) Predominan los tonos oscuros, grises. No se parece a la obra de Arles. Luz de un quinqué que resalta los rostros un poco deteriorados por el trabajo y sus condiciones de vida. • Arles *Café de Arles de noche Café de Arles, mesa de billar en el centro y mesas y sillas. Las formas están resaltadas por un dibujo enérgico y oscuro. Tono amarillo del suelo, azules de las mesas. Luz que vibra en los quinqués del techo se refleja en el amarillo intenso del suelo. Cierta perspectiva lineal (líneas convergentes del suelo, paredes y puerta abierta al fondo de donde procede una la luz más clara.) Pincelada rápida para aplicar el color, nerviosa. El cuadro transmite cierta carga emocional. Los personajes escasos aparecen aislados, sin comunicación El mismo decía que “el café es un lugar donde uno puede arruinarse, volverse loco o cometer crímenes” *Terraza del café de noche Cielo oscuro, donde las estrellas brillan de forma especial. Pinta la terraza amarilla intensa: luz eléctrica, artificial. Suelo, pincelada rápida, curva. Efecto de la luz sobre el empedrado. *Su habitación en Arles A la derecha su cama, una mesita, una jarra con agua, sillas... En la pared del fondo la ventana semicerrada indica su estado deprimido. En las paredes algunas de sus obras, retratos. La perspectiva es simple y lineal: líneas convergentes del suelo, paredes. Mobiliario sencillo. Colores muy vivos, contrastados Tono azulado paredes, rojo intenso de la colcha que cubre la cama que indica su inestabilidad. Campo de cipreses Dos cipreses llameantes: derecha. Izquierda: heno y otros árboles Fondo: montañas onduladas. Cielo: marcado por unos torbellinos. . Las líneas onduladas transmiten inestabilidad al paisaje. El sentido ascendente que produce la verticalidad de los cipreses recoge las inquietudes espirituales de este hombre con una mente atormentada. *La noche estrellada (1889) Este año ingresa por decisión propia en el manicomio de Saint- Remy. Ya había pintado cielos nocturno, pero esta es una obra maestra. En primer término: cipreses llameantes, que marcan un sentido ascendente, vertical, junto a la torre de esta Iglesia. Indican su espiritualidad y ansia de libertad El cielo está lleno de torbellinos; es la luz de las estrellas que parecen girar en un movimiento frenético. Son torbellinos amarillos rodeados de pinceladas blancas. Son una muestra de la personalidad atormentada, La luna es amarilla, contrastando con el azul intenso del cielo. Parte inferior: un pueblo, cuyas casas se subrayan con líneas rectas que contrastan con las onduladas líneas del fondo. Utiliza pinceladas vigorosas de trazo discontinuo y circular. La pincelada rápida Violetas intensos, azules y amarillos. Todo indica su inquietud interior.. Lirios Sus tallos parecen moverse por el efecto del viento. La iglesia de Auvers Iglesia gótica sobre una colina, que parece a punto de desmoronarse bajo un cielo intensamente azul con torbellinos .Refleja su Inestabilidad interior. Hacia la iglesia se dirigen una serie de caminos serpenteantes por uno de los cuales camina una mujer Tonos amarillos, azules. Pincelada llameante. Autorretrato con la paleta "Autorretrato vendado". Expresión de ojos inestable: situación de su mundo interior (se había cortado la oreja) Retrato del doctor Gachet Sentado sobre la mesa, apoyado sobre la mano derecha. Expresión triste. Líneas inestables. Los girasoles Fondo plano, uniforme, sólo sirve para destacar la forma de los girasoles. Pinceladas rápidas Tonos amarillos. Simbolizan el sol de Arles. • Toulouse Lautrec (1864- 1901) Valiéndose de la técnica de los colores puros pintó el ambiente de los "bajos fondos" de París (las bailarinas de los cabarets, los cafés) y representa la expresión del artista parisino, bohemio, que fue capaz de convertir los carteles en obras de arte. Seguidor de Degas, le interesa la figura humana . En el Baile en el Moulin Rouge las figuras se delimitan de manera muy nítida y capta el momento instantáneo del giro. 14
